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BRASIL
Música Brasilera para escuchar mientras estudian.
Los discos de las distintas bandas/solistas son todos de fines de los 60´s y principios de los 70´s.
Vamos a hacer un recorrido histórico por el cine brasilero. Vamos a detenernos sobre todo en 3
momentos: los 20´S, los 60´s y los 90´s/2000. En estos tres momentos encuentro puntos de
contacto, conexiones, vínculos entre sí.
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Inicios del cine
Los Hermanos Affonso y Paschoal Segreto, hijos de inmigrantes
Italianos, van a ser quienes introduzcan el cine en Brasil. 1897 se va a
hacer la primera proyección de cine en Rio de Janeiro, y como no podía
ser de otra manera, se proyectaron películas francesas. 1898, la
producción de cine en Brasil se inicia con unas tomas de Paschal
llegando a Rio en un transatlántico Francés.
Los problemas con la electricidad (no funcionaba bien la central
eléctrica) dificultan la exhibición desde un principio. Pero 1907 se
construye una nueva central eléctrica en Rio, permitiendo ampliar las salas de exhibición.
El tipo de cine que toma forma es el cine policial/criminal pero sin poder competir con las
producciones extranjeras que dominaban el mercado.
En esta época, entonces, tanto la difusión como la producción de cine va a estar en manos de
extranjeros.
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20´s / ppios 30´s
Como también sucede en el ámbito internacional con las vanguardias artísticas que toman forma
en el inicio del siglo XX (y continúan durante y en la post Guerra), aparece en Brasil una nueva
conciencia, un descubrimiento de la propia cultura, de la propia identidad; y aparecen, entonces,
nuevas expresiones que vehiculizan estos descubrimientos. Un evento clave va a darse en 1922
cuando se produce la 1º “Semana de arte moderno” en Sao Pablo. Esto le va a dar una
visibilidad a Brasil, tanto en el ámbito local como internacional, sin precedentes.
Surge en este contexto el movimiento Antropófago¹ encabezado por el
escritor Oswaldo de Andrade y la pintora Tarsila do Amaral (el cuadro es
“Abaporu” 1928 –hombre que come-). (Ver “Manifiesto antropófago”)
Este movimiento proponía que la única forma posible de tratar con el
imperialismo cultural era a través del canibalismo creativo, DIGIRIENDO las
influencias foráneas y transformándolas en algo nuevo y propio (Esto será
retomando por Glauber Rocha en los 60´). A través de la parodia y el sarcasmo también buscan
volver a los orígenes: como hacen con su frase “Tupi or not Tupi, that is the questión”
parafraseando al Hamlet de Shakespeare, reivindican las luchas de los indios Tupí, exterminados
cuando los Portugueses llegaron a América.
Otro artistas importantes que aparecen en esta época son los escritores Mario de Andrade
(Macunaina - 1928-) y Garciliano Ramos (Vidas secas- 1938-), pintores Candido Portinari y Di
Cavalcanti (serán retomados en los 60´s). Algunos de estos autores serán retomados en los 60´s
por varios cineastas.
Las repercusiones de la semana del arte moderno y todo lo que ella género en el pensamiento de
los artistas no tardó en llegar al cine y evidenciarse. En los grandes polos, Rio y San Pablo, las
majors yanquis tenían tomados los circuitos de distribución, entonces surgen los “ciclos
provinciales”, ciclos de cine por el interior de Brasil.
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De estos ciclos un director emblemático va a ser: HUMBERTO
MAURO (1897-1893).
Nace en Mina Gerais, alejado de las grandes metrópolis. Hijo de
italianos, va a iniciar su trabajo en el cine marcando una fuerte
impronta lírica, poética. Va a trabajar en una de las productoras
más importantes de los años del cine sonoro, la productora
Cinedia. Luego pasara a formar parte, ya alejado de Cinedia, del INCE (Instituto nacional de
cinema educativo) donde comenzará su producción documental, impronta que dominara sus
producciones. Es uno de los representantes más importantes del cine mudo brasilero. Y va a
influenciar a muchos de los cineastas posteriores, entre ellos a Glauber Rocha. Su película más
importante será “GANGA BRUTA” , realizada en 1933. > Vemos el primer fragmento.
Podemos ver claramente las influencias de vanguardia: los planos detalle abriendo la película, los
planos picados y contrapicados, el juego de raccord geométrico/gráfico que realiza entre máscara
y personaje, el trabajo de los actores (super expresivo). La iluminación puntual, remarcando el
anillo, la escultura, oscureciendo o iluminando parcialmente los espacios. Las decisiones sonoras,
que si bien esta película está parcialmente sonorizada, dan cuenta de un autor presente. Y
además, las tomas en movimiento en los exteriores, muy renovadoras para la época.
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Mediados 30´s /40´s
Con el advenimiento del sonido aparecen productoras tanto en Rio como en San Pablo de
capitales privados que tenían fé en que el sonido era lo que la industria brasilera necesitaba para
dar el gran salto.
En Rio va a haber dos productoras importantes:
CINÉDIA, dirigida por Adhemar Gonzaga, en donde se van a producir sobre todo
CHANCHADAS, Comedias musicales con pretensiones populares (homologables al
melodrama tanguero y a la comedia ranchera). Humberto Mauro, como ya
dijimos, va a trabajar con Gonzaga durante varios años y es en esta productora
donde va a hacer “Ganga Bruta”. A Gonzaga le gustaba experimentar con buen
cine pero el redito económico lo va a obtener de su trabajo en el género de las chanchadas.
>Vemos un fragmento de Alô, Alô, Carnaval , Adhemar Gonzaga , 1936.
Vamos a ver aquí a las hermanas Aurora y Carmen Mirada, parte del star system de esa época. En
esta película se suceden varios momentos donde los personajes cantan. Como podemos ver en
contraposición con Ganga Bruta, esta es una película clásica, con Planos Generales y Medios , con
la misma altura de cámara, frontales, casi como si estuviésemos en el teatro. La banda sonora es la
música, es decir, cada número que se sucede.
ATLÁNTIDA, dirigida por José Carlos Burle, Alinor Azevedo y Moacyr
Fenelon. Surge luego del desolador panorama que había dejado la
post guerra. Se proponen producir otro tipo de películas, más
artesanal, más comprometidas socialmente. Pero también el redito
económico va a venir con la producción de chanchadas. Van a
trabajar con la dupla comica “el grande Otelo” y Oscarcito que les
dará varios éxitos de taquilla.
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En São Paulo
VERA CRUZ. Dura tan solo 5 años. Se hace una inversión monumental, piden
préstamos y apoyo a las Majors de EEUU. Surge como respuesta paulista al
cine carioca que lo consideraban de mal gusto y superficial. Su aporte va a
estar en una renovación tanto en mejorar notablemente la calidad de las
producciones, como en las temáticas aún no explotadas por el ámbito
cinematigráfico. Por ejemplo trabajan con los mitos del árido nordeste brasilero, en películas
como “O cangaceiro” (1953), temática que luego será retomada por Glauber Rocha. Con esta
película llega el éxito internacional para el cine brasilero, es premiada ese año en Cannes.
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4.
50´s
Panorama general:
Internacional
Para el fin de la 2º Guerra Mundial , Europa esta desbastada, su capacidad productiva es nula y el
cine de Hollywood penetra culturalmente; eso repercute en Latinoamérica también ya que no se
veía otra cosa que cine de Hollywood. Aparecen Nuevas estéticas, el Neorrealismo Italiano y la
Nouvelle Vague que serán de gran influencia para los realizadores latinoamericanos. Con el
surgimiento de la TV, va a haber un vacío productivo en lo que respecta al cine: la TV se apropia de
las chanchadas tomando forma en la telenovela, que asimila las características del género,
introduciéndolo en el hogar de forma seriada, con entregas semanales. Y Mas al fin de la década,
pero con insinuaciones previas, la Revolución cubaba (1959) y la formación del ICAIC, van a ser de
gran influencia para las reflexiones de los realizadores Latinoamericanos.
En Brasil:
La experiencia de la compañía Veracuz si bien duro un corto tiempo, su propuesta avivó y generó
fuertes debates sobre la naturaleza del cine en varios cineclubes, periódicos y en los 2 congresos
que suceden en 1952: I congreso paulista de cine Brasilero y I congreso nacional de cine
brasilero. En ellos se comienza a discutir sobre nuevas ideas y temáticas para la producción de
películas nacionales; cómo hacer películas que trabajen sobre problemáticas sociales, económicas
y políticas de una manera auténtica, no como se venían haciendo con el cine alienado de las
chanchadas. Además se empieza a pensar en la idea de un estado más presente en la
CONSTRUCCION de una industria.
Alex Viany, hace varios trabajos teóricos sobre la penetración cultural de EEUU, criticando los
valores universales del buen cine como instrumentos de dominación (Nelson Pereira dos Santos
será asistente de Viany antes de hacer su primera película). Un punto clave para lo que será el cine
de aquí en mas es que en 1954 La productora Vera Cruz cierra definitivamente sus puertas, llena
de deudas y de críticas que le hacían los cineastas de la época sobre su forma y contenido de
producción.
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En 1955 Nelson Pereira dos Santos realiza “Rio 40
grados”.
Nelson nace en San Pablo (1928). Es hijo de italianos.
Va a ser el padre del Cinema Novo, marcando una
impronta en este Movimiento. En San Pablo va a
militar en el PC (partido comunista) pero luego va a
ser echado. Su práctica cinematográfica la hace
alejado del partido. Sus primeros trabajos van a ser con Alex Viany quien mencionamos antes.
Volviendo a “Rio 40 grados”. Esta película surge en la misma época que aparecen “El mégano”
(García Espinosa), “Tire die” (Birri). Con una clarísima impronta neorrealista, esta película es una
de las primeras que va a mostrar la realidad brasilera desde otro punto de vista.
El relato gira en torno a todo un día de cinco jòvenes vendedores de maníes, que van a vender su
producto a los principales puntos de la ciudad en un domingo de sol. Estos chicos viven en la
favela y es aquí el punto clave de esta película, la aparición en escena de aquellos que hasta ahora
estaban ocultos, marginados, invisibles. Se ponen en evidencia las problemáticas de Rio con una
simpleza y brutalidad nunca vista antes. Esta película va a ser un antecedente claro del CINEMA
NOVO. El punto de vista, ya inmerso en la problemática de la vida en la favela con estos planos
picados desde la favela, de estos movimientos de cámara que la recorren, el contraste con lo que
es la ciudad, los eventos, la gente. El film fue prohibido, acusando por el estado “que en Rio
nunca hacia 40 grados, que se estaba dejando mal parado al Carioca” hasta que un año después se
levantó la prohibición y la película se exhibió. >Vemos un fragmento de la película.
Luego en 1957 Nelson va a realizar “Rio zona norte” segunda película que pretendía ser la
segunda parte de una trilogía que nunca se pudo hacer.
1960, fruto del proceso de concientización nacional y de modernización cultural se procede a la
inauguración de Brasilia, la actual capital d Brasil, diseñada por Oscar Niemeyer.
Menciono este evento para poder ver la impronta que va a tomar también los espacios que
habitan los brasileros; la modernidad tomaba cuerpo: las curvas, el color blanco.
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5.
60´s
En esta etapa, como ya dijimos la idea de concientización nacional está en pleno vigor: Se busca
reformar el plan educativo y las políticas agropecuarias, comienzan los reclamos de derecho a la
reforma agraria en el campo, se crea el Centro Popular de Cultura (CPC) de manos de la UNE
(unión nacional de estudiantes). En música se comienza a escuchar el Bossanova.
Y en cine surge el CINEMA NOVO (CN): movimiento de jóvenes idealistas que van a proponer una
nueva forma de hacer con pretensiones muy distintas al cine del sistema cultural neocolonialista.
Su forma de trabajo era de modo cooperativo, todos participaban en los proyectos de todos,
compartían debates, cursos, generaban textos teóricos. Las características renovadoras del
movimientos van a tener que ver con empezar a salir con la cámara a filmar en exteriores
(abandonar los decorados de los estudios), filmar a bajo costo, trabajar con actores novatos o con
las mismas personas que habitan el lugar. El trabajo de temas del movimiento va a tener que ver
con evidenciar y visibilizar aquellas problemáticas hasta ahora invisibles en las producciones
brasileras: la pobreza, la marginación, la explotación laboral, la vida en las favelas, en el sertao
(campo), la vida en la ciudad. La renovación estética viene de la mano de procurar buscar
lenguaje que sea acorde a las temáticas que se trabajan, aquí veremos como la influencia del
Neorrealismo Italiano y de la Nouvelle Vague son claves.
Vamos a ver “Couro de Gato” (1960) de Joaquim
Pedro de Andrade, corto que le da inicio al
movimiento (también ver “Aruanda”, Linduarte
Noronha, 1960).
Joaquim Pedro de Andrade nace en Rio de
Janeiro (1932- 1988). Hijo de Rodrigo Mello
Franco de Andrade, fundador del Instituto del
Patrimonio Histórico y Artístico Nacional. Joaquim estudia física y llega al cine porque tomando un
curso de física en la facultad de filosofía, entra por curiosidad al cineclub que estaba en esa
facultad. Estudia en Francia y EEUU. Y es el circulo intelectual donde se mueve su padre, además
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de su sensibilidad, su genialidad y sus estudios, lo que va a hacer de Joaquim uno de los directores
más relevantes del Cinema Novo.
En “Couro de gato” podemos observar varios aspectos interesantes. Por un lado la temática; niños
de la favela roban gatos para entregárselos a cambio de plata a los fabricantes de tamboriles
(fabricados con cuero de gato). Otra vez la favela presente en la pantalla, los marginados se
visibilizan. La utilización del blanco y negro, influencia del neorrealismo. Los encuadres picados
mirando a los que están fuera de la favela y los contrapicados de la gente que mira desde afuera a
ese lugar que parece inaccesible. El montaje rápido, de vanguardia, generando un contrapunto
con la música. La banda sonora generando contrapuntos musicales entre si y sin casi diálogos.
Este corto va a pasar a formar parte de la película “Cinco vezes favela” (1962), complicación hecha
por el CPC (Centro popular de cultura).
Con este corto se inicia lo que va ser la primera etapa de las 3 etapas del CINEMA NOVO;
analicemos las características de cada etapa:
Primera etapa 1960-1964
-Se va a trabajar con las problemáticas de la pobreza y la miseria en el Sertao, el
nordeste brasilero, y en la ciudad.
- Las películas más representativas de esta etapa son:
> “Barravento” (1962), Glauber Rocha (primer largo del CN).
> “Cinco vezes favela” (1962, producida por el CPC).
> “Vidas secas” (1963). Esta película va a estar basada en el libro “Vidas Secas” de Garciliano
Ramos, escritor perteneciente al movimiento antropófago de los 20´s. El vínculo directo con esta
época tiene que ver con que compartían su posición frente al mundo, sus intenciones y
preocupaciones.
> “Dios y el diablo en la tierra del sol” (1964) de Glauber Rocha.
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Glauber Rocha va a ser uno de los representantes más
importantes del movimiento. Muchos directores del
movimiento comparten la idea de que cuando se dice
Cinema Novo se dice Glauber Rocha.
Nace en Bahía (1939-1952). Vive 42 intensos años de
vida. Tanto Su producción fílmica como teórica
repercutieron en la cultura mundial de forma radical. Mas influenciado por la impronta estética
de la nouvelle vague. Va a ser crítico de cine, escribir en diarios y revistas, un gran dibujante.
El gobierno de ese momento, a cargo de Kubitschek había generado un gran crecimiento pero
sostenido por fuertes inversiones extranjeras. Este gobierno se comienza a endeudar, va a ser
criticado por su política, se lo acusa de malversación y corrupción, y finalmente renuncia. Asumen
Quadros y luego Goulart, la situación política y económica en Brasil se pone muy tensa y en 1964
se produce el golpe de estado. Si bien la situación en Brasil se vuelve crítica y muchos
intelectuales de la época serán secuestrados, otros tendrán que exiliarse, la presión que se ejerció
en la sociedad brasilera no fue tan violenta ni tan cruel como en Argentina o en Chile.
Segunda etapa 1964-1968
La censura no llega aun a ser tan fuerte, el CN sigue produciendo.
1965 Manifiesto “Estética del hambre” x Glauber Rocha. Va a reflexionar sobre el hambre
latinoamericano, cómo la pobreza latina (no) es conocida en el mundo y sobre cómo tiene que ser
la estética que represente ese hambre, una estética violenta ( se puede consultar este texto de
Rocha de 1963 que da un panorama crítico del cine en Brasil).
Algunos fragmentos que me interesan resaltar:
>“El cineasta del Tercer Mundo no debe tener miedo de ser ´primitivo`. Será ingenuo si insiste en imitar la
cultura dominante. Será ingenuo también si se vuelve chauvinista. Debe ser antropófago y dialéctico”
(Chauvinista= Preferencia excesiva por todo lo nacional con desprecio de lo extranjero).
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Lo interesante de esta cita es como se pone en evidencia como Rocha (y el CN) RETOMA la idea
del Movimiento Antropófago de los 20´s, proponiéndole lo mismo que aquel movimiento le
proponía a los artistas e intelectuales de la época, pero 40 años después. Rocha dice que para no
imitar al colonizador, hay que innovar y que para eso hay que realizar un acto de reconocimiento
y devoración de las propias ataduras (que son las de la cultura heredada de los opresores) y
desde allí, mediante el acto dialectico de la desmitificación y ridiculización del poder del enemigo y
la construcción épica y poética de la nueva cultura, llegaremos a una nueva síntesis estética
PROPIA.
“El hambre latina, por eso, no es solamente un síntoma alarmante: es el nervio de su propia sociedad. Ahí
reside la trágica originalidad del Cine Nuevo delante del Cine Mundial, nuestra originalidad es nuestro
hambre y nuestra mayor miseria es que ese hambre, siendo sentida, no es comprendida”
“El Cine Nuevo: es una estética de la violencia antes de ser primitiva y revolucionaria, he ahí el punto inicial
para que el colonizador comprenda la existencia del colonizado, solamente concientizando su única
posibilidad, la violencia, el colonizador puede comprender, por el horror, la fuerza de la cultura que él
explota”
El espacio de trabajo se vuelca a pensar en las problemáticas en la ciudad y sobre todo de la clase
media: sacudida por la dictadura la clase media esta confundida, apática, las contradicciones
políticas se ponen en evidencian; se produce una radicalización de la izquierda y de la derecha,
poniendo al intelectual en la posición ambigua, mostrando la vacilante conversión de los
intelectuales.
“Terra em transe” (1967) de Glauber Rocha es una clara puesta en
forma de esta situación. Paulo, el personaje principal, ¿alter-ego de
Glauber Rocha? , se debate entre izquierda y derecha. Otras pelis
que representan estas problemáticas propias de esta etapa son “a
falecida” (1965) de Leon Hirszman, el desafio (1967) de paulo Saraceni y “el bravo guerrero” de
Gustavo Dahl (1968).
En 1966 se funda el Instituto nacional du Cinema, que es el primer intento de que el estado
intervenga en la producción de cine (luego esto se convertirá en el EMBRAFILM).
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En 1968: el golpe dentro del golpe. Acto institucional nº5. Se profundiza la dictadura y avanza la
censura.
Tercera etapa 1968-1972
TROPICALISTA.
La producción se vuelve más metafórica, más excesiva, más
exuberante. La estética va a tener que ver con el USO del COLOR. El
nombre de tropicalismo viene de Tropicolor, juego de palabras en
relación al nombre del sistema que se usaba cuando se producía
con color = Technicolor.
El uso del color exige una reflexión, una reformulación de las
formas y procedimientos que se usaban para contar. El uso del
Blanco y negro que se venía haciendo en las dos etapas anteriores,
tenía por un lado una textura más realista y documental, tradición
q venia del neorrealismo, y por otro lado le daba un algo más artístico al cine. El uso del color va a
proveerles de otras herramientas para contar: metaforizan ideas con el uso de determinados
colores, subrayan dándole colores a determinados objetos, enfatizan roles de personajes
vistiéndolos con determinados colores.
Veamos un fragmento de “Macunaína” de 1969, realizada por Joaquim Pedro de Andrade, basada
en la novela “Macunaima” de Mario de Andrade , 1928, novelista perteneciente al Movimiento
antropófago. Una vez más, el dialogo con los 20´s.
Podemos evidenciar claramente en esta película como cambia la percepción del mundo de los
artistas en esta época, donde la metáfora les va a permitir escaparse a la censura de la dictadura.
Adultos haciendo de niños, colores vivos, no-lugares, excesos en las actuaciones ponen en
evidencia las características de esta etapa.
Otras pelis de referencia: Antonio das mortes, Glauber Rocha, 1969; Brasil año 2000 de Walter
lima Jr, 1969.
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En 1971, Glauber Rocha escribe el manifiesto la “Estética del sueño”. En esta manifiesto, dada las
cirucntancias políticas y su situación personal en el exilio, aparece menos efervescente, positivo y
creyente del cambio revolucionario que en el anterior manifiesto. Va a hablar de porqué el arte
revolucionario no logra tomar forma en Latinoamérica y como debe ser este arte revolucionario.
Recorto algunos fragmentos que me interesan:
“(…) exige una precisa identificación de lo que es el Arte Revolucionario útil al activismo político, de lo que
es Arte Revolucionario lanzada en la apertura de nuevas discusiones, de lo que es Arte Revolucionario por la
izquierda e instrumentada por la derecha”
“La existencia discontinua de este Arte Revolucionario en el Tercer Mundo se debe fundamentalmente a las
represiones del racionalismo. Los sistemas culturales actuantes, de derecha y de izquierda, están presos a
una razón conservadora”
“La revolución es la antirazón que comunica las tensiones y rebeliones del más irracional de todos los
fenómenos que es la pobreza”.
Con el fin de esta etapa, también es el Fin del Cinema Novo.
No podemos dejar de exponer algunas críticas que se le han hecho al CN y que nos sirven sin
dudas para poder poner en crisis contradicciones tanto del movimiento en si como de algunos de
sus realizadores.
- El CN pretendió ser popular pero las masas no concurrieron a sus exhibiciones.
- Quiso ser político pero no logró desarrollar una práctica política coordinada ni orgánica.
- Pretendía la conciencia del pueblo pero no tenían contacto real con las organizaciones de
las masas.
- Reclamaban construir bases de una industria cinematográfica nacional pero repudiaban
los productos del cine industrial.
- Pretendían que sus films fueran exhibidos en salas comerciales para lograr la adhesión del
público masivo.
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6.
70´s
Surge como ya se anticipó el EMBRAFILMS, Empresa brasilera de cine.
El estado va a monopoliza y dirigir la producción y difusión de cine. Se
va a incrementar la producción entre un 25% y 50%. Para los cineastas
y productores de la época esto va a generales fuertes contradicciones,
porque era una paradoja producir desde la censura; sucedía que a
algunos productores desde un área los subsidiaban y desde otra los
censuraban. Muchos directores como Glauber Rocha apoyaron al
EMBRAFILM diciendo que “no tenían por qué meterse en la cuestión
ideológica de sus producciones” (aquí vemos las contradicciones de
Rocha con respecto al régimen). Se vuelven a trabajar con géneros como las chanchadas, en esta
etapa chanchadas más pornográficas, se vuelve a hacer un cine más superficial (Podemos hacer un
paralelismo entre los films de Olmedo y Porcel, que sucedían en la misma época en Argentina).
Vamos a ver “Doña flor y sus dos maridos” (1976) la películas más taquillera hasta ese momento.
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7.
80´s
En 1984 finaliza la dictadura, luego de 20 años. En relación al mundo cinematográfico esta década
va a tener dos muertes relevantes: la de Glauber Rocha y la Joaquim Pedro de Andrade. La crisis
económica que azotaba al país por la enorme deuda externa generada y por la crisis del petróleo,
lo ponía en una situación crítica. La TV había generado un Hipertrofia dada la cantidad de material
extranjero que se veía.
El EMBRAFILM entra en una fuerte crisis ya que no puede hacerse cargo económicamente de la
producción de cine que era dependiente del estado. Políticamente hablando no existe un
proyecto ante el proyecto neo-liberal que los apretaba.
8.
90´s /2000
En 1990 cierra el EMBRAFILM. Y no es hasta 1993 con la nueva ley audiovisual que el cine
repunta; esta ley propone el otorgamiento de incentivos fiscales para la producción de cine.
Es desde 1994 que el cine brasilero vuelve a producir y se va a dar en esta etapa, luego de 20 años
de dictadura, un redescubrimiento de los problemas actuales de Brasil: se retoma la búsqueda de
la identidad nacional; aun no pueden tomar forma discursos del pasado reciente.
Con el éxito de taquilla en 1998 de “Estación central” (re) comienza un crecimiento de
la cinematografía Brasilera.
Las características del cine en esta etapa:
-Se empieza a trabajar con una amplitud y variedad de temáticas, de estilos, de
improntas.
-Se retoma en clave nueva las temáticas del pasado: dialogo con los 60´s en relación a la
conciencia crítica, en poner en pantalla las problemáticas invisibilidades, en las ganas de hacer y
desde ahí cambiar el mundo, en plantear una nueva búsqueda estética.
- Vuelve a aparecer la crítica de cine.
- Se hace mucha publicidad en la televisión de las películas nacionales.
- La prensa gráfica comienza a hablar en los medios del cine nacional.
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- En 1999 aparece una nueva productora “TV globo”.
Vamos a ver algunos ejemplos; veremos que al igual que en Argentina (ubicar el párrafo que se
cita a Oubiña), el cine brasilero de esta etapa va a tomar dos caminos: uno más relacionado con el
cine de renovación temática, más bien sensible a las problemáticas sociales y otro más ligado a lo
espectacular, un cine de entretenimiento, un cine cosmético.
En relación al primer camino, vamos a ver dos ejemplos:
“Amarelo manga” (2002), que trata sobre la realidad marginal en Rio.
Vemos un fragmento.
En el podemos ver como la imagen es “sucia”, los personajes son más
reales, tienen problemas reales, están cansados. La vida de los
marginados en la ciudad, como también toma forma en Argentina con
“Pizza, Birra y Faso” o “Bolivia”, se pone en escena para hablar del mundo
donde vivimos.
“Edificio Master” (2002) Eduardo Coutinho, que también va a reflexionar
sobre la vida en la ciudad; se muestra la vida de muchas personas en un
edificio de Copacabana en Rio. El edificio son todos monos ambientes. La
gente vive apretada, son marginados que pueden vivir con lo poco que
tienen en este reducido espacio. El recorrido que hace de este edificio
Coutinho es poderosísimo. El fragmento que vimos es el de Henrique,
quien le cuenta entre otras cosas a Eduardo, aquella vez que canto junto a
Frank Sinatra en un teatro.
Eduardo coutinho es un gran documentalista. También fue parte del Cinema Novo. Nació en San
Pablo, Brasil, en 1933. Estudió cine en el Institut des Hantes Études Cinématographiques (IDHEC)
de París. De sus años de periodista en el Globo Reporter, se llevó consigo la habilidad de
preguntar. Su precisión a la hora de hablar y conocer al otro es magistral. Es un icono del cine
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documental en Latinoamérica. Recomiendo la lectura de esta nota hecha por el Grupo Kane a
Eduardo Coutinho.
Y luego tenemos en el camino que el cine se vuelve más espectacular, otros dos ejemplos:
“Ciudad de Dios”, de Fernando Meirelles (2002). Veamos el tráiler.
En esta película vemos claramente la favela como espectáculo. La puesta en
escena de la favela la hace pintoresca y simpática, mas allá de la violencia que
irradia la película, que es más cosmética y espectacular que brutal.
“5 veces favela, ahora por nosotros mismos” (2010).
Esta película tiene vínculo directo con “Cinco vezes favela” de 1962, que había
sido hecha por el CPC, película que pertenece a la primera etapa del Cinema
novo.
En la película del 2010 se repite la estructura, son 5 cortos hechos en la favela,
con gente de la favela. Veamos el tráiler de “5 vezes favela” (2010).
¿Qué vemos? PINTORISQUISMO. ESPECTACULARIDAD. La cosmética vuelve a ser parte de las
pantallas del cine en Brasil. La temática de la favela y sus problemáticas tratadas de forma bella,
prolija, hollywoodense, alienada. ¿”A hora por nosotros mismos”? ¿Auspiciada por la Sony?
Estos ya lo vimos en “Ciudad de dios” y en tantas otras películas que emulan el cine de Hollywood.
Todo ese trabajo que se tomaron los Cinemanovistas en la tan lograda “Cinco vezes favela” de
1962, y que también se toman otros directores de cine para hablar de la identidad brasilera, de los
problemas que los atraviesa, de la realidad del mundo en el que viven, se borra en esta película.
Y encima, citan a aquella película! Uno creería que la citan para hacer memoria a través del cine,
para retomar del pasado aquellas películas que fueron “un antes y un después”, o para hacerles
honores a aquellos directores, o quizás por qué no rendirles homenaje, pero no.
Me atrevo a decir que hacen todo lo contrario: oídos sordos y ojos ciegos a las reflexiones y a la
filmografía de esa época.
¿Qué diría Joaquim Pedro de Andrade o Glauber Rocha sobre esta película?
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Seguramente nada, o harían un manifiesto.
Ah! Pero ya lo hicieron en los 60´s.
Parece que los de la Sony no lo leyeron.
Una P.D:
Para ver alguna que otra película cine brasilero contemporáneo.
¹ La antropofagia (del griego ἀνθρωποφαγία, y ésta de ἄνθρωπος-ου, anthropos, "hombre",
y φαγία, phagia "acción de comer") es el acto de incluir carne u otros tejidos humanos
(excepto sangre, en cuyo caso se llama hematofagia) en la dieta. Puede ocurrir por depredación,
cuando el hombre es cazado por el animal depredador, o por carroña, si es devorado después de
morir por cualquier causa ajena al animal que se lo come. También puede ser comido por otro
hombre y en este caso es canibalismo. (Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Antropofagia )
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Guía de estudios:
1- ¿Cómo influenció el Movimiento Antropófago en lo cinematográfico? ¿Qué características
adopta el cine de Humberto Mauro?
2- ¿Cuál va a ser el aporte de la compañía Vera Cruz? ¿Qué reflexiones permite hacer la
existencia de la misma?
3- ¿Porque “Rio 40 grados” marca un hito en la historia del cine brasilero? ¿Qué sucede de
ahí en más con el cine en Brasil?
4- ¿Cuándo surge y cuáles son las características del Cinema Novo?
5- Caracterice las etapas del Cinema Novo. ¿Cuál es la diferencia entre las primeras dos
etapas del CN y la última? ¿Por qué se produce este cambio? ¿Cómo influye el contexto
político y social en los artistas e intelectuales de cada época?
6- ¿Cuál es el aporte que hace Glauber Rocha a partir de sus manifiestos? ¿Sobre qué
reflexiona en cada uno?
7- ¿Cuál es el devenir del cine en 70´s? ¿y en los 80´s?
8- ¿Qué le permite a la cinematografía brasilera remontar su situación en los 90´s?
9- ¿Cuáles son la dos tendencias de cinematográficas que surgen en la última etapa trabajada
en clase?
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Bibliografía consultada:
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KING, John. El carrete mágico. Colombia. Editorial: Tercer mundo editores, 1994.[on line] http://www.hamalweb.com.ar/Textos/Elcarrete-magico-Una-historia-del-cine-latinoamericano_King-John.pdf Fundacion Eduardo F. Constantini. Vida en movimiento: Joaquim Pedro de Andrade. Editorial: Malba ediciones. Buenos Aires. 2007.
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Páginas web:
http://www.cinelatinoamericano.org
http://cinemanovo.com.ar
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