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tipos de de vanguardias de la pintura
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Con el nombre de vanguardias se conocen las diferentes rupturas con los modelos de belleza
dominantes que se produjeron en Europa durante el primer tercio del s. XX. Las denominamos en plural
porque no constituyen un estilo artístico único, sino que son tendencias o movimientos.
Los primeros movimientos artísticos del siglo XX, aquellos que se extienden en el tiempo desde 1910
hasta el estallido de la II Guerra Mundial se conocen con el nombre de VANGUARDIAS HISTÓRICAS o
ISMOS.
Dentro de las vanguardias se incluyen una serie de tendencias artísticas o escuelas artísticas,
nacidas a principios del siglo XX, tales como el cubismo, surrealismo, expresionismo, impresionismo, etc.
con el propósito de hallar nuevas formas de expresión estética. A continuación vamos a estudiarlos.
Movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de
alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie
del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos.
Desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso hacia 1907, alcanzó su apogeo
alrededor de 1914 y continuó evolucionando durante la década de 1920. Al rechazar la
representación realista seguida desde el renacimiento, el cubismo significó un cambio crucial en la
historia del arte, convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de la subjetividad artística.
Fue una revolución contra el sentimentalismo y el realismo de la pintura tradicional, contra la
importancia que se daba al efecto de la luz y el color y contra la ausencia de formas, características
del impresionismo. Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan primacía a la línea
y la forma. Se inspiró fundamentalmente en el arte de las tribus de África y Oceanía.
El Guernica, el cuadro símbolo del horror de la guerra civil española y el
bombardeo del 26 de Abril de 1937 que destruye la ciudad vasca de Guernica, responde
a los modos intelectuales de los cubistas, a la simbología del surrealismo y a las
deformaciones expresionistas
Para Las señoritas de Avignon Picasso
hizo más de treinta esbozos. Fue la pintura
más grande que hizo. Guando terminó esta
pintura, la reacción fue de incredulidad.
Nadie loa la pintura. Mucho tiempo pasó
antes de fuera apreciada. En esta pintura,
Picasso distorsionó las figuras de las
mujeres. Cambió los rasgos de la cara ymuestra el frente y el revés al mismo tiempo.
-Braque:
Viaducto en el
estanque (1908).
Cubismo
analítico
Arlequín (1915) o Harlequin, en inglés, obra de
Pablo Picasso durante la I Guerra Mundial, el retratado
puede ser su amigo Max Jacob, aunque habría que
echarle mucha imaginación para reconocerle. También
hay quien dice que es un autorretrato del propio Picasso
que aparecería con una paleta en la mano. Es lo mismo.
Es un cuadro que representa claramente la etapa del
cubismo sintético. Se encuentra el el MOMA de Nueva
York.
Juan
Gris,Guitarra y
mandolina, 1919,
Galerie Beyeler,
Basel
es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. XIX en contra
de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes,
que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el
Salón parisino.
El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo
espontánea y directa.
La estrella O bailarina en escuela (1878)Este cuadro es un gran ejemplo de los puntos de vistas que solía escoger Degas para sus
distintos cuadros, en este caso es el punto de vista de los palcos pero además es justo el
momento en el que la bailarina mira hacia el palco, el que es captado hermosamente por
Degas.
La Goulue entrando en el Moulin Rouge (1892)El Moulin Rouge es el cabaret mas ligado a la obra de Toulouse-Lautrec. La Goulue significa la
golosa, llamada así por su insaciable apetito, fue pintada muy a menudo por Lautrec.
En este cuadro los contornos están marcados de manera que es posible notar la preocupación
de Toulouse por el dibujo, además el cuadro está ambientado en un lugar cerrado y con luces
artificiales.
El almuerzo sobre la hierba
Manet presenta un bodegón. Pese a que las figuras representadas son humanas, el autor trabaja el
cuadro como si fuera una naturaleza muerta. Esto se evidencia por la ausencia de conexión de
unos personajes con otros, tres personajes van vestidos mientras que el cuarto está desnudo; las
miradas nunca se encuentran aunque haya un personaje hablando y la disposición en primer
(cesta y comida), segundo (grupo) y tercer término (mujer en el agua) es meramente compositiva.
Período: 1924-1930
Descripción: El Surrealismo surgió en Europa en el periodo comprendido entre
las dos primeras guerras mundiales. El movimiento, el cual pretendía presentar a
través de imágenes fantásticas cómo trabajaba el subconsciente, fue el resultado
de una reacción en contra del racionalismo que había guiado hasta entonces el
pasado cultural y político de Europa. Según sus seguidores, el surrealismo era
una manera de unir el consciente con el inconsciente en una experiencia tan
única que el mundo de la fantasía y los sueños se pudieran mezclar de manera
tal con la realidad cotidiana que crearan una realidad absoluta.
Artistas: Jean Arp, Maz Ernst, André Masson, André Magritte, Ives Tanguy,
Salvador Dalí, Pierre Roy, Paul Delvaux, André Miró
Salvador Dalí: Aparato y mano (1927).
obra que representa su madurez artística. La capacidad de instrumentar las sensaciones,
el tormento de la moral convencional o la asociación de imágenes que el psicoanálisis
freudiano estaba consagrando es prodigiosa. Dicha transformación la lleva Dali no solo
hacia la pintura, sino también en sus escritos literarios, en sus diferentes participaciones
cinematográficas y en su labor como agitador en conferencias, actos y exposiciones.
Divisibilidad Indefinida
El Cristo de Juan de la Cruz
de Salvador Dalí (1951), obra
del surrealismo. Bien
conocida por su original punto
de vista de la crucifixión y por
el inconfundible estilo
dibujantico de Dalí. Se
encuentra en el lejano museo
Kelvingrove de Glásgow.
Ni leyendas ni figuras
Periodo: 1912
Descripción: Con el término general de "abstracción" se designa un tipo de
manifestación del arte plástico que no representa nada concreto o reconocible de
la realidad material, que tiene razón de ser en función de sí mismo, que nace de la
necesidad de expresión libre del artista, y que se sustenta en su propio lenguaje (el
lenguaje de las líneas, de los colores y de los efectos matéricos de los pigmentos
solos o mezclados con otras materias). Este tipo de manifestación plástica se
consolidó como categoría estética a lo largo del siglo XX con distintas posiciones
en su lenguaje (rayonismo, suprematismo, orfismo, neoplasticismo, concretismo,
action painting, informalismo, abstracción postpictórica, op-art, neo-geo). El
comienzo de la abstacción se produce hacia 1912
Época:
80.40 - Siglos XX y XXI.
Pintura Española
Actual/Abstracción
Pintura Abstracta
Nombre:
El ritmo del amor
Autor:
Julio Gómez Biedma
AUTOR: Juan del Prete
Atracción tropical óleo,
1,20 x 2,00 m. Museo Municipal de
Artes Plásticas , EduardoSívori.
AUTOR: Juan del Prete
Abstracción, 1932,óleo,
1,42 x 1,14 m. Museo
Nacional de
Bellas Artes, Buenos
Aires.
Nocturne in Black and Gold: The falling Rocket” de James
McNeill Whistler
Podemos decir que la primera obra considerada abstracta
fue “Nocturne in Black and Gold: The falling Rocket” de
James McNeill Whistler, donde dio gran énfasis a la
sensación visual y no a la representación de los objetos
El expresionismo es un movimiento artístico surgido en Alemania a
principios del siglo XX, en concordancia con el fauvismo francés y
plasma el deseo de dar al espectador una visión de los sentimientos
del artista. Recibió su nombre en 1911 con ocasión de la exposición
de la Secesión berlinesa, en la que se expusieron los cuadros
fauvistas de Matisse y sus compañeros franceses, además de
algunas de las obras precubistas de Pablo Picasso.
El expresionismo se entiende como una acentuación o deformación
de la realidad para conseguir expresar adecuadamente los valores
que se pretende poner en evidencia, y se manifestó como una
reacción parcial al impresionismo.
Época:
60.80 - Siglo XX. Vanguardias
Históricas/Expresionismo
19.45.20 - Costumbres y
Espectáculos
Nombre:
El circo
Descripción:
1939. Gouache sobre papel. 40 x 49
cm. Colección Banamex. Ciudad de
México. México.
Autor:
María Izquierdo
En esta primera rama de lo puramente emocional, el
expresionismo (Munch,10) va a aportar al movimiento
fauvista dentro de la idea central de simplificación plástica y
de capacidad simple y comunicativa, su preocupación
metafísica y su implicación en los problemas sociales.
Otto Mueller: Zwei
Mädchen im Schilf
(1926)
Ernst Ludwig – Tres
bañistas (1913).
Expresionismo
Período: 1916-1922
Descripción: El Dadaísmo fue un movimiento basado en la negación de los
valores plásticos tradicionales y en la que ciertos objetos cotidianos eran
ligeramente alterados para luego ser llamados "arte".
Este nuevo movimiento nace cuando en Europa se ha iniciado la guerra de
1914, a la vez se desarrolla el cubismo y el surrealismo. Zurich, Nueva York y
Berlín son los centros de los dadaístas. La palabra "Dadá" es una voz buscada
en el diccionario al azar y que no pretende significar nada. Algunos intereses
comunes identifican a todo este gran grupo dadá: expresar el estado de ánimo
negativo a través de la destrucción, frente a la hecatombe bélica. El manifiesto
de 1918 dice: el arte es una idiotez... todo lo que se ve es falso.
Artistas: Jean Arp, Max Ernst, Marcel Duchamp, Man Ray.
Max Ernst estuvo muy influido por el
dadaísmo y el surrealismo, como
muestra este cuadro, L'eléphant
célèbes (1921, Tate Gallery de
Londres), donde se entremezclan
motivos fantásticos e imágenes
oníricas.
Período: 1905 y 1907
Descripción: La principal característica del Fauvísmo es su extrema libertad cromática. La
temática paisajes, naturalezas muertas y figuras en acciones ordinarias y la perspectiva
provienen del Impresionismo (aunque en esta última pueden encontrarse algunas
distorsiones derivadas de la simplificación en el dibujo).
Artistas: André Derain, Maurice Viaminck, Albert Marquet, Raoul Dufy, Georges Rouault,
Georges Braque, Henri Charles Manguin, Charles Camoin, Jean Puy, Othon Friesz y Louis
Valtat quienes junto con Matisse
Se basa en la utilización subjetiva del color y en la simplificación del dibujo.
Andre Derain: "El puente de Charing
Cross, en Londres" (1906). Washington.
Henry Matisse: La Danza (1910). Fauvismo.
Hery Matisse: "Vista de Collioure" (1906). San Petesburgo.
Maurice Vlaminck, Restaurante de la
Machine a Bougival.
Madame Matisse - Matisse.
El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en Estados
Unidos en abril del año 1958, en una exposición celebrada en
la galería francesa de Denis René. El movimiento artístico
quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965
en el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada The
Responsive Eye que agrupaba a una serie de artistas de
distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia. Entre
sus principales representantes estaban la británica Bridget
Riley y el estadounidense Kenneth Noland. También se
inscriben dentro de esta corriente el español Eusebio
Sempere y el colombiano Omar Rayo.
Víctor Vasarely – “Zebras Playing”
Bridget Riley, Britannia
(1961) emuslion on
cardboard, 56×61
En 1965, el MoMA organizó una
exposición llamada The Responsive
Eye en el cual varios artistas
representantes de este movimiento,
como Víctor Vasarely, Bridget Riley,
Frank Stella, Josef Albers, Lawrence
Poons, Kenneth Noland y Richard
Anuszkiewicz; mostraron sus obras,
quedando completamente definido
este nuevo estilo.
Es un movimiento que subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo.
Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la
temática. Los objetos industriales, los carteles, los embalajes y las imágenes son
los elementos de los que se sirve. Es un arte eminentemente ciudadano, nacido
en las grandes urbes, y ajeno por completo a la Naturaleza. Utiliza las imágenes
conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una
postura crítica de la sociedad de consumo.
Andy Warhol en su Filosofía de B a A y de A a B, recoge muchas de las ideas que
subyacen en su concepto de lo "pop". En el Pop-Art, la belleza es susceptible de ser
encontrada en cualquier objeto de consumo. Se aceptan desde los materiales nobles
hasta los plásticos, papeles, cartones, latas y botellas de coca-cola.
Entre otros artistas, Andy Warhol y Roy Lichtenstein son de los más
representativos.
R. Lichtenstein, El beso.
A. Warhol, Lata de
sopa Campbell.
R. Lichtenstein, El crack
A. Warhol, Elvis, 1964.
A. Warhol, Marilyn.
Star Wars POP
Prelimarires iggy pop
