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APUNTES.

“EL DISCURSO ESCÉNICO EN UN GUIÓN”

ALIÚ GARCÍA

Versión 1 de 1998 Versión 2 de 2008

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ÍNDICE

Prólogo: El guión como relato.

1. El discurso Escénico en el guión

1.1 Códigos Cinematográficos: Los códigos visuales, sonoros y sintácticos

1.2 Los símbolos y las metáforas

2. El Discurso escénico como enunciado del relato

2.1 Los códigos dramáticos y narrativos

2.2 Los códigos Estéticos y de Integridad.

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El discurso escénico en el guión cinematográfico. El guión cinematográfico, es aquel texto dramático que se interesa principalmente por asociar varios modelos expresivos como una forma de presentar la ficción, creando así una narrativa propia. También podemos hablar del guión como una narración Diegética que encierra en sí misma la Mímesis que representa. Vale decir que es al mismo tiempo una Mímesis, ya que la imitación de la acción se realiza por medios dramáticos a través del actuar de los propios personajes implicados en tal imitación, y un relato como una Diéresis (del griego Relato), puesto que constituye todo lo que la historia evoca y provoca al ser representada. Es decir, que en este caso La Diégesis vendría siendo la historia tomada como la lectura del un filme tal y como se elabora en el espíritu del espectador. El discurso escénico en el relato, como un enunciado fílmico y cinematográfico se refiere a lo que define la fisonomía o apariencia particular que tendrá el filme, ya que su contenido es expuesto a partir de una narración cinematográfica que establece el ritmo, la dinámica y el colorido que tendrá la película. En este sentido el cine también es heterogéneo, intervienen en él, las configuraciones significantes específicas y otras que nada tienen de específicamente cinematográficas. Estas configuraciones cinematográficas son las que muchos (BARTHER, METZ) llaman códigos. Pasemos entonces a citar brevemente una serie de códigos que están directamente ligados a un tipo de materia de la expresión, determinando así varias áreas expresivas en el cine. 1.1 Códigos Cinematográficos: Visuales, Sonoros y

Sintácticos. El discurso escénico es la forma de organización estética de los elementos visuales, sonoros y sintácticos que constituyen el atractivo de un guión. Es decir que un relato y el discurso además de contarnos la historia, asumen también la función de expresar aquellas circunstancias que visualizan la producción del espectáculo, cuyo resultado vendría siendo el filme. Por ello los códigos cinematográficos que conforman el discurso Escénico de cada filme, no constituyen puros

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modelos formales, sino que son modos de representar o introducir elementos significativos o dramáticos que permiten que un filme mantenga una coherencia o conexión lógica, un poder explicativo y esclarecedor. Son aquellos que pretenden expresar un cierto contenido más simbólico, recurriendo a varios medios expresivos. Ejemplo; la vela a color en la “Lista de Schindler”, mientras todo lo demás continúa en Blanco y Negro. Su objetivo, por lo tanto, es causar efectos de orden estético, psicológico o ideológico en el espectador al percibir el filme. Determinados códigos están directamente ligados a un tipo de materia de expresión. Podemos distinguir los que están determinados por la imagen (códigos visuales), por el sonido (códigos sonoros), y por el montaje (códigos sintácticos) 2.1- Los códigos visuales. Códigos visuales se denominan a aquellos procedimientos que intervienen directamente en la composición de la imagen. Es el caso de los modos de filmación y que solo algunos pertenecen a lo específicamente cinematográfico como serian los movimientos de cámaras, que se refieren a los distintos tipos de fijación y de movilidad que pueden intervenir en un plano cinematográfico. Sabemos que la imagen constituye el elemento básico del cine, es la materia prima de todo filme y tiene en primer lugar un valor de objetividad al reproducir lo real de modo que signifique lo que representa = denotativo. En segundo lugar la imagen le confiere al relato un valor que va mas allá de una simple reproducción, haciéndole expresar un significado imaginario que configura símbolos o ideas abstractos de orden = connotativo. Códigos de encuadre. A pesar que estos son específicos del cine puesto que también se refieren a la fotografía fija, constituyen un aspecto elemental dentro del aspecto visual. Por Encuadre nos referimos a la composición plástica del contenido de la imagen delimitada por los márgenes de cuadro y dimensionada en los grados de angulación. Encuadre frontal: situado a la misma altura del objeto filmado y que juega con la profundidad de campo, puede lograr efectos dramáticos. Ejemplo: un personaje que avanza

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lentamente a cámara hasta que su rostro abarca toda la pantalla, destacando cierto temor. Encuadre picado: situado desde arriba por encima del objeto y que en un carácter connotado puede empequeñecer o aplastar moralmente a un personaje. Por ejemplo en el filme “TRAINSPOTTING”, el guionista sugiere un momento dramático relevante de la historia, forzando en la puesta en escena a la realización de un encuadre picado, para mostrar al personaje principal “Renton” cuando en un estado de sobredosis va siendo tragado por una alfombra, o cuando lo vemos recostado en su casa mirando a un bebé gateando por el techo. Encuadre contrapicado: situado desde abajo, por debajo del objeto y que puede tener un efecto de engrandecer y elevar cierto carácter en un personaje o exaltar y magnificar cierta situación. Este tipo de encuadre es típico cuando en un Filme aparece el superhéroe, presentándolo como un “ser supremo”. Un ejemplo conocido es la presentación del personaje Kane en el filme “El ciudadano Kane” de Orson Welles. Encuadre inclinado: puede expresar cierta inquietud de un personaje. Es aquí en donde se puede quebrar el horizonte, es decir, cando alguien va mareado o va cayendo hacia un costado vemos este tipo de planos. Los distintos tipos de encuadres hacen que la imagen transforme o interprete la realidad de un modo creativo, saliéndose de un simple marco objetivo de registro. b. códigos de los tipos de planos. Los tipos de planos constituyen de manera principal la gramática cinematográfica, a pesar que también le pertenece a la pintura y a la fotografía fija. Los planos se definen a partir de la distancia que se tiene entre la cámara y el sujeto, respecto a los objetos. La elección de cada plano esta condicionada por la percepción y la narración necesaria del relato. Su función no es solamente descriptiva, sino también puede contener un significado dramático. A. Plano general: encuadre que abarca un gran conjunto muy alejado de la cámara.

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Generalmente se utiliza en tomas de exteriores o para mostrar un personaje desde los pies a la cabeza, movimiento conocido como (Tilt up). Ejemplo: Al comienzo de Paris Texas; del director alemán Win Wenders, distingue el uso del plano general para recalcar la soledad y lo desprotegido que se encuentra el personaje protagónico Travis, vagando por el desierto en busca de aquel lugar que simboliza el inicio de su vida. B. Plano conjunto: similar al anterior, pero cuyo espacio esta limitado por el decorado, (estación de trenes, un salón de baile, una sala de estar), que encuadra a uno o más personajes vistos desde la cabeza a los pies. C. Plano americano: que encuadra los personajes desde la rodilla hacia arriba. Ejemplo: tenemos a dos tipos conversando en una esquina queremos observar sus acciones, ya sea movimiento de brazos o alguna transacción, para esto realizamos este plano, que a diferencia del plano medio, es más amplio y permite mostrar lo que deseamos. D. Plano medio: que encuadra a los personajes al nivel de la cintura hacia arriba dejando un margen de “aire” como se conoce audiovisualmente, sin cortar la cabeza del sujeto. E. Primer plano: encuadre cercano de los personajes, concentrado sobre el rostro. Ejemplo: En “Historias de Nueva York”; la madre en primer plano desde el cielo. Estos planos pueden mostrar expresiones más íntimas de un personaje, o materializar un sentimiento. F. Primerísimo primer plano: encuadre muy cercano concentrado sobre una parte del rostro. Ejemplo: queremos destacar la maldad de un villano, realizamos este plano a una parte de su rostro en donde el sujeto tenga una fea cicatriz. G. Plano detalle: acercamiento determinado a un objeto o cuerpo. Ejemplo: Un tipo corre pero no puede avanzar pues es de noche y además no puede ver sin sus lentes que han quedado botados por arrancar de quien lo persigue, que hacemos para señalar o explicar el por qué no puede correr ni tampoco ver; mostramos los lentes botados y con uno de los cristales rotos (plano detalle)

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Los detalles de la cámara son de una enorme eficacia. Pueden dar estados de ánimos (labios temblorosos, ojos llorosos). c. Códigos de movimientos de cámara. El lenguaje cinematográfico es heterogéneo por que combina cinco materias de expresión diferentes: (las imágenes en movimiento, los signos escritos, las palabras o voces, los ruidos y la música). Estas materias intervienen de manera simultanea integrándose dentro del filme por medio de su composición = montaje. Una sola de estas materias es específica del lenguaje cinematográfico: la imagen en movimiento, en la cual se entregan los códigos de movimientos de cámara. Los movimientos de cámara se refieren a los distintos tipos de fijación y movilidad que pueden intervenir en un plano cinematográfico. Panorámico: cuando la cámara se mueve sobre su propio eje en sentido horizontal o vertical, sin desplazamiento del aparato. (Paneo). Las panorámicas cumplen funciones diversas tales como acompañar a un personaje u objeto en movimiento, describir un espacio o crear efectos dramáticos, como por ejemplo una panorámica circular, puede expresar vértigo, embriaguez o perturbación psicológica de un personaje. Travelling: cuando la cámara se mueve desplazándose por un espacio. Puede ser a través de la cámara en mano o de diversos soportes como el dolly, grúa, steady-cam, etc. Estos movimientos de cámara pueden utilizarse en diferentes sentidos: 1. Introducción o presentación de un espacio o personaje. (travelling hacia adelante). 2. Revelación de algún elemento importante (travelling hacia delante encuadrando a algún objeto), ejemplo; en la película “Ciudadano Kane” de Orson Welles, se encuadra en el trineo la palabra “Rosebud” cuyo significado se ha buscado durante toda la trama. 3. Conclusión o cierre de una escena. (travelling hacia atrás alejándose del espacio).

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4. Tensión o incertidumbre en una escena. (Cámara en mano como subjetivo del personaje) Zoom: movimiento que se produce por el juego de lentes en la cámara. Visualmente pareciera que nos acercamos al personaje u objeto, pero lo que en realidad sucede es que traemos al sujeto u objeto, hacia nosotros Planos secuencias: una secuencia descrita en un solo plano, donde el montaje no interviene y la cámara está en un sólo movimiento continuo. Ejemplo: “Sábado”, película chilena de Matías Bize que transcurre en calles de Santiago o “El Arca Rusa” de Alexander Sokurov, donde la cámara se pasea por el museo de Hermitage en San Petersburgo; filmes que transcurren en su totalidad en plano secuencia. d. Códigos de iluminación y color. Estos códigos constituyen un factor decisivo en la creación expresiva de las imágenes .y se refiere a los diferentes tipos de iluminación, los tratamientos de color, el blanco y negro, etc. En un orden denotativo, los procedimientos de iluminación, permiten obtener resultados realistas al reconocer los objetos o definir una cierta temporalidad (día, noche, amanecer). En un orden connotativo, tanto la iluminación como los tratamientote color, contribuyen a crear mensajes visuales con fines dramáticos o simbólicos. Crean atmósferas, subrayando y alterando ciertos objetos generando sombras y contrastes que dan la sensación de agobio, misterio, violencia, etc. Las diversas tonalidades de color pueden utilizarse como elementos narrativos al asociarse con un estado emotivo de un personaje. El blanco y negro suele asociarse aun sueño, al pasado o a un recuerdo. Con respecto a la trilogía de Bleu, Blanc y Rouge, estos filmes son buenos ejemplos de estos tipos de códigos, aquí se hace una clara referencia a los colores de la bandera de Francia y a la voz de la patria gala: Libertad (Azul), Igualdad (Blanco) y Fraternidad (Rojo).

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A. Con la libertad de Azul, todo lo malo pasa. Triunfa el amor. El espectador siente un deseo enorme de abrazar y besar a alguien muy querido. En Bleu la vida, pese a todo el horror, vale la pena vivirla. B. Con la igualdad de Blanco se reafirma lo expuesto en la cinta anterior. La vida lo vale todo, aun en las peores circunstancias. La muerte, si bien puede ser la única y desesperada salida para los que ya no saben qué más hacer, es algo que los amigos deben impedir. Fuerza, solidaridad y el mayor de los afectos. Todo pasa. Siempre viene algo mejor. Esa certeza queda en Blanc ante un final abierto, profundamente conmovedor y lleno de esperanza: el amor volverá a triunfar, habrá felicidad por venir. C. Con la fraternidad de Rojo, es imposible no emocionarse ante la última imagen. Rouge concluye magistralmente la trilogía. La vida continúa, con sus altos y bajos; con sus tragedias y sin sabores; con sus angustias y sus penas tan profundas; pero todo pasa y el amor triunfa una vez más. Siempre lo hará. Estos largometrajes de Kieslowski son un montón de piezas sueltas, que poseen riqueza, textura, tesitura y colorido que se juntan y nos muestran, no un paisaje, sino el alma humana. 2.1 Códigos sonoros Están constituidos por las voces, ruidos y sonidos musicales. Los procedimientos que regulan el área expresiva sonora son bastantes amplios, no obstante señalaremos algunos rasgos más generales. Sonido Diegético: cuando la fuente esta presente en la historia, vale decir cuando la presencia esta justificada en el relato, por que forma parte de la acción. Ejemplo: un piano que es manipulado por el personaje “El Pianista” de Roman Polanski, o alguna otra escena en donde exista una radio, una banda de música, etc., o sea una fuente presente en el relato. Sonido Extradiegético: su origen no se encuentra en la historia, ni forma parte de la acción. Irrumpe en el relato para cumplir otra función. El más claro ejemplo de esto es la música incidental. En conclusión el discurso sonoro se coloca al servicio del relato, dotándolo con una gran variedad de elementos

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significativos y expresivos que indican y representan un modo de contar la historia. Códigos musicales. La música en un filme, puede manejarse como un discurso paralelo que además de acompañar las imágenes, manifiestan una narración, ejemplo de esto personaje “El Pianista” de Roman Polanski, la escena en donde solo se escucha la música de los audífonos mientras de fondo hay una balacera que no se oye. En la actualidad la fusión musical con imágenes, crean el discurso de los micro relatos = video clip. Funciones de la música como discurso narrativo. Introducción o apertura y cierre: la música señala el momento en que comienza y termina la historia, delimitando el marco de la representación. Ejemplo: en la película “Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos” (DIR: Michael Gondry), el tema Everybody's Gotta Learn Sometimes del cantautor Beck, entre acordes, abre y cierra la cinta. Tema musical: es el conocido LEIT MOTIV (motivo guía) que acompaña a un personaje o a una situación, convirtiéndose, determinada música en un signo que los representa. Ejemplo: acompañar sueños, recuerdos, trae la presencia de un personaje. El ejemplo mas conocido de esto es la música que acompaña a Darth Vader en la cinta “Star Wars”. *El termino LEIT MOTIV proviene de una teoría que surge de Berloiz “Sinfonía Fantástica”, trataba de un joven músico que intenta envenenarse con opio en un arrebato amoroso, pero la dosis nos fue suficiente y queda sumido en un letargo de sensaciones y extrañas visiones que se traducen como imágenes musicales. -Puente o cortina: la música constituye un elemento de transición espacio temporal que sirve para separar o unir escenas, evitando romper una armonía o equilibrio. Elemento que hace disimular ciertas fracturas del montaje (cortes). -Golpe musical: efecto que se utiliza para enfatizar o subrayar ciertos momentos críticos del filme. Ejemplo: la muerte de un personaje. -Fondo musical: es la presencia de la música en 2° o3er plano sonoro, que ayuda a crear una atmósfera emotiva, ambientar una situación narrativa o generar un elemento dramático, poético e incluso sobrenatural.

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Por lo tanto los códigos que intervienen en el área sonora, pueden connotar alegría, tristeza, miedo. Un silencio (pausa) puede ser símbolo de angustia, soledad o muerte. 2.1 Códigos sintácticos Los códigos sintácticos o de montaje como también se conocen, son aquellos que esencialmente regulan la organización del material fílmico en unidades progresivamente complejas y que van constituyendo la composición final y total de un filme. Dentro de estos encontramos el montaje paralelo – que es un tipo particular de construcción secuencial que corresponde a un código específicamente cinematográfico, el del montaje y que puede intervenir también en el relato, ya que desde el guión se instaura una relación de simultaneidad entre los acontecimientos -, y el montaje lineal - donde las secuencias se ordenan según una progresión cronológica. Montaje rápido: puede connotar alegría, ira, violencia, locura. Montaje lento: puede expresar hastío, alucinación, suspenso, etc. Así mismo existen otros códigos sintácticos conocidos como: Pausa: congelado o foto fija. Fundido: enlaza sobreponiendo las últimas y primeras imágenes de dos escenas sucesivas. Ejemplo (Drácula) de Francis Ford Coppola. Elipsis: corte de imagen en donde volvemos a la misma situación u a otra, con algunos cambios, que nos indican el transcurso del tiempo. Sin solución de continuidad.

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1.2 SÍMBOLOS Y METÁFORAS.

Todo lo que se muestra en la pantalla tiene sentido, pero al mismo tiempo, la mayor parte de la veces posee un segundo significado que solo puede aflorar con la reflexión. Por ellos la mayoría de los filmes de calidad, son interpretables en varios niveles según el grado de sensibilidad, imaginación y cultura del espectador- señala Marcel Martin. El merito de este tipo de películas es que sugieren, mas allá del atractivo dramático de su acción o su profundidad humana como contenido, sentimientos o ideas que pertenecen a un orden mas general. En el origen de un 2° significado, en cada filme el uso de las metáforas y los símbolos juegan un rol muy importante. Símbolos: signos de reconocimientos que expresan correlaciones abstractas. Señales expresivas que evocan un referente, una significación. Un símbolo codifica el objeto por un signo que se asocia exclusivamente por las características materiales que le son propias. Es decir, que asocia a la vez un significante relacionado convencionalmente con un significado, permitiendo por si solo, una interpretación. En el cine, un símbolo consiste en recurrir a una imagen que sea capaz de sugerirle al espectador un valor más amplio, que el que pueda brindarle la sola percepción del contenido aparente. Hay símbolo cuando el significado reside en la imagen misma, más allá de su significado directo. Por ejemplo: la imagen de una vela que se apaga. En este caso el símbolo consiste en reemplazar al objeto (imagen de la vela), por un signo (muerte). Significante Significado directo Imagen de una vela que se apaga Una vela que se apaga Denotación = signo de muerte. Símbolos plásticos: aquellos que evocan una realidad de otro orden. Es un signo estético que provoca una analogía con el objeto expresando un sentimiento. Esto actúa sobre la emoción del espectador, que frente a esa naturaleza sufre una experiencia que le hace descifrar el mensaje.

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El mensaje o el significado que provoca un Símbolo Plástico es totalmente subjetivo, imaginario, y puramente intimo en cada espectador. Nos hace recrear el mundo a partir de una experiencia afectiva. Ejemplo: el film Bleu de Krysztof Kieslowski, que es un símbolo en el cual participan tantos códigos visuales, como de iluminación y color. Imagen de la protagonista con el rostro iluminado por el color azul del colgador. Esta imagen se convierte en símbolo que evoca la tristeza, o cuando la protagonista pasa su mano por la muralla, como sentido de lo que ocurre en su interior. También lo encontramos en el film Gladiador en donde este ejemplo de Símbolos Plásticos se traduce en borrar cicatriz. Símbolos dramáticos: son aquellos que desempeñan un papel directo en la acción al proporcionarle elementos útiles para la comprensión del relato. Ejemplo 1: Transpotting- sobredosis, personaje atrapado por la alfombra Ejemplo 2: “Cuidadano Kane”; en donde al inicio del relato se muestra un movimiento de cámara que descubre un cartel que dice “prohibida la entrada”; símbolo que subraya el sentido de la acción, que radica en imposibilidad de penetrar en la intimidad de la vida del Sr. Kane. Ejemplo 3: En el filme “Gladiador”, Maximus entierra figuras en la tierra. Ejemplo 4: En la trilogía de Kieslowski. Los colores intervienen para señalar tiempos fuertes de la acción. Símbolos ideológicos: llamados así por que sugieren ideas que superan en gran medida los valores humanos implicados en la historia. Ejemplo: En la trilogía de Kieslowski, un mismo personaje atraviesa los tres relatos, se trata de La viejita que intenta botar una botella en un contenedor de basura y no alcanza. En relación con el significado de cada color es que se establece la acción de dicho personaje: libertad (blue), igualdad (blanc), y fraternidad (rouge).

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En la película Underground de Emir Kusturica; la escena de una cruz dada vuelta mientras los protagonistas hablan de su negocio de armas y dan vueltas alrededor de dicha cruz, hace que podamos interpretar un símbolo ideológico. En el filme Trainspotting, la escena cuando el protagonista Renton se sumerge en el baño, con la intención de recuperar sus supositorios, apela a lo más bajo que puede llegar una persona por consumir drogas. Metáfora “Llamo metáfora a la yuxtaposición mediante el montaje de dos imágenes cuya confrontación debe producir en el espectador un efecto psicológico, cuyo fin es facilitar la percepción y la asimilación de una idea que se quiere expresar a través del filme”. Marcel Martin. Metáforas: concepto de semejanza, que relaciona dos imágenes con una identidad común. Marcas referenciales de alegoría que transporta un sentido mediante una comparación mental. El montaje puede expresar y generar metáforas. Esto al yuxtaponer dos imágenes, haciendo que la primera sea un elemento de la acción, mientras que la segunda hace aparecer un significado ya sea por la semejanza o arbitrariedad entere ambos acontecimientos. Montaje simbólico: un casamiento y un cortejo fúnebre, adelantando que esa unión acabara con la muerte de los cónyuges. Metáforas plásticas: los cubistas introdujeron el termino Collage en la pintura moderna para producir una reacción estética. El collage consiste en la yuxtaposición de dos o más elementos o materiales artísticos que se funden en una obra y que hacen posible el descubrimiento de una lógica que provoca una aproximación temática. Formula de Lautremont. El encuentro de “Un paraguas que hace el amor con una maquina de coser en una mesa de disección”. (Conservar). Metáforas plásticas: se basan en una analogía de estructura o una semejanza en las tonalidades psicológicas del contenido puramente representativo de las imágenes.

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Ejemplo: “La huelga”, Eisenstein hace un paralelo entre una mujer y un pavo. En Amores Perros, el cartel publicitario de la modelo antes del accidente cuando era exitosa ahora es quitado del edificio donde cuelga frente la mirada atónita del personaje de Valeria que está ahora sobre una silla de ruedas; en Bleu, la visita a la madre que ve en la TV a un viejo que se lanza con elástico del puente. Metáforas dramáticas: son aquellas imágenes que tienen una función directa en la consecución y comprensión del relato. En “Apocalipsis Now” de Ford Coppola; en la escena de la muerte del coronel Kurtz se muestra en paralelo con un rito Vietnamita donde en el momento en que le cortan la cabeza a un buey, un cuchillo atraviesa el cuello del coronel. Momento que representa el clímax de la historia. Ejemplo: Bleu, Contrapunto del que juega al borde de la carretera y el automóvil que viaja. El joven emboca y ocurre el accidente donde mueren el marido y la hija de la protagonista. Metáforas ideológicas: tiene por objeto hacer brotar una postura más amplia en la conciencia del espectador en cuanto a los problemas humanos. Ejemplo: “Tiempos Modernos” de Charles Chaplin; en la primera escena contrapone un rebañote carneros y multitud de personas saliendo del metro. Ejemplo: en “La huelga”, Eisenstein hace un paralelo entre la muerte de varios obreros ametrallados y un matadero con animales degollados. Finalmente cabe señalar que un código más específico que otro en el seno de un lenguaje, no es por ello más importante. Un filme no es más cinematográfico que otro porque utiliza un mayor número de códigos. Un mensaje puede exponer distintos contenidos a partir de una sola sustancia expresiva y también puede utilizar “varias unidades expresivas (significantes) con el fin de lograr un mismo contenido”. En el film “Apocalipsis Now”, en una escena se emplean desde lo visual, lo sonoro y lo sintáctico infinitas unidades expresivas que transmiten y refuerzan el mismo contenido. En este caso el Significado connotativo sería el Sentimiento reflexivo frente a la guerra de Vietnamn y el

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Significante connotativo: Sería el Primer Plano cenital en sentido inverso del protagonista en la escena de presentación, sobre la cual escuchamos un tema musical del grupo The Doors. Luego prosiguen Paneos de seguimiento de explosiones en los campos de cultivo de arroz por parte del ejercito norteamericano que invade las aldeas- Movimientos De cámara que son Fundidos sobre el rostro del protagonista- empleando un recurso del montaje.

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2.1 Códigos Dramáticos y Estéticos en un guión. Además de la analogía visual y sonora, se pueden citar para los filmes narrativos los códigos propios del relato como independientes de los vehículos narrativos. Los códigos que pertenecen al guión, los veremos como un conjunto de sistemas que nos permiten construir el texto desde un punto de vista y una forma determinada de contar la historia. Por lo tanto la idea de exponer ciertos códigos que se emplean en el guión, es la de manifestar un cierto modo de construir el relato. 2.1 Códigos Narrativos y Dramáticos. La dramaturgia se esfuerza cada vez mas por buscar elementos que produzcan una coherencia y una armonía en cada texto, tanto en su temática como en su representación formal. El discurso escénico como enunciado dramático/ narrativo se conforma a partir de códigos dramáticos que tienden a regular el avance del relato y a reforzar la presentación, el desarrollo y la resolución de la historia desde una propuesta narrativa. Cabe aclarar que ningún código dramático se expresa a través del uso de los diálogos. 1. La intriga de predestinación- previsión Consisten en concentrar, en los primeros minutos de un filme, lo esencial de la trama y su desarrollo hasta la resolución. La intriga de predestinación, determina la orientación de la historia fijando de algún modo la programación de los eventos que acontecerán a lo largo del filme. Un ejemplo sería el filme de Orson Welles “Sed de Mal”, donde en la primera escena se nos muestra una pareja que viaja en un auto donde un personaje desconocido ha colocado una bomba. Al cruzar la frontera entre Estados Unidos y México la bomba explota y mueren. ¿ Cómo continúa la trama? Es evidente que se trata de la investigación sobre quiénes serían los responsables de dicho asesinato y sus motivos. 2. Puntos de acción. Son aquellas acciones que hacen progresar la historia. Algo así como sucesos dramáticos que provocan una relación. Estas acciones pueden físicas y/o visuales, es decir que

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no se expresan a través del diálogo y son las que empujan continuamente la historia hacia delante. Un punto de acción es como una operación que pide una respuesta y son particularmente importantes en el segundo acto (desarrollo), porque es donde el guión necesita impulso por un tiempo mas largo. Ejemplo: El accidente en “Amores Perros”. 3. Barrera u interrupción. Se presenta cuando un personaje intenta algo que no resulta por que no conduce a ningún sitio. Las Barreras son obstáculos dramáticos que detienen la acción por un momento y fuerzan al personaje a tomar una nueva decisión, a comenzar una nueva acción o a intentar en otra dirección. Se utilizan principalmente en historias policíacas, de misterios o de acción. Ejemplo 1: “Amores Perros”, Richi el perro del personaje de Valeria se oculta bajo el piso del departamento y ella intentará sacarlo de varias formas, hasta dejar completamente destrozado el suelo. Ejemplo 2. En el filme “Tiburón” cuando los personajes tratan de atrapar al tiburón asesino con un hilo de pesca, luego intentan capturarlo con un arpón, después prueban con una jaula de tiburones, hasta que finalmente lo logran con un tanque de oxigeno dentro de la boca del animal y agregándole a esto un disparo. 4. La Complicación u implantación. Es una acción que no provoca una respuesta inmediata. Muchas veces se plantea sutilmente, algo pasa, pero la reacción no vendrá hasta un poco más tarde. Otras veces pueden ser el comienzo de una nueva línea argumental o trama secundaria. Su función suele ser la de obstaculizar el camino de la intención del personaje. Ejemplo: “Día de entrenamiento”, la billetera salva la vida al protagonista, la adquirió al inicio del filme cuando intentó salvar a una chica hispana de las manos de unos delincuentes. En el filme “Juego de lágrimas”, la complicación está representada por el rapto de un militar ingles por parte de un grupo del IRA. Este rapto proporciona el surgimiento de una amistad del protagonista, con uno de los integrantes

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del IRA y el rehén, lo cual provocara mas tarde una reacción en el personaje principal y constituirá la esencia de la trama principal y el planteamiento de una trama secundaria dentro del relato. 5. El revés u inversión. Es una acción fuerte que produce un giro de 180° grados en la dirección de la historia cambiando el curso de la historia, invirtiendo la acción o las emociones de los personajes. En muchos casos puede coincidir con el punto clímax de la estructura dramática de la historia. Es frecuente en las películas de terror, cuando todos celebran felices pensando que están a salvo y aparece nuevamente el monstruo por la ventana o en filmes policiales, cuando el detective esta a punto de abandonar el caso por falta de pruebas y repentinamente encajan dos piezas que le proporcionan la solución. También en el genero romántico cuando el o la protagonista esta a punto de morir y se recupera. El revés catapulta la historia forzándola a tomar una nueva dirección, que originara un desarrollo nuevo. Es tal el impulso que desarrolla, que raras veces se necesita mas de uno en un guión. Ejemplo: “Mente Brillante”, protagonista descubre que esta enfermo, que padece de esquizofrenia, lo cual provoca un giro fuerte en el desarrollo de la historia. Algo similar ocurre en la película “6to Sentido”, cuando el protagonista descubre que está muerto. En el filme “Los Otros”, el personaje interpretado por Nicole Kidman descubre que ella y sus hijos, a quienes asesinó, están muertos y que ellos son los que invaden la casa no los llamados “otros”. 2.2 Códigos de integridad y estéticos. Todo guionista debe utilizar la mayoría de los medios expresivos de manera tal que en el guión terminado se encuentren explicados en forma literaria todas las posibilidades y motivos de la elección de cada una de estas herramientas. Los códigos estéticos y de integridad se manifiestan como mensajes desde el relato que unifican una cierta temática o contenido en la historia, funcionando como efectos que proporcionan un sentido al guión sin ser necesariamente imprescindibles y fundamentales en su construcción.

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1. La anticipación (FORESHADOWING) y cumplimiento (PLAY OFF) Son aquellas pistas visuales o de diálogo (anticipación) que se manifiestan al inicio del relato, con el fin de plantear algo que sucederá después (cumplimiento). Anticipación es un anuncio de lo que va a suceder a largo plazo y el cumplimento seria el ajuste de cuentas. Como por ejemplo: El premio del tanque que le padre le promete al hijo en “La vida es bella” y el hombre solo que en el metro puede estar muerto durante horas sin que nadie lo note, en “Colateral”. Estos códigos de anticipación y cumplimiento se utilizan para ayudar a seguir ciertas líneas complejas de la historia, o para conseguir un efecto mayor en la solución de la trama. Todos hemos visto filmes en donde la cámara encuadra un revolver que mas tarde será utilizado para perpetrar un asesinato. Estos son ejemplificaciones bastantes obvias de la anticipación y cumplimiento. En “Apocalipsis Now”, el sonido de las hélices de un helicóptero se establece en los primeros minutos de la película sobre la imagen del protagonista y de un ventilador de techo, anuncian los sonidos de helicópteros que veremos en otro momento del filme cuando se producen los bombardeos sobre las aldeas vietnamitas por parte de los soldados norteamericanos y que representan la temática agobiante e inhumana de estas masacres durante la guerra. Ejemplo: también las imágenes sobre los explosivos, helicópteros, etc. Fundidos sobre el rostro del personaje alusivas de la temática que posteriormente se desarrollará. “Juego de las lagrimas”, una anticipación a través del dialogo que sostiene el rehén, y el protagonista, cuando le cuenta la fábula del escorpión y la rana, refiriéndose a su naturaleza bondadosa y al final (cumplimiento) vemos que el protagonista termina en la cárcel asumiendo un crimen que no cometió repitiendo nuevamente la fábula, al verdadero culpable. 2. Motivos Recurrentes o LEIT MOTIV Motivo guía (leit motiv), efecto de crear un punto de orientación para el espectador como el objeto de acentuar un cierta idea.

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Tienden a ser más temáticos y están dados por una imagen o ritmo recurrente que se emplea a lo largo del relato para profundizar o dar dimensión a la línea argumental añadiéndole relieve al tema. Estos motivos dentro del relato necesitan, al menos dos o tres apariciones para producir efectos. Su papel consiste en proporcionar en el espectador cierta concentración sobre determinados elementos que hacen que la historia adquiera cohesión. Ejemplo: “Sexto Sentido”; el frío, los muertos / en “Carácter”, la medalla del padre, el cuchillo. Se utilizan de modo metafórico para reforzar sobre alguna cierta idea central, punto de vista o temática que el autor desea manifestar en el relato. Uno de los ejemplos mas utilizados en algunos filmes, es un motivo musical y sonoro. En otros casos el tratamiento de la iluminación, “Bleu” es el azul el tratamiento que color que se reitera en todo el filme. Otro ejemplo tenemos en “El silencio de los corderos”; los capullos de mariposas que se encontraban en los cuerpos de las victimas y que coleccionaba el psicópata, como símbolos de belleza y juventud, son motivos que corresponden con el deseo del psicópata de cortar la piel de mujeres jóvenes para con ellas confeccionar trajes. En el filme “Pescador de ilusiones”, la imagen del dragón de fuego es un motivo al que se recurre para metaforizar los miedos del vagabundo, (co-protagonista). 3. Repetición u Acentuación En el cine cualquier información se pierde o se olvida fácilmente, por lo que hay que tratar de repetir aquellos aspectos que consideramos indispensables. Puede realizarse a través de imágenes, diálogos, tratamientos de los personajes, el sonido o del uso combinado de estos elementos para mantener así al espectador atento y concentrado en una idea. Toda repetición debe hacerse con variaciones. Basándonos en esto podríamos hablar del filme “Héroe accidental” cuya trama se basa en un personaje que es ladrón y traficante por excelencia, esta información se repite de varios modos. Primeramente lo vemos robándole dinero a su abogada en pleno juicio, mas tarde lo

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encontramos extrayendo tarjetas de crédito que pertenecen a la periodista que salva en el accidente y así en reiteradas ocasiones nos muestran la esencia de este personaje a través de sus propias acciones. Cumplen una función de instalar adecuadamente ciertas informaciones respecto al carácter de un personaje o de una situación, para lograr una mayor eficacia en el relato. También se utiliza como medio para dar un sentido de unidad. “Paris-Texas” El desarrollo itinerante de Travis al caminar por el desierto asociado a la tierra como lo único sólido que existe para encontrar el verdadero sentido de su existencia: se niega a tomar el avión, lustra zapatos. Su imposibilidad de comunicarse humanamente con el resto o una reflexión sobre el peligro de la civilización actual: imágenes filmadas en 8 Mm., conversación de Hunter cuando abandona el hogar, walkie-talkie, medio por el cual se comunica padre e hijo, el citófono detrás del vidrio que separa a Travis y Jane. En Transpoting, esto se traduce en sobredosis, viaje bajo la alfombra, bebé en el techo, todos en el departamento. En “Mente brillante”, los personajes imaginarios, recalcan su alucinación. 4. Contraste. Se trata de uno de los medios mas eficaces para contar algo; contraste de situaciones, de caracteres, de actitudes, haciendo que se pongan a relieve mutuamente. El contraste proporciona un efecto que ayuda a mantener el relato centrado en torno a una misma línea, por relación o por oposición de situaciones. Así mismo el contraste permite jugar con elementos opuestos y ayudan al espectador a hacer conexiones mostrando las diferencias entre una parte y otra de la historia. Cada contraste da relieve a cierta información y hace que advirtamos mejor algo, al contrastarlo con su opuesto. Ejemplo: “La vida es bella” o “Traficc”, en ambas hay contrastes, mientras en La vida es bella, ocurre la catástrofe de la segunda guerra mundial, el hijo del protagonista vive su niñez pensando en ganarse el tanque cuando termine su juego; por otro lado hay contrastes de imágenes en una historia (la del zar de la droga) cuyo tratamiento de la imagen es azulada mostrándonos lo frío de

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la situación que se vive; en otra historia; (la que sucede en México), la imagen es amarillenta, dándonos ese impresión de aridez y sequedad del lugar. Los contrates son aquellos recursos, (imágenes, o situaciones dramáticas) que son utilizados para mostrar las diferencias entre personajes, escenas, lugares, ambientes o situaciones. Podemos contrastar un personaje con otro muy diferente, o dos situaciones totalmente distintas. Así mismo los contrastes pueden figurar, dentro de un filme, en los mismos contextos en una relación de oposición, pero que se hallan eso si relacionados unos con otros. El juego de contrastes es válido para todos los aspectos del guión: lugares, ideas, ritmos, personajes, situaciones, etc. Para que este recurso sea efectivo, no solo es necesario que dos aspectos difieran el uno con el otro, sino que esta diferencia sea referida a algo común ente ellos. Como ejemplos podemos mencionar las escenas descritas con anterioridad para ejemplificar el uso de las metáforas en los filmes: “Apocalipsis Now” y “Amores perros”.