Contenidos Artística - Grado 11°...La mayor parte de las buenas obras han sido creadas, por tanto, si se quieren crear ... La horizontal es un plano soportante. Producen un sentimiento

2017

Gustavo Murillo López

I. E. Maestro Pedro Nel Gómez

Contenidos Artística - Grado 11°

CONTENIDOS ARTÍSTICA - GRADO 11° 2017


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PERÍODO 1 _______________________________________________________________________________ 2

TEMA 1. COMPOSICIÓN EN EL ARTE ________________________________________________________________ 2 COMPOSICIÓN. ______________________________________________________________________________ 2 SECCIÓN ÁUREA. _____________________________________________________________________________ 7 TEMA 2. ESTRUCTURAS POLIÉDRICAS _______________________________________________________________ 9 TRATAMIENTO DE LAS CARAS_____________________________________________________________________ 9 TRATAMIENTO DE LOS FILOS _____________________________________________________________________ 9 TRATAMIENTO DE LOS VÉRTICES ___________________________________________________________________ 9 TEMA 3. LA ESCALA _________________________________________________________________________ 10 ESCALA __________________________________________________________________________________ 10 CALCULAR UNA ESCALA _______________________________________________________________________ 10 TEMA 4. LA CIRCUNFERENCIA ___________________________________________________________________ 11 RECTAS DE LA CIRCUNFERENCIA __________________________________________________________________ 11 DIVISIÓN DE LA CIRCUNFERENCIA Y TRAZADO DE POLÍGONOS REGULARES ______________________________________ 11 POLÍGONOS REGULARES _______________________________________________________________________ 11 APLICACIONES _____________________________________________________________________________ 12

PERÍODO 2 ______________________________________________________________________________ 13

TEMA 4. ISOMÉTRICOS _______________________________________________________________________ 13 INTERPRETACIÓN DE VISTAS ____________________________________________________________________ 13 CUADRICULA ISOMÉTRICA ______________________________________________________________________ 14 TEMA 5. ARQUITECTURA ______________________________________________________________________ 17 EL REFUGIO. COMPORTAMIENTO ANIMAL Y HUMANO ___________________________________________________ 17 ANTROPOMETRÍA ___________________________________________________________________________ 18 LA CIUDAD ________________________________________________________________________________ 19 PEDRO NEL GÓMEZ ARQUITECTO ________________________________________________________________ 20

PERÍODO 3 ______________________________________________________________________________ 22

TEMA 6. EL TEATRO _________________________________________________________________________ 22 ORÍGENES DEL TEATRO ________________________________________________________________________ 22 EL TEATRO GRIEGO __________________________________________________________________________ 22 TEMA 7. ESTRUCTURA DE UNA OBRA TEATRAL _______________________________________________________ 24 TEXTO PRINCIPAL (EL CONTENIDO, PROPIAMENTE DE LA OBRA) _____________________________________________ 24 TEXTO SECUNDARIO (APORTA INFORMACIÓN PARA LA REPRESENTACIÓN TEATRAL) ________________________________ 25 LA REPRESENTACIÓN TEATRAL ___________________________________________________________________ 25 TEMA 8. LA OBRA DE ARTE _____________________________________________________________________ 26 CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES ____________________________________________________________________ 26 ACTORES DE LA CREACIÓN ARTÍSTICA ______________________________________________________________ 26 TEMA 9. LA APRECIACIÓN ARTÍSTICA ______________________________________________________________ 27 EXPERIENCIA DE LA APRECIACIÓN ARTÍSTICA __________________________________________________________ 27 TEMA 10. EL PROYECTO DE ARTE ________________________________________________________________ 28 CÓMO DESARROLLAR UN PROYECTO ARTÍSTICO _______________________________________________________ 28 FASES DEL DESARROLLO DE UN PROYECTO ___________________________________________________________ 28



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Período 1

Tema 1. Composición en el arte

Composición. Componer es igual a crear. La mayor parte de las buenas obras han sido creadas, por tanto, si se quieren crear composiciones artísticas hay que familiarizarse con algunos principios de la composición. En esencia la composición es, como se ha indicado, la selección y colocación de objetos en el área de trabajo.

Elementos de Composición.

El Punto Signo más sencillo que puede formar parte de una imagen; de dimensión variable, implica posición. Si hay 2 puntos hay planteamiento de medida y dirección implícita, creando tensión. El punto tiene gran fuerza de atracción sobre la mirada. Su situación dentro del encuadre crea relaciones de composición. El punto en el centro da una relación de equilibrio. Si se desplaza del centro surge un desequilibrio. La aparición de un segundo punto aumenta complejidad. Una secuencia regular de puntos determina un esquema de composición. Puntos relativamente cercanos se tiende a verlos agrupados formando figuras geométricas. Cuatro funciones plásticas del punto: Puede crear pautas figurales o patrones mediante la agrupación y repetición. Puede convertirse en el foco de la composición. Sucesiones de puntos favorecen el dinamismo. Tiene la capacidad de crear texturas.

La Línea Hay elementos que guían la mirada del espectador, que va siguiendo unas líneas imaginarias formadas en la obra, son las líneas de fuerza. La línea indica posición y dirección y posee energía. La línea es capaz de expresar emociones: línea gruesa se asocia con audacia, línea recta es fuerza y estabilidad, la línea en zigzag es excitación (todo es generalización). Líneas rectas de misma longitud y grosor en agrupaciones paralelas introducen factores de relación proporcional e intervalos rítmicos. Horizontales y verticales introducen el principio de las oposiciones equilibradas de tensiones. La vertical expresa una fuerza de significación primordial: la gravedad. La horizontal es un plano soportante. Producen un sentimiento satisfactorio, porque simbolizan la experiencia humana del equilibrio absoluto. Las diagonales introducen impulsos direccionales y dinamismo.



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Funciones plásticas de la línea:

Crea vectores de dirección, básicos para organizar la composición.

Aporta profundidad a la composición, sobre todo en las representaciones planas. Introducir en escena un objeto longitudinal, ubicado en el cuadro sobre una orientación oblicua, favorece la sensación de profundidad.

En todas las representaciones en perspectiva central se codifica la profundidad espacial gracias a las líneas convergentes.

Separa planos y organiza el espacio. No es función exclusiva de la línea.

Da volumen a los objetos bidimensionales. Las tramas de líneas entrecruzadas crean sensación de volumen (recurso de los grabadores).

Puede representar tanto la forma como la estructura de un objeto.

A modo de resumen:

La línea es un punto en movimiento que divide, delimita o separa un área y define una forma.

Con la línea creamos un dibujo o estructuramos una composición.

La línea por si sola puede mostrar emociones y sensaciones.

La línea recta expresa estabilidad, vigor, seguridad (masculina)

La curva expresa voluptuosidad, indecisión y movimiento (femenina)

Expresa energía y movimiento si es cerrada.

Si es irregular expresa movimiento e intranquilidad.

La vertical es estable, digna y fuerte.

La horizontal es sólida y reposada.

La recta inclinada es activa, excitada. Si es excesiva dará la sensación de desplome.

La línea rota y en múltiples direcciones expresa confusión y discordia.

La base de toda creación reside en la combinación de las formas lineales y la subdivisión de áreas.

La línea define puntos focales o de mayor interés.

La línea es el camino para la vista.

La Textura Textura es agrupación de pautas situadas a igual o similar distancia unas de otras sobre un espacio bidimensional, pueden tener relieve. Podemos reconocerla por el tacto, la vista o ambos. La textura puede tener cualidades ópticas u ninguna táctil (líneas impresas). La repetición de líneas y la repetición de puntos, crea trama que puede crear texturas. La función plástica de la textura es se capacidad para sensibilizar superficies. Las superficies texturadas ofrecen opacidad, pesan más y posee uniformidad. Los tipos son: orgánicas y geométricas. La otra función de la textura es la codificación del espacio en profundidad.

El Color. Por tanto, podemos definirlo como, una sensación que se produce en respuesta a la estimulación del ojo y de sus mecanismos nerviosos, por la energía luminosa de ciertas longitudes de onda.

Funciones Plásticas del Color

Contribuye a la creación de un espacio plástico bidimensional o tridimensional. Puede crear perspectiva basándonos en el contraste de luces y sombras o valor tonal del color.

Tiene la capacidad de crear ritmos espaciales. Basándonos en las diferencias de matiz y brillo, podemos representar una estructura rítmica.

Tiene manifestaciones sinestésicas. Hay una base estructural común para todas las clases de sensaciones. Poseemos una facultad de percibir propiedades que es común a la vista, el oído, el tacto y el gusto.



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Significados del Color

El color posee carga de significaciones comúnmente aceptadas. Las convenciones culturales provocan que lo que en unas áreas geográficas exprese luto, en otras se transforma en alegría. Los colores no tienen una traducción exacta aunque se advierte cierta repetición de asociaciones.

Negro: los siniestro, lo desconocido, el misterio.

Gris: sugiere comedimiento e inteligencia. Grises son neutros, fríos, sin compromisos ni implicaciones. Transmite desánimo, aburrimiento. Hay quien lo relaciona con el pasado y la vejez.

Blanco: la luz y el día se emparentan con la pureza, color de la virginidad/ inocencia. Símbolo de la paz y la armonía.

Rojo: vinculado con el corazón, la sangre y la vida. Es agresivo, excitante. Implica acción y movimiento. Es un color muy visible, indicador de peligro.

Naranja: es rico y extrovertido. Fluorescente es uno de los colores más visibles. Es un color de alarma. Su brillantez aumenta cuando disminuye la luz solar.

Amarillo: color reflectante. Tiene un sentido de avance. Color más visible cuanto más saturado esté. Color de la jovialidad, de la risa y el placer. Es el color del oro y la opulencia. La alegría del amarillo deja paso a cualidades negativas como la traición, la cobardía o egoísmo.

Verde: es el color de la naturaleza y la esperanza. Es juventud y fertilidad. Tiene propiedades sedantes y tranquilizadoras. Puede llegar a ser podredumbre y decadencia. Es veneno y los celos son verdes, como los reptiles.

Azul: es infinito, noble y grandioso (cielo y mar). LO azul es bello y majestuoso aunque pasivo. La confianza y la fidelidad son azules. Tiene un componente frío; preciso y ordenado. Si pierde luminosidad tiene un aire triste.

Violeta: color del lujo y a ostentación. Aroma del prestigio, la dignidad y la elegancia. El poder evocador lo lleva a representar otros valores: el misterio de la Pasión cristiana, el engaño, el hurto.

La Luz. Elemento esencial del que nacen propiedades explicadas anteriormente. Las posibilidades de iluminación van desde la luz puntual a la rebotada de modo uniforme. Existen dos tipos de luz; natural y artificial.

Iluminación

La dirección y altura de la luz que incide en la escena es de gran importancia porque es uno de los factores que influye en el aspecto final de la imagen. De ella también depende la planimetría o la tridimensionalidad, la mayor o menor intensidad de la textura y la fuerza de los colores.

Iluminación lateral: se obtiene la ilusión del volumen.

Iluminación frontal: proporciona información pero el resultado es plano.

Contraluz: destaca la silueta. Alrededor se genera un halo que la destaca del fondo.

Iluminación cenital: de arriba abajo, es inhabitual. Se quiere opinar con la luz, daría aspecto deprimido, aplastado.

Es raro encontrar estas direcciones básicas en estado puro. Lo usual es la combinación de varias.

Calidad de la Luz

Es otra de las cualidades de la luz que afecta la escena. Las sombras no siempre tienen bordes rígidos; a veces parecen desvanecerse contrastando muy poco con las zonas iluminadas. La "dureza" o "suavidad" de las sombras son indicadores de la calidad de la luz.

Luz dura: La luz dura da sombras de contornos rígidos y bien marcados. Cuanto menor (más puntual) sea la fuente lumínica y más esté alejada del motivo, mayor dureza tendrán las sombras. Este tipo de luz resalta la textura, las formas y produce colores vivos. Ejemplo la luz de sol en cielo despejado.

Luz semidifusa: Cuanto más grande es la fuente lumínica y más próxima está al motivo, más suave es la calidad de la luz. Las sombras se presentan claramente pero con bordes no tan nítidos.

Luz dispersa: cuando la fuente luminosa difunde la luz a través de una pantalla (como el Sol queatraviesa una nube ligera) los rayos se dispersan generando sombras con bordes menos definidos.



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El claroscuro es técnica de luz y sombra, contrastada. Su finalidad es enfática. La sobra marca, precisa, modela las formas. La luz puede influir en la percepción dependiendo de su dirección. La dirección tiene más peso en luz dura.

Equilibrio en la Composición. Una vez estudiados los elementos debemos estudiar la manera en la que se relacionan dentro de la obra, creando ritmos, tensiones, direcciones.

El Ritmo. El ritmo es orden acompasado en la sucesión o acaecimiento de las cosas, debemos utilizar el espacio y el tiempo. En un medio plástico se redefine en estructura y periodicidad. La estructura está dividida por elementos sensibles y los intervalos. La secuencia rítmica se articula según una relación simple (intervalo/elemento fuerte). Los intervalos y elementos del ritmo constituyen la estructura rítmica, la cual se expresa a través de una proporción. Esta proporción implica relación y orden y constituye la esencia del ritmo. Otro componente es la periodicidad, regula la presencia en el espacio de los elementos e implica repetición. Esta repetición tiene una cualidad dinámica en la obra. El ritmo se alcanza con la composición de estructuras o por el juego de repeticiones. La primera asume los principios de diversidad, jerarquía y orden entre elementos rítmicos y la segunda responde a los principios opuestos. La principal función del ritmo es la dinámica que introduce.

El Peso. Es el valor de actividad plástica de un elemento en la imagen. Se modifica por la interacción plástica del contexto. Los factores modificadores del peso visual son siete:

Su ubicación sobre la superficie del cuadro. El peso aumenta a medida que se separa de la base del cuadro. Se incrementa el peso en la zona derecha de la composición.

El tamaño de un objeto es el procedimiento más simple para equilibrar la diferencia de pesos debida a la ubicación. Figuras de igual forma, tamaño y color situadas en el centro de las dos mitades de un cuadrado da una composición algo desequilibrada, bastará que se aumente un poco el tamaño de la inferior o se disminuya el de la superior.

Las formas irregulares pesan más a condición de que posean contornos definidos y no sean simples manchas.

El color. Los colores cálidos pesan más que los colores fríos.

El peso aumenta con la profundidad de campo siempre y cuando esté a foco.

Los objetos con un acabado texturado pesan más.

El aislamiento. Las figuras aisladas pueden equilibrar a una masa de muy superior tamaño. La explicación que un objeto aislado crea un centro de atención que influye en el resto de la composición.

La Tensión. Se explica a partir de dos propiedades que la definen: la fuerza y la dirección. La fuerza visual de la tensión será directamente proporcional al grado de deformación; y su dirección del restablecimiento del estado natural del elemento.



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Factores generadores de tensión:

La proporción. Toda la tensión que se perciba como deformación de un esquema simple, producirá tensión dirigida al restablecimiento del esquema original.

La orientación oblicua es muy dinámica y provoca tensión. Debido a que la oblicuidad se aparta de las orientaciones básicas del espacio (horizontal y vertical), produciendo tensiones a restablecer esas orientaciones, siempre que la desviación respecto a las mismas sea pequeña.

La forma aporta tensión, es uno de los factores de los que depende el peso visual de un elemento. Cualquier forma distorsionada produce tensiones dirigidas al restablecimiento de su estado original. Situaciones y relaciones plásticas de la forma que aumentan la tensión:

o Formas irregulares, asimétricas y discontinuas. o Formas incompletas. o Formas escorzadas. o Representación no convencional de una forma. o Formas sombreadas y con textura. o Existen otros recursos plásticos. Los más comunes son: o El contraste cromático (frío y cálido, claro y oscuro). o Las sinestesias (táctiles y acústicas). o Representación que fuerce la profundidad produce tensión en la dirección que marque el avance

desde el primero hacia el último término al foco de la composición. Es erróneo pensar que podemos crear tensión con una fase congelada de un movimiento real o que una composición desequilibrada es más dinámica que una equilibrada.

Un efecto complementario a la oblicuidad es el conocimiento del observador de la orientación natural del objeto.

La Dirección. Todos los contornos básicos expresan tres direcciones visuales básicas: el cuadrado, la horizontal y la vertical; el triángulo, la diagonal; el círculo, la curva. Cada una tiene un fuerte significado y es herramienta para la confección de mensajes visuales. La referencia horizontal−vertical constituye la referencia primaria del hombre respecto a su bienestar. Su significado tiene que ver con la relación entre el organismo humano y el entorno, con la estabilidad en todas las cuestiones. Facilita el equilibrio de todas las cosas. La dirección diagonal está relacionada con la idea de estabilidad. Es la formulación opuesta, es fuerza direccional inestable, provocadora. Su significado es amenazador. Las fuerza direccionales curvas están asociadas al encuadramiento, la repetición y el calor.

El Tamaño y la Escala. La principal característica plástica de los elementos escalares es su naturaleza cuantitativa. El tamaño, el formato, la escala y la proporción definen cuantitativamente la unidad espacio−temporal, pero no olvidemos que lo cuantitativo deviene en cualitativo. Característica que define la naturaleza plástica de los elementos escalares es su relación:

Relación cuantitativa entre la imagen y la realidad.

Entre las partes de un todo.

Relación entre la horizontal y la vertical.

El tamaño objetivo de una imagen.

La última característica común a los elementos es la influencia que tiene sobre la legibilidad de la imagen, legibilidad referida a las condiciones necesarias para garantizar una recepción correcta de la imagen. El impacto visual no es fácilmente objetivable pero comporta una atracción por las representaciones de gran tamaño por la dimensionalidad y porque significa una desviación de tamaño medio.



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La Escala.

Es elemento imprescindible que posibilita la ampliación o reducción de un objeto sin alterar las propiedades estructurales o formales de éste. Implica relación de tamaño y la cuantificación de dicha relación. Es conveniente distinguir escala externa (relación entre el tamaño absoluto de la imagen y el de su referente en la realidad) de escala interna (relación entre el tamaño de un objeto representado en la imagen y el tamaño global del cuadro. La escala interna ha dado origen a la gramática de los planos fotográficos y cinematográficos, determinado por tres hechos:

Tamaño objetivo del objeto

Distancia entre el objeto y la cámara.

Distancia focal de objetivo.

De la concordancia de estos tres factores surge:

Plano general: figura humana dentro del cuadro es reducida, es susceptible de una pequeña subdivisión, el plano general largo, en el que la figura aparece en el horizonte con un tamaño muy pequeño; y el plano general corto, figura más cercana al punto de vista (un tercio del cuadro).

Plano de conjunto entre la figura humana y los bordes del cuadro existe algo de aire, ocupando la figura las tres cuartas partes del cuadro.

Plano entero: los pies y cabeza de la figura limitan con los borde del cuadro.

Plano medio: figura incompleta por la parte inferior. Dependiendo de dónde se produzca el corte es plano americano (por las rodillas), o plano medio corto (por el busto)

Primer plano: representa la cabeza y parte de los hombros. Primerísimo primer plano es sólo la cabeza.

Plano detalle: cuando el cuadro es más pequeño que la representación de la cabeza de la figura. Se emplea para referirse a la representación parcial de un objeto cualquiera.

Punto de Vista. Otra de las herramientas al realizar la composición es el punto de vista desde donde nos situamos para ver dicha obra y situamos al espectador. En función de esta posición transmiten sensaciones.

Toma a nivel: nuestro punto de vista está al mismo nivel del objeto tomado. Muestra o describe algo de manera natural u objetiva.

Toma en picado: la imagen si toma desde una posición más alta que el objeto. Debido a la perspectiva que se produce nos coloca psicológicamente por encima del sujeto. Se quiere transmitir una sensación de inferioridad, debilidad o humillación.

Toma en contrapicado: punto de vista se sitúa desde un lugar más bajo que el motivo tomado. Nos coloca en una posición psicológica de inferioridad respecto al elemento, es útil para reforzar la imagen de superioridad en algunos retratos, da importancia o poder.

Toma en cenital: imagen se toma en un ángulo totalmente de arriba hacia abajo. Produce una gráfica sin perspectiva. Logramos dar información acerca del entorno del sujeto.

Toma nadir o supina: cámara se sitúa completamente por debajo del personaje, perpendicular al suelo. Pocas situaciones en las que usamos con acierto el plano nadir: arquitectura.

La Proporción. Es la manera en que se divide el área de la imagen, es una cuestión importante porque estas proporciones son las que provocan el primer impacto sobre el ojo. La cuestión de las proporciones ha tenido un interés interrumpido para los artistas, en el Renacimiento y el siglo XVII, se usaron sistemas geométricos para establecer divisiones armónicas de área de la pintura, incluso para determinar las proporciones del encuadre. ¿Por qué es tan importante? A través de los siglos, el hombre ha intentado transmitir la belleza, acercarse a la creación divina: la naturaleza y el ser humano, donde parece que todo sigue un orden. El artista ha intentado hacerse eco de esta proporción y armonía intentado.

Sección Áurea. La sección áurea del latín sectio aurea es una proporción que aparece entre los segmentos de una recta al dividir ésta en media y extrema razón. Una recta AB queda dividida por un punto F en otros dos segmentos (AF y FB) de tal forma que el segmento mayor es al menor, como el todo es al mayor.



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Sección áurea es simplemente una proporción concreta. Esta proporción ha desempeñado un importante papel en los intentos de encontrar una explicación matemática a la belleza, de reducir ésta a un número, de encontrar “ la cifra ideal ". La cuestión de las proporciones ha tenido un interés interrumpido para los artistas, en el Renacimiento y el siglo XVII, se usaron sistemas geométricos para establecer divisiones armónicas de área de la pintura, incluso para determinar las proporciones del encuadre. ¿Por qué es tan importante? A través de los siglos, el hombre ha intentado transmitir la belleza, acercarse a la creación divina: la naturaleza y el ser humano, donde parece que todo sigue un orden. El artista ha intentado hacerse eco de esta proporción y armonía intentado componer sus obras con orden. Se ha intentado siempre averiguar cuál es la divina proporción.

División de un Segmento en media y extrema razón. Partimos del segmento AB y queremos encontrar un punto F, tal que los segmentos AF y FB, estén en proporción áurea. Para ello, levantamos la perpendicular BD de una altura igual AB/2, con centro en D llevamos esta altura a la hipotenusa del triángulo ABD y obtenemos E; ahora con centro en A y radio AE calculamos el punto F.

Construcción de un Rectángulo Áureo. Se obtiene dibujando un cuadrado y marcando el punto medio de uno de su lados Lo unimos con uno de los vértices del lado opuesto y llevamos esa distancia sobre el lado inicial, de esta manera obtenemos el lado mayor del rectángulo.

Actividad

Construye una composición utilizando rectángulos áureos según las indicaciones del profesor, debes luego pintarla y definir en ella elementos de composición como centro de interés, patrones entre otros.



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Tema 2. Estructuras poliédricas Los poliedros son figuras fascinantes que pueden ser adoptadas como figuras básicas en el diseño tri-dimensional. Son poliedros convexos cuyas caras son polígonos regulares iguales y en cuyos vértices se unen el mismo número de caras. Entre ellos hay cinco solidos geométricos, fundamentales y regulares, que son de primordial importancia. Como grupo se le conoce con el nombre de solidos platónicos e incluyen el tetraedro (cuatro caras), el cubo (6 caras), el octaedro (ocho caras), el dodecaedro (12 caras), el icosaedro (20 caras). Cada uno de ellos está construido de caras regulares, todas iguales, y sus vértices son ángulos poliédricos regulares.

Tratamiento de las caras Si el poliedro ha sido construido hueco, el tratamiento más simple para las caras es agregar figuras negativas en algunas o todas las caras, revelando el espacio vacío interior.

Tratamiento de los filos A lo largo de los filos de un poliedro pueden agregarse o sustraerse figuras. Cuando se sustraen, las caras quedan también afectadas, porque no podemos quitar nada de un filo sin quitar una parte de las caras adyacentes.

Tratamiento de los vértices El tratamiento de los vértices afecta normalmente a todas las caras que se unen en el punto de ese vértice. Una forma de tratarlos es por truncamiento, lo que supone que los vértices son cortados y que se forman nuevas caras en las zonas cortadas. El truncamiento conduce habitualmente a la creación de una nueva figura poliédrica.

Actividad

Construye una estructura poliédrica utilizando cartulina plan de colores y las plantillas sugeridas por el docente. Visita el sitio http://www.educacionplastica.net/polientrelaz.html y descarga las plantillas para para la realización de la actividad.

http://www.educacionplastica.net/polientrelaz.html



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Tema 3. La Escala

Escala Es la relación matemática que existe entre las dimensiones reales y las del dibujo que representa la realidad sobre un plano o un mapa.

Tipos de escala Existen tres tipos de escalas llamadas: Escala natural: Es cuando el tamaño físico del objeto representado en el plano coincide con la realidad. Existen varios formatos normalizados de planos para procurar que la mayoría de piezas que se mecanizan estén dibujadas a escala natural; es decir, escala 1:1. Escala de reducción: Se utiliza cuando el tamaño físico del plano es menor que la realidad. Esta escala se utiliza para representar piezas (1:2 o 1:5), planos de viviendas (1:50), mapas físicos de territorios donde la reducción es mucho mayor y pueden ser escalas del orden de 1:50.000 o 1:100.000. Para conocer el valor real de una dimensión hay que multiplicar la medida del plano por el valor del denominador. Escala de ampliación: Se utiliza cuando hay que hacer el plano de piezas muy pequeñas o de detalles de un plano. En este caso el valor del numerador es más alto que el valor del denominador o sea que se deberá dividir por el numerador para conocer el valor real de la pieza. Ejemplos de escalas de ampliación son: 2:1 o 10:1.

Calcular una escala Partiremos de un ejemplo para comprender como con una regla normal podemos calcular una escala determinada. Si queremos por ejemplo trabajar con una escala 1:50 utilizando la regla, haremos el siguiente procedimiento: Ejemplo 1 1:50 nos está indicando que la unidad real, es decir, un metro lo estaríamos representando en su cincuentava parte. Es claro también que un metro equivale a cien centímetros por lo tanto si dividimos 100cms entre 50, tendremos el valor de dos centímetros (2cms), lo que nos dice, que un metro lo estaremos representando con dos centímetros. Ejemplo 2 1:200 nos está indicando que la unidad real, es decir, un metro lo estaríamos representando en su doscientosava parte. Es claro también que un metro equivale a cien centímetros por lo tanto si dividimos 100cms entre 200, tendremos el valor de cero con cuatro centímetros (0,4cms), lo que nos dice, que un metro lo estaremos representando con cero con cuatro centímetros (0,4cms) o lo que es lo mismo 4mm.

Actividad

Cambia la escala del gráfico que te indique el profesor a las escalas de reducción indicadas.



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Tema 4. La circunferencia Es una curva plana y cerrada cuyos puntos equidistan de otro punto llamado centro. El conocimiento de este elemento geométrico viene de los albores de la civilización, puesto que siempre ha estado presente en la forma aparente de los astros como el sol, la luna y otros elementos naturales y artificiales que rodean al hombre.

Rectas de la circunferencia Radio: Es el segmento (OC) que une el centro de la circunferencia con un punto cualquiera de la misma. El radio también es la longitud del segmento del mismo nombre. El radio es igual a la longitud de la circunferencia dividida entre 2π. Diámetro: Es el segmento (AB) que une dos puntos de la circunferencia que pasa por el centro de esta. El diámetro también es la longitud del segmento del mismo nombre. El diámetro mide el doble del radio. Cuerda: Es el segmento (DE) que une dos puntos de la circunferencia. El diámetro es la cuerda de longitud máxima.

Sagita: Es el segmento de perpendicular (FG) comprendido entre el punto medio de una cuerda y el arco correspondiente. Secante: Es la recta (HI) que corta a la circunferencia en dos puntos. Tangente: Es la recta (JK) que toca a la circunferencia en un solo punto.

División de la circunferencia y trazado de polígonos regulares La circunferencia puede dividirse en partes iguales, bien sea mediante el uso del transportador o a través de construcciones geométricas.

Polígonos regulares La unión continua de los puntos de la división de la circunferencia, mediante rectas, origina las figuras geométricas llamadas polígonos regulares inscritos, los cuales se caracterizan por tener sus lados y sus ángulos iguales.

Elementos de los polígonos regulares En un polígono regular se distinguen los siguientes elementos:

Lado: Cada una de las rectas que delimitan un polígono.

Vértice: Es el punto de intersección de dos lados consecutivos.

Diagonal: Es el segmento de recta que une dos vértices no consecutivos.

Apotema: Es la perpendicular trazada desde el centro a uno de sus lados.



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Aplicaciones

Trazado de rosetas Las rosetas son figuras geométricas cuya similitud con una flor les genera su nombre. Pueden realizarse rosetas mediante el trazado de polígonos rectilíneos o curvos, siendo estos últimos los que más parecido presentan con una flor.

Nudos decorativos Los nudos geométricos son figuras formadas al entrelazar una cinta que sigue el recorrido de un polígono estrellado de un número impar de puntas, El enlace de la cinta se realiza considerando que una punta aparente se intercala pasando por arriba y por abajo, formando así una trayectoria sin fin.

Enlace de polígonos Son figuras que se forman al entrelazar dos figuras poligonales semejantes. Estas figuras decorativas se trazan a partir de polígonos cuyo número de lados sea divisible de un número entero de partes.

Polígonos decorados Al trazar todas las diagonales de un polígono regular, o parte de ellas, en el interior del polígono se forma una serie de figuras geométricas dispuestas de manera armónica, las cuales al colorearse ordenadamente, generan figuras en forma de vitral.

Actividad

Construye tres polígonos regulares inscritos, utilizando el transportador y traza sus diagonales. Elabora una de las aplicaciones vistas en clase y coloréala según las indicaciones del docente.



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Período 2

Tema 4. Isométricos El dibujo isométrico consiste en el trazado de un dibujo en el cual las rectas que representan las tres dimensiones principales se disponen igualmente espaciadas a 120° y donde se observan simultáneamente tres de las seis caras principales del volumen. En la proyección isométrica las distancias de altura, anchura y profundidad se dibujan teniendo en cuenta las dimensiones reales.

Interpretación de vistas El dibujo por proyecciones ideado por el matemático francés Gaspar Monge es el sistema que permite la representación de cuerpos o volúmenes, incluyendo los más complejos, y realiza la descripción de la forma y el tamaño mediante la representación lineal con la claridad y precisión que muy difícilmente se lograría mediante la aplicación del dibujo ilustrativo. El dibujo de proyecciones es un sistema usado para describir la forma de un objeto, mediante imágenes teóricamente proyectadas sobre dos o más planos, que forman entre si ángulos rectos. En las proyecciones, los planos se sitúan paralelos a las caras principales del volumen, y las líneas que proyectan la cara del volumen hacia el plano son paralelas y perpendiculares a este.



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En las proyecciones, los espacios vacíos corresponden a porciones retiradas a lo largo de las distancias de anchura altura o profundidad.

Cuadricula isométrica La cuadricula isométrica se representa cruzando líneas inclinadas a 30°. Este tipo de cuadricula facilita el trazado y el centrado de los dibujos isométricos. La cuadricula isométrica está formada por rombos cuyos lados tienen la misma longitud que la diagonal menor, lo cual permite realizar mediaciones a lo largo de los tres ejes isométricos. Así, las distancias de anchura y profundidad se miden sobre las líneas inclinadas y las de altura teniendo en cuenta la línea vertical que puede trazarse conectando los vértices de los rombos.

Actividad

Visita la siguiente página y practica los ejercicios allí propuestos para mejor comprensión de la temática vista en clase. http://educacionplastica.net/3dcube_model/vistas_3d_2x2.html http://educacionplastica.net/zirkel/vistas13.html http://educacionplastica.net/model3d.htm

Realiza los siguientes ejercicios.

http://educacionplastica.net/3dcube_model/vistas_3d_2x2.html

http://educacionplastica.net/zirkel/vistas13.html

http://educacionplastica.net/model3d.htm



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Vista lateral iz

q. Vista frontal

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Vista superior

Vista frontal Vista lateral izq.0

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Vista superior


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Vista lateral iz

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Vista superior


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Vista lateral iz

q. Vista frontal

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Tema 5. Arquitectura Es el arte y la técnica de proyectar, diseñar, construir y modificar el Hábitat humano, incluyendo edificios de todo tipo, estructuras arquitectónicas y urbanas y espacios arquitectónicos y urbanos. El término «arquitectura» proviene del superlativo griego αρχ (arch, cuyo significado es ‘jefe’, ‘autoridad’ o ‘más que’), y τεκτων (tekton es decir ‘constructor’). Así, para los antiguos griegos, el arquitecto era el jefe o director de la construcción y la arquitectura la técnica o arte de quien realizaba el proyecto y dirigía la construcción de los edificios y estructuras, ya que la palabra Τεχνη (techné) significa ‘creación, invención o arte’. De ella proceden las palabras «técnica» y también «tectónico» (‘constructivo’). Según el tópico popular, en el tratado más antiguo que se conserva sobre la materia, de Architectura, de Vitruvio, Siglo I a. C., se dice que la arquitectura descansa en tres principios: la Belleza (Venustas), la Firmeza (Firmitas) y la Utilidad (Utilitas). La arquitectura se puede definir, entonces, como un equilibrio entre estos tres elementos, sin sobrepasar ninguno a los otros. No tendría sentido tratar de entender un trabajo de la arquitectura sin aceptar estos tres aspectos.

El refugio. Comportamiento animal y humano Una sombrilla, una manta, un sombrero son objetos para la protección y el abrigo. Los animales disponen de cáscaras, de escamas, de plumas, de pieles. Los humanos usamos abrigos que nos protegen del frío, impermeables que nos protegen de la lluvia, cremas protectoras y gafas de sol. Los animales pueden ser grandes constructores. Hay pájaros con nidos extremadamente elaborados. Las termitas construyen grandes edificios en altura, los castores hacen presas que propician la creación de humedales. Colmenas, hormigueros, conchas de moluscos, madrigueras… un sinfín de curiosos refugios en los que sobreviven individuos de todas las especies. Nuestros antepasados homínidos, cuyo refugio eran los árboles, se alojaron aprovechando rincones, grietas, cuevas y otros enclaves naturales. Mucho más tarde las primeras construcciones se excavaron en rocas, se elevaron sobre cerros, buscando siempre esa protección inherente a la arquitectura. Los condicionantes de esa arquitectura primitiva fueron la temperatura, el viento y la humedad. Los recursos disponibles: la tecnología y los materiales. Y el elemento determinante último, el modo de vida de los pueblos. En latitudes polares los recursos son escasos y se utiliza como material de construcción el agua, en forma de bloques de nieve aparejados en superficies de doble curvatura hasta formar iglús. En otras regiones cercanas a canteras, la piedra; a bosques, la madera; si se trata de comunidades nómadas; las pieles; en desiertos, los textiles. Existen múltiples combinaciones y variantes de todos estos tipos. Refugios que se transportan, refugios que se mueven sobre ruedas o mediante velas, refugios sobre árboles y sobre el mar, refugios bajo tierra. Hay tantos tipos de refugio como sociedades en el mundo.

Actividad

En equipos de dos estudiantes, construye un refugio en el que se apliquen los conceptos que propuso Vitruvio (utilidad, firmeza y belleza). Realizaran un modelo para una persona a escala 1:50 utilizando como material el papel. Refugio: lugar que acoge a una persona para protegerse de algo.



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Antropometría El punto de partida en todo diseño es el hombre. La antropometría (medida del hombre) cumple una función muy importante en la arquitectura, donde se emplean datos sobre la distribución de medidas corporales y adecuarlos a los espacios. La arquitectura está subordinada a unas medidas que la hacen o no habitable. Imaginemos un edificio en el que las ventanas están situadas por encima de nuestras cabezas y para asomarnos tuviésemos que subirnos a un taburete. Sería bastante incómodo y muy poco funcional. Las medidas en arquitectura son esenciales para consolidar la tríada firmeza-utilidad-belleza. La medida es fundamental para el cálculo estructural, el cumplimiento de las funciones y la armonía compositiva. Le Corbusier, famoso arquitecto, creó el Modulor, un sistema métrico que relaciona las medidas del cuerpo y de la naturaleza, para establecer una base de las medidas arquitectónicas. Le corbusier decía acerca de su pequeña obra Le Cabanon: “Tengo un castillo en la Costa Azul que tiene 3,66 metros por 3,66 metros (…) Una puerta minúscula, una escalera exigua y el acceso a una cabaña incrustada debajo de los viñedos. Solamente el sitio es grandioso, un golfo soberbio con acantilados abruptos”.

Actividad

En equipos de tres estudiantes organiza los componentes básicos de una habitación principal cotidiana, teniendo en cuenta que se permita la circulación de las personas dentro de este espacio. El área a trabajar será de 10m2

Cama doble 2mx1,90m

Closet 0,50mx1,50m

Ventana 1,50mx1,20m

Puerta alcoba 0,80mx2,10m



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La ciudad Ciudad, del latín civitas, es el área urbana que presenta una alta densidad de población, conformada por habitantes que no suelen dedicarse a las actividades agrícolas. La diferencia entre las ciudades y otras entidades urbanas está dada por la densidad poblacional, el estatuto legal u otros factores. Cabe mencionar que no existe una definición precisa de este término.

Características Entre las características principales de las ciudades, se encuentra el predominio de las viviendas colectivas y verticales (los edificios), la desarrollada infraestructura de transportes y comunicaciones y el escaso terreno destinado a los espacios verdes. La alta densidad poblacional, la elevada presencia de coches y otros vehículos y los pocos espacios verdes hacen que las ciudades suelan presentar niveles de contaminación que atentan contra la salud. Las grandes ciudades suelen contar con un distrito financiero, que alberga a las principales instituciones financieras y las sedes de las grandes empresas. Es habitual que estos distritos financieros reciban diariamente a millones de personas que se acercan para trabajar, y muy poca gente vive allí de forma permanente.

Metrópolis Una metrópolis es un gran centro poblacional, que consiste en una gran ciudad central (a veces, dos o más) y su zona adyacente de influencia, constituida por otras ciudades y/o localidades menores y relativamente próximas. Generalmente, las metrópolis forman conurbaciones, formando una única área urbana. Por ejemplo, la Ciudad de México es una ciudad central, y con Naucalpan, Ecatepec de Morelos, Tultitlán y otras localidades adyacentes juntas forman una conurbación, conocida como "Zona Metropolitana de la Ciudad de México". Sin embargo, una metrópolis no necesita estar obligatoriamente formada por una única área urbanizada contigua, pudiendo designarse como metrópolis la unión de dos o más áreas urbanizadas intercaladas con áreas rurales. Las ciudades que forman una metrópolis tienen un alto grado de integración entre sí. Una región formada por diversas metrópolis localizadas próximas entre sí son conocidas como megalópolis. Actualmente, las metrópolis más populosas del mundo, que poseen entre 10 y 40 millones de habitantes, son Tokio, Ciudad de México, Seúl, Nueva York, Buenos Aires y São Paulo.

Ciudades globales Una ciudad global es un gran centro bancario, comercial, financiero, político e industrial. El término ciudad global (que no debe ser confundido con megalópolis o con megaciudad) fue inventado por la socióloga Saskia Sassen en 1991. La expresión megaciudad se refiere a una gran área urbana, mientras que una ciudad global se distingue por su gran influencia a nivel regional, nacional e internacional. Las ciudades globales, según Sassen, tienen más características semejantes entre sí que con otras ciudades de su mismo país.16 La noción de ciudad global visualiza a la ciudad como un contenedor donde habilidades y recursos están concentrados. Cuanto más una ciudad es capaz de concentrar habilidades y recursos, más próspera y poderosa es, volviéndose suficientemente poderosa para influenciar lo que ocurre alrededor del mundo.

Actividad

En grupos de tres estudiantes consulta las principales características de las ciudades antiguas haciendo referencia a la ciudad griega, romana, medieval. Elabora una presentación en power point con gráficos que expliquen dicha temática.



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Pedro Nel Gómez Arquitecto Pedro Nel no solo dejó a la humanidad esculturas y pinturas. Diseños de proyectos como el Barrio Laureles y el Edificio de la Facultad de Minas de la Universidad Nacional dan cuenta de un arquitecto que pensó en lo que hoy es realidad en Medellín. La belleza del arte y la perfección que sugiere la arquitectura no deben estar separadas, o por lo menos así lo pensó Pedro Nel Gómez. Él no fue solo un artista plástico que desarrolló importantes episodios del muralismo antioqueño o un escultor revolucionario que dio vida a nuestros ancestros en sus esculturas. Fue más allá. “Por iniciativa del maestro Pedro Nel Gómez, la Universidad creó el programa de Arquitectura en 1946, adscrito a la Facultad de Minas. Ocho años más tarde, él mismo vio la necesidad de darle vida a ideas y proyectos académicos en el ámbito arquitectónico y artístico, fue entonces cuando se creó la Facultad de Arquitectura, de la que fue su primer decano, y que posteriormente ofreció también los programas de Construcción, Artes Plásticas y diferentes posgrados”, narró el actual decano de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional de Colombia Sede Medellín, Edgar Arroyo Castro.

Arquitectura de cara al futuro “Lo que hoy se conoce como el Paseo del Rio, tiene un antecedente muy fuerte, el ‘Jardín Urbano de Medellín’ que Pedro Nel Gómez propuso en 1943, en el ‘Plan Regulador Arquitectónico de Medellín’, junto a la ‘Terminal de Transportes’, el ‘Centro Civil’ y el ‘Centro Religioso’. Él quería que ese ‘Jardín’ fuera un gran parque urbano que requería Medellín en ese momento, planteaba la conectividad entre el Cerro el Volador y el Cerro Nutibara lleno de elementos paisajísticos, recreativos, lagos, zonas de estar, entre otros”, explicó. Además de este proyecto, Gómez habría ideado una Ciudad Universitaria de Antioquia, al estilo Harvard, la Fuente de las Américas Unidas en el Nutibara y el “Tótem mítico de la selva”, una construcción que sin duda cambiaría la concepción visual y estética del departamento. “En esta obra ya reuniría cinco esculturas sobre mitos de la selva americana, como la llorona y la patetarro, dentro de un espacio contenedor que era parte de un proyecto simbólico abstracto e irregular que causó impacto y discusión entre los arquitectos de la Universidad Nacional y que se hubiera convertido en un elemento icónico en el paisaje urbano”, dijo González.

Obras No se puede definir a un constructor sin revisar sus obras construidas, para que ellas puedan hablar de su trabajo. En el caso de Gómez debe observarse su obra cumbre, el Edificio de la Facultad de Minas de la Universidad Nacional, en el que se logra ver una unión de las destrezas de este ingeniero civil titulado, ya que en sus tiempos de estudios la Arquitectura no tenía carrera en esta entidad de educación. El estilo arquitectónico de esta construcción lo definió como una composición neoclásica, con su escalera ceremonial y ascensional que lleva de la parte inferior hasta la Aula Máxima con su cúpula, en la que ubicó un bloque semicircular con una gran portada con esculturas a ambos lados, murales que hablan del origen de la ciencia y un vestíbulo como antecedente al máximo recinto. “Pedro Nel Gómez tuvo un interés muy grande por la ciudad, por su desarrollo. Eso lo llevó, en los años treinta por ejemplo, estuvo convencido que la ciudad iba a tener un futuro hacia el Norte, por ello compró el lote y construyo su casa en ese sector. Él fue el autor de la urbanización de Laureles, alrededor de la Universidad Pontificia Bolivariana, de San Javier. En ese urbanismo está pensando en más amabilidad con el ciudadano, hay una idea de paseo, de ir descubriendo la calle”.



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Pensando su casa “La idea de que la casa se construyera aquí, en la década de los treinta, fue un acuerdo de Pedro y su esposa, quienes la querían en un lugar no muy invadido por el tráfico de vehículos y que quedara en una colina. La zona de Aranjuez era una especie de casa quintas, las afueras de la ciudad donde solo se llegaba por el tranvía. El alto seleccionado tenía corrientes de aire que le interesaban a Gómez, además de la luz. También se debe decir que quería tener unas condiciones climáticas para que se pudieran conservar los murales que pensaba pintar, garantizarles larga vida, algo que consiguió, los pintó en los cuarenta y aún están en excelente estado. El patio, al que llamaba ‘El patio pompeyano’, tiene que ver con la racionalidad en el trazado, pensado en los patios de Pompeya, Florencia y hasta los romanos.



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Período 3

Tema 6. El teatro Llamamos teatro a aquellas obras literarias que son escritas para su representación por unos actores en un escenario. Sus rasgos más característicos son el uso del diálogo y que no aparece la figura del narrador. En el teatro conviene distinguir entre obra dramática, o texto literario, y la representación teatral sobre un escenario, con actores, vestuario, decorados, etc.

Orígenes del teatro Los orígenes del teatro están asociados a la práctica de rituales de tipo religioso, Estos rituales, que siguen tan vivos, comenzaron con los primeros grupos humanos. Los rituales de iniciación, por ejemplo, marcaban el acceso a un grupo con sus consecuentes deberes y privilegios; mientras que los relacionados con la naturaleza anunciaban la llegada de las estaciones y con éstas las etapas de cultivo de la tierra. En sus orígenes, estos rituales tal vez fueron sencillos, pero no hay que olvidar que su intención era comunicarse con los dioses, de ahí la necesidad de crear un lenguaje y una gestualidad que se diferenciaran de las cotidianas. De ahí también la necesidad de un ropaje especial y de un espacio –adoratorio entonces, escenario hoy – engalanado. Máscaras, pinturas, joyas y hasta marcas y tatuajes cubrieron a los hombres que, elegidos por su comunidad, estaban encargados de transmitir el mensaje a la divinidad. Imitaron los sonidos de la naturaleza y, al hacerlo, crearon la música; en un intento por reproducir el movimiento de la fauna, de ríos o de astros, los ademanes de estos hombres y mujeres se convirtieron en danza. Así, con la palabra, el canto, la danza, la gestualidad y la música –en breve, con el cuerpo y la voz del actor en movimiento – nació el teatro: representación simbólica de la vida de los pueblos, de sus mitos y sus luchas, de sus conflictos y logros.

El teatro griego En Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI a.C. los atenienses celebraban los ritos en honor a Dionisio, dios del vino y de la vegetación. Estas primitivas ceremonias rituales irían luego evolucionando hacia el teatro, constituyendo uno de los grandes logros culturales de los griegos. Lo cierto es que este nuevo arte estuvo tan estrechamente asociado a la civilización griega que cada una de las ciudades y colonias más importantes contó con un teatro. El teatro (del griego θέατρον theatrón 'lugar para contemplar') es la rama del arte escénico relacionada con la actuación, que representa historias frente a una audiencia usando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música, sonido y espectáculo. La primera noticia que se tiene del teatro griego se remonta al siglo VI a. C., pues en el año 534 Tespis obtiene la asignación de un coro y un actor por parte del Estado de Atenas. Tespis fue un Poeta griego a quien se considera creador de la tragedia. Representaba teatro ambulante a bordo de un carro, que se conocía como el Carro de Tespis. Para la civilización griega el teatro fue una de las actividades culturales más importantes. Dos veces al año, por espacio de una semana, todas las actividades se suspendían para dar paso al teatro. Los concursos de teatro eran parte de la vida cotidiana y Atenas fue la ciudad que tuvo la más destacada producción teatral; los mejores dramaturgos fueron atenienses. En el curso del siglo V a. C., durante la edad clásica de Grecia, se establecieron los modelos tradicionales de la tragedia y la comedia, y los dramaturgos Esquilo y Sófocles añadieron respectivamente un segundo y tercer actor a la acción, lo que dio a ésta una complejidad que hacía necesaria la creación de mayores escenarios. Esto trajo consigo para los actores dos grandes problemas: tener que ser vistos y escuchados por más personas y desde distancias mayores. Dado que uno de los propósitos de la tragedia era que los actores semejaran dioses o héroes –seres superiores al común de la humanidad –, utilizaban coturnos (zapatos con la suela muy alta), grandes peinados y máscaras. Así aumentaban su estatura y obtenían una apariencia que sobrepasaba la humana. Por otra parte, en la boca de la máscara había un megáfono o amplificador de la voz que proporcionaba a los actores una voz impresionante. Tales elementos sirvieron, en su hora, para solucionar los problemas antes mencionados. La construcción de los teatros Griegos, se realizaba mediante el aprovechamiento de las faldas de una colina, donde se disponían en forma semicircular el Koilon o theatron (las gradas) que rodeaban la orquestra, espacio circular en el que se efectuaba la mayor parte de la representación. Tras la orquestra se levantaba una edificación llamada skené, escena, destinada a que los actores cambiaran su vestimenta. Delante de ella se levantaba una



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pared columnada, el proscenio, que podía sostener superficies pintadas que evocaban el lugar de la acción. Estos decorados, junto con las túnicas y máscaras empleadas por los actores y algunas máquinas rudimentarias, constituían todo el aparato escénico.

Las representaciones del teatro griego se hacían al aire libre, contaba con coro (dirigido por el Corifeo o maestro del coro) que cantaba [el coro] y danzaba en torno a un altar. En el teatro griego se representaban dos tipos de obras: la tragedia, obra dramática de final desgraciado que trataba de temas de leyendas heroicas y utilizaba, oportunamente, a los dioses para su final, y la comedia satírica, que criticaba humorísticamente a políticos y a las obras e incurrían en una mímica iniciada por un coro de sátiros, y comedias que tenían por tema asuntos de la vida cotidiana; todas estaban escritas en verso y utilizaban máscaras. Las cuatro formas teatrales del drama griego eran la tragedia, el drama satírico, la comedia y el mimo. Mientras que las dos primeras estaban consideradas las más civilizadas, acordes con un espectador adulto, las dos últimas se asociaban con lo primitivo, y por tanto eran más apropiadas para un público infantil. Los actores, todos hombres, iban vestidos con la ropa al uso pero portaban máscaras que permitían la visibilidad y ayudaban al espectador a reconocer la característica del personaje.

La tragedia La palabra tragedia proviene del griego tragodía –himno en honor de Diónisios– que a su vez deriva del vocablo tragos, cuyo significado es “piel de macho cabrío”. No está muy claro el motivo por el que se eligió tal denominación. La tragedia es una representación dramática capaz de conmover y causar pena, que tiene un desenlace funesto, El objetivo de la tragedia consiste en provocar una catarsis o purificación en el espectador. Es el género en el cual descollaron los escritores griegos ESQUILO, SÓFOCLES y EURÍPIDES.

La comedia La palabra comedia viene del griego comos, que significa “fiesta” o “procesión de máscaras” durante las festividades de Diónisios. La comedia se desarrolló hacia la mitad del siglo V a.C. Las comedias más antiguas que se conservan son las de ARISTÓFANES. Tienen una estructura muy cuidada derivada de los antiguos ritos de fertilidad. Su comicidad consistía en una mezcla de ataques satíricos a personalidades públicas del momento, atrevidos chistes escatológicos y parodias aparentemente sacrílegas de los dioses. Para el siglo IV a.C. la comedia había sustituido a la tragedia como forma dominante.

Actividad

En grupos de dos estudiantes consulta:

El origen de la palabra personaje y su relación con el teatro.

Las semejanzas entre los edificios de teatro griego con los edificios de teatro de hoy en día.



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Tema 7. Estructura de una obra teatral Una obra de teatro está formado por dos tipos de textos: texto principal o primario y texto secundario.

Texto principal (el contenido, propiamente de la obra)

Estructura Puede presentar la siguiente división:

Acto

Unidad temporal y narrativa, marcada por la subida y bajada el telón. El teatro griego no conocía las subdivisiones en actos. Fueron los autores latinos, y sobre todo los renacentistas, quienes dividieron las obras en cinco actos: (presentación, intensificación, climax, declinación y desenlace). El teatro de Lope redujo el número de actos a tres: exposición, nudo y desenlace. El teatro moderno suele estructurarse también en tres actos. La distinción entre actos se suele señalar de diversas maneras: caída del telón, intervención del coro, cambios de luces, etcétera.

Cuadro

Parte del texto que está marcada por el cambio total o parcial del decorado.

Escena

Parte de la obra que viene determinada por la entrada o salida de los actores. Cada vez que entran o salen personajes, se cambia de escena.

Forma de expresión Se observan estas posibles formas de expresión:

Diálogo

Es la conversación entre dos personajes.

Monólogo

Es el modo de expresarse cuando un solo personaje está hablando. Se llama también soliloquio.

Aparte

Es la forma de hablar de uno o varios personajes que utilizan cuando dicen algo sobre la obra, y los demás personajes fingen no enterarse.

El coro

Como un personaje colectivo que puede: a) Ser la conciencia o los recuerdos del personaje que habla; b) Encarnar la figura de una especie de adivinador o profeta que predice los acontecimientos que se van a desarrollar más tarde; c) Servir de narrador o encarnar las reflexiones generales del autor; d) Encarnar a una comunidad. Aparece el coro en las tragedias clásicas sobre todo.

Desarrollo de la acción La acción dramática, al igual que la acción narrativa, se estructura en:

Exposición

Es el principio de la obra y en ella se presentan los datos más importantes de la obra.

Nudo

Coincide con el momento de mayor tensión y donde la trama se complica.

Desenlace

Es el momento en que se resuelve el problema planteado en el desarrollo de la obra.



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Texto secundario (aporta información para la representación teatral)

Acotaciones

Sobre la acción

Datos e indicaciones sobre el lugar en el que se desarrolla la acción: decorados, época, mobiliario, etc.

Iluminación, con la que se expresan la hora del día, un espacio concreto, etc.

Sonidos, para indicar o provocar diversos efectos.

Sobre los personajes

Vestuario, movimientos, gestos, tono de voz, intencionalidad expresiva, etc.

La representación teatral El fin primordial de un texto dramático, aunque puede ser leído, es su representación en un escenario ante unos espectadores. Esta tarea es llevada a cabo por los actores, que encarnan a los personajes y que son conducidos por un director, que los organizará y transformará ese texto escrito en un espectáculo. Por último, la escenografía es otro de los elementos esenciales de la representación teatral, con ella se sitúa la historia en un tiempo y espacio concretos.

Personajes

Principales

Son aquellos sobre los que recae el peso de la acción. Pueden ser: Protagonista: actúa de una forma decisiva y fundamental en la obra. Antagonista: actúa de forma contraria al protagonista.

Secundarios

Ayudan a los principales.

Alegóricos

Encarnan ideas abstractas como la justicia, la libertad, la muerte; o también conceptos religiosos: la Eucaristía, el pecado, el demonio...

Escenografía

Decorados

Elementos necesarios para ambientar el escenario.

Vestuario

Prendas y ropas de vestir.

Iluminación

Luces y elementos luminosos para provocar efectos: día, noche, tormentas...

Sonidos

Música y efectos sonoros para complementar lo que aparece en escena: ruidos, etc.

Actividad

A partir del texto propuesto por el docente, elabora en equipos (de acuerdo al número de personajes) la estructura básica para la representación teatral del texto siguiendo los lineamientos vistos en clase.



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Tema 8. La obra de arte Actividad humana que busca comunicar sentimientos, pensamientos, e ideas a los hombres de diversas latitudes y épocas. A través de la materia visible e invisible. Otra definición también puede ser; toda actividad humana que basándose en ciertos conocimientos los aplica el artista para alcanzar un fin bello.

Clasificación de las artes

Artes mayores El concepto de artes mayores se utiliza para aquellas artes, que buscan la expresión de la belleza, dando valoración a la figura del artista, su trabajo intelectual y minusvaloración del trabajo físico. Históricamente la pintura, la escultura y la arquitectura han sido consideradas como las artes mayores por excelencia, en tiempos antiguos se utilizaba la expresión maestro en las tres artes mayores para los artistas que habían demostrado su suficiencia como maestros en las tres artes. Los conceptos de artes plásticas o artes visuales son de uso posterior. En la actualidad podemos considerar un número más amplio de estas artes, teniendo como tales las siguientes:

Arquitectura

Escultura

Pintura

Literatura/poesía

Danza

Música

Cine

Fotografía

Historieta

Artes digitales

Artes menores Según los clásicos, son las que impresionan a los sentidos menores tales como el gusto, olfato y tacto, por lo que es necesario entrar en contacto con el objeto, entre ellas tenemos algunas como:

Alfarería

Orfebrería

Cerámica

Jardinería

Carpintería

Actores de la creación artística

Creador o artista Es el compositor de obras bellas. Al que ve siente, crea y realiza la belleza de una forma sensible.

Espectador No es el transeúnte curioso sino el individuo que posee ciertas disposiciones originales y las ha cultivado mediante la experiencia y el estudio disciplinado.

El crítico Es el exponente de una cierta madurez de la ciencia artística No aparece en las culturas muy jóvenes o sólo esporádicamente. El crítico de arte tiene su origen en el desarrollo de un espíritu reflexivo, que no se satisface con vivir del arte, sino que aspira a comprender racionalmente el sentido de cada obra artística.

El intérprete Las obras de arte deben pasar por una interpretación a fin de adquirir plena actualidad. Es el caso del teatro y la música. Cuyas obras, son representadas o ejecutadas por intérpretes idóneos. El intérprete se hace transparente y se hace de los ojos del espectador para dejarlo directamente en presencia de la obra original.



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Tema 9. La apreciación artística La apreciación artística se concibe como un proceso en el que están implicados una obra única y original con ciertos atributos y diferentes tipos de espectadores en busca de valoraciones, experiencias significativas y sentidos. Integran el conjunto de los elementos de apreciación artística, un espectador motivado a una apropiación simbólica de la obra. Y por supuesto, la obra: Una forma de expresión determinada en principio por ciertas reglas o convenciones al servicio de una intención comunicativa y/o expresiva que el espectador va a construir a partir de sus conocimientos y sensibilidad.

Experiencia de la apreciación artística Analizar, interpretar y valorar son las tres operaciones básicas a realizar, si se quiere tener una experiencia con el arte que no se quede en lo trivial. Para analizar, es importante observar, escuchar o dado el caso, interactuar con la obra. Al mismo tiempo, es importante hacer una descripción de los elementos constitutivos de la obra, desde los más sencillos a los más complejos: sonidos, colores, formas, escenas, etc. Al interpretar, se deben considerar las características expresivas de los elementos que conforman una obra artística en función del tema y sus contenidos. Valorar una obra conlleva a emitir un juicio, luego de situarla dentro de una genealogía, un periodo histórico, una tendencia, su género y estilo. La valoración tiene por finalidad descubrir el grado de originalidad de una obra. El espectador además cuenta con otras opciones para apropiarse de una obra: Identificar y disfrutar la estética de sus elementos configurativos bajo los principios de armonía, contraste, espacio, composición, y ritmo. Percibir los posibles efectos que una obra produce en su sensibilidad, transformando su gusto, su manera de percibir la realidad, de pensar el arte, por citar algunos ejemplos. Asociar la obra artística a cualquier tipo de conocimientos, experiencias, vivencias, recuerdos, y a otras obras o expresiones en otros medios, no necesariamente artísticas. En otras palabras, vinculando a la obra con una historia íntima, personal, con otra objetiva de referencias entre obras artísticas (artes plásticas, danza, teatro, música), y de obras artísticas con otras manifestaciones estéticas (artesanías y diseños). El goce de una obra artística, puede provenir de circunstancias y detalles inesperados, sorpresivos, fuera de todo cálculo o estrategia para abordar la obra. Detalles de su realización técnica, de su producción, cambios notables entre una reproducción y la obra original, son sólo algunos ejemplos de las gratas sorpresas que guarda el arte a quien está dispuesto a dedicarle tiempo y atención. Otra manera de intensificar el disfrute de la obra artística, consiste en formular hipótesis de sentidos, significados y efectos posibles de la obra, y compartirlas con otras personas, explicándolas y analizándolas. Buscando diferencias y consensos para validar nuestro juicio estético.

Actividad

A partir de la temática vista en clase, elabora una apreciación del trabajo que esté realizando alguno de tus compañeros de grupo con su proyecto de arte.



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Tema 10. El Proyecto de arte El término proyecto proviene del latín proiectus, compuesto por el prefijo pro que significa hacia adelante o hacia el futuro, y edictus que se traduce como lanzar o arrojar. La etimología de esta palabra remite a la representación en perspectiva de una idea o concepto, alude a un número de labores específicas, relacionadas y coordinadas entre sí que se llevan a cabo para desarrollar determinados productos o servicios capaces de satisfacer necesidades o resolver problemas. En definitiva, es disponer, guiar y preparar el camino de lo que se va a hacer. En el uso corriente de la palabra proyecto se utiliza para designar el propósito de hacer algo. Saber plantear y desarrollar de manera óptima las ideas e inquietudes artísticas a través de un proyecto artístico es fundamental para ti si quieres ser artista visual. Las propuestas o proyectos artísticos bien estructurados son una guía, un método de trabajo para cualquier creador. El trabajo de organización te servirá para conseguir patrocinios, participar en concursos, llegar a espacios de exposición importantes... entre otras cosas. Un proyecto artístico no es una investigación, no busca solución a problemas científicos, no pretende plantear o promover nuevos conocimientos en los campos de las ciencias o de artes.

Cómo desarrollar un proyecto artístico

Seleccionando un método La clave para desarrollar un buen proyecto artístico radica en hacer un buen cálculo de su dimensión, ya que si el proyecto en cuestión presenta una óptima medida tendrá mayores posibilidades de llevarse a cabo. ¿Cómo se dimensiona un proyecto? Aplicando un método que nos ayude a contestar cuestiones fundamentales de planificación y desarrollo. Por lo general, todo proyecto debe responder a las siguientes preguntas:

¿Qué vamos a hacer? Nombre del Proyecto: lo que se quiere hacer.

¿Para qué lo vamos a hacer? Objetivos del proyecto: qué lograría ese proyecto.

¿Dónde lo vamos a hacer? Espacio físico.

¿Cómo lo vamos a hacer? Listado de actividades para concretar el proyecto.

¿Quiénes lo vamos a hacer? Los responsables de las distintas actividades.

¿Cuándo lo vamos a hacer? El tiempo que se tardará en hacer el proyecto.

¿Qué necesitamos para hacer el proyecto? Listado de recursos y cantidad necesaria

¿Cuánto va a costar el proyecto? Presupuesto: precios de los recursos, según cantidad y tiempo de utilización.

Fases del desarrollo de un proyecto El desarrollo de un proyecto se divide en tres etapas: Pre-producción, Producción Postproducción. Poder visualizar, diferenciar y comprender qué labores corresponden a cada una de estas fases te permitirá una mejor organización para hacer la planificación de un proyecto, y además, te posibilitará mejorar los recursos, tanto técnicos como humanos repercutirá en la ejecución del presupuesto.



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Fases I: Pre-producción de un proyecto artístico La fase de Pre-producción o de Anteproyecto es la etapa previa a la creación o a la ejecución de la obra, fase en la que debes recopilar las ideas previas del proyecto para empezar a definirlo. Esta fase consiste en lo siguiente: Desarrollar ideas y mapas conceptuales

Definir ideas y objetivos

Seleccionar referentes

Explorar aspectos gráficos, técnicas de simulación gráfica, materiales, herramientas, etc...

Incubación del proyecto: proceso de ideación, registro visual, descripción de las ideas.

Fase II: Producción de un proyecto artístico En esta segunda fase, Producción, convertirás tu objetivo en realidad explorando formas de representación, materiales y técnicas, maquetando y ejecutando la obra.

Objetivos Plásticos.

Condicionamientos técnicos.

Estudios de materiales y dispositivos (test)

Organización de elementos: bocetos.

Prototipos.

Presupuestos.

Fase III: Postproducción de un proyecto artístico Post-producción, es la fase que cierra el proyecto. Se concentrará en concretar y organizar el proceso de presentación en público de tu obra. Deberás hacer el balance de toda la actuación anterior y extraer conclusiones.

Actividad

Elabora tu idea de proyecto en el campo del arte que más te sientas cómodo de acuerdo a tus gustos y capacidades (pintura, fotografía, teatro, modelado en plastilina, música, danza entro otras)

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Contenidos Artística - Grado 11°...La mayor parte de las buenas obras han sido creadas, por tanto, si se quieren crear ... La horizontal es un plano soportante. Producen un sentimiento