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ÁNIMA

SAID BERMEO BAHAMÓN

PROYECTO DE CREACIÓN

ASESORA

MARÍA JOSÉ ARBELÁEZ

UNIVERSIDAD DISTRITAL FRANCISCO JOSÉ DE CALDAS

FACULTAD DE ARTES – ASAB

ARTES PLÁSTICAS Y VISUALES

BOGOTÁ – COLOMBIA

NOVIEMBRE, 2017

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TABLA DE CONTENIDO

1. ÁNIMA .................................................................................................................................. 3

2. DESCRIPCIÓN DEL PROYECTO ..................................................................................... 3

2.1 LOS 3 MOMENTOS DE LA IMAGEN ............................................................................. 5

3. JUSTIFICACIÓN.................................................................................................................. 9

4. ANTECEDENTES Y CONTEXTUALIZACIÓN................................................................ 10

4.1 ANTECEDENTES PROPUESTA PLÁSTICA. ......................................................... 13

5. PROPUESTA PLÁSTICA. ................................................................................................ 18

6. REFERENCIAS ................................................................................................................. 22

6.1 BIBLIOGRAFÍA. ......................................................................................................... 22

6.2 FILMOGRAFÍA. .......................................................................................................... 22

6.3 TABLA DE IMÁGENES ............................................................................................. 23

7. ANEXOS ............................................................................................................................ 24

3

1. ÁNIMA

2. DESCRIPCIÓN DEL PROYECTO

Ánima 1 propone una reflexión sobre la

percepción de los objetos y su efecto en el

individuo, basándose en la idea del filósofo

Henri Bergson2 y su planteamiento sobre la

percepción pura, la cual nos sugiere, que la

inteligencia actúa como un cinematógrafo y

las imágenes sintetizan el funcionamiento de

la misma. Este filósofo presenta tres

momentos que son importantes para la

comprensión del proyecto, que más adelante

expondré.

Para entender mejor el pensamiento de

Bergson traeremos a colación el estudio de

Gilles Deleuze 3 que nos servirá como

1 Alma. Energía. Lo que da aliento. Soplo de vida.

2 Henri-Louis Bergson o Henri Bergson (París, 18 de

octubre de 1859 – París, 4 de enero de 1941) fue un

filósofo francés, ganador del Premio Nobel de

Literatura en 1927. Es el filósofo francés más

importante de su época. Con Bergson se produce el

paso del siglo XIX al XX: su vida y el sentido de su

filosofía pertenecen al siglo XX. Supone un momento

de transición: superación del positivismo para plantear

una nueva filosofía y metafísica, un intuicionismo.

3 Gilles Deleuze (París, 18 de enero de 1925 - 4 de noviembre de 1995) fue un filósofo francés,

intérprete, exponiendo las ideas de Bergson

desde la mirada del cine. Deleuze

apropiándose de las nociones de Bergson,

nos propone observar el cine como un

paralelo con las imágenes mentales,

sugiriendo un sistema de observación y de

acción.

El proyecto aborda los conceptos de objeto

percibido y prolongación motriz. Es decir, los

objetos que ocupan un espacio son

susceptibles a la percepción de los individuos

y así mismo, el objeto se posibilita a actuar

recíprocamente, logrando una conexión

necesaria en el desarrollo en la producción

de una obra.

La manera en que percibimos es una forma

de enfrentarnos a la realidad. Es un acto

mecánico que por su automatismo pasa

desapercibido en el individuo. La idea de dar

por hecho nuestras reacciones a los

estímulos exteriores, nos engaña y nos

desvía de observar nuestro entorno

coaptando al individuo y su acción de crear,

hablando en este caso de la experiencia de

considerado entre los más importantes e influyentes del siglo XX. Desde 1953 hasta su muerte, escribió numerosas obras filosóficas sobre la historia de la filosofía, la política, la literatura, el cine y la pintura. https://es.wikipedia.org/wiki/Gilles_Deleuze

4

la creación desde el campo de las artes

plásticas.

Éste ha sido mi talón de Aquiles. La

incapacidad de desarrollar y creer en un

proceso perceptivo, para concretar un

proceso creativo. Esta indagación es la

inquietud que alimenta mi propuesta.

El proyecto busca reconocer un sistema

creativo o proceso de creación, una forma de

comprender el acto creativo y evidenciar un

sistema de percepción propio.

Los procesos creativos que he venido

desarrollando me acercaron a conocer los

estudios de Henri Bergson quien en su

trabajo desarrolló estudios sobre el contraste

entre la inteligencia, con la que

comprendemos el mundo y la información de

nuestra conciencia que se nos revela de

éste. Según este filosofo, la conciencia con la

que comprendemos lo real tiene dos formas

de ser capturada, a través de los sentidos

(espíritu) y a través de la lógica (materia).

Entiendo, sentidos, como memoria corporal

lo que incluye nuestro aprendizaje mental y

físico como hablar o moverse y la lógica

como la inteligencia o evolución perceptiva.

Bergson afirma que nuestra inteligencia

actúa de la misma manera que un

cinematógrafo, (Bergson, 1985, pág 672). Es

decir, que el conocimiento opera mediante

esquemas, percibe la realidad tomando un

fragmento y estudiándolo por separado.

A continuación, enunciaré la Tesis de la

Percepción de Bergson (Deleuze, 1977, pág.

79). Sobre el estudio que hace de la continua

evolución perceptiva, entendiendo aquí la

evolución como un movimiento constante de

pensamiento.

De acuerdo con Bergson la comprensión de

la realidad, mediada por la inteligencia, se

filtra en tres acciones o momentos: La

percepción, la afección y la acción. Estas

para mí, son las herramientas para crear una

nueva lectura y a su vez, insinuar una nueva

escritura sobre el objeto observado.

La percepción, “destaca del conjunto de

imágenes aquellos aspectos sobre los cuales

nuestro cuerpo podría actuar (…) La imagen

reflejada por una imagen viviente se

denominará, precisamente, percepción”.

(Martin, ARETÉ, Revista de filosofía. 2010.

Págs 56-62). La afección, “es una impresión

5

sobre nuestro cuerpo que nos sugiere alguna

reacción (…) cada afección es una invitación

a actuar, que puede ser aceptada o

rechazada.” (Martín, 2010).

La acción es la evolución creadora. Para

Bergson “(…) La sucesión paulatina es un

hecho indiscutible” (Martín, 2010). La acción

es entendida aquí como el resultado de la

“prolongación motriz”, (Martín, 2010)

sugiriendo que todo objeto que habita en una

imagen (espacio percibido por el ojo), es

susceptible de construir una nueva lectura

inspirada por el objeto. La acción conseguida

con el objeto desde el individuo, es un

encuentro personal.

A partir de lo mencionado anteriormente, me

interesa plantear y observar la existencia de

un sistema de percepción que está inmerso

en el individuo, una relación cercana de

nuestra observación con los objetos del

entorno.

Esta relación subjetiva entre el individuo y el

objeto se retroalimenta y permite una

correspondencia o una nueva lectura que

finaliza en una conexión, permitiendo una

acción, una proyección del pensamiento en el

espacio.

Por ejemplo: bailar, pintar, escribir, filmar o

grabar, en mi caso animar.

2.1 LOS 3 MOMENTOS DE LA

IMAGEN

Como ya lo había anticipado, para

comprender y trasladar el pensamiento de

Henri Bergson y determinar su importancia

en el proyecto, me referiré a los estudios

hechos por Gilles Deleuze y su comprensión

del ejercicio perceptivo adaptándolo a la

imagen-movimiento. (Deleuze, 1983, pág

92).

Para Deleuze, los momentos que determina

Bergson, corresponden a tres tipos de

imágenes: la imagen- percepción, la imagen-

afección y la imagen- acción.

La imagen-percepción, la determina como el

encuadre, la selección o la preferencia del

sujeto (cámara).

La imagen-afección, se encuentra en medio

de la imagen- percepción y la imagen- acción

y es la fuerza que exterioriza o modifica la

causalidad del el objeto en una cualidad

6

pura, es decir, la afección es la sensación e

influencia que produce el objeto en el sujeto.

La imagen-acción, es la prolongación motriz

intrínseca en el objeto, deviene de la afección

y es el resultado del proceso cognitivo del

individuo.

Tras estudiar los conceptos propuestos por

Henri Bergson y Gilles Deleuze puedo inferir

que existe un sistema que percibe el entorno

y explica las muchas maneras de reacción a

los estímulos que llegan del exterior, del cual

el individuo se alimenta para formular ideas

ante lo real u objetivo.

En este contexto la animación, es un ejercicio

que encierra en sí, los principios antes

mencionados y se convierte en una metáfora.

El sujeto perceptivo de Bergson, es el objeto

perceptivo de Deleuze, estos tienen en

común la observación, la afección y la

acción. Así como, el individuo observa, es

afectado intelectualmente y se manifiesta

creando una acción, la cámara observa, es

afectada técnicamente y responde

registrando un movimiento o instante.

De esta manera, la animación permite

desarrollar nuevos espacios donde los

objetos del entorno, nos muestran su

prolongación motriz, es decir, ésta técnica

permite desarrollar una acción con un objeto

percibido en el encuadre escogido, creando

imágenes en movimiento, un tiempo lineal

dividido en instantes.

La animación, es un acto mágico, como lo

afirma el director checo, Jan Svankmajer4, “El

animador es un chamán” (Svankmajer,

2012), hay un poder mágico en tomar objetos

inertes y darles vida a través de la cámara,

dotarlos de alma, dotarlos de vida, de esa

energía interior que produce el movimiento.

Esa fuerza interior, el ánima.

La animación es una técnica que no necesita

de guiones o libretos, se puede prescindir de

esto porque la naturaleza que me interesa no

es la de contar historias. Es necesario

entender que, para tal ejercicio, no es

imprescindible trabajar con las descripciones

de un argumento o un libreto. La animación

4 Jan Švankmajer (Praga, Checoslovaquia, 4 de

septiembre de 1934) es un artista y creador

cinematográfico checo, de temática

principalmente surrealista. Es conocido sobre todo

por su trabajo creativo en el campo de la animación,

donde mezcla diferentes técnicas, como el stop

motion y el rodaje en imagen real, para crear obras

inquietantes y sugestivas que pueden ser

interpretadas de diferentes formas.

7

se sostiene en sí misma dado lo mágico de

su acción, se simplifica en el gesto y la

apropiación técnica, como nos lo sugiere el

mencionado director, quien, en su libro Para

ver, cierra los ojos, nos cuenta que, en la

mayoría de sus producciones, a menudo se

apartaba de su guía escrita para darle paso a

la expresión y a improvisar. Trabajos como:

Juego de piedras, Picnic con Weissmann o

Comida etc.

Sin embargo, pienso que el hecho de que no

exista un guión no necesariamente es

sinónimo de la posibilidad de no contar una

historia…para mi, creo que, a pesar de no

existir una trama en la historia o la

narratividad de una animación, en este caso

no está condicionada a un esquema previo,

pero se va dando en la medida que cada

escena sugiere la siguiente.

Otro ejemplo es el director de cine David

Lynch5, con sus trabajos realizados durante

sus estudios en la universidad como: El

5 David Keith Lynch (Missoula, Montana, Estados

Unidos, 20 de enero de 1946), conocido como David

Lynch, es un director de cine, actor, productor

de música electrónica y guionista estadounidense. Su

actividad artística se extiende asimismo al terreno de

la pintura, la música, la publicidad, la fotografía, e

incluso el diseño de mobiliario.

alfabeto o Six men getting sick. Donde utiliza

la imagen-movimiento para fragmentar el

tiempo con movimientos libres y sin

argumentos. Explosión de símbolos

incoherentes como imágenes oníricas

surrealistas.

Otros referentes con los cuales me he

encontrado son: Hans Richter6 y Man Ray7.

Lo interesante de Richter y Ray en sus

vídeos, es la manera en que con sus

elementos minimalistas muestran una

animación cruda y directa, sin preocuparse

por la coherencia de un movimiento fluido,

continuo, plano a la visión y más bien

enfatizando en el movimiento espontáneo,

estimulante óptico, que se advierte en la

pantalla. Algunos trabajos de Hans Richter

son: Rhythmus 21 y 23 de 1921 y 1923

respectivamente y Ghots for breakfast de

6 Hans Richter. (Berlín, 1888-Muralto, 1976) Pintor y

cineasta alemán, nacionalizado estadounidense.

Estudió en las academias de Berlín y Weimar y se

adhirió al dadaísmo de Zurich.

7 Man Ray, seudónimo de Emmanuel

Radnitzky (Filadelfia, 27 de agosto de 1890 - París, 18

de noviembre de 1976) fue un artista modernista

estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera

en París (Francia). Fue un importante contribuyente a

los movimientos dadaísta y surrealista, a pesar de que

sus vínculos con cada uno eran informales.

8

1927. De May Ray, Le retour a la raison de

1923.

Por otro lado vale la pena citar animadores

colombianos que son relevantes en la historia

del oficio de animar en nuestro país. Algunos

son, Carlos Santa8 o Fernando Laverde9

8 Carlos Santa (Bogotá, 1957) es considerado un mago del dibujo, un creativo del mundo irreal y un visionario del arte audiovisual. Sus trabajos, tanto en el cine como en la pintura, son soportes para su imaginativa y versátil creatividad. En sus obras pictóricas exalta el valor de la línea, surcando la materia de donde nacen las formas, sus saltimbanquis, sus personas de circo. Todo va conformando una escritura pictórica fuerte y a la vez una carga juguetona de formas que se encuentran y se relacionan progresivamente. (…) Una asociación de Chagall es posible y también con figuras que en algún lugar de la memoria existen, tal vez recuerdos de los duendes de cuentos de hadas; tal vez son expresiones que afirman una individualidad que le es propia y donde los límites no existen y si existen son traspasables siempre. (…) Así, su trabajo cercano al cine, con la preocupación del papel que el tiempo juega en la vida y en la plástica, Santa muestra el lado oculto de la velocidad, de las ciudades que se destruyen y como Chagall, personajes sin tierra pero con peso en el espacio. facebook oficial. 9 Fernando Laverde. En 1955 ingresó a la televisión nacional de Colombia y en 1956 obtuvo el Premio Cámara de Plata al mejor productor de televisión de ese año. Residió en España entre 1965 y 1969 y trabajó en el estudio de animación de Radiotelevisión Española, donde se formó como fotógrafo cinematográfico. Fue el primer director de animación en realizar en Colombia un largometraje en la exigente técnica de Stop Motion. Guiado por su curiosidad y su interés en el cine, Laverde aprendió empíricamente animación, creando una empresa de producción familiar que le permitió realizar proyectos ambiciosos a bajo costo. Su extensa filmografía, que no sólo incluye obras animadas, incluye los largometrajes La pobre viejecita (1978), Cristóbal Colón (ganadora de un

Por otro lado, los artistas citados comparten

la no narrativa lineal, hacen de la animación

un juego expresivo, una lúdica con el medio,

que hace de sus trabajos siempre actuales.

Estos referentes son fundamentales en el

desarrollo de mi proyecto, dado que tienen

en común el ejercicio de animar sus propios

elementos y a partir de estos ejemplos,

planteó la creación de una visión propia de la

animación.

Figure 1. Alice 1989, Jan Svankmajer.

premio Coral en el Festival de la Habana de 1982) y Martín Fierro (realizada en coproducción con Argentina en 1989). . La exhibición de su obra en festivales cinematográficos alrededor del mundo ha sido carta de presentación de la cultura colombiana, reconocida como fundamental por la Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano. https://fernandolaverde.blogia.com/

9

Figure 2 Flora, 1992. Jan Svankmajer.

Figure 3 The Alphabet, 1968. David Lynch.

Figure 4. Six men getting sick, 1966. David Lynch

3. JUSTIFICACIÓN

Durante mucho tiempo, estuve en la

búsqueda de la imagen. Una imagen que

sentía esquiva. A pesar de las indagaciones

realizadas no encontraba respuestas o un

motivo para continuar con esta exploración.

Entiendo ahora que la razón de mi extravió

consistía en no tener claro un “proceso

creativo” una metodología perceptiva, una

manera de articular mi investigación en sus

diferentes etapas, desde una percepción

consciente para enfrentar los desafíos que

conlleva el desarrollo creativo. De esta

manera pasé de pinturas a dibujos, a

recortes, a collage, sin encontrar la forma de

manifestar mi ejercicio comunicativo. Los

objetos y las imágenes estáticas no adquirían

la fuerza para incitar en mí la capacidad de

comprender la acción precedida de la

percepción. Era, citando al Joker de Nolan10,

“Un agente del caos (…) yo solo hago

cosas”.

Al conocer los planteamientos del

Situacionismo, me di cuenta, que mi proceso

10 Batman, el caballero oscuro. Cristofer Nolan. 2008.

10

caótico podía llevarme a algún lado, solo era

detenerme y observar la conexión que unía

todo ese caos. Ése andar circular por el que

me movía sin ser consciente.

Y ése sendero oculto por donde siempre

andaba era el ejercicio del recorte, de

sustraer la fracción de toda esa explosión de

imágenes contemporáneas que genera la

sociedad de consumo. Observé que las

imágenes de mi proceso podrían ser

articuladas desde las postulaciones de

Bergson, el objeto y su prolongación motriz,

adaptada en la imagen-movimiento planteada

por Deleuze.

Intuí que dentro de este desarrollo, ha sido

fundamental la importancia de lo táctil y la

materialidad que se hicieron más evidentes y

sinestésicamente observadas a partir de las

animaciones. De esta manera el contacto con

los materiales y con los objetos en la primera

parte del desarrollo, dentro del proceso, ha

sido una constante y han tomado cada vez

más importancia en la exploración de su

prolongación motriz.

La razón de proponer este proyecto radica en

la importancia de observar y evidenciar un

proceso cognitivo y perceptivo, para entender

un desarrollo creativo propio.

4. ANTECEDENTES Y

CONTEXTUALIZACIÓN

El acto de animar en mi proyecto es la

manera de agrupar trabajos o procesos que

he realizado durante mi búsqueda de la

imagen. La animación permite apropiarme de

todos los elementos que he venido

acumulando y desarrollando a lo largo de mi

investigación personal.

En un primer momento éste proceso, fue un

hacer sin entender, sin dirección, a la deriva.

“La deriva es entendida como una técnica de

progresos inacabables a través de

escenarios varios. Guy Debord”.11

11 Guy Ernest Debord, 1931-1994. Filósofo, escritor y

cineasta francés. Miembro de la internacional letrista,

del grupo radical de posguerra socialismo o barbarie y

fundador y principal teórico de la Internacional

Situacionista.

Todovanguardias.blogspot.com.co/2012/situacionismo

.html

11

Entendí esta búsqueda o deriva, desde la

mirada Situacionista 12 , cómo un

planteamiento de lo geográfico que, puede

ser trasladado a lo plástico, en donde el

pensamiento es un territorio de ideas, y el

individuo puede verse perdido. Debord nos

dice al respecto:

“Una o varias personas que se entregan a la

deriva renuncian durante un tiempo más o

menos largo a las motivaciones normales

para desplazarse o actuar en sus relaciones,

trabajos y entretenimientos para dejarse

llevar por las solicitaciones del terreno y por

los encuentros que a él corresponden”.13 En

12 El movimiento Situacionista o situacionismo sería la

denominación de pensamiento y la práctica en la

política y las artes, inspirada por la Internacional Situacioniasta 1957-1972. Esta corriente, cuyo

planteamiento central es la creación de situaciones,

emergió debido a una convergencia de planteamientos

del Marxismo y de Avant-garde como la internacional

Letrista y el movimiento para una Bauhaus Imaginista.

Una definición sería: Situacionista, todo lo relacionado

con la teoría o la actividad práctica de la construcción

de situaciones.

Todovanguardias.blogspot.com.co/2012/situacionismo

.html

13 Teoría de la deriva. Guy Debord. 1958. La deriva

propone una reflexión a las formas de ver y

experimentar la vida urbana dentro de la propuesta

más amplia psicogeografia (En la psicogeografía se

pretende entender los efectos y las formas del

ambiente geográfico en las emociones y el

comportamiento de las personas). Así en vez de ser

prisioneros a una rutina diaria, se planteaba seguir las

emociones y mirar a las situaciones urbanas en una

otras palabras, ir a la deriva es una forma de

aprender desarticuladamente.

La acción de animar es un desplazamiento o

un consecuente movimiento de mis

anteriores encuentros con los materiales y es

una herramienta para entender un lenguaje

propio. Así mismo el desplazamiento está

implícito en el ejercicio de la animación y es

un instrumento propio del medio.

Ahora bien, tratando de construir y comunicar

revisando mi proceso (a la deriva), donde he

pasado por varios métodos como pintura,

dibujo, collage, objetos, evidencio que

recortar ha sido una acción constante dentro

del mismo y un ejercicio que trae y sustrae

imágenes del entorno para dejar de ser lo

que han sido hasta ese momento y a partir

de esta acción, crear una nueva lectura

mediante composiciones libres, en las que

encuentro una prolongación motriz.

Mi interés está en la manera de percibir y

cómo estas imágenes se descontextualizan y

transforman a partir del ejercicio de

movimiento, reanimación y recreación, para

forma nueva radical.

Todovanguardias.blogspot.com.co/2012/situacionismo

.html

12

posteriormente ser reinterpretadas.

Anteriormente había explorado esta técnica

de animación realizando algunos cortos,

entre ellos: Abriendo la mente con musuca,

No soy nada (video musical), La cosa pelua o

Querido enemigo, intentos que exploraban la

imagen en movimiento.

Figure 5 Abriendo la mente con musuca. Animación 2010

Figure 6 No soy nada. Animación 2012

Figure 7 La cosa pelua. Animación 2016

Figure 8 Querido enemigo. Animación 2017

13

4.1 ANTECEDENTES PROPUESTA

PLÁSTICA.

La propuesta formula la idea de presentar

una serie de animaciones reparando en el

pensamiento de Henri Bergson sobre la

Imagen-acción, complementando la idea con

Gilles Deleuze y su concepto de la imagen-

movimiento.

Teniendo en cuenta lo descrito en la

Justificación, Ánima recoge, materiales de

muchos momentos de búsqueda durante mi

proceso que por mucho tiempo se centró en

reconocer un método con el que me sintiera

identificado y original. Una idea romántica

que me hizo vagar a la deriva, perdido entre

pensamientos y técnicas.

Ejemplos como: Pinturas.

Figure 9 Droids. Acrlico sobre tela. 2.007

Seres artificiales somos ahora,

Repetidos, reproducidos.

Fabricados de a miles por hora,

Como humanos abducidos.

14

Figure 10 Sin titulo. Oleo sobre papel.

Seres planeados, diseñados,

Para un fin en la sociedad.

De sentimientos rotos dañados,

Llenos de soledad.

En acrílico pintados,

Líneas, puntos, manchas.

Libres de humanidad, desolados,

Esclavizados a sus anchas.

Transformados, manipulados, planeados,

diseñados.

Socialmente controlados y naturalmente

resignados.

Collages con planos electrodomésticos.

Figure 11. Slaves. Collage. 2.008

15

Figure 12 Slaves. Collage. 2.008

Recortes de planos, lápiz y colores,

Que configuran nuevas composiciones.

Retratos de personas, mis familiares,

Líneas, tramas, diferentes emociones.

Collage con cartillas de cursos

industriales.

Figure 13 Máquinas musicales que no hacen música. Collage con detalles de cartillas

industriales sobre madera. 2015.

Detalles de artilugios de cartillas industriales,

Creando máquinas de diseños especiales.

De papel son máquinas musicales,

Que recuerdan satélites o naves espaciales.

16

Recortes de revistas

Figure 14 Iggy Plop. Recortes de revistas. 2017

Figure 15 Superame. Recortes de revistas. 2017

17

Figure 16 ¡Que divertido! Recortes de revistas. 2017

Y de revistas salen imágenes, de moda, de

moldes, de modelos

Que mejoran nuestros genes,

convirtiéndonos en entes modernos.

Siempre amarrados, con deudas y mentiras.

Viviendo marraneados, ideas capitalistas.

Entre otras técnicas de experimentación.

Figure 17 Sin título. Hierro y madera. 2004.

Figure 18 Optimus.Collage y pintura sobe papel. 2.009.

18

Y así perdido entre procesos, buscando que

comunicar.

Experimentando, rompiéndome los sesos, sin

saber como explicar.

5. PROPUESTA PLÁSTICA.

El proyecto esta contextualizado, desde la

mirada de dos filósofos Henri Bergson y

Gilles Deleuze y lo que me interesa es

encontrar una manera de entender

interiormente lo que son las artes plásticas,

que de alguna manera me llevo mucho

tiempo. Ánima es la conclusión de la

indagación de todo este tiempo en la

academia, ir buscando, buscando, semestre

tras semestre, este indagar a la deriva. A

través de esta lectura de la ideas de Bergson

me di cuenta que a mi me faltaba una

metodología de una percepción consiente,

necesaria en nuestra profesión como artistas

que describa, como se percibe el objeto, y a

su vez, éste que nos dice a nosotros. Esto

es lo que trate de formular y solucionar en

este trabajo.

A partir de los planteamientos de Henri

Bergson que habla de la percepción y como

actúa la inteligencia cuando percibimos los

objetos, trazo, desde los tres tiempos, la

percepción, la afección y la acción, el

principio de producir una obra.

Bergson habla que la inteligencia funciona

como un cinematógrafo donde se toma el

objeto, se registra y ese registro termina en

una acción. Gilles Deleuze estudiando las

exposiciones de Henri Bergson, las traspaso

a la imagen y lo que hace es demostrar ese

principio a partir de la imagen movimiento

que en su traducción es el principio del cine,

del video.

El individuo perceptivo de Bergson es el

objeto perceptivo de Deleuze. El sujeto

cambia por el objeto, cambia por la cámara.

Es un ejercicio que se vuelve una metáfora

del concepto de percepción, donde

encontramos los tres momentos

mencionados.

.

19

Retomando todos los elementos con los que

traté de hacer la tesis anteriormente; collage,

pintura, dibujos, lleve mi proceso al

planteamiento expuesto en el movimiento

situacionista ubicando la obra desde la teoría

de la deriva, postulada por Guy Deboard. Un

concepto desde lo geográfico que describe

la pérdida a la deriva del individuo,

interpretandolo en el plano mental, para

comprender esa deriva de pensamiento, de

técnicas.

Con esta investigación quise poder

entender la profesión en la que me estaba

involucrando que era lo más importante para

mi, poder encontrar una manera de

percepción consiente para poder darle un

valor a los objetos y recrearlos; ejercicio que

me hizo entender que los objetos ya no se

crean sino se recrean. Y entonces en ese

divagar y con ese desorden técnico encontré

el orden en lo que es la animación y el video.

Todo es un collage tanto de imagen como

sonido. La técnica del video me da la

posibilidad de darle orden a esas imágenes,

a esos recortes, a esos cadáveres de un

entorno consumista que se encuentran y lo

que hago es unirlos en un pensamiento no

muy lógico cuando se hace la animación sino

es precisamente la misma animación la que

produce esa lectura más fácil, más digerible

sobre la imagen.

Todo esto me lleva a experimentar con

diferentes materiales, imágenes, ritmos,

espacios y tiempos.

A lo largo del proceso de creación, la imagen

tiene un papel fundamental que en cada

nuevo encuentro enriquece mi relación

potenciando y sugiriéndome la acción interior

del objeto, una prolongación temporal o

también un movimiento espacial. El resultado

de toda esta experimentación convergerá en

el recurso de la animación, que articula los

diferentes momentos de creación.

La Animación me permite trabajar con

distintas estrategias, unir el caos técnico en

un orden mental, así como, reunir todas

aquellas metodologías y pensamientos

dispersos que me impiden observar la

realidad y obstaculizan el pensamiento

creativo. La animación me concede unir

elementos fragmentados para crear

20

momentos en el espacio enfocado en la

cámara y crear Imágenes-movimiento sin

pretensiones, que rememoran viejos

movimientos creados en el video

experimental14.

En la propuesta se mostrarán animaciones

donde encontraremos los conceptos

señalados, puesto que en el mismo ejercicio

está implícita mi propia percepción ante las

imágenes u objetos acumulados, así como la

afección que éstos me producen dando como

resultado la serie de imágenes-movimiento

presentadas. La selección expuesta contiene

las relaciones de movilidades libres sin

argumentos ni guiones, una serialidad de

símbolos o iconos que se desplazan en la

pantalla de forma autónoma, a la deriva que

guarda en sí la naturaleza de la

incertidumbre. Los cortos se apropian del

lenguaje del video para crear un

complemento de la imagen.

14 El video experimental trata de indagar en el

lenguaje propio de la imagen en movimiento y sus

características expresivas y formales. En los años

sesenta presentó una importante vertiente crítica en lo

social y político, dando lugar a imágenes con

intencionalidad estética y contenido reivindicativo.

Httpmasdearte.com/espesiales/videoarte-quien-

desde-cuando-y-para-que/

El vídeo es, una disciplina estética y como tal

se precia de sus propias herramientas, que

son entre otras, el sonido, los efectos y el

montaje.

El sonido, se propone como un elemento

separado, vibraciones aisladas de la imagen,

fragmentos de experimentos disonantes, un

collage de estímulos sonoros jugueteando

entre bullicios aleatorios y cotidianos,

evidenciando un extravío sinfónico.

Los efectos, como herramienta propia del

vídeo se integrarán para darle un mayor

carácter y me permitirán jugar con la textura

visual.

Estos dos elementos, imágenes y sonido, se

acoplan mediante una herramienta esencial

del oficio del video como lo es la edición con

el cual se finalizará el método mencionado en

las anteriores páginas, para el proyecto. Con

el último paso se integrarán los procesos

anteriormente descritos caóticos y a la

deriva, dispuestos en un nuevo orden de

escenas cortas y oníricas, inconscientes,

como pequeños sueños surrealistas.

A parte de la relación del encuentro de las

imágenes cortadas, fragmentadas o

21

separadas de su contexto, podemos observar

que las animaciones evidencian un contenido

a partir de la cartografía. Mapas, líneas,

entrecruces, encuentros de varios vínculos

entre imagen, recortes, ubicación, que se

logran conectar desde el mismo concepto de

la deriva. Un recorrido sobre instantes,

fragmentos de una temporalidad dentro de un

espacio, que logra llevar esas imágenes un

paso tras otro para llegar a un encuentro

final. Un espacio que se repite, se divide, se

multiplica, pero que mantiene una

secuencialidad que hace reflexionar sobre la

continuidad. Espacios que encierran un

principio y un fin como resultado de un

ejercicio de expresividad.

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6. REFERENCIAS

6.1 BIBLIOGRAFÍA.

Bergson, Henri. 1985. La evolución creadora. Ed, Aguilar. Madrid. España.

Deleuze, Gilles. 1977 Materia y vida. Alianza Editorial. Madrid. España.

Deleuze, Gilles. 1983. La imagen-movimiento. Ediciones Paidós. Barcelona. España.

Martín, Jorge. 2010. Revista ARETÉ. Pontificia Universidad del Perú. Lima.

Svankmajer, Jan. 2012. Para ver, cierra los ojos. Pepitas de Calabaza. La rioja, España.

6.2 FILMOGRAFÍA.

Jan Svankmajer.

Juego de Piedras, 1965.

Picnic con Weissmann, 1968.

Comida, 1992.

Alice, 1989.

Flora, 1992.

David Lynch.

The alphabet, 1968.

Six man getting sick, 1966.

Hans Richter.

Rhythmus 21, 1921.

Rhythmus 23, 1923.

Man Ray.

Le retour a la raison, 1923.

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6.3 TABLA DE IMÁGENES

Figure 1. Alice 1989, Jan Svankmajer. Figure 2. Flora, 1992. Jan Svankmajer.

Figure 3. The Alphabet, 1968. David Lynch. Figure 4. Six men getting sick, 1966. D Lynch

Figure 5. abriendo la mente. Figure 6. no soy nada

Figure 7. la cosa pelua. Figure 8. querido enemigo

Figure 9. droids. Figure 10. sin titulo

Figure 11. slaves Figure 12. slaves .

Figure 13.Máquinas musicales que no… Figure 14. iggy plop.

Figure 15. superame Figure 16. ¡que divertido!

Figure 17. optimus.

Figure 18 sin titulo.

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7. ANEXOS

Ánima (Abstract)

Said Alfonso Bermeo Bahamón. Código 9929603.

Propone una reflexión sobre la percepción de los objetos y su efecto en el individuo, basándose en la idea del

filósofo Henri Bergson y su planteamiento sobre la percepción pura. El proyecto aborda los conceptos de

objeto percibido y prolongación motriz. Es decir, los objetos que ocupan un espacio son susceptibles a la

percepción de los individuos y así mismo, el objeto se posibilita a actuar recíprocamente

La animación, es un ejercicio que encierra en sí, los principios antes mencionados De esta manera, la

animación permite desarrollar nuevos espacios donde los objetos del entorno, nos muestran su prolongación

motriz, ésta técnica permite desarrollar una acción con un objeto percibido en el encuadre escogido, creando

imágenes en movimiento.

Mi proyecto es la manera de agrupar trabajos o procesos que he realizado durante mi búsqueda de la imagen.

La animación admite apropiarme de todos los elementos que he venido acumulando y desarrollando a lo largo

de mi investigación personal. Busca reconocer un sistema creativo o proceso de creación, una forma de

comprender el acto creativo y evidenciar un sistema de percepción propio.

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