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APUNTES MÚSICA 3º ESO. PROFESORA COLOMA RODRÍGUEZ ARRÁEZ
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TEMA 7: Siglo XX
El siglo XX es un periodo de cambios acelerados ene l que conviven distintos estilos musicales. El desarrollo de los sistemas de grabación y de los modernos medios de comunicación facilitará el conocimiento y la difusión de esa variedad de tendencias y abrirá las puertas a búsqueda de nuevos lenguajes, que irán abandonando el uso de la tonalidad funcional y creando un nuevo universo sonoro y un concepto distinto de obra. Desde un punto de vista cronológico, la música contemporánea comienza a finales del siglo XIX con los movimientos nacionalistas de último Romanticismo y con otras tendencias, en cierto modo continuistas, como el Impresionismo y el Expresionismo. A principios del siglo XX, surgen el Futurismo y el Dadaísmo, y un poco más tarde el Dodecafonismo, estilos que marcan realmente una ruptura con el lenguaje anterior. Junto a ellos, en torno a 1920, aparece el Neoclasicismo, que vuelve a la estética clásica, reviviendo el cultivo de sus formas. Tras la Segunda Guerra Mundial, surgirán nuevas corrientes de vanguardia como el Serialismo, la música concreta, la electrónica y aleatoria. 1. CONTEXTO HISTÓRICO El siglo XX es un periodo de cambios acelerados. El desarrollo de las comunicaciones y de las tecnologías van a influir en gran medida durante el transcurso de este periodo. Sin embargo, los problemas socioeconómicos y políticos derivados de la Revolución Industrial culminan a principios de siglo con la Primera Guerra Mundial (1914-‐1918) y la Revolución Rusa (1917) y más tarde con la Segunda Guerra Mundial (1939-‐1945). Estos hechos sacuden hasta lo más íntimo las conciencias de la población. El panorama europeo es desolador ya que las guerras trajeron millones de muertos y muchas personas se vieron obligadas a abandonar sus países. Sin embargo, nada más terminar Segunda Guerra Mundial se inicia una reconstrucción que abarcará todos los ámbitos: político, económico, social, ético y, por supuesto, artístico. El auge de la tecnología, los medios de transporte y las telecomunicaciones convierten a nuestro planeta en una aldea global que conoce casi con total inmediatez lo que ocurre en el mundo entero. 2. CONTEXTO SOCIAL El siglo XX es un periodo en el que los cambios y las novedades en el mundo del arte se van a dar con gran velocidad. Nunca antes, en la historia se había visto proliferar tal cantidad de escuelas, movimientos y novedades como ahora. Los cambios y las tendencias se suceden de forma acelerada. Estamos ante una época de replanteamiento estético y formal del arte. Todos los movimientos que surjan tendrán un nexo común: el deseo de ruptura con el pasado. El contacto de la sociedad europea con culturas lejanas, propiciado por el avance de las comunicaciones y las exposiciones universales aportará nuevos horizontes a la creación artística. Desde finales del siglo XIX la pintura asume un liderazgo indiscutible en el terreno artístico, ya que encabezará todos los cambios y vanguardias que vayan surgiendo en el transcurso del siglo XX.
3. FUNCIÓN DE LA MÚSICA DEL SIGLO XX En este periodo, se desarrollan dos corrientes distintas: Por un lado, las guerras mundiales y las crisis económicas llevan a artistas y pensadores a romper con el pasado y buscar nuevas formas de expresión artística en las que no siempre se trata de agradar al oyente. Esta música queda reducida a pequeños círculos de especialistas. Por otro lado, el gran público tiene toda la historia de la música a su disposición en grabaciones. Además, se ha producido una gran fusión de músicas de distintos países y culturas, y tanto la música popular como la clásica se han convertido en un objeto más de consumo.
PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX A comienzos de siglo, los nuevos lenguajes se fueron imponiendo de manera gradual, y con mucha dificultad, en un mundo aún dominado por los últimos grandes compositores del Postromanticismo y del Nacionalismo. Compositores que, a pesar de componer en el umbral del siglo XX, tuvieron una gran influencia posterior. La nueva concepción de componer vino de dos ciudades diferentes, que fueron París y Viena. En el primer caso con las aportaciones del Impresionismo de la mano de C. Debussy, que supone un punto de partida para la música de vanguardia; en el segundo con la ruptura que suponía la música de Arnold Schoenberg y sus discípulos en la Escuela de Viena. Hubo otras rupturas, incluso más radicales, como la del Futurismo en Italia, que aunque no tendrán mucha vigencia como corriente estética, influirán en los movimientos que tendrán lugar en la 2ª mitad de este siglo. Otros movimientos, como el Neoclasicismo, intentarán devolver a la música a sus cauces tradicionales.
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4. EL IMPRESIONISMO El impresionismo es un movimiento pictórico – musical que surgió en Francia en el último tercio del siglo XIX como reacción al realismo. El impresionismo pictórico trató de ver de otro modo la realidad y paisaje, dejándose seducir por la luz y por el color más que por la forma, por las impresiones más que por la realidad. El impresionismo musical nació hacia el año 1882 debido a la influencia de los pintores impresionistas y también de los poetas simbolistas. Encontró un nuevo lenguaje, en el que predominaban los instrumentos, la belleza del sonido y los aspectos sensoriales de la música. El resultado es una atmósfera sonora basada en impresiones auditivas con un clima de vaguedad e impresión. Las fuentes de la inspiración son la poesía y la naturaleza especialmente aquellos que se mueven. El impresionismo importa de otros países las escalas pentatónicas, el gong y los instrumentos de la orquesta gamelán; de otros tiempos de la historia de la música recuperan los modos antiguos y descubre la escala en tonos enteros. 5. EL POSROMANTICISMO En los últimos años del siglo XIX, Alemania continuó con gran tradición sinfónica. Los compositores posrománticos buscaron la perfección formal de Brahms y la grandiosidad de Wagner, a través de unos textos que no son ya descriptivos, sino de carácter ideológico y político. Los principales compositores que se engloban en esta corriente son: Gustav Mahler (1860 – 1911), que desarrolló de forma destacada el género sinfónico e incluso aumentó su duración y el número de ejecutantes. Destacamos a Sergie Rachmaninov, Richard Strauss y Camille Saint – Saëns. AUDICIÓN: Camile Saint – Saëns, El carnaval de los animales, Los fósiles.
6. EL EXPRESIONISMO El posromanticismo desembocó en el expresionismo, movimiento que se sirve del arte y la música para reflejar el dramatismo del hombre en los años posteriores a la Primera Guerra Mundial. Se abandona el realismo, en el convencimiento de que la realidad no es como la vemos. Por eso se crean realidades propias y se llega al arte abstracto. El principal representante de la música expresionista es Schoenberg, de la Escuela de Viena. Esta música puede sonar extraña, porque no estamos acostumbrados a escuchar este estilo, en el que prevalece la expresión, se renuncia totalmente a las leyes de la tonalidad y desemboca en el sistema dodecafónico. AUDICIÓN: Arnold Schoenberg, Gebet and Pierrot, Pierrot Lunaire.
7. NUEVA SONORIDAD: STRAVINSKY El compositor ruso Igor Stravinsky (1882 – 1971) es uno de los músicos más notables del siglo XX: Su obra, difícilmente clasificable por la variedad de estilos que presenta, marca el inicio de una sonoridad verdaderamente contemporánea que influirá en todos los compositores de la época. La gran obra de Stravinsky que señala este nuevo rumbo para la historia de la música es el ballet La consagración del primavera, escrito por encargo de Sergie Diaghilev, fundador y director del Ballet Ruso, que ofrecía largas temporadas en París atrayendo los servicios de los principales artistas de la época. El estreno de La consagración de la primavera, el 19 de mayo de 1913 en el Teatro de campos Elíseos de París, provocó el mayor escándalo de la historia musical moderna. La fuerza de sus ritmos con constantes desplazamientos del acento, la superposición de acordes en distintas tonalidades, la mezcla de timbres de la orquesta y el empleo percusivo de la disonancia, suscitaron en el público parisino un rechazo absoluto. Además, a la música de Stravinsky se añadió la coreografía ideada por Vaslav Nijinsky, utilizando movimientos bruscos, pasos de talón y golpes y desplazamientos sobres el suelo. AUDICIÓN: Stravinsky. La consagración de la primavera.
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6. NEOCLASICISMO Frente a otras corrientes que buscan la abstracción, el neoclasicismo pretende conectar con el público y ofrecer una música grata al oído. Es un movimiento musical que se inicia en Francia y supone un rechazo al impresionismo, al romanticismo y al expresionismo. Se vuelve a modelos clásicos y barrocos aunque con algunas diferencias, ya que se trata de una música que utiliza un lenguaje moderno en cuanto a armonía, timbres, ritmos, melodías… muy influenciado por el jazz y otras tendencias del siglo XX. Fueron compositores neoclasicistas los franceses del Grupo de seis, durante alguna etapa, los alemanes Richard Straus, Orff Hindemith y Weil, en Inglaterra, Briten, en Hungría, Bartók, en España, durante un periódo, Manuel de Falla (Retablo de Maese Pedro y Concierto para flauta, oboe, clarinete, violín y violonchelo), así como Ernesto Halffter y Joaquín Rodrigo entre otros. AUDICIÓN: Joaquín Rodrigo. Estudiantina, Concierto para arpa y orquesta.
SEGUNDA MITAD SIGLO XX Herederos de las novedades aportadas en las primeras décadas, durante la segunda mitad de siglo el arte en general y en particular la música siguen las pautas de ruptura con lo establecido marcadas por los autores de las generaciones anteriores. Ya ha desaparecido de forma definitiva el lenguaje universal tonal, llegamos en este periodo a la concreción de estilos artísticos mucho más radicales e individualistas, en los que todo es válido para crear una obra de arte, que, muy a menudo, va a sorprender al un público que no está preparado para este tipo de música. Por primera vez en la historia de la música los medios electrónicos, que se van desarrollando debido al gran avance de la tecnología, formarán parte de la composición. Los instrumentos tradicionales van dejando su sitio a otros instrumentos de nueva creación, que se congregarán en el laboratorio musical y más tarde en el ordenador.
7. FUTURISMO Es un movimiento estético nacido en Italia en 1909. Se trata de la corriente más radical del siglo XX, y su principal precursor es Tómmaso Marinetti, artista y escritor que tuvo gran repercusión en las artes plásticas. Su incidencia en el terreno musical fue más bien escasa, afectando casi exclusivamente a la obra de los italianos Luigi Russolo y Balilla Pratella. El movimiento futurista se basa en la introducción de los ruidos y las máquinas en la música. Los futuristas se inspiran en el ambiente industrial de la sociedad del siglo XX. Buscan enriquecer el sonido y desvincularse del pasado, declarando la guerra a la tradición y a los timbres limitados de los instrumentos convencionales. Russolo, en 1913, publica "El manifiesto de los ruidos", obra en la que se dan a conocer los fundamentos de esta corriente. En este libro, el autor clasifica los instrumentos de la orquesta futurista en seis familias, en las que podemos encontrar gruñidos, silbidos, risas, gritos, golpes... Russolo, fue capaz de crear un instrumento capaz de producir ruidos variados. A este artefacto lo denominó "entonarruidos" La corriente futurista, en su sentido más estricto, no duró mucho tiempo, pero su idea de conectar la música con la realidad utilizando los ruidos de la vida moderna, tendrá una gran influencia en muchos compositores contemporáneos y anticipará las técnicas de la música concreta. Entre los músicos más influenciados por el Futurismo podemos citar a Edgar Varese, con obras como "Ionization" (primera obra en la historia escrita únicamente para instrumentos de percusión) o Arthur Honegger, con "Pacific 31" (obra que describe el movimiento de una locomotora). AUDICIÓN: Ionization, Edarg Varese
1. MÚSICA ALEATORIA Durante los años sesenta, muchos compositores tratan de introducir en la música una mayor libertad compositiva. El compositor John Cage pone en cuestión el concepto de obra musical, así como el de concierto. Su mayor aportación es la incorporación del azar en las obras musicales, que implica un componente importante de improvisación para el intérprete o los intérpretes. El resultado final nunca es igual en cada interpretación. En estas obras el compositor suele dar una serie de indicaciones, pero nunca define la obra: el intérprete o los intérpretes pueden escoger el orden de los fragmentos, tener momentos de improvisación o repetir libremente algunas de sus partes. En la obra Atlas Eclipticalis, su compositor, John Cage, se limita a utilizar un mapa de estrellas y transportarlo directamente a la grafía musical. En sus indicaciones respecto a la obra dice: “… puede ser interpretada por cualquier formación, de cámara y orquesta… y afirma que…. no tienen ninguna de mis ideas, ni de mis sentimientos, simplemente son sonidos…”. AUDICIÓN: John Cage, 4 33
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2. MÚSICA ELECTROACÚSTICA Música que se produce, se modifica o se reproduce mediante medios electrónicos y que lleva a cabo una utilización creativa de equipos electrónicos. Desde el año 1948 han surgido diversos géneros que suelen relacionarse con el potencial artístico de procedimientos electrónicos específicos: la música concreta y la música electrónica. 2.1. Música concreta El proceso creativo de estas obras era el siguiente: los compositores grababan en una cinta magnetofónica toda clase de sonidos y ruidos “concretos” de la vida corriente. Más tarde, transformaban y combinaban estos sonidos en el laboratorio. El resultado final era una obra, llamada música concreta, grabada en una cinta magnetofónica que manipulaba los sonidos reales. Por primera vez en la historia, la ciencia y los aparatos tecnológicos se empleaban para la creación de obras musicales. Los compositores franceses Pierre Schaeffer y Pierre Henry se presentaron ante el público con un concierto en el que el intérprete era una cinta magnetofónica. Fueron los primeros experimentos de música concreta. En 1949, a partir de sus investigaciones en música concreta, Schaeffer y Henry producen la Sinfonía para un hombre solo, basada en los sonidos y los ruidos que un hombre solo es capaz de producir sin ayuda de ningún instrumento. Los sonidos, tanto humanos (respiración, gritos…) como no humanos (golpes de puertas…) no son en sí mismos inéditos, no obstante la obra sí lo es. AUDICIÓN: P. Schaeffer y P. Henry. Sinfonía para un hombre solo 2. Música electrónica Como hemos visto, en la música concreta los sonidos eran reales, aunque el resultado final fuera la consecuencia de una manipulación técnica. Sin embargo, en la música electrónica el sonido es, en su totalidad, un sonido generado mediante un instrumento electrónico. Karlheinz Stockhausen fue uno de los primeros y más importantes compositores de música electrónica. Desde su aparición, la música electroacústica ha evolucionado notablemente. Los ordenadores han sustituido a los viejos equipos, convertidos en aparatos anticuados con el paso de los años. Actualmente, la tecnología punta está al servicio de la música en laboratorios, donde trabajan unidos técnicos y músicos. AUDICIÓN: K. Stockhausen. Gesang der Jünglinge (canto de los adolescentes, 1956). 3. Minimalismo Nace en Estados Unidos a principios de la década de 1960. Resulta fácil descubrir en él influencias culturales diversas, que abarcan desde el pop hasta culturas orientales. Las obras minimalistas se distinguen con facilidad porque son una música basada fundamentalmente en la repetición de esquemas. Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley y John Adams son compositores de música minimalista. AUDICIÓN: P. Glass, Escape. (BSO Las horas)
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