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Historia del Arte
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EDAD MODERNA
RENACIMIENTO ITALIANO
EL HUMANISMO:
Surge en la península un extraordinario entusiasmo por el estudio de la antigüedad y de las lenguas grecolatinas (griego y latín)
RENACIMIENTO = RENACER de la cultura grecorromana
Los humanistas dejaron de lado el aspecto teológico medieval y, guiados por su razonamiento, admiraron las “letras humanas” del pasado y valoraron al hombre en todos sus aspectos.
RENACIMIENTO TEMPRANO: QUATTROCENTO ITALIANO - S. XV
“Todo se consigue por medio de la razón”
Transición entre la Edad Media y el Renacimiento propiamente dicho; pasaje no brusco, producto de múltiples
investigaciones basadas en concepciones medievales
ANTROPOCENTRISMO marcado, incluso en la temática ya sea religiosa o mitológica porque se
inspiran en la realidad.
Tienden a la individualidad del ser humano.
Búsqueda de la BELLEZA IDEAL por medio de la razón
PRIMERA GENERACIÓN DEL QUATTROCENTO: Primera mitad s. XV
1. ARQUITECTURA: Brunelleschi: apunta a la gracia y estilización. Inspiración en lo romano: arcos de medio punto
(redondos), pilastras con los 3 órdenes; uso de distinto color para mostrar el elemento sustentante (el que sostiene) y
el elemento sustentado (el que se apoya, el sostenido). Cúpula de Santa María del Fiore: una cúpula ojival por fuera y
una redonda por dentro para equilibrar las tensiones (elemento continente y elemento contenido respectivamente).
Adornos adosados una vez terminada la construcción.
Ghiberti: junto con el anterior, introducen especulaciones matemáticas y teóricas.
2. PINTURA: - Verrocchio: maestro de Leonardo Da Vinci
- Massaccio: Lleva la tridimensión a la pintura. Pinta a los donantes (los que aportan el dinero para el cuadro a cambio de
aparecer en él). Imita la arquitectura. El hombre posee peso en la tierra, volumen. Logra representar
extraordinariamente la angustia y la desesperación, pero aún sigue cometiendo errores anatómicos. Iglesia del Carmine:
Pinta varias escenas de un mismo tema sobre una sola superficie.
- Paolo Ucello: Comienza a incursionar en la perspectiva en la pintura. En las obras de batallas hace la línea de horizonte
muy alta e intenta hacer escorzos (perspectiva de un objeto o del cuerpo humano).
- Fray Angélico: Asimiló las innovaciones de Massaccio. No hace las cejas => sensación de ojos hinchados. Dulzura.
Movimientos suaves, con gracia. Minuciosidad en plantas y flores; elegancia decorativa. “La pincelada puesta no la
cambio ni la saco, allí queda”. Aureolas rebatidas.
3. ESCULTURA: Donatello: Trabaja junto con Ghiberti en decoración y construcción de las puertas en bronce del
Baptisterio de San Juan (Florencia). También trabajó con Brunelleschi. Su carrera puede dividirse en 3 períodos:
I. Período de Formación: Influencias escultóricas góticas, con tendencia clásica y realista. Algunas obras: “San
Marcos”, “San Jorge”, “San Juan Evangelista”, ”Josué”.
II. Período Clásico: Utiliza los principios y modelos escultóricos de la antigüedad clásica. Obras: cáliz de la Sacristía
de la Basílica de San Pedro (“Adoración de los ángeles” y “Entierro de Cristo”); “David” (primer desnudo exento de la
escultura renacentista clásica) III. Período de Culminación: Alejamiento de la influencia clásica y mayor énfasis en el realismo y dramatismo de la
acción. Obras: “Los milagros de San Antonio”, “El Gattamelata” (escultura ecuestre de tamaño natural), “Judith y
Holofernes”, “Magdalena penitente”
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SEGUNDA GENERACIÓN DEL QUATTROCENTO: Segunda mitad s. XV (a partir de 1450)
ÉPOCA DE ESPLENDOR DE LAS TÉCNICAS DE PERSPECTIVA LINEAL
- Piero Della Francesca: primer pintor que intenta aplicar de manera sistemática la perspectiva geométrica a la pintura.
Recibió influencia de Massaccio y de Domenico Veneziano a las que añadió sentido del orden y claridad. Escribió
tratados sobre geometría y perspectiva. Concibió la figura humana como un volumen cuya correcta ubicación en el
espacio es posible gracias a una rigurosa construcción plástica y a una utilización nueva de la luz. Casi todas sus obras
son de carácter religioso. El punto culminante de su carrera fue una serie de grandes frescos, en los que presenta escenas
de gran belleza, con taciturnas y majestuosas figuras fijadas en un espacio claro, cristalino y que se caracterizan por los
grandes contrastes en el tema y en el tratamiento. Cada fresco se organiza en dos secciones (dos espacios cuadrados
dentro de una estructura rectangular) que contribuyen a crear un sentido del ritmo. En sus últimos trabajos muestran una
probable influencia del arte flamenco, que supo asimilar sin traicionar su personal estilo monumental donde se aprecia,
junto a sus propuestas originales, una preocupación por el detalle y un tratamiento de la naturaleza muerta típicamente
flamencos. Su arte fue, en general, demasiado individual y personal presentando una composición estática y una paleta
sencilla y brillante. Piero della Francesca pretendía otorgar a la composición una pureza propia de la geometría.
- Filippo Lippi: aportó una nota de informalidad y decorativismo a la intelectualizada pintura florentina. En 1421 se hizo
monje y allí recibió su formación como pintor. Sus primeras obras están muy influidas por Masaccio. Dominio en la
técnica de la perspectiva aprendida de su maestro. Posteriormente abandona poco a poco los preceptos de Masaccio en
favor de un estilo más ornamentado que recuerda al gótico: ondulantes plegados, figuras delicadas, colores brillantes y
vivos. Destacan los aspectos emotivos en sus escenas. Gran parte de su tratamiento informal se debe a su renuncia de los
votos. Combina elementos tradicionales del paisaje gótico con la perspectiva del nuevo estilo creando misteriosos
fondos en fuga. Ejerció gran influencia en el arte florentino posterior. Su estilo conduce directamente al del pintor
Sandro Botticelli.
- Boticelli: Idea neoplatónica de la Belleza => BELLEZA IDEAL. Piel blanquecina, marmórea (alusión al mármol): porque
él consideraba al mármol como un elemento eterno => representaba con ello la juventud eterna. “Nacimiento de
Venus”: Personaje de la izquierda = la Primavera, estación en que nacen las flores, todo se pone más bello => Venus,
diosa del amor, debía nacer en primavera. El Invierno (el hombre) quiere echarla. Línea de horizonte un poco baja para
poder dar enormidad a la diosa. Mejor trabajo de la perspectiva, aunque el mar está algo rebatido. Geometrización en las
plantas. Transparencias en los paños. En los temas religiosos las aureolas están hechas como sombreros
- Mantegna: Escorzos muy acentuados => novedosos para la época. Si bien la intención está, hay errores: la cabeza
debería ser más chica ya que está detrás de los pies (1er plano), pero ese ángulo es difícil de hacer y lograr
correctamente.
Filipo Lippi Boticelli Mantegna
RENACIMIENTO CLÁSICO: CINQUECENTO ITALIANO - S. XVI
Floreció entre 1490 y 1527, año en que Roma sustituye a Florencia como centro artístico, y contó con 3 figuras de primera magnitud: Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarrotti y Rafael Sanzio.
Continua con el ANTROPOCENTRISMO y la idea que todo se maneja por medio de la RAZÓN y su inspiración en la REALIDAD
y en la ARQUITECTURA ROMANA; pero agrega MONUMENTALIDAD y GRANDIOSIDAD para mostrar el poderío del hombre.
Temas religiosos y mitológicos = excusa para pintar a la figura humana.
Todo se estructura dentro de una pirámide => base = estabilidad
- Bramante: Arquitecto. Realiza el primer proyecto para la Basílica de San Pedro. Juego sutil de luces y sombras.
Utiliza un módulo para toda la construcción (construcción modular). Alterna y armoniza lo rectilíneo con lo curvo.
Alterna los 3 tipos de columnas en un mismo edificio; une diferentes edificios para dar MAJESTUOSIDAD
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- Rafael: ejemplificó el espíritu clásico de armonía, belleza y serenidad. Utilizó la BELLEZA IDEAL (toma los rasgos que
más le agrada de cada modelo y con ellos representa a una nueva mujer). Hace coincidir el eje temático con el eje geométrico. Obras simétricas: cada mitad funciona como platillo de balanza. Clara estructuración piramidal en sus
composiciones.
- Leonardo Da Vinci: arquetipo del hombre del Renacimiento, genio solitario que abarcó múltiples facetas del
conocimiento: fue inventor, poeta, músico, pintor, arquitecto, etc. Creador de la Perspectiva Atmosférica
(desdibujamiento de los contornos de los objetos lejanos); el Sfumatto (esfumado: pasaje gradual de luz a sombra); la
Vedutta (abertura en el fondo para mostrar un paisaje, y así aligerar el peso de la composición y agrandar el recinto);
la Escritura Especular = escritura en sentido inverso al normal (se necesita un espejo para poderla leer claramente). Estudió profunda y minuciosamente la anatomía humana por medio de disecciones realizadas a cadáveres. Toques
leves de luminosidad.
- Miguel Ángel: Escultor, pintor, arquitecto y poeta. Encarnó el poder creador y concibió varios proyectos inspirándose en el cuerpo humano como vehículo esencial para la expresión de emociones y sentimientos. Realizaba cuerpos
musculosos en la pintura ya que trata de dar el volumen como si fuesen esculturas. Vivió 89 años. Realizó el proyecto de la actual cúpula de la Basílica de San Pedro, Roma. Pintó la Capilla Sixtina. Atravesó por 2 etapas:
1. Renacentista: Obras con gran estabilidad; estructuración piramidal con el vértice sup. Apuntando hacia arriba; poco
dramatismo; captación de momentos determinados.
2. Manierista: Se invierte la pirámide, quedando el vértice hacia abajo => se pierde la estabilidad. Escorzos
exagerados; figuras retorcidas en forma helicoidal; dramatismo; conjunción de lo pagano con lo
religioso; manifestación de las emociones. Miedo a la muerte.
Rafael “Disputa del Santísimo Sacramento”
Verrocchio y Leonardo “El Bautismo de Cristo”
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“La Anunciación” Leonardo Da Vinci
Miguel Ángel “Tondo Doni”
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PINTURA VENECIANA DE LOS SIGLOS XV Y XVI
Opuesta a la inclinación hacia el conocimiento propia de Florencia, Venecia va a realizar obras que llegan por los sentidos, atrayentes y cargadas de sensualidad.
El veneciano, por el entorno que lo rodea, va a llevar a cabo un arte que retrate su ciudad, su gente y concebirá un particular tratamiento de la luz y de los colores.
La pintura veneciana busca la materia imitativa y va a disolverse cada vez más en manchas, preludio del Barroco.
Las variadas corrientes recibidas del Oriente Bizantino, de la Italia septentrional e incluso de los Países Bajos, dieron a la PINTURA VENECIANA del QUATTROCENTO características propias. Así como los artistas de la Escuela Florentina y de
las otras afines a ella dominan el cultivo de la forma y el estudio de la perspectiva, el arte de la pintura de Venecia maravilla sobre todo por la riqueza del colorido. El brillo de los cuadros debido a los vivos colores evocan la opulencia
de la fastuosa civilización veneciana.
Iniciadores de la Pintura Veneciana que llegó en el s. XV a igualar a la de Florencia y la superó en el XVI, fueron los hermanos BELLINI, célebres por la perfección de su dibujo, seguidos por CARPACCIO y GIORGIONE, aún cuando
correspondió al gran TIZIANO la introducción del pleno renacimiento en la pintura veneciana, de cuyo triunfo fue el principal artífice.
“El emperador Carlos V en Mühlberg”, de Tiziano (Museo del Prado)
EL RENACIMIENTO EN LOS PAÍSES BAJOS: SIGLO XV
El arte de los Países Bajos se caracteriza por el absoluto y marcado realismo, por realizar obras completamente
figurativas. Se interesa poderosamente en los detalles, en imitar a la perfección las texturas y las calidades diversas de los
materiales. Es un arte simbólico y ama el recurso de la materia imitativa.
El detalle minucioso hace perder al espectador del tema principal. La línea cerrada de todas las figuras permiten
recortarlas del fondo. Cada parte del cuadro es una parte perfecta, un nuevo cuadro.
Cargado de simbología, es un arte intelectual y de colores vivos, generalmente colocaban colores complementarios uno
al lado del otro para destacar las figuras.
Los cuerpos son blancos, las caras frías y sin expresión.
Hacen un intento por lograr la perspectiva atmosférica y emplean mucho la vedutta.
Muchas veces aparecen los donantes retratados.
En los cuadros con temas religiosos las aureolas están apenas insinuadas y el Niño Jesús posee rasgos de adulto.
La Escuela Flamenca del siglo XV alberga a los siguientes artistas:
- Los hermanos Van Eyck (Jan y Hubert): precursores del óleo.
- Memling
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En el siglo XVI encontramos a:
- El Bosco: representa las tentaciones y vicios que llevan al hombre a la perdición. Surrealismo, cosas fantásticas (personas con cuerpo de animales).
- Brueghel: retrata a la clase baja, ciegos y leprosos. Se vestía como campesino para mezclarse con esta gente. Personajes con aire caricaturesco.
- Holbein, el joven: Figuras más realistas que los demás. Retratista psicológico de línea fuerte y vigorosa.
La Escuela Alemana del siglo XV:
- Durero: pintura meditada y severa pero llena de vida. Representa la fuerza interna. Realiza grabados donde se observa el avenimiento del Barroco
En el siglo XVI, dicha Escuela da origen a:
- Cranach: pintor de la Reforma => pintó muchos retratos de Lutero. Para los clientes hacía obras profanas y mitológicas; para la burguesía, temas religiosos. Línea nítida. Dramatismo. Transparencia de velos. Desnudos =
elegancia formal, fría y convencional.
- Grünewald: horror y dramatismo. Acentuación de la sensación de tormento. Perspectiva jerárquica.
“El matrimonio
Arnolfini” Van Eyck
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EL MANIERISMO
Comienza a darse a mitad del siglo XVI pero duró apenas 50 años. Tres son los acontecimientos principales que dan
origen al Manierismo:
1. La Teoría Heliocéntrica de Copérnico, que expresa que el Sol es el centro del Universo y que la Tierra gira en torno
a él, contradiciendo, así, la convicción que perduraba desde 20 siglos atrás que la Tierra era el centro (teoría
ptolemaica)
2. El Descubrimiento de América, en 1492. Todos los mapas y estudios realizados caducan ante la novedad.
Estos dos acontecimientos descolocan al hombre que tan seguro estaba, que calculaba y medía, que lograba dominar la
naturaleza y la creación toda. Se suma a esto el 3er elemento que lo constituye la Reforma Luterana, cuando el
protestante Lutero decide separarse de la Iglesia a la que acusa de corrupta, provocando no sólo un cisma en la Sagrada
Institución, sino una incertidumbre irreparable en ese hombre que buscaba refugiarse en la fe como lo único válido y
verdadero que le quedaba.
El hombre se cuestiona su existencia. Su interior está plagado de incertidumbre, inestabilidad, inseguridad, que comienza
a traducirse en el arte con el Manierismo (a la manera de Miguel Ángel) y tendrá su culmen en el Barroco.
El Manierismo es el proceso de transformación de una cultura que se ve en el arte.
“El Juicio Final” de Miguel Ángel es una obra manierista. Los cuerpos se retuercen sobre su propio eje, creando
movimientos helicoidales, espiralados.
Las figuras se alargan, se busca dar sensación de movimiento por medio de escorzos exagerados, forzados.
La composición triangular se invierte, dejando a las figuras tambaleantes, reflejo del sentimiento que invadía al hombre
ante tantos e importantes cambios. Todo se cae, todo al revés.
El Manierismo toma elementos del Renacimiento pero los aborda desde un punto de vista completamente distinto. Las
composiciones no son tan racionales: el hombre ya no acepta las teorías como tales.
La platea del arte manierista está cargada de emotividad.
Miguel Ángel “Juicio Final”
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BARROCO S. XVII - XVIII (primera mitad)
La palabra ‘barroco’ tenía una intención ofensiva; originariamente quería decir “de forma extraña, irregular, extravagante,
desigual”. Las órdenes religiosas, como los jesuitas, aumentaron su poder.
En el BARROCO, el ser humano vive en una inestabilidad constante desgarrado por la lucha entre el cuerpo y el alma,
entre dos puntas opuestas: VIDA - MUERTE; BIEN - MAL; CIELO - TIERRA; LUZ - OSCURIDAD; fruto de los cambios que se
suscitaban. El Barroco se incorporó al hombre a modo de patetismo, dinamismo y seducción.
El Barroco prenderá muy fuerte en todos los países europeos; sólo Francia se diferencia de los demás. Italia es quien lo
crea; España y Portugal: fuertemente barrocos; Alemania: desborde ornamental deslumbrante.
En la Música estará la ópera, las armonías eran confusas, con muchas modulaciones y de difícil entonación.
RENACIMIENTO BARROCO
Centrado en el intelecto, en lo racional. Apunta a lo emocional, a los estados internos del
alma, a los movimientos internos del hombre.
Busca la precisión de las formas, la geometría. Buscará la imprecisión de la línea: línea abierta; luz
teatral; pincelada suelta, expresiva,; resplandor de
colores; contrastes de luz y sombra.
Arquitectura: planteo humanístico e intelectual. Arquitectura: mantiene la postura humanística
agregando dinamismo. Construcción de iglesias pasa
a primer plano.
“La Iglesia es una imagen del Cielo en la Tierra”. Las fachadas eran tan importantes como el interior. Dinamismo,
movimiento en las formas, en la escultura y en la luz que la envuelve. Las columnas son una nueva decoración tomando
formas retorcidas (columnas salomónicas). Uso exuberante del dorado, del estuco y mármoles de vistosos colores.
ACONTECIMIENTOS QUE PROVOCARON EL CAMBIO:
S. XVII: Se venía de un s. XVI renacentista donde el hombre decía: “En una mano tengo la razón, en la otra tengo la
ciencia y de aquí en adelante no me puede pasar nada que no sea más que avanzar, desarrollarme y progresar”. A partir de
1520 van a ocurrir 3 sucesos muy importantes se que generarán el Manierismo y se continúan en el Barroco:
En 1492 el Descubrimiento de América => fin a la idea de que el mundo se acaba en el horizonte y que son los únicos
que habitan en él porque se descubrió un nuevo continente => “No sabe dónde está parado”.
Simultáneamente aparece Copérnico y demuestra que la Tierra no es el centro de nada y que nada gira alrededor de
ella, sino que es un planeta que se mueve en un sistema infinito, que es sólo la cabeza de un alfiler => “No sabe qué
cielo tiene, si está hoy y si mañana será el mismo”. Entonces se apoyará en la cabeza de la religión: el Papa, y que él le
dijera qué está bien y qué está mal, pero aparece el 3o suceso:
Lutero, que dirá que el Papa es corrupto, que vende indulgencias y perdón por dinero, que la religión católica no sirve
porque está totalmente corrupta => “No sabe en quién creer porque el Papa es corrupto”.
Estas tres cuestiones juntas le traerán aparejada una inestabilidad, una incertidumbre y una angustia sin límites que se
refleja en la pintura y más específicamente en el choque entre la luz y la oscuridad.
.ITALIA: Es donde este estilo cobra forma en las creaciones arquitectónicas y escultóricas de dos grandes arquitectos:
BERNINI y BORROMINI, el genio del pintor CARAVAGGIO.
En los finales del s. XVI comienza un preludio de este Barroco que crecerá con todo en esta Italia con la construcción
de la “IGLESIA DEL GESÚ” en Roma: planta de nave única con capillas laterales, transepto corto con una cúpula
magnífica que remata el crucero. El interior decorado con figuras de estuco en torno a los ventanales. La fachada con
molduras en forma de “S”, características de este movimiento (complemento decorativo para compensar la diferencia
de altura entre la nave central y las laterales). Ventanas y frontón = renacentistas y con decoración exuberante.
* PINTURA: CARAVAGGIO, quien llega desde Milán a Roma; luego trabaja en Nápoles, Sicilia y la isla de Malta. Artista
revolucionario, su originalidad consistía en el puro realismo (realizar las formas tal cual son, sin idealizarlas) y en el
contraste de luz y sombra que dio origen al estilo denominado “TENEBRISMO”.
* ARQUITECTURA y ESCULTURA: - BERNINI = arquitecto, escultor y pintor. Era estimado por los Papas y trabajó
mucho para la Iglesia. En la escultura representa desde un sólo punto de vista que concentra la impresión de energía
(dinamismo y movimiento), en el momento culminante de la acción dramática. Intenso estudio de la naturaleza, la
expresión y detalles superficiales en su captación de la textura de la carne y el cabello en el mármol. Algunas obras :
“El éxtasis de Santa Teresa”; la “Fuente de los Cuatro Ríos”; su obra culmen la “Columnata de la Plaza San Pedro”.
- BORROMINI = arquitecto menos tradicional que Bernini. Le fascinan las composiciones espaciales ingeniosas. Los
muros se ladean, se curvan, se ponen en movimiento como moldeados en arcilla. Las plantas eran elípticas. El
círculo demasiado regular queda reemplazado por el óvalo.
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.ESPAÑA: El arte español del siglo XVII (siglo de oro), estuvo influido por el Barroco italiano, pero conservó su
carácter individual.
Los grandes santos de la Contrarreforma, como Santa Teresa de Jesús, San Ignacio de Loyola con sus éxtasis y
visiones, inspiraron a los artistas. En España hay muy pocos desnudos femeninos y pocas pinturas mitológicas.
* ESCULTURA: Se realizaron “esculturas” de Cristo, María y algunos santos para llevarlas a la calle.
- Gregorio Fernández”: fue el escultor más importante de la escuela castellana, tallas de gran nitidez y con un ritmo
casi gótico; era puramente realista.
* PINTURA: En lo que respecta a la pintura, la fuente de inspiración fue Caravaggio.
- FRANCISCO RIBALTA: trata sus obras con un naturalismo clásico, cálido y hermano.
- FRANCISCO DE ZURBARÁN: se apartó del realismo infundido por un sentimiento ascético y alejado de lo mundano.
Inspirado en la poesía de San Juan de la Cruz, pinta composiciones de gran nitidez y precisión casi cristalina; utiliza
la iluminación “caravaggiesca” y son escenas sin movimiento y mucha quietud.
- DIEGO VELÁZQUEZ: comenzó con escenas del género caravaggiesco, pero en todas pone su genio y sello. Llegó a ser
pintor de la corte.
Otros importantes artistas fueron: -MURILLO: con sus Vírgenes; -RIBERA: “el Españoleto”, etc.
* ARQUITECTURA: En ella, la influencia barroca llegó tarde. La obra más barroca es “La Transparente de Toledo”, símil
a la Santa Teresa de Bernini.
La ornamentación del barroco español se le atribuye a José Benito Churriguera, quien dio su nombre a este estilo
exuberante, frenético y de columnas retorcidas.
.FRANCIA: Reduce el barroco a su escala. Hay dos factores que determinaron el arte en Francia en el siglo XVII: la aristocracia centralizada en Luis XIV, y una tradición clásica profundamente arraigada.
En pintura y arquitectura se repitió el mismo modelo. “Se rechazaron” los excesos lo barroco, lo extravagante, lo
desbordante debido a su tradición clásica.
Las artes fueron dirigidas con un sólo propósito: glorificar al rey, símbolo visible del poder del Estado. Este dominio no
favoreció la individualidad.
Los logros de este período radican en la creación del estilo decorativo de Versalles.
* ARQUITECTURA: se destacó Mansart, representante del puro Clasicismo francés.
* PINTURA: se destacaron: - VOUET, CHARLES LE BRUN, RIGAUD } Corriente Oficial. - POUSSIN, LORAIN } Corriente Clásica.
- DE LA TOUR, LENAIN } Corriente Popular.
- WATTEAU = transición al Rococó.
.FLANDES: Tras la lucha religiosa del siglo XVI, la Iglesia se mostraba ansiosa de celebrar su poder.
* PINTURA: - PEDRO PABLO RUBENS fue el elegido para satisfacer al Estado y a la Iglesia. Mostró su arte naturalista. El
arte de Rubens tipifica el Barroco: pleno de amplios gestos, de poder, movimientos dinámicos, colorido
resplandeciente y radiante, pinceladas libres y expresivas. Su discípulo más famoso fue - VAN DYCK (artista de clase)
muy diferente a Rubens.
.HOLANDA: Sus habitantes por ese entonces eran mayoría clase media y protestantes. Los clientes burgueses querían
obras de poco tamaño, directas, sencillas; por lo tanto el Barroco tuvo muy poco arraigo en Holanda. La arquitectura
es moderada.
* PINTURA: en ella los artistas se lanzaron a pintar el mundo que los rodeaba, paisajes, naturalezas muertas, escenas
diarias, centros de las principales ciudades marinas. Delf, Haarlem y Utrech fueron centros de distintos tipos de
pinturas: UTRECH: pintura influida por el estilo de Caravaggio; DELF: pintura de género; HAARLEM: paisajes. - FRANS
HALS: influenciado por la pintura de Utrech;- VERMEER: pintura de género (escenas de interiores domésticos o
ciudadanos); - REMBRANDT: es uno de los más notables. La base de su arte fue el claroscuro. En 1630 fue influenciado
por Rubens y sus formas tenían peso y volumen.
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Caravaggio “La Adoración de los pastores” Velázquez “Las Meninas”
“Baldaquino de San Pedro”, “La Ronda de Noche” de Rembrandt
en el vaticano por Bernini
“La Lechera” Vermeer
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“Vieja espulgando un niño” Murillo
SIGLO XVIII
Durante el siglo XVIII, el arte europeo atravesó dos etapas.
Hasta mediados de siglo perviven las fórmulas barrocas, que en sus manifestaciones más decorativas se expresan en el
estilo ROCOCÓ, propio de la Francia del Luis XV. La segunda mitad del siglo constituye una reacción racionalista frente
a la exacerbación de los finales del Barroco, es el arte del NEOCLASICISMO.
ROCOCO S. XVIII (última mitad)
El estilo clásico (Barroco francés) impuesto por el “rey Sol” desaparece a su muerte, y con el reinado de Luis XV, su
nieto, surge otro estilo, conocido con el nombre de Rococó que comienza en Francia como estilo decorativo. Su nombre
deriva de la rocalla (rocaille) o conchillas.
Características: 1- Aplanamiento y falta de tridimensionalidad en la decoración.
2- Elementos abundantes curvos de “rocaille” enroscándose en frisos de curvatura opuesta y diseños
asimétricos.
3- Características tomadas del barroco francés pero aplanadas y con reducidas proporciones
Debido a ser un estilo decorativo dio origen a objetos decorativos pequeños en plata, porcelana, etc.
En ARQUITECTURA, las modificaciones corresponden a los interiores de los edificios, para crear un ambiente de
suntuosidad y elegancia. Los motivos ornamentales de guirnaldas, hojas, flores y conchillas irregulares cubren las paredes
y avanzan sobre el techo. Se da máxima importancia al mobiliario, espejos y cortinados. En mobiliario se hizo más útil y
práctico, surgieron ebanistas representativos.
La PINTURA es colorida, graciosa, pero frívola; solamente desea representar los placeres y el lujo de la corte. Los temas
son galantes, con escenas de amor, de bailes en los jardines, de juegos y pastoriles.
Se destaca la obra de Watteau, de pequeño tamaño, por la gracia de sus composiciones; otros pintores notables son
Boucher, el pintor de Madame Pompadour, y Fragonard, el pintor de Madame Du Barry.
.INGLATERRA: No fue más que un diseño mobiliario.
.FRANCIA: Fue utilizado para decoración y manera de vivir de la gente adinerada.
.ALEMANIA: Fue totalmente distinto al francés ya que, en lugar de apartarse del Barroco, lo desarrolló aún más. Se utilizó
como fin en sí mismo, creando un mundo de fantasía celestial.
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NEOCLASICISMO S. XVIII - XIX
Comenzó en el siglo XVIII y se desarrolló en el siglo XIX.
Fue importante en las artes de Francia y norte de Europa. El estilo tuvo su origen en la insatisfacción por las tradiciones
artísticas del momento que sentían los artistas y escritores europeos.
El movimiento se convirtió en un renacer de los ideales y las imágenes de la antigüedad. El entusiasmo por el pasado en
el siglo XVIII, apareció en Roma entre el 1700 y 1720 con el Papa Clemente XI que coleccionaba antigüedades romanas.
Sus sucesores siguieron con la misma táctica hasta que se hicieron excavaciones en Herculano y Pompeya. Interesados
por la restauración de obras encontradas, los artistas estuvieron más impulsados a continuar con este movimiento. Esta
vuelta a lo clásico recibe el nombre de NEOCLASICISMO y tuvo su capital en Francia.
El Neoclasicismo se hizo tan popular que influyó en la cerámica, el mobiliario y los tejidos además de influir a
arquitectos, escultores, y pintores.
El artista reproducía obras griegas y romanas tan exactas como les salieran. No por ésto se los tildaba de plagio ya que si,
por ejemplo, un pintor pintaba a un soldado romano, debía hacerlo con la vestidura exacta del momento histórico. Cuando
se ilustraba una escena de la ‘Ilíada’ de Homero había que ceñirse estrictamente al texto.
En ARQUITECTURA, este estilo adolece de cierta frialdad; se critica durante el Barroco y se intenta volver al Clasicismo
más puro, de orden dórico, que no había sido usado por los arquitectos renacentistas.
En la época de Luis XV, en Francia, se construye la Iglesia de Santa Genoveva, según los cánones clásicos. Luego, en la
época de Napoleón, se celebran las victorias militares con arcos de triunfo y además se construye una columna a
imitación de la de Trajano.
En la ESCULTURA se intenta también un regreso a lo clásico. El escultor de este período es Cánova, italiano, retratista de
Napoleón y escultor de algunos temas mitológicos como “Eros y Psiquis” y “Las tres gracias”.
En PINTURA las formas se geometrizaron y rechazaron los colores brillantes, utilizando colores sencillos sin
complicaciones innecesarias. Esta rama cuenta con la figura de David, pintor de origen francés. Los pintores neoclásicos
se inspiraron en la escultura y, como consecuencia, sus características son la importancia del dibujo, la representación del
volumen y la menor importancia otorgada al color, es decir la tendencia a la monocromía
David pintó temas históricos y de la antigüedad clásica. “El juramento de los Horacios”, “Asesinato de Marat”, “El rapto
de las Sabinas” y varios retratos de Napoleón, son algunas de sus obras.
“El Juramento de los Horacios” J. L. David “Muerte de Marat”, David
LA PINTURA INGLESA DEL S. XVIII
La escuela de pintura inglesa nace en el siglo XVIII, a partir de la pintura flamenca (Flandes), especialmente de Van
Dyck. Recibe también influencias de la pintura francesa, especialmente de Watteau.
Su primer representante es Hogart, pintor costumbrista que realizó series de cuadros, que se suceden como episodios (lo
que muestra la influencia del teatro), como “El matrimonio a la moda”.
Sir Joshua Reynolds fue fundador de la Real Academia. Escribió un tratado sobre la pintura. Su obra está dedicada al
retrato, pintó miembros de la aristocracia, reflejando el carácter de cada personaje (retrato psicológico).
Thomas Gainsborough pintó retratos en los que interviene el paisaje que parece relacionarse emocionalmente con el
personaje. Luego se dedicó a pintar sólo el ambiente, siendo uno de los precursores del paisaje moderno.
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GOYA UN PINTOR ANTICIPATORIO
La pintura del siglo XVIII en España cuenta con la figura de un artista genial, que trasciende su época: Francisco de
Goya, nacido en Zaragoza en 1746. Profundamente inmerso en su época, todos los acontecimientos vividos por su pueblo
afectan su espíritu y, por ende, transforman su pintura, que recorre muchas tendencias y va a ser anticipatoria de escuelas
como el Impresionismo y el Expresionismo.
Fue un pintor que supo ver detrás de las cosas su verdadero significado oculto a los ojos menos perspicaces, y mostrar la
realidad en su verdadera dimensión. Inició su carrera como pintor de cartones para la Real Fábrica de Tapices; de esta
época son sus composiciones de “Madrid alegre y despreocupado”. Más tarde llega a ser retratista de la aristocracia,
pintor de la corte y primer pintor del rey en la época de Carlos IV. En sus retratos capta la forma, el gesto, la actitud, que
es reveladora de la personalidad del retratado. Su obra más importante de esas características es el retrato de la familia
real. A partir de 1790, una grave enfermedad que le producía un zumbido constante en los oídos, la muerte de su esposa,
las invasiones napoleónicas y la guerra de la independencia producen un cambio en su pintura. Aparecen los horrores de
la guerra, fusilamientos, la obra de la Inquisición.
En este clima crea una serie de “pinturas negras”, donde la imaginación crea monstruos y brujas realizados con tonos
oscuros y pinceladas rotundas las cuales pinta en las paredes de su casa quinta: “La Quinta del Sordo”.
Goya también es un maestro del grabado; sus trabajos se agrupan en 4 grupos: “Los caprichos”, dura crítica a los
personajes de su época, lo que provoca un cuestionamiento por parte de la Inquisición que pone en peligro su vida; “Los
desastres de la guerra”, donde refleja los horrores; luego otra serie similar a “Los caprichos” (“Los disparates”) y
finalmente “la Tauromaquia”, donde retrata la fiesta de toros. Goya murió en Burdeos en 1828
Carlos IV de España con su familia Banderillas de Fuego
“Dos viejos comiendo” (pinturas negras) “El 3 de mayo de 1808 en Madrid”
“Maja Desnuda” “Maja vestida”
Historia del Arte
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EDAD CONTEMPORÁNEA En este tema veremos las principales manifestaciones artísticas del hombre europeo desde finales del siglo XVIII hasta
nuestros días. Partimos desde la época romántica, con un arte vinculado a la representación de objetos del mundo exterior,
y llegamos hasta las manifestaciones artísticas más recientes en que el artista se expresa a partir de su propio mundo
interior. Este cambio fue la ruptura más importante con los conceptos estéticos que sostenía el arte europeo desde la
antigüedad. La obra de arte moderno exige de parte del espectador una postura distinta. No se trata de la reproducción
fotográfica, ni siquiera a veces de la interpretación personal del objeto; es un universo de formas, colores, texturas,
claroscuros que se organizan en una creación nueva, original, que no pretende parecerse a ningún objeto existente en el
mundo real.
Para no extenderme mucho, sólo presentaré los movimientos y artistas que creo son los más representativos de su época.
Si te interesa saber más de ellos, sólo busca información en libros o internet.
ROMANTICISMO
Nace y se extiende por toda Europa como consecuencia de las ideas
revolucionarias de fines del s. XVIII. Como todo movimiento, surge en oposición
al anterior (neoclasicismo), y en este caso el romanticismo destaca aspectos del
arte medieval que habían caído en el olvido, por ejemplo, el gusto por el estilo
gótico y por los aspectos poéticos de la Edad Media.
El romanticismo considera el sentimiento y la pasión por encima del razonamiento
y libera la fantasía en contraposición al orden de la estética clásica. Sus
composiciones son dinámicas (a veces más otras menos), representan por ejemplo
2 fuerzas que se oponen y luchan violentamente. En la elección de sus temas existe
una preferencia por lo fantástico, lo novelesco, lo desconocido, la locura.
Francia figura entre los países que dieron mayores aportes a la pintura romántica,
por la obra de 2 de sus autores: Géricault y Delacroix.
En el romanticismo el paisaje se espiritualiza. Al contemplar la
naturaleza, los pintores románticos crean su propio paisaje interior, que
es el reflejo de sus sentimientos. Los paisajes son algo sagrado,
místico, parte de la Naturaleza universal. El pintor puede exaltar
poéticamente los caracteres propias de los objetos o tomar éstos como
base para una creación personal.
Algunos artistas ingleses componían sus paisajes imaginarios tomando
como modelo curiosas maquetas realizadas en su taller con hierbas,
guijarros y espejos. Otros tenían la capacidad de captar y describir
fielmente las condiciones atmosféricas propias del momento y del
lugar. La acuarela, por su fluidez, luminosidad y transparencia, fue la
materia que sirvió mejor a los artistas ingleses para representar todas
estas características del paisaje.
Entre los paisajistas ingleses se destaca Turner quien, después de componer
imponentes paisajes, fue fundiendo paulatinamente el contorno, la forma
concreta de los objetos hasta borrarlo por completo y pintar solamente los
efectos de la luz sobre el agua.
Entre los románticos alemanes
se encuentra Caspar David
Friedrich en cuyas obras
prevalecen imágenes de hielos
de puntas filosas o niebla en
medio de un clima de extraña
tranquilidad
Delacroix “La matanza en
Scio”
Friedrich “Mar congelado”
Géricault “La balsa de
Medusa”
Historia del Arte
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REALISMO
A mediados del silo XIX, con el avance de la ciencia y la industria, el
pensamiento de la época se dirigió hacia el progreso, la investigación y la
observación de la realidad. La respuesta que produce en el terreno artístico es
una inclinación del gusto hacia el realismo, que partiendo de Francia se
extiende por toda Europa.
Si bien la estética realista no es exclusiva de este momento histórico
(recordemos que en otras épocas y otros lugares la pintura buscó representar
lo cotidiano, lo humano, lo contemporáneo), se conoce como realismo, en
pintura, al movimiento que se interpone entre el romanticismo y el
impresionismo. Los temas tomados de la vida cotidiana eran los usos y
costumbres de la clase media y del pueblo que vivía en el campo y la ciudad.
Es decir, se dejan de lado los grandes temas épicos, los tiempos remotos y
los lugares exóticos del romanticismo, para exaltar la epopeya de la vida
cotidiana.
EL IMPRESIONISMO. LA ESCULTURA EN EL SIGLO XIX
El Impresionismo
A mediados del s. XIX nace el impresionismo. Después de 6 años de arte clásico, este movimiento surge como la
expresión más exacerbada del realismo y marca el comienzo del arte moderno hacia una forma de expresión cada vez más
subjetiva. Los pintores impresionistas pintaban al aire libre en sitios abiertos donde podían observar los reflejos del agua o
los rayos del sol en distintas horas del día. Esta observación de la naturaleza les permitió comprobar las teorías sobre el
comportamiento de la luz, y su descomposición en los 7 colores del espectro. Del estudio de tales fenómenos surge un
conjunto de leyes ópticas de exaltación o neutralización de los tonos que fueron aplicados por los impresionistas en sus
cuadros. Desde este punto de vista, el impresionismo es la culminación del realismo, ya que se basaba en el conocimiento
científico de la realidad. En 1874, un grupo de jóvenes pintores que trabajaban de acuerdo a estos principios expuso sus
obras en un talles de fotografía: entre ellos figuraban Monet que presentó
el cuadro “Impresión: sol naciente”. Al hacer el comentario de la muestra
un periodista toma el nombre de este cuadro para referirse despectivamente
a estos pintores llamándolos “impresionistas”, nombre que luego va a ser
adoptado por el grupo.
El precursor del impresionismo fue Manet, quien con sus observaciones
técnicas abrió el camino. Su cuadro “Almuerzo campestre” (o Merienda
sobre la hierba”, “Desayuno en la hierba”) produjo escándalo por su tema,
que como vemos representa una mujer desnuda entre 2 hombres vestidos
con trajes contemporáneos. Es decir, no se trataba del desnudo de las
alegorías o escenas mitológicas, socialmente aceptado. Pero también la
técnica del cuadro, de tonos claros y vibrantes con fuertes contrastes de luz
y sombra, que parecía haber sido pintado al natural, fue motivo de duras
críticas.
El pintor más representativo de este movimiento fue Monet. Podemos observar en este cuadro suyo las características de la pintura impresionista. Vemos que el objeto es
alterado por el ambiente que lo invade, la atmósfera que lo rodea y le hace perder el color
local y la precisión de sus contornos. La fragmentación de los colores impone una paleta
reducida generalmente a los colores del espectro solar y asimismo un particular tipo de
pinceladas en forma de toques. El pintor impresionista se abstiene de realizar mezclas en
su paleta que sólo sirven para hacer perder la intensidad del tono. De acuerdo con las
leyes de la óptica, la yuxtaposición de pinceladas de tonos puros hará que el ojo, al
situarse a la debida distancia, pueda mezclarlos en su retina, capturando toda la
luminosidad y el color del ambiente.
Renoir participó de la exposición del grupo impresionista y recibió las mayores críticas.
Se decía que en sus cuadros cubría de moho a las personas, porque pintaba sobre sus
personajes manchas de sol y sombras en tonos violáceos. A diferencia de otros
impresionistas dedicados a la pintura de paisaje, Renoir prefería pintar escenas en las
cuales otorgaba tanta importancia al tratamiento y relación entre los personajes como al
entorno.
Historia del Arte
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Renoir “le Moulin de la galette” Renoir “Jeunes filles au piano”
Degas es otro de los pintores del grupo impresionista, si bien se diferencia de ellos por el uso de la línea que define el
contorno de las figuras. Como Renoir, prefiere pintar escenas. Dibuja rápidamente, copia la acción instantánea de sus
personajes. Realizó muchos cuadros donde pintó escenas de ballet, en los que la luz de las candilejas reemplaza a la del
sol y el colores ambiente ilumina los cuerpos y el tul de la vestimenta de las bailarinas.
Al siglo XIX también pertenece un pintor independiente pero intensamente vinculado a su tiempo: Toulouse- Lautrec. En
sus obras trató preferentemente la figura humana, definiendo en pocos trazos sus gestos y virtudes. Son famosos sus
afiches del café “Moulin Rouge”, donde se plasma verdaderos retratos de personajes de este ambiente (mozos, bailarines,
cantantes)
Edgar Degas “El hogar del baile en la Ópera” Toulouse Lautrec “En el Moulin Rouge”
La Escultura en el Siglo XIX
Durante casi todo el s. XIX, que estuvo bajo la influencia de la pintura, no se
produjeron grandes innovaciones en el terreno de la escultura.
Casi al final del siglo aparece la figura de Rodin como el escultor más
importante de este período.
Se podría decir que Rodin es un escultor impresionista por la importancia
que le reconoce a la luz como modeladora del volumen. Según sus propias
observaciones, una escultura debe poder ser contemplada desde cualquier
punto de vista, todos sus aspectos deben estar integrados en un volumen equilibrado y dinámico que guarde perfecta relación con el entorno (la luz y
la atmósfera que lo rodean)
Auguste Rodin “Los burgueses de Calais´”
Historia del Arte
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CORRIENTES POST- IMPRESIONISTAS
Una vez consumado el fenómeno impresionista, surgen varios movimientos
que, tomando algunos de sus principios como punto de partida, se desarrollan
en distintos sentidos, iniciando el camino al arte moderno.
Paul Cézanne es considerado el iniciador de la pintura moderna. Admirador
de Poussin y luego influenciado por los impresionistas tomó de éstos el
sentido del color, pero no acepta la yuxtaposición que desvanece las formas;
por el contrario, las perfila, las construye a partir de su estructura interna;
otorga peso y consistencia a todos los elementos hasta los más etéreos como
la bruma o las nubes. Sostiene que hay que ver todo en la naturaleza, como
cilindros, esferas y conos. Para representar el volumen o la profundidad
recurre a una serie de planos escalonados y levanta en algunos casos la línea
de horizonte.
El Divisionismo
El divisionismo trata de explicar con rigor científico las leyes ópticas que los
impresionistas aplicaban por intuición. Una de ellas, la ley de contraste
simultáneo, descubre el máximo contraste y la íntima dependencia que existe
entre tonos complementarios. Además establece relatividad de tonos, que son
influenciados por sus vecinos; así, la sombra de un objeto se tiñe del color
complementario. Al igual que los impresionistas, los divisionistas no
mezclaban el color en la paleta, pero sus pinceladas se redondearon y se
redujeron a puntos de color puro (puntillismo). Al ser observados a distancia,
estos puntos producían en la retina las mezclas buscadas. Los
neoimpresionistas organizaban su composición de acuerdo a ciertos valores
expresivos que le otorgaban a las líneas, tonos y valores. Según ellos, las
líneas descendentes, los valores oscuros y los colores fríos expresaban
tristeza. Por el contrario, las líneas ascendentes, los valores claros y colores
cálidos expresaban alegría.
Seurat “Mujer empolvándose”
El simbolismo
Después del carácter realista que el s. XIX había impreso a la experiencia
artística, casi a fines del siglo se produce una reacción contraria, idealista, que se
conoce con el nombre de “simbolismo”. El simbolismo no propone una fiel
reproducción del mundo exterior, sino la representación de una idea por medio
del símbolo. Los pintores simbolistas no copiaban al objeto, lo representaban con
la imaginación. Después de haberlo recibido y siomplificado consevaban de él
una síntesis, es decir, la “idea”. Gauguin pinta su primer momento influenciado
por los impresionistas. Luego adhiuere a una corriente llamada sintetismo, que
consistía en simplificar las formas , colorearlas con tintes planos de colores muy
intensos y delimitadas con fuertes trazos oscuros. Sus obras son aceptadas con
entusiasmo por el grupo de poetas simbolistas que lo invitan a participar de sus
reuniones. Se pueden aplicar a sus obras toda slas características que definen a la
pintura simbolista: desdeña algunos valores enraiados en el arte clásico, como la
perspectiva lineal, el movimiento y el modelado del volumen
Gauguin “Dos mujeres tahitianas”
Cézanne “Casa de Bellevue
Historia del Arte
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Vincent Van Gogh
De su breve vida (se suicidó a los 37 años), Van Gogh dedicó
solamente sus últimos 5 años a la pintura, en los cuales realizó una
cuantiosa y admirable producción. Sus primeros cuadros son
escenas de la vida sencilla de los campesinos y tejedores, resueltos
en colores sombríos. Al llegar a París descubre a los
impresionistas, pero si bien toma de ellos la técnica de fraccionar
el color, no piérdelas formas, construye sus figuras sin perder
nunca sus límites. Adopta el puntillismo, pero en sucesivas obras
sus puntos se van transformando en violentos trazos de color,
rectos u ondulantes como llamas. Su paleta es clara, predominante
en amarillos y ocres. Pintó paisajes, interiores, flores, retratos y
numerosos autorretratos. Su pintura, de violentos tonos
contrastantes y fogosa ejecución, es la expresión de apasionados
sentimientos.
Edvard Munch
Si bien el simbolismo alcanzó su máxima expresión en Francia, luego se
extendió a otros países. Las obras de este pintor noruego, precursor del
expresionismo, ostentan gran libertad en el uso del color y del dibujo,
permitiéndose incluso deformaciones subjetivas de la realidad, para acentuar el
valor expresivo del mensaje
El Fauvismo
El nombre de este movimiento deriva de la palabra “fauves” (en francés
significa “fieras”), apodo que un crítico de arte dio a los pintores que
integraban este grupo. Caracteriza su obra una exaltación del color que se
manifiesta en la utilización de colores puros, saturados, violentos. El fauvismo
fue un desborde de color.
En los pocos años que duró, este movimiento produjo hermosas obras, que aún
hoy nos impactan por la vivacidad de su colorido. El pintor más destacado de
este grupo fue Matisse. Este artista, muy tradicional en sus primeros cuadros, se
acercó luego a los impresionistas y realizó algunas obras influenciado poer esta
tendencia. Pero ya en él se manifestaba unainclinación por el uso intensivo del
color. El período fauve es para Matisse el comienzo de la búsqueda de un
método propio de trabajo. Al organizar sus composiciones, Matisse realizaba una esforzada tarea de análisis: asociaba
colores puros, violentos, de forma no convencional; equilibraba las masas, sacrificaba todo lo que no era necesario,
ordenaba, simplificaba. Matisse fue uno de los grandes maestros del arte moderno, que en su búsqueda de una síntesis
expresiva logra “simplificar la pintura”.
Henri Matisse “El baile”. Introduce en su pintura motivos decorativos y
utiliza fondos ornamentales, como arabescos en cortinas y alfombras.
Organiza todos los elementos de igual forma, ya sean rostros o alfombras; la
luz no modela los objetos sino que es un valor, un color que participa con los
otros tonos. El cuadro es una composición plana cuyo objetivo es puramente
plástico; independiente de la imitación y de la expresión sentimental; se trata
de lograr las adecuadas relaciones de color y la correcta organización de sus
partes.
Historia del Arte
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EL EXPRESIONISMO – EL CUBISMO
El Expresionismo
Término que se utilizó a principios del s. XX en Alemania para
designar una tendencia en el arte caracterizada por su subjetividad,
su carga de angustia y su sentimiento trágico.
El 1º impulso del expresionismo, mezclado con influencias
simbolistas, se da a fines del siglo XIX con la obra de Toulouse
Lautrec, Van Gogh, Munch y Ensor. En sus obras, el color y el
trazo dramático, enérgico y expresivo, representaban el mundo
interior de sus personajes, con esto exaltado hasta el límite de lo
caricaturesco. Aplicaban técnicas de ilustración (Toulouse Lautrec
creó la síntesis del afiche moderno) y de grabado en madera o
xilografías, como por ejemplo, las de Munch. El 2º impulso
expresionista se da ya en el s. XX, con la fundación de 2 grupos: 1)
“El Puente”: su director: Kirchner. Allí se afirma y crece el
movimiento tomando como modelo la obra de Van Gogh, Munch y
la escultura negra. La producción de este grupo tiene mayor carga
de violencia dramática en el trazo y en el color (como lo muestra esta obra de Kirchner). El otro grupo “El
Jinete Azul” integrado por Kandisnsky (el más abstracto de todos), Marc (abstracción llena de color), Macke
(predomina lo figurativo), Klee (tenía problemas con el color, por lo tanto predominan las líneas). Sus
directores: Kandisnky y Marc (ruso y alemán respectivamente)
El Cubismo
La designación de cubismo para distinguir a este movimiento
revolucionario en pintura se debió a las burlas de un crítico de arte que
creyó ver rarezas cúbicas en estos cuadros. Este movimiento se inicia
en 1907 y finaliza en 1914. Sus principales representantes son Picasso,
Braque y Juan Gris. Como sus antecedentes podemos citar la obra de
Cezanne, Seurat, el descubrimiento de la escultura negra y de las artes
mrimitivas.
El cubismo propone la reproducción, en el plano del cuadro, de
objetos que en la realidad tienen volumen, sin recurrir a soluciones
ilusionistas como las que había dado la pintura hasta entonces. Se
distinguen en su evolución varias etapas. En un 1º momento, los
pintores cubistas, inspirados en Cézanne, abandonan todo
condicionamiento o deformación del objeto por acción de la atmósfera
y los definen por medio de formas geométricas, sin perspectiva ni
efectos de luz.
Más adelante, el cubismo busca la visión simultánea de varios aspectos
(puntos) del mismo objeto. Este cubismo, llamado analítico, conduce a
una descomposición de la forma, que se presenta abierta desde el interior. Los plano de estos volúmenes rotos (como podemos ver en la
ilustración) penetran unos en otros y dejan zonas neutras que parecen
sugerir espacio; el color aparece apagado, poco saturado y con
abundancia de grises.
En la última etapa, el cubiusmo sintético, desaparecen las zonas
neutras y todo el espacio se cubre de formas planas más importantes y
que encajan perfectamente entre sí. Aparecen algunos efectos
decorativos y se amplía la gama de colores hasta abarcar todo el
espectro.
En este momento comienzan a adosarse a la tela del cuadro otros
materiales: papel, arena, cartón, telas (collage). En el cubismo sintético
se hace abstracción de algunos elementos del objeto pero se conserva
la escencia.
Historia del Arte
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EL FUTURISMO – LA ESCULTURA MODERNA
El Futurismo
El futurismo se dio en Italia, en un principio como un movimiento
literario que intentaba romper con las tradiciones y el pasado, para
crear una poesía que estuviera más de acuerdo con la época de la
velocidad y de las máquinas. Luego algunos pintores se agruparon en
torno a esta idea y dieron a conocer un manifiesto técnico de la
pintura futurista. Pretendían eternizar en sus obras una sensación
dinámica. Para lograrlo recurrían al uso de imágenes sucesivas a las
líneas de fuerza ya ciertos recursos cubistas, como la
descomposición e interpretación de planos. El futurismo es la
primera de las vanguardias modernas que busca la total ruptura con
el pasado
La escultura después de Rodin
A partir del ejemplo de Rodin, los escultores tienden a respetar más el monolito
original y a realizar formas más compactas. Esto se observa en la obra de
carácter clásico de un escultor perteneciente a la época: Arístide Maillol, autor de
numerosas esculturas femeninas de formas robustas y muy pulidas.
Lso cubuistas conciben a escultura como una construcción a partir del ensamble
de diversos materiales no tradicionales (ej. relieves cubistas de Picasso) la talla
directa en madera como la de slos pueblos primitivos, el modelado y la escultura
en piedra, se simplifican y geometrizan por influencia del cubismo, haa
sintetizarse en cilindros, esferas u ovoides, ej.: obras de Brancussi.
La concepción del espacio como un elemento activo y no solamente como algo
que rodea a la figura, y el juego de tensión entre planos cóncavos y convexos,
también son logros de la escultura moderna. Podemos observar estos valores en
la obra de Pablo Gargallo y Henry Moore.
El escultor español Pablo Gargallo, artesano del hierro, conocedor del oficio de la
rejería, realizó numerosas obras dando forma y soldando planchas de hierro en
torno a un hueco interior. En estas esculturas se construye al mismo tiempo la
forma exterior e interior y la luz crea un claroscuro que modela los espacios
internos.
Henry Moore fue un gran escultor inglés que practicó la talla directa. En sus obras
respeta y acompaña la forma del bloque, pero al mismo tiempo crea importantes
espacios interiores hasta lograr el equilibrio entre volumen y espacio.
Sus temas (la familia, la meternidad) fueron figuraivos en un principio y se fueron
acercando hacia un lenguaje más abstracto.
Henry Moore “Figura
reclinada”
Historia del Arte
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Las Vanguardias
A partir de 1914, fecha de iniciación de la Primera Guerra Mundial, los movimientos en el arte se complejizan. Estas
tendencias, llamadas de vanguardia, se sienten inmersas en la realidad político- social del mundo moderno y tratan de ser
un elemento modificador de estos factores. El objetivo de las vanguardias es reconciliar el arte con la vida, es decir,
transformar un arte tradicional, para que se adecue a una sociedad sacudida por los choques de una crisis sociopolítico. Se
produce un cambio en los conceptos estéticos, se descartan los valores de los cánones clásicos, y en cambio se descubre la
belleza en las artes primitivas de África y Oceanía, en la arquitectura prerromántica y en los dibujos de los niños, es decir,
hay un intento de volver a las fuentes.
El Dadaísmo
Movimiento cuyo nombre proviene de la onomatopeya “dadá”, expresión
sin sentido alguno, asociada a los primeros balbuceos infantiles. Tenía una
posición crítica con respecto a la convenciones aceptadas ridiculizaba los
valores artísticos reconocidos. La respuesta dadaísta al conflicto entre el
arte y la sociedad era el “antiarte”, es decir, la negación del arte. No
intentaban crear ni reformar el arte, no tenían propuestas; se trataba de una
actitud, un estado de ánimo antes que de una escuela o movimiento. No
obstante, existen obras que son consideradas dadaístas por haber ssido realizadas por quienes sostenían este pensamiento. Por ejmplo los collages
y fotomontajes de Max Ernest, o los ready – mades (objetos de uso
cotidiano, ligeramente modificados y elevados a la categoría de obras de
arte). Este movimiento se dio en Francia, Alemania y Nueva York; el
heredero de sus consignas fue el surrealismo.
El Camino a la Abstracción
El cubismo deja como saldo la tendencia a la abstracción ya a la síntesis, junto
con un marcado desinterés por la representación objetiva de la realidad.
Asimismo, tanto el fauvismo como el cubismo, dieron lugar al desarrollo de las
formas y colores como elementos independientes dentro de la composición.
Varios movimientos surgidos por esta época lo confirman, por ejemplo el
constructivismo y suprematismo en Rusia y el grupo holandés “De Stijil” (El
Puente” surgido en el expresionismo), basados todos en la abstracción
geométrica. En Alemania, en 1919, el arquitecto Walter Gropius crea la
escuela de artes y oficios “Bauhaus”, que tenía como objetivo la armoniosa
integración de la arquitectura, pintura y escultura, es decir, la unidad de las
artes en función de las necesidades de la sociedad industrial. Fue con ella que
se empezaron a crear objetos en serie.
El Surrealismo
El surrealismo, que en sus orígenes fue un movimiento literario, plantea un
nuevo tipo de relación entre los objetos, que no está basada en la reflexión
u observación, sino en lo casual, lo inconsciente o irracional. En sus obras
se pueden ver encuentros insólitos de objetos conocidos, situados fuera de
sus lugares habituales, en epacios infinitos y solitarios, o seres imaginarios
surgidos como alucinaciones. Estas asociaciones contradictorias, difíciles
de descifrar, crean en el espectador un sentimiento de angustia. Dalí, uno
de los más importantes representantes, fue excelente dibujante y pintor
excepcional. Sus obras, de un realismo minucioso, casi fotográfico, llegan
hasta la representación ilusionista.
Historia del Arte
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LAS CORRIENTES DE POST - GUERRA
Los Realismos
En el período que se extiende entre las dos guerras (1920-1940) se produce una vuelta
al realismo.
En Alemania, la situación política provocó el desarrollo de un realismo crítico, nueva
versión del expresionismo, de aguda crítica social, , cuyos autores mas tarde fueron
desterrados por los nazis.
El retorno a los valores humanos también se da en esta época, en la obra de 2 pintores
radicados en París: Modigliani y Chagall.
En los países con gobierno totalitario aparece un realismo académico, cuyo objetivo
fue sin duda, la propaganda política, la exaltación del nacionalismo y de las tradiciones.
El Expresionismo abstracto
Al estallar la Segunda Guerra Mundial, un gran número de artistas
europeos, pertenecientes a distintas corrientes, emigran a los EEUU.
Debido a esta circunstancia, los jóvenes pintores americanos toman
contacto con las dos principales tendencias del arte europeo de entonces: el
surrealismo y la abstracción, y la integran en un estilo nuevo, abstracto
pero no geometrizante, cuyas formas, aún sin se representativas, evocan la
vida, la naturaleza.
La técnica se modifica, el pintor participa activamente con todo el cuerpo
en el acto del pintar: arroja la pintura o bien camina sobre la tela.
El Informalismo
Es una corriente pictórica que surge de Europa como reacción a la
abstracción geométrica (constructivismo), que otorgaba primordial
importancia a las formas y a su ordenamiento racional dentro del cuadro.
El Informalismo intenta suprimir el concepto de “forma”, ya sea figurativa
o abstracta, para poder expresarse solamente a través de la materia
Estos pintores logran sugerentes texturas, rugosidades, transparencias e
incisiones, al aplicar diversos elementos sobre la superficie de la tela, y
revelan al espectador todo un universo lleno de vida y sentimientos al
evocar los distintos aspectos que presenta la materia en la naturaleza, como
por ejemplo las grietas de una roca, las nubes, o la superficie pulida de una
piedra.
El Pop Art
Movimiento artístico iniciado en la década de 1950 en Estados Unidos y Gran
Bretaña. Las imágenes del Pop Art (abreviatura de popular art, 'arte popular') se
inspiraron en la cultura de masas. Algunos artistas reprodujeron latas de cerveza
o sopa, tiras de cómic, señales de tráfico y otros objetos similares en sus pinturas,
collages y esculturas. Otros incorporaron a sus obras estos objetos, a veces
completamente modificados. Los materiales fruto de la tecnología moderna
(poliéster, gomaespuma, pintura acrílica) ocuparon un lugar destacado. El Pop
Art no sólo influyó en la obra de los artistas posteriores, sino que también ejerció
un fuerte impacto en el grafismo y el diseño de moda. Mantiene una postura
crítica a los valores de la sociedad de consumo, en donde todas las cosas,
comidas, revistas, música, ropa, etc., están preparadas para ser consumidas y
digeridas rápidamente sin dejar tiempo a la reflexión, al desarrollo del gusto
personal o al crecimiento.
