Curaduría: Rimer Cardillo

Coordinación General y Asistencia Curatorial: Claudia Anselmi

Dirección Programa Cultural Fundación Itaú: Stella Elizaga

Idea del catálogo y diseño de la exposición: Rimer Cardillo

Montaje: Pedro Abdala y Rodrigo Candia

Coordinación General Fundación Unión: Alicia Pérez

Fotografías: Luis Alonso, Jorge Figueroa, Eloísa Ibarra, Rimer Cardillo

Digitalización de obra gráfica: Copiplan, Rimer Cardillo, Eloísa Ibarra

Diseño de catálogo: Eloísa Ibarra

Portada: Rimer CardilloGus y reflejos sobre el lago (detalle)2011Foto digital, xilografía, serigrafía y dibujo124 x 91 cm

Agradecimientos:

Nora Solari, Pedro Valenzuela, Pablo González, Álvaro Morgades y Silvia Rubino, Pablo Bianchi, Sonia Brandymer, Héctor Pérez (Cuadrería Al Sur), Ariel Seoane, Mayerling Wolf, Francisco Vidal, Macarena Montañez, Teresa Gilly, Centro Cultural Dodecá, Colectivo de Grabado Montevideo.

Espacio Cultural Contemporáneo

Plaza Independencia 737, tel. (598) 2900 0000 int. 101 Montevideo, Uruguay

Octubre de 2013

LUIS ALONSO CLAUDIA ANSELMI FEDERICO ARNAUD SUSANA ARRONDO ROSA BARRAGAN MAITE BASTARRICA DIEGO BERTORELLI RAQUEL BESSIO JUAN BURGOS PINCHO CASANOVA ARIEL COIRA GERARDO FARBER ANA FERIA NOEL FIGUEROA EDGARDO FLORES CLAUDIA GANZO GERARDO GOLDWASSER HAROLDO GONZALEZ ELOISA IBARRA GABRIEL LEMA CECILIA MATTOS VLADIMIR MUHVICH PEDRO PERALTA ELISA RIOS SILVIA RUBINO MARIO SAGRADINI ANALIA SANDLERIS BERNARDO SIRE ELIAN STOLARSKY GUSTAVO TABARES ALEJANDRO TURELL MARTIN WALDECK SILVIA LOPEZ y la presencia de GLADYS AFAMADO y LEONILDA GONZALEZ como invitadas especiales.

Montevideo, 10 de octubre de 2013.

Hace aproximadamente cuatro años, a partir de una propuesta de Claudia Anselmi, directora del Taller Cebollatí, comenzamos a plantearnos la posibilidad de un proyecto ambicioso que nos permitiera aportar a la recuperación de la tradición del grabado uruguayo. Este proyecto no hace más que continuar en el intento realizado por algunas instituciones y/o personas que trabajan desde hace tiempo en esta área. Recordemos la exposición presentada en el 2012 sobre el Club de Grabado de Montevideo en el Museo Blanes.

Claudia, como artista y también al frente de su taller, privilegió el trabajo y la docencia en relación con la obra gráfica. Lo hizo con persistencia e intentando siempre invitar a otros artistas de nuestro medio para que se unieran al proyecto. ¿De qué se trataba su iniciativa y, en definitiva, la propuesta que nos trajo? Tenía como objetivo último el rescate de la gran tradición uruguaya de grabado construida a partir de la creatividad y el buen oficio de muchos artistas, algunos que transitaron por una institución muy querida por todos los uruguayos, referente en la producción artística por varias décadas, el Club de Grabado de Montevideo (1953-1993), y otros que desde su experiencia personal habían investigado en estas técnicas.

¿Cómo hacer entonces para reconstruir el camino, volver a enamorar del grabado y sus posibilidades a los artistas y al público?

Por supuesto, el proyecto en cuestión es solo una respuesta posible, pero creemos que puede ser tomado como un buen inicio. El Taller Cebollatí con el apoyo del Colectivo de Grabado Montevideo planteó la posibilidad de invitar al maestro uruguayo Rimer Cardillo, quien hace años reside en los Estados Unidos, donde dirige el departamento de Artes Gráficas de la New Paltz University, para que dictara en Montevideo unos talleres que presentarían a los participantes distintas técnicas de grabado desconocidas por aquí, o por lo menos no frecuentemente utilizadas por nuestros artistas.

Luego de coordinados esfuerzos, logramos esta primera meta. La visita de Rimer para presentar el taller se concretó en agosto de 2010. Este primer encuentro del maestro con un grupo de 13 artistas estuvo dedicado a la técnica Hayter. Los participantes de esa oportunidad conforman hoy gran parte del grupo que desde ese momento se reúne regularmente para trabajar e intercambiar experiencias, reafirmando así su compromiso de seguir avanzando con esta investigación. Ese encuentro culminó con la exposición de los trabajos realizados a lo largo del taller en el Centro Cultural Dodecá, institución que siempre apoyó de diferentes maneras este proyecto.

A ese primer encuentro lo sucedieron tres más, año a año. Rimer volvió con nuevas iniciativas y proponiendo nuevas técnicas, como entintado à la poupée y trabajo con film fotopolímero, a ser experimentadas en dinámicas de taller. El grupo original abrió sus puertas a otras incorporaciones, cada año se vinculan a este proceso de estudio y aprendizaje nuevos participantes.

Así, poco a poco, surgió la idea de culminar la primera etapa del proyecto con una importante exposición, que no solo mostrara el producto de los talleres sino que, además, dejara ver el reflejo de este proceso en el trabajo personal de los artistas participantes, enriquecidos por el fundamental aporte que supuso para ellos la realización de obras en el marco de una experiencia colectiva.

De esta manera quedó diseñada la exposición “La imagen gráfica. El artista descubriendo”, que hoy les presentamos en la sala de la Fundación Unión, institución a la que agradecemos su participación al acoger esta muestra. Pero, si pensamos en una exposición importante de grabado uruguayo, no podíamos dejar de requerir la presencia de trabajos de artistas que, aun en tiempos complejos para la producción de obra seriada, siguieron dándonos lo mejor de su oficio en la utilización de las técnicas gráficas. Por ello figuran en la muestra una serie de excelentes obras de artistas invitados para esta oportunidad.

Fundación Itaú se complace en formar parte de esta iniciativa y agradece la dedicación y el esfuerzo de Claudia Anselmi, coordinadora del proyecto, y de Rimer Cardillo, sin cuya maestría y paciencia no habría sido posible esta aventura.

Este es el comienzo de un recorrido que ojalá nos lleve a generar nuevos espacios de desarrollo para las artes gráficas y así reconstruir y fortalecer el camino iniciado en el pasado por grandes artistas uruguayos, como Gladys Afamado y Leonilda González.

Stella ElizagaDirectora del Programa Cultural

Fundación Itaú Uruguay

7

PRÓLOGO

Esta exposición y su correspondiente catálogo son posibles gracias al patrocinio de la Fundación Itaú. La sensibilidad de la Directora del Programa Cultural, Stella Elizaga, aportó su conocimiento al concepto de los proyectos, y en todo momento apoyó nuestra idea del resurgimiento de la imagen gráfica.

En la noche de un frío invierno con la alentadora brisa de Punta Carretas, entre el humo del asado y la emoción del reencuentro comenzamos a soñar. El Colectivo de Grabado Montevideo, integrado por Claudia Anselmi, Oscar Ferrando, Jorge Figueroa, Yoselín García, Gerardo Farber, Bernardo Siré y Ariel Seoane fue el propulsor de este resurgimiento del grabado.

Concebimos la idea de los intensivos workshops desarrollados en los años 2010, 11, 12 y 13, donde se apuesta a diferentes técnicas del grabado como disparadoras de ideas que invaden otras disciplinas del campo artístico.

Claudia Anselmi es la exitosa coordinadora de los talleres que se realizan en su propio estudio de enseñanza, siendo invalorable asistente en la curaduría de esta exposición y su correspondiente catálogo, donde se suma la inteligente diagramación y asesoramiento de Eloísa Ibarra. Ellas estuvieron siempre dispuestas a seguir mis sugerencias, a corregir mis errores y soportar mis manías.

La Fundación Unión nos brinda su sala y contribuye para esta muestra/instalación, su Coordinadora General Alicia Pérez facilitó y estuvo siempre abierta a nuestras diferentes inquietudes.

Los artistas (especie en la cual me incluyo) son los artífices de este evento, cediendo sus obras y recibiendo sugerencias, contribuyeron creativamente frente a nuevos desafíos. Sus diversas propuestas son la columna vertebral de este concepto gráfico: bidimensional, tridimensional y virtual.

Rimer Cardillo

Albrecht DürerAdán y Eva1504Buril25,2 x 19,5 cm (detalle)Albertina, Viena

8

Final del invierno en la Universidad de Vassar, el paisaje de árboles desnudos, con unos tardíos e insistentes copitos de nieve rayando el espacio en diagonal. A través de los grandes ventanales del gabinete de grabados admiramos extasiados un varias veces centenario y mamutesco olmo. Admirábamos también el Adán y Eva, La Melancolía y el Caballero la Muerte y el Diablo buriles grabados por Durero. Exaltado ante tanta infinita belleza de matemática y geometría de puntos y líneas cruzadas le pregunto a la curadora, casi afirmando implícitamente, y ante los agrandados y emocionados ojos de mis estudiantes. “¿Usted cree que estas obras infinitas pueden comparársele a la Capilla Sixtina?” Me contesta entre temblorosa y conmovida “Absolutamente”. Entonces amigos les voy a hacer copiar una pulgada de cualquiera de estas obras, a la manera victoriana y académica, solo por el experimento de analizar la construcción de cada elemento: figura humana, vegetal, animal, piedra o suelo, y ver que todo es único y merece su atención cuidadosa. Así podrán comprender también el genio de Miguel Ángel y la genial construcción de aquel olmo - Benoit B. Mandelbrot - y la geometría orgánica. Fue un momento de éxtasis compartido, los estudiantes veían por primera vez estas obras, yo me asombraba nuevamente, la curadora inmensamente orgullosa de su colección.Esto se lo relataba al ensayista Richard Noyce en otro momento de la “vida es más interesante”, de común acuerdo entre cervezas y bagres a la manera Cajun, (creación bastante pasable del cocinero) en un restaurant de New Paltz.

“Arte no es la más preciosa manifestación de la vida. Arte no tiene el valor universal y celestial que muchos le atribuyen. La vida es más interesante.” Tristan Tzara, conferencia sobre Dadá, 1922.*

Durero poseía el carácter monumental en sus obras. “Los Egipcios son universales por ser Egipcios” no a la inversa, sostenía el Maestro Jesualdo Sosa. Durero para poder ser buen alemán y universal va a Italia a perfeccionarse, él mismo lo confiesa. Entre otros copia a Mantenga, Bacanal con Silenus, grabado al buril, mientras este gigante italiano más atento a las figuras, fiel a la afirmación del cuerpo humano del renacimiento Italiano trata entonces el fondo sin mucha información, Durero fiel a su religiosa creencia de que “todo es creado por la mano de Dios”, construye con pluma detalladamente los objetos al igual que las figuras humanas. Se constituye así en una nueva obra con el mismo tema, pero con un concepto diferente. Muchos de los artistas contemporáneos utilizan el mismo sistema.

* La menciona Richard Noyce en su libro Printmaking at the Edge.

por Rimer Cardillo

 LA IMAGEN GRÁFICAEl artista descubriendo

9

Durante mi estadía en la Alemania Socialista admiraba los afiches con imágenes agrandadas de sus grabados referidos a las guerras campesinas alemanas de 1518 a 1523. Estas pequeñas imágenes admiten la ampliación a cualquier dimensión, poseen la monumentalidad igual que todas las esculturas e imágenes creadas por los egipcios. No ocurre así con el genial Goya, en una reciente exposición de Los Caprichos en el Museo del Nassau County en Long Island, el curador Karl Emil Willers utilizó ampliaciones de los más emblemáticos grabados para ayudar a la lectura de esta maravillosa serie, que colgada en hilera resulta muy tediosa al espectador. Esto no sucede cuando teniendo estos grabados entre las manos se pueden admirar en sus carpetas originales. Yo comprobaba que estas ampliaciones no podían pasar de determinado límite al forzar el agigantamiento perdían definición, pues no poseían el carácter monumental. Diane Butler Directora del Museo de la Universidad de Binghamton, New York, sostiene que ella tuvo la misma experiencia.

Pero a dos siglos después de su muerte Francisco sigue presente en las esculturas de los hermanos Chapman, en las fotografías de Thomas Schütte, solo para mencionar algunos. Hoy en día poseemos la invención digital, herramienta de análisis que nos permite ensayar la estabilidad y el detalle de la imagen en la gran dimensión.

Francisco de Goya y LucientesQue hai que hacer mas? 1810-14Los Desastres de la Guerra, plancha Nº 33Aguafuerte, aguatinta, buril y bruñidor sobre cobre con recubrimiento electrolítico15,7 x 20,7 cm

Jake and Dinos Chapman Great Deeds Against the Dead

1994Plástico

Tamaño naturalBasada en el aguafuerte de Goya

Grande hazaña, con muertosLos Desastres de la Guerra

1810-14

10

Benditos y condenados maniáticos

Carlos Fuentes hace un análisis de nuestro Enrique Rodó, en su prólogo al Ariel: “Irritante, insufrible, admirado, estimulante, decepcionante Rodó: nuestro tío uruguayo, sentado en un rincón de nuestra foto familiar, posibilita el encontrarnos con nosotros mismos al mismo tiempo que lo empujamos hacia las sombras, …” University of Texas, 1998.

Todas las disciplinas del arte son llevadas adelante por maniáticos y obsesivos de la técnica o el contenido. Pero quizás el que se lleva el primer premio en maniáticos es el grabado. Es comprensible pues es poseedor de infinidad de estimulantes procesos, “alquimia” que atrapa al que la frecuenta. Procesos ciegos y de gran concentración que son revelados solo al imprimir la plancha. Luego algunos se vuelven brujos de la técnica o estilo, e insoportables. Pero el que se sabe atrapar y guiar por el proceso es el que le saca el mejor jugo al aplicarlo creativamente. Es un camino intelectual que exige una disciplina y un tiempo ilimitado de realización, que ayuda enormemente al desarrollo de la imagen y el aprendizaje de una artesanía, que luego se continúa en otras manifestaciones plásticas.

Un ejemplo para segundo premio: Luis Camnitzer me contaba que visitando el taller de Fonseca en Carrara, al pedido de su hijo de una piedrita de mármol como recuerdo, Gonzalo tardó varios largos minutos escudriñando las inmensas pilas de pequeñas lajas “descartables” que dominaban el taller… finalmente alcanzándole una dijo: “Ésta sí, ésta te la podés llevar”.

Karl Hecksher, “medicin man del norte”, consume años inmerso exclusivamente en la creación de decenas de gigantescas planchas en madera recreando imágenes de Chuck Close. A partir de retratos y autorretratos a todo color, Karl descompone los cientos de colores creados por Chuck en infinidad de tacos que luego son impresos a la manera japonesa o a la europea en perfectos y espesos papeles Mulberry. Tengo el placer de asistir al proceso de creación de estas ediciones que son patrocinadas por la Galería Pace, y llevan la firma del artista original, pero tal como Durero en su copia de Mantegna, esta es una nueva creación, imposible de no sentir el estilo del artesano tallador e impresor. Cada prueba de estado, aún en proceso con pocos colores es una obra única. El ego de Chuck no le permite aceptar que es una creación de equipo, la firma de este objeto tendría que ser de los dos.

Karl Hecksher con una prueba de estado de Chuck Close (Foto: Rimer Cardillo)

11

Descubriendo mundos

Los insoportables maniáticos y benditos del grabado realizan increíbles investigaciones en las décadas del sesenta y setenta. Menciono aquí los talleres en los que yo trabajé o tengo buena referen-cia por sus integrantes: Hayter en París y luego en New York, Bob Blackburn también en esta ciudad, Tatyana Grosman con Universal Limited Art Editions en Long Island, Tamayo con sus mixografías en México, The New York Graphic Workshop Castillo-Porter-Camnitzer, El Instituto Tamarind en Texas, Frasconi en su Universidad de Purchase, Lasansky en la Universidad de Iowa, El Gemini G.E.L. en Los Ángeles. Aquí en el Plata: Leonilda González con sus grabadores en el Club de Grabado, Alfredo de Vincenso en Bs. As., Solari con sus talleres de Montevideo y Port Washington, Hernández en Monte-video y luego en su exilio en México, Danubio Gonçalves con el Atelier Livre de Porto Alegre, etc. etc.

Al bajar por primera vez a las catacumbas de la ENBA, no pude contener mi asombro y excitación por lo que estaba viendo…, no entendía nada…, el Cubano metía y sacaba vaporosas planchas de metal en ácidos, otros imprimían planchas de madera en papel, otros dibujaban con asfalto, otros tallaban… “¿Pero qué es ésto?” pregunto, “¡Chico esto es el grabado!” me contesta el compañero. Allí comencé teniendo como mi primer profesor a Luis Camnitzer y luego a Don Luis Mazzey quien me invita a dar clases en el Club de Grabado.

A fines de la década de los sesenta me corresponde transformar la escuela del Club conceptual-mente y técnicamente. Esta se encontraba dedicada solo a las técnicas de la xilografía, enseñadas estupendamente por Leonilda en su particular manejo del claro-oscuro producido al raspar y cortar suavemente la superficie de las planchas de madera con finísimas puntas de acero y afiladas cuchilli-tas. Siempre trabajando desde el negativo para lograr la imagen positiva, el cerebro se acostumbra a razonar al revés y esto condiciona una imagen ricamente distinta. Esta exploración mental de pren-der y apagar la llave visual del positivo-negativo, equipa al artista de armas poderosas. También en otro desafío mental, todo lo que tallamos o dibujamos a la derecha saldrá impreso a la izquierda y viceversa. Usando un espejo podemos anticipar lo que luego veremos impreso.

En segundos podemos hoy en día con las armas de la computación transformar una imagen del positivo al negativo.

La introducción de la serigrafía de matriz recortada y fotográfica y las dedicadas al grabado en metal abrieron un nuevo camino de expresión, posibilitando también la incorporación de nuevos alumnos y artistas atraídos por estas técnicas. Invito a Nelbia Romero y Oscar Ferrando a ampliar estos talleres que luego ellos los continuarán muy creadoramente en sucesivas etapas de la institución.

Esta experiencia docente la introduzco luego en mi taller/escuela de la actual calle Luis A. Surraco, explorando la imagen en diversas técnicas: grabado, collage, recurriendo al dibujo y al color de la pintura, utilizando construcciones en madera e instalaciones. Aquí en La Blanqueada, a mediados de los setenta, en época muy difícil, creamos el triángulo acogedor Ramos-Podestá-Cardillo, con solo dos cuadras de distancia entre los talleres de uno y otro. Establecimos “la recuperación de la imagen”, no solo en las creaciones sino también en las personas, que se acercaban a nuestros talleres bastante dañadas por las circunstancias del momento. Con Ramos compartimos iguales conceptos en cuanto al papel y la gráfica, talleres en los cuales el conocimiento entre el docente y el estudiante era de un constate intercambio. Nelson realizando estupendas construcciones de madera y humildes papeles, generadores luego de la gran serie de las Claraboyas.

12

13

* Criatura mitológica japonesa, cromoxilografía variedad del Ukiyo-e en formato grande, carpeta de 12 Estampas Primaverales (eróticas).

Trabajando y estudiando primero en los magníficos estudios de la Escuela de Arte en Weissensee con Arno Mohr, y en los talleres de la Asociación de los Artistas en Berlín y luego en la Escuela de las Artes Gráficas y del Grabado en Leipzig, pude comprobar el profundo vínculo de los germanos con las técnicas que se sirven del papel como soporte, y el papel mismo como objeto. En mis viajes de los veranos me relacioné con los meticulosos y refinados artistas del este europeo con sus infinitas composiciones en intaglio y litografía. Los modernos grabadores japoneses empleando técnicas mile-narias me deslumbraron en las Bienales de San Pablo.

La imagen gráfica, el grabado y la fotografía no tienen fronteras, se confunden. La foto imprime con luz, el grabado y la impresión digital con tinta. Quizás una de las mejores explicaciones la en-contramos en el nuevo “3D computer-animated” una aventura producida por Dream Works: The Croods. Esta familia de prehistóricos y simpatiquísimos personajes se “fotografían” embadurnándose de barro blanco y al escracharse contra una roca, obtienen sus perfiles en negativo, a la manera de las manos estampadas encontradas en las cuevas paleolíticas.

No incluyo en este escrito a las “artes gráficas” en general, solo menciono algunos ejemplos donde el artista está absolutamente presente con su impronta en el resultado final.

Cuando tomamos la imagen gráfica y su incidencia en las manifestaciones del siglo XX, tenemos que mencionar inexorablemente a Picasso y su método de construcción en la mayoría de sus obras. El Guernica (1937) es una composición que se basa en el impacto de la forma gráfica “afichesca” y el diseño poderoso que produce una lectura de impacto frontal, y luego lecturas más lentas que ayudan al análisis del tema. El bombardeo de 1937 no podía ser expresado de otra manera, tema y técnica están íntimamente unidos. Él realiza el previo análisis de esta gran obra en la serie de pruebas de estado de su grabado Minotauromaquia (1935) en donde el tiraje final (tradicional) no importa sino que la magistral obra está en el documento de la construcción de ese grabado. Donde se impone una lectura de tira cómica por la secuencia de su accionar agregando y sustrayendo en cada una de las 12 etapas de creación, documentada en las diferentes pruebas de estado. Este accionar lo podemos ver como un modelo de elaboración que se evidencia en toda su obra. No en vano, según su parecer, odiaba a los impresionistas que se dejaban llevar por emociones: el empaste pictórico, el color y la luz y no el análisis desnudo de las imágenes que representaban. Por eso su amor a los hombres creadores de las milenarias y condensadas estatuitas de las Islas Cícladas, André Malraux, La Tête d’obsidienne.

14

* Reinterpretación gráfica necesaria debido a las restricciones de Derecho de Autor vigentes sobre la obra original de Picasso.

Rimer Cardillo*basado en el aguafuerte y buril Minotauromaquia de Pablo Picasso

Cabeza de estatuilla femeninaCicládico antiguo (c. 2700 - 2300 AC) Isla de Keros, Museo del Louvre

“Y hasta el pelo más delgaoHace su sombra en el suelo”

En nuestro Carlos González el tema se condensa en sus xilografías en blanco y negro, y cuando recurre al color en sus monocopias. Esta toma de posición técnico-estética también está condicionada por una decisión política de llevar el arte a la calle a través del grabado y en los murales realizados con Luis Mazzey, en el edificio de Ancap y el Centro de Vendedores y Viajantes de Comercio.

Su método de construcción en sus xilografías obedece fielmente al material, en el grabado Cuento Popular las figuras y objetos son modelados desde el negativo, con gubias y cuchillos va creando la forma, hasta que se arma en su totalidad. El artista deja entonces las huellas de las herramientas para que tomen tinta y al imprimirlas ayuden a comprender el proceso de creación. Los realizadores de los mosaicos bizantinos actuaban de la misma manera, el flujo rítmico de las pastillitas de mármol, cerámica y cristal alrededor de objetos y figuras humanas dinamizaban la composición.

Gran observador y vivenciador del medio ambiente, su hijo me contaba que acompañándolo en cachila hacia su estancia, se detiene para ayudar a un arriero pobre que luchaba por sacar las ruedas de su carreta enterradas en barro. Luego del éxito de la operación y ante la mirada interrogante del relator, él simplemente contesta:

Más quien manda los pesaresManda también el consueloLa luz que baja del cieloAlumbra al más emcumbrao,Y hasta el pelo más delgaoHace su sombra en el suelo

La vuelta de Martín Fierro2da. Parte, Canto 3

15

Carlos GonzálezCuento popular Xilografía50 x 40 cm (detalle)Colección de Pedro Valenzuela

El libro de artista 

Aparece el libro concebido como un artefacto donde se expresan posiciones políticas y culturales en nuestros tiempos de guerra, injusticias económicas y destrucción del medio ambiente, solo para mencionar algunos de los temas actuales.

Aquí el artista ya no recurre a un texto original y lo ilustra por medio de la xilografía o el grabado en metal. En la forma tradicional tenemos hermosos ejemplos, como Crónica de la Reja (1930) por Justino Zavala Muníz con grabados en madera de Adolfo Pastor, o El gato (1967) cuento de Mario Arregui, donde texto e imágenes son realizados con potentes xilografías de Claudio Silveira Silva.

16

Crónica de la rejapor Justino Zabala Munizcon grabados en madera de Adolfo Pastor 1930

Desde hace unas décadas el artista crea libros únicos o de tiraje muy limitado donde expresa sus ideas recurriendo a infinidad de técnicas del grabado y digitales. Aquí también la irrupción del papel hecho a mano con diversas fibras vegetales juega un rol importante en esta nueva forma de expresión. Este papel se convierte en objeto por sí mismo valorizando la imagen o actuando solo exhibiendo sus texturas resultado del proceso de fabricación. Se incluyen además del grabado, collages de diversos materiales: metales, plástico, plomo y otras rarezas, fotos, dibujos, plegables etc. etc. resultando así en una nueva creación escultórica, como podemos ver en los libros de Anselm Kiefer o Shinro Ohtake.

Como precursores de esta modalidad en nuestro medio, Pablo Neruda con ayuda de Matilde Urrutia crea un libro de artista único en su apasionada y clandestina estadía en las costas uruguayas, al volver de un viaje por Europa. Ellos juntan flores, plantitas y ramitas vernáculas entre los médanos y bosques de Atlántida, amándose las pegan en enormes páginas con collages de papel de cometa en colores con trazos de acuarela y por supuesto también poesías. Escondidos del mundo las encuadernan en un hermoso libro (1952), reproducido hace unos años atrás facsimilarmente en Chile.

Antonio Frasconi produce además de libros y grabados, grandes carpetones encuad-ernados preciosamente en lujosos y espesos papeles gofrados con xilografías e im-presión de texto con caracteres tipográficos de plomo, ayudado por John Mastrachio en la plana e Ilse Schreiber en la tipografía: Viñas de Ira de John Steinbeck y Los de-saparecidos. Tuve el placer de verlos en evolución cuando enseñábamos juntos en la Universidad del Estado de New York en Purchase. Admirando luego, en los domingos, las pruebas y el trabajo en proceso de sus xilografías en su casa-estudio de Norwalk, tenía que interrumpir violentamente ese goce pues “el agua para los tallarines estaba pronta”, siempre me dejaba con ganas de ver más. Entonces con Leona, su señora, guardiana de la gran olla de agua caliente, Antonio controlaba meticulosamente var-ias veces el punto del tallarín, nunca estaba conforme, “o muy blando o muy duro”, mientras tanto devoraba toneladas de pan con manteca “mi perdición” decía. El que-so a rallar y el vino a seleccionar eran otros pruritos de la técnica gastronómica per-fecta: pocos ingredientes pero los esenciales. Como buenos y obedientes ayudantes colgamos con Mastrachio, bajo su ojo clínico, la gran serie de Los Desaparecidos en la Galería Terry Dintenfass en New York, 1988.  

17

Antonio FrasconiLos desaparecidos1991 Tapa de carpeta en offset litográfico basada en una versión impresa por el artista con los tacos xilográficos originales en 1988 Edición de 475 ejemplares.44 x 96,5 cm (detalle)Colección de Rimer Cardillo

Shinro Ohtake Músico y creador de libros, algunos incluyen 700 páginas de collages de revistas, materiales diversos, dibujos, pinturas, etc.(Foto: Rimer Cardillo, Bienal de Venecia, 2013)

La imagen gráfica como instrumento de cambio 

Tradicionalmente le ha ocupado al grabado y a las técni-cas gráficas tener un lugar muy específico en relación a la di-vulgación en el medio de una nueva idea, concepto, imagen o texto aceleradamente. Visitando con Anhelo Hernández la enorme imprenta var-ias veces centenaria de Plantin-Moretus en Amberes nos en-terábamos de como padre e hijo, diferentes administradores en distintas épocas, sufrían persecuciones por parte de la iglesia y el estado al divulgar textos condenados por estas instituciones, teniendo que mudarse o desaparecer por determinado tiem-po. Estas imprentas eran depositarias del conocimiento de la época, como hoy en día la información de las computadoras son almacenadas “no en la nubes” sino en gigantescos depósi-tos con miles de memorizadores, equipados con generadores a combustión, como reserva, por posibles cortes de energía. Mantenidos en secreto cada uno de estos depósitos consumen la energía equivalente a una ciudad de medio millón de habi-tantes. Las imprentas catapultaban la divulgación de ideas a un nuevo y vasto número de individuos. La internet, además de información y comunicación al instante, sirve para aceler-ar situaciones de cambio en sociedades enclaustradas, lo comprobamos en las insurrecciones del mundo árabe en esta última década. La imagen gráfica se ha transformado en un arma que es difícil de controlar por el establishment, y ofrece una increíble plataforma para los artistas que se declaran independientes de modas, de galerías y ferias internacionales. Cada vez más los artistas de la seri-grafía, la fotografía y el grabado digital, individualmente, comercializan directamente sus productos de tirajes limitados, en esta vasta red de información, Amazon ya vende obras de arte por este medio y día a día aparecen nuevas galerías que abren sus salas de exposiciones en la web.

 “No es suficiente la posesión del genio - el hombre y el momento deben de conjugarse. Un Alejandro el Grande, nacido en un tiempo de profunda paz, difícilmente hubiera traumatizado al mundo. Un Newton creciendo en una cueva de ladrones, no hubiera creado nada más que una ingeniosa ganzúa…”

Stephen Vincent Benét, tomado de John Cleveland Cotton. 

Grandes figuras del arte nacional impulsan sus ideas a través del grabado en la década del sesenta y setenta, Leonilda González, Bresciano, Fossatti, Afamado, Cabezudo, entre otros divulgan potentes imágenes gráficas que invaden otras disciplinas. Ellos marcan pautas estéticas que forman una imagen de la región.El Club de Grabado imprime tirajes de 2700 ejemplares, irrumpe el grabado de gran dimensión como objeto único de tiraje muy limitado, el grabado en el libro y los afiches. En esta época se hacen tirajes de afiches en enormes planas con tacos de madera utilizados por instituciones como la Escuela de Bellas Artes y partidos políticos de izquierda. Así como el Club, la Escuela impone un estilo en los

18

Luis A. SolariCancerbero’s Lunch

1979 Aguafuerte, aguatinta, barniz blando,

coloreado a la poupée en plancha de zinc reciclada

55,5 x 36 cmColección de Rimer Cardillo

grabados de Pareja, Llorens, Errandonea, Ojeda, Petrone, Peciar, y en mis planchas de metal impresas en relieve. Naúl luego continuará esta práctica en Washington DC.

Al mismo tiempo en un pueblito al norte en Port Washington, Luis Solari trabajaba mientras conversaba conmigo en planchas recicladas pertenecientes a otros grabadores, “nada se perdía todo de transformaba”. El veía a los fantasmas de Fray Bentos en las texturas y rayas acumuladas en el zinc, con raspador, bruñidor y puntas de acero comenzaba a construir la imagen, luego el ácido se encargaba de las partes más profundas. Gran innovador del color en el grabado en metal, así como anteriormente Margarita Mortarotti creaba magnificas sinfonías de grises y negros en sus aguafuertes y aguatintas. Pionera de esa modalidad en nuestro medio, es muy difícil encontrar en otra disciplina plástica algo que se pueda comparar a la profundidad lograda en las cicatrices negras de sus metales.

Es notable la poderosa presencia de un artista que domina la imagen gráfica de manera notable en el escenario político y en su obra más íntima, Espínola Gómez diseña afiches y logotipos que se transforman en símbolos de cambio como el logo del Frente Amplio y el diseño de monumentales estrados primero en este movimiento y luego en el Partido Colorado, incluyendo la estupenda remodelación de la Casa de Gobierno en la Plaza Independencia.

El dibujazo, de los sesenta y setenta, título acuñado por Miguel Páez Vilaró según unos y otros se lo acreditan a María Luisa Torrens, revela un nuevo concepto del dibujo transformándose en una potente arma de pensamiento y análisis.

La imagen gráfica es impuesta por artistas como Longa, Haroldo González, Teresa Vila, Jorge Satut, Marta Restuccia, Domingo Ferreira, Eugenio Darnet, el mismo Miguel para nombrar algunos.

Varios de estos nuevos autores se deleitaban en preciosismos, el uso de nuevas lapiceras favorece la raya y el punto, el cruce de líneas, aguados de tintas, texturas con pincel y pluma. La irrupción de drypens de colores, los lápices acuarelados, etc. etc. producen una nueva manera de actuar, se agranda también el tamaño de las composiciones en el papel, las obras son más ambiciosas y se asientan afirmativamente en la técnica. Recuerden que nunca los occidentales (salvo excepciones) dominamos el pincel con tinta a mano alzada (sobre papel) como lo dominaron los orientales en sus composiciones de gran dimensión, sí fuimos expertos desde el medioevo con las varillitas de plata, las plumas y barras de grafito y tiza actuando sobre el papel o el pergamino. Se imponen sí los increíbles dibujos en los “cartones” utilizados por los grandes del Renacimiento, como matrices para obras, que luego se trasladaban a los frescos o a las telas.

Es un nuevo campo de creación, estos dominadores de la imagen gráfica transforman la escena nacional como Raushemberg, Warhol, William Kentridge, Sigmar Polke, Joseph Beuys, Christo y otros, transformaron la manera de ver el mundo en las mismas décadas. Desde el exterior figuras como Frasconi, Gamarra, Camnitzer, Solari, inyectan sangre al movimiento y aseguran que ése es el camino a seguir. Nuestro medio se fortalece con sus esporádicas apariciones, exposiciones, artículos teóricos, conferencias y las noticias de su accionar internacional.

Florecen y se afirman las Bienales Internacionales de Grabado, las que se convierten en lugares de intercambio de nuevas ideas e investigación. También ofrecen un método muy fácil de la divulgación del arte por correo, en un simple tubo de cartón viajan los grabados por los diferentes continentes. La Bienal de la Habana se origina dedicada al grabado, así se burla el bloqueo a Cuba, las obras pasaban primero por Checoslovaquia. Para nombrar algunas de ellas: Ljubljana hoy en Eslovenia, originada en la desaparecida Yugoslavia, Tokio, Intergrafik en la desaparecida Ex República Democrática Alemana, Cracovia, Cairo, Santiago de Chile, Segovia, la Trienal de Xilon en Ginebra, San Juan, Seúl, Barcelona, Bradford y varias otras más.

19

20

Joseph BeuysElch1975Litografía a color Edición: 75 firmadas y numeradas (Schellmann Nº 160) 54 x 75 cm

Los dominadores de la imagen gráfica 

Aquí como en los dominadores de la gran dimensión, tenemos que esta imagen gráfica no es una técnica sino una cualidad con la que se nace. Si se puede hacer grabado en cualquiera de sus técnicas, pero solo algunos grabadores son los que dominan esta imagen, solo algunos artistas frecuentadores de cualquier disciplina o estilo dominan esta imagen gráfica.

Y cada vez más tenemos entonces los artistas que frecuentan alguna de las técnicas del grabado por sus cualidades intrínsecas y únicas, para construir un concepto o imagen, que no se puede expresar por medio de otra técnica. No para “reproducir” sino para imponer una idea de manera más eficaz en una obra única.

A la carga tecnología: sable en mano ¿y con la otra?

 Hace unos cinco años atrás un alumno y actual asistente

mío en el estudio de grabado nos maravillaba al mostrarnos una hermosa reproducción tridimensional en plástico de una pistola automática. El modelo era un arma de verdad. Hoy día en una impresora tridimensional cuyo costo es de U$ 8.000, se pueden imprimir revólveres y metralletas de plástico muy duro “que funcionan”. ¡Disparan balas!

El 6 de mayo de este año, un especialista explicaba en el canal 13 de televisión pública en NY, que salvo algunos tornillitos y clavitos de metal que se pueden comprar en la ferretería, con los modelos e instrucciones que se van a lanzar en la internet se puede hacer una perfecta arma de fuego, democráticamente al alcance de todos.

En las impresoras digitales, la tinta es aplicada sobre el papel o la tela por distintos filtros de colores, las imágenes se pueden manipular en la pantalla de las computadoras con los distintos programas. Irrumpe entonces el grabado digital, cada vez más presente en el campo internacional y aceptado ya en las bienales de grabado. Los fabricantes de papeles, libres de ácido, ofrecen rollos de papel y telas para estas impresoras cada vez más sofisticados.

Aki Inomata Artista japonesa que diseña casas para cangrejos hermitaños

Manuel Espínola Gómez1987Diseño moneda de plata 20 años del Banco Central del Uruguay

El futuro fascinante y aterrador: “voy a poder imprimir a mi abuelito”

Ya en 1552 la fascinación por la tercera dimensión lleva a Bronzino, en respuesta a la polémica entre escultura y pintura descripta por Vasari en su Vida de los artistas, a retratar al enano Morgante desnudo de frente y de espalda, en una misma tela al frente y al revés del lienzo.

Este marzo pasado en un laboratorio del Connecticut-based Oxford Performance Materials, se imprimió mediante un implante plástico el 75% del cráneo de un paciente. En el Wake Forest Baptist Medical Center, en el instituto de medicina regenerativa imprimen, riñones, cartílagos, tejido muscular y huesos. Estas impresoras disponen de cartuchos que son cargados uno con células cartilaginosas, otro con andamios biodegradables, y el otro con una solución de agua gelatinosa. Basado en un modelo sucesivas capas de información son impresas, cada una de un espesor de 150 micrones, el proceso es monitoreado intensamente en un microscopio, luego de 45 minutos la forma de un oído humano comienza a emerger.

Los grabadores orientales procedían de la misma manera, acumulación de información en múltiples impresiones con tacos a color Ukiyo-e, entre los siglos 17 y 20 en Japón. Esta infinidad de maderas talladas con aplicación de diferentes tintas a color se superponían para formar delicadísimas imágenes en papeles de arroz, algunos ejemplares realizados al tamaño mural.

Se termina el Made in China, las impresoras tridimensionales ya están siendo usadas desde décadas atrás en los laboratorios científicos con resultados increíbles. Las compañías de aviación emplean miles de partes impresas al momento, los fabricantes de los autos de carrera Fórmula 1 experimentan a través de procedimientos llamados estereolitografía e incrustación de láser, con la manera más eficiente de desarrollar velocidad y eficiencia en el consumo. Pret-a-Printer, los diseñadores Michael Schmidt y Francis Bitoni crean vestidos impresos en diferentes partes para modelos humanos específicos. Estas impresoras tridimensionales que admiten en sus cartuchos cerámica, metales, piedra arenisca, ya están en el mercado, de manera que un ama de casa pueda imprimir las manijitas que faltan de los armarios, el cuchillo que falta en el juego de cubiertos, un botón perdido, etc. etc.

Actualmente se trabaja en el escaneado del hall de dinosaurios del Museo de Historia Natural de Nueva York antes de su renovación en el año próximo. Luego se pueden reproducir cualquiera de estos esqueletos al tamaño que se desee.

21

Imprimiendo riñones. Cortesía del Instituto Wake Forest para medicina regenerativa.

Arma realizada en una impresora 3D Stratasys Dimension SST

Fue inspirada en la FP-45 Liberator de la 2da Guerra Mundial

Si escaneamos en una de estas impresoras el retrato de alguno de nuestros familiares o la pintura del enano Morgante tendremos la impresión en el volumen de lo representado bidimensionalmente.¿Entonces podremos obtener la impresión tridimensional de La primavera de Botticelli o la Carlota Ferreira de Blanes? Mi madre siempre se negó a escuchar la voz de mi abuela en las cintas que le grabé antes de su fallecimiento. ¿Podremos ver a nuestros antepasados ya no en mármol sino impresos tridimensionalmente en carne y hueso?

En la década del sesenta los maestros que dominaban la serigrafía ocultaban el procedimiento, en la Escuela de Bellas Artes nos moríamos por aprender a usarlo. Hoy mis estudiantes pueden escanear cualquier imagen fotográfica y en minutos descomponer el color en CMYK en películas para su reproducción serigráfica. Ya se disponen de impresoras tridimensionales en las Escuelas de Arte y en Ciencia e Ingeniería de la Universidad del Estado de Nueva York en New Paltz, y está en camino un plan de estudios en esta disciplina.

El positivo y el negativo inherente a la técnica del grabado y la escultura tiene cada vez más un futuro común. Hoy podemos producir una mascarilla humana de un ser vivo al escanear el modelo. Octavio Podestá nos demostraba a un grupo en el que estaban Marenales Lluveras, Errandonea, Bategazzore y otros como sacar el molde de la cara de Eva, una compañera estudiante, embadurnando con vaselina primero y luego aplicando el yeso. Sorpresivamente ésta comenzó a dar manotazos en la mesa, le dimos un papel y lápiz para que pudiera expresarse leímos entonces: “h de p” no me tiren el humo de los cigarrillos en los cañitos de respiración!”

22

Agnolo BronzinoRetrato doble del Enano Morgante antes de 1553Óleo sobre lienzo pintado al frente y al dorso149 x 98 cm Galería Uffizi, Florencia.

Impresoras 3DThe MakerBot Replicator2 prints una 3-D escultura de una cabeza humana en la CeBIT Feria de Computadoras en Alemania.

Una mujer observa como su rostro es rápidamente copiado en plástico por una impresora 3D Exhibición de 3D y Realidad Virtual, Tokio 2013.(Bloomberg)

La Serenissima y la Nueva Troya

La fantasía y la necesidad humana crearon algo inigualable y cada vez que la vemos no podemos dejar de emocionarnos. Es muy difícil competir con Venecia es lo inconcebible, lo inimaginable, la locura racional, desatada al extremo. El empecinamiento sobre una necesidad de aislamiento y seguridad real del resto del mundo hostil.

El curador de la última Bienal, Massimiliano Gioni toma el proyecto irreal de Marino Auriti “Il Palazzo Enciclopedico”, un museo imaginario donde se reuniría todo el conocimiento humano con sus grandes descubrimientos como concepto de la Bienal: “Es una exposición sobre la obsesión y el poder de transformación de la imaginación.”

Los obsesivos con técnicas e imágenes, los que no apuntan a la fama, los que se meten en un incógnito destino estético personal están presentes en esta bienal. El dibujo, el papel, el collage, la fotografía digital y tradicional y las imágenes virtuales ocupan el lugar central de este deseo de concentrar el arte del mundo en un solo lugar.  

23

 El mundo de los ignorados Fuera del circuito de galerías y museos tenemos las expresiones espontáneas de los creadores

populares. Los grabadores del Nordeste brasileño produciendo sus fantásticas y poderosas composiciones en blanco y negro, con imágenes arrancadas a la madera simplemente con un cuchillo formón a la manera de los grabadores orientales. Estos armaban los pequeños libritos llamados de cordel, donde se relataban historias populares, fábulas del pueblo, apariciones fantásticas y otro sinnúmero de acontecimientos.

Marino AuritiEl Palacio Enciclopédicoca. 1950 (Foto: Rimer Cardillo Bienal de Venecia, 2013)

Jose Borgess/fecha Xilografía de libro de cordel Nordeste brasileño Colección de Rimer Cardillo

Anónimo Grabado en madera de cabezaEl cocinero de las familias, 1923.Garnier Hnos., París.Colección de Rimer Cardillo

Guadalupe Posada procedía de la misma manera en México pero el tallaba planchas de zinc con buriles al estilo europeo antiguo pero con una moderna y personal iconografía. Dentro del mundo gauchesco los almanaques litografiados de Molina Campos adornaban los ranchos de terrón del Río de la Plata.Nuestros campos eran trillados por los fantásticos talla-dores de mates, maestros del cuchillo en el corte de la su-perficie volumétrica de éstos. Con grandes alforjas reple-tas de calabazas a ambos lados del caballo recorrían las estancias, y ejecutaban el pedido de los gauchos, peones y patrones que les señalaban el tema que deseaban tener en sus mates. Uno de ellos fue invitado a La Feria de Libros y Grabados a ejecutar con increíble precisión y rapidez los más mínimos detalles en sus composiciones que obe-decían a la forma del material. ¿Qué hubiera pasado si a estos talladores de imágenes gráficas se les indujera a crear xilografías?, posiblemente tendríamos unas de las más ricas series de obras de nuestro acervo cultural. Años atrás Carlos Colombino y sus amigos crearon en el Paraguay un gran movimiento de artesanos populares del barro, estos tradicionales productores de cacharros fueron invitados muy sabiamente, sin ninguna imposición estética, a que se adentraran a modelar otros objetos basados en leyendas populares, el resultado fue estupendo.

24

José Guadalupe PosadaEspantoso suceso Pedro Lara fue arrebatado por un huracán por el capricho de vivir en amasiato con su comadre de bautizo y haber dado muerte a puñaladas a sus buenos padres1911Zincografía (buril), impresión tipográfica directa25,2 x 16,2 cm

El artista explora y descubre En esta exposición nuestra de La imagen gráfica se reúnen diferentes maneras de ver el mundo

en el entorno particular de los creadores. Las obsesiones con las técnicas gráficas y del grabado con las ideas de los participantes son el concepto estructurador central. En este microcosmos no hubo propuestas de intervenciones digitadas por el curador y asistente de curaduría. Solo aventuramos a sugerir posibles continuaciones dentro del universo particular de cada artista. La idea del que se interna en la imagen gráfica sí estuvo siempre presente para la selección de los artistas invitados.

Intentamos mostrar una selección de lo que se está haciendo en este momento en nuestro país, no incluimos a los artistas del club, entre los cuales me cuento, por haber sido muy bien exhibidos en la estupenda exposición del Club de Grabado realizada por Gabriel Peluffo en el Museo Juan Manuel Blanes. Sí hemos decidido realizar una invitación especial a Leonilda González y Gladys Afamado, queridísimas compañeras que siguen creando con el mismo énfasis de siempre.

Tenemos algunos empecinados trabajando aisladamente conectándose con los espíritus del pasado, otros están más atentos a las manifestaciones estéticas actuales, otros con un discurso político del momento o analizando la traumática época de nuestra dictadura. La presencia del sexo incontrola-ble desafiando enclaustrantes sistemas políticos tiene su espacio en entornos xilográficos o digitales.

25

Los viajes de niños en ómnibus fantasmales sugieren las impresiones chinas, las que no podían faltar. Están los simbólicos soñadores, proyectantes de ideas egocéntricas y absolutistas, obsesivos con la técnica como pretexto de su obra, otros metidos con sus ancestros, en su niñez y adolescencia hur-gando en los cajones y cofres del olvido, en desvanes sin tiempo. La especulación con la técnica les lleva a enriquecer texturas de tintas con collages de telas y papeles, la luz de proyectores se usa como preocupación de hacer tangible lo que no lo es a través de la entomología.

Presente se encuentran la temática de la migración enfatizando la idea de tránsito, aglomeración y pertenencia; las convenciones sociales de la belleza, el consumo, el trabajo y la rutina a la que nos vemos sometidos. Se explora la ficticia proximidad y entendimiento que provee la tecnología, el vaciamiento que se produce en el lenguaje con las nuevas herramientas que han cambiado las for-mas de la comunicación y el aprendizaje. Se utilizan objetos cotidianos como base tecnológica para concretar obras en el arte contemporáneo. Algunos recurren a un enfoque antropológico al estudiar grupos humanos que sugieren efímeras instalaciones.

Están siempre las reflexiones sobre lo heredado de la cultura europea y el mestizaje producido en África y América. Se crean objetos que obedecen a una preocupación de orden existencial, utilizando el cuerpo humano como símbolo. Frottages de veredas montevideanas nos hacen tararear el tango Baldosa floja. Sabiendo que no recibirán respuesta, otros, continuamente preguntan a los intermedia-rios de los dioses que se atribuyen nuestra creación, y estos los proveen con metáforas inquisidoras.

Se crean collages sacrificando biblias antiguas, afiches de circo, bordados indígenas e infinidad de imágenes impresas para re-construir espectáculos dantescos o mensajes codificados, imprimiéndo-los luego digitalmente o sometidos a películas y papeles impresos con luz.

También se incluyen las experimentaciones desarrolladas por los participantes en los tres talleres que dictara en el estudio de Claudia. Siempre diseñé estos encuentros a través de técnicas específicas del grabado como disparadores y envigorizadores de ideas. Los primeros encuentros versaron sobre las técnicas de impresión simultáneas, codificadas por Hayter, luego nos concentramos en las del fotopolímero actual, todas ellas abren un inmenso campo de exploración y descubrimiento que se extienden a diversas disciplinas.

Analizamos en forma personal y colectiva la obra creadora de cada participante, de su producción personal y la de sus obras creadas en estos encuentros. Muchos continuaron proyectos de ideas originadas en estos días de intenso trabajo combinado con pausas de empanadas y algunos memo-rables olímpicos. Una selección de estas creaciones son incluidas en esta exposición. Novias, maridos y esposas, hijos… tuvieron que ser olvidados por este otro amor. Pero lo más importante de esta experiencia ha sido la vida misma, en el grupo intenso y religioso de trabajo, metidos en un pro-yecto compartido, se vislumbraron nuevas fantasías y realidades. Entre los vapores de los ácidos, los alaridos de satisfacción, los llantos por las decepciones, el olor de las tintas, el enojo por los contra-tiempos y en el delirio de la producción final, la tribu se consolidó para continuar con las sesiones de magia. Porque para crear lo que el artista pretende, “esa fantasía” sin duda basada en la realidad, hay que aprender a ser brujo, a saber amar al otro, y ser obstinado y crédulo hasta lo imposible. Hay que ser sereníssimo y resistir el sitio.

Rimer CardilloCurador

Foto: Luis Alonso / Fotos detalles: Eloísa Ibarra

EXPO

SICI

ÓN

FED

ERIC

O A

RNA

UD

DIE

GO

BER

TORE

LLI

RAQ

UEL

BES

SIO

JU

AN

BU

RGO

S PI

NC

HO

CA

SAN

OVA

GER

ARD

O F

ARB

ER A

NA

FE

RIA

ED

GA

RDO

FLO

RES

CLA

UD

IA G

AN

ZO G

ERA

RDO

GO

LDW

ASS

ER H

ARO

LDO

GO

NZA

LEZ

ELO

ISA

IBA

RRA

GA

BRIE

L LE

MA

VLA

DIM

IR M

UH

VIC

H P

EDRO

PER

ALT

A E

LISA

RIO

S SI

LVIA

RU

BIN

O M

ARI

O S

AG

RAD

INI

BERN

ARD

O S

IRE

ELIA

N

STO

LARS

KY

GU

STAV

O T

ABA

RES

ALE

JAN

DRO

TU

RELL

y la

pre

senc

ia e

spec

ial d

e G

LAD

YS A

FAM

AD

O y

LEO

NIL

DA

GO

NZA

LEZ

Gladys Afamado

Nació en Montevideo en 1925, es artista visual, grabadora, violinista y poeta. Egresada de la Escuela de Bellas Artes, fue discípula de Domingo Bazzurro y de Adolfo Pastor. También estudió cerámica con Duncan Quintela y serigrafía con Rimer Cardillo. Integró el Club de Grabado de Montevideo y parti-cipó en numerosas de sus ediciones mensuales y almanaques desde 1965 hasta la década del 80.Recibió el Primer Premio de Grabado en el Salón Nacional de Bellas Artes, Uruguay, 1966. Mención de Casa de las Américas, Cuba, 1968. Premio Adquisición Mini-Print de Cadaqués, Espa-ña, 1989. Premio Miró a la labor artística, Uruguay, 1991. Premio Morosoli de Grabado, Uruguay, 2000. Ha realizado grabados en linóleo, xilografías, serigrafías, go-frados, dibujos e ilustraciones, cajas con collages, criptolitos (piedras pintadas), libros de artista y piezas textiles en las que integra impresiones, bordados, fotografías y pequeños objetos. En 1998 comenzó a investigar las posibilidades artísticas con la computadora. Participó en la Bienal de Arte Digital de Sarce-lles, Francia, 2000. Segundo Premio Mosto & Rojas Arte Digital Internacional, Argentina, 2005. Bienal de Grabado y Arte Digital Impreso de Puerto Rico, 2001. Premio Figari del Banco Central del Uruguay en reconocimiento a su trayectoria, 2008.Está representada en el Museo Nacional de Artes Visuales y Museo Juan Manuel Blanes de Montevideo, Uruguay. Museo del Grabado Latinoamericano de San Juan de Puerto Rico, Mu-seo de Arte Contemporáneo de Chamalières, Francia, y nume-rosas colecciones públicas y privadas de Uruguay y el exterior.

28

Trabajo por instinto. No tengo teorías. Desde chica inventaba cosas para poner en el mundo. Recorté muebles de juguete que yo dibujaba y luego jugaba con esos mueblecitos y sus habitantes. Hice muchas muñecas de pañolenci. Fui siempre creadora por gusto, me siento muy feliz haciendo cosas con mis manos. Me divierto. Y estos Libros de Artista me han hecho sentir muy bien mientras los realicé, buscando tema y buscando material. Usé muchos trapos que tenía guar-dados como en espera... Cada página es una obra en sí misma, pero se relaciona con el todo.

Foto

: Elo

ísa Ib

arra

29

Gladys AfamadoA ver ayer2005Libro de artista, materiales diversos16 páginas, 37 x 26 x 3 cmColección de la artista

Pintora y grabadora nacida en el Departamento de Colonia en 1923. Estudió con Adolfo Pastor en la Escuela Nacional de Bellas Artes, en la que obtuvo una misión oficial para viajar a Europa. Realizó cursos con André Lhote y Fernand Léger en París, y en el Club de Grabado de Montevi-deo con Luis Mazzey. Fue secretaria del Club de Grabado, Miembro de la Comisión Directiva de la Unión de Artistas Plásticos Contemporáneos. En el exilio realizó una extensa gira latinoamericana como expositora y docente de grabado. Entre sus exposiciones individuales se destacan: Subte Mu-nicipal, Montevideo, 1958. La Habana, Cuba, 1970. Museo Carrillo Gil, México,1983. Galería Trapecio, Lima, 1984 y 1992. Galería Exedra, Quito, 1993. Museo de Arte Contemporáneo, Montevideo, 2001. En 1991 funda el taller Guadalupe Posada en Montevideo. Distinciones: Primer Premio de Xilografía en la Exposición de La Habana, 1968. Premio Morosoli otorgado por la Fundación Lo-lita Rubial, 1999. Premio Figari del Banco Central del Uruguay en reconocimiento a su trayectoria, 2006. Realizó numerosas ilustraciones para libros por las cuales obtuvo también reconocimientos y distinciones. Está representada en el Museo Juan Manuel Blanes y el Museo Nacional de Artes Vi-suales de Montevideo, así como en colecciones y museos del exterior.

30

Leonilda González

Foto

: Rim

er C

ardi

llo

“No me preocupa que los hombres no me conozcan, me preocupa no conocer a los hombres”.

Confucio (Conversaciones)

Leonilda GonzálezNovias revolucionarias III1968Xilografíamedida de la plancha 51 x 61 cmmedida del papel 57 x 67 cmColección de Rimer Cardillo

31

32

El grabado funciona como una intervención sobre un diario impreso un año después del fallecimiento de mi padre. En él aparece un artículo que relata los sucesos en los que fue hallado el cuerpo y las interrogantes que aún siguen abiertas sobre el hecho. El documento data de 1976 y también informa sobre un acto y de-claraciones de nuestro presidente cívico militar de la época Dr. Juan María Bordaberry. Sobre ese material serigrafiado decido grabar una imagen seleccionada por su simbología. Se trata de un signo que contradi-ce la función misma del texto y del medio de prensa como tal.

Federico Arnaud

Salto, 1970. Entre 1978 y 1986 residió en Francia donde se exiliaron sus padres, regresando luego al Uruguay. Realizó su formación en el taller Clever Lara con José María Pelayo de 1991 a 1997. En 1994 obtuvo el Primer Premio en la 6ta. Bienal de Plásticos Jóvenes viajando a la Bienal de San Pablo. Recibió el Gran Premio en la Séptima Bienal de Primavera, 1998. Representó a Uruguay en la 2da. Bienal del Mercosur, Porto Alegre, Brasil, 1999. Obtuvo el Premio Paul Cézanne a través del cual regresó a Francia para realizar su proyecto “El cuerpo del pan”, 2000. Fue invitado a la muestra “Rundlederwelten” en el Museo Martin Gropius Bau, Berlín, Alemania, 2005. Sus obras están representadas en colecciones particulares de Uruguay, Francia, Alemania y Argentina. De 2005 a 2007 ejerció el cargo de Coordinador de Artes Visuales de la Dirección de Cultura del MEC. Actual-mente es docente de escultura y tallerista en Salto y Montevideo, ciudad donde actualmente reside y trabaja. Desde 2010 integra el Colectivo Marte. En 2013 participa en el workshop de grabado con film fotopolímero dictado por Rimer Cardillo en Taller Cebollatí.

Foto

: Lui

s Alo

nso

33

Federico ArnaudSin palabras2013Libro de artista. Serigrafía, punta seca en acrílico y collage.32 páginas, 80 x 50 x 1,5 cm

34

“Flujo” es consecuencia del trabajo realizado para el Encuentro sobre Migración y Patrimonio efectuado en 2011 en Maldonado, invitado por la UNESCO y Kavlin Centro Cultural. Para esa ocasión, realicé una serie de obras que abordan la temática de la migra-ción, enfatizando en la idea de tránsito, aglomeración y pertenencia. Para la actual propuesta, seguí investigando con la monocopia -la cual me permite generar signos, dibu-jos y gestos de carácter único e irrepetible- y su re-lación con el volumen. Flujo es el resultado de dicha interacción. Partiendo de formas antropomórficas, que represen-tan no solo personas sino también ideas, emociones y experiencias, intento significar la movilidad, el despla-zamiento y el tiempo a través de dos rollos de papel conectados.A través de este objeto mínimo, que surge de mi in-terés por un lenguaje basado en la economía de re-cursos, busco crear una situación visual, con alguna carga simbólica.

Diego Bertorelli

Montevideo, 1973. Reside y trabaja en Maldonado, Uruguay. Formado con Guillermo Fernández, realizó es-tudios en técnicas de grabado con Eduardo Fornasari en el Club de Grabado de Montevideo. En 2010 y 2012 participó de los workshops de grabado con Rimer Cardillo en Taller Cebollatí. Desde 2006 es docente del Taller de Grabado de la Escuela de Artes Plásticas y Visuales de Maldonado. Realiza exposiciones individuales y colectivas desde 1999 en Uruguay, Brasil, Bolivia, EE.UU., España, Dinamarca y Francia. Fue seleccionado en la IX Bienal de Salto, 2011. Proyecto Multitudes, Espacio de Arte Contemporáneo EAC, Montevideo, y expuso en el marco del Encuentro Iberoamericano de la Migración y Patrimonio (UNESCO), Centro Cultural Kavlin, Punta del Este, Uruguay, 2011. Fue invitado a participar en la 8º Trienal de Grabado de Chamalières, Francia, y Proyecto Samsa, Espacio de Arte Contemporáneo EAC, Montevideo, 2010. VI Bienal Internacional Siart, La Paz, Bolivia, 2009.

35

Diego BertorelliFlujo2013Monocopia sobre 2 rollos de papel7 x 7 cm c/u

Foto

: cor

tesía

del

art

ista

3636

Con un enfoque antropológico estudio un grupo hu-mano que es el de los pescadores artesanales de nues-tra costa, para su trabajo les es necesaria una herra-mienta, “el palangre”, que es el ordenador de las redes de pesca. Descubro además que sin ningún sentido práctico el tejido de los mismos lo realizan con espon-taneidad en múltiples diseños.

Busco transmitir la imagen mental de esa colectividad a través de ese elemento que para mí es el paradigma de ese grupo humano, a través de la huella perecible del mismo. Para lo cual por oposición en este grabado utilizo el polvo de mármol para paradojalmente ex-presar lo efímero.

Raquel Bessio

Montevideo, 1946. Artista Plástica. Ingresó a Facultad de Arquitectura. Inició sus estudios dentro del campo de las Artes Visuales con Ernesto Aroztegui, Sara Pacheco y Jorge Soto. Ha expuesto colectiva e individual-mente desde 1990 a la actualidad en Uruguay, Argentina, Bolivia, México, Brasil, Ecuador, Italia y Estados Unidos. Recibió variados premios y distinciones, integró el envío uruguayo Sur-SUL Semana de la Cultura Uru-guaya en Porto Alegre, 2013. Fue invitada a participar en Art Show Los Ángeles, FADA, 2010 y en el Pabellón de Uruguay por el Bicentenario en Buenos Aires, 2010. Integró la representación de Uruguay en la 53ª Bienal de Venecia, 2009. Fue seleccionada en la Bienal Internacional Siart, La Paz, Bolivia, 2005. Representó a Uruguay en la VIII Bienal de Cuenca, Ecuador, 2004. Premio a la Región OSDE, Buenos Aires, Argentina, 2004. Primer Premio Proyecto Salón Nacional de Artes Visuales, 2001. Primer Premio Intervención Urbana, Bienal de Salto, Uruguay, 2000. Gran Premio Salón Municipal, 1999. Premio MEC, 1999. Primer Premio Instalación Bienal Municipal de Artes Plásticas, 1992. Su obra integra la colección del Espacio de Arte Contemporáneo EAC, Montevideo. Vive y trabaja en Uruguay. En 2013 participó en el workshop de grabado con film fotopolímero dictado por Rimer Cardillo en Taller Cebollatí.

3737

Raquel BessioVínculos y Des-vínculosRe-instalación2013Polvo de mármol de diferente granulometríaLas dimensiones varían

Foto

: Lui

s Alo

nso

/ Det

alle

: cor

tesía

de

la a

rtist

a

38

“Son of the devil” es un collage de imágenes recorta-das y pegadas manualmente, provenientes de libros de arte y de gráfica, de afiches de circo, de Biblias an-tiguas, de empapelados, de bordados indígenas y de álbumes de figuritas. En él unos viajeros interplane-tarios observan desde la ventanilla de su nave una ciudad tiranizada por el sexo, donde se desarrolla un espectáculo de circo dantesco. El hijo del diablo dirige un show en el que se ven un Cristo que asciende car-comido, un suicida, un hombre envuelto en llamas y llevado por ángeles que lo acosan sexualmente, el fan-tasma de la mujer bala, monstruos cantantes, mien-tras el viento agita las premoniciones misteriosas de una vidente.

Juan Burgos

Durazno, 1963. Vive y trabaja en Montevideo. Realiza collages con imágenes recortadas y ensambladas ma-nualmente, provenientes del mundo de la publicidad, de packings de productos, de afiches y mayoritaria-mente de libros de arte, del más tradicional al más contemporáneo. En sus obras dialogan mundos diversos y diferentes épocas del arte y la gráfica, en situaciones inéditas y macabras donde abundan el humor y una crí-tica ácida al mundo del consumo, relacionándolo con la religión, la violencia y el sexo. Expuso en la 53ª Bienal de Venecia, 1ra. Trienal de Chile, XII Bienal del Cairo, 1a. Bienal de Montevideo, Galería Enlace de Lima, Perú, Galería Buschlen-Mowatt de Vancouver, Canadá, Espacio de Arte Contemporáneo EAC y Centro Cultural de España de Montevideo, Museo Sívori y Centro Cultural de España de Buenos Aires y en el Manga Art Studio de Beijing, China, entre otros. Ha sido distinguido en el 53º Premio Nacional de Artes Visuales del Uruguay, 2008, y en el Premio OSDE en Buenos Aires. Investigó la estética de los propaganda posters en Beijing gracias a la Beca Ruy de Clavijo de Casa Asia Barcelona. En París creó imágenes para la compañía DCA-Philippe De-couflé gracias al Premio Paul Cézanne de la Embajada de Francia. Ha sido invitado a participar en la Bienal Internacional de Curitiba - VentoSul 20 Años, 2013.

39

Juan BurgosSon of the devil2009Collage manual de imágenes en papel coteado124 x 94 cm

Foto

: Lui

s Alo

nso

/ cor

tesía

del

art

ista

40

Montevideo, 1957. Fotógrafo, videasta, productor y realizador multimedia. Eduardo Pincho Casanova Aros-tegui es co-fundador de CEMA Centro de Medios Audiovisuales (1982) y creador de “El Monitor Plástico” (1994) programa que se emite desde 2006 ininterrumpidamente por Canal 5, Televisión Nacional de Uruguay. Más de 200 entrevistas a artistas uruguayos y extranjeros y ciclos especiales en el exterior forman parte de su archivo online. Director junto a Macarena Montañez de “pozodeagua televisión” productora de contenidos culturales desde 2005. Obtuvo premios y menciones por sus trabajos en videoarte. En 2009 muestra por pri-mera vez en el CCE de Montevideo sus “neojuguetes de motor a pila”, video instalación con objetos mecánicos realizados a partir de desechos industriales. En la misma línea presenta Mefloquina - la máquina del ruido, en la exposición colectiva Ludus, Fundación Unión, Montevideo, 2011. El solitario obrero del tiempo, IX Bienal de Salto, 2011. Fue invitado al 2nd ArtFi Conference en Tel Aviv, Israel, con The painter, 2013. Desde 2010 asiste al Taller Cebollatí de Claudia Anselmi, con quien aprende técnicas de grabado, allí participa en los cuatro talleres ofrecidos por Rimer Cardillo.

Creo que cualquier motivo es bueno para la producción artística. En la historia del arte, lo que más nos conmueve y enseña no es lo que la obra narra, sino su factura, que revela el alma del artista y el espíritu de su tiempo. En la búsqueda de la imagen me sostengo en la experimentación con los materiales que tengo a mano, aplicando técnicas que co-nozco o, como es el caso, que aprendo para seguir experimentando. Nombro Abram al personaje que surgió de esta experimentación con “goma eva” grabada al calor con piezas metálicas encontradas o sustraídas de aparatos descompuestos, ataúdes de la tecnología. En este trabajo pretendo recorrer un camino en apariencia absurdo: el de animar la imagen que de por sí es fija y única, aunque se repita infinitas veces, produciendo de cada copia un fotograma para esta animación, incluyendo los códigos del grabado para la serialización y firma de cada una. Cada copia “prueba de autor”, difiere de las de-más en la nube negra, que en la imagen surge al paso de Abram, y esto es, explosiva y expansivamente, el elemento más animado. Son cien copias fotografiadas y luego animadas a veinticinco cuadros por segundo (la velocidad de imágenes en el sistema PAL de video y televisión) para entregarle simbólicamente a Abram en cuatro segundos, algo de lo que cosechó con su megalómana idea de creer que Dios le hablaba y le daba las coordenadas de su viaje y el de la Humanidad. Gran parte de los desiertos por donde pasó y sembró su idea, al paso de las cabras, arde en guerra entre sus hijos; legíti-mos, ilegítimos y rebeldes.

Pincho Casanova

Foto

: Lui

s Alo

nso

41

Eduardo “Pincho” CasanovaLa noche de Abram2013100 grabados en goma eva de 30 x 52 cm / VideoLas dimensiones finales varían

42

Montevideo, 1958. En 1978 ingresó a la escuela del Club de Grabado de Montevideo, integrando luego el CGM hasta 1988. Realizó muestras colectivas con éste, integró el Grupo Axioma de experimentación plástica (1980-1985), con el cual realizó varias exposiciones. Como grabador ganó premios en los concursos de graba-do de la Fundación Lolita Rubial (Mención Especial 2005 / Primer Premio Montevideo 2006 / Primer Premio Montevideo Ex-Libris 2008). Es integrante del Colectivo de Grabado Montevideo. Desde 1980 trabaja en la industria gráfica. Forma parte del grupo estable de grabado de Taller Cebollatí. Desde 2010 ha participado anualmente de los workshops dictados por Rimer Cardillo. Actualmente reside y trabaja en Montevideo.

El hombre deja huellas como máculas grises compuestas de colores en baja intensidad, con su rostro grabado como pictogramas de su existencia.Así del mismo modo nace su faz a pesar de la turbulencia de la historia.

Gerardo Farber

43

Gerardo FarberSin título2013Monocopia, técnicas digitales y aguafuerteMedida total 100 x 100 cm

Imag

en d

igita

lizad

a: co

rtes

ía d

el a

rtist

a

44

Montevideo, 1963. Reside y trabaja en San José de Mayo. Desde 1986 trabaja como tallerista docente de Expresión Plástica. En 1997 creó su propio Taller Bilu-bilu en San José, además de actuar en diversos ámbitos de la educación pública -ANEP, primaria y secundaria, INAU Centro de Tratamiento de Adicciones, IMSJ- y privada. Realización de murales (2004, 2007, 2011). Artista textil autodidacta. Expone colectivamente desde 1998. Mirillas Mágicas Cetu, Colección Engelman-Ost, 2003. Acontecimiento Plataforma MEC, ICNO-GRAFIAS, 2007. Individualmente se destacan sus exposiciones textiles en Instituto Goethe, Montevideo, 2002. Sala Dodecá, Montevideo, 2004. Centro Cultural La Paloma, Rocha, 2003 y 2005. Fue seleccionada en la VII Trien-nale Internationale de Mini Textiles en Angers, Francia, 2003. Feria del Libro de San José, 2007. Desde 2010 ha participado anualmente en los workshops de grabado dictados por Rimer Cardillo en Taller Cebollatí.

“¿Cómo encerrar a mis personajes, los Bilu-Bilus, en un concepto?Me acompañan y viven en su mundo paralelo des-de hace mucho tiempo, son producto del disfrute de hacerlos con telas cosidas (tapices), dibujados, y en esta oportunidad se grabaron en sedas de pijamas antiguos...“

Ana Feria

45

Ana FeriaLa vara mágica2013Aguafuerte en cobre impresa en seda32 x 64 cm (detalle)

Dig

italiz

ació

n ob

ra: C

opip

lan

/ Dig

italiz

ació

n de

talle

: Elo

ísa Ib

arra

46

Montevideo, 1958. Artista plástico y visual, formado con Amalia Nieto, Héctor Sgarbi, Daymán Antúnez y en técnicas de grabado, fotograbo y carborundum con David Finkbeiner en1987 y 1990, litografía con Álvaro Cármenes, 1988, serigrafía con Oscar Ferrando, 1988. Grabado en metal y fotograbado con Luis Camnitzer y David Finkbeiner en Valdottavo, Italia, 1990. Exposiciones: Saintes, Francia, 1998. Sala Carlos Federico Sáez MTOP, Montevideo, Uruguay, 2000. Salle des Jacobins, Saintes, Francia, 2003. L’Oratoire, La Rochelle, Francia, 2004. “Ciclo Vital”, junto a Bernd Krenkel en Altes Rathaus, Potsdam, Alemania, 2011. “Con la sangre en el ojo”, Fundación Unión, Montevideo, Uruguay, 1989. Premio Especial Salón de Grabado y Acuarela BROU, 1997. Primer Premio Fondo Capital IMM, 1998. Primer Premio Internacional Batuz de Grabado, Beca Batuz Foundation Sachsen, Alemania. Actividad docente: 1997-1998, Taller Clever Lara, Montevideo, Uruguay. 1999-2005, Fundación Batuz, Altzella, Alemania, 2002. Casa de las Artes Fray Bentos, 2004. Taller de investigación de técnicas alternativas de impresión, Kunstschule Potsdam, Alemania, 2004. Creación del taller No más fronteras de la Fundación Batuz Uruguay. Sus obras integran colecciones públicas y privadas de Uruguay, Argentina, Brasil, Italia, España, Canadá, Francia, Bélgica, Israel, Alemania, Polonia y EE.UU.

Considero que comprender mi obra gráfica implica la aceptación del reto personal de hurgar en mis recuer-dos, en mis estigmas y en mis bien marcados estereo-tipos, sin el pretexto formal de la belleza, pero conser-vando la memoria, sostenida sin un tiempo preciso. De una realidad disfrutada y padecida, irónica, lúdica y sentimental, ”Como la vida misma”, -como reza el título de uno de mis grabados. Las obras parten de un objetivo muy concreto, reflejar, reflexionando yo mismo en mis anécdotas, en un viaje interior, formal y tradicional, y para ello recurro a las xilografías bási-camente en contrastados blancos y negros, tratando de que sea esa, la esencia de mis grabados.Con un lenguaje frontal y directo, incorporando al-gunas veces textos a la imagen con la intención de provocar la ironía, y de esa forma involucrar al espec-tador haciéndolo partícipe de la obra.

Edgardo Flores

47

Edgardo FloresPasion Privat2011Xilografíamedida de la plancha 39 x 64 cmmedida del papel 48 x 73 cm

Regi

stro

foto

gráfi

co: E

loísa

Ibar

ra

48

Florida, 1966. Es Psicóloga egresada de la UdelaR, recibió formación artística con Nelson Ramos, Elena Moli-nari, Pablo Corradis y fotografía en ECU. Expuso individualmente en Instituto Goethe de Montevideo, 2002. Dibujo en Sala Carlos Federico Sáez, MTOP, Montevideo, 2006. Dibujo en Centro Cultural Florida, 2009. Punto de Encuentro MEC, Investigación sobre Lengua de Señas, 2010. Participó en diversas muestras colectivas y recibió, entre otras, las siguientes distinciones: Primer Premio 4ta. Muestra Caja de Jubilaciones y Pensiones de Profesionales Universitarios, 2002. Premio Fundación Batuz MTOP, 2004. Premio Único Accesit Concurso Internacional de Dibujo, Fundación Inglada Guillot Barcelona, España, 2012. En 2013 asistió al workshop de grabado con film fotopolímero dictado por Rimer Cardillo en Taller Cebollatí.

Partiendo de la técnica del grabado, proyectada en el campo del dibujo y el collage, se van componiendo es-cenarios de síntesis, desarrollando caminos opciona-les de búsqueda. Exploraciones que resultan en series diversas, abiertas, que dinamizan etapas de aprendi-zaje, generando redes de imágenes para construccio-nes futuras.

Claudia Ganzo

49

Claudia GanzoSin título2005Impresión directa de texturas y collage57 x 75 cm (detalle)

Foto

: cor

tesía

de

la a

rtist

a

50

Montevideo, 1961. Estudió en el Centro de Expresión Artística dirigido por Nelson Ramos, elaboración del pa-pel con Laurence Baker y grabado en metal con David Finkbeiner. Obtuvo la Beca Fundación Pollock-Krasner, New York, 2001. Premio Paul Cézanne 1997 y Gran Premio Bienarte III, Alianza Cultural Uruguay-Estados Uni-dos, 1990-1992. Primer Premio 50º y 51º Salón Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay, 2002 y 2003. Primer Premio Salón Municipal de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay, 1999. Primer Premio 4ta. Muestra de Artes Plásticas Coca Cola - Pluna, Montevideo, Uruguay, 1989. Primer Premio Encuentro Internacional del Cómic, Badalona, España, 1989. Representó a Uruguay en I Bienal Internacional de Panamá, 2013. IX Bienal Internacional de Cuenca, Ecuador, 2007. II Bienal de Grabado del Mercosur, Buenos Aires, Argentina, 2000. VI Bienal de La Habana, Cuba, 1997. I Bienal de Artes Visuales del Mercosur, Porto Alegre, Brasil, 1997. Está representado en colecciones públicas y privadas de Uruguay y el exterior. Reside y trabaja en Montevideo.

Utilizar objetos cotidianos es una de las tantas cosas que me interesan, para concretar obras en el arte contemporáneo. Es así que un palito de madera re-dondeado que dejó mi hijo luego de saborear su he-lado de chocolate, se convirtió en la base tecnológica de estas obras.

Gerardo Goldwasser

51

Gerardo GoldwasserMapa 12012Gofrado en papel Montval9 piezas de 24,5 x 18 cm Medida total del mosaico 73,5 x 54 cm

Foto

: cor

tesía

del

art

ista

52

Montevideo, 1941. Su obra abarca varias disciplinas del arte: dibujo, pintura, grabado, audiovisuales, instala-ciones, arte-correo y libros de arte. Fue integrante fundacional de la “Generación del Dibujazo” y también de la vanguardia internacional llamada luego Arte Conceptual. Participó en las actividades del Centro de Arte y Comunicación CAYC de Buenos Aires. Fue invitado a integrar la muestra itinerante “Realigning Vision - Co-rrientes Alternativas del Dibujo Sudamericano” del J.S. Blanton Museum of Art de la Universidad de Texas en Austin, Texas, USA, 1996. “From Rembrandt to Rauschenberg”, J.S. Blanton Museum of Art en Austin, Texas, 2001. 50º y 51º Salón Nacional de Artes Visuales, Museo Nacional de Artes Visuales MNAV, Montevideo, 2002 y 2004. Mención Especial Salón Municipal de Artes Visuales, Montevideo, 2003. En 2007 recibió el Pre-mio Figari del Banco Central del Uruguay en reconocimiento a su trayectoria.

Las pequeñas escenografías se componen con objetos cotidianos que al ser cambiados de escala evidencian una nueva percepción. Los fragmentos de imágenes de mujeres aparecen atrapados entre objetos que han perdido su escala y aportan una experiencia distinta a la realidad. Las “puestas en escena” son fotografia-das con cámara analógica y sin intermediar retoque alguno del fotograma a la impresión final.

Haroldo González

Imag

en d

igita

lizad

a: co

rtes

ía d

el a

rtist

a / F

otog

ram

as d

e vi

deo

Dib

ujo

en 5

lecc

ione

s

Haroldo GonzálezDibujo en 5 lecciones1972Video, 5’

53

Haroldo GonzálezHecho en Holywood con Ava Gardner y otrasSerie Mujeres2010Fotografía close-up a negativo entero60 x 90 cm

54

Montevideo, 1968. Reside y trabaja en su ciudad natal. Es Diseñadora Gráfica y Artista Visual formada con Nelson Ramos y en técnicas de grabado con Pedro Peralta y Claudia Anselmi. Desde 2010 ha participado anualmente de los workshops de grabado dictados por Rimer Cardillo en Taller Cebollatí. Expone regular-mente desde el año 2001 en forma individual y colectiva. “Babel, palabra de ...” obtuvo Mención de Honor en la X Bienal de Salto, Uruguay, 2013. “El germen de Babel”, exposición en Museo Gallino, Salto, Uruguay y Regis Center for Arts, Minneapolis, EE.UU., 2013, premiado por el Fondo Concursable para la Cultura MEC, 2012. “Tiempo Cero”, Espacio Cultural de San José, Uruguay, 2013. Premio Adquisición AMSJ, Salón Nacional de Pintura, San José, Uruguay, 2012. Premio Adquisición Intendencia de Durazno, Concurso de Pintura ISUSA, 2011. Mención Especial del Jurado, I Bienal Internacional de Grabado Paco Urondo, Buenos Aires, Argentina, 2011. Beca Fonca-Conaculta, Residencia en Centro de las Artes San Agustín CaSa, Oaxaca, México, 2009. Gran Premio Salón Nacional del Grabado 2008, Fundación Lolita Rubial, Minas, Uruguay. Pinturas, grabados y esculturas de su autoría integran colecciones públicas y privadas de Uruguay, Argentina, Bolivia, Brasil, México, EE.UU., España, Honduras e Israel.

Utilizo la combinación de procesos tradicionales de grabado con tecnología digital, para reflexionar sobre el agotamiento del lenguaje y la pérdida de contenido que provoca el inquietante avance tecnológico. Someto un fragmento del Génesis bíblico a una cade-na de traducciones sucesivas a diferentes idiomas uti-lizando el Traductor de Google en línea. Las versiones del texto en cada uno de los idiomas elegidos pueden leerse con un celular tipo smartphone, tablet o XO en los códigos QR impresos en las caras del cubo. El grabado en papel contiene el resultado final, tra-ducido nuevamente al español, pero ahora tan in-comprensible para nosotros como cualquiera de los idiomas anteriores.

Eloísa Ibarra

55

Eloísa IbarraBabel, palabra de ...2013InstalaciónGrabado láser en mdf impreso en intaglio sobre papel y serigrafía sobre cubo de cemento Grabado: 10 x 10 cm / Cubo: 10 x 10 x 10 cm

Foto

: Lui

s Alo

nso

56

Maldonado, 1972. Creador visual y Licenciado en Artes Visuales. Formado en el taller de Nelson Ramos, Historia del Arte con Miguel Battegazzore, Escuela Nacional de Bellas Artes, grabado con Matilde Marín en Buenos Aires. En 2010 y 2012 participa en los workshops de grabado de Rimer Cardillo en Taller Cebollatí. Actualmente estudia Dirección de Cine y Medios Audiovisuales. Ha participado de diversas exposiciones in-dividuales y colectivas en Uruguay, Argentina, Brasil, Paraguay, Bolivia, Perú, Estados Unidos, Alemania, España y Dinamarca, destacando: Exposición Internacional, Banco Interamericano de Desarrollo BID, Washington EE.UU., 2012. Proyecto SAMSA, Espacio de Arte Contemporáneo EAC, Montevideo, Uruguay, 2010. Open Studio, La Fábrica, Buenos Aires, Argentina, 2010. Principio de Identidad, Museo del Barro, Asunción, Paraguay. Polis fa#5 Werkbund Deutscher, Frankfurt, Alemania, 2007. Serie Héroes, 52º Premio Nacional de Artes Visuales, Museo Nacional de Artes Visuales MNAV, Montevideo, 2007. Sus obras integran diversas colecciones públi-cas y privadas. Reside y trabaja en Maldonado, Uruguay.

La obra “Bienvenido a casa” se enmarca dentro de la serie “Héroes”, en la que vengo trabajando desde el año 2006. Todas ellas refieren a la misma temática pero enmarcada dentro de otra: la impresión. Su técnica, la acción de imprimir es el ve-hículo que más importa dentro de todos los trabajos presen-tados. Xilografía, fotograbado o serigrafía, refieren todas a un mismo criterio: la impresión y la multiplicación. La intención surge de tomarla como modelo. El resultado de la impresión de una imagen realizada en fotograbado (con escala y resul-tados diferentes) es el modelo de la imagen impresa en seri-grafía, que al mismo tiempo otorga la posibilidad de realizar un nuevo fotograbado, esto permite modificar la percepción de una misma imagen pero atravesando con similar criterio la multiplicación de una misma idea.

Gabriel Lema

Imag

en d

igita

lizad

a: co

rtes

ía d

el a

rtist

a / F

oto

deta

lle: E

loísa

Ibar

ra

57

Gabriel LemaBienvenido a casa201272 serigrafías de 29,2 x 38,2 cmdimensiones totales 234 x 344 cm

58

Montevideo, 1975. Artista, productor e investigador en el campo del arte contemporáneo, especialista en restauración y conservación de pintura de caballete y arte contemporáneo. Formado en el Taller de Clever Lara, en técnicas de grabado con Pedro Peralta y Edgardo Flores. Taller de Restauración de la Comisión del Patrimonio Cultural de la Nación, Uruguay, 1996. Coordinó por Uruguay el proyecto Inside Instalation Latino-américa tutoriado por Museo Centro de Arte Reina Sofía, Montevideo, 2009. Coordina por Uruguay la RED Iberoamericana RICAC, Centro de Arte Reina Sofía, 2010. Ha expuesto regularmente desde 1995. Becas y pre-mios: Beca de OEA, Escuela Nacional de Restauración y Museográfica INHA, México DF, 2000. Premio Beca Fundación Batuz, Sajonia, Alemania, 2001. Gran Premio Salón Anual de Artes Visuales, Centro Municipal de Exposiciones, Montevideo, 2004. Premio Fundación Itaú a la Cultura Nacional, Primer Premio Artes Visuales Montevideo, 2006. 2do. Premio Beca Paul Cézanne, Embajada de Francia en Uruguay, 2008, residencia artística e investigación FRAC Lorraine, Metz, Francia, 2010. Residencia en el Instituto Nacional del Patrimonio INP, Saint-Denis, París, Francia, 2010. Beca AECID Instituto Cultural del Patrimonio Español, Madrid, España, 2011.

El leit motiv de estas piezas es una maqueta de ca-rácter esculto-arquitectónico, con rampas curvilíneas y “habitada” por fajas traslucidas de papel japonés con impresiones xilografiadas de cabezas, cuerpos o fémures humanos. La realización de dicho objeto obe-dece a una preocupación de orden existencial, “dón-de hay que habitar, encerrado en el ser o fuera de él” como dicta la sentencia de Gaston Bachelar.

Vladimir Muhvich

Foto

: cor

tesía

del

art

ista

59

Vladimir Muhvich Sin título2007Parte de la serie Geometría íntimaGrabado a punta seca y buril sobre acrílicomedida de la plancha 25 x 45 cm medida del papel 70 x 100 cm

60

Salto, 1961. Reside y trabaja en Montevideo. Realizó estudios con Osvaldo Paz, Vicente Martín y Clever Lara. Grabado con David Finkbeiner. Desde 1992 ejerce la docencia de pintura y grabado en madera y metal en su propio taller. Desde 1987 ha realizado numerosas exposiciones personales y participado en muestras colecti-vas, premios y salones de Uruguay y el exterior. Primer Premio de Grabado Salón de Artes Plásticas del Banco República del Uruguay, 1988. Premio 50 años del Estado de Israel, 1988. Premio 1ra. Bienal Peñarolenses en el Arte, 1999. Premio Grabado Something Special, 2001. Premio Morosoli a la Trayectoria, Medalla de Plata en Grabado, 2004. Mención Honorífica Premio Internacional Atlante de Grabado, España, 2009. Primer Premio Concurso de Pintura ISUSA, 2011. Su obra se encuentra en museos y colecciones públicas y privadas de Uru-guay y el exterior, Museo Nacional de Artes Visuales MNAV, Montevideo, Uruguay. Museo Rally, Maldonado, Uruguay. Fundación Itaú, Montevideo, Uruguay. Museo de Arte de Rio Grande do Sul MARGS, Porto Alegre, Brasil. Museo de las Américas-Cuartel de Ballajá, San Juan, Puerto Rico.

Mujeres, deseables, imposibles, ¿quién puede juzgarlas? ¿cuánto vale poder rozar siquiera su belleza? En esta se-rie de xilografías conviven las Tres Gracias, que también son Eva, Venus, María Magdalena y todas las mujeres, madres, víctimas, luchadoras, frágiles rosas invulnera-bles que se mantienen en pie, intentando protegerse de quienes nunca podremos comprenderlas. Ya lo dijo alguien, no se puede conversar con las flores.

Pedro Peralta

61

Pedro PeraltaHoy me acosté con ella, es hermosa, lástima que tenga espinas2006Xilografíamedida de la plancha 67 x 38 cmmedida del papel 88 x 58 cm

Dig

italiz

ació

n: C

opip

lan

62

Treinta y Tres, 1973. Artista Plástica y profesora de Comunicación Visual. Formada en el IPA, FLACSO, Taller de Claudia Anselmi y Club de Grabado de Montevideo, entre otros. En 2012 y 2013 participó de los workshops de grabado con film fotopolímero con Rimer Cardillo en Taller Cebollatí. Expone en forma colectiva desde 1993 destacándose: VIII y IX Bienal de Salto, 2000 y 2011. 49º y 54º Salón Nacional de Artes Visuales, MNAV, 2001 y 2010. “El juego de la vida”, Espacio de Arte Contemporáneo EAC, Montevi