analisis peliculas

5/11/2018 analisis peliculas - slidepdf.com

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Universidad Científica del Sur

Facultad de Comunicación y Publicidad

Curso: Lenguaje Audiovisual

Profesor: Edgardo Guerra

Alumna: Ximena Gonzales

Ciclo: Tercero

Mayo de 2011



Cine y Discriminación

La Teta Asustada

Se ambienta en un barrio periférico de Lima, donde los integrantes mezclan sus

tradiciones ancestrales con tintes de la globalización. Fausta mantiene una

estrecha relación con su madre indígena y es básicamente un personaje

desamparado. Por un lado, no tiene dónde enterrar a su madre, por otro, se ve

imposibilitada de conectar

emocionalmente con las personas de su

entorno, en especial con los hombres.

Crece en ella una fuerte melancolía de la

que sus parientes son testigos. Como

telón de fondo, el rumor del mal que la aqueja es vivido como estigma y es una

gran fuente de sufrimiento de hondo significado femenino.

Fausta canta para conjurar su mal. Para ello utiliza su lengua materna, el

quechua, que es el cordón que la ata a la teta de su madre. Una teta asustada

que ella padece y que configura su desdibujada alma. Como otras mujeres con

el mismo mal, Fausta introduce en su vagina

un tubérculo, con el que espera producir

rechazo en potenciales violadores, y se

plantea la misión de dar sepultura al cuerpo

de su madre, que guarda, como reliquia, en su propia habitación. Para ello se



emplea como criada en la casa de una pianista -Aída- que ha perdido la

inspiración. La canción que la acompaña le es arrebatada por su patrona

-ocasión para que Llosa pinte el clasismo reinante en las clases pudientes de

Lima- quien se la roba, para su beneficio personal. Despojada del único

vestigio de identidad, Fausta consigue que su cuerpo expulse el miedo

contagiado por su madre y logre un equilibrio en el que tiene especial

importancia el amor callado de un hombre. El amor la redime.

Llama la atención el tratamiento costumbrista de los habitantes del barrio

limeño. Tenemos ocasión de ser testigos de modelos sociales propios de

Latinoamérica, poco reflejados en el cine que se difunde en Europa. En

ocasiones, la historia parece pintada por el realismo solamente el contraste

personas que buscar olvidar la violencia.

Aunque criticada por algunos sectores indigenistas peruanos, que acusan a

Llosa de demasiado generalista y de presentar la cultura indígena como

inferior, la película es sumamente valiosa por aspectos que van más allá de los

desdichados episodios históricos. Por una parte, muestra el resultado de la

violencia contra las mujeres como sinónimo de perder la vida. Por otra, expresa

la respuesta en una forma poética y desgarrada, en la que no pareciera dar

lugar a la esperanza. Doblemente despojada, Fausta sufre la violencia de los

hombres y de la burguesía, en un doble juego de exterminio.



El final de la película es aparentemente esperanzador: la fuerza de Fausta se

impone al dolor. Ni la fuerza ni el logro de enterrar a su madre, ni el amor

paternal de ese hombre que la protege en silencio calman los sentimientos que

ya se han asentado en el corazón de los espectadores. No importa el

antagonismo indígena/blanco, quechua/castellano, pobre/rico. El tema de la

película es la violencia contra las mujeres que las deja sin alma y sin remedio.

Este tema está entroncado con enfermedades populares de Latinoamérica y

que están descritas en la medicina indo-latinoamericana. Se trata del

"síndrome del susto", que se da en situaciones incontrolables, tanto de orden

humano (violaciones, matanzas colectivas, mutilaciones) como de orden

natural (terremotos, inundaciones, incendios, aludes...).

Esta desgracia se muestra a través de la càmara, los diferentes movimientos

de camara para enfocar el rostro y las expresiones de Fausta, y no solo la

cámara, sino también se juega con las luces. Una luz un poco más oscura

connota tristeza o decepción, una luz más clara connota tranquilidad, felicidad,

etc.

Actualmente, hay centenares de casos de mujeres peruanas violadas que se

atrevieron a denunciar los crímenes de las que fueron víctimas, tanto por parte

de Sendero Luminoso como por los paramilitares. Generalmente pobres y

analfabetas, esperan una justicia que difícilmente llegue. Esta película las ha

hecho visibles.



En esta película se pueden observar diversos paneos y travellings de la

cámara. Se usan paneos para mostrar las escenas que tienen connotación muy

importante como por ejemplo cuando Fausta corta las raíces de la papa que

lleva dentro, también se utiliza paneos para la escena del matrimonio, para

mostrar a todos los invitados celebrando, para dar connotación a que las

celebraciones son grandes.

Paloma de papel

El tema de la sangrienta lucha interna que vivió el Perú es tratado en este

debut del actor Fabrizio Aguilar. A diferencia de La boca del lobo (la película

más lograda en torno al tema) aquí se presenta el conflicto desde la

perspectiva de los pobladores, testigos y rápidamente partícipes de las

acciones. La compleja circunstancia del papel que cumplieron en los hechos ha

sido retratado por el cine peruano, tanto en documentales y en el campo de la

ficción (con cintas como Ni con dios ni con el diablo o La vida es una sola).

Dentro de ellas se encuentra Paloma de papel que tiene a su favor una mayor

distancia para poder reflexionar

sobre el fenómeno. La opción de

la cinta es crear un pequeño

drama que tiene como centro la

mirada de un niño, que ajeno a

las maldades e intereses se verá

envuelto en una guerra no declarada. La mirada dentro del género es la

solución que encuentra el director para transmitir la tragedia del Perú de los

más feroces años del terrorismo.



La mirada infantil ante la dureza y crueldad del mundo en el que viven siempre

ha sido la perspectiva más inquietante. Ellos entran en conocimiento del orden

establecido solo para darse cuenta antes que otros que tal orden no existe

como se idealiza. El director Fabrizio Aguilar muestra el interés por una

narración clara en el completo sentido de la palabra (mucho de su trabajo con

Francisco Lombardi debe haber influido). Así que con una preocupación a todo

nivel arma su historia que se ensambla como un largo regreso al pasado. Ahí

vemos al pequeño Juan un niño alegre y juguetón (a pesar de su hogar en

conflicto) que con sus pequeños amigos será testigo del ingreso abrupto del

temor y la violencia a su pequeño pueblo. Son los más encarnizados años de la

escalada senderista de la cual tanto habrán oído hablar. Acaso una lejana

historia sobre la muerte de un padre o la misma carta de presentación en la

figura del alcalde ajusticiado. Mirada primaria

puesta en contacto indisoluble con la

malsana destrucción de la armonía.

Tras el aviso de llegada la vida del pequeño

Juan cambiará por completo. Colocado sin quererlo como parte de la lucha

armada como tantos otros moldeables compañeros a los cuales seguirán y de

los cuales aprenderá las doctrinas de la igualdad social (a su manera). El

sorprendido nuevo adoctrinado hasta respirará el respeto y el código cívico de

su nueva escuela, pero sin olvidar su ansia por la libertad. La moral y el orden



de grupo enfrentados al deseo inherente del control de una persona sobre sí

mismo. La película se define a sí misma como una de aprendizaje, de transito

(de manera brutal) al crecimiento. Antonio Callirgos en este caso es una

revelación y acaso lo mejor de la cinta, su constante sorpresa y tristeza infantil

son la expresión misma del dolor por la pérdida no sólo de los seres queridos y

la libertad sino de algo más allá en el horizonte vital.

Aquí vemos la interrupción de su autentica línea de crecimiento (como la del

país). Lamento por la barbarie cometida que lloran a partes iguales víctimas y

victimarios (la secuencia culminante en la plaza). Con todo, lo discreto de la

cinta (tanto en el acabado formal como en su intención de melodrama total)

tendría que prestarle más atención a esta vertiente e intereses establecidos por

Aguilar que no es otr a que el acercamiento

de circunstancias excepcionales a partir del

oficio de narrar una pequeña historia. Una

de tantas que hemos escuchado

lejanamente o visto y que configuran

apenas la dimensión completa de la

barbarie. Barbarie que hasta ahora sigue causando llanto en los recuerdos o

las vivencias de los que recién llegan, como el pequeño Juan. Heridas o

cicatrices que forman parte perenne del Perú como las más antiguas

tradiciones y símbolos patrios. Hechos para no olvidar.



Madeinusa

Madeinusa es una brillante película peruana sobre una niña de 14 años del

mismo nombre (Magali Solier) que se presenta a la elección para ser la

encarnación de la Virgen durante las fiestas

de su aldea durante la Semana Santa.

Manayaycuna, su pueblo, se convierte en un

microcosmos lleno de represión y

supercherías, salvando las distancias una

especie de Macondo donde parece que el tiempo no ha pasado, una sociedad

tercermundista anclada en su propio atraso económico y cultural. La religión

tiene un peso fundamental y en el pueblo todos se preparan para celebrar la

Semana Santa. En este perdido pueblo de la Cordillera del Perú tienen una

forma especial de celebrar la muerte de Jesús; para ellos es el Tiempo Santo, y

al estar muerto el hijo de Dios está permitido todo, incluso pecar. Pero sin que

nadie lo espere, un joven limeño llega al pueblo y tendrán que encerrar al

forastero para que no interfiera en las fiestas.



Esta es la idea de la que parte esta brillante película que con una sólida puesta

en escena nos regala unas impactantes imágenes que al acabar la película

quedan en nuestra memoria. Tras las cámara está Claudia Llosa en su

magnífico debut cinematográfico, una directora peruana afincada en Barcelona

y que firma también el guión, premiado en el Festival de Nuevo Cine

Latinoamericano de la Habana, lo que le permitió poder iniciar el rodaje de esta

brillante ópera prima premiada en festivales tan importantes como el de

Sundance o el de Rótterdam.

El título Madeinusa es el reflejo de la

fascinación que siente Sudamérica por

Estados Unidos. El nombre es similar al de

Usanavy usado en muchos de estos países

como referencia al país al que les gustaría parecerse. El atraso en el que viven

este pueblo andino –y por ende otros muchos de sus característicos- es el que

también les ha permitido mantener una propia tradición de una riqueza

antropológica y cultural enorme. Aunque Manayaycuna y sus fiestas del

Tiempo Santo sean fantasías de Claudia Llosa no deja de ser una posibilidad

que podría darse perfectamente en otra aldea perdida de Sudamérica, con esa

mezcla tan original que existe en muchas culturas de cristianismo y tradiciones

ancestrales. Por otra parte, gracias a este mismo aislamiento se mantienen

elementos patrimonio no solo de estos pueblos indígenas, sino de toda la

Humanidad. Este caso sería el de la lengua quechua que hablan diversos

personajes del film. Su uso en la película proporciona escenas carcajadas de

emotividad como cuando Madeinusa le canta una canción en quechua a



Salvador (Carlos de la Torre), el limeño. También sorprende la exuberancia de

la reconstrucción de las fiestas en las que se procesiona a Madeinusa ataviada

como una virgen. La llegada del limeño al pueblo tiene un efecto devastador

entre sus habitantes, ya que abrirá una nueva puerta a otra realidad que

desconocen en un lugar que no existe ni televisión ni Internet, provocando esa

idea de contraste entre una sociedad tradicional y otra que va perdiendo la

identidad frente a un mundo cada vez más globalizado. Pero Claudia Llosa no

es maniquea al tratar este tema, porque al retratar a estos aldeanos lo hace

con una mezcla ambigua de naif y de crueldad.

La principal virtud de la película descansa en un guión originalísimo lleno de

ideas visuales muy impactantes fotografiadas con gran clase por Raúl Pérez

Ureta, responsable también de la luz en películas como Suite Habana o La vida

es silbar, ambas de Fernando Pérez. El casting de actores andinos ha sido

también muy acertado, combinando durante el metraje el español con el

quechua lo que proporciona gran realismo a la película. En este aspecto es en

el que desentona Carlos de la Torre en el papel de Salvador, ya que sale

perdiendo frente a la naturalidad del resto del reparto.

Magaly Solier, la protagonista, debuta ante las

cámaras en esta película demostrando unas dotes

innatas y una gran fotogenia. También Liliana Chong



en el rol de Chale, la hermana que intenta hacerle la vida imposible a

Madeinusa, y Juan Ubaldo Huamán en el papel de Don Cayo, el padre de

ambas y alcalde del pueblo, merecen una mención por el gran papel que

realizan, contribuyendo a esa personal mezcla entre documental antropológico

y película de fantasía que tiene como tono la película que nos ocupa.

En fin, una muestra más de la renovación y el poderío actual del nuevo cine

latinoamericano, capaz de innovar desde dentro de su propia tradición. Una

película pequeña pero propulsada por la buena acogida de la crítica y por la

repercusión causada en festivales internacionales de prestigio.

A la directora, Claudia Llosa, le encanta usar travellings en sus películas, le

gusta usar estos elementos para mostrarle al público o audiencia lo que está

ocurriendo, para profundizar en las escenas sobretodo cuando es una escena

triste o de suspenso, también de violencia y discriminación.

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