“40 principales

”Arancha Porras Gil.

PINTORES:

RAFAEL SANZIO

Rafael Sanzio (1483-1520 ), fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Realizó importantes aportaciones en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos : sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro años en Florencia, donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los papas y su corte.

"La virgen del jilguero“.

Es una pintura datada hacia 1505. Es al óleo sobre tabla con unas dimensiones de 107 centímetros de alto y 77 cm. de ancho. Se conserva en la Galería Uffizi de Florencia, Italia.

“La escuela de Atenas”.

Fue pintada entre 1510 y 1511 como parte de una comisión para decorar con frescos las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Vaticano. La Stanzadella Segnatura fue la primera en ser decorada, y La escuela de Atenas la segunda pintura en ser finalizada, tras La disputa del Sacramento.

“El entierro de Cristo”.

Existe un propósito por plasmar las tensiones anatómicas, el esfuerzo físico, que preludia claramente el manierismo y que debe atribuirse a la influencia de Miguel Ángel. La composición en aspa a derecha e izquierda la rompe la figura de Cristo.

TIZIANO Tiziano Vecellio (1477 - 1576) fue un pintor italiano

del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana. Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes, escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano.

“ASUNCIÓN DE LA VIRGEN”.

Fue acabada en 1518. Se trata de un óleo sobre madera de gran tamaño, pues alcanza los 6,90 metros de alto y 3,60 m de ancho. Se encuentra en la Basílica de Santa María Gloriosa deiFrari, de Venecia, Italia.

Fue acabada en 1518. Se trata de un óleo sobre madera de gran tamaño, pues alcanza los 6,90 metros de alto y 3,60 m de ancho. Se encuentra en la Basílica de Santa María Gloriosa deiFrari, de Venecia, Italia.

“Dánae”.

Tiziano pintó esta Dánae para el rey de España, Felipe II, con la intención de que acompañara a su obra Venus y Adonis. Según la correspondencia que se conoce, estos cuadros se calificaban elusivamente de "poesías".

“Carlos V vencedor en Mühlberg”.

Realizado en oleo sobre lienzo, representa el mito del poder. Mide 332 por 279 cm., se encuentra en el Museo del Prado, Madrid.

VELÁZQUEZ.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal. Pasó sus primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista por influencia de Caravaggio y sus seguidores. Se trasladó a Madrid y a los 24 años fue nombrado pintor del rey, y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores del rey. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo a partir de entonces consistía en pintar retratos del rey, de su familia, así como otros cuadros para decorar las mansiones reales. Su estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad con pinceladas rápidas y sueltas.

“El aguador de Sevilla”.

Se ha supuesto que los personajes constituyen las tres edades de la vida y que el agua simboliza la transmisión del conocimiento desde la vejez a la juventud. Realizado entre 1620-1621.Mide 106 x 82 cm.. Se encuentra en el Wellington Museum, Londres.

“La Venus del espejo”.

La composición del cuadro está inspirada en las representaciones venecianas de la “diosa del Amor". Utiliza el recurso del espejo para representar un poco borrosa la cara de la mujer. El lienzo mide 122 x 177 cm. . Se encuentra en el National Gallery, Londres.

“Las Meninas”.

Es un retrato múltiple, todos los personajes están dispuestos frontalmente, los personajes están representados en el taller del artistita. Realizado en 1656.Mide 310 x 276 cm.Se encuentra en el Museo del Prado, Madrid.

DALÍ.

Salvador Dalí (1904 - 1989), pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas.

“Muchacha en la ventana”. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre cartón

piedra, es de estilo realista y sus medidas son 105 x 74,5 cm. Se conserva en Madrid, en el Museo Reina Sofía.El cuadro pertenece a la etapa formativa de Dalí, cuando el artista tenía veinte años y el surrealismo no había influido todavía de manera apreciable en su pintura.

“Galatea de las esferas”. En este cuadro Dalí intenta

reflejar lo que anteriormente ya había escrito en su Manifiesto Místico: la vertiente espiritual -retrato místico de Gala- y la ciencia -las esferas- se combinan como orden general del Universo. Es una idea que le obsesiona y como tal pinta una y otra vez. Simplifica el fondo, básicamente es el mismo, pero solo hay cielo y mar eliminando cualquier otro elemento que complique la percepción del tema principal.  

“Leda Atómica”.

 En 1949 acaba de regresar de Estados Unidos y su estilo ya es "clásico" con las características dalinianas de los grandes espacios, horizontes lejanos, elementos flotantes, luces agresivas... El estudio anatómico de la modelo -Gala- y del cisne contrasta con la irrealidad de la situación. Mantiene elementos simbólicos, recuerdos de su pasado surrelista

PICASSO.

Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida.

“Guernica”.       Más que un cuadro es un cartel, un cartel en

lienzo sin texto, no hacía falta, todo estaba "escrito" en esta impactante imágen. Picasso, que más tarde se afiliaría al Partido Comunista de Francia, era defensor de la Republica Española y esta tenía en él un fiel artista de fama reconocida.  

“Las meninas”.

     A mediados de los años 50 Picasso comienza a realizar estudios de los clásicos y realiza "series" de grandes cuadros de la historia del arte.

“La flauta de pan”. Formas dislocadas, ángulos,

planos superpuestos, referencias a la realidad... Son Picasso y George Braque quienes inician y estudian este estilo y sin duda el pintor malagueño quien realiza los mejores trabajos. Este es uno de ellos ya de la última fase de creación cubista. Los protagonistas -los pájaros muertos- son de difícil localización, aparecen plumas en diversos planos, picos, patas mezclados con elementos que acercan a la realidad como son los titulares de los periódicos o textos aislados.

Watteau.

Watteau es el pintor de la vida alegre. En sus delicados y brillantes paisajes se mueven figuras con deliciosos vestidos de seda. Este ambiente idílico de su pintura no se corresponde con el de la vida de Watteau. Era un hombre muy enfermo, solitario y de difícil carácter. Su tuberculosis no le dejaba vivir la vida fácil que pintaba. Quizá por eso, en sus obras se aprecie una suave melancolía.

“El embarque a Citera”. Citera es la isla en que nace

Venus de la espuma del mar. Los personajes representados van a iniciar una peregrinación a esta isla en busca del amor. Watteau ha procedido a la mezcla de la realidad con la fantasía. Lo real es la costumbre noble de irse a casas de campo a merendar o pasear en barca, la fantasía es la inclusión del elemento mitológico. Aunque aparecen varias parejas, todas representan la misma. Watteau ha pintado los momentos sucesivos del pensamiento de la mujer ante la invitación del enamorado:

“Gilles”. En esta obra Watteau ha recreado un personaje de la Comedia del Arte italiana. Pierrot aparece monumentalizado. Es una obra enigmática. El rostro de Pierrot es real, hay quien habla de autorretrato. Él nos mira fijamente como deseando decirnos algo. Al mismo tiempo, permanece ensimismado, como aislado, de los demás personajes de la composición. Quizá Watteau ha querido representar su tragedia, su gran drama. Él quiso vivir los placeres de la vida pero quedó al margen por su enfermedad.

“Las delicias de la vida”.

MONET.

Claude-Oscar Monet (1840 - 1926) fue un pintor impresionista francés. Ningún pintor del grupo fue tan puramente impresionista como Monet. En su obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia. De todos los impresionistas, Monet fue el que con más énfasis practicó el pleinerismo, es decir la práctica de la pintura al plein-air .La pintura de Monet nos resulta especialmente vital, aunque su vitalidad sea una serena vitalidad, llena de armonías.

“Las amapolas”.

Monet ejemplifica el conocimiento intuitivo que los impresionistas tuvieron de las leyes ópticas del color. Las amapolas flotando sobre la hierba atestiguan el dominio del color primario rojo a través de la vecindad de su complementario verde.

“El estanque de las Ninfeas”.

En este lienzo las formas están disueltas en charcos de color. Realizado entre 1914-1918.

“Mujeres en el jardín”.

Representa un día de verano, con su despreocupado ambiente. Varias mujeres, con vestidos de verano, se divierten en un jardín de flores. Monet tomó a su mujer como modelo para esta obra.

DELACROIX.

Fue el más emblemático pintor del movimiento romántico aparecido en el primer tercio del siglo XIX, cuya influencia se extendió hasta los impresionistas. Etiquetado inicialmente como neoclásico, aunque opuesto totalmente a Ingres, ambos son criticados en los diferentes Salones en los que exponían. A partir de la exposición de 1855 Delacroix se convirtió en la figura que supo sobrepasar la formación clásica para "renovar" la pintura. A su fallecimiento, los artistas contemporáneos le rindieron sentidos homenajes, en especial Gustave Courbet. Auténtico genio, dejó numerosas obras que tenían mucho que ver con la actualidad de su época. También destacó como pintor religioso pese a sus continuas declaraciones de ateísmo. Sus obras manifiestan una gran maestría en la utilización del color.

“La barca de Dante”.

Es un óleo sobre lienzo de Eugène Delacroix pintado en 1822. Situado en el Museo del Louvre, París, Francia.

“ La matanza de Quíos”.

Rinde un homenaje a los colonos griegos de esta isla que trataron de independizarse de los turcos. Realizado en 1824.

“El 28 de Julio: la libertad guiando al pueblo”.

Exalta la revolución parisina que facilitó la llegada al poder de la burguesía liberal. Realizado en 1830.

RIBERA.

José de Ribera (1591 – 1652) fue un pintor tenebrista español del siglo XVII, también conocido como Giusepe de Ribera o con su nombre italianizado: Giuseppe Ribera. Fue apodado por sus contemporáneos Lo Spagnoletto, «el españolito», por su baja estatura y porque reivindicaba sus orígenes firmando sus obras como «Jusepe de Ribera, español» o «setabense». Ribera es un pintor destacado de la escuela española, aunque su obra se hizo íntegramente en Italia y de hecho, no se conocen ejemplos seguros de sus inicios en España.

“ La Trinidad”.

Este cuadro se encuentra en el Museo del Prado, Madrid. Existe una réplica de calidad casi idéntica en el Monasterio del Escorial. En este lienzo combina el estilo tenebrista de sus años juveniles, la cual se aprecia en la violenta iluminación del cuerpo de Cristo, con un pictoricismo preciosista. Realizado entre 1635–1636.

“Retrato de Magdalena Ventura y su esposo”.

Es uno de los cuadros más insólitos de la pintura europea del siglo XVII, ya que refleja a la mujer con un aspecto masculino por sufrir hirsutismo. En la obra aflora el drama psicológico de la mujer transformada en hombre y la resignación del marido. ). El lienzo se encuentra en el Hospital Tavera de Toledo (Fundación Casa Ducal de Medinaceli). Realizado en 1631.

“Inmaculada Concepción”.

Es una representación tradicional: viste a la Virgen con manto azul y túnica blanca e incorpora a los ángeles a su alrededor. Pero llama la atención por su desusado formato y su exuberancia cromática. Realizada en 1635.

ZURBARÁN

Francisco de Zurbarán (1598 – 1664), pintor del Siglo de Oro español.Contemporáneo y amigo de Velázquez, Zurbarán destacó en la pintura religiosa, en la que su arte revela una gran fuerza visual y un profundo misticismo. Fue un artista representativo de la Contrarreforma. Influido en sus comienzos por Caravaggio, su estilo fue evolucionando para aproximarse a los maestros manieristas italianos. Sus representaciones se alejan del realismo de Velázquez y sus composiciones se caracterizan por un modelado claroscuro con tonos más ácidos.

“Apoteosis de Santo Tomás de Aquino”.

El pintor fragmenta este gran cuadro de altar en tres registros horizontales. Fue realizado en 1631.

“Santa Casilda”. Representa a la santa ,hija de un rey taifa de Toledo.

“Bodegón de limones ,naranjas y cacharros”.

En los bodegones representa la humildad y su verídica transcripción del mundo cotidiano.

El greco.

Fue llamado por los toledanos de su época el Greco por preceder de la isla de Creta. Es uno de los pintores más enigmáticos de la historia del arte, aunque no ha sido reconocido hasta nuestro siglo.

Se formó en Italia, donde recibió influencia de los grandes maestros romanos y venecianos, a lo que une su formación bizantina recibida en Creta.

De este autor se han escrito numerosas teorías, llegando incluso a decir que tenía astigmatismo, de hay el perfil de sus figuras. Pero lo más característico sin duda es la búsqueda de la espiritualidad y el misticismo del que dota a las figuras.

El entierro del Conde Orgaz. (1586).

Se lo encarga el párroco de la iglesia de Santo Tomé, para conmemorar un hecho milagroso.El pintor no se limitará a reflejar solo el hecho, sino que representa en la parte inferior gente importante de su tiempo.En primer plano un muchacho nos introduce a escena a la manera de teatro clásico. Se representan las tres órdenes religiosas más importantes de la ciudad, los domínicos, los franciscanos y gerónimos.

La curación del ciego.

El expolio.

Tiene influencias bizantinas en las formas iconográficas .El prendimiento de cristo era usual en Oriente, pero él reelabora la iconografía logrando una plasticidad viva, ardiente, impregnada del color de Tiziano, orquestada del modo más sutil, casi musical.Alrededor de la túnica de Cristo un mosaico policromada envuelve la forma almendrada del señor. También es capaz de contrastar el conjunto crispado de rostros con la aptitud serena del salvador.

Murillo.

Pertenece a la escuela sevillana, en la segunda mitad del S. XVII. Fue el que más éxito tuvo en vida al ser el representante de la belleza y la dulzura. Con él triunfa en sentimentalismo, acercando la religión a la vida cotidiana. Su pintura es reflejo de su equilibrada vida, así como de su caracter apacible y bondadoso.Es el pintor de las inmaculadas y de los temas infantiles, que le interesan tanto como los religiosos.

Niños comiendo fruta. 1650.

Representa la tierna visión de la infancia, suavizando la pobreza y la miseria, pero sin perder naturalismo. Es una escena llena de encanto en la que se usa los modelos de la calle, chicos humildes pero llenos de expresividad y juvialidad.

Inmaculada Concepción. 1656.

Representa una virgen hermosa, sencilla, de aspecto frágil pero siempre elegante y envuelta en su manto azul.

El buen Pastor.

Auguste Renoir.

Tiene influencias de Courbet, diferenciándose sus obras del resto de impresionistas, que prefieren la representación de figuras al paisaje puro. Se caracteriza por la anatomía de sus líneas, la brillantez de su color y el encanto íntimo de sus temas.

Baile en el Moulin de la Galette. 1876.

Es su obra más famosa. Representa una escena de un café al aire libre, con un punto de vista casi como fotográfico en el que queda patente el tratamiento de las figuras y la representación de luces y sombras. Da sensación de crear ambiente al difuminar las figuras y darle efecto de aire entre ellos.

Jóvenes al piano. 1892.

Reflejo de la vida cotidiana de la burguesía, con rasgos de gran belleza, trazados con maestrías, que muestran actitud distintas. Crea de nuevo sensación atmosférica a través del color empleado que se aplica con soltura.

Leonardo Da Vinci.

Es el arquetipo del hombre renacentista pues es un apasionado de todas las formas del saber. Es un gran científico que aporta a la pintura el espíritu de la investigación. Sus obras no son muy abundantes y su principal contribución es la técnica de "sfumato", que consiste en sombrear las figuras y diluirlas mediante claroscuros en el espacio. Se forma con Verrochio en su taller.

La Gioconda. 1503.

Se supone que es la Mona Lisa, la esposa de Francesco de Giocando. Es el retrato más fascinante de la historia de la pintura. El busto prolongado con manos se alza como prototipo del retrato renacentista clásico. Sitúa a la figura apoyada en un sillón ante un paisaje visto desde lo alto, de lejanía esfumada y distante.

La última cena. 1495.

La pintó para el refrectorio del Convento de Sata Mª de las Gracias en Milán, agrandando opticamente el muro de la estancia al colocar los grandes ventanales al fondo abiertos al exterior. Los apóstoles están dispuesto en grupos de 3, representados a través de gestos y actitudes interrogantes ante el anuncio de la traición de Judas.

Madonna dei fusi.

Francisco de Goya.

En él se ha querido ver la figura que rompe con los moldes tradicionales. Nace en Fuendetodos, Zaragoza.Se forma tardíamente en el taller de los Burgeos, en una etapa en la que en España existe un panorama artístico complicado, por la existencia de múltiples tendencias, a lo que se une la llegada masiva de artistas franceses e italianos, lo que conlleva un cierto afrancesamiento en la corte de Fernando VI, que culmina con la creación de la academia de San Fernando.

Familia Carlos IV. 1800. Inspirado en las Meninas,

donde aparece el artista dentro del cuadro, al fondo a la izquierda y que retrata a los personajes con gran veracidad.Coloca en el centro a la Reina María Luisa, quién realmente lleva el poder en el reinado, desplazando al rey den centro. La mujer que aparece de espaldas es la prometida de Fernando VI, colocándola así para indicar que aún no pertenece a la familia real.El heredero aparece resaltado vestido de azul.

Fusilamiento del 3 de Mayo. 1808.

Pinta una escena que trasciende del hecho real, y se convierte en un símbolo de la inocencia de las víctimas, cuyo protagonismo en la composición es absoluto. La escena nocturna confiere mayor dramatismo, con la luz del farol ilumina a los ejecutados.

La triple generación. 1960-1969

El Bosco.

Jeroen Bosch (1450 - 1516) fue un pintor flamenco. Firmó algunas de sus obras con Bosch. La protagonista de sus cuadros es la humanidad, que incurre en el pecado y es condenada al Infierno; la única vía que parece sugerir el artista para redimirse se encuentra en las tablas con vidas de santos, a través de la imitación de sus vidas dedicadas a la meditación aunque estén rodeados por el mal, sea en las tablas con la Pasión de Cristo, a través de la meditación sobre las penas sufridas por Cristo, para rescatar al género humano del pecado universal. En los últimos años de su actividad, el estilo del Bosco cambió y creó cuadros con un número inferior de figuras y de mayor tamaño que parecen sobresalir del cuadro y acercarse al observador. El Bosco no fechó ninguno de sus cuadros y sólo firmó algunos. El rey Felipe II de España compró muchas de sus obras después de la muerte del pintor; como resultado, el Museo del Prado de Madrid posee hoy en día varias de sus obras más famosas.

Cristo con la cruz a cuesta.

El jardín de las delicias.

La tentación de San Antonio.

Botticelli.

Sandro Botticelli, fue un pintor cuatrocentista italiano. Menos de cien años después, este movimiento, bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médici, fue considerado por Giorgio Vasari como una "edad de oro", un pensamiento que convenientemente encabezaba su Vita de Botticelli. Su reputación póstuma disminuyó, siendo recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más

El nacimiento de Venus, 1484.

La primavera (1481- 82):

"Los seis gigantes desnudos en torno al pozo"

Edger Degas.

Hilaire-Germain-Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas (1834 –1917), fue un pintor y escultor francés. Es conocido por su visión particular sobre el mundo del ballet, capturando escenas sutiles y bellas, en obras al pastel.

Es considerado uno de los fundadores del Impresionismo. No obstante, su estilo se desmarca del grupo en varios aspectos, fundamentalmente en su preferencia por los temas urbanos con escenas iluminadas artificialmente, en lugar de la pasión por la naturaleza y la luz natural de otros miembros del grupo.

La estrella. 1878.

Clase de baile. 1875.

El ajenjo. 1876.

Escultores.

Miguel Ángel.

Michelangelo di Lodovico Buonarroti (1475-1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.

Bacus. (1496-1498).

La primera obra que realizó fue un Bacus de medida natural, con gran parecido a una estatua clásica, y encargada por el cardenal Riario, que al ser rechazada, fue adquirida por el banquero Jacopo Galli.

“David”.(1501-1504)

“Moisés”.(1515)

Pablo Gallardo.

Nació en Maella en 1881, se traslada con su familia a Barcelona en 1888, donde comenzará su formación artística. En Barcelona, fue discípulo de Eusebi Arnau, para quien trabajó en su taller. Se relacionó com los artistas de Els Quatre Gats, como Picasso o Isidro Nonell. Colaboró con Lluís Domènech i Montaner en trabajos escultóricos para sus edificios, como el Palau de la Música Catalana, el Hospital de Sant Pau de Barcelona; y en el Institut Pere Mata de Reus con esculturas de piedra y bronce.

“El Profeta” (1933).

Kiki de Montparnasse (1928)

“Urano”. (1930)

Praxíteles

Praxíteles de Atenas, fue el más renombrado escultor clásico ático del siglo IV a. C.

Fue el primero en esculpir la forma femenina desnuda en una estatua a tamaño natural. Aunque no queda ninguna escultura que sea atribuible sin dudas a Praxíteles, numerosas copias de sus obras han sobrevivido; autores contemporáneos, incluyendo a Plinio el Viejo, escribieron sobre sus obras; y han sobrevivido monedas grabadas con siluetas de varios de sus modelos estatuarios.

“Hemes con el niño Dionisio”. (320a.C.)

“Afrodita Braschi”. (350-340 a. C.)

“Apolo sauróctonos “.

Antonio Canova.

Nació en Possagno y estudió escultura cerca de Venecia, donde obtuvo un gran prestigio con sus estatuas de mármol, Conoció el arte clásico en sus visitas a Roma y Nápoles y, después de instalarse en Roma en 1781, fomentó activamente la recuperación del gusto por los estilos romano y griego antiguos. Obras tales como las tumbas del papa Clemente XIV y la del papa Clemente XIII y su Perseo, significaron su reconocimiento como el escultor neoclásico más importante de la época. Recibió encargos de Napoleón, entre los que se cuenta la famosa Paulina Bonaparte Borghese como Venus estatua de su hermana, reclinada en un diván con una serena sensualidad. Después de la caída de Napoleón, Canova fue enviado por el Papa a París para recobrar los tesoros artísticos arrebatados al patrimonio italiano, gestión que le valió el título de marqués de Ischia. También realizó encargos en Inglaterra. Murió en Venecia.  

Paulina Bonaparte. (1807)

Hércules and Lichas. (1815)

Apolo coronándose a sí mismo. (1781)

Bernini.

Bernini nació en 1598 en Nápoles, ciudad en la que su padre Pietro, toscano, trabajaba como escultor. Al poco tiempo Pietro se trasladó a Calabria junto con su mujer, la napolitana Angelica Galante, y su hijo. En 1605 se instalan en Roma y Pietro obtiene la protección del cardenal Scipione Caffarelli-Borghese y la ocasión de mostrar el precoz talento de Gian Lorenzo.

La Roma de inicios del siglo XVII era una ciudad de un fervor artístico excepcional, novedoso y revolucionario, que acogía artistas de toda Europa en una continua confrontación de ideas y experiencias artísticas. En este ambiente trabajaron maestros como Caravaggio, Annibale Carracci o Peter Paul Rubens, quienes abrieron la senda del Barroco.

Fuente de los Cuatro Ríos.

Obelisco de Minerva.

El baldaquino de San Pedro.

Policleto.

Policleto, llamado «el Viejo» para diferenciarlo de su hijo, fue un escultor griego en bronce del siglo V y principios del siglo IV a. C. Junto con los famosos Fidias, Mirón y Cresilas, es el más importante escultor de la Antigüedad clásica. El catálogo del siglo IV atribuido a Jenócrates, que fue la guía de Plinio en materia de arte, colocó a Policleto entre Fidias y Mirón. Policleto fue famoso sobre todo por sus estatuas de dioses y atletas realizadas en bronce, aparte de la enorme estatua de la diosa Hera, destinada al culto en el Hereo de Argos.

Discóforo.

Diadumeno.

Doríforo.

Rodín.

François-Auguste-René Rodin (1840 - 1917) fue un escultor francés contemporáneo a la corriente Impresionista. Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, es el escultor encargado no sólo de poner fin a más de dos siglos en busca de la mimesis en las artes tridimensionales, sino de dar además un nuevo rumbo a la ya obsoleta concepción del monumento y la escultura pública. Es por esto que Rodin ha sido denominado en la historia del arte: «el primer moderno».

El pensador.

El beso.

Las puertas del infierno.

Fidias.

Fidias, (490 a. C. – 431 a. C.), fue el más famoso de los escultores de la Antigua Grecia, pintor y arquitecto, perteneciente al p

Se conocen pocos detalles de su vida . Algunas de sus obras sobreviven presuntamente a través de copias romanas, y de fragmento originales atribuídos a ellas, o son en base conjeturales. De la misma manera, su muerte es centro de controversia y no se saben las causas que la pudieron haber provocado. A pesar de la casi total ausencia de datos concretos sobre su vida, Fidias es considerado uno de los fundadores y uno de los mejores exponentes del Alto clasicismo en la escultura, y reconocido unánimemente como uno de los escultores más importantes de Occidente.

Procesión de Jinetes 442-438 a.C.

Atenea Lemnia. 450 a.C.

Atenea. Siglo V a.C.

Berruguete. Alonso Berruguete es un representante manierista dentro de

la corriente escultórica renacentista que a lo largo del s.XVI tuvo lugar en España. Formará parte, del denominado grupo de las "águilas del Renacimiento español". Formado en Italia, regresará a España hacia la segunda década de 1500 trayendo consigo lo asimilado en el país itálico y contribuyendo, de esta manera, a la renovación de la escultura del momento.

A pesar de que el primer foco dónde se desarrolle esta etapa del nuevo lenguaje, cada vez más alejada del quattrocentismo inicial, lo constituya Burgos, será Valladolid la ciudad que verdaderamente se erija en capital de la escultura castellana renacentista (con Alonso Berruguete como principal artífice y, años después, Juan de Juni) una vez truncado el porvenir de la escuela burgalesa debido a la ausencia de Siloé y la muerte prematura del joven Ordóñez.

Martirio de san Sebastián.

Sacrificio de Isaac.

Adoración de los Magos.

Gregorio Fernández.

Gregorio Fernández (1576- 1636), fue el máximo exponente de la Escuela de Valladolid, heredero, pues, de la expresividad de Alonso Berruguete y Juan de Juni, pero también recoge el refinamiento de Pompeyo Leoni y Juan de Arfe. La mayor parte de su obra puede verse procesionar en Semana Santa.

Su realismo, un tanto recio, pero no vulgar ni morboso, se aprecia en la honda expresión de los rostros, en la forma de destacar las partes más significativas y en los elementos que añade para aumentar la sensación de autenticidad. Sin embargo, se muestra refinado en el tratamiento anatómico, en la sencillez de sus composiciones y en la contención de los gestos.

Inmaculada Concepción.

Cristo yacente.

Santa Teresa.

FOTÓGRAFOS:

Louis Daguerre.

(1787-1851), fue el primer divulgador de la fotografía. Era pintor y decorador teatral.

Pasó a los anales de la historia por descubrir el Diorama, instalación mediante la cual se daba una sensación de profundidad. Este invento despertó la atención del público parisino en un espectáculo que consistía en crear la ilusión al espectador de que se encontraba en otro lugar a través de imágenes enormes, que se podían mover y que se combinaban. Para que todo esto fuera creíble las pinturas debían ser muy realistas y por esta razón, a Daguerre le interesaba la aplicación del principio de la cámara oscura al Diorama.

Boulevard du Temple by Daguerre.

París. Daguerrotipo del Boulevard du Temple, en el año 1838, con una persona en su zona inferior izquierda

Charles Clifford.

(1820 - 1863) fue un fotógrafo británico que desarrolló su carrera profesional en España.

Charles Clifford fue uno de los pioneros de la fotografía española, y uno de los más destacados junto con Jean Laurent. Las primeras noticias de su actividad en España se remontan a 1850, y desde entonces realizó álbumes fotográficos de casi todas sus tierras, ciudades y monumentos cuyo interés no se limitó a lo meramente documental, sino que trascendió por la extraordinaria composición y calidad técnica.

En sus inicios utilizó la técnica del daguerrotipo, pero ya en 1852 comenzó a usar el calotipo. En 1856 empezó a fotografiar al colodión húmedo. En esta última técnica destacó su serie de tomas de 1857 y 1858 de la obra del Canal de Isabel II de Madrid y el álbum de 1862 del viaje oficial de Isabel II por Andalucía, considerada su obra maestra.

Madrid visto desde el oeste. 1860.

Obras del Canal de Isabel II: Acueducto de la Sima, 1865.

Construcción del Puente de los Franceses en Madrid, 1859.

Jean Laurent.

O Juan Laurent Minier (1816 -1886) fue uno de los más importantes fotógrafos que trabajaron en España en el siglo XIX.

Establecido en Madrid en 1843, comenzó a interesarse por la fotografía en 1855, tomando vistas panorámicas de ciudades, paisajes, monumentos, obras públicas y obras de arte de la Península Ibérica; así como retratando personalidades y tipos populares.

El Aquelarre (1863 - 1866)

El castillo de Alicante, hacia el año 1870.

Estación y castillo de Sax, 1858.

Victor Jorgensen.

Victor Jorgensen es un ex periodista de la Armada. Se hizo popularmente famoso por la fotografía que tomó, una fotografía de una escena improvisada en Manhattan el 14 de agosto de 1945.

Beso de despedida a la Guerra en Times Square. 14 de Agosto de 1945.

Marilyn.

Children.

Steve MccCurry.

Steve McCurry (1950) es un periodista estadounidense, mundialmente conocido.

Su carrera de fotógrafo comenzó con la invasión soviética de Afganistán. También ha cubierto otros conflictos internacionales como la guerra entre Iraq e Irán o la Guerra del Golfo.

Cita del fotógrafo McCurry sacada del libro de Phaidon "En el Retrato espero el momento en el que la persona se halla desprevenida, cuando afloran en su cara la esencia de su alma y de sus experiencias.... Si encuentro a la persona o el tema oportuno, en ocasiones regreso una, dos, o hasta media docena de veces, siempre esperando el instante justo.

África, 1985.

New York, 2001.

Peshawar, Pakistán 2002.

Artistas libres:

Signac.

Paul Signac nació en París en 1863, en el seno de una familia de un pudiente maestro guarnicionero. Puede ser considerado pintor autodidacta. Comenzó su carrera como arquitecto, pero lo dejó a los dieciocho años para dedicarse a la pintura. Algunas de sus obras son las siguientes:

Baños de los Andelys, 1886

Retrato de Félix Fenéon, 1890.

Palacio de los Papas en Aviñón, 1900.

Andy Warhol.

Andrew Warhola (1928 - 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.

Jason McGlade.

Fotógrafo.

Jose Ruesga Salazar.

Nació en Utrera, en 1918. Terminados sus estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungria de Sevilla, se traslada a Madrid  impulsado por una firme vocación artística. Amplió sus estudios de Grabado Calcográfico , en la cátedra de Estévez Botey, y pintura mural, en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando. De su generación son Eufemiano, Pepi Sánchez, Maireles, Gutiérrez , Milla, Comas y Cordero, con los que figura y participa en múltiples exposiciones regionales y nacionales.

Melancolía. 1972.

Cogida.

Bansky.

Es el pseudónimo de un prolífico artista del graffiti británico. Banksy "nació en 1974 y creció en Bristol, Inglaterra. Hijo de un técnico de fotocopiadoras, entrenó como un carnicero pero se vio implicado en el graffiti durante el boom del aerosol en Bristol de finales de los 80'". Su trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla. Su arte urbano combina escritura con una técnica de stencils muy distintiva, similar a Blek le Rat, quien empezó a trabajar con stencils en 1981 en París; y miembros de la banda de anarco-punk Crass, que mantuvieron una campaña con stencils en las instalaciones del metro de Londres a finales de los 70's e inicios de los 80's. Banksy reconoció la influencia de Blek diciendo "cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Ble Le Rat lo hizo mejor, sólo veinte años antes."[1] Sus obras se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.