Catalogo de Exposición_Xavi Carbonell_Arte Ultimo

ISNB 978-8487367-74-8

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Hace ya un año que se inició una de las apuestas expositivas sobre arte contemporáneo que han marcado el arte de Alicante. “Arte Último 21 días” ha supuesto uno de los grandes éxitos de esta temporada para la cultura de nuestra provincia, en uno de nuestros centros expositivos más emblemáticos, la Lonja del Pescado.

Las diferentes tendencias del arte contemporáneo internacional han sido expuestas a través de la investigación y el trabajo de artistas de la provincia: Xavi Carbonell, Vicente Molina, Álvaro Tamarit, Perceval-Graells, Pablo Auladell, Pepe Calvo, Jesús Zuazo y Paco Valverde. Pintura, fotografía, cine, ilustración, vídeo, escultura,… El proyecto contempla con amplitud las diferentes expectativas que se están barajando en el arte actual.

El arte contemporáneo era una área importante de la cultura que había necesidad de llevar adelante en esta ciudad, capital de la provincia, a través de artistas con una obra y trayectoria contrastadas. Este ciclo ha puesto de manifiesto una de las realidades más tangibles como es la existencia en la provincia de Alicante de artistas de gran cualificación y que en este proyecto colectivo han sabido competir y dar lo mejor de sí mismos. Una tras otra, las muestras individuales desarrolladas, durante el año 2012 y principios de este 2013, han consolidado un verdadero encuentro con el apoyo mayoritario del público que ha sorprendido a la ciudad, de lo que todos nos sentimos orgullosos.

Sonia CastedoAlcaldesa de Alicante.

Durante esta primera temporada del ciclo expositivo Arte Último 21 días, hemos podido ver una muestra de la diversidad de autores que en la provincia de Alicante están trabajando sobre el arte contemporáneo. Una selección rigurosa que ha mostrado las pautas en las que se sustentan los discursos artísticos en la actualidad, siendo por ello un estímulo para los creadores que han aportado lo máximo de sí mismos, compitiendo con un trabajo de alta calidad. El público también se ha visto inmerso en este diálogo entre las diferentes propuestas. Toda una sorpresa como bien han reflejado en sus comentarios tanto el público como los medios de comunicación. Esta iniciativa de Arte Último 21 días ha marcado un antes y un después para el arte contemporáneo de Alicante. Los autores expuestos, de Alcoi, Elche, Jávea, Villena y Alicante, algunos poco conocidos en los ambientes artísticos de la capital, han conquistado de esta manera una presencia importante. El marco elegido, la Lonja del Pescado, una de las salas más emblemáticas de la Comunidad Valenciana, ha constituido un reto superado con solvencia. La pintura expresiva de Perceval Graells, del alcoyano Xavi Carbonell y Jesus Zuazo, del ilustrador Pablo Auladell, el cine de animación del villenero Vicente Molina, o la obra fotográfica de Pepe Calvo y Paco Valverde, este último adentrándose en el terreno novedoso del vídeo, y el escultor Álvaro Tamarit. Celebramos que esta iniciativa tenga continuidad para consolidarse como un referente de nuestra cultura en la provincia.

Juan Bautista RosellóDiputado de Cultura.

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Desde el momento en el que conocí el proyecto Arte Último 21 días aposté claramente por este ciclo expositivo, una propuesta innovadora para la cultura de Alicante que recoge el ámbito artístico de toda la provincia, con una selección rigurosa de artistas realizada por Guillermina Perales y Eduardo Lastres. Alicante se convierte así en la capital cultural de la provincia. Reflejando exclusivamente la investigación que se está realizando en las diferentes visiones que conviven en el arte contemporáneo, en el arte que se está produciendo en estos momentos, teniendo en cuenta que la mayoría de las obras expuestas han sido realizadas en el 2012. Por lo tanto, a la contemporaneidad de la investigación se suma el que las obras hayan sido realizadas, exclusivamente, para estas exposiciones. De los estudios de los artistas han pasado directamente a la sala C de la Lonja consiguiendo esa instantaneidad imprescindible para el contraste público que siempre necesita el acto creativo.

Nos congratulamos porque la sociedad alicantina ha ido acogiendo estas exposiciones, producto de una necesidad de ver lo que está ocurriendo en nuestra provincia, comprobando hasta qué punto nuestros artistas pueden competir y figurar a la misma altura de otros artistas de cualquier lugar de España o del ámbito internacional. Este convencimiento ha sido, quizá, el punto de partida de tan interesante experiencia expositiva sobre el arte contemporáneo hecho en nuestra provincia. En esta ocasión artistas de Alcoy, Villena, Elche, Alicante y Javea.

Durante el transcurso de esta temporada la sociedad alicantina ha recibido estas exposiciones con una actitud muy positiva al ver cumplida la faceta del arte contemporáneo con artistas formados aquí o en el extranjero, pero con una gran vinculación con nuestra tierra.

Miguel ValorTeniente alcalde de Cultura.

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Pasada la primera temporada del ciclo expositivo Arte Último 21 días, nos toca hacer balance de lo ocurrido. Un balance que consideramos sumamente positivo, dado que los artistas escogidos, para este primer año del ciclo de arte contemporáneo, han cumplido con el reto que suponía mostrarse ante la sociedad alicantina en un espacio tan exigente como el de la Lonja del Pescado, una de las salas más visitadas de la Comunidad Valenciana. La sala C de este referente tan emblemático para el arte de Alicante, la más pequeña de sus instalaciones, fue escogida principalmente por sus dimensiones, unos doscientos metros cuadrados, una extensión suficiente para presentar a los artistas individualmente en las condiciones óptimas y necesarias para su expresión más amplia, sin que supusiera un despliegue excesivo de medios, en esta época de crisis. Pero, cuál ha sido el motivo de este ciclo de exposiciones. Qué nos ha movido a plantearlo. Fundamentalmente el que en Alicante no se haya hecho una prospección de los artistas que viven y trabajan en esta provincia, no existiendo un censo mínimo al que críticos e historiadores puedan acudir, para conocer e investigar o promocionar el arte que se hace en la provincia, con exposiciones que ahonden en determinadas tendencias, concepciones o disciplinas artísticas. No existiendo una tradición de estudio consolidada sobre arte contemporáneo, el gran olvidado en la cultura de Alicante. Con este proyecto queremos poner en marcha una dinámica expositiva mediante la cual la sociedad de Alicante conozca a sus artistas y sus obras, de manera continuada y regular, aprendiendo a valorar así los diferentes criterios y desarrollos que conviven en la actualidad en el arte. Con este proyecto queremos ofrecer un primer paso para la solución de este problema de desconocimiento. Al mismo tiempo deseábamos cumplir con la labor de dar voz a los artistas, que están trabajando en arte contemporáneo, con la inmediatez necesaria para poder contrastar con el público y la crítica especializada los últimos trabajos e investigaciones que desarrollan en sus estudios, siendo la obra expuesta la obra última, la más reciente. Algo realmente difícil de conseguir, no hay muchos espacios expositivos que asuman la exposición continuada de un artista de manera que éste siempre tenga el medio para contrastar sus últimos trabajos en público. Siendo su labor de investigación bastante solitaria. De hecho, la mayoría de las obras presentada por los artistas en Arte Último ha sido realizada este mismo año 2012.

Con la voluntad de mostrar la mayor cantidad de artistas de calidad que trabajan en Alicante provincia, para así dar cuenta del potencial que tenemos, las exposiciones se limitan a 21 días, de ahí el subtítulo del ciclo Arte Último 21 días.

En el trabajo de cada muestra se ha realizado, como una de las condiciones imprescindibles, para acercar los lenguajes del arte contemporáneo al público, un vídeo en el que cada artista define su mundo creativo y plástico, y expone con sus palabras las características de su formación y trayectoria, sus inquietudes y las dificultades que supone una dedicación de este tipo.

Arte Último 21 días

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Vídeos que se han colgado en You Tube y FaceBook, para su mayor difusión a través de las redes sociales. En cada exposición, la sala ha cambiado su fisonomía, dependiendo de las necesidades de la obra, para su mejor visualización y la transmisión de sus contenidos, de manera didáctica y clara. Cada muestra ha supuesto, tanto para los artistas como para los comisarios, una puesta en escena muy arriesgada ante el reto de provocar una experiencia creativa, jugando con los elementos a nuestra disposición. Se ha tratado de mostrar todas las expectativas del arte contemporáneo que constituían las obras con verdadero impacto, para llegar al espectador a partir de su comprensión. En cada exposición se ha podido desvelar así la personalidad de cada creador, además hemos creído oportuno convocar una charla coloquio entre el artista, los comisarios y el público, a la que hemos llamado “Entrevista con el artista”. Un enfrentamiento, a modo de dialogo, en el que el público ha participado de manera entusiasta, con gran interés y curiosidad.

Tenemos que agradecer a la prensa y a los medios de comunicación su interés por los diferentes protagonistas del ciclo: fotógrafos o video artistas como Pepe Calvo, fotógrafos o video artistas como Paco Valverde, escultores como Álvaro Tamarit, pintores como Perceval Graells, Xavi Carbonell y Jesús Zuazo, ilustradores como Pablo Auladell y cineastas como Vicente Molina. Todos ellos han tenido el protagonismo evidente y necesario como representantes de calidad del arte contemporáneo que se realiza en la provincia en sintonía con los discursos del arte internacional. Pero la cantera se muestra inagotable, por ello nuestro compromiso en seguir apoyando a los artistas en un nuevo ciclo para el 2013.

Tras este trabajo, podemos constatar que nuestros creadores poseen un alto nivel de exigencia y que sus obras pueden competir en el ámbito nacional e internacional. Su calidad ha quedado contrastada en estas exposiciones realizadas para la Lonja del Pescado en el año 2012 e inicios del 2013. El siguiente reto está en poder traspasar nuestras fronteras como colectivo.

La primera etapa de este ciclo acaba pero comienza otra serie de exposiciones para el 2013, una nueva oportunidad para mostrar la realidad de nuestros creadores y su compromiso con los lenguajes de la contemporaneidad.

Los comisarios: Eduardo Lastres y Guillermina Perales.

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Xavi Carbonell es un creador con una dilatada trayectoria, cuya obra está representada en colecciones y galerías de Madrid, Valencia, Sevilla, Nueva York,…, en ferias de alto reconocimiento internacional como Affordable Art Fair NYC, Spring 2012. Xavi Carbonell es un pintor autodidacta que ha sabido leer a los grandes y más complejos maestros de la pintura. Un aprendizaje realizado desde la propia experiencia en el que, dado su potencial expresivo y su incansable afán investigador, reinterpreta o se salta el proceso de la figuración a la abstracción pautado por la Academia. Xavi Carbonell se sitúa conceptualmente en la abstracción, pero no realiza una pintura básicamente abstracta sino que posee un universo referencial en el que el gesto es partícipe del juego significativo de los símbolos. Como en una reflexión sobre el lenguaje inicial de los niños, recoge todo un mundo de sugerencias y de imágenes explícitas de las que se sirve para construir sus experiencias plásticas. Se sitúa en la poética del expresionismo, del gesto, pero también en la reflexión de la línea y en el juego con los signos y las imágenes más sintéticos. Pintor del gran espacio, domina y experimenta esta superficie con diferentes elementos y texturas, a veces, con unas líneas muy sutiles, con una única gota, con muy pocos toques, otras con la profusión de manchas, transparencias, consiguiendo un impacto pictórico profundo en el que todos los elementos se conjugan en una sabiduría de la expresión de la propia pintura. El dibujo en su obra es fundamental, en cuanto que es el instrumento básico que se nutre de síntesis e imágenes de su investigación plástica, de su cultura y experiencia. Por ello también emplea el collage, en el que introduce elementos de la sociedad de consumo, de la comunicación, para integrar todas las referencias plásticas, personales, vitales que construyen su discurso. No se inscribe en un solo movimiento sino que adquiere diversos conceptos de la modernidad. La investigación de la línea, de la materia, de los signos, de la imagen,… La dispersión es hoy obligada en el arte, porque no somos unidireccionales, podemos expresarnos de muchas maneras y el arte refleja esta diversidad. Xavi Carbonell profundiza en el conocimiento de la interrelación de fuerzas que se producen dentro del rectángulo del cuadro. Sin convencionalismos figurativos ni retóricas, sin el virtuosismo escénico del formalismo académico, con un gran sentido de la modernidad, nos desvela el lenguaje de la pintura en sus valores más altos, el de la concreción y el de la sugerencia, en los que abre diferentes caminos de investigación, de conocimiento.

Xavi Carbonell, Alcoi, 1971.

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XAVICARBONELLCARBONELL

9S/T, 2012. T.mixta s/lienzo, 150x150 cm.

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S/T, 2012T.mixta s/lienzo, 200x200 cm.

S/T, 2012T.mixta s/papel, 70x100 cm.

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S/T, 2012T.mixta s/ papel, 70x100 cm.

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Pintor, escultor, cineasta, publicista,… Comienza su formación artística en el campo de la ilustración, con un Ciclo Superior de Ilustración en Artes y oficios, Alcoi (1994), posteriormente se licencia en Comunicación Visual en la Bauhaus de Weimar, Alemania, (2004) y en Bellas Artes en la facultad de Bellas Artes de San Carlos, Valencia, (2010). Máster en Artes visuales y multimedia, (2011). Es autor, director, de numerosos cortometrajes, Primer Premio notodopublifest 2004 y Gran Premio del Jurado Mejor Animación notodofilmfest 2009, con el corto “El capitán hacedor de estragos”. En ese momento ha escrito y dirigido su primer largometraje de animación: “Las recetas de Gross y Klein”.

En su exposición para Arte Último, pudimos ver una amplia selección de su trabajo en el cine de animación, así como las maquetas, los elementos gráficos, muñecos, personajes creados para estos cortos y su largometraje. Las nuevas tecnologías han simplificado el proceso de producción y revelado de la imagen en movimiento, acercándose a la instantaneidad de otras disciplinas artísticas y haciendo más accesible e inmediata una disciplina muy compleja y costosa. De manera que el paso de la pintura, la escultura, la instalación, a la fotografía y al cine es ya parte de un proceso lógico, en un momento artístico de gran eclecticismo en el que los lenguajes se alimentan unos de otros. Vicente Molina, ya sea a través de una narrativa de animación o de la imagen pictórica, reflexiona sobre la planificación del guión, la inmediatez de la imagen, la secuencia. Realiza un tratamiento de la imagen plana y de la imagen en volumen. Partiendo de un conocimiento previo de las disciplinas clásicas, pintura, escultura, construye sus escenografías y espacios con una diversidad de recursos de una gran potencia visual, que luego dota de voz y de texto. En sus cortos de animación, tecnología y conocimiento son utilizados para trasladarnos a una imagen distorsionada, donde la ironía, lo subjetivo, lo bello, lo feo,…, juegan como múltiples visiones de la realidad, de las acciones y maneras en cómo los seres humanos nos manifestamos. Hay algo de Comedias Bárbaras, de tragicomedia, del mundo al revés de “El licenciado vidriera”. Una visión, algunas veces, esperpéntica y, otras, llenas de humor y ternura. Los registros más cotidianos y populares, los muñecos más grotescos, nos hacen reflexionar sobre el sentir de los seres humanos en su sociabilidad e inconformismo: el deseo, el sexo, la agresividad, la desorientación, todo puesto ante nuestros ojos como una caricatura de la vida, pero una caricatura que nos hace pensar en lo que somos.

Vicente Molina, Villena, 1973.

VICENTEMOLINA

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Escenas del Cortometraje “Las recetas de YO”vídeo

Escenas del Cortometraje “I, II, III, IV”vídeo

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Imágenes del estreno de su cortometraje “Las recetas de Gloss y Klein”vídeo

Maquetas del Cortometraje “Capitán del Hacedor de estragos”

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Vitrina con bocetos y maquetas para “Capitán Hacedor de Estragos”

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Collage presentación de Exposición para Arte Último 21 días

S/TMixta sobre papel, 40x50 cm.

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Licenciado por la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, estudia el último curso en la Facultad de Cuenca con una Beca Séneca. Beca Art Visual para la creación artística del Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana. Simposium de Escultura Academia Nac. de Bellas Artes “San Alejandro” Ciudad de la Habana, Cuba. Y entre otros, cabe destacar la obtención del Primer Premio Bancaja de Escultura.

Álvaro Tamarit trabaja el volumen, la escultura, fundamentalmente con la madera, aunque también utiliza la pintura, el collage fotográfico, desde la visión del reciclaje, de la reconversión, con una preocupación por el mantenimiento del equilibrio entre naturaleza y sociedad, elementos primordiales a la hora de construir objetos. Las maderas que utiliza provienen del reciclado de su entorno, maderas que se desechan y que el mar devuelve a las costas. Con ello trata de lanzar un discurso ecológico, de ahorro, de recuperación de materiales y objetos, que de por si tienen una larga vida pero que son despreciados en cuanto pierden algo de brillo por una sociedad que prácticamente lo tira todo, sin contrastar la nobleza de esta materia. Tamarit fragmenta y reutiliza para componer nuevas piezas: escultura, pintura, collage, diseño, reciclaje, son los elementos primordiales que se combinan en su proceso creativo. Sus objetos y muebles,…, son obras que van más allá de su significación objetual o funcional, son esculturas que no siguen una disciplina de construcción sino al servicio de la concepción artística. Se sitúa en la tradición del diseño del siglo XX, en la que el objeto artístico se valora por sus cualidades estéticas al margen de su funcionalidad. Enamorado de los objetos de la casa, los envuelve en una mirada que va más allá, trascendiéndolos en obras únicas, partiendo del concepto sensible de la forma. En un proceso que analiza las diferentes maneras de ver e interpretar el diálogo entre diseño y escultura, desde la silla Rietveld hasta las esculturas de Artschwager, para llegar al concepto artístico directamente.

En la construcción de nuestro hábitat, la casa, su interior, la madera es el material primordial que hemos utilizado en esta ordenación del espacio, en todas las épocas y en todas las culturas. Álvaro Tamarit se identifica con esta tradición universal y ancestral para desarrollar su obra, su visión del entorno, su espacio vital, urbano. Se convierte, por el camino del arte, de la instrucción artística, en un hacedor de objetos, pero a diferencia de los artesanos que siguen unas convenciones determinadas, rompe, inventa las técnicas y las formas de construcción, llegando a una creación personal. ALFOMBRA ARBOREA, 2010

Madera. Dimensiones variables

Álvaro Tamarit, Jávea, 1976.

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ÁLVAROTAMARIT

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ALFOMBRA ARBOREA, 2010Madera. Dimensiones variables

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BANCO CON SILLAS I, 2011Madera y ruedas, 35x59x100 cm.

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CIUDAD HORMIGUERO I, 2010Fotocollage analógico sobre tabla, 173x53 cm.

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LÁMPARA ÁRBOL I, 2012Madera y bombilla, 47x42x131 cm.

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POBLADO EN LA SIERRA, 2012Madera y fotografía, 167x22x4 cm.

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PUERTA DECONSTRUIDA I, 2011Madera, 152x7x206 cm.

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SAVIA SABIA I, 2012Madera, 215x40x43 cm.

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Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, Beca Erasmus en la “Accademia di Brera” en Milán, Máster en Producción Artística en la Universidad Politécnica de Valencia, y beca-proyecto en “Culturia”, Berlín. Perceval Graells se expresa de una manera directa y absoluta con la pintura, buscando la significación del gesto sobre la superficie del lienzo. Acción que tiene que ver con los principios originarios del arte, con esa mirada donde la acción del brazo, de la mano, diseñada desde la cabeza, se resuelve en la instantaneidad y convierte la obra en una conclusión donde el estado de ánimo, la sensibilidad sobre el conocimiento subyacente, son los motores de la acción artística. Desde las pinturas de la cueva de Altamira, vinculadas a la reproducción de animales, la abstracción toma un dominio estructural importante. Así lo entendieron los expresionistas abstractos americanos, los informalistas españoles y los tachistas franceses. Williem de Kooning utilizó esa relación entre abstracción y figuración, sin renunciar a la expresión de la sensibilidad mediante el gesto. Antonio Saura también desarrolló a través del gesto una reflexión sobre la tradición iconográfica española, Goya, Velásquez, etc. Sin embargo, Manolo Millares se desvincula de esta vertiente figurativa, jugando exclusivamente con un proceso gestual. De la misma manera, Perceval Graells nos introduce en su mundo expresivo mediante grandes movimientos que luchan en el lienzo por contener y aprehender el espacio. Sin duda, en la actualidad como en tantos otros momentos de nuestra historia, las modas o maneras de ver exigen una pertenencia a determinados registros, marcados no por los artistas sino por una ambigüedad de conceptos y circunstancias de mercado que nadie sabe de dónde vienen pero que dan como resultado que cíclicamente se acepten o se den por finiquitadas algunas tendencias. Pero, sin embargo, resulta evidente que la estética del gesto, su trascendencia en el pensamiento y en el conocimiento humano, forma parte del proceso creativo, no solo plástico también literario, musical,…. El gesto en el lienzo como la palabra poética en el poema surge de una imagen mental, un simple trazo puede definir, componer, con sus delimitaciones de color esos espacios intersticiales que tienen la capacidad de dictarnos los principios sensibles del conocimiento y de la inteligencia humana. Perceval Graells asume una bella apuesta por esta concepción en la que la inmediatez suple al proceso impostado del arte. Un riesgo que la artista asume en pro de una frescura y de una visión universalista del arte.

María Perceval Graells, Elche, 1983.

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PERCEVALGRAELLS

33AL TERRA, 2012. Mixta sobre tela, 200x200 cm.

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PLAçA DE LES ESPèCIES, 2011Acrílic sobre tela, 146x114 cm.

VESPRADA DE COLOR, 2012Mixta sobre tela, 200x200 cm.

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PUNT DE PARTIDA, 2012Mixta sobre tela, 200x200 cm.

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DE TORNADA, 2012Mixta sobre tela, 200x200 cm.

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PUEBLO AzUL, 2011Acrílic sobre tela, 100x100 cm.

ÚLTIM DIA DE FRED, 2012Mixta sobre tela, 200x200 cm.

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Pablo Auladell es un ilustrador e historietista con más de treinta trabajos en editoriales como Anaya, De Ponent, Kalandraka, Barbara Fiore, Actes Sud l’An2, Les impressions Nouvelles, Orecchio Acerbo,… Segundo Premio del Ministerio de Cultura a las Mejores Ilustraciones de Libros Infantiles y Juveniles 2005, Premio al Autor Revelación en el Saló del Cómic de Barcelona de 2006. Participa en diversas exposiciones en España, Italia y Alemania, y como docente en Master Ars in Fabula en Macerata (Italia). Estamos ante un creador cuyo formato básico es el libro, como un objeto en el que texto e imagen confluyen en la creación de una obra artística. La ilustración en el s. XX con Gustav Doré, Dalí, con Picasso, se ha situado en la estimación artística más elevada. Ya el grabado, con Rembrandt, Goya, como una modalidad de la gráfica, es fundamental en el arte. Los pintores del Renacimiento ilustraron la Biblia, la mitología griega y romana,… Autores como el Bosco o Lichtenstein han marcado importantes pautas en este sentido. El concepto dibujo como expresión de un pensamiento, de una idea, está en el origen del arte plástico universal, desde las pinturas figurativas del paleolítico o las historias fragmentadas del neolítico, tan parecidas al cómic actual. En la actualidad, una de las características de los dibujantes de cómic e ilustración es que trabajan sobre la idea de un modelo tipo que prácticamente es su firma. Sin embargo Pablo, aunque en su trayectoria apreciamos un dibujo que lo identifica, realiza toda una investigación de la imagen, de los fondos, del color, de la textura, de la línea, toda una evolución de cambios que lo singulariza. Por su experimentación y profundización plástica, y por su capacidad creativa, su imagen posee una integridad que nos lleva a poder considerarla por sus propios valores, de manera autónoma al texto que ilustra. En la actualidad las relaciones entre la imagen de la ilustración y la imagen fotográfica, del cine y de la pintura es objetivo de la creación artística, dando lugar a una renovación del lenguaje plástico y de la imagen, que parece no tener miedo a la mezcla, superando estereotipos y prejuicios. El dibujo del ilustrador aunque se aviene al sentido del texto tiene que tener interés como imagen, como símbolo de esta historia y ser plásticamente independiente, con su propia fuerza y expresividad, poseer todos los elementos que hacen de una imagen algo relevante. Pablo Auladell utiliza el dibujo como el arma esencial, desarrollando diferentes concepciones, y cada una de ellas establece una reflexión, una relación muy directa con el campo de la pintura y de la imagen.

Pablo Auladell, Alicante 1972.

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PABLOAulAdelldell

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ILUSTRACIóN PARA LA PRINCESA qUE NUNCA SE REíA, (Ed. Anaya, 2011)

Lápiz y carboncillo sobre papel y color digital, 16,5x23 cm.

ILUSTRACIóN PARA EL PRíNCIPE ENCANTADO, (Ed. Anaya, 2011)Lápiz y carboncillo sobre papel y color digital, 16,5x23 cm.

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ILUSTRACIóN PARA GEORGIE PORGIE, (Ed. Kalandraka, 2011)Lápiz, carboncillo y acrílico sobre papel. 43x28,7 cm.

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ILUSTRACIóN PARA ALAS Y OLAS, (Ed. Barbara Fiore, 2011)Lápiz, carboncillo y acrílico sobre papel. 54x38 cm.

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ILUSTRACIóN PARA LAS FERIAS ABANDONADAS, (Inédita, 2012).Lápiz, carboncillo y pastel sobre papel. 57x34,8 cm.

ILUSTRACIóN PARA LAS FERIAS ABANDONADAS, (Inédita, 2012).Lápiz, carboncillo y pastel sobre papel. 28,5x34,8 cm.

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BOCETO PREPARATORIO PARA ELOíSA Y EL VIENTO, (Inédita, 2012)Lápiz, carboncillo y acrílico sobre papel. 21x29,7 cm.

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BOCETO PREPARATORIO PARA ELOíSA Y EL VIENTO, (Inédita, 2012)Lápiz, carboncillo y acrílico sobre papel. 42x29,7 cm.

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La obra de este autor está en importantes colecciones museísticas: IVAM (Valencia), Photomuseum (Zarautz), Musée de la Photographie à Charleroi (Bruselas- Bélgica), MUBAG (Alicante), Centro Storico Montecelio (Roma- Italia). Su trabajo se halla recogido en múltiples catálogos individuales y colectivos además de en cuatro libros monográficos, Mujeres de Octubre (Ed Pirámide, 1979), Colección (Ed. ONCE, 1988), Pepe Calvo (Ed. Aural 2004) y un libro de autor, premiado en los Fotoencuentros de Murcia. La trayectoria artística de Pepe Calvo, ya más de cuarenta años, se inicia en la fotografía analógica, en la que ha creado su propia técnica con el foto collage y el empleo de acetatos que le proporcionan el juego con el fragmento, la secuencia y la superposición de la transparencia, que hoy desarrolla con las tecnologías informáticas. Sus principales motivos de inspiración: la mujer, el cine, la fotografía de los grandes maestros, la fotografía de modas, la propia biografía, todo su mundo se concentra de manera más personal que nunca en este último proyecto, EGO, en el que el artista se retrata a sí mismo en la piel de los diferentes personajes que forman parte de su imaginario emocional e intelectual. Pero una de las características esenciales de la interpretación de esta realidad es su sensualidad. Sus formas nos remiten al mundo del erotismo, una investigación sobre la imagen del cuerpo en la que el artista busca reconocerse y conocer a los demás. El cuerpo forma parte de su iconografía, desde las posturas estereotipadas de los reportajes de modas, del cine, a las más eróticas del espacio íntimo. Roza la frontera entre lo prohibido y lo admitido. Un mundo pleno de sensualidad también en cuanto a la arquitectura, los interiores, espacios escogidos, sugerentes, que nos remiten a estéticas clásicas del XX y del XIX, en los que, en esa idea del desdoblamiento de la imagen, juega con la simetría, el reflejo, la repetición del espacio, del tiempo. EGO es una reflexión sobre sí mismo, es un juego de espejos entre el creador, la cámara y la imagen fotográfica. Un juego entre la estética, el humor y el sentimiento de diferentes modos de ser y estar. Todo un despliegue visual en el que el artista se busca así mismo desde las diversas ópticas que ha desarrollado a lo largo de toda su trayectoria, con las que ha construido su biografía. El autorretrato es un hecho revelador tantas veces repetido en la historia del arte. Y en esta mirada, Pepe Calvo nos muestra que el ser humano, el creador, tiene sin duda distintas caras.

Pepe Calvo, Alicante, 1947.

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PEPECalvo

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Triptico Cool and Groove, 2012Fotomontaje digital. 180x150 cm.

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LOVE, 2012Fotomontaje digital. 180x120 cm.

JOHANN/ JET LAG, 2012Fotomontaje digital. 160x100 cm.

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qUESTIONE DI FELING ó INICIACIóN A LA LICANTROPíA, 2012Fotomontaje digital. 180x150 cm.

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LA FUMéE TRèS GRAND CLASSE, 2012Fotomontaje digital. 170x150 cm.

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EXTRAORDINARIO CARA A CARA, 2012Fotomontaje digital. 180x145 cm.

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OFELIA PSICODéLICA, 2012Fotomontaje digital. 20x12 cm.

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Jesús Zuazo es un artista que, concentrado en la experimentación pictórica, decide realizar los estudios de Bellas Artes. Desarrollando a partir de entonces una actividad como profesor, durante más de veinte años, que ha compatibilizado con una profunda investigación en los diferentes dominios de la pintura y de la imagen, en su obra creativa: entre la figuración, la abstracción, el concepto,… Entendiendo la pintura como la expresión más controvertida en ese lugar tan difícil o límite, entre la tradición y la innovación contemporánea. Su experiencia con otras técnicas como la fotografía le lleva durante un tiempo prolongado a intentar conciliar la imagen fotográfica con la pintura. Hasta que decide su separación, primero con una pintura figurativa y luego con la abstracción, pero sin conclusiones tajantes que le cierren caminos. Llegar al lenguaje de la pintura es lo fundamental, quizá, por qué no, retome la figuración, el volumen,… También podemos hablar del Jesús Zuazo retratista, con una depurada técnica realista, del restaurador y del diseñador gráfico. Estamos ante un artista capaz de dominar diferentes registros, con una personalidad investigadora que lo lleva a interesarse profundamente por las motivaciones del arte y su relación con el pensamiento filosófico y científico. Su exigencia formal le requiere el entendimiento de las claves de la expresión pictórica: la idea de espacio, su concreción en la pintura, el volumen, la imagen, todas las claves figurativas y abstractas que le sirven para ordenar su mundo plástico, personal. Tampoco se puede olvidar, dentro de la biografía de Jesús, su fuerte vinculación con la música y la creación musical. Algo que, según él mismo afirma, le ha servido para comprender cómo la composición interviene en el resultado de su pintura.

En esta exposición Jesús Zuazo nos presenta su última obra, de 2012, en la que resume una investigación realizada desde principios del 2000, sobre la incidencia de la línea en las grandes superficies planas del cuadro, en una búsqueda del espacio dibujístico, de ese juego lineal que puede llegar a reinterpretar aspectos de la realidad, entre la abstracción y los espacios más referenciales. Estamos ante estructuras de espacio, de color, de línea, de volumen, en ese terreno originario en el que todo tiene un nacimiento y una proyección. Siempre en un constante diálogo con los principios de la contemporaneidad.

Jesús zuazo. Alicante, 1959.

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JESÚSZuaZo

57PARTY. Acrílico sobre tela, 130x130 cm.

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LITTLE BEEAcrílico sobre DM, 60x60 cm.

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ALMOST A LANDSCAPEAcrílico sobre tela, 200x300 cm.

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FULLES30x30 cm.

GREEN30x30 cm.

COUNTRY Acrílico sobre madera DM, 50x50 cm.

EL ESTUDIO DEL ARqUITECTOAcrílico sobre madera, 40x40 cm.

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COUNTRY Acrílico sobre madera DM, 50x50 cm.

EL ESTUDIO DEL ARqUITECTOAcrílico sobre madera, 40x40 cm.

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No sé I130x130 cm

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DUSTAcrílico sobre tela, 130x130 cm.

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Técnico Superior de Fotografía en Artes y Oficios de Orihuela, Alicante, y en diversos talleres con Pedro López Cañas, Díaz Maroto y Alberto García Alix. Becado por el Departamento de Artes Visuales de la Región de Murcia, realiza proyectos en torno al Paisaje Contemporáneo, con Mireya Masó y Bleda y Rosa. Mención de honor en el concurso ABC de Fotografía, 2002. Premio CAM de Fotografía, 2005. Seleccionado en la London Art Fair, “Photo 50”, 2007, en el Certamen de Artes Plásticas UNICAJA, 2008, y de la Diputación de Alicante, 2009. Con obra en la colección del Museo de Bellas Artes de Vitoria “Arteleku”.

La fotografía fue llamada por Fox Talbot, (1800-1877, Inglaterra), uno de sus inventores, “el lápiz de la naturaleza”. Este concepto se manifiesta especialmente en la obra de Paco Valverde. La fotografía ha tenido durante muchos años, sobre todo en España, la función documental como reproductora de la realidad, como el notario más importante que se puede conseguir a través de la imagen. Pero a partir de los años setenta, con autores como Bernd & Hilla Becher, la fotografía se empieza a entender como una imagen exclusivamente artística. La nueva escuela, sin desligar la fotografía de la realidad, algo imposible por su propia esencia, incide en una visión subjetiva o histórica de esta realidad. El análisis sobre la imagen real toma distancia hasta el punto de convertirla en una imagen en la cual el tiempo y el espacio quedan relegados a un segundo plano. En este sentido Paco Valverde nos propone una visión en la que la acción de la naturaleza, su deterioro causado por el hombre, por su acción u abandono, supone una de las transgresiones que marcan nuestra vivencia del paisaje. Paco Valverde realiza un trabajo de campo, recorriendo, viviendo y buscando esos enclaves en los que la naturaleza y la huella del hombre se confunden y manifiestan en ese deterioro lógico, en el que el tiempo inexorable va dejando su huella. Huella que Valverde nos trasmite en sus imágenes y también en estos últimos trabajos de vídeo “Mínimo ajuste de realidad”, buscando con ello una concienciación de nuestra situación en el mundo. Una denuncia explícita en ese contraste entre la belleza de las imágenes y la realidad más dura y palpable. Arte de transmisión y de viaje, en el que el camino recorrido es una parte importantísima del relato, cuando el relato son las imágenes que nos remiten a un pasado reciente, a la recuperación de una memoria. Paco Valverde nos va mostrando estas imágenes para situarse frente a la memoria de la realidad desde el arte y transmitirnos su pensamiento más profundo.

Paco Valverde. Hinojares, Jaén, 1964, vive y trabaja en Elx.

21díasARTE úLTIMO

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TIERRAS AL SUR DEL REINO DE ARAGóN. SAX, 2011Copia Cromogénica RC laminada sobre aluminio, 118x158 cm.

LA UNIóN. MURCIA, 2009Copia Cromogénica RC laminada sobre aluminio,100x120 cm.

COMPOSICIóN VARIABLE 2, 2012Vídeo.


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HOYO 1. CUENCA, 2012Copia Cromogénica RC laminada sobre aluminio, 135x172 cm.

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UNA DE LAS SIETE CIUDADES DE TUDMIR II, 2010

Copia Cromogénica RC laminada sobre aluminio, 135x172cm.

MAzARRóN MINAS, 2009Copia cromogénica RC laminada sobre aluminio, 135x172 cm.

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LA CASA DE FERNÁN GONzÁLEz. LIBERTADOR DE CASTILLA. LARA DE LOS INFANTES, BURGOS, 2011Copia Cromogénica RC laminada sobre aluminio, 172x135 cm.

OLIVO COMPOSICIóN VARIABLE, 2012Vídeo

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ISNB 978-8487367-74-8

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Catalogo de Exposición_Xavi Carbonell_Arte Ultimo