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2.0 MARCO TEÓRICO.
2.1 Antecedentes Históricos del Arte.
“Las más antiguas manifestaciones artísticas corresponden al período prehistórico
llamado Paleolítico superior que significa edad antigua de la piedra, ya que esta era
la materia prima utilizada en la fabricación de sus instrumentos de caza, armas y
herramientas. Los hombres primitivos de esta época vivían especialmente de la
caza y pesca; eran nómadas por lo que no construían sus casas si no que se
alojaban en cavernas. Es aquí donde dejan plasmadas representaciones de las
cacerías de animales, ritos fúnebres, los cambios en la naturaleza, y otros, por
medio de los cuales ha dejado reflejado a la humanidad el conocimiento de sus
descubrimientos y creencias. La pintura rupestre no nace con la intención en
convertirse en arte, primeramente su intencionalidad surge en plasmar experiencias
del diario convivir”.1
Se debe recordar que la historia del origen del hombre le permite a éste
evolucionar gradualmente cambiando constantemente su estilo de vida y costumbres,
permitiéndole descubrir y ejercer cambios en su entorno que fueran de acuerdo al
momento en que vivía. En el periodo neolítico ya el hombre se convierte en
sedentario a causa de la agricultura, lo que le permitió entre otros descubrimientos
la cerámica, los materiales de construcción para las viviendas, utilización de los
metales, descubrimiento de la rueda y otros. A partir de estos hallazgos el ser
humano experimenta una serie de cambios que le permiten su desarrollo y
crecimiento. Surgen también las diferentes razas y culturas como los egipcios
que adornaban los muros de las tumbas de los faraones con representaciones
mitológicas y escenas de actividades cotidianas; los griegos y romanos también
decoraban sus templos con mosaicos y frescos que contenían temas como
paisajes, naturaleza muerta o bodegones y otros.
1 Imago. Arte. Biblioteca temática en esquemas y síntesis. Santillana Editores Generales, Madrid. 1999. p.8
A través del tiempo han existido periodos que dan importancia al desarrollo del
arte y su influencia en la vida del ser humano ya sea en la religión, tradiciones,
cultura, lenguaje, política y otros. La siguiente reseña histórica es tomada de la
Enciclopedia El Tesoro de la Juventud, tomo XIV:
Para los siglos III y IV se desarrolla la pintura paleocristiana y bizantina en las
cuales representan escenas del nuevo testamento, las obras más sobresalientes de
esta época son los mosaicos encontrados en las iglesias con temas espirituales y
profanos.
La manifestación artística del feudalismo fue el románico el cual tuvo su mayor
auge entre los siglos XI y XII, arte inspirado en la arquitectura romana, con ciertas
influencias orientales y bizantinas. Entre sus características encontramos: Iglesias de
pequeñas dimensiones, espesos muros y escasas aberturas, manifestaciones de las
necesidades defensivas de la sociedad. Los monasterios y abadías son los edificios
que predominan en este periodo.
El arte gótico surge en Francia a mediados del siglo XII, alcanzando mayor auge
entre los siglos XIII y XIV, surge como un reflejo de libertad y de impetuosa
expresión corporal. Al principio del periodo gótico, la estructura de las catedrales
concedía mayor importancia a las ventanas (vitreaux o vitrales), que son trozos de
vidrio coloreado y unidos entre sí, para formar un dibujo, por líneas de plomo. Su
función era crear un ambiente divino y celestial.
En el transcurso del desarrollo humano surge una revolución industrial que tiene gran
influencia en todas las dimensiones de la vida humana, en el campo artístico recibe
el nombre de Renacimiento, surgiendo en Italia específicamente en Florencia durante
el siglo XV, el cual gira alrededor de la realidad humana, lo mundano; en él se
encuentra un estudio profundo de la figura humana. A partir de aquí se deja de
ser un artesano calificado para convertirse en un productor de arte o artista;
quien gana autonomía y reconocimiento por sus obras, también comienza a firmar
sus obras.
Hacia 1520, surgió en Italia un estilo sofisticado y artificioso, muy intelectual, conocido
como manierismo, su característica consiste en darle más importancia a la
complejidad y a la distorsión que a la armonía de las líneas, al color o a la composición; en
el manierismo, hasta las pinturas religiosas resultaban inquietantes para el espectador.
El arte barroco del siglo XVII se caracteriza por su aspecto dinámico, en contraste con el
estilo clásico, relativamente estático, del renacimiento. Esta tendencia se distingue por las
líneas compositivas diagonales, que proporcionan el sentido del movimiento, y por el
empleo de un marcado claroscuro. Con ambas técnicas se consiguió un estilo dramático,
grandioso, apropiado al espíritu fundamental de la contrarreforma.
El arte rococó, que floreció en Francia y en Alemania a principios del siglo XVIII, era en
muchos aspectos una continuación del barroco, sobre todo en lo concerniente al uso de la
luz y de la sombra y al movimiento compositivo. Sin embargo, el rococó es un estilo más
ligero y festivo, muy adecuado para la decoración de las residencias parisinas.
En la segunda mitad del siglo XVIII la pintura experimentó una revolución, cuando el casto
neoclasicismo vino a sustituir al exuberante estilo rococó. Este resurgimiento clásico en las
artes se debió a diferentes acontecimientos, en primer lugar, a mediados del siglo XVIII,
se iniciaron muchas excavaciones arqueológicas en Grecia e Italia; posteriormente se
publicaron libros con dibujos de antiguas construcciones, que los arquitectos ingleses y
franceses copiaron con avidez; en segundo lugar, en 1755, el historiador del arte alemán
Johann Winckelmann publicó su ensayo Pensamientos sobre la imitación de las obras
griegas en la pintura y la escultura, lo que fue de mucha influencia en la creación de
pinturas con inspiración de las obras clásicas.
Sucediendo muy de cerca al neoclasicismo, el movimiento romántico introdujo el gusto por
lo medieval y lo misterioso, así como el amor por lo pintoresco y lo sublime de la
naturaleza. Se dio rienda suelta a la imaginación individual y a la expresión de la emoción
y del estado de ánimo, desbancando al enfoque intelectual razonado de los neoclasicistas.
En general, los pintores románticos preferían las técnicas coloristas y pictoricistas al estilo
neoclásico, lineal y frío.
Hacia mediados del siglo XIX, el pintor francés Gustave Courbet rechazaba tanto el
neoclasicismo como el romanticismo y proclamaba un movimiento individual llamado
realismo. No le interesaba la pintura histórica, ni los retratos de los gobernantes, ni los
temas exóticos, pues creía que el artista debía ser realista y pintar los acontecimientos
cotidianos de la gente común, como: obreros construyendo una carretera, ciudadanos
asistiendo a un funeral, a hombres sentados alrededor de la mesa escuchando música y
fumando.
El arte del siglo XX se caracteriza por numerosos movimientos y estilos. Entre los que
tuvieron su origen en Europa antes de la II Guerra Mundial se encuentran el fauvismo, el
expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el neo-plasticismo, el dadá y
el surrealismo; en Estados Unidos se desarrollaron el sincronismo y el precisionismo.
El Fauvismo, nace en Francia entre 1905 – 1907, el cual el nombre fauve significa
fiera. La pintura fauvista emplea color como elemento fundamental en la obra. La
luz y profundidad desaparecen, emplean grandes planos y superficies; este
movimiento tiende al paisaje y al retrato sin aguda observación sicológica u
observación natural.
La obra de los artistas más preocupados por plasmar sentimientos y respuestas subjetivos,
por medio de la distorsión de la línea y del color, que por representar fielmente la realidad
externa, se fundió en un movimiento conocido como expresionismo. Estaban como los
fauves, inspirados en el arte africano, cuya fuerza y energía trasladaban a su propia obra.
Representaban los sufrimientos de la humanidad con un estilo parecido en cierto modo, al
fauvismo, pero con el ingrediente añadido de la angustia.
Entre 1907 y 1914, se desarrolla el cubismo en la ciudad de París, inspirándose en la
forma, cada vez más geométrica. El cubismo llegó a ser el estilo artístico que más
influencia ejerció en todo el siglo XX; se basa en poner de relieve la bi dimensionalidad del
plano pictórico, rechazando los valores tradicionales de perspectiva, escorzo, modelado y
claroscuro.
El futurismo, aparece en Italia en 1909, este movimiento fue radical por su
concepción estética, pues consideraba que todo el arte anterior es caduco,
llegando a sugerir la desaparición de los museos. Dentro de esta concepción se
creía que los cambios tecnológicos iban a crear una nueva civilización, aquí surge
la técnica del collage.
El arte abstracto, que abarca varios estilos bien definidos, empezó a desarrollarse en
Alemania, Estados Unidos, Rusia y los Países Bajos durante la segunda década del siglo
XX. El cubismo fue crucial para su evolución, sobre todo en Rusia, donde los artistas que
conocían las tendencias francesas, empezaron a crear cuadros de construcción
geométrica.
Durante la primera Guerra Mundial, un grupo de intelectuales suizos unidos por su
repugnancia hacia los valores burgueses, y sobre todo hacia el militarismo de los años de
guerra, eligió el vocablo "dadá" sin significado alguno, para describir sus actividades de
protesta y repudio, fue el arte con el que desafiaban los criterios estéticos establecidos.
En 1924 André Breton presentó un manifiesto dando el nombre de surrealismo al
movimiento que proclamaba la superioridad del inconsciente y el papel de los sueños en la
creación artística.
A partir de la II Guerra Mundial, los artistas de todo el mundo han desempeñado un
importantísimo papel en la creación de nuevos estilos o en el desarrollo de los ya
existentes. Entre ellos se encuentran el expresionismo abstracto, el Op Art y el Pop Art, el
fotorrealismo y el minimalismo
La presencia en Estados Unidos de muchos surrealistas europeos refugiados, fue sin duda
el catalizador en la creación del expresionismo abstracto, movimiento centrado en Nueva
York entre las décadas de 1940 y 1950. Su investigación del inconsciente y de las técnicas
que hacían uso de la casualidad intrigó a muchos pintores.
En la década de 1960 se iniciaron nuevos estilos y movimientos. Algunos pintores
siguieron en la senda de la abstracción, como denota el Op Art de Victor Vasarely. Si bien
el Op Art se basa en producir ilusiones ópticas generalmente abstractas. Las irónicas
imágenes del Pop Art ayudaron a despejar el camino para un renacimiento de la pintura
realista. El nuevo realismo es un estilo continuo pero muy individualista en el arte de
América. Los realistas que se destacaron en las décadas de 1970 y 1980 fueron aquellos
que habían asumido algunos de los conceptos estéticos del arte abstracto.
El foto realismo se basaba en la fotografía para conseguir una variedad de pintura realista
impersonal, con detalles precisos.
Después de la intensa subjetividad del expresionismo abstracto, la pintura abstracta se
inclinó hacia una pureza formal más rigurosa e impersonal. La culminación de esta
tendencia fue el minimalismo, en el cual la pintura se reducía a simples formas
geométricas, motivos rítmicos o colores lisos.
En la década de 1980 varios artistas jóvenes, europeos y americanos, se rebelaron contra
la pureza formalista, impersonal y austera, de gran parte del arte abstracto. El resultado
fue un resurgimiento de la pintura figurativa y narrativa llamado neo-expresionismo.
Muchos de los seguidores de este movimiento evitaron la representación realista,
empleando en su lugar pinceladas toscas y colores fuertes para plasmar sus visiones
subjetivas, por lo general ambiguas y enigmáticas.
El Arte Latinoamericano en el Mundo de Hoy.
En vísperas de la década del sesenta, una nueva era de cambios sociales y políticos se
inicia en América latina. La revolución cubana en 1959 y la insurgencia de movimientos
estudiantiles en México 1968, son algunos de los hechos que marcan decisivamente la
década. Estos influyen sobre la producción cultural, matizando y no solo en temas, sino
sobre todo las relaciones entre el artista y su público.
En 1959 se funda el movimiento espartaco, el cual publica un manifiesto titulado “Por un
arte revolucionario latinoamericano”. Al finalizar la década del sesenta se comienza a
alterar las relaciones establecidas entre el artista y sus canales de apertura hacia el
publico. Los pintores que habían encontrado en las bienales y los salones una forma de
funcionar dentro de la sociedad, empiezan a objetar estos canales de comunicación.
En la Argentina, país que se había convertido en uno de los centros principales del arte
experimental latinoamericano, se suceden varias conmociones en las instituciones
promotoras de las manifestaciones artísticas. En México, Chile, Venezuela, Colombia
entre otros son los que más han sobresalido en la creación artística.
En la historia de El Salvador han existido varios eventos que han afectado el
desarrollo y crecimiento en los ámbitos económicos, políticos, sociales religiosos y
culturales. El pintor Roberto Cea hace mención en su obra titulada “De la
Pintura: Panorama Històrico Crìtico”, un análisis de la forma en que a evolucionado
el arte salvadoreño a travès del tiempo.
Toda expresión cultural ya sea en la literatura, música y artes visuales, es la
culminación de dos vertientes: la visión prehispánica que se encuentra presente en
nuestro diario vivir; y la visión española que se produce a partir del
descubrimiento de América. Al combinarse estas dos vertientes surge de ellas el
mestizaje. Desde el descubrimiento y sometimiento de la región de El Salvador hay
una fuerte influencia en donde son impuestas las imágenes católicas sobre las
imágenes prehispánicas, lo cual repercute en los inicios de la pintura en El
Salvador. Durante el siglo XIX continua la visión colonial pero la metrópolis ya no
es España, sino que Francia e Inglaterra con su expansionismo colonial. París
surge como la instructora de conocimiento humano a la cual llega toda persona
con ambición de instruirse.
El primer pintor del cual se conoce es Silvestre Antonio García (1777) quien pintó
y esculpió la imagen de El Salvador del mundo que se venera en la catedral de
San Salvador.
Otro pintor es Francisco Wenceslao Cisneros (1823-1878); salvadoreño que estudió
pintura y participó en la vida política de Francia. Toda su vida artística fue en el
extranjero entre Francia, Roma y Cuba donde se convierte en el director de la
Academia de Bellas Artes de San Alejandro. De sus obras en el país tenemos: el
retrato de Manuel Gallardo que se encuentra en la biblioteca Miguel Ángel
Gallardo en Santa Tecla y un retrato de Gerardo Barrios.
A fines del siglo XIX, se encuentra Dolores Cisneros quien fue santero y hacedor
de estampas gigantes, muchas de estas reproducciones se encuentran en las
iglesias de Zacatecoluca, San Pedro y San Juan Nonualco, Panchimalco y Uluazapa.
Surgen así muchos pintores con influencia europea especializados en creaciones de
escenas bíblicas. Pascasio González (1848-1917) fue quien realizó las pinturas de
catedral de San Salvador, lamentablemente se quemó en 1951; su entonces
discípulo Marcelino Carballo (1874-1949) pintó reproducciones de estampas, rostros de
santos y motivos religiosos. Otros pintores nacidos en el siglo XIX y del cual existe
mayor importancia son:
Miguel Ortiz Villlacorta (1887-1963), Pedro Ángel Espinoza (1899-1939), Salvado
Salazar Arrué (1899-1975) quien es conocido por Salarrué. Son ellos quienes
fundamentan una pintura con más arraigo nacional.
En un descubrimiento por el arte sobresale Carlos Alberto Imery (1879-1949)
quien funda en su propia casa la primer escuela de artes en El Salvador y de
la cual egresa como maestros de ella:
José Mejía Vides, Luis Alfredo Cáceres Madrid quienes luego fueron directores de la
misma escuela; Camilo Minero, Carlos Gonzalo Cañas, Luis Ángel Salinas, Mario
Escobar, Julio Hernández Alemán, Federico Morales, Cesar Sermeño.
Para 1919, llega desde Honduras el señor Valero Lecha quien viene en la
Compañía Dramática de Mercedes Navarro como realizador de arte escenográfico,
al sobresalir en su trabajo tiene la inquietud de estudiar pintura y parte con
destino a España, al cabo de unos años de estudio lanza una exposición que es
aceptada con éxito y le brinda muchas oportunidades artísticas, regresa a El
Salvador para fundar la Academia de Valero Lecha en 1936.
Para el año de 1968 se unen la Academia Nacional de Artes Gráficas “Carlos
Alberto Imery” y al Departamento de Artes Plásticas de la Dirección General de
Bellas Artes, en un solo departamento al cual se agregan otras disciplinas como
el teatro y la música, y es creado el Centro Nacional de Artes (CENAR) con un
bachillerato especializado en artes. De los numerosos alumnos más distinguidos de
la academia tenemos: Julia Díaz, Noe Cánjura, Raúl Elías Reyes, Antonio Pineda
Cotto, Mario Araujo, Elisa Huezo Paredes, Oscar Napoleón M, Daniel Montes, Miguel
Ángel Orellana, Miguel Ángel Polanco, Rene A. Lima, Antonio García Ponce.
En la actualidad ya no existe el bachillerato en artes pláticas; y la formación en
las áreas del arte ha quedado solamente a disposición de las personas que
desean instruirse por su propio interes.
2.2 Definiciones de Arte.
El arte es la belleza expresada por el hombre, es el fruto de la actividad humana. La
belleza artística se percibe mediante la sensibilidad superior, es decir por la vía de los
sentidos: la vista y el oído.
El arte se distingue por su finalidad de comunicación estética, el goce de lo bello. La
acepción primitiva de la palabra arte era la acción, el hacer, el obrar, y por esto Roque
Barcia dice:
“Quien habría de decir al que inventó la palabra arte que de un origen tan humilde
debía brotar el genio que ha llenado tantas veces al mundo de grandezas y de
maravillas”.2
2 Roque Barcia citado por Vides Morán, Raúl. Educación Estética, Historia General del Arte. P.25
El arte comienza a manifestarse en la aurora de la humanidad como un acto creador del
hombre, lo cual representa una concepción del mundo y de la vida en una época dada.
La etimología del termino arte deriva del latín Ars y del griego Tekné, que significa
habilidad y hace referencia a la realización de acciones que requiere una
especialización.
El arte, como la belleza, es indefinible, nadie lo ha podido definir; pero la emoción que
produce conmueve profundamente el sentimiento humano.
La ciencia que tiene por objeto el estudio del arte es la estética, esta es
considerada como la rama de la filosofía que estudia el significado de la belleza,
se ocupa de la naturaleza del arte y de los juicios sobre la creación y
apreciación de la obra artística.
Otro término que tiene importancia para la presente investigación es la
definición de las artes plásticas, según Alicia Venegas en su libro las artes plásticas
en la educación artísticas y estética infantil:
Es la disciplina que reúne y estudia el conjunto de dibujos, grabados,
pintura y esculturas, consideradas obras creativas por sus soluciones únicas,
que expresan interpretaciones de ideas, sentimientos, realidad y fantasía
con diversos materiales y dominio de las técnicas plásticas.
2.3 División de las Artes.
Una división contemporánea de las artes es:
“En las artes visuales se encuentran dos clasificaciones: las bidimensionales dibujo,
pintura, artes decorativas, fotografía artística; y las tridimensionales: escultura,
arquitectura y jardinería. Todas ellas son captadas por el sentido de la vista.
En las artes auditivas o acústicas se abarcan todas las formas musicales, con
excepción del canto, la ópera y demás artes que combinan la música con la
literatura. Aquí no existen objetos físicos, solamente una serie de sonidos emitidos
por diferentes instrumentos y que son captados por el sentido del oído.
Las artes verbales incluyen a la poesía y todas las formas literarias del lenguaje.
Las artes mixtas son los resultados de la combinación de las tres anteriores”.3
2.4 Funciones del Arte.
Desde el renacimiento aparecen dos conceptos que se han mantenido
prácticamente inalterables hasta nuestros días que son: el arte como
manifestación superior del espíritu humano y el artista como creador divinizado.
Pero Arturo Colorado Castellary menciona en su libro Hipercultura Visual, el Arte
como Cultura Visual, las funciones de las cuales se deriva su importancia. Entre
ellas se tiene:
– Función Práctica, la cual se refiere que una obra de arte es un objetivo
creado por el hombre para satisfacer una necesidad utilitaria, por ejemplo: una
pintura preserva una imagen.
El hombre prehistórico buscaba en sus pinturas la manera de influir sobre la
naturaleza, creyendo que la magia de la imagen facilitaba la caza; lo que hoy
consideramos arte, para el hombre prehistórico era simplemente magia
vinculada a la necesidad de alimentarse.
– Función Estética, es la función principal del arte porque entre más intensa sea
en un objeto, más suele impedir su empleo práctico.
3 Sistema de educación a distancia. Desarrollo curricular de educación artística. UCA 2003.
Quiere decir que la función estética atrae la atención sobre las características
formales del objeto, no hacia su mensaje o hacia su carácter utilitario.
– Función Catártica, hace referencia a la labor de purificación que muchos le
atribuyen a las obras artísticas. Aristóteles decía: “el hombre emocionado,
enajenado por la música puede recuperar el aplomo como si hubiera tomado un
remedio y una catarsis”; según esta idea el arte libera nuestras emociones
ordinarias de sus impurezas.
Freud añade: “el verdadero goce de una obra proviene de que nuestra alma
obtiene gracias a ella el alivio de ciertas tensiones”.4
La obra artística desvía, analiza o sublima nuestros conflictos, deseos o
necesidades personales, pero estas emociones no son meramente espontáneas,
es el resultado de un condicionamiento socio cultural, que depende de los
factores como la familia, ambiente y escuela. El arte habla a quien aprende a
escucharlo.
– Función Comunicativa del Arte, la semiótica considera que todos los fenómenos
culturales son fenómenos de la comunicación, incluyendo el arte. Como medio
de comunicación este posee un lenguaje propio y a su vez una interpretación
de las obras, estilos, períodos artísticos y otros. Que lleva en sí un mensaje
implícito, ideas, sentimientos y aporte cultural.
2.5 La Expresión Artística.
El arte en toda su expresión conlleva a una serie de cambios internos, en las
personas que se ven atraídas por actividades artísticas se puede observar un
4 Gustavo Gili. Arte y comunicación. Barcelona. 1979 p. 12
crecimiento intelectual, mayor alcance de madurez y sensibilidad, un equilibrio
entre el mundo material y el mundo emocional.
La educación y el arte se complementan al tener como objetivo al ser humano, y
es durante la infancia el periodo en el que el aprendizaje se hace más efectivo
por ello se deben desarrollar capacidades y actitudes positivas para incentivar el
máximo potencial creativo.
2.5.1 Expresiones Artísticas y Estéticas.
Las expresiones artísticas y estéticas se producen espontánea e intencionalmente a
lo largo de la vida del ser humano, en todas las latitudes y en todos los
tiempos, como respuesta natural de satisfacción de necesidades internas.
Las expresiones artísticas y estéticas son posibles por varias razones:
– “El desarrollo de las facultades intelectuales como la conciencia, atención,
reflexión, compresión, abstracción y otros.
– El desarrollo de las capacidades afectivas como las emociones, comunicarse
con diferentes recursos, hablar y modular la voz, expresarse corporalmente,
apreciar valores, opinar, criticar, elaborar juicios, poseer gusto estético, imaginar
y producir obras.
– El desarrollo de las facultades sensoperceptivas que incluye los sentidos
externos (vista, oído, gusto, tacto, olfato) y los sentidos internos que permiten
tener conciencia de los que pasa dentro del cuerpo; la facultad
sensoperceptiva completa o percepción, se cumple cuando las sensaciones
recibidas a través de los sentidos se unen en un proceso mental con la
sensibilidad y la razón, para elaborar ideas, sentimientos, emociones,
expresiones, conocimientos, recuerdos, acciones o respuestas.
– La coordinación motriz del sistema óseo, la función neuronal y muscular de
cada una de las partes del cuerpo determinan infinidad de movimientos,
posturas, gestos y destrezas.
– La coordinación ojo-cerebro-mano (observar-pensar-hacer) y la coordinación
motriz fina de los músculos hacen posibles innumerables acciones: escribir,
dibujar, pintar, modelar y otros”.5
2.5.2 Modalidades que Incluye la Educación en Artes.
En el libro las artes plásticas en la educación artística y estética infantil se
mencionan la existencia de tres modalidades estrechamente vinculadas en la educación
en artes: la educación artística, la educación estética y la temática de la obra.
La educación artística estudia el proceso práctico de la elaboración de obras o ejercicios y
sus soluciones expresivas, mediante la aplicación de conocimientos básicos de los
elementos que emplean las artes plásticas, el uso de los materiales y el uso de las técnicas
plásticas.
La educación estética estudia dos grandes aspectos: primero la sensibilidad y la
creatividad de quien produce la obra para expresar de manera peculiar algo con
cualidades conceptuales y armónicas, con fuerza y originalidad; segundo, la capacidad
quien entra en contacto con las obras para observar, sentir, reflexionar acerca de lo que
sugiere los valores que contienen y ser consiente de las emociones e ideas que producen.
5 Alicia Venegas. Las artes plásticas en la educación artística y estética infantil. Editorial Paìdos Ibérica, S.A. Barcelona. 2002. p. 13
Una tercera modalidad es la temática de una obra, en sí el asunto concreto que
expresa, lo que se interpreta de una obra o ejercicio. Para la enseñanza de las
artes plásticas estos aspectos no pueden verse por separado por lo que están
vinculados entre sí.
El tema de las artes plásticas aplicada por muchos docentes no es muy efectiva,
porque normalmente su enseñanza se traduce en una serie de pasos, técnicas y
procesos para elaborar un determinado objeto. Se debe tener cuidado al
introducirse al tema porque antes de mecanizar el conocimiento y procesos
pictóricos, se debe despertar la sensibilidad y el gusto de realizar una actividad
creadora. Si el objetivo es formar personas integrales, con capacidades de
apreciación en la cual su creatividad surja espontáneamente, Se tiene que
proponer actividades o dinámicas que permitan una preparación mental, en donde
se conmueva a la persona y se incentive a que profundice mas allá de lo material
de los objetos y de las personas. Esto permitirá introducirse con mayor
facilidad a la educación artística que parte de la teoría sobre artes plásticas.
Posteriormente cobra importancia el tema de la obra, lo que quiere expresar y la
influencia de sus ideas, sentimientos, pensamientos, creencias; y todo aquello que
la persona tiene encerrado en si misma y deja salir de manera espontánea.
2.5.3 La Aplicación de las Artes Plásticas en la Educación.
En la actualidad en El Salvador existe una “Guía Didáctica para Tercer Ciclo de
Educación Básica: Educación Artìstica” desarrollada por el Ministerio de Educación
que es utilizada como referencia pedagógica y la cual pretende dinamizar el proceso de
enseñanza aprendizaje y facilitar el desarrollo de la capacidad de percepción,
comunicación y creatividad; pretende también el desarrollo de la autoestima y trabajo
creativo de los alumnos y alumnas. Esta guía didáctica posee tres unidades: artes
plásticas, expresión musical y artes escénicas. Se debe tomar en cuenta que para la
enseñanza de las artes plásticas se debe llevar paso a paso en el proceso y método, a
la persona sin provocar un bloqueo o estancamiento y sobre todo sin la presión que se
tiene al introducirse a una nueva área que para muchos es un poco desconocida.
Es importante que el docente tenga acceso a nuevos medios en los cuales se pueda
expresar libremente. Existe una gran diversidad sobre teoría del arte ya sea desde su
historia, conceptos, lenguaje técnico, técnicas pictóricas y otros. Pero hay muy poca
información sobre las artes plásticas aplicadas por el docente dentro del aula escolar.
El docente tiene una ventaja importante, porque conoce el programa de estudios de su
especialidad, técnicas y procedimientos pedagógicos del proceso de enseñanza y
aprendizaje; y ahora también contará con conocimientos sobre las artes plásticas.
Existe una falla al introducirse en la enseñanza de las artes plásticas, porque casi siempre
se inicia por los elementos del dibujo: la línea, el punto y la textura, lo cual obstaculiza el
proceso de enseñanza y aprendizaje de la persona. La dificultad que presenta el dibujo
es que no permite errores, los trazos deben ser limpios y seguros, posiblemente
esto produce frustración y rechazo al aprendizaje de las artes plásticas. Lo primero
que se debe despertar es una expresión con libertad de acción, es decir que la persona
debe plasmar desde su yo interno y no solamente mostrarle métodos y técnicas sobre
artes plásticas.
Al introducirse a las artes plásticas por medio del dibujo se esta limitando
extremadamente a la persona reduciéndole su medio de expresión. Por esto se debe
iniciar a través de la observación del entorno para aplicar de una forma no sistematizada y
utilizando como instrumento de aplicación el propio cuerpo. Es por medio del juego
con el cuerpo y la pintura que se debe tratar de incentivar el aprendizaje de
esta.
Los programas de educación del nivel de parvularia proponen actividades para el
logro de aprendizajes en los niños y niñas, pero estas actividades pueden ser
flexibles y ser adaptadas a los recursos, lugar, ambiente de trabajo, cantidad de
educandos entre otros. La utilización de las artes plásticas permite que los niños y
niñas plasmen las percepciones, ideas y experiencias de los contenidos que el
docente desarrolle de una manera más efectiva para incrementar su pensamiento
creativo.
Una dificultad es que el programa como recurso de apoyo no brinda instrucción
para el docente sobre nuevas técnicas, procesos y métodos de la aplicación de las
artes plásticas como un medio facilitador para la enseñanza y creación de
material didáctico novedoso. Es el docente que por incentiva propia esta en la
obligación de ampliar sus conocimientos en esta área.
Entre las instituciones que imparten artes plásticas se encuentran: el Centro
Nacional Artes, Fun For You (diversión para ti), Centro Nacional de Artes de
Occidente, casas de la cultura entre otros, donde se imparten conocimientos
artísticos de la pintura y el dibujo para niños y adultos. Por otra parte existen
programas llevados a cabo por ONG`s con la finalidad de dar cobertura a la
población de escasos recursos; la Policia Nacional Civil (PNC) tiene un proyecto de
arte por la alta incidencia de la agresividad en niños y niñas de zonas de mayor
riesgo criminal.
2.6 MARCO NORMATIVO.
Dentro de la Ley General de Educación, se encuentra establecido la importancia
que el Estado reconoce de una formación artística adecuada hacia cualquier nivel
escolar, ello se encuentra establecido en él capitulo IX de dicha ley:
“Art. 37. - La Educación Artística es un proceso mediante el cual la persona integra sus
cualidades analíticas y creativas a fin de desarrollar sensibilidad y capacidad de apreciar y
producir manifestaciones artísticas.
Art. 38. - La Educación Artística tiene los objetivos siguientes:
a) Promover la formación artística en niños, jóvenes y adultos de acuerdo con sus
intereses, aptitudes y necesidades;
b) Fomentar la valoración de las manifestaciones artísticas del patrimonio cultural,
a fin de conservarlo, enriquecerlo y desarrollar la identidad nacional; y
c) Desarrollar la sensibilidad y creatividad artística en la población que favorezca la
participación activa en la vida social y cultural del país.
Art. 39. - El Ministerio de Educación en función de la triple dimensión de la educación
artística, considera la formación artística básica dentro del currículo nacional, y a través de
CONCULTURA, la calificación especifica y perfeccionamiento educativo en las diferentes
expresiones del arte y la promoción de instituciones culturales que proporcionen goce y
esparcimiento a la población salvadoreña.
El Ministerio de Educación a través de instituciones de educación formal y no formal
promoverá e incrementará acciones para el desarrollo de la educación artística en niños,
jóvenes y adultos.
Art. 40. - El Ministerio de Educación en coordinación con otras instancias promoverá la
creación artística y la conservación de las manifestaciones del arte de nuestro país, por
medio de la investigación, desarrollo y promoción de las mismas.”6
Existe un reconocimiento por el Estado de la importancia de las artes plásticas en
la formación del ser humano como ser integral, pero en la realidad no existe
una amplia cobertura de profesionales docentes que conozcan las dos áreas y
puedan brindar un Proceso de Enseñanza Aprendizaje acorde a lo establecido bajo
esta ley. En el documento de normas y orientaciones curriculares para la
formación inicial de docentes con especialidad en educación parvularia, indica que
existen materias del currículo que incluyen unidades en las cuales se retoman
6 Ley General de Educación de El Salvador.
temas como la creatividad, expresión infantil, expresión plástica entre otros. Sin
embargo una unidad para todo el desarrollo de las artes plásticas es muy escasa
porque es un área que requiere de conocimientos teóricos y prácticos, por eso
es necesario que se implemente como materia en la que se tenga más tiempo
para el logro de los objetivos y metas trazadas; Otro aspecto importante es que
no todos los catedráticos en educación desarrollan la unidad en expresión
plástica porque ellos desconocen sobre la aplicación de técnicas, teoría, procesos y
metodología de la pintura y el dibujo.
En la guía integrada de procesos metodológicos para el nivel de educación
parvularia en el capítulo III, aborda algunas técnicas y la creación de material
creativo para el desarrollo de la pintura y el dibujo, donde los docentes pueden
apoyarse para introducir a los niños y niñas a una expresión artística para
obtener mejores resultados en la enseñanza. Sin embargo no profundiza sobre los
objetivos y efectos de la evolución grafica infantil.
2.6.1 La Reforma Educativa y la Enseñanza Artística en El Salvador.
En El Salvador, específicamente en el área de educación artística y estética, no
existe un dinamismo permanente que permita el desarrollo e incentive cualidades
artísticas en los niños y niñas; posiblemente porque estas áreas se han
mecanizado en una serie de pasos a seguir, por la falta de una formación
docente con especialidad artística, una metodología inadecuada, poca difusión de la
vida y obra de los artistas salvadoreños entre otros.
La formación de docentes con respecto a la sensibilidad artística ha sido poco
desarrollada en el pasado, en la actualidad se cuenta con pocos estímulos para
fomentar las artes plásticas a los docentes en educación parvularia, se debe tomar
en cuenta que el conocimiento de las artes plásticas pueden ser un medio
facilitador del proceso de enseñanza aprendizaje novedoso en el que los niños y
niñas perciban conocimientos a través de actividades lúdico plásticas.
La reforma educativa toma en cuenta los siguientes aspectos en la transformación
del sistema, como medio para preservar el arte y la educación nacional:
– “Hacer una revisión curricular profunda en todas aquellas áreas que tengan
que ver con el uso de los recursos artísticos en la educación.
– Establecer criterios de calidad en el uso y recomendación de dichos recursos.
– Generar una relación dinámica entre las escuelas y las casas de cultura, en
las distintas comunidades.
– Asegurar un conocimiento adecuado de arte universal y nacional de todos los
tiempos.
– Mantener programas permanentes de información y estímulo para los docentes
en las diversas ramas del arte.”7
Se puede apreciar que dentro de la reforma educativa, es necesario la formación
integral de profesionales con conocimientos en educación artística, los cuales
tengan la capacidad de incentivar un proceso de enseñanza aprendizaje que
permita a los niños y niñas, manifestar aspectos internos y propios de su
persona; dejando a un lado la mecanización de los aspectos artísticos, cognitivos y
culturales de la sociedad.
7 Reforma Educativa en Marcha. Documento II. Capitulo VII. Ministerio de Educación de El Salvador. 1994-1999.
2.7 Dimensiones de las Artes Plásticas.
Tomado de la Enciclopedia General de la Educación Océano, se mencionan las seis
dimensiones de las artes plásticas que contemplan su sistematización didáctica, con
la que se pretende facilitar al docente la estructuración de su propio sistema de
enseñanza el cual debe adecuar al nivel educativo que le corresponde.
Dimensión morfosintáctica
Se refiere a los elementos que pertenecen al lenguaje plástico y a sus
interrelaciones espaciales, de cuyos aspectos formales se ocupa la gramática
visual.
Dimensión técnica y procedimental.
Se considera el vehículo de la comunicación visual y corresponde al conocimiento,
aprendizaje y dominio de los medios técnicos, útiles, materiales y procedimientos
plásticos que se utilizan para materializar los mensajes visuales, así como los
distintos sistemas de representación que se emplean para la configuración
plástica, ya sea dimensional o virtual.
Dimensión productiva, temática y estilística.
Estudia obras de arte, estilos, movimientos artísticos, el trabajo del artista y sus
tipologías de formas y figuras características, así como la evolución del lenguaje
plástico infantil y sus valores.
Dimensión semiótica.
Se refiere a la capacidad de leer, descodificar e interpretar el contenido de los
mensajes visuales, de manera que se aprenda a conocer y a valorar el lenguaje
artístico del patrimonio universal.
Dimensión expresiva – apreciativa.
Tiene como finalidad desarrollar la capacidad de la percepción sensorial y las
aptitudes cognitivas mediante procesos creativos de configuración plástica, desde una
dimensión conceptual y desde otra expresiva.
Dimensión didáctica.
Corresponde a la metodología, a las estrategias en la enseñanza artística, el
desempeño de las actividades y a la planificación de los procesos de enseñanza
aprendizaje, requiere de los conocimientos específicos de las restantes dimensiones
para ser puestas en practicas de formas que faciliten una formación humanística
al alcance de todos.
Todas estas dimensiones conforman la estructuración didáctica en el desarrollo de
las artes plásticas como externalización de ideas, sentimientos, habilidades, destrezas
del ser humano y los beneficios que de ella derivan para expresar más allá de lo
existente, cotidiano y material.
2.8 Objetivos Generales de las Artes Plásticas en la Educación Infantil.
Hay que tener en cuenta los objetivos generales y particulares que se pretenden
alcanzar en una educación en artes, porque se debe estar claro hacia donde
queremos enfocar el proceso de enseñanza-aprendizaje (PEA). Entre los objetivos
generales se tiene:
– “Estimular la evolución gráfico plástica procurando alcanzar el nivel promedio
aceptable que capacite a niños y niñas para expresarse con los elementos
de las artes plásticas: armonía entre las formas, las zonas de color y las
texturas en los espacios bi y tridimensional.
– Dar oportunidad a los infantes de satisfacer sus necesidades sensibles,
imaginativas, expresivas y creativas.
– Contribuir en la formación integral de cada persona.
– Apreciar los valores de las obras que realiza el hombre y los valores de la
naturaleza.”8
2.8.1 Objetivos Particulares de las Artes Plásticas en la Educación
Infantil.
– “Estimular con juegos las percepciones sensoriales.
– Realizar ejercicios de coordinación psicomotriz fina y de coordinación ojo-cerebro-
mano.
– Incrementar la atención y capacidades de observar, reflexionar, asociar,
concentrarse y expresarse oral y gráficamente.
– Aplicar los sentidos de orientación, ubicación y lateralidad en el espacio real y
estimular la transferencia de estos conocimientos a la organización de formas en el
espacio material sobre que se dibuja, pinta y modela.
– Manipular y experimentar con diversos materiales con el objeto descubrir efectos y
cualidades.”9
8 Alicia Venegas, op. Cit. P 67 9 Idem p 67
2.9 Historia del Dibujo.
“Desde la prehistoria el hombre trata de reproducir en las paredes de las grutas las formas
de los animales que habían observado. Procuró siempre representar los objetos como sus
ojos los veían. Tradujo la impresión que le transmitía el objeto reproduciendo su forma, su
tamaño y su volumen por medio de un trazo como el arte egipcio, griego y japonés.
Sugiriendo sobre todo el aspecto del relieve por el juego de las sombras y de la luz. Este
ultimo modo de expresión es ya visible en los frescos de Pompeyo y culmina en los artistas
del renacimiento Italiano con Leonardo Da Vinci ( 1452-1519).”10
Según varios autores entre las definiciones del dibujo se encuentran:
– El dibujo es el arte de representar gráficamente sobre una superficie plana de dos
dimensiones, objetos que por lo regular tienen tres.
– El dibujo es la base de toda creación plástica.
– Es un medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un objeto por la línea,
un trazo y juegos de sombra y luz.
Existen varias clases de dibujo11:
– Dibujo de la figura humana.
– Dibujo a mano alzada.
– Dibujo de contorno.
– El modelo vivo.
– El retrato.
– El bodegón vívido.
– Dibujo Natural o Dibujo de Perspectiva.
– Dibujo Libre y del Croquis.
– Dibujo Técnico.
– Dibujo esquemático.
10 Brent Wilson. La enseñanza del dibujo a partir del arte. Editorial Paìdos Ibérica. Barcelona. 2004 p. 48 11 Ídem p.88
Dibujo de la figura humana.
La figura humana es esencial para el desarrollo de la autoestima, conciencia del
funcionamiento del cuerpo, entre otros. Por esa razón es necesario el dibujo en
la parvularia. El niño y niña deben ser estimulados para que la evolución grafica
infantil pueda desarrollarse. Lo preferible es combinar la observación de modelos
naturales con el ejercicio del dibujo, porque el docente no debe de cultivar
patrones del dibujo concebidos por él, cada persona tiene sus propias
percepciones.
Dibujo a mano alzada.
Son líneas que orientan sugieren y expresan algo en particular. Es un dibujo
rápido a mano alzada en el que a veces un solo trazo sintetiza y describe el
sentimiento de la pose.
Dibujo de contorno.
Es el movimiento lento que es producido a ciegas o mirando fijamente el
modelo sin mirar al dibujo. Con esto se agudiza a la percepción dejando a un lado
los esquemas preconcebidos.
El modelo vivo.
Es un instrumento de mucha utilidad para los niños y niñas de parvularia tener
la oportunidad de observar modelos antes de realizar el dibujo, incitar a los
juegos son los objetos.
El retrato.
Permite determinar la concepción que las personas tienen de sí mismos, como
se encuentran sus valores y apreciaciones para su personalidad.
El bodegón vívido.
La composición típica de bodegón es una colección aleatoria de botellas,
maderas, flores, frutas y otros. Proviene de la denominación inglesa still life que
significa vida inmóvil.
Dibujo Natural o Dibujo de Perspectiva.
Consiste en traducir gráficamente la impresión producida por un objeto visto desde cierto
ángulo: tal como lo ve y como lo percibe la vista.
Dibujo Libre.
Desarrolla la imaginación del dibujante. Debe elegirse un tema que sea la base y el punto
de partida de la composición. La elección dependerá de la edad, temperamento y el gusto
de cada uno. En los niños este ejercicio de composición da resultados sorprendentes. Su
fuerza imaginativa, su tendencia naturalmente poética y la libertad con que se sirve de los
medios de expresión son notables.
Croquis de Memoria.
Es la imagen sintética, esencial de un objeto conocido. Los chinos hacen un estudio a
fondo del objeto que van a dibujar. Lo estudia en todos sus aspectos, después hacen una
serie de croquis ( borrador) mediante los cuales han observado carácter, relaciones,
proporción y otros. Pueden ejecutar de memoria con solo algunos trazos y unos pocos
valores, un dibujo libre que ponga de relieve el carácter del objeto. Este método es
sumamente eficaz.
Dibujo Técnico.
En los diferentes campos de la actividad humana artes, ciencias, industria, comercio, los
proyectos, los estudios y la realización de objetos o mecanismos exigen un intercambio de
ideas técnicas. Esto solo es posible por el establecimiento de documentos gráficos que
traduzcan sin ambigüedad esas ideas. Así el dibujo técnico es el apoyo esencial del
pensamiento técnico.
Dibujo Esquemático.
Es una amplia combinación de técnicas de distinto tipos de dibujo tales como:
– El Dibujo Humorístico.
– Arquitectónico.
– Lineal.
– Creativo.
Reunidos todos en un práctico y sencillo sistema de trazos lineales acompañados de
figuras geométricas, así como también bases esquemáticas que permitan fácilmente
expresar cualquier imagen por muy complicada que sea.
2.9.1 La Perspectiva del Dibujo.
La perspectiva permite realizar un dibujo plano, dando la impresión de que tiene tres
dimensiones: alto, ancho y profundidad. Por eso se dice que el dibujo en perspectiva es la
representación de un objeto como aparece a un observador, situado en una posición con
relación a un objeto.
Para el dibujo en perspectiva se tiene en cuenta estos elementos:
– Línea de Horizonte.
– Punto de Vista.
– Punto de Fuga.
Línea de Horizonte
Es la que separa 2 planos y se sitúa frente a nuestra vida. Por ejemplo:
“ la línea que separa el mar y el cielo”
“ la tierra y el cielo”
Punto de Vista
Se encuentra en el centro de la línea de horizonte o sea frente al observador.
Punto de Fuga
Es aquel que se sitúa en el horizonte, es el que aparece más lejos del observador. El
dibujo es como un lenguaje universal, que se entiende en todas las naciones. Un hombre
puede expresar sus ideas, incluso ante un compatriota mas claramente con un lápiz o un
yeso que con su lengua. ( Benjamín Franklin).
2.9.2 Elementos Básicos del Dibujo.
El punto y la Línea constituyen los elementos básicos para dibujar, pues a partir de los
mismos se generan representaciones de objetos, personas, animales y ambientes en los
cuales aparecen combinados estos elementos.
El Punto, puntilleo o punteo.
Por sí solo no tiene expresión, aunque esté ubicado en un plano. Sin embargo cuando se
usa en muchas cantidades, sirve para representar objetos, personas, animales y diferentes
ambientes. Algunos artistas utilizan la técnica del puntilleo que consiste en dibujar y
colorear a través de puntos para realizar dibujos y pintarlos. El punto también es usado
para dar luces y sombras a diferentes superficies.
La Línea
Es el elemento básico de la expresión, permite describir e interpretar el mundo
circundante y adquiere diferentes expresiones de acuerdo a su:
– Posición: verticales, horizontales y oblicuas.
– Forma: circulo, cuadrado, rectángulo, rombo y otros.
– Estructura: gruesas, semigruesas y finas.
Con la aplicación del dibujo y la pintura surgen otros elementos que transfieren
mayor valor estético y artístico al trabajo realizado entre ellos tenemos:
El volumen.
Corresponde a toda forma que se representa en tres dimensiones en la cual se
refleja su anchura, altura y profundidad. Representa la masa del objeto, figura,
animal y otros.
Luz y Sombra ó Claroscuro.
Es el termino que se utiliza para describir el efecto de la luz y sombra en una
pintura o dibujo.
La Textura.
“Es el resultado aparente de la materia y en su percepción se diferencian
cualidades visuales y táctiles.
Corresponde a la apariencia externa de la estructura de los materiales. Es una
forma de hallar nuevas maneras de utilizar los materiales, de investigar con
ellos, de crear un lenguaje plástico personal a través de la materia como se hace
con la línea o el color. Se trata de la característica visual y táctil de una
superficie”.12
2.10 Etapas de la Evolución Gráfica Infantil.
Primer etapa: garabateo simple.
Se inicia entre los dos y cuatro años de edad según el desarrollo y los estímulos
recibidos, es el momento de la acción y curiosidad; los niños se interesan por los
juegos con los materiales: crayolas gruesas, pintura, colores, tizas, yesos y otros.
Los trazos son de manera casual, los dibujos no son realizados con la intención
de expresar algo, surgen de la espontaneidad del momento, son acciones reflejas
neuromotoras que dan placer a través de la observación, experimentación,
acumulación de información, asociación y descubrimiento de experiencias.
12 Enciclopedia de educación OCÉANO. Didáctica de las artes plásticas. P 1,347
La importancia de esta etapa radica en que satisface necesidades instintivas lúdicas,
lo cual favorece la sensopercepción y coordinación motriz. El garabateo se clasifica
en:
– “Sin control, cuando el niño y niña con el puño cerrado golpea sobre el papel
dejando puntos, líneas cortas, semirrectas, aisladas o continuas, cortas o amplias.
– Con control viso-manual, es cuando el niño y la niña asocian la vista con los
movimientos de la mano y logra cierto dominio, descubre que puede dejar
trazos a su voluntad.
– Con nombre o pensamiento imaginativo, toman conciencia de sus acciones,
saben que las pueden controlarlas y usarlas.”13
Segunda etapa el garabateo celular.
Los garabateos consisten en líneas continuas o aisladas, inseguras y débiles, casi
rectas en todas direcciones, pasan de ser líneas más precisas y trazos curvos
continuos o aislados, abiertos y cerrados.
Cuando el niño y niña descubre casualmente que las líneas se unen de forma
circular, aparece la célula con la que representa todos los objetos y elementos de
su entorno. En esta etapa la interpretación de los dibujos cambia constantemente,
no pintan los objetos con el color real porque no le interesa hacerlo, el color lo
utiliza de manera emocional aunque ya los pueda identificar.
Los trazos infantiles son producciones de la manera de pensar, intereses y de la
etapa evolutiva, por lo que es impropio querer ajustarlos a los patrones visuales
del adulto. En esta etapa a los niños y niñas no les interesa la reproducción
objetiva de la realidad, al contrario sus dibujos son interpretaciones subjetivas de
la relación afectiva y utilitaria entre su persona y el mundo que le rodea; es la
etapa del “yo” en donde expresa sus preferencias y rechazos.
13 Alicia Venegas, op. Cit. P 74
Tercera etapa: dibujo infantil.
El dibujo infantil principia con la llamada etapa realismo intelectual. Se da cuando
el niño y niña tiene la intención de expresar una idea concreta y soluciona,
subjetivamente, la composición y relación de las figuras en el espacio
bidimensional (hoja de papel). En esta etapa los niños piensan y decide antes de
comenzar los trazos o manchas.
El dibujo infantil continua su evolución con la etapa llamada “realismo visual”, en
la que se manifiesta abiertamente la conciencia visual o un mayor interés por la
observación; Los trazos intentan reproducir la realidad, aquí los niños procuran
ser fieles a lo que miran.
Evolución de la expresión con el manejo de formas tridimensionales.
Ésta evoluciona con rapidez al combinarla con actividades plásticas (dibujo, pintura,
collage y otros). Se puede realizar con pasta de elaboración casera, barro, tierra,
plastilina y yeso; se conocen como tridimensionales porque tiene tres dimensiones.
Con el modelado se estimula la capacidad de percibir y aprender las cualidades
de masa, volumen, cuerpo y forma, lo cual mejora la adquisición de conocimientos,
experiencias y conceptos. Al tener oportunidad de modelar se pueden observar
mejoras en el dibujo infantil.
A partir de los tres años, los niños y niñas utilizan el modelado sin un objetivo
propuesto previamente. Lo aplasta, parte, desmenuza, retuerce, pellizca, esparce, estruja
y golpea. Corresponde a la etapa de coordinación ojo-cerebro-mano del garabateo,
en que domina la necesidad del movimiento y de jugar.
A los cinco y seis años modela una figura empleando dos procedimientos: de un
trozo de plastilina saca las partes estirando el material; o modela las piezas
independientemente para luego integrarlas.
De los seis años en adelante, modela formas esquemáticas o simbólicas completas
que repite hasta superar las dificultades, colecciona las figuras para jugar con ellas.
Un problema que surge es que no son trabajos duraderos, pues la plastilina se
deforma, las pastas se descomponen y el barro se desmorona cuando no se
hornea, pero no muere el aprendizaje interno y las facultades que se estimularon.
Después de los siete años los niños son capaces de modelar figuras interpretando
personajes y animales de manera muy parecida a sus dibujos y pinturas.
2.11 Generalidades en el Uso del Color.
Etapa del garabateo.
En esta etapa los niños juegan y trabajan tranquilamente con el unico color
que tiene a la mano, percibe mejor los colores puros como el rojo, amarillo
naranja, azul y verde.
Cuando tienen muchos colores a su disposición, continuamente los esta cambiando
por el interés de probarlos, interumpen los garabatos y entonces los trazos se
vuelven duros, cortos y aislados; distrae su atención y se limitan los movimientos
amplios y continuos que dan respaldo al dominio de la coordinación motriz.
Hasta los siete años.
En la etapa comprendida hasta los siete años, el color tiene un uso emocional; el
niño lo emplea de acuerdo a sus necesidades expresivas y por la simple
satisfacción que proporciona. Los niños no hacen una relación objetiva entre las
formas y el color. No le interesan las diversas gamas de colores, utiliza el color
con el que más se identifique o sea su preferido, o en otras ocasiones no usa
un color porque le gusta y no quiere que se acabe.
Desde los siete años.
A partir de esta edad los niños descubren que existe una relación convencional
entre el color y el objeto. Las cuales utilizaran hasta que no surja una
experiencia relevante que modifique los esquemas concebidos del entorno.
Realismo Visual. (11 a 13 años)
Aquí se inicia una etapa intensa de razonamiento, se desvía de los esquemas
del color. Visualmente conciente de su medio, usa los colores de acuerdo con sus
impresiones al observarlos y advertir sus cambios; capta la presencia de sombras,
luces y nuevas tonalidades. Usa el color por asociación de experiencias y
significación, de modo simbólico y un tanto abstracto, se acentúa el enfoque
emocional y puede pintar intencionalmente, según un objetivo y una decisión con
los colores puros y con todas las mezclas que desee.
Como se puede apreciar que el conocimiento de la evolución gráfico infantil es
importante para los docentes debido a que no se debe caer en el error de no
valorar el esfuerzo realizado por los niños y niñas.
2.12 Técnicas Pictóricas.
Se tiene que tener presente que la técnica ayuda, pero no expresa el mensaje
interno de la persona. Estas explican y demuestran la versatilidad de la materia, lo
que se puede lograr a través de ellos. Al trabajar con estas técnicas no se
influye en la creatividad y expresión de la persona; en el caso del niño y niña se
tiene que tomar en cuenta la evolución gráfico plástica, la madurez, los contenidos
y finalidades que se pretenden alcanzar. El docente también debe brindar a los
niños y niñas la oportunidad de experimentar con los materiales y no desarrollar
la clase diciendo qué y como realizar su trabajo porque frena las actitudes de
iniciativa y creatividad.
Las técnicas pictóricas son un conjunto de formas como aplicar pintura sobre el
papel, cartón, lienzo y otros. Para obtener distintos resultados y así poder
experimentar, combinar y mezclar las técnicas. Las técnicas se dividen en húmedas
y secas; la diferencia entre ambas es la cantidad de agua aplicada y los diversos
materiales utilizados al plasmarlos en el papel. Entre las técnicas pictóricas húmedas
encontramos las siguientes:
AGUADAS: Las aguadas de color son capas finas de pintura transparente o muy
diluida en agua. Estas a su vez pueden ser lisas, con gradación y jaspeadas.
Aguadas lisas son aquellas en donde el color es uniforme y liso, no hay
variaciones, para obtener esto es necesario colocar las pinceladas continuas y
ligeramente sobrepuestas a la pincelada anterior. Aguadas con gradación, es aquella
donde hay variación en el tono del color, De lo oscuro a lo claro, esto se obtiene
cargando con más agua y menos pintura el pincel.
Aguadas jaspeadas son aquellas donde se funden dos o más colores con la idea
que en el papel se logren las combinaciones que se deseen.
VELDADURAS: En esta técnica se colocan tres partes de agua por una de pintura
obteniendo así una película muy ligera de pintura. La aplicación de veldaduras es
un método de mezcla óptica mediante el cual los colores se funden. Cada
veldadura sucesiva modifica el color subyacente sin taparlo por completo. Es esta
fusión incompleta de los colores, combina con los efectos de la luz reflejada, lo
que otorga a las veldaduras su calidad luminosa.
Las veldaduras se trabajan por ejemplo usando un pincel o esponja humedecida
con pintura, tiene que ser desplazado por el papel reproduciendo vetas de colores
que pueden ser orientadas hacia cualquier dirección, forma, tamaño, color, etc.
Técnicas pictóricas secas, entre ellas se encuentran:
EMPASTE: Esta técnica puede ser usada para reciclar las pinturas que se seca
por falta de uso o un mal cuidado y adquieren una consistencia espesa. Se aplica
mucha pintura con un pincel o espátula, para luego raspar y crear cualquier
textura. Que depende de la posición con que coloque sobre la superficie.
FUNDIDO: El fundido se puede conseguir sencillamente al arrastrar un color hasta
el margen del siguiente. Esta técnica se divide en fundido con color quebrado y
liso; en la primera los colores se combinan pero dejando cierta textura con el
pincel, una especie de mancha. La segunda técnica es una transición muy
definida en la que las pinceladas son invisibles, esto quiere decir que los colores
se combinan uniformemente sin ninguna textura.
MEZCLA ÓPTICA: En lugar de mezclar un color sobre la paleta, puede aplicar
pequeños puntos de color puro en la superficie. Cuando la pintura se observa
desde la distancia adecuada, los colores parecen fundirse y sugiere un tono
totalmente distinto. La mezcla óptica crea colores vibrantes y luminosos.
PINCEL SECO: Se toma una pequeña cantidad de color puro con el pincel y se
pasa ligeramente sobre el papel o superficie de trabajo. La pintura queda atrapada
por la superficie del papel, de modo que se ven motas diminutas del color
subyacente.
2.12.1 Efectos y Texturas por Medio de Pintura.
Las texturas y efectos son la búsqueda de ampliar posibilidades sobre los recursos
que se encuentran en el entorno, se tiene precisamente como una limitante la
creencia que las artes plásticas solo se pueden desarrollar por medio de
materiales de alto costo monetario; al contrario se le niega a la naturaleza su
capacidad de creación artística.
CARBONCILLO: se realizan trazos todos los tipos de líneas, se difumina con los
dedos hasta obtener la textura deseada.
CRAYOLA O PARAFINA: Sobre la superficie primero se hacen trazos que pueden
ser con crayola de cualquier color o parafina que es el material de las velas,
después se pinta encima con pintura y aquí se crea una textura que repela la
pintura.
ESGRAFIADO: Se puede hacer con crayones o yeso pastel graso. La técnica es
colorear la superficie de una o varias combinaciones, luego se pueden rascar con
un medio afilado, espátula, etc. Para crear formas y texturas muy características.
ESTARCIDO: se utilizan figuras recortadas como plantillas, estas se colocan sobre
una superficie, se aplica la pintura sin diluir en agua, dejando plasmada la figura.
GRABADO: consiste en plasmar sobre un objeto: madera, yeso, lamina y otros,
formas, figuras, dibujos y otros para luego empaparlo de pintura y reproducirlo
sobre una superficie.
LEVANTAR LA PINTURA: Existen dos formas de realizarlas la primera es cuando
la superficie esta húmeda, el color se levanta ciertas zonas con papel absorbente,
esponja o el pincel sumergido en agua limpia. La segunda es usada en la acuarela
cuando la pintura ya esta seca se levanta con la esponja o algodón húmedo.
MONOCOPIAS: es una técnica de grabado, donde se estampa superficies de hojas
empapadas de pintura espesa. Imprimiéndolas sobre el papel.
PAPEL CARBONICO: se apoya el papel carbónico sobre una hoja de papel y
trazar líneas, al retirar el papel carbónico sé verà lo diseñado.
RASCADO: Se pude realizar de tres formas, la primera cuando la pintura haya
secado se raspa con una cuchilla teniendo cuidado de no rasgar la superficie; la
segunda es hacer los mismo pero cuando la pintura aun se encuentra húmeda
con un palillo para crear toques de luz claros. La tercera es usada para crear
toques de luz difusos como movimientos del agua, con la pintura húmeda se frota
con papel de lija fino.
SELLOS CON FRUTAS O VERDURAS: cortando por el medio una fruta o verdura se
obtiene un sello. Pasarle pintura espesa e imprimir con fuerza sobre el papel.
SUBJETIVIDAD DEL COLOR: consiste en pensar en un sentimiento: alegría, pasión.
Tomar el color con el cual lo identifica y con la ayuda de sus dedos manchar sin
reproducir una forma concreta.
TRABAJO SIMPLIFICADO: se trazan líneas guías con la ayuda de una brocha, por
medio de manchas se va creando un paisaje.
TÉCNICA CON LÍNEAS: los lápices se utilizan para esbozar y realizar dibujos
preliminares, las texturas utilizando líneas varían según la intensidad, suavidad,
dureza, soltura y el diseño que sea utilizado.
TÉCNICA DE PUNTO, PUNTEO O PUTILLEO: es el empleo de solo puntos para
forma un dibujo, en el cual con la distancia se aprecia y valora la calidad del
punteo.
TÉCNICA CON VOLUMEN: el volumen depende del sombreado que son gradaciones
de tono. Primero se pintan grandes rasgos, mientras se trabaja desde los tonos
más claros a los más oscuros o viceversa. Se funde cuidadosamente los trazos
con los dedos o pincel.
TEXTURAS CON ARENA: se combinan la arena, pega y agua en un deposito para
formar una pasta. Luego se pone sobre la superficie elegida: cartón, barro,
azulejo y otros.
TEXTURAS CON SAL: Se pueden lograr impredecibles texturas si se reparten granos
de sal gorda sobre la superficie con pintura húmeda, los cristales de la sal
absorben la pintura dejando formas sobre el papel.
2.13 Perfil Profesional del Docente en Educación Parvularia.
El perfil del educador de parvularia debe organizarse sobre la base de tres dimensiones
especiales: dimensión ocupacional, dimensión de la personalidad y dimensión del
desarrollo de capacidad profesional.
Dimensión Ocupacional.
El docente debe reunir un conjunto de conocimientos, actitudes, habilidades y destrezas
que lo habiliten para responder a las exigencias que plantea el campo ocupacional tanto
actual como futuro. En tal sentido se postula que el educador debe:
– Ser capaz de comprender las características generales educativas del crecimiento y
desarrollo humano en forma holística, en especial de las etapas del niño y niña; y del
adulto que son los grupos de personas con los que principalmente se desempeña,
para satisfacer su desarrollo integral y armónico.
– Ser un conocedor de los problemas de educación en general y de la educación
parvularia.
– Ser capaz de integrar diferentes bases filosóficas, psicológicas y antropológicas que
constituyen los campos de implicancia en planteamiento pedagógico.
– Ser capaz de plantearse como un creador de respuestas educacionales más
pertinentes, ya sea por vías formales o no convencionales, de manera que respondan
mejor a las necesidades de los niños y niñas y sus familias.
– Ser un facilitador de aprendizajes realmente significativos para los niños y niñas y
para los grupos de adultos con los que el maestro/a de parvularia se desempeña.
– Debe ser capaz de diagnosticar intereses y necesidades, y de ofrecer opciones de
trabajo que impiden asumir un rol activo de los aprendizajes en su propio proceso
educativo.
– Ser un adecuado administrador y evaluador de los curriculum que se implementan,
para garantizar más su optima aplicación en función a favorecer efectivamente los
objetivos que se aspiran.
– Ser capaz de generar y propiciar instancias de participación efectiva en la tarea
educacional de diferentes grupos de personas.
– Ser capaz de generar proyectos de investigación educacional para ser un conocedor de
la realidad y un buscador de soluciones pertinentes a su realidad.
– Ser capaz de generar situaciones que posibiliten el desarrollo de la
sensibilidad en el niño y niña de sus diferentes formas de expresión en forma
integrada.
Dimensión de Personalidad:
Esta referida a aquellas características personales que determinan el comportamiento del
docente, especialmente en el desempeño de su trabajo.
Es importante que el docente posea los siguientes rasgos para un adecuado desempeño
con los niños y niñas, sus familias y colegas de trabajo.
– Debe ser consciente de su singularidad, en cuanto a conocer cuales son sus mejores
aptitudes y limitaciones, para una actuación profesional y participación efectiva en la
comunidad educativa.
– Capacidad de relacionarse y trabajar en los distintos grupos con diferentes ámbitos
culturales y sociales, en una actitud abierta para posibilitar la participación y
recepción de aportes de los demás.
– Consciente de su capacidad de ser actuante, agente de cambio, a través de un
compromiso asumido por el rol social que ejerce.
– Creativo, por tanto de buscar respuestas originales a los problemas del quehacer
docente con personas y realidades diferentes.
– Sensible, respecto a sí mismo y a lo que sucede en su entorno social, cultural y
natural, de manera que no pierda la percepción siempre humana pero a la vez real
de los problemas.
– Equilibrado e integrado en su desarrollo, para obtener la fuerza y los criterios para
resolver las diferentes dificultades propias de su quehacer, como el propiciar un clima
afectivo de seguridad y confianza que posibilite el crecimiento de los niños y niñas.
– Trascendente en su rol, que debe traducirse en un verdadero aporte en el crecimiento
de otros y ser un testimonio de los principios cristianos.
Dimensión de Desarrollo de Capacidad Profesional:
El profesional de la educación parvularia debe cultivar hábitos y actitudes necesarias
para una permanente actualización profesional y presentar las siguientes características:
– Ser un permanente consultor de fuentes de cultura en general y de las áreas mas
especializadas, debe estar constantemente actualizado y desarrollar una actitud
reflexiva y crítica.
– Ser perseverante en el actuar, definir metas importantes y concentrar los esfuerzos en
ellas.
– Ser un investigador de los problemas de diferente índole, a través de la aplicación de
los pasos del método científico.
– Ser capaz de tomar sus posiciones en los distintos ámbitos del quehacer y ser capaz
de fundamentar y exponerlas tanto escrito, como oralmente.
– Manifestar una actitud de autonomía, que le permita luego del análisis de las
situaciones, tomar decisiones adecuadas a las circunstancias.
– Ser creativo en las propuestas que ofrece, luego de una evaluación diagnostica de las
circunstancias.
– Manifestar su capacidad de organización de su tiempo, trabajo e ideas, de manera
que pueda aprovechar mejor los momentos con que cuenta.
– Ser responsable en los diversos compromisos que asume.
El perfil del docente en parvularia prevee la necesidad de desarrollar ciertas capacidades
para desempeñar un mejor trabajo con los niños y niñas, esto lleva a pensar en la
necesidad de dar un constante apoyo a esta labor, buscando herramientas y
capacitaciones constantes.
2.13.1 Perfil Profesional del Docente con Conocimientos de Artes Plásticas.
La concepción de un perfil artístico está constituida por la unión del
conocimiento de las artes plásticas y la docencia, ya que separadas no son una
herramienta capaz de fortalecer todas las áreas del niño y niña. Algunos
aspectos que debe cumplir son:
– “Conocimientos del desarrollo psicobiológico del niño y niña en el campo gráfico
plástico.
– Incentivar y captar la atención de los educandos.
– Promover actitudes favorables en el aprendizaje de las artes plásticas.
– Respaldar el esfuerzo personal de los niños y niñas.
– Estimular la libertad de pensamiento, de expresión y acción de los educandos.
– Conocer los elementos expresivos de las artes plásticas.
– Conocer la evolución grafico plástica del niño y niña.
– Procurar un alto grado de creatividad e imaginación.
– Conocimiento de la historia del arte.
– Fomentar actitudes de responsabilidad, respeto y hábitos positivos de trabajo.
– Observar una actitud investigadora frente a los fenómenos artísticos y educativos.
– Mostrar interés en conocer, saber, cuestionar y ser capaz de estimular dicha actitud
en los alumnos.
– Ser capaz de apropiarse y de generar conocimientos escolares, y de promover el
desarrollo de estas capacidades en los alumnos.
– Comprender los procesos de producción, apreciación crítica y contextualización
sociocultural de las artes en sus distintas manifestaciones.
– Ser portador de una sensibilidad estética y comunicársela a los alumnos en lo que se
refiere a la apreciación y experiencia del mundo natural y cultural.
– Ser creativo, imaginativo, utilizando el pensamiento visual y metafórico en la práctica
educativa.”14
14 Ídem p 164
2.14 La Creatividad e Imaginación.
“La creatividad es una facultad y una actitud natural del ser humano, toda persona nace
con esta capacidad y es esencialmente creador. La creatividad es la capacidad que ayuda
a concretar las ideas e iniciativas individuales, a producir y a llegar a trascender; su accion
esta presente, con diferente calidad e intensidad, en cualquiera de las actividades que se
realizan.”15
Entre las formas para desarrollar una aptitud creativa se encuentran:
– La originalidad permite en perfeccionar el aspecto y la funcionalidad de las cosas, y
dotarlas de múltiples cualidades.
– Tiene que existir fluidez de ideas, no limitarse a producir aspectos lineales y cerrados.
– Se debe mantener apertura a otras posiciones y posibilidades para seleccionar las más
adecuadas y valiosas.
– Modificar actitudes y maneras de actuar ante diferentes contingencias diseñando
múltiples estrategias para llegar a soluciones que respondan a un problema en
beneficio individual y colectivo.
La creatividad se produce bajo dos motivaciones, la primera se genera por un deseo
concreto de expresar algo y desarrollar proyectos que satisfagan necesidades individuales
y colectivas en torno a ciertos problemas, aplicando conocimientos, recursos y técnicas.
Segundo, la meta de la creatividad es hacer obras por el deseo personal de hacerlas, por
entusiasmo hacia las formas, por el gozo de manipular el material, por la experimentación,
por disfrutar la práctica artística, por el placer de interpretar un asunto en que se exponga
ciertos motivos y por la armonía y el disfrute que se encuentre en ellas. 15 Pérez Ulloa Iris. Didáctica de la educación plástica en la EGB. El taller de arte en la escuela. Librería editorial El Ateneo. 1998 p. 81
Para despertar la creatividad en las artes plásticas no es necesario copiar las obras que ya
existen, porque toda persona necesita estimular, expresarse de acuerdo a sus facultades,
investigando, descubriendo, experimentando para adquirir nuevas experiencias.
La imaginación es la facultad de establecer las relaciones entre las imágenes
mentales producidas por los sentimientos, conocimientos y pensamientos. Que
primero se manifiestan de forma interna para luego hacerlo externamente a través
de la expresión artística.
2.14.1 La Percepción del Docente y la Innovación.
El docente tiene que percibir su entorno con todos sus sentidos para poder
desarrollar capacidades, opiniones, ideas, cualidades y destrezas. Percibir es la
acción de ver los detalles, apreciar la naturaleza, valorar, comprender, analizar, todo
aquellos que gira a su alrededor. Concebir al mundo desde varios puntos de
vista tiene como consecuencia la oportunidad de conducir libremente la expresión
de la individualidad de los niños y niñas para que sean personas sanas,
originales, creativos y productivas. La percepción del docente sobre la aplicación de la
pintura y el dibujo en el proceso de enseñanza aprendizaje, depende de las
experiencias, vivencias, oportunidades, metas, deseo de superación de la persona, así
mismo de recibir una buena instrucción sobre las artes plásticas.
La innovación es la capacidad humana de producir resultados mentales de cualquier clase.
Parte de datos conocidos, así como el enlace de conocimientos ya adquiridos con ideas
nuevas. La innovación creativa debe ser intencionada y apuntada a un objetivo concreto,
esta puede adoptar forma artística, literaria, científica, ser de innovación técnico o
metodológico. Tiene que tener la cualidad de formarse desde la infancia por lo que es
necesario que los centros educativos estén provistos de metodologías y materiales para
proporcionar a los alumnos, técnicas, medios y ambientes de libertad con la finalidad de
desarrollar la capacidad expresiva, constructiva y creadora. En la realidad existen
incoherencias en cuanto la innovación de las artes y su desarrollo dentro los centros
escolares, entre ellas se encuentran:
− La clase de las artes plásticas no se desarrolla en las aulas de parvularia por la
cantidad de trabajo que esta requiere, desde la limpieza, control de las acciones de
niños y niñas hasta las indicaciones dadas por el docente.
− La existencia de concursos competitivos los cuales tienen la finalidad de estimular; sin
darse cuenta que se pretende valorar lo que no se puede evaluar, la subjetividad de
un niño o niña con otro u otra, con idénticas capacidades pero con diferentes
cualidades expresivas. No permite una selección objetiva para determinar quien
merece ser ganador.
− Las competencias en este ámbito no incentivan la superación individual de los niños
y niñas, porque los criterios de evaluación son elaborados por adultos que pueden
desconocer la evolución grafico infantil y por los prejuicios adquiridos en su
formación.
El rol del docente debe incluir una aplicación de las artes plásticas para ofrecer un sentido
visionario de la experiencia humana, porque a través del arte el hombre refleja las
impresiones que obtiene de su entorno y por otra parte le permite trascender más allá de
lo real, soñar y crear un mundo de fantasías. El docente de nivel de parvularia a través de
la pedagogía, el desarrollo libre y la investigación de nuevas ideas deberá de propicia un
ambiente en el que no exista conductas que obstaculicen la innovación, invención y
creatividad.
2.14.2 Las Artes Plásticas Aplicadas a los Materiales Didácticos.
“Los materiales didácticos son las herramientas indispensables de las que se vale
el docente, para favorecer el proceso de enseñanza aprendizaje y lograr
aprendizajes significativos.”16
16 Fundamentos curriculares de la educación parvularia. San Salvador. El Salvador. C.A. 1999.
La importancia de éstos se pone en manifiesto al ubicarse dentro de la
planificación sistemática de la enseñanza, es decir, deben estar de acuerdo a los
objetivos de la educación, metodología, actividades a realizar y los sistemas de
evaluación. Dentro de las finalidades de los materiales didácticos se encuentran:
– Aproximar al educando a la realidad de lo que se quiere enseñar, ofreciéndole
una visión más exacta de los hechos o fenómenos estudiados.
– Motivar la clase.
– Facilitar la percepción y compresión de los temas y de los conceptos.
– Concretar e ilustrar lo que se está exponiendo verbalmente.
– Economizar esfuerzos.
– Contribuir a la fijación del aprendizaje a través de la impresión más viva y
sugestiva que puede provocar el material.
– Dar oportunidad para que se manifiesten las aptitudes y desarrollo de
habilidades especificas, como el uso de maquinas, equipos y otros.
– Desarrollo del espíritu critico e investigativo.
– Colocación de carteleras informativas adecuadas a los eventos, festividades,
celebraciones, avisos y otros.
La aplicación de técnicas de la pintura y el dibujo pueden facilitar la creación
de material novedoso por ejemplo: en la actualidad la presentación de láminas
en el periodo de conversación son presentadas en un plano, no hay volumen,
textura, luz y sombra. Los niños y niñas copian estos modelos y mecanizan las
formas de los objetos, árboles, flores, animales, figura humana entre otros. Estas
técnicas favorecen el desarrollo de la creatividad porque pueden transformar con
pocos recursos los contenidos de estudio en el nivel de parvularia.
Organización del Espacio.
En el documento de “Fundamentos Curriculares de la Educación Parvularia”
menciona la importancia y cualidades de la organización del espacio. Para poder
llevar a cabo cualquier actividad es necesario recurrir a determinado espacio
que permita desarrollar las capacidades y acciones. El aula del nivel de
parvularia tiene un espacio propio llamado ambiente físico, que debe ser apto
para actividades individuales y grupales. También tiene que poseer las siguientes
cualidades:
– Permitir libertad de movimiento para la exploración y el trabajo espontáneo.
– Contar con el equipo y mobiliario adecuado a la edad e intereses de los
niños y niñas. Los colores utilizados en las paredes deben propiciar armonía,
tranquilidad en la conducta de los educandos.
– Estar limpio, ordenado, iluminado, ventilado y libre de bullicio de fabricas o
talleres.
– Tener una decoración atractiva y motivadora que debe renovarse según la
unidad, mes y celebración de aprendizaje integrado que sé esta desarrollando.
– Ofrecer posibilidades de Adecuadación flexible para responder a las actividades
de juego trabajo que requiere dividir el salón de clases en zonas o áreas
de juego y que necesitan ser alternadas.
Zonas o Áreas de Juego Trabajo.
Son lugares donde se tienen y organizan los materiales educativos en función
de objetivos y aprendizajes, su finalidad es:
– Ofrecer estimulación integral a los niños y niñas en un ambiente agradable.
– Favorecer el trabajo individual o grupal.
– Permitir la manipulación de diferentes objetos y materiales.
– Satisfacer las necesidades e intereses de los niños y niñas.
Las zonas o áreas de juego trabajo tiene que poseer las siguientes
características:
– Los materiales deben estar al alcance.
– En cada zona los materiales deben diferenciarse unos de otros.
– La disposición de las zonas tiene que permitir el libre desplazamiento.
– Deben presentar material de interes.
Entre estas zonas existe la zona de plástica que pretende el desarrollo de la
coordinación ojo mano, desarrollo de la creatividad por medio de técnicas
gráfico plásticas, incremento de la curiosidad e imaginación, la expresión de ideas
y pensamientos, confianza, seguridad en sí mismos entre otros. Pero no en todos
los centros educativos funciona con la intención de su creación o simplemente
no existe por factores económicos, limpieza, espacio físico entre otros.
2.14.3 Educación de una Sensibilidad Artística.
Una educación de la sensibilización artística consiste en el placer de contemplar
y disfrutar las formas, colores y texturas que se encuentran en el entorno. Para los
docentes es una tarea muy difícil medir las respuestas de apreciación hacia un
objeto o elemento, esto quiere decir que tiene mayor dificultad cuantificar las
percepciones adquiridas por los niños y niñas. Para muchos docente es
preferible trabajar con variables cuantitativas de las cuales se puedan obtener
resultados de éxito o fracaso.
Se cree que la sensibilidad se despierta en la valoración de obras artísticas. Pero
esto no es muy objetivo porque cada obra de arte pertenece a un periodo que
puede estar influenciado por circunstancias ajenas a las nuevas generaciones.
La sensibilidad es una variable interna que dependerá de las experiencias que
se adquieran en la vida, de las influencias que se reciban de otras personas, de las
emociones y sentimientos.
2.14.4 Las Artes Plásticas y la Inteligencia Pictórica.
Para los seres humanos dibujar y expresarse plásticamente es una actividad
intrínseca necesaria que comienza con los primeros grafismos espontáneos en la
etapa del garabateo y continua en todas las etapas de la vida. Las artes
plásticas son un lenguaje y una forma de comunicación no verbal que integra el
desarrollo motor que involucra la visión y las habilidades manuales.
Howard Gardner enfatiza el hecho de que todas las inteligencias son igualmente
importantes. El problema es que el sistema escolar no las trata por igual y ha entronizado
las dos primeras de la lista, (la inteligencia lógica - matemática y la inteligencia
lingüística) hasta el punto de negar la existencia de las demás.
Por tal motivo el desarrollo de las destrezas marcadas que los niños y niñas
presente es un factor que no se puede pasar por alto durante el proceso de
aprendizaje.
Las unidades de estudio se pueden presentar de formas diversas que permitan a los
niños y niñas asimilarlas partiendo de sus capacidades y aprovechando sus puntos
fuertes, además, tenemos que plantearnos si una educación centrada en sólo dos tipos de
inteligencias es la más adecuada para preparar a nuestros niños y niñas para vivir en un
mundo cada vez más complejo.
Es de gran importancia que el docente sea capaz de brindar a los niños y niñas
oportunidades de aprendizaje en las cuales ponga a prueba el logro de metas y
objetivos. Al conocer la relevancia que esto tiene para su crecimiento y desarrollo
existe la oportunidad de fortalecer sus destrezas y habilidades adaptando la
metodología, el curriculum, las unidades de aprendizaje, la evaluación entre otros, a los
niños y niñas; y no que ellos se adapten al sistema de educación tradicional, lo que
limita, obstruye e imposibilita sus potencialidades al negarle su propia autonomía.
La teoría de las inteligencias múltiples (IM) según Howard Gardner indica que
cada persona tiene el potencial para desarrollar una variedad de inteligencias que
le permitirán interactuar más eficazmente en su entorno. Este autor define la
inteligencia como la capacidad de resolver problemas o elaborar productos que sean
valiosos en una o más culturas. Entre las inteligencias múltiples encontramos las
siguientes:
– Lingüística.
– Lógico-matemática.
– Visual espacial.
– Corporal cinética.
– Musical
– Interpersonal.
– Intrapersonal.
– Naturalista.
Howard Gardner en su libro “Mentes creativas”, habla de la importancia que tienen
las experiencias infantiles para la creatividad adulta. Todos los niños y niñas pasan
por un período de exploración del medio que les rodea, descubriendo los
principios que gobiernan al mundo. Si al principio de sus vidas se les da la
oportunidad de descubrir y explorar mucho sobre su entorno, seguramente
acumulara un capital creativo que podrán utilizar en cualquier momento de su
vida.
En la actualidad existen varias clasificaciones sobre las IM y entre las nuevas
inteligencias en estudio, de las cuales todavía no se cuenta con mucho material a
disposición de la población docente; pero si se sabe que “la inteligencia pictórica
es la capacidad de poderse expresar y aprender conocimientos nuevos por medio
de actividades artísticas y también permite estar conscientes de la valoración del
entorno.”17
2.15 Técnicas Didácticas en la Enseñanza de las Artes Plásticas.
“La didáctica es la ciencia que parte de la pedagogía que estudia, fundamenta, describe
y explica los métodos que guían el proceso de enseñanza y aprendizaje.”18
Una didáctica en la enseñanza de las artes plásticas sugiere facilitar una orientación con
estrategias educativas dependiendo de la edad, necesidades, problemas e intereses, para
evitar la improvisación y fracaso en la aplicación de las artes plásticas.
Esta didáctica en artes plásticas debe contener métodos y técnicas adecuadas a objetivos,
contenidos y actividades.
En el camino de la enseñanza de las artes plásticas se deben evitar ciertos errores; como
copiar paso a paso los trazos, con esto se falsean los conceptos y los objetivos que el
docente sé haya propuesto porque se trata de la forma de pensar y aprender del niño y
17 http://www.asociacionideatica.com/Revista/las_inteligencias_ideaticas.htm 18 Iris Pérez Ulloa. Didáctica de la educación plástica en la EGB. Taller de arte en la escuela. librería editorial. El Ateneo. P. 15
niña; de cómo percibe y siente a través de observar, cuestionar, descubrir, experimentar,
imaginar y asociar experiencias. Para el docente esto requiere mucho dinamismo, pero con
ello logramos aprendizajes permanentes y soluciones plásticas que se pueden aplicar
fácilmente en otro momento.
Otro error consiste en no tener control sobre la clase, una falta de orientación en la
actividad que se va realizar; por lo que existe una falta de insentivacion hacia los niños y
niñas, los cuales se sienten frustrados por esta actitud.
2.15.1 Técnica Didáctica de observación Dirigida.
La observación es un procedimiento con el que se obtiene información objetiva a
cerca de los fenómenos de la naturaleza, realidad y del comportamiento humano.
Esta técnica consiste en observar detenidamente un modelo, acontecimiento o
tema, para localizar características, estimular la percepción y reflexión sobre lo
observado.
Al aplicar las actividades como técnica didáctica se sugiere observar cuidadosamente y con
anticipación los objetos, plantas, animales y otros elementos del entorno, para
incrementar la memoria visual, las imágenes mentales, habilidades, experiencias y la
creatividad que se aplicara en otro momento a través de la expresión gráfico
plástica. Esta técnica requiere una organización de actividades y esfuerzo por parte
del docente y educando; por lo que los resultados se aprecian a largo plazo.
2.16 Materiales y Técnicas Plásticas.
Es importante tener conocimientos sobre los materiales y técnicas plásticas ya que existe
gran variedad de ellos, los cuales pueden ser aplicados de diferentes maneras y permiten
obtener riqueza de texturas, formas, tamaños, combinaciones, entre otros; lo que pone
a disposición de la persona recursos para desarrollar la creatividad e imaginación.
Al introducirse a las artes plásticas se debe recordar iniciar por la pintura porque a través
de ella se desarrolla con mayor facilidad la sensibilidad; el primer material utilizado es el
cuerpo como instrumento creador de arte. El contacto con la pintura debe ser espontáneo
para poder desarrollar la curiosidad, interés y necesidad. El cuerpo nos permite una gama
amplia de movimientos y formas, la idea principal es borrar las limitaciones y barreras que
existen en el aprendizaje de las artes plásticas.
Es imprescindible contar con un lugar amplio, ventilado e iluminado, una mesa de trabajo
para poder crear un ambiente idóneo en donde la creatividad e imaginación tengan
libertad de creación.
El docente debe tener conocimientos sobre los materiales y técnicas plásticas, primero
como conocimiento general que le permite ampliar su propio aprendizaje; segundo porque
debe adaptar estos materiales y técnicas a su propia realidad que a su vez le permita
utilizar diferentes recursos de su entorno.
La selección de materiales y técnicas utilizadas en las artes plásticas varían de
acuerdo a los diferentes artistas. Para el estudio de esta investigación se han
agrupado de la siguiente forma
2.16.1 Materiales Naturales.
El entorno provee una riqueza de elementos que sirven como apoyo para
desarrollar la creatividad e imaginación, estos materiales es preciso conocerlos,
valorarlos por medio de los sentidos: verlos, olerlos, escucharlos, saborearlos, tocarlos
para despertar interés y placer por aprender sobre las artes plásticas. Estos se
encuentran en el trozo de un carbón, una piedra da idea de masa y volumen,
tamaño, forma, peso, textura; de los vegetales se pueden obtener colores, el cuerpo
humano, la tierra, el aire, agua, fuego, los animales, objetos que el niño recolecte y
llamen su atención son los que mejor funcionan para incrementar la observación,
imaginación, memoria visual, investigación de los fenómenos naturales. Todo esto
constituye la introducción a la educación artística y estética.
2.16.2 Materiales Elaborados o Industriales.
Estos son instrumentos fabricados especialmente para plasmar sobre una superficie
algún tipo de obra. El conocimiento de la existencia de estos materiales puede
ser útil en determinado momento, el docente es quien al conocer la disponibilidad
de recursos puede tener más opciones para expresarse. Entre ellos se encuentran:
Acuarelas: estas se componen de pigmentos muy molidos y mezclados con una
solución de goma arábiga. Ésta permite diluir la pintura con agua, con el fin de
crear aguadas transparentes de color que se adhieran al papel.
Aglutinantes: son todos los materiales que permiten que se adhieran los pigmentos
como el pegamento, se puede utilizar engrudo espeso.
Carboncillo: se fabrica con ramitas de viña, haya o sauce que se carbonizan a
elevada temperatura en un horno hermético.
Ceras de color: son una combinación de pigmentos puros con grasa de animales y
ceras. Dejan trazos espesos y mantecosos y sus colores son intensos.
Instrumentos: son todos aquellos que facilitan el trabajo como tijeras, espátulas,
pinceles de cerdas suaves y duras, brochas y otros.
Lápices de color: se fabrican con una mezcla de pigmento, arcilla y aglutinante. Las
barras se sumergen en cera antes de prensarse para darles la forma alargada y
recubrirlas de madera.
Lápices de grafito: estos se clasifican en duros (H) y blandos (B), los lápices duros
son adecuados para trazar líneas precisas y detalles. Los lápices blandos crean ricos
trazos negros y son para crear bocetos rápidos y dibujos expresivos de línea y tono,
sobre todo en papel texturizado.
Lápices solubles en agua: éstos ofrecen las ventajas de los lápices de colores y
además incluyen en la mina un ingrediente soluble en agua de manera que se
puede diluir el color y convertirlo en una aguada transparente.
Material de desecho: son aquellos desechos como telas, cordones, estambres, cajas
de cartón, envases vacíos de plástico, piezas de madera, etc.
Moldeables: se puede usar masa de maíz, barro, plastilina, jabón en barras, pasta de
harina con agua y sal, pasta de papel molido y otros.
Pasteles: se fabrican con pigmentos molidos mezclados con una base, como tiza o
arcilla y unidos con adhesivos para formar una pasta rígida. Se encuentra como
pasteles blandos que son capaces de producir una maravillosa textura aterciopelada;
y los pasteles duros que poseen mayor consistencia y permiten trabajar en las
etapas preliminares de una obra.
Pinceles rígidos: son resistentes y elásticos son especialmente adecuados para la
pintura al óleo, ya que pueden manipular pintura espesa y poseen suficiente
resistencia para trabajar sobre una superficie texturizada.
Pinceles blandos: son únicos para sostener pintura diluida. Se utilizan con acuarelas,
pintura acrílica y óleos diluidos. Son perfectos para capas, vidriados y otros; resultan
indispensables para trabajos de líneas finas.
Pintura acrílica: tiene la cualidad de secarse rápidamente a través de evaporación del
agua, la cual permite crear una película de pintura flexible y resistente al agua. Otra
ventaja es que todos los colores se secan a la misma velocidad. Existen a su vez
diferentes consistencias desde la pastosa de calidad mas fluida y una más liquida.
Pintura al óleo: consiste en pigmentos secos molidos con un aceite seco natural como
el de la semilla de linaza. El cual tiene una amplia gama de colores, tiene la
versatilidad de crear texturas porque se pueden aplicar espesas o diluidas con
solvente.
Pinturas: se elaboran con pigmentos (colores) que se extraen por diversos
procedimientos de plantas, animales, de tierras y minerales, luego se mezclan con
algún aglutinante, adhesivo o pegamento.
Soporte: puede ser una base fija como la pared, el piso, una tabla o pizarrón; y
pueden ser transportables como el papel en diferentes tamaños y tipos, periódico,
cartón y otros.
Témpera: es conocida como goauche, es una pintura espesa que se prepara de
forma parecida a la acuarela mezclando básicamente pigmentos con goma arábiga,
glicerina y un conservador para evitar la formación de hongos.
2.17 Teoría del Color.
Para el aprendizaje del área de artes plásticas es importante comenzar por el
color y para esto debemos conocer los principios básicos de la teoría del color y
como saber aplicar los colores en la practica el cual ayuda al aumento de la
confianza.
“CIRCULO CROMÁTICO: Se trata de una versión simplificada del espectro en
forma de circulo. Es una disposición de los colores primarios (rojo, amarillo, azul) y
secundarios (naranja, verde y violeta), a partir de los cuales se mezcla el resto de
colores.
COLORES PRIMARIOS: Los colores primarios son equidistantes en el círculo
cromático. Un color primario es aquel que no se puede conseguir mezclando
otros colores.
COLORES SECUNDARIOS: Un color secundario se obtiene con la mezcla de dos
primarios, así el azul y el amarillo dan lugar al verde; el rojo y el amarillo, al
naranja; y el rojo y el azul, al violeta.
COLORES FRÍOS: son aquellos que dan la sensación de frío. Están asociados con
el agua, hielo y la selva, se vale de ellos para pintar ambientes frescos Y están
comprendidos en el área verde-azul-violeta del círculo cromático. Reciben también
el nombre de entrantes pues parecen que se alejan en el plano de un paisaje,
tendiendo a distanciar los objetos. Estos colores reducen el tamaño óptimamente.
Cuando los colores fríos son claros dan sensación de soledad, frescura y descanso;
cuando son oscuros inspiran sentimientos de tristeza, melancolía y misterio.
COLORES CÁLIDOS: son aquellos que dan la sensación de calor, son colores
luminosos, alegres, dinámicos y estimulantes. Están comprendidos entre el rojo-
naranja-amarillo del círculo cromático; Tienen la propiedad de acercar los planos al
observador por lo que reciben el nombre de salientes.”19
2.18 La Sicología del Color
Toda persona generalmente muestra preferencia por determinadas clases de colores. Aun
sin advertirlo, los colores tienen una considerable influencia sobre los seres humanos.
En términos generales, los colores se dividen en dos grupos sicológicos: fríos y cálidos. El
azul y los colores de luz azulada son colores fríos. Los colores que tiran a rojo o amarillo
son cálidos. El rojo es un color estimulante, comunica alegría o entusiasmo. El azul es
calmante y se traduce en reposo, aunque en exceso puede ser deprimente. Una persona
puede llegar hasta a sentir frío en un cuarto azul y calor en uno rojo, sin advertir la
influencia de esos colores en sus sensaciones de temperatura. El amarillo es el color
que se relaciona con el sol, y significa luz radiante, alegría y estímulo; el naranja
como una combinación del rojo y amarillo tiene cualidades de éstos pero en
menor grado; el verde es el color del campo, es fresco y reconfortante.
El violeta es madurez y en un matiz claro expresa delicadeza. En estos colores se
comprenden la enorme variedad de matices que pueden ser obtenidos por las
mezclas entre ellos.
Los colores expresan estados anímicos y emocionales y pueden resultar agradables o
desagradables por motivos especiales. Una persona, por ejemplo, puede asociar una
experiencia desagradable con determinado color, motivo por el cual ese color le disgusta.
2.19 Conceptualización de Términos.
– Actitud: Disposición de animo para responder a un estimulo.
– Aguada: capa fina de pintura o tinta transparente o muy diluida, y que se aplica
por lo general en trazos amplios.
19 Simón Jennings. Taller de arte. Guía esencial de técnicas de pinturas y habilidades creativas. Leopold Blume. 2000 p. 176
– Aptitud: capacidad natural para hacer algo. Rasgo que indica lo que el individuo es
capaz de aprender y realizar.
– Artes plásticas: es la disciplina que reúne y estudia el conjunto de dibujos, grabados,
pinturas y esculturas, consideradas obras creativas por sus soluciones únicas, que
expresan interpretaciones de ideas, sentimientos, la realidad y la fantasía con diversos
materiales y dominio de las técnicas plásticas.
– Color: sensación visual producida al incidir en la retina los rayos luminosos reflejados
por los cuerpos al ser iluminados por la luz. Cada una de las siete clases de rayos en
que se descompone la luz blanca del sol al pasar por un prisma: rojo, anaranjado,
amarillo, verde, azul, índigo, violado. Pigmento o sustancia preparada para pintar.
– Composición plástica: organización de los elementos plásticos: espacio, formas
bidimensionales y tridimensionales, colores y texturas que integran una obra,
procurando unidad y armonía.
– Coordinación motriz: relación de los sistemas óseo, muscular y neurológico para
realizar de manera natural y voluntaria movimientos.
– Crear: en artes plásticas, producir obras originales y de merito relevante, únicas por
sus aportes expresivos, técnicos y estéticos.
– Creatividad: capacidad innata de todos los seres humanos susceptible de desarrollarse
mediante estímulos; se manifiesta en la producción de obras y soluciones con cierto
grado de innovación, relaciones y aportaciones positivas.
– Dibujo: trazos de figuras sobre una superficie para expresar algo real o imaginario.
– Dibujo de memoria: interpretación de formas o temas que se recuerdan.
– Dibujo del natural: trazo de formas observando un modelo o la realidad: un conjunto
de objetos, frutas o flores; animales, paisaje urbano o campestre y figuras humanas
que posan.
– Dibujo dirigido: método didáctico para estimular la evolución de la expresión grafica y
la ejecución de trazos siguiendo paso a paso las indicaciones que sugieren y las
observaciones.
– Dibujo espontáneo: trazos naturales y libres según el control muscular, las destrezas y
el interés personal en un momento determinado.
– Dibujo esquemático: síntesis de las figuras con un trazo que las represente o las
identifique.
– Dibujo geométrico: trazo de formas regulares e irregulares que estudia la geometría:
líneas, superficies, polígonos, volúmenes; se incluye el trazo de letras, la perspectiva y
el levantamiento e interpretación de planos.
– Dibujo infantil: expresión grafica espontánea en la que, comúnmente, las niñas y los
niños trazan las figuras de una manera que fácilmente se identifica como peculiar de la
infancia.
– Dibujo inicial o de exploración: dibujo que se pide a los alumnos que realicen
libremente, con el tema que quieran y como puedan, al iniciar un curso escolar, para
conocer la etapa de evolución grafica en que se encuentran y a partir de ese nivel para
determinar la estimulación que es necesaria.
– Dimensión: cada una de las tres direcciones en que se mide la extensión de un
cuerpo: largo, ancho (extensión de lado a lado) y alto (distancia de la base a la mayor
elevación).
– Educación artística: disciplina que estimula el desarrollo de facultades
sensoperceptivas, intelectuales, motrices, imaginativas y expresivas de todas las niñas
y los niños a través de conocimientos, elementos, actividades y recursos materiales de
las artes plásticas, la música, la danza y el teatro.
– Educación estética: disciplina que estimula y orienta la sensibilidad, la formación del
juicio y el gusto estético, el aprecio de la naturaleza y de las obras humanas, la
iniciación en el contacto con el arte y el incremento de la cultura personal.
– Escorzo: limitación de las dimensiones de una figura que en la realidad estaría
perpendicular u oblicua al plano, en aplicación de las leyes de la perspectiva. Aunque
en rigor toda representación figurativa supone la existencia de un escorzo, sólo se
habla de él cuando la alternación es visualmente muy acusada.
– Escultura: obra tridimensional con valores artísticos y estéticos realizada al esculpir
mármol o piedra, tallar madera, modelar barra o fundir y soldar metales.
– Experiencia estética: excitación intensa de la imaginación, la memoria, la sensibilidad,
el razonamiento, la capacidad asociativa y el estado de ánimo del receptor al apreciar
los valores de las obras humanas y de la naturaleza. La experiencia estética
redistingue radicalmente de la experiencia cotidiana en que aquella es de mayor
intensidad ante valores especiales.
– Expresión: es la exteriorización de pensamientos, sentimientos y experiencias
significativas.
– Expresión grafico-plástica: elaboración de obras en las que se manifiestan intenciones,
sentimientos, hechos, ideas y experiencias significativas a través de materiales y
técnicas plásticas. Es un proceso dinámico personal en perpetua transformación.
Promueve la adquisición de conocimientos, el desarrollo de facultades y la orientación
de la creatividad, de la sensibilidad y de las emociones.
– Fantasía. Facultad de unir libremente imágenes archivadas en la memoria según el
sentimiento, la intención y el entendimiento. Es la invención de formas y situaciones
ilusorias y la reproducción de imágenes de cosas pasadas o ideales sin perder
contacto con la realidad.
– Forma. Aspecto externo de los seres y de las cosas con sus rasgos característicos.
– Forma integral. Desarrollo equilibrado de las facultades físicas, psíquicas y emocionales
del ser humano, meta a la que aspira incluyendo en los planes y programas de
estudio todas las áreas del conocimiento y otorgándoles la misma importancia.
– Grabado. Estampas que se producen por medio de la impresión con láminas, o placas,
o superficies grabadas.
– Idea: pensamiento preciso de algo. Imagen o representación que del objeto percibido
queda en la mente. Plan para la producción de una obra disponiendo el orden de los
elementos.
– Identificación con el material: preferir el uso de un material plástico por sentirse
cómodo con él en la medida en que se controla su manejo y se logran los efectos
deseados.
– Imagen mental: proceso del pensamiento y la sensibilidad por el cual las percepciones
y experiencias se vuelven formas, figuras o imágenes internas ordenadas en la
memoria.
– Imaginación: facultad mental natural de los seres humanos que combina a voluntad lo
que se ve, se piensa y se sabe de los seres y las cosas produciendo nuevas formas o
imágenes internas derivadas y parecidas a las reales, o totalmente fantásticas e
irreales, o ideales, buscando lo que se supone la perfección. Evocación de ideas y
formas sin necesidad de estímulos sensoriales.
– Imaginación creadora: facultad por la cual se ven en la mente las formas de las cosas
y se inventan o elaboran nuevas imágenes ideales de algo organizándolas conforme a
todo.
– Imaginación reproductora: capacidad mental de repetir en una obra formas parciales o
totales, ya sean ideales o reales, archivadas en la memoria, y reorganizar, en una serie
de obras, las imágenes con distintos acomodos.
– Modelado: forma tridimensional realizada con trozos de material plástico blando:
plastilina, barro, cera, pasta de papel.
– Observación dirigida: es la guía intencional de la atención para examinar la forma, el
tamaño, el color, la textura, la posición, la proporción, la ubicación en el espacio y la
relación con otros elementos de personas, animales, vegetales, cosas; se incluye el
análisis de las causas y consecuencias de fenómenos naturales y sociales.
– Percepción: la información proporcionada por los estímulos sensoriales se procesa en
el cerebro y transforma en conocimiento lo que sucede ordenando inmediatamente las
respuestas.
– Pigmentos: materias colorantes de origen natural y compuestos químicos simples o
mezclados preparados que tienen la cualidad de reñir o pintar. Comúnmente se los
llama pinturas o colores.
– Plantillas: moldes y patrones de cartón con figuras caladas para repetirlas iguales y
trazarlas en serie.
– Proporción: relación entre las partes de un todo comparando el tamaño de ellas entre
sí.
– Sicología de la expresión gráfico-plástica infantil: estudio de los procesos sicobiológicos
y afectivos que originan y desarrollan la expresión y la evolución gráfico plástica de los
niños y niñas, así como su interrelación con los factores y estímulos externos que
ocurren.
– Sensibilidad: capacidad física y afectiva del entendimiento para apreciar los aspectos
materiales y los valores del entorno. Capacidad de tener emociones por un suceso de
importancia y generar acciones. Capacidad de captar conscientemente sensaciones
físicas, emociones, tensiones intelectuales y sentimentales.
– Simetría: proporción equilibrada de la posición de las partes de un todo con referencia
a un punto, línea o plano determinado. Formas iguales colocadas a la misma distancia
en los lados de un centro, que en dibujo se llama línea de eje y divide a la mitad una
superficie o una forma.
– Soporte: material que sirve de base para dibujar o pintar sobre él: papel, cartón, tela,
madera y otros.
– Técnica plástica: manera probada de aplicar un material y obtener su conocimiento,
dominio, aprovechamiento y buen manejo, o para adquirir la llamada buena factura o
buen oficio. Conjunto de procedimientos prácticos que explican concretamente la
manera más conveniente de manejar el material.
– Textura táctil: es la sensación física que da un material al entrar en contacto directo
con la piel informando sobre las características de las superficies en cuanto a
consistencia, calidez, textura, peso y resistencia.
– Textura visual: es la sensación óptica que de las características de una superficie
informa una fotografía, ilustración o pintura sin necesidad de palparlas para identificar
el material y las texturas. En las obras plásticas se pueden sugerir las texturas que
ofrecen al tacto las superficies, por la manera como se aplican las pinceladas y la
pintura para producir efectos que evoquen las sensaciones táctiles, las características y
la apariencia externa de una forma.
– Trabajo artístico: es el conjunto de obras materiales realizadas con la intención de
expresar las ideas producto de la observación, la fantasía, la creatividad y la reflexión,
así como las interpretaciones de las experiencias que se tienen en la realidad. Son
obras en las que se aprecia que el productor posee conceptos, conocimientos,
creatividad al plantear nuevas ideas y soluciones plásticas originales, dominio de la
técnica, buen oficio o buena factura y valores estéticos.
