ANÁLISIS DE DANZA Barbazul Pina Bausch

ANÁLISIS DE DANZA – BLAUBART (BARBAZUL) PINA BAUSCH

El total de la danza como obra de arte.

1. ¿Te parece que la danza tiene significado e interés o te resulta oscura y sin significado?

La obra está llena de imágenes con una gran carga poética, que sin poder explicar concretamente que está pasando transmiten distintas sensaciones al espectador. Significado tiene, ¿cuál?, eso es otra cuestión; oscura, por temas y estética del movimiento y las relaciones entre intérpretes, también es.

2. ¿Tiene continuidad y mantiene el interés durante todo el tiempo o tiene partes menos interesantes?

Sin tener una estructura dramática convencional (narrativa, con planteamiento, desarrollo y desenlace) mantiene una misma idea en tema, y desarrollo de este. Si es cierto que a lo largo de las casi dos horas que dura la obra se repiten imágenes similares que en un principio resultaban novedosas y que a lo largo del espectáculo pierden, bajo mi punto de vista, interés.

3. ¿Es cada parte esencial para formar el total?

Al no tener, como ya he comentado antes, estructura dramática narrativa las imágenes se suceden en ocasiones con lógica otras no. Marta Schinca en su artículo “Un acercamiento al trabajo de Pina Bausch” dentro del libro El cuerpo en escena explica que la lógica en la narrativa de Bausch se puede comparar a la de los sueños, donde unas imágenes suceden a otras sin hilo conductor. Pienso que sin alguna de las partes de la obra el mensaje y la imagen conjunta que desprende se conservaría por mantener una misma línea todas estas.

4. ¿Tiene un estilo claramente establecido y mantenido durante la obra?

Sí, pienso que todos los momentos guardan coherencia en estilo y tema. Si bien hay ciertos momentos que pueden parecer dentro de otro código, como los gestos casi de niño pequeño que el protagonista ejecuta en ciertos momentos y pueden resultar casi cómicos, entran perfectamente en la línea establecida por la coreógrafa.

5. ¿Hay suficiente profundidad y variedad en el contenido o es simple, superficial y predecible?

Análisis de danza – Blaubart (Pina Bausch) por Mario Martínez Colmenarejo1

Todo lo que transmite la obra contiene un alto nivel de profundidad por el carácter trágico de ésta y las interpretaciones y coreografías propias de Bausch. Sin embargo, es cierto que una vez pasada la mitad de la coreografía he tenido la sensación de que las partes se parecían mucho entre sí, no habiendo ninguna que me sorprendiera especialmente hasta llegar la última parte.

6. ¿Te ha parecido que la construcción de la danza conseguía la unidad a través del uso del tiempo, del ritmo general del trabajo?

Si, toda la creación tenía un gran carácter unitario siendo difícil, en ocasiones, diferenciar las partes mas allá de entradas y salidas de los intérpretes.

7. ¿Había elementos de sorpresa o era demasiado simple de observar?

Sin contener grandes momentos sorpresivos, considerando estos a momentos que rompiesen con lo establecido hasta ese momento de la creación, las numerosas imágenes poéticas sugeridas en la obra hacían mantener mi interés como espectador.

8. ¿La elección de la música es adecuada para el tema de la danza?

La música de la ópera original de Bela Bartok, "La fortaleza del príncipe Barba Azul", encaja perfectamente con el ambiente trágico de la obra. Además el uso que se hace de la música como elemento activo que manipula el protagonista y ejerce gran poder sobre el resto de personajes integra aun mas la música en el desarrollo de la obra.

9. ¿Se ha compuesto la danza con un evidente conocimiento y reflexión sobre la música o se ha mutilado sin sentido?

Como ya he dicho el uso de la música en la composición de la coreografía supera el mero acompañamiento de las acciones actuando activamente en el desarrollo de estas.

10. ¿Hay algún otro estímulo sobre el que se hayan creado movimientos o que influyan directamente en el mismo? ¿Telas, materiales u objetos?

Todos los elementos que aparecen en la obra adquieren un sentido dentro de la coreografía, desde la escenografía (hojas, paredes, etc.), atrezzo y utilería (sillas, equipo de música, sábanas, etc.) hasta vestuario y peluquería (vestidos, batas de boatiné, melenas sueltas, etc.).


Consideraciones sobre la idea o tema de la danza:

1. La idea de la danza ¿ha sido comunicada plenamente, en parte o no ha llegado a establecerse en ningún momento?

El titulo de la obra puede resultar un handicap para el espectador. Quiero decir con esto que si tu esperas ver una versión del cuento de Barba Azul danzado, te llevarás una decepción. Pina va mas allá de la narrativa del relato llegando a la esencia de las relaciones entre personajes. Refiriéndome de nuevo al artículo de M. Schinca la obra encaja dentro de los temas recurrentes de la coreógrafa que Marta resalta, sobresaliendo las relaciones hombre-mujer, roles y el individuo frente al grupo.

2. Las imágenes que creaba el movimiento ¿eran fáciles de interpretar o expresar con palabras? ¿las imágenes sugieren algo dentro del mismo campo de conceptos afines a la idea?

«…No creo que sea necesario desentrañar el sentido de estas imágenes, más bien son percibidas en el contexto del espectáculo, como metáfora poética que impacta apuntando directamente a nuestra sensibilidad»

Así explica M. Schinca el uso de imágenes poéticas dentro de las creaciones de Bausch.

Pienso que una misma imagen puede desentrañar numerosas interpretaciones, cierto es que todas mantienen una coherencia dentro del espectáculo, pero según quien lo vea lo que le transmita puede ser muy distinto. Raimund Hoghe en su libro Pina Bausch. Historias de teatro-danza (Ultramar, 1988), cuenta la siguiente anécdota sobre este mismo espectáculo:

«…Hace dos años vi por primera vez una de las representaciones de Blaubart. Confieso que no dejó de impresionarme la clara diferencia, que no sabría decir exactamente en qué consiste pero que es una diferencia fundamental entre mi postura ante las personas y acontecimientos de la obra y la de una mujer. Es esa “otra cosa” que no puede pasar desapercibida en las piezas de Pina Bausch. Podría definirlo quizás, aunque solo provisionalmente, como una franqueza sin límites, como un abrirse sin condiciones a las emociones y a las experiencias, o como un rechazo de los conocimientos basados exclusivamente en lo racional y en la convicción absoluta. Es, en definitiva, tener mucho más valor y fuerzas para implicarnos a nosotros mismos y para admitir nuestro propio miedo y nuestros propios deseos, nuestra alegría y nuestra tristeza, nuestros


sueños, nuestras esperanzas, lo que nos atormenta, los complejos, nuestras heridas, nuestra vulnerabilidad.»

Ante este extracto considero que es fácil interpretar las imágenes poéticas de la obra desde uno mismo, mucho mas difícil será que coincidan con las del espectador de al lado, pero al igual que Hoghe considero este hecho algo realmente positivo y no como una razón para juzgar la poca claridad en los espectáculos de Pina. Mejor sentir que racionalizar, sería difícil explicar con palabras las evocaciones a las que te llevan porque llegas a estas por todo lo que tú eres, el otro llegará a otros sitios. Siente y calla.

3. ¿Ayuda la forma total de la obra a entender el tema o idea subyacente?

El carácter unitario ya mencionado de la creación ayuda a dar significado al conjunto total de la obra.

4. ¿Es el tema o idea demasiado profundo y complicado para ser expresado a través de movimientos danzados?

Pienso que el tema podría haber sido demasiado profundo para ser expresado mediante movimientos danzados “convencionales”. El código gestual y de movimiento coreográfico de Bausch con el uso recurrente del gesto cotidiano hace remitir al espectador a su propia realidad, un grand jeté transmite menos que una caricia o una bofetada, estos recursos hacen que la idea de la coreografía llegue mucho mejor al observador.

5. ¿Se ha perdido la idea en el intento de expresarla de forma original e interesante? ¿se ha elaborado en exceso el material de movimiento haciendo que la conexión con la idea sea dudosa para el espectador?Pienso que en mi anterior contestación ya queda resuelta esta

cuestión, la elaboración del material del movimiento mediante el gesto cotidiano, la repetición, las frases motivo, etc. ayudan a la comprensión del tema. La reiteración y repetición del material subraya las imágenes y a través de la variación se llega a la transformación de significados, un momento de risas y juego se transforma en gritos, miedo y locura sin que se note el cambio en el movimiento coreográfico.

6. ¿Merece la idea que se baile sobre ella?, dicha idea ¿merece la expresión artística?

Cualquier sueño que merece ser soñado es un sueño por el que luchar.Cualquier sentimiento que merece ser sentido es un

sentimiento por compartir.


¿Dónde está el libro que contiene los planteamientos absolutos que dicen que merece o no ser contado?

No es el tema el que merece o no ser expresado, es el como lo transmites, y en este caso creo que mereció la pena…

7. ¿La idea tiene relevancia y significado en el mundo moderno?

Pienso que el hablar sobre las relaciones humanas no perderá vigencia. Pina Bausch hablaba sobre temas universales lo que hace que los temas de sus creaciones no queden obsoletos. Otra cosa es que el código con el que se transmite esa idea quede anticuado. Lo que hizo Pina fue una revolución pero no nos podemos quedar estancados en eso, hay que seguir como se ha seguido por otras vías de la creación.

8. ¿Se ha conseguido la comunicación a base de una interpretación individual del creador o ha recurrido a una serie de clichés establecidos?

Los temas tratados, al ser universales, permiten poco margen de maniobra. Es decir, si estas hablando sobre las relaciones hombre/mujer aparece el amor, el odio, la violencia, las relaciones de poder, etc. Es lo que hace especial el trabajo de Pina Bausch, no tanto el contenido como la forma que este adquiere tras su interpretación. Es cierto que con el tiempo lo que un día fue innovador se ha podido transformar en cliché pero eso no ha sido culpa de Bausch sino de los que han venido después y muchas veces se han resignado a repetir lo que ya había.

Consideraciones sobre el material del movimiento:

1. ¿Se han elegido movimientos correctos o adecuados en relación a la idea?

El uso del gesto cotidiano como material coreográfico hace que la danza, arte abstracto por excelencia, adquiera significado para el espectador. Lejos de caer en una pantomima de lo que está pasando el movimiento en conjunto adquiere una capacidad poética que no se podría lograr solo con un código basado en una técnica concreta de danza.

2. ¿Hay suficiente riqueza de movimientos como para crear variedad e interés?

El material es variado y pese a utilizar la repetición como uno de los recursos básicos coreográficos esto no hace que el


espectador se aburra, al contrario, el movimiento asciende a una esfera metafórica donde llega, bajo mi punto de vista, mejor a la audiencia.

3. ¿Hay equilibrio entre las acciones, su dinámica y su relación con el tiempo y el espacio, o por el contrario alguno de estos elementos parece prioritario en la forma de componer? ¿Se ha concentrado el autor en uno sólo de estos elementos?

Como ya he dicho antes la repetición es uno de los pilares de composición utilizados en esta pieza y en la obra de Pina en general. Aun así el desarrollo de las acciones en el espació también tiene su desarrollo, al igual que la variaciones de dinámica transforman una misma frase que se estaba repitiendo en otra que transmite una idea totalmente distinta.

4. ¿Los movimientos se pueden reconocer como simbólicos o representativos de un significado, o por el contrario evocan significados de forma abstracta?

Sin llegar a ser pantomímicos los movimientos nos llevan a pensar directamente en sentimientos o situaciones reconocibles para el espectador. Por ejemplo, la frase utilizada por los bailarines varones en la que evocan a fisioculturistas nos habla directamente del poder y la vanidad masculina sobre el sexo femenino.

Las acciones y gestos:

1. ¿Son las acciones interesantes por cómo se presentan en el espacio o por su dinámica o uso del tiempo?

Pienso que predomina la exploración en cuanto a uso de la dinámica y el tiempo mediante la repetición y variación del material de movimiento.

2. ¿Tiene la danza suficientes acciones o son demasiadas?

Opino que en una coreografía de Bausch, por el uso de la repetición que hace, es difícil que se exceda en la cantidad de acciones utilizadas en sus creaciones.

3. ¿Puedes distinguir una acción usada como motivo recurrente en la obra?

Algunas partituras de movimiento utilizadas en la coreografía se quedan grabadas en la retina del espectador, sobre todo en las que existe un gesto cotidiano potente en cuanto a trascendencia poética o dramática. De esta manera cuando vuelven a aparecer en la obra son fácilmente reconocibles. Por ejemplo, al principio de la composición la bailarina protagonista trepa con su brazo hacia el


rostro del protagonista masculino siendo rechazada violentamente por él, que agarrándola de un hombro la lleva al suelo. Esta imagen se repite lo suficiente como para que cuando vuelva a aparecer en el minuto 38, esta vez ejecutada por el coro de hombres y mujeres, el espectador reconoce perfectamente la situación.

Las calidades de movimiento:

1. ¿Tienen los movimientos danzados variaciones en su dinámica?

Aunque existan variaciones, casi siempre derivadas a partir de la repetición, pienso que en la coreografía en particular, y en la obra de Bausch en general, existe poca exploración en la dinámica, o al menos no tanta como en otros factores como el espacio o el tiempo. Me da la sensación que el movimiento siempre tiene una dinámica concreta, sin mucho antagonismo muscular, con un flujo sostenido pero que se libera súbitamente en ocasiones (véase movimientos del pelo en las mujeres), etc. Pienso que las frases elaboradas con gesto cotidiano exploran mas en las variaciones de dinámica, tal vez sea porque el peso del código danzado fuese aun muy fuerte y Bausch se sintiera mas libre al experimentar con movimiento que no pertenecía a ninguna técnica que a otro que ya tenía grabado en su cuerpo que tipo de dinámica tenía.

2. ¿Estas variaciones dinámicas dan el color y el tono adecuado al movimiento para resaltar el significado del mismo?

Cierto es que la dinámica predominante en el movimiento danzado de la que anteriormente hablaba encaja perfectamente con la estética global de Pina. Un movimiento lírico y poético es consonante a los temas, los vestuarios, la escenografía, etc. que rodean toda la creación.

3. ¿Puedes distinguir una frase danzada que se utilice como motivo recurrente en la obra?

Una frase que aparece en el minuto 30’ en el que la protagonista realiza una especie de abanico con los brazos acompañándolo con el tronco llegando de nuevo a la vertical para luego recoger los brazos en su vientre aparece continuamente de la misma manera y variándolo, por ejemplo, en el minuto 47 la misma bailarina realiza la frase variándola, añadiendo nuevos movimientos, alterando la original para volver a la inicial. La frase que repiten en torno al minuto 51 todos los bailarines y bailarinas recuerda a esta primera frase, el abanico ha quedado reducido a


un port de bras y el cambio de la vertical al vientre de los brazos recuerda ahora a un grand jeté.

4. ¿Usa la frase musical o la regularidad del compás? ¿Esta frase sigue un flujo continuado o hay contrastes e interrupciones repentinas del mismo?

La frase de movimiento tiene vida propia en cuanto a interacción con la música. Cuando esta está se integra a la perfección con la melodía (no el compás) pero en otras ocasiones aparece sin que ni siquiera haya música.

El flujo de la frase es continuado, en la repetición se solapa en ocasiones y otras se corta para iniciar la frase de nuevo.

Uso del espacio:

1. ¿El uso del espacio del movimiento en general tiene relación con la idea?

Pienso que si, sobre todo me llama la atención el dualismo entre el espacio próximo y el colectivo, por ejemplo el usado en la frase que he puesto como ejemplo en las cuestiones anteriores, remite a la intimidad y la contención. Al contrario en otros momentos que se usa todo el escenario con carreras y saltos se evoca mas al caos y la expresión de sentimientos que ya no se pueden contener.

2. ¿Se ha utilizado el espacio escénico considerando sus implicaciones expresivas?

Contestado en la pregunta anterior.

3. ¿Es interesante visualmente por las líneas y formas? ¿Tienen estas líneas y formas relación con la idea?

Existen momentos en los que el coro de mujeres se agrupa en piña a los pies del protagonista o que el gran grupo de hombres se acerca en línea horizontal poco a poco hacia la protagonista. Estas composiciones en relación al espacio transmiten ideas de grupo y de cómo afectan al resto de personajes.

4. ¿El uso del foco es fácil de distinguir? ¿Comunica el uso de uno o más focos la intención de la danza y de su idea?

Citando de nuevo a Marta Schinca, ella comenta que “la superposición de acciones o hechos diferentes en una misma escena confiere a ésta la multiplicación de su sentido y exige más capacidad de percepción en el espectador”. Por lo tanto aunque el foco principal sea claro el hecho de que en escena estén pasando otras cosas alteran su significado. El espectador además puede elegir dónde mirar y obtener informaciones que alteren el


significado personal del que hablamos con anterioridad y que es único. Las acciones que suceden en escena son consonantes a la idea lo que la refuerzan transmitiendo que ese sentimiento no es concreto a un personaje sino a todos, no a un individuo, sino a la colectividad. Creo que esto ayuda a la identificación del público con el tema tratado.

5. ¿Ocupaban los movimientos suficiente espacio como para ser apreciados por la audiencia?

Si, creo que todo movimiento se le da la suficiente importancia como para ser percibido por el público. Aun así, mi visionado al haber sido en video, hace que el foco vaya donde el cámara y el editor hayan querido que vaya. Tal vez en directo ciertos detalles fuesen mas difíciles de percibir.

La relación entre el número de bailarines:

1. ¿Había un número de bailarines suficiente para expresar la idea o eran demasiados?

La idea se podía haber transmitido mediante un bailarín hombre y otra mujer. Sin embargo la elección de utilizar un número mayor altera el valor metafórico de la obra y encaja con el estilo particular de la coreógrafa.

2. ¿Se entendía la relación entre los grupos o intérpretes?

Si, las diferencias claras entre hombres y mujeres, y entre protagonistas y coro. Hacían que todo fuese fácil de interpretar.

3. ¿El diseño del grupo en términos de diseño corporal y dibujo en el espacio es interesante y significativo para la idea de la danza?

Si, véase pregunta 4 del anterior apartado.

4. ¿Pierden importancia los solos ante escenas en las que el número de bailarines es mayor?

No, véase pregunta 4 del anterior apartado.

5. ¿Es el número de bailarines absolutamente necesario en cada parte, o se puede resolver con otro número en algunos momentos?

Se podría resolver con un número menor, véase pregunta 1 de este mismo apartado.


Los elementos de la forma o suma de las partes

Nota: Las preguntas contestadas a continuación han sido

redactadas de manera sintética por considerar que ya se han desarrollado en cuestiones anteriores.

1. La repetición: ¿hay suficiente repetición para establecer significados o se abusa de este recurso?

Como ya he dicho con anterioridad la repetición es una insignia de Pina Bausch. Decir que ésta utiliza demasiada repetición es decir que Pina es demasiado Pina. Por lo tanto creo que el uso de la repetición es el adecuado y lo que hace de su trabajo algo tan grande como lo que ha sido, es y será.

2. Variedad y contraste: ¿Se utilizan estos elementos de forma ventajosa, o se utiliza el contraste por si mismo sin que tome un significado en relación a otro contenido? ¿Había diferencias notables entre cada sección?

Sin haber, bajo mi punto de vista, grandes cambios sorpresivos en la coreografía, esto mantenía una línea coherente en la creación. Los elementos que se introducían como objetos o cambios de vestuario encajaban perfectamente con lo establecido con anterioridad, existiendo de esta manera diferencias entre las partes pero habiendo sido introducidas de manera de que al espectador no le chocasen enormemente, manteniendo así, la sensación onírica del espectáculo.

3. Clímax y momento álgido: ¿Cómo parecen construirse estos momentos? ¿Eran claros y naturales en su desarrollo o resultan forzados?

Unas veces a partir de la repetición del movimiento, otras mediante el desarrollo dramático, las escenas llegaban a punto álgidos expresados por todo el reparto o los protagonistas. En ocasiones se manifestaban por gritos, carreras y golpes, otras por pequeñas conclusiones de la escena y a partir de ellos empezaba de nuevo el desarrollo de las acciones. Este principio me recuerda al existente en las artes orientales (teatro Noh en Japón) denominado Jo – Ha – Kyu con estructura circular y que caracteriza un incremento de la intensidad de la acción en el tiempo que llega a un clímax y vuelve a empezar.

4. Transiciones: ¿Se integran las transiciones de forma significativa al emplearse como articulaciones de las distintas partes o la forma de unir las partes no tiene ningún interés?


Las transiciones se integran perfectamente en la estructura principal, tanto que es difícil diferenciar las distintas partes que conforman la obra.

5. Proporción y equilibrio: ¿Hay un equilibrio entre los contenidos o alguna sección parece irrelevante al todo? ¿Es una sección muy larga y otra muy corta o se mantiene una proporción adecuada? ¿Demasiadas con la misma duración?

Considero que las partes mantienen equilibrio entre ellas, sin embargo pienso que la duración total de la obra podría haber sido menor ya que puede resultar demasiado reiterativa por semejanza entre sus partes. Tal vez la última parte, en este equilibrio mantenido por todas las anteriores, no destaca lo suficiente respecto al resto.

6. Desarrollo lógico: ¿se puede seguir lo que ocurre con facilidad? ¿Aparece la idea de forma comprensible y lógica o hay demasiados cambios de contenidos confundiendo al espectador sobre la temática que trata la danza? ¿Aparece el final como algo cerrado y concluido o queda suspendido?

La idea, pese a su carácter poético y en el cual como ya he dicho cada espectador puede sacar una conclusión personal se sigue con facilidad. La concordancia que caracteriza a la obra hace que su seguimiento sea fácil. El final, pese a que pueda parecer suspendido por la forma pienso que es cerrado por lo que ha acontecido hasta el momento, la protagonista ha muerto, la obra ha terminado.

7. Unidad: ¿Es el total una manifestación de la idea de la danza? ¿Podemos decir si cada parte tiene su importancia en el todo? ¿Se han utilizado formas de composición musicales como soporte de la forma de la danza en ABA, ABBA o rondó, etc.? ¿Sigue una forma narrativa o forma un collage de escenas?

El total de la obra es una expresión correcta de la idea. Por su estructura no narrativa y su carácter metafórico y onírico pienso que si no existieran algunas de sus partes el tema se abría transmitido de igual manera. El uso de la música pienso que no es el tradicional no soy capaz de encontrar formas de composición como las mencionadas.

Considerando el estilo:

1. ¿Es el estilo elegido adecuado para expresar la idea o el tema de la obra?


Dentro del estilo característico de Pina Bausch el tema encaja dentro de los recurrentes de ésta. Vestidos de fiesta, melenas sueltas, gestos cotidianos, repetición, luchas de poder, géneros enfrentados, etc. me parece un contexto idóneo para la obra. Otro coreógrafo podría hablar de lo mismo y el resultado sería muy diferente, no se si mejor o peor, pero diferente.

2. ¿Es la danza coherente en términos de estilo?

Si, todo encaja a la perfección en el estilo de Bausch.

3. ¿Es el estilo empleado relevante en el contexto actual de la danza?

Como ya he dicho el estilo empleado es estilo Bausch, en la actualidad utilizar ese mismo estilo de la misma manera sería hacer algo al estilo Bausch, pero sin ser ella. Sus aportes fueron enormes e imprescindibles para el posterior desarrollo de la danza, la danza teatro, el teatro físico, etc. pero actualmente la creación debe seguir sus propios cauces llegando a nuevos sitios, eso sí, sin olvidar quienes dieron estos primeros pasos.

4. En el caso de representar un ejemplo de un estilo definido, ¿se reconoce en el creador suficiente conocimiento y buen uso de los detalles de dicho estilo?

Pina Bausch encaja dentro del estilo de la danza-teatro, teniendo antecedentes como la danza expresionista alemana, Marta Graham y otros, este estilo no fue definido específicamente hasta su aparición. Por lo que si, es conocedora de los detalles del estilo de la danza teatro, su estilo.

5. ¿Hay suficiente originalidad aún dentro de un estilo específico?

Hay que tener en cuenta el contexto de creación de la obra, que no es una obra contemporánea, ahora esta obra tal vez no sería suficientemente original pero en 1977 motivó por ejemplo la reprobación del público y violentos portazos, aunque con el tiempo sus seguidores ya sabían lo que iban a encontrar al asistir a sus espectáculos, con por ejemplo los bailarines sumergidos en agua hasta los tobillos, moviéndose sobre barro o entre claveles de plástico.

Considerando la representación:

1. ¿La actuación de los intérpretes enriquece o perjudica la composición?


La gran implicación expresiva e interpretativa de los bailarines hace que la obra sea lo que es. Esta pieza con bailarines “clásicos” que se limitaran a ser ejecutores del movimiento no podría significar lo que es. Creo que desde nuestro campo (el interpretativo) mas allá de los recursos de composición, la interpretación de Pina Bausch y sus bailarines es un gran ejemplo dentro de un trabajo sin texto basado en el movimiento.

2. ¿Ha sido una actuación sincera e implicada en la comunicación de la idea?

Por supuesto, además conociendo los métodos que Pina utilizaba en los procesos de creación con sus bailarines en los cuales todo surgía a partir de la improvisación y de lo que el bailarín aportaba al tema, se nota que los interpretes están implicados personalmente en el trabajo.

3. ¿Dominan los intérpretes los requisitos técnicos que realcen la danza o la deficiencia técnica arruina la composición?

Pese a la importancia de los elementos interpretativos, todos los bailarines tienen la formación técnica suficiente para defender una coreografía en la que pueda destacar la expresividad e interpretación gracias a que el movimiento danzado está perfectamente ejecutado. Pienso que es un error pensar que cualquier actor puede hacer danza teatro porque el requisito técnico no tiene por qué ser elevado.

4. ¿Los intérpretes consiguen que las imágenes se transmitan según los deseos del compositor o su interpretación personal altera el significado de alguna manera?

Las imágenes se transmiten según el deseo de Bausch creo que porque se han creado a partir de la interpretación personal de los bailarines. Si ella hubiese impuesto una interpretación concreta creo que no se habrían llegado a los mismos resultados.

5. ¿Hay una intención de comunicar a la audiencia o están los intérpretes demasiados centrados en sí mismos para conseguirlo?

Tal vez porque la base de los intérpretes es que son bailarines y no actores no se cae en el propio regodeo expresivo del intérprete. Transmiten a la audiencia sin ser superficiales, notando que hay un trabajo interpretativo profundo detrás pero que no les impide cegarles en el resto de cosas que suceden a su alrededor.

Considerando otros aspectos escénicos:

1. ¿Es el decorado o la iluminación relevante para expresar la idea?

Sin ser un contexto figurativo al tema, la escenografía refuerza todo el sentido poético de la obra. El suelo forrado de hojas secas con las que interactúan los bailarines, en las que se dejan rastros tras el paso de los vestidos a punto de caer aportan belleza y significancia. No existen grandes cambios de iluminación lo que hace que el gran espacio esté presente durante toda la obra y se pueda ver el


escenario lleno de bailarines o a la pareja protagonista en la enormidad de la totalidad espacial.

2. ¿Adquiere demasiada importancia o pasa desapercibido?

Aporta a todo el conjunto de la obra pero no eclipsa al todo, todos los elementos se integran equilibradamente siendo todos importantes pero no destacando demasiado unos respecto a otros.

3. ¿Todo el atrezzo justifica su presencia?

Todos los objetos que aparecen se incluyen en la coreografía (sábanas, aparato de música, muñeco, almohadas, etc.) se abandona el sentido meramente decorativo y se utiliza como un elemento coreográfico más.

4. ¿Es el vestuario relevante a la idea y el estilo de la danza?

El vestuario entra dentro del que caracterizan las creaciones de Bausch, en una historia que habla sobre hombres y mujeres estos aparecen con grandes vestidos y trajes que acentúan su masculinidad o feminidad respectivamente.

5. ¿es el maquillaje un elemento importante?

No, al menos con la calidad del video que he podido ver el maquillaje no parecía demasiado importante para el conjunto de la obra.


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