Enciclopedia Protagonistas de La Historia - Tomo VI

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Protagonistas de la Historia Pintores & escultores.

Alberto Durero (1471-1528)

Albrecht Dürer nació el 21 de mayo de 1471 en Nuremberg, Alemania. Tanto sus pintu-ras, como especialmente sus grabados, fueron los que transmi eron el es lo y las ideas renacen stas, ejerciendo importante infl uencia en los ar stas del Siglo XVI de su país y de los Países Bajos.

Recibió de su padre, Alberto Durero el Viejo – orfebre húngaro -, y de Michael Wolgemut - el pintor más destacado de su ciudad natal -, la formación del arte alemán del siglo XV, el que estuvo siempre plasmado en la pintura fl amenca del gó co tardío. Luego de recibir de su padre el arte del grabado y la joyería, el joven Durero se interesó más por la pintura. El

Luego de recibir de su padre el arte del grabado y la

joyería, el joven Durero se interesó más por la pintura.

Albrecht Dürer.

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padre accedió a sus aspiraciones. En 1486, ingresó en el taller de Michael Wolgemut, como aprendiz de pintor y diseñador de grabados, en el que permaneció durante cuatro años. Como era común en aquellos empos, realizó un viaje para profundizar sus estudios y co-nocer a otros ar stas. Fue en esos años cuando su arte refl ejó una enorme calidad en el trazado del dibujo y una minuciosa observación del detalle. Durero regresó a Nüremberg en 1494, porque sus padres habían concertado su enlace con Agnes Frey. El enlace le aportó la solidez material necesaria para crear su propio Estudio Nuremberg. También en 1494, Durero viajó a Italia y visitó Venecia. Durante los dos años que duró este viaje, pintó acuarelas de paisajes con gran exac tud de detalle, probablemente durante su viaje de regreso, como por ejemplo una vista del cas llo de Trento (Na onal Gallery, Londres). Durante los diez años siguientes que estuvo en Nuremberg, desde 1495 a 1505, comenzó a estudiar seriamente matemá cas y las proporciones humanas. Con el dominio de la xilo-gra a y el grabado, realizó un gran número de obras que contribuyeron a inscribir su fama. Entre ellas, se encuentran de ilustraciones como El Apocalipsis de1498, los grabados de La gran fortuna de 1501 y 1502, y La caída del hombre, de 1504. Sus trabajos representan el convencionalismo en cuanto a temá ca, pero son revolucionarios en cuanto a su concep-ción y a su complejidad técnica. En 1497, pintó su Autorretrato en el Museo del Prado, en Madrid; y en 1500, en la Pinacoteca de Múnich, en el que se representa con las caracterís -cas atribuidas frecuentemente a Cristo.

Para Durero, como para el resto de los ar stas alemanes, el adaptar la destreza gó- ca a la de los ar stas fl amencos como Robert Campin, Jan van Eyck y, sobre todo,

Rogier van der Weyden, no representaba difi cultad alguna. No obstante, sí les resul-taba di cil ajustar su arte medieval – representado por exquisitas texturas, colores radiantes y fi guras con gran lujo de detalle- con el tono que los ar stas italianos ponían en la an güedad clásica, la mitología y la idealización de la fi gura.

En consecuencia, Durero se planteó el obje vo de proveer a sus conciudadanos un mo-delo con el que pudieran armonizar el interés empírico por los detalles naturalistas con los aspectos más teóricos del arte italiano. El concepto empírico era el nexo común. Entre 1505 y 1507, volvió a viajar a Italia. En Venecia, conoció al gran maestro Giovanni Bellini y a otros ar stas, y la Fundación de Comerciantes Alemanes le encargó una obra importante: El retablo de La fi esta del Rosario. Durante el siglo XVI, el fortalecimiento de lazos con este país a través del comercio y la difusión de las ideas de los humanistas italianos por el norte de Europa, infundieron nuevas ideas ar s cas al mundo del arte alemán, de tradición más conservadora. Durero hacía hincapié en que la geometría y las medidas eran la clave para el entendimiento del arte renacen sta italiano y, a través de él, del arte clásico. En 1507, regresó a Nuremberg, donde comenzó un segundo periodo de inmensa pro-ducción ar s ca con obras como El mar rio de los diez mil, y las tablas de Adán y Eva, dos piezas en tamaño real y las cuales fueran claves en su creación ar s ca. Mediante el grabado de línea, Durero consiguió crear diferentes gamas de sombreado y texturas con las que plasmó formas tridimensionales con una destreza nunca antes conseguida. Entre otras obras de importancia, se encuentran: El caballero, la muerte y el diablo, en 1513; San Jerónimo en su celda, en 1514; y La melancolía, también en 1514.Desde aproximadamente 1507 hasta su muerte, el 6 de abril de 1528, tomó notas y reali-zó dibujos para su tratado más conocido, Vier Bücher von menschlicher Propor on: cua-tro libros sobre las proporciones humanas, publicado posteriormente el año de su falle-

Arte de Alberto Durero (1471-1528).

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cimiento. Además, se concentró en una representación para su ciudad natal: Los cuatro apóstoles, de gran tamaño e intenso colorido, la cual refl ejó el trabajo de toda una vida pero, en par cular, las proporciones y la monumentalidad de la fi gura humana. Sus contemporáneos resaltaron una orientación de po más visual que literaria, orien-tándose preferentemente hacia los grabados en planchas de cobre y madera de Durero, que en sus escritos dirigidos a orientarlos en la modernización de su arte con desnudos de corte clásico y temas idealizados, propios del Renacimiento italiano.

Andy Warhol (1928 – 1987)

Andrew Warhola nació en Pi sburg en Pensilvania, Estados Unidos, el 6 de agosto de 1928. Siempre renegó de la familia humilde de emigrantes chuecos de la que provenía. Sus padres eran de la clase obrera: Ondrej, era montador, y Julia, se dedicaba a la limpieza y hacía fl ores ar fi ciales que vendía en el mercado. Fue reconocido por haber sido un ar sta plás co, además del cineasta que desempeñó en su país, un rol importante en el desarrollo del por art.

Entre 1945 y 1949, estudió arte en el Carnegie Ins tute of Technology, terminan-do la especialidad en pintura y escultura. Se trasladó luego a Nueva York, donde enseguida comenzó a trabajar como ilustrador publicitario y diseñador gráfi co en agencias de publicidad para clientes como las revistas Vogue, Harper´s Bazaar, Se-venteen, The New Yorker y Glamour. Debido a un error de esta úl ma revista, fue que su apellido pasó a ser Warhol. Para otro cliente como Tiff any & Co, diseñó vi-drieras, y para I. Miller, zapatos.

Pese a no abandonar este po de trabajos, comenzó a pintar lienzos que representaban algún tema del entorno co diano, de la publicidad o el cómic, pudiendo exponerlos en diversas galerías. Mostraba un gran interés por los productos de consumo, entendiendo la importancia que tenían los medios de comunicación para hacer conocer el arte. Logró renovar la cultura popular al conseguir que los productos de consumo masivo se convir- eran en arte, dando origen así al movimiento ar s co Pop Art.

Warhol fue evolucionando en esta meta-morfosis, hasta incursionar en 1962, en el uso de fotogra as de gran tamaño. Esta técnica llamada serigra a le permi ó pro-ducir una serie de imágenes repe vas, con pequeñas variaciones; entre las más destacadas se encuentran la famosa lata de sopa Campbell, las fotos de Elvis, Marilyn Monroe y la de Mao, entre otras. Fred Hughes, su agente desde 1967, ayudó a Warhol a extender el Pop Art a obras de carácter universal - como Nixon y la Reina de Inglaterra - y de autores como Rafael, De Chirico, Munch o Leonardo. Fue así como se convir ó en el retra sta de la alta socie-dad, usando siempre vivos colores o en to-

Fue reconocido por haber sido un ar sta plás co, ade-

más del cineasta que des-empeñó en su país, un rol

importante en el desarrollo del por art.

Warhol desarrollo del por art.

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nalidad monocromá ca, pero siempre provoca vos y de gran fuerza vital, propios de los trabajos publicitarios.En la década de 1960, Warhol fundó su taller crea vo al que denominó Factory, y a donde concurrían ar stas de la cultura underground de Nueva York, quienes sostenían, al igual que él, que el arte es lo que los espectadores consumen, imágenes en las que la fi rma del autor se convierte en marca registrada. Fue además, fue uno de los primeros en explotar su imagen con obje vos de autopromoción.Fue en 1963, cuando comenzó con su carrera cinematográfi ca, también con las caracte-rís cas de sus pinturas de repe ción visual. Sus trabajos tenían un alto grado de ero smo y sexualidad. Entre ellos pueden mencionarse: Blow Job, Couch, Mario Banana, Harlot, My Husler.Luego de fallecer debido a un ataque del corazón, el 22 de febrero de 1987, se inauguró en Pensilvania, el museo Andy Warhol, el mayor de Estados Unidos.

Caravaggio (1573-1610)

Su nombre completo es Michelangelo Merisi da Caravaggio. Nació en Milán, Italia, el 29 de sep embre de 1571. Es considerado como el pintor más representa vo del es lo ba-rroco. Su padre, Fermo Merisi, trabajaba como administrador y arquitecto decorador del Marqués de Caravaggio. Su madre Lucía Aratori provenía de una familia de la alta socie-dad, también de esta ciudad. Se mudaron allí en 1576 debido a la peste que azotó Milán. Un año más tarde, fallecía su padre. Da Caravaggio es el segundo apellido que adopta debido a su historia familiar.

Luego de quedar huérfano, se trasladó a Milán en 1584, donde comenzó a pintar con el maestro Iombardo Simone Peterzano, recibiendo también la infl uencia de algunos ar stas venecianos y de otras escuelas del norte de Italia.

Con casi diez años de instrucción en su ciudad natal, y desprovisto de dinero, decidió mudarse a Roma, en 1592. Allí ingresó en uno de los mejores talleres, el taller del Caba-llero De Arpino - Giuseppe Cesari –, quien era el favorito de la curia papal. La situación de Caravaggio fue mejorando considerablemente hasta que luego de un breve período con il Cavalieri, decidió abrir su propio atelier.Comenzaba desde allí una etapa de máxima expresión, con total libertad, en la que pronto llegó a sobresalir, tanto por su par cular visión de la obra pictórica, pero tam-bién desde el punto de vista de su vida par cular, en la que se sucedían lances, peleas y episodios reveladores de su carácter tempestuoso y su falta de escrúpulos. Fue en su taller, donde desarrolló sus obras profanas, las cuales planteaban una clara oposición al Renacimiento y al Manierismo. Se comenta que el ar sta tuvo una amante durante este período, conocida como Arabel de Serrano, una mujer de malas andanzas callejeras, que infl uenció a este hombre justo en su período de crecimiento.En lo personal, a Caravaggio fue visto como un revolucionario. Se decía que en ese entonces, tenía una amante conocida como Arabel de Serrano, de mala reputación ca-llejera, quien supo infl uenciar en el desarrollo de sus obras.En lo profesional, estuvo siempre en la búsqueda de la intensidad pretenciosa a través de altos contrastes de claroscuro que esculpen las fi guras y los objetos, y por medio de

Su madre Lucía Aratori provenía de una familia de

la alta sociedad, también de esta ciudad. Se mudaron allí

en 1576 debido a la peste que azotó Milán. Un año

más tarde, fallecía su padre.

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una presencia sica de fuerza incomparable. Su obra tulada Los jugadores de cartas mostraba, en forma poco convencional, cómo un chico caía en la trampa de los jugado-res de carta. Fue considerada como su primera obra maestra. Al igual que La buenaven-tura, fue infi nitamente popular, y de ella subsisten cerca de cincuenta copias.Cuando el Cardenal del Monte vio por primera vez las obras de Caravaggio, quedó total-mente impresionado. Como consecuencia, se convir ó en su tutor, produciéndose así un cambio trascendental en la carrera del pintor. Entre 1595 y 1596, Caravaggio pasó a

En lo profesional, estuvo siempre en la búsqueda de la intensidad pretenciosa a

través de altos contrastes de claroscuro que escul-

pen las fi guras y los obje-tos, y por medio de una

presencia sica de fuerza incomparable.

Altos contrastes de claroscuro que esculpen las fi guras y los objetos.

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vivir la residencia del cardenal. A par r de ese momento, recibiría numerosos pedidos de trabajos religiosos: Caravaggio alcanzaría una nueva forma de realismo, ya que la contrarreforma necesitaba adornar sus vistosos templos, y Caravaggio fue uno de los elegidos para ilustrarlos. En 1599, fue contratado para ornamentar la Capilla Contarelli, en la iglesia romana de San Luis de los Franceses, destacándose los trabajos denomina-dos: El mar rio de San Mateo y La vocación de San Mateo, ambos de 1600.A través de estas primeras obras, Caravaggio iniciaba el Tenebrismo. A simple vista, se podía ver el empleo esté co de los juegos de luces y sombras, donde el claroscuro servía como creador de volúmenes y de profundidad, sin añadir a la acción efectos de drama smo, como sería habitual en las creaciones posteriores del ar sta.

Su vida privada seguía transcurriendo entre peleas callejeras. En1606, Caravaggio llegó a matar – quizás por accidente - a un hombre en una riña y tuvo que dejar Roma, lugar al cual, muy a su pesar, nunca pudo volver. Fugi vo de la ley, se instaló en Nápoles, con-vir éndose en la estrella de la pintura napolitana. Corresponden a esta estadía, obras como Siete acciones de misericordia y la Madonna del Rosari.De Nápoles pasó a Malta, al cuartel de los Caballeros de Malta, posiblemente patroci-nado por el Gran Maestre de la Orden. Fue nombrado pintor de la Orden, dando a luz a trabajos como La degollación de San Juan Ba sta, único trabajo que lleva su fi rma.Expulsado de la organización por faltas a la moral, Caravaggio se instaló en Sicilia. Con- nuaría allí realizando trabajos bien remunerados como La sepultura de Santa Lucía, La

resurrección de Lázaro y La adoración de los pastores.Luego de este extenso exilio, Caravaggio falleció en el año 1610, en una playa solitaria, afectado por la malaria.

Claude Oscar Monet (1840- 1926)

Claude Oscar Monet nació el 14 de noviembre de 1840 en París, Francia. Su padre se llamaba Claude Adolphe y su madre Louise Jus ne Aubrée, siendo el segundo hijo del matrimonio. Los problemas económicos que aquejaban a su padre hicieron que tuvie-ran que migrar a Le Havre, donde podía par cipar en el próspero negocio de su cuñado. Pero muy lejos de los deseos de Claude, Monet no quería ingresar en el negocio familiar sino que deseaba ser un ar sta.

Caravaggio iniciaría luego su etapa de maduración. La cena de Emmaus, pintada en 1601, fue una de sus obras más populares. Si bien rechazó desde el comienzo la be-lleza ideal del Renacimiento de pautas estrictas, fue siempre riguroso al optar por el camino de la verdad y el realismo, realizando sus obras mediante copias directas del natural, sin ningún po de preparación anterior a la obra. Todas ellas combinaban la fi gura humana con escenas de bodegón y naturaleza muerta.

Expulsado de la organiza-ción por faltas a la moral,

Caravaggio se instaló en Sicilia. Con nuaría allí reali-zando trabajos bien remu-

nerados como La sepultura de Santa Lucía, La resurrec-

ción de Lázaro y La adora-ción de los pastores.

Claude Monet es considerado el pintor del movimiento impresionista francés por excelencia. Su cuadro Impresión, sol naciente fue el que le dio el nombre a este mo-vimiento pictórico. Pintaba al aire libre, e intentaba captar la luz en varios estudios de los mismos paisajes a diferentes horas del día.

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Recibió sus primeras lecciones ar s cas en la Escuela Le Havre de las Artes en el año 1851, donde recibió clases de dibujo de Jacques-François Ochard. Durante sus clases di-bujaba caricaturas de sus profesores y otros estudiantes que eran expuestas en la mues-tra del único comerciante de marcos para cuadros de El Havre. A sus 15 años, Monet era ya conocido como caricaturista en toda la ciudad.

Cuando en 1857 falleció su madre – importante es mulo en su formación ar s ca - Mo-net decidió dedicarse por completo a la pintura pese a la nega va de su padre. Por tal mo vo, dos años después, se trasladó a Paris para hacer su ingreso en la Académie Suis-se, donde tuvo total libertad para trabajar entre modelos vivos. No manifestó ninguna tendencia a la imitación de otros ar stas legendarios. Allí conoció a Pissaro, con quien iniciaría una profunda amistad.En 1861, Monet recibió el llamado para el servicio militar en Argelia, pero un año después enfermó de fi ebre foidea y regresó a Le Havre para restablecerse. Su a, pintora afi cio-nada, lo convenció para que siguiera sus estudios en París, donde tuvo un paso fugaz por el taller de Auguste Toulmouche. Por consejo de éste, Monet con nuó sus estudios en el taller de Charles Gleyre, donde conoció a Pierre Auguste Renoir entre otros pintores, y aprendió varias técnicas de pintura rápida. Fue Eugene Boudin quien le enseñó los deta-lles de la pintura al óleo.

Cuando en 1857 falleció su madre – importante

es mulo en su formación ar s ca - Monet decidió

dedicarse por completo a la pintura pese a la nega va de su padre. Por tal mo -vo, dos años después, se

trasladó a Paris para hacer su ingreso en la Académie

Suisse, donde tuvo total libertad para trabajar entre

modelos vivos.

Pintura de Claude Oscar Monet.

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Durante ese empo de aprendizaje, Monet se juntó con Camille Doncieux – con quien se casaría en 1870- , y tuvo un hijo, Jean, en 1867. Un año más tarde, bajo las presiones de la crisis fi nanciera, Monet intentó suicidarse. Camille fue de gran ayuda durante este momento duro emocional – fi nanciero. Al estallar la guerra franco-prusiana (1870-1871), la pareja viajó de Francia a Inglaterra. Cuando en 1871, murió su padre y recibió una pe-queña herencia, pudiendo regresar a Francia una vez fi nalizada la guerra. Fue la primera vez que la familia gozaba de un bienestar burgués.

En 1892, Monet contrajo matrimonio con Alice, la esposa de Hoshede’s. Vivieron en Gi-verny, donde Monet fue creando un inmenso jardín – fuente de inspiración de muchas de sus obras signifi ca vas donde se destacan los sauces y los lirios de agua. En ese mismo jardín, construyó un nuevo atelier. Fue en 1908, cuando se dieron a conocer las primeras no cias de su enfermedad en los ojos. Entre sep embre y diciembre de ese año estuvo junto con su esposa en Venecia, donde no solamente pintó, sino que también estudió en las iglesias y museos de la ciudad las obras de los ar stas Tiziano y Paolo Veronese. Luego del fallecimiento de su segunda esposa en 1911, su visión empeoró y le diagnos caron cataratas en ambos ojos. Afortunadamente, Monet recuperó la vista luego de dos operaciones de cataratas que le prac caron 1923, y comenzó a pintar nuevamente sus grandes decoraciones de nenúfa-res. Sin embargo, fue la depresión esta vez la que impidió que con nuara. Muy afectado por un cáncer de pulmón, Monet falleció el 5 de diciembre de 1926, en Giverny. Tanto su casa como los jardines fueron donados por la familia a de la Academia Francesa de Bellas Artes en 1966.

Fue recién entonces cuando Monet desarrolló su es lo impresionista, a su regreso. En 1872, pintó su famosa obra Impresión, sol naciente. Poco después de dar a luz a su segundo hijo, Michel, Camille murió el 5 de sep embre 1879 sucumbir a la tuberculosis. Como muestra de su úl mo aspecto, Monet pintó Camille Monet en su lecho de muerte.

En 1892, Monet contra-jo matrimonio con Alice, la esposa de Hoshede’s.

Vivieron en Giverny, don-de Monet fue creando un

inmenso jardín – fuente de inspiración de muchas de sus obras signifi ca vas

donde se destacan los sau-ces y los lirios de agua. En

ese mismo jardín, constru-yó un nuevo atelier.

Claudio Coello (1642- 1693)

Claudio Coello nació en 1642 en Madrid, España, en el seno de una familia portuguesa. Es considerado el pintor más representa vo del barroco madrileño.

Fue a par r de 1675, cuando sus obras sobre temas religiosos comenzaron a cobrar im-portancia. Por su relación con la Corte, recibió la infl uencia de Rubens y de la escuela veneciana, así como la de Velázquez, gracias a quien desarrolló la destreza para captar

Su padre era broncista y lo inició en esta ac vidad para llevarlo luego al taller de Francisco Rizi, pintor de la escuela madrileña, a fi n de que aprendiera la técnica del dibujo y pudiera aplicarla al bronce. Sin embargo, y muy a pesar de los deseos de su padre, Coello describió allí su verdadera vocación de pintor. Con Francisco Rizo descubrió el lenguaje del barroco decora vo, el cual tenía sus cimientos en ideas dinámicas y escenográfi cas, ricas en color y en construcciones libres y vibrantes. Co-rresponde a esta época, una de sus obras más importantes, Triunfo de San Agus n, pintada en 1664.

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la atmósfera y la perspec va espacial. Dentro de su es lo compuesto por composiciones con gran número de personajes, se destaca su obra maestra: La Sagrada Forma, pintada a pedido de la sacris a del monasterio de El Escorial en 1685. Fue también un gran creador de representaciones de gran calidad, y de decoraciones arquitectónicas, inspiradas en modelos italianos.

La Sagrada Forma es un majestuoso ejemplo cósmico del año 1684, interpretado con el lenguaje del teatro y del ilusionismo propio del barroco. Compuesto por una escena religiosa y a la vez cortesana, es también una magnífi ca galería de imágenes, en la que aparecen representados los principales personajes de la corte, encabezados por el propio monarca Carlos II, en su acto de arrepen miento y el de su junta de gobierno ante la Sa-grada Forma de Gorkum.

La Sagrada Forma, pintada a pedido de la sacris a del

monasterio de El Escorial en 1685. Fue también un

gran creador de represen-taciones de gran calidad, y de decoraciones arqui-tectónicas, inspiradas en

modelos italianos.

Claudio Coello (1642- 1693).

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Este éxito le otorgaría a Coello la designación como pintor de la corte en el año1686, puesto que había quedado vacante tras la muerte de Rizi y Carreño. En sus úl mos años, su produc vidad disminuyó de tal forma que Coello realizó otras ac -vidades como supervisar las colecciones reales, restaurar sus obras y tasar colecciones ar- s cas. Cuando el italiano Luca Giordano irrumpió en la Corte para reemplazarlo al frente

del gran proyecto decora vo de El Escorial, comenzó el aislamiento defi ni vo de Coello. En el Siglo XVII era común que los reyes encargaran estos trabajos a ar stas extranjeros. El mar rio de San Esteban fue la obra póstuma de Coello, ya que moriría un año después, el 20 de abril de 1693, en Madrid, dejando una compleja herencia en obras admirables, las cuales marcaron el cénit de la edad dorada de la pintura española.

Edgar Degas (1834 – 1917)

Hilaire-Germain-Edgar de Gas fue pintor y escultor francés, maestro del arte moderno de fi nes del Siglo XIX, por sus innovadores dibujos y su inteligente análisis. Se lo ligó a los impresionistas, incluso porque expuso con ellos en siete de las ocho exposiciones que realizaron. Su formación clásica en el dibujo y su rechazo por la pintura directa al aire libre dio lugar a un es lo alterna vo al impresionismo.

Proveniente de una familia de buena posición económica, Degas nació el 19 de julio de 1834 en París. Empezó a estudiar derecho, pero gracias al su venia padre - quien le transmi ó su sensibilidad hacia lo ar s co - estudió en la Escuela de Bellas Artes con un discípulo del pintor neoclásico francés Jean Auguste Dominique Ingres, don-de desarrolló la técnica de dibujo, la cual sería con el empo la cualidad preponde-rante de su arte.

Su privilegiada condición social e permi ó tener contacto con las colecciones de pintura de la clase alta parisiense y formarse en lo clásico a través de múl ples viajes, eligiendo a Venecia como uno de sus des nos de aprendizaje.Fue a par r de 1865, y luego de sus viajes a Italia en los que se sin ó la infl uencia del mo-vimiento impresionista que estaba en sus albores, abandonó los temas académicos y se inclinó por las ideas contemporáneas. A diferencia de los impresionistas, prefi rió trabajar en su taller y no le interesó el estudio de la luz natural, desmarcándose de aquéllos y tra-bajando en escenas urbanas, iluminadas ar fi cialmente. Era amante del teatro. Degas observó y retrató al ser humano, en especial a las mujeres, las que abarcan gran can dad de sus trabajos. Supo retratar con obje vidad absoluta estudios de bailarinas, planchadoras, lavanderas y burguesas, atrapando las posturas más naturales y espontá-neas tanto de modelos vivos como de fotogra as. También los caballos fueron sus favo-ritos al momento de pintar, con los que explota el movimiento. Su obra denominada La familia Bellelli (1858-1875, Museo de Orsay, París) nació de unos retratos de sus primas que Degas pintó durante su primera estancia en Florencia. Entre sus trabajos de temá ca femenina, se encuentran: Clase de baile, de 1875; El Ajenjo, de 1876; y La estrella, antes de 1878.A par r de 1880, se inclinó cada vez más por el óleo, el cual lo u lizó para pintar desnudos femeninos. Esta técnica resultaba ideal para plasmar su interés por el dibujo y la realidad instantánea y cambiante. Fue a par r de entonces que comenzó a perder la visión, por lo

Edgar Degas.

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que eligió trabajar con la escultura y el pastel, que no requerían de la agudeza visual.En la escultura, siguió captando la acción como instantánea, como lo hizo siempre con la pintura. Así lo evidencian las poses de sus bailarinas de ballet y desnudos. Sus paste-les solían ser composiciones simples con muy pocas fi guras. Tuvo que u lizar los colores brillantes y los gestos de gran expresividad, ya que se encontraba casi imposibilitado de trabajar con detalles y precisiones. Sin embargo, sus úl mas obras fueron magnífi cas y altamente expresivas, y hasta más extraordinarias que sus anteriores, como puede verse en la excelente selección de su obra en el Museo de Orsay de París. En 1912, la casa de Degas fue demolida, al empo que su ama de llaves lo abandonaba. Su sobrina Jeanne Fèvre fue quien cuidó de él, ya anciano hasta el día de su muerte, el 27 de sep embre de 1917, en París.

Edouard Manet (1832-1883)

Édouard Manet fue un pintor y grabador francés que inspiró a quienes se iniciaron en el es lo impresionista, aunque sus trabajos no fueron relacionados con este movimiento.

En 1912, la casa de Degas fue demolida, al empo que

su ama de llaves lo aban-donaba. Su sobrina Jeanne

Fèvre fue quien cuidó de él, ya anciano hasta el día de

su muerte, el 27 de sep- embre de 1917, en París.

Nacido el 23 de enero de 1832, en París, fue hijo de un importante funcionario del Ministerio de Jus cia. Sus estudios escola-res mostraron que había sido un alumno común y corriente. Ante la resistencia de su padre de que estudiara derecho, a los dieciséis años viajó a Río de Janeiro como marinero en prác cas, con intención de in-gresar en la Academia Naval Francesa. Sin embargo, hacia 1850, como vio que sus in-tenciones no tenían éxito, decidió comen-zar con sus estudios ar s cos, tomando clases con el pintor clásico Thomas Coutu-re. Desde 1853 a 1856, Manet viajaría a los Países Bajos, Alemania, Austria e Italia para poder copiar a los viejos maestros, como de Frans Hals, Diego Velázquez y Francisco de Goya. A su regreso, Manet se estableció en su propio atelier. En los primeros años, entabló relación con ar stas y escritores como Henri Fan n-Latour, Edgar Degas y Charles Baudelaire. Empezó pintando temas de género, como pobres, pícaros, personajes de café y escenas taurinas españolas. Adoptó una atrevida técnica de pincelada directa en su tratamiento de los temas realistas.A principios de 1860, empezaron a ser reconocidas algunas de sus obras, y ya en 1863, la famosa La merienda campestre fue exhibida en el Salón de los Rechazados, una nueva sala de exposiciones abierta por Napoleon III para consen r a las manifestaciones de los ar stas objetados a par cipar en el Salón Ofi cial. Esta obra que mostraba a una mujer to-talmente desnuda acompañada de dos hombres completamente ves dos, si bien cau vó la atención general, fue blanco de duras crí cas.También en 1863, Manet se casó con la holandesa Suzanne Leenhoff , con quien había tenido un hijo ilegí mo poco antes.

Édouard Manet fue un pintor y grabador francés.

Empezó pintando temas de género, como pobres,

pícaros, personajes de café y escenas taurinas españo-

las. Adoptó una atrevida técnica de pincelada direc-ta en su tratamiento de los

temas realistas.

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Manet fue un verdadero líder entre los pintores jóvenes, confi gurándose esencial en la disputa entre el arte académico y el arte rebelde de su empo. En 1864, el Salón Ofi cial aceptó dos obras suyas, y en 1865 expuso su controver da Olimpia, en la que repi ó el tema del desnudo femenino y en la que le dio más protagonismo a la luz ambiental, al empo que opacaba el contorno de fi guras y objetos hasta el punto de lograr imágenes

en dos dimensiones.

Hacia fi nes de 1870, Manet acentuó el naturalismo de su temá ca, trasladando las fi guras centrales de sus pinturas a pros tutas y coque es sorprendidas bebiendo o seduciendo a sus jóvenes amantes, y al tratamiento expansivo de la luz. Paralelamente, pasó del óleo al pastel. Su talento fue recién reconocido en una avanzada edad. En 1882, una de sus mejores obras, El bar del Folies-Bergére fue expuesta en el Salón, y un viejo amigo, el ministro de bellas artes, consiguió para el ar sta la Legión de Honor. Al año siguiente, tuvieron que amputarle la pierna izquierda por una gangrena que lo venía afectando. No pudo reponerse de la operación, lo que le signifi có la muerte poco después, el 30 de abril de 1883. La exhibición úl ma de sus obras en 1884, signifi có un creciente reco-nocimiento como ar sta, para luego ser considerado como el padre del Impresionismo.

El joven novelista Émile Zola elogiaría, en el periódico Figaro, el trabajo que venía realizando Manet, e quetándolo como la fi gura román ca del ar sta incompren-dido. Si bien supo mantener buenas relaciones con el nuevo grupo de pintores im-presionistas - Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, Alfred Sisley y Camille Pissarro – se opuso siempre a par cipar en las exposiciones independientes orga-nizadas por éstos: prefería ofrecer sus obras al Salón Ofi cial, y si éste las rechazaba, las exhibía luego en su propio estudio.

Edvard Munch (1863- 1944)

Edvard Munch, pintor y grabador, nació el 12 de diciembre de 1863 en Löten, Noruega. Hijo de Chris an Munch, doctor castrense, y su esposa Laura Cathrine, tuvo una infancia muy di cil. Cuando tenía apenas cinco años de edad, su madre falleció de tuberculosis. Nueve años más tarde, también moría su hermana Sophie por la misma afección. Su pa-dre también fallecería en 1889. De este panorama familiar fue que nació su personalidad complicada y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la causal de su genio y la misma que desarrolló en base al lugar “opresivo y triste” donde pasó su infancia.

Fue pintor y grabador. En 1880, luego de dos años de iniciada la carrera de ingenie-ría en la Escuela Técnica de Cris anía, la actual Oslo, decidió dedicarse a la pintura, inscribiéndose en la Escuela de Dibujo de la misma capital. Así daba origen a su trayectoria ar s ca hasta ser considerado el precursor del Impresionismo. En 1881 vendió sus dos cuadros, y se dispuso a autorretratarse. Chris an Krohg había sido un maestro esencial para Munch en varias oportunidades. La temá ca de su obra va desde el amor, la enfermedad, la muerte hasta la naturaleza. Su obra más conocida es El grito en 1893 en la que plasmó la angus a existencial.

Luego del viaje a París que llevó a cabo en 1885, en el presenció una importante exhibi-ción impresionista que ese año tuvo lugar en la galería Durand Ruel y en la que par ci-

Pintura de Manet.

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paron obras de Monet, Renoir, Degas, Pissarro y Seurat. Esta infl uencia provocó que apa-recieran algunas de las preocupaciones que más tarde se volverían obsesiones durante toda su vida. Las obras de esta segunda parte de la década del ́ 80 fueron Pubertad, Al día siguiente y La niña enferma, la cual fue exhibida en 1886 y evocaba su sen miento ante la muerte de su hermana.

En 1889, Munch volvió a viajar a París gracias a una beca otorgada por el gobierno de No-ruega, y en consecuencia su obra sufríría un cambio fundamental debido a la infl uencia de Neoimpresionismo. Tras instalarse en el estudio de un pintor academicista, en las afueras de París, y no sen rse sa sfecho por las limitaciones del Impresionismo, en 1891 sin ó que debía darle un giro fundamental a su trabajo. El acceso a las obras de ar stas como Whisder, Bocklin, Gauguin y Van Gogh, fueron decisivos para este gran paso.

Mientras estuvo viviendo en Berlín, par cipó en 1892 en la exposición del Círculo de ar stas berlineses. Alemania era un país que aún no había adoptado el es lo impresionista. Por tal mo vo, se creó una polémica de grandes proporciones en torno a los trabajos exhibidos por Munch. La exposición fue clausurada al cabo de una semana. En consecuencia, un grupo de pintores liderados por Max Liebermann, abandonaron la asociación en señal de descontento, y se agruparon bajo el nombre de la Secesión. No obstante lo dramá co del suceso, el mismo le otorgó a Munch la sufi ciente popularidad para llevar a cabo exposiciones por toda Alemania, sentando las bases de una profunda infl uencia en el arte centroeuropeo, que se manifestaría con toda su fuerza en el expresionismo de las dos primeras décadas del siglo XX. Fue en 1893 cuado pintó El grito, uno de sus trabajos más importantes.

Las obras de esta segunda parte de la década del ´80

fueron Pubertad, Al día siguiente y La niña enfer-

ma, la cual fue exhibida en 1886 y evocaba su sen -

miento ante la muerte de su hermana.

Obra de Munch.

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A par r de 1895, París volvía a mostrarle la posibilidad de un giro en su obra, a través de la impronta de los grandes genios del pos mpresionismo, como Gauguin y Émile Bernard, cuyas fi guras en silueta, recargadas de simplifi cación y carentes de forma, se plasmarían en la obra de Munch. Da origen entonces a un período de pinturas que denominó “El friso de la Vida”, en las que se encuentran Melancolía, La enredadera roja, La Voz y, principal-mente, El grito, que refl ejan la enfermedad, la muerte y la obsesión religiosa que caracte-rizaron su infancia y su juventud.Munch no dejaba de viajar, alternando largos períodos de residencia en Alemania y París, y vacaciones en su natal Noruega. En 1908, sufrió una crisis nerviosa, pasando la el resto del año en un monasterio.Tras esta crisis, su obra siguió mostrando con nuos cambios de técnica, renunciando a los trazos libres sobre amplias superfi cies de colores planos, para adoptar un modo mucho más expresionista de pinceladas anchas y muy largas, propio de una moda más absurda del color. Un ejemplo claro de este nuevo modo en su obra denominada La Habitación Verde. Los problemas nerviosos de Munch se agravaban ahora por su adicción al alco-hol, la cual lo obliga a tener que internarse ocho meses en una clínica psiquiátrica de Copenhague. Cuando pudo recuperarse, y con nuevos ánimos, regresó a Noruega y dio comienzo a una etapa en la que el op mismo iba de la mano del reconocimiento de su trayectoria. Esta popularidad cobraría vida en la exposición del Sonderbund de Colonia, en 1912 - en la que Munch quedaba a la altura de ar stas de la talla de Cézanne, Gauguin y Van Gogh-, y la del año siguiente de Berlín. Munch pasaría sus úl mos veinte años de vida aislado en su fi nca de Ekely, en las afueras de Oslo, entregado a la pintura. Muere el 23 de enero de 1944, afectado de salud. Para celebrar el centésimo aniversario de su nacimiento, en 1960 se inauguró el Munch-Museet.

Munch pasaría sus úl mos veinte años de vida aislado en su fi nca de Ekely, en las

afueras de Oslo, entregado a la pintura. Muere el 23

de enero de 1944, afectado de salud. Para celebrar el centésimo aniversario de

su nacimiento, en 1960 se inauguró el Munch-Museet.

El Bosco (1450-1516)

Jeroen Anthoniszoon van Aeken llamado Hieronymus Bosch o Jeroen Bosch, y conocido en español como El Bosco o Jerónimo Bosch, nació el 2 de octubre de 1450, en la pequeña ciudad de Hertogenbosch, una ciudad de la actual Holanda. Allí fue también donde desa-rrolló toda su vida ar s ca

Sus padres y abuelos eran pintores y, según el sistema medieval de clases, forma-ban parte del gremio de pintores, el cual dictaba que, a la muerte del padre, el her-mano mayor era el único con derecho para usar gremialmente el apellido van Aken (o cualquiera de sus variantes). Fue así como Jeroen adoptó como nombre ar s co el nombre abreviado de su ciudad natal, pasando a fi rmar como Hieronymus – Her-togenbosch la nizado - en lugar de Jeroen. Fue en 1463 cuando se constató que usaba el apellido den Bosch.

En 1480, aunque contaba con grandes clientes del negocio familiar y pertenecía a la Co-fradía de La Hermandad de Nuestra Señora, se casó con Aleyt van der Mervenne, hija un poderoso propietario, lo que le facilitó el ascenso social hacia la alta burguesía urbana. Esta situación económica aliviada le otorgó la libertad necesaria para expresarse de for-ma más personal que los pintores de su época, dando lugar a pinturas misteriosas con ilustraciones fantás cas. Infl uido por pintores de la escuela alemana - Mar n Schongauer yMa hias Grünewald - y también por Alberto Durero, a comienzos del XVI, Jeroen ya era un ar sta de nombre consolidado en los Países Bajos, quien atendía a pedidos de altos

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personajes públicos. Su popularidad llegó a extenderse fuera de su país. A lo largo de ese sigo, fue imitado por numerosos pintores, especialmente Bruegel el Viejo.El Bosco atravesó ar s camente dos épocas. Si bien dejó atrás sus orígenes de los años me-dievales, no llegó a ser concebido como un seguidor de la Edad Media. Se es ma que a la primera etapa, pertenecen sus obras más tradicionales, como El charlatán o La crucifi xión.

A la úl ma etapa ar s ca, corresponden pinturas más tranquilas y posi vas como El hijo pródigo. Concluía su trayectoria con una serie de obras sobre la Pasión de Cristo, en las cuales la fi gura bondadosa del Salvador aparecía rodeada de una muchedumbre de seres deformes y de rostros bes ales.

El Bosco atravesó ar s ca-mente dos épocas. Si bien dejó atrás sus orígenes de

los años medievales, no lle-gó a ser concebido como un seguidor de la Edad Media. Se es ma que a la primera

etapa, pertenecen sus obras más tradicionales, como El charlatán o La crucifi xión.

Obra El charlatán o La crucifi xión.

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Ninguno de los cuadros de El Bosco enen fecha: solamente fi rmó algunos de ellos. El rey Felipe II de España compró muchas de sus obras después de la muerte del pintor - calcula-da en agosto de 1516 – las cuales están exhibidas hoy en el Museo del Prado de Madrid.

El Greco (1541-1614)

Doménikos Theotokópoulos, conocido como El Greco, nació en Candía, hoy Heraklion, actual Grecia, en el año 1541. A pesar de haber nacido en Creta, isla que en aquella época pertenecía a la República de Venecia, El Greco desarrolló su caracterís co es lo y la ma-yor parte de su trayectoria ar s ca en España. Fue pintor, escultor y arquitecto.

Vivió en su ciudad natal hasta 1565, donde estudió pintura hasta conver rse en maestro de iconos del an guo es lo bizan no reinante en la isla. Después se trasla-dó por diez años a Italia – primero a Venecia y después a Roma -, donde se transfor-mó en un pintor renacen sta, cuando conoció los trabajos de Tiziano y Tintore o, ar stas que, junto con Miguel Ángel, fueron los que más infl uyeron en su pintura.

De su período veneciano, se dieron a conocer importantes obras, entre las que se encuen-tra La curación del ciego, en la que queda plasmada la infl uencia de Tiziano respecto del tratamiento del color. Tintore o infl uyó por su parte en la composición de fi guras y la u -lización del espacio que El Greco u lizaría en sus pinturas, considerado así como discípulo de los dos grandes maestros del Alto Renacimiento.Su paso por Roma le confi rió dos importantes improntas: el infl ujo de la escultura de Miguel Ángel, incues onable en el cuadro La Piedad de El Greco, y el nacimiento de su apodo. Entre las principales obras de este período romano se encuentran la Purifi cación del Templo y el Retrato de Giulio Clovio, dos obras estupendas que han marcado este período. En esta ciudad, El Greco profundizó sus estudios sobre la arquitectura romana, los cuales u lizó para dar estabilidad a sus cuadros, plasmando con frecuencia en ellos edifi cios y estructuras del Renacimiento romano.En 1577, se estableció defi ni vamente en Toledo, España, por invitación del eclesiás co Diego de Cas lla, quien le encargó una representación para la iglesia de Santo Domingo el An guo. En 1587, Felipe II le encomendó una obra para el monasterio de El Escorial - El mar rio de San Mauricio – la cual no sa sfi zo al soberano español, decidiendo no volver a contratarlo. A par r de allí, con nuó pintando una de sus obras más bellas aunque no tan conocidas como por ejemplo El mar rio de San Sebas án, un importante lienzo que aún se conserva en el museo catedralicio de Palencia.

A lo largo de un empo prudencial, El Greco trabajó para la Catedral de Toledo con el Despojo de las ves duras de Cristo sobre el Calvario, o más conocido como El Expolio, pintado para la sacris a. Este trabajo, que mostraba a un magnífi co Cristo ves do de rojo, cercado por sus carceleros, fue el que causó el primero de los varios juicios que debió iniciar contra sus contra stas estatales o privados que se negaban a pagarle.Aunque se dedicó a pintar principalmente obras religiosas, trabajó también sobre im-portantes retratos como Félix Paravicino y El caballero de la mano en el pecho, de te-má ca heterogénea. La obra más admirada de El Greco fue El en erro del conde de Orgaz, de 1586, convir éndolo en el más grande maestro de la península. Este cuadro realizado para la iglesia de Santo Tomé en Toledo, mostraba a un noble toledano en su tumba, rodeado por los santos Esteban y Agus n, mostrando la caracterís ca elonga-

El Greco.

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ción longitudinal de las fi guras. La pintura estaba dividida en dos planos, uno celes al en la parte superior y otro terrenal en la inferior, de tal modo que la obra es al mismo empo un cuadro religioso y un retrato de grupo.

Otra pintura clave en su trayectoria fue la popular La Trinidad, obra de aspectos re-nacen stas italianos y un fuerte es lo manierista, en donde las fi guras también son alargadas y dinámicas, dispuestas en zig-zag. Aquí sorprende el tratamiento anatómico y las posturas extremadamente humanas de fi guras de carácter divino, como Cristo o los ángeles. A pesar de que El Greco contaba con trabajo en forma constante, se cree que en los úl mos años, tuvo necesidades económicas. Producto de una prolongada enfermedad, murió el 7 de abril de 1614, en Toledo, con 73 años de edad. Fue enterrado en la iglesia de Santo Domingo el An guo. Luego de su muerte, fue considerado de importancia entre los ar stas españoles, lle-gando a formarse una escuela a raíz de su taller toledano y a infl uir entre algunos de los grandes maestros del siglo XVII, como Velázquez. Muchos de sus cuadros desaparecie-ron e incluso fueron olvidados, pero casi tres siglos después, se recuperó el interés por reivindicar formas ar s cas desvinculadas del academicismo y de los criterios esté cos tradicionales, por lo que llevó a crí cos, ar stas y coleccionistas a descubrir y reinter-pretar la gran obra del El Greco.

Francisco De Goya (1746-1824)

Francisco de Goya y Lucientes nació el 30 de marzo de 1746, en Fuendetodos, Zaragoza. Fue pintor y grabador español, y el ar sta europeo más importante de su época. Desarro-lló desde el caballete y mural, hasta el grabado y dibujo, dando origen al Roman cismo y el Arte Goyesco. Fue un visionario de corrientes pictóricas posteriores, llegando a ser sus obras precursoras del Impresionismo.

La familia de Goya pertenecía a la clase media baja de la época. Su padre era maes-tro dorador con reconocida fama, cuyos contactos contribuyeron a la formación ar s ca de Francisco, y su madre, una labriega hidalga llamada Gracia Lucientes. Al año de haber nacido, toda la familia - incluido su hermano mayor Tomás - se trasla-dó a Zaragoza, aunque siguieron en contacto con su ciudad natal.

Desarrolló desde el caballete y mural, hasta el grabado y di-bujo, dando origen al Roman- cismo y el Arte Goyesco. Fue

un visionario de corrientes pictóricas posteriores, llegan-

do a ser sus obras precursoras del Impresionismo.

Muchos de sus cuadros des-aparecieron e incluso fue-

ron olvidados, pero casi tres siglos después, se recuperó

el interés por reivindicar formas ar s cas desvin-

culadas del academicismo y de los criterios esté cos

tradicionales, por lo que llevó a crí cos, ar stas y

coleccionistas a descubrir y reinterpretar la gran obra

del El Greco.

Francisco de Goya y Lucientes.

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Allí en la capital de la provincia, y con sólo doce años de edad, Goya se inscribió en la Aca-demia de Dibujo de Zaragoza, a cargo de José Luzán, quien le enseñó el es lo Barroco tardío napolitano. En este taller conoció a los hermanos Bayeu, muy importantes para su carrera profesional. En 1763, se mudó a Madrid. Durante cinco años permaneció en el taller de Francisco Bayeu, quien mantenía muy buenas relaciones con el promotor del Neoclasicismo del momento, Antón Rafael Mengs. A esta época, le corresponden a Goya obras poco cons-tantes y nada correctas, las cuales fracasaron en los concursos convocados por la Academia de San Fernando de 1763 y 1769. Lograba componer a través de los grabados a los que tenía acceso, copiando a viejos maestros como Vouet, Mara a o Correggio.

Pero en 1771, con su mudanza a Italia e instalándose esta vez en forma independiente, Goya sufriría una gran evolución ar s ca. En Parma, se presentó a un concurso en el que obtuvo el segundo premio, gracias a su obra Aníbal vencedor. Asumía de esta forma, la esté ca del Neoclásico.La estancia italiana fue breve pero fruc fera. A mediados de ese mismo año trabajó en Zaragoza, donde recibió sus primeros encargos sobre temas religiosos y dentro de un es lo íntegramente correcto. En este contexto, Goya se casaba el 25 de julio de 1773, en Madrid, con María Josefa Bayeu, hermana de Francisco y Ramón Bayeu. Este paso en su vida personal, le abrir que le facilitó, además, el ingreso en la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara como pintor de cartones. Allí aprendió la forma de pintar neoclásica, introducida por Antón Rafael Mengs. En los cartones desarrolló un es lo propio de un pintor costumbrista, y en ellos dejó constancia de la vida madrileña de ferias, romerías y juegos. La relación con la Real Fábrica duró 18 años y en ellos llevó a cabo sus cartones más preciados: “Merienda a orillas del Manzanares”, “El Quitasol”, “El Cacharrero”, “La Vendimia” o “La Boda”.

La estancia italiana fue breve pero fruc fera. A me-

diados de ese mismo año trabajó en Zaragoza, donde recibió sus primeros encar-

gos sobre temas religiosos y dentro de un es lo íntegra-

mente correcto.

Obras poco constantes y nada correctas.

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En 1780, ingresó en la Academia de San Fernando, en Madrid, comenzando su fase retra s ca, llegando a pintar en 1783 a toda la familia del hermano menor de Carlos III, el infante D. Luis. Esta obra le abrió camino en la Corte. Llegaría su momento de re-tratar a los Duques de Osuna y a los de Medinaceli, siendo la Familia de los Duques de Osuna, uno de los hitos en su trayectoria pictórica. El sucesor de la corte, Carlos IV, lo que le signifi có el nombramiento como Pintor de Cámara en abril de 1789. A par r de allí, Goya se laurearía principalmente en este país, recibiendo pedidos de la Corte a los que cobraba precios elevadísimos.Tanto su vida personal como ar s ca cambiarían repen namente, ya que en 1790 una grave enfermedad lo dejó sordo. Esta afección hizo que Goyo se aislara y se inclinara a la introspección. Dio origen así a una con nuación de grabados tulada Los Caprichos realizada entre 1793 y 1798, que mostraba su marcado pesimismo y una dura crí ca a la sociedad. Esta compilación estaba compuesta por ochenta estampas que repe an una y otra vez, de forma obsesiva, una escueta can dad de temas y personajes: la pros- tución, la brujería, crí ca a los clérigos, la injus cia social, la incultura, los matrimo-

nios por interés y, sobre todo, las ideas supers ciosas. Sin embargo, al fallecer su cuñado en 1795, Goya ocupó la vacante de Director de Pintura en la Academia de San Fernando. Paralelamente se contactó con los Duques de Alba, en especial con Doña Cayetana, prota-gonista de varios de sus cuadernos de dibujos en los que se la vio en escenas delicadas. De allí surgiría la suposición de que Doña Caye-tana fue la actriz del cuadro más famoso de Goya, La Maja Desnuda. En 1798, Goya realizó la Capilla Six na de Ma-drid para copiar a la romana de Miguel Ángel, la cual fue compuesta de los frescos de San Antonio de la Florida, representando al pue-blo madrileño asis endo a un milagro. Durante la administración Fernando VII, Goya fue des tuido como Pintor de la Corte, y fue el valenciano Vicente López quien lo sus tuyera. La Corte de Madrid prefe-ría pinturas detallistas y me culosas que Goya no estaba llevando a cabo. En consecuencia, Goya se trasladó a una villa a las orillas del Manzanares conocida como “La Quinta del Sordo”. Allí, desde 1819 a 1824, realizó los grabados conocidos como Disparates o Proverbios (1818-24), autodenominados Sueños, haciendo referen-cia a temas fantás cos e ilusorios. Son propias de este corto período de la Quinta, sus composiciones denominadas “pinturas negras”, en las que se refl ejaba el panorama polí co de represión del país. Durante esa estadía estuvo acompañado por su ama de llaves, Leocadia Zorrilla Weis, con quien tuvo a su hija Rosario. De su matrimonio con Josefa Bayeu nació su heredero, Francisco Javier. Debido a la represión absolu sta, en 1824, Goya abandonó España con el permiso del rey. Se instaló en Burdeos, donde con nuó pintando hasta sus úl mos días. Allí realizó su obra fi nal llamada La lechera de Burdeos, an cipando el e lo impresionista. Goya falleció en esa ciudad francesa el 26 de marzo de 1828, a la edad de 82 años. Tres años

Tanto su vida personal como ar s ca cambiarían repen- namente, ya que en 1790 una grave enfermedad lo dejó sordo. Esta afección

hizo que Goyo se aislara y se inclinara a la introspección.

Goya.

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más tarde, sus restos fueron recuperados para ser trasladados a Madrid. Hoy, descan-san bajo la cúpula que él mismo pintó en San Antonio de la Florida.

Frida Kahlo (1907-1954)

Tercera hija de Guillermo Kahlo, fotógrafo judío-húngaro y de su segunda esposa, Ma- lde Calderón, mexicana y de ascendencia española, Magdalena Carmen Frida Khalo

Calderón nació el 6 de julio de 1907, en Coyoacán, México. Aunque estuvo siempre rodeada de los importantes pintores mexicanos de murales de su empo e incluso fue fi el a sus ideales, Frida Kahlo creó su propio arte, ingenuo al mismo empo que metafórico, producto de su gran sensibilidad y de varios hechos que marcaron su vida.

A los seis años contrajo poliomieli s lo que provocó que su pierna derecha adel-gazara. Una enfermedad que ella intentaba ocultar, de joven bajo pantalones, más tarde bajo largas faldas mexicanas. Luego, a los dieciocho años, sufrió un gravísimo accidente, que la obligaría a estar convaleciente por un largo período y con un daño severo en la columna vertebral. Fue luego de este episodio cuando se volcó de entero a la pintura. Previamente, había sido su padre quien le enseñara a u lizar la cámara fotográfi ca, y también a revelar, retocar y colorear, lo cual fue una real ventaja para llevar a cabo sus trabajos de pintura.

En 1922, Frida se inscribió en la Escuela Nacional Preparatoria de la ciudad de México. Le interesaban las ciencias naturales, la biología y la anatomía. Su mayor deseo era ser mé-dica. Formó parte de un grupo llamado “Los cachuchas”, muy volcado a la literatura y con ideas social nacionalistas. Allí fue donde conoció a Diego Rivera, con quien, en 1929, se casó, y de quien se divorció en 1940, para volverse a casar un año después. En 1932, tuvo un aborto, hecho que afectó de manera considerable su sensibilidad, y la volcó en dos de sus obras más apreciadas: Henry Ford Hospital y Frida y el aborto.Un empo antes de sufrir el accidente automovilís co junto a un amigo en 1925, Frida ha-bía aprendido el arte del grabado. Como tuvo que pasar meses en cama con movimientos reducidos empezó a pintar. Montó un caballete que le permi a pintar recostada y comenzó a pintar su primer cuadro, el dibujo de una amiga. Al tener un espejo cerca y estar prác -camente obligada a contemplarse, comenzó a autorretratarse, siendo reconocidos el Auto-rretrato con monos y Las dos Fridas. Su propia imagen estaba combinada con expresiones oníricas, a veces brutales. Se ha asociado esta parte de su arte con el Surrealismo.Siendo maestra de pintura en la Escuela de Artes Plás cas, y miembro del Seminario de Cultura Mexicana, en 1938 realizó su primera exposición individual en la Julien Levy Gallery de Nueva York. Algunos de sus trabajos fueron incluidos en la Exposición “Mexique” de 1939 y en la Galería Renou et Colle de París. Par cipó en la Exposición Internacional del Surrealismo organizada en 1940 en la Galería de Arte Moderno en la capital de México. Luego de atravesar siete operaciones de columna vertebral en 1950, Frida organizó su pri-mera exposición individual en México. Pero en forma paralela, a la frustración maternal y a las infi delidades de su marido, se le suma la amputación de su pierna derecha. La alegría de

Frida Kahlo.

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ese año se desvanece estrepitosamente, y estos temas pasan a plasmarse en sus trabajos, rompiendo, por ejemplo, tabúes relacionados con el cuerpo y la sexualidad de las mujeres. A los 47 años de edad, Frida falleció el 13 de julio de 1954, en la Casa Azul a causa de una embolia pulmonar. Su fama y reconocimiento nació desde aquel día y sus cuadros se han llegado a valorar hasta en un millón y medio de euros. Su obra está exhibida actualmente en importantes ins tuciones como el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Georges Pompidou de París.

Gio o Di Bondone (1267-1337)

Aunque se desconoce el día exacto, se cree que Gio o di Bondone nació en 1266 o 1267, porque falleció a los setenta años de edad, en 1337. Es considerado un formidable pintor, escultor y arquitecto italiano del Trecento. Sus obras fueron el puente entre el arte bizan no de la Baja Edad Media y el más realista y humanista propio del Renacimiento.

Su padre era apellidado Bondone, por lo que muchos autores concuerdan que su verdadero nombre era en realidad Gio o di Bondone, aunque otros opinan que el de pila era Ambrogio o Angelo, y que Gio o, no es otra cosa que el diminu vo deri-vado de Ambrogio o o Angelo o.

Ya a los once años de edad, Gio o demostró su inclinación por el arte cuando cuidaba las ovejas del campo de su padre: las dibujaba muy reales y a la perfección con za para que el empo pasara más rápido. Fue entonces cuando fue descubierto por Cimabue – el iniciador de la escuela fl oren na del Trecento - quien pidió autorización a la familia para que Gio o comenzara a estudiar con él. Corresponde a su primera etapa de carrera ar s ca, con casi treinta años cumplidos, su popularidad no sólo en Florencia sino también en el resto de Italia. Gio o se ocuparía de realizar trabajos para terceros, incluidas obras religiosas, entre las que se encontraban los frescos de la Basílica de San Francisco de Asís. Obtuvo excelentes resultados con este trabajo, y en 1305, se le encomendó la pintura de la Capilla de Arena en Padua. Una de las representaciones de la Capilla de la Arena es la Adoración de los Reyes Magos, que se encuentra entre los más afamados y encantadores de la serie.A un segundo ciclo profesional y de gran ta-lento, corresponden los frescos que realizó para la Iglesia Superior de San Francisco, compuestos por retratos ín mos y huma-nos que defi nían la imagen popular que se ene del santo. Pero existen, sin embargo,

grandes diferencias técnicas y es lís cas entre estas obras y las de la Capilla de Are-na en Padua.Gio o atravesó por una gran revolución que supuso su nueva concepción ar s ca, considerada en su momento como precur-sora de las innovaciones que cambiarán la marcha de la pintura occidental, desde el

Gio o Di Bondone.

Pintura de Gio o Di Bondone.

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humanismo del Renacimiento hasta el siglo XX. Todos sus personajes fueron perfecta-mente individualizados, adoptando caracterís cas y rasgos propios bien defi nidos: gestos, movimientos, expresión, algo que no ocurría desde la Edad An gua.En el año 1334, la ciudad de Florencia quiso ennoblecer a Gio o y le fue concedido el tulo de “maestro y gobernador” de la Obra de Santa Reparata, a cargo de las obras de la

Catedral de Florencia, así como el de arquitecto en jefe de la ciudad y superintendente de obras públicas. Consecuentemente, Gio o diseñó el famoso campanario de la Catedral, obra que quedó inconclusa, debido a su fallecimiento en 1337.

Gustav Klimt (1862 – 1918)

Gustav Klimt fue un pintor austríaco más famoso de su empo uno de los miembros más destacados del movimiento Art Nouveau de Viena.

Gustav Klimt nació en Baumgarten, cerca de Viena, Austria, el 14 de julio de 1862. Era el segundo hijo del matrimonio entre Ernst Klimt y Anna Klimt. El padre fue un graba-dor procedente de una familia campesina de Bohemia. Perteneció al movimiento art noveau y al simbolismo. Su madre, vienesa, vio frustrada su carrera de canto. Los tres varones de la familia demostraron contar con talento ar s co. Su infancia transcurrió inmersa en padecimientos económicos, propia de inmigrantes con escasas oportuni-dades laborales y estatus social.

Fue su propio talento el que le dio la posibilidad, en 1876, de obtener una beca par ingre-sar en la Escuela de Artes Aplicadas, cuando contaba con catorce años. Luego, entre 1879 y 1883, Gustav estudiaría en la Escuela de Artes y Ofi cios de Viena. Allí aprendió a trabajar las técnicas del arte decora vo, con maestros como Michael Rieser, Ludwing Minnigerode y Karl Hrachowina. Su hermano mayor, escultor y cincelador, Georg, diseñó numerosos marcos para sus cuadros. Al graduarse, se unió a la Compañía de Ar stas integrada por su hermano Ernst Klimt y su compañero Franz Matsch, donde concibió su primer trabajo importante, la decoración del Teatro Municipal de Fiume en Yugoslavia. La administra-ción imperial de Viena les encargaría a los tres socios la decoración de la escalinata del Burgtheater del Ringstrasse– una avenida circular en torno al caso histórico de esa ciudad - entre 1886 y 1888.La muerte de su hermano Ernst en 1892, signifi có el cierre de la Compañía de ar stas. No obstante, la reputación de Gustav llegaba a su punto máximo dos años después, con el encargo de tres paneles sobre la Filoso a, la Medicina y la Jurisprudencia para el techo del Aula Magna de la Universidad, también en la Ringstrasse vienesa. Desde allí, la relación de Gustav con la Administración imperial comenzó a decaer. Así, en 1897, el pintor fundó la fundación de la Secesión, un grupo de ar stas y arquitectos vieneses desprendidos de la Asociación de Ar stas que declaraban la modernidad ar s ca y se ponían en contacto con las nuevas modas de Europa.Gustav fue reconocido por u lizar oro y representar mujeres desnudas en sus pinturas, haciendo uso de modelos que pertenecían a la burguesía vienesa, pero también de un grupo de mujeres pros tutas o de vida humilde que le valían de musas. El tema principal de todas sus representaciones fue la sexualidad femenina recorriendo a través de todas sus etapas: procreación, embarazo, infancia, juventud y vejez, salud y hermosura, enfer-

Gustav Klimt fue un pintor austríaco.

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medad y muerte. Las obras principales de su “etapa dorada” fueron el Retrato de Adele Bloch-Bauer I de 1907 y El beso, de 1908. En 1911, gracias a La vida y la muerte, Gustav fue condecorado con el primer premio de la Exposición Universal de Roma.

En junio de 2006 una de sus pinturas, el retrato de Adele Bloch-Bauer, se convir ó en la segunda pintura más cara de la historia de la pintura, al venderse por 135 millones de dólares adquirida por el magnate de los cosmé cos Ronald Lauder.

Gustav Klimt murió a causa de un derrame, el 6 de febrero de 1918, unos meses antes del colapso del Imperio Austrohúngaro. Muchas de sus obras fueron confi sca-das por la dictadura nazi. Al avance de las tropas enemigas, y al ver que sus obras se conver rían en bo n de guerra, decidieron, por desgracia, quemar el cas llo donde éstas permanecían confi scadas.

Henri Ma sse (1869 – 1954)

Henri Émile Benoît Ma sse nació 31 de diciembre de 1869, en Le Cateau-Cambrésis, una pequeña localidad al norte de Francia, en el seno de una familia comerciante. Aunque Ma sse haya sido conocido como pintor, fue también un gran escultor y dibujante, re-cibiendo infl uencias de los grandes movimientos del siglo XIX como el Neoclasicismo, el Realismo, el Impresionismo y el Post-Impresionismo, los cuales supo transformarlos en expresiones ar s cas modernas. Tal fue la talla ar s ca de Ma sse que tuvo como prin-cipal opositor a Picasso, con quien mantuvo una relación de respeto pero de distanciada amistad durante muchos años.

Henri Émile Benoît Ma sse.

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Concretó su educación primaria y secundaria para luego cursar sus estudios de abogacía en la Universidad de París, entre 1887 y 1888, los cuales se vieron impedidos por una enfermedad que lo tuvo convaleciente hasta 1890. Un año después, al fi nalizar la carre-ra, Ma sse se trasladó a París y para dedicarse de lleno a la pintura, venciendo la fuerte oposición de sus padres. Ingresó en la Academia Julián donde estudió bajo la dirección de Bouguereau. En el año 1892, logró estudiar en la Escuela de Bellas Artes, teniendo como profesor al pintor simbolista Gustave Moreau. Permaneció allí durante cinco años, los que le dieron la posibilidad de conocer a Rouault y a Manguin.

Ma sse se iniciaría luego en la escultura siguiendo las enseñanzas de Rodin. En 1901, ex-puso en el Salón de los Independientes donde conoció a Vlaminck. Reconoció que la obra de Vlaminck y Derain eran cercanas a las suyas, lo que lo llevó a par cipar, en1903, en el Salón de Otoño junto a Camoin, Derain y Manguin.A par r de 1904, el es lo de Ma sse comenzó a inclinarse al fauvismo, es decir, a la elimi-nación de detalles y a la preferencia por la simplifi cación. Logró pintar cuadros impreg-nados de paz y armonía, como Lujo, calma y voluptuosidad o El marinero de la gorra. En 1906, expuso de nuevo con el grupo de los Fauves (Manguin, Marquet, Puy, Derain, Van Dongen, Rouault) en el Salón de Otoño y realizó su primer viaje a África, gracias al cual pudo conocer los trabajos de arte popular, sobre todo los tejidos y las cerámicas. A par r de entonces, se animó a jugar y expresarse a la vez, introduciendo arabescos y creando una sinfonía par cular en sus cuadros, como quedó plasmado en Las alfombras rojas o Naturaleza muerta, en los que se destacó la sensación de dos dimensiones entre profun-didad y primeros planos.

Desde entonces, cobraría vida su trayectoria ar s ca. Ma sse comenzó realizando prác cas de dibujo de lo natural en un es lo tradicional, como puede reconocerse en El tejedor bretón. Más tarde, se animaría a probar con radiantes paisajes de Córcega y de la Costa Azul.

En 1907, por medio de Ger-trud Stein, Ma sse conoció

a Picasso y realizó su primer viaje a Italia.

En 1907, por medio de Gertrud Stein, Ma- sse conoció a Picasso y realizó su primer

viaje a Italia. En 1912, viajó a Marruecos, donde se inspiró en los cuadros sobre pai-sajes mediterráneos de gran colorido, como Los marroquíes, para luego desafi arse con el movimiento cubista que concebía más geometría de las formas y una mayor sim-plifi cación, como en el caso de El pintor y su modelo. Pero sus viajes no cesaron allí y decidió llegar hasta Europa y Tahi , lugares donde dio origen a su obra en gran formato La danza. Fue en la década del’50, cuando Ma sse tuvo en sus manos la posibilidad de decorar la capilla del Rosario de los dominicos de Vence. Los úl mos años de su vida estuvieron signados por reconocimientos a su trayectoria como lo fueron el premio de la Bienal de Venecia en 1950. Se despidió de este mundo, el 3 de Noviembre de 1954 en Niza, a la edad de ochenta y cinco años.

Pintura de Henri Ma sse.

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Jackson Pollock (1912 – 1956)

Paul Jackson Pollock - considerado un referente del Expresionismo abstracto y uno de los pintores más importantes del país de su momento -, nació el 28 de enero de 1912 en Cody, Wyoming, Estados Unidos. Durante su infancia y su adolescencia, Pollock vivió en Arizona y California, y en 1929 se trasladó a Nueva York para estudiar pintura en el Art Students League, junto a Thomas Hart Benton. Fue entonces que se vio atraído por el muralismo mexicano al conocer una obra que realizaron Orozco y Benton en Nueva York. Comenzó su carrera con obras fi -gura vas, en las que le otorgaba un par cular protagonismo a los valores matéricos y al croma smo. Durante años se dedicó únicamente a viajar por el país y a dibujar, intere-sándose gradualmente por la pintura abstracta e irracional, y buscando inspiración en el mundo de los indios americanos. Entre 1935 y 1941, trabajó en el Proyecto Federal de Arte, programa de subsidios creado por el Gobierno de Roosevelt. Sus primeros trabajos realistas como La Loba fueron parte de la primera obra en la que par cipó en 1943, en la galería neoyorquina Art of this Century.

El año 1947 signifi có un giro importante en su arte, debido a que suprimió aque-llos emblemas iden fi cables para empezar a pintar composiciones absolutamente abstractas por medio de una técnica que Pollock mismo convir ó el leyenda: el dripping o chorreado. Este método consis a en gotear y salpicar la pintura sobre una tela sin tensar colocada en el suelo en lugar de los tradicionales pinceles. La obra Estrella fugaz perteneció al comienzo de este ciclo de Pollock que fi naliza en 1953, dentro del cual también se encuentran otras como Full fathom fi ve y Lucifer de 1947, y Marrón y plata I, de 1951.

Su es lo volvería a sufrir una transformación unos años después, a través de pintura abs-tracta con obras fi gura vas o semi-fi gura vas en blanco y negro. De este úl mo periodo fue su obra Ocean grayness.La carrera de Pollock se vio interrumpida repen namente cuando falleció en un accidente automovilís co, el 11 de agosto de 1956. A pesar de su corta estadía en este mundo, su nombre ha pasado a la posteridad, por los importantes lienzos abstractos de vivo colorido, donde las líneas se mezclaban hasta formar una trama espesa y compacta de gran impacto.

Jean-Michel Basquiat (1960-1988) Jean-Michel Basquiat fue un ar sta plás co contemporáneo. Nació el 22 de diciembre de1960, en Brooklyn, Nueva York, y fue el primero de los tres hijos de Ma lde Andrades y Gerard Basquiat. Su padre, Gerard Basquiat, era un contador hai ano de buena posición eco-nómica, y su madre, Ma lde, una diseñadora gráfi ca puertorriqueña de gran reputación.

Creció en un entorno familiar disfuncional, lo que hizo que cambiara de colegios en reiteradas oportunidades. Fue en su juventud, cuando entró en contacto con la subcultura de su ciudad y, en 1977, junto con Al Díaz, incursionó en el universo del graffi , pintando en los vagones del metro y por las zonas del SoHo, barrio neoyor-quino que se caracteriza, entre otras cosas, por las galerías de arte. Sus graffi s eran fi rmados como SAMO (Same Old Shit). Vendía camisetas que él mismo pintaba por las calles de la ciudad.

Su padre, Gerard Basquiat, era un contador hai ano de buena posición económica,

y su madre, Ma lde, una di-señadora gráfi ca puertorri-queña de gran reputación.

Expresionismo abstracto.

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Unos años más tarde, cuando contaba con 19 años de edad, Basquiat comenzó su cami-no como ar sta callejero neoyorquino, y par cipó en la exposición Times Square Show, llamando la atención de la crí ca y prensa especializada. Luego iniciaría una amistad con una de las personalidades más famosas y controver das de la época, Andy Warhol, con quien más tarde trabajaron en cientos de obras.

En 1983, Basquiat viajó a la ciudad italiana de Módena, donde para asis r a su primera exposición individual, la cual le valió el tulo de ar sta afroamericano más respetado del momento. No obstante el éxito, Basquiat se iniciaría en ese momento en las drogas, a tal punto que el 12 de agosto de 1988, y con sólo 27 años, fue hallado muerto por sobredosis en su casa. Basquiat logró plasmar un es lo muy personal en el mundo del graffi , infl uenciado tanto por el primi vismo, como por elementos africanos y una importante simbología. En sus trabajos introdujo diferentes técnicas, entre las que destaca el acrílico. Algunas de sus obras son: Alquitrán y plumas, de 1982; Africanos de Hollywood, de 1983; Mona Lisa; Moisés Jó-ven, también de1983; Tabaco, de 1984; Ahora es el empo, de 1985, entre otras.

En sus trabajos introdujo diferentes técnicas, entre

las que destaca el acrílico. Algunas de sus obras son:

Alquitrán y plumas, de 1982; Africanos de Ho-

llywood, de 1983; Mona Lisa; Moisés Jóven, tam-bién de1983; Tabaco, de

1984; Ahora es el empo, de 1985, entre otras.

En sus trabajos introdujo diferentes técnicas, entre las que destaca el acrílico.

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Joan Miro (1893 – 1983)

Joan Miró i Ferrà nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona, España. Fue pintor, escultor, grabador y ceramista, y el máximo representante del surrealismo. Hijo de un tarragonés y de una mallorquina de escasos recursos, estudió comercio y trabajó durante dos años en rela-ción de dependencia en una droguería, mientras ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Llo-tja y en la Academia de Galí, en la que pudo tener contacto con la moda ar s ca europea.

A par r de sus 18 años, la pintura de Miró estuvo dominada por el es lo expresio-nista con infl uencias fauvistas y cubistas - centrado en paisajes de colores vivos y brillantes, retratos y desnudos - e infl uenciada principalmente por Cezanne y Van Gogh. Sus primeras obras tuvieron lugar entre los años 1915 y 1918. En 1920, se trasladó a París, Francia, donde montó su taller junto a André Masson. Desde en-tonces, se abrió a los conocimientos del surrealismo, del dadaísmo y la amistad de Pablo Picasso y Max Jacob. De este período fueron sus representaciones oníricas que evolucionarían luego a conceptos más abstractos, entre las que se destacaron El Cazador y La Tierra arada.

En el año 1924, Miró fi rmó El Manifi esto, fi el a las bases del surrealismo, e incorporó al movimiento elementos propios como los jeroglífi cos y el signo caligráfi co, tal como que-dó plasmado en la obra El carnaval del arlequín. En su trayectoria, infl uyó notablemente el ar sta Paul Klee. Su éxito quedaba sellado en 1925, cuando exhibía sus cuadros en la Galería Pierre Loeb, en Francia, en la que su gran admirador Hemingway se llevaría algu-nas de los mismos. Dos años más tarde, llevó a cabo las ilustraciones del libro Il etait une pe te pie de Hirtz, donde hizo uso de la técnica del pochoir de colores. Su vinculación en París con el mundo literario lo llevó a con nuar con las ilustraciones de libros y a iniciarse en la impresión de la poesía en su obra pictórica, creando un universo ar s co noble e indisoluble. En 1928, el Museo de Arte Morderno de New York obtuvo dos de sus telas, y Miró recibió su primer reconocimiento internacional.

Miró fi rmó El Manifi esto, fi el a las bases del surrealismo.

Su vinculación en París con el mundo literario lo llevó a

con nuar con las ilustracio-nes de libros y a iniciarse en la impresión de la poesía en

su obra pictórica, creando un universo ar s co noble

e indisoluble.

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En 1929, Miró contrajo matrimonio con Pilar Juncosa, en Palma de Mallorca. Producto de esta unión de toda la vida, nació su hija Dolores. A par r de entonces, tendría un confl icto con la pintura del siglo XVII y cues onaría su sen do, crí cas que quedaron plasmadas en la serie Interiores holandeses. Miró siempre fue un creador que u lizó colores, formas y materiales para desarrollar sus trabajos, dando como resultado, por el año 1931, su arte escultórico. Durante la guerra civil española, Miró huyó a París, en busca de una reorganizada sere-nidad e ingenuidad de su simbología tradicional, para contrarrestar el desgarro violento que estaba viviendo. Tres años más tarde, regresó a España, viviendo en Barcelona en el anonimato durante la dictadura franquista. Fue en ese entonces, cuando comenzó a reparar con el grabado y la litogra a, medios ar s cos a los que les dedicaría diez años de trabajo. En las décadas de 1950 y 1960 realizó varios murales, entre ellos murales cerámicos, de grandes proporciones para la sede de la Unesco en París, la Universidad de Harvard y el aeropuerto de Barcelona. Hasta el fi nal de su carrera, alternaría la obra pública de gran tamaño, como la escultura Dona i ocell, con el in mismo de sus bronces, collages y tapices. En 1975, se inauguró en Barcelona la Fundación Miró, cuyo edifi cio fue esbozado por su gran amigo Josep Lluís Sert. El 25 de diciembre de 1983, rodeado de sus obras, Joan Miró murió.

En 1975, se inauguró en Bar-celona la Fundación Miró,

cuyo edifi cio fue esbozado por su gran amigo Josep

Lluís Sert. El 25 de diciembre de 1983, rodeado de sus obras, Joan Miró murió.

Leonardo Da Vinci (1452-1519)

Leonardo di ser Piero da Vinci nació el 15 de abril de 1452 en la villa Toscana de Vinci, cercana a Florencia. Producto de una relación amorosa entre su padre, un acaudalado no-tario, además canciller y embajador fl oren no y una campesina, pasó sus primeros cinco años en la casa de su padre en Vinci, y fue tratado como hijo legí mo

Italia era un entretejido de ciudades-estados como Florencia, pequeñas repúblicas como Venecia y feudos bajo el poder de los príncipes o el papa. Cuando promedia-ba la década del ‘60, la familia se instaló en Florencia, donde Leonardo recibió la exigente educación que esta ciudad, como centro ar s co e intelectual de Italia, podía ofrecer. Desde muy joven, Leonardo manifestaría su gran curiosidad por el arte, dibujando animales mitológicos que él mismo inventaba, producto de una in-tensa observación del ambiente donde creció. Además, era un maravilloso músico e improvisador.

Cerca del año1466, y habiendo cumplido sus catorce años, su padre lo autorizó a formarse en el taller de Andrea del Verrocchio, fi gura ar s ca vital de la época con quien aprendió las bases de la química, de la metalurgia, del trabajo del cuero y del yeso, de la mecánica y de la carpintería, así como de diversas técnicas ar s cas como el dibujo, la pintura y la escultura sobre mármol y bronce. Todavía en su carácter de aprendiz, en 1476 colaboró en la obra El bau smo de Cristo, pintando el ángel arrodillado de la izquierda y el paisaje de ma ces neblinosos, u lizando una técnica novedosa proveniente de los Países Bajos, la pintura al óleo, lo que le daba a sus representaciones un trazo más suave.Cuando alcanzó la maestría en 1478, Leonardo recibió su primer encargo: un retablo para la capilla del Palazzo Vecchio, del ayuntamiento fl oren no, aunque luego no llegara a ejecutarse. Su primera gran obra inconclusa fue La adoración de los Magos, encargada por los monjes de San Donato de Scopeto, cerca de Florencia, hacia 1481. Su segundo trabajo inacabado fue San Jerónimo. Ambos fueron valiosos por el nuevo dinamismo en

Leonardo Da Vinci.

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los contrastes de rasgos, en la composición geométrica de la escena y en el sorprenden-te manejo de la técnica del claroscuro. Otra obra de su etapa juvenil fue la denominada Madonna Benois, el retrato de Ginebra de Benci.

“La Ul ma Cena” 1495 – 1497.

En 1482, Leonardo logró ingresar a la corte de Ludovico Sforza, duque de Milán, donde se quedaría por diecisiete años, tras haberle escrito una carta en la que se ofrecía como pintor, escultor, arquitecto, además de ingeniero, inventor e hidráulico. También afi rmaba que poseía las técnicas necesarias para servirlo como ingeniero en sus ac vidades milita-res y también como arquitecto. Una hipótesis que se manejaba en ese entonces era que el neoplatonismo de moda en Florencia, fue decisivo para su traslado a una ciudad más abierta, erudita y pragmá ca como Milán, en un contexto más acorde a su espíritu. Las representaciones más importantes del período milanés fueron las dos versiones de La Virgen de las rocas, de 1483 y 1485, en las cuales empleó el esquema composi vo trian-gular que englobaba a la Virgen, el Niño, a San Juan y el ángel, estrenando su habilidad por el sfumato. Hacia 1498, Leonardo fi nalizaba so obra maestra La úl ma cena, una pintura mural por encargo del refectorio del monasterio de Santa Maria delle Grazie, en Milán, la cual se deterioró hacia rápidamente y fue mal reparada en varias ocasiones, desde 1729 hasta 1977. No obstante, fue digno de admiración el empleo experimental de la técnica del óleo sobre yeso seco. Aunque la mayor parte de la superfi cie original se ha perdido, la sobresa-liente interpretación plás ca del conocido momento en que Cristo les dijo a los apóstoles “uno de vosotros me traicionará”, hicieron admirables la composición y la penetración fi sonómica y psicológica de los personajes. Producto de su larga estadía en Milán, fue-ron otras pinturas y dibujos, escenogra as teatrales, dibujos arquitectónicos y modelos para la cúpula de la Catedral de Milán. También deben citarse algunos retratos femeninos como el de La dama del armiño. De su etapa milanesa, corresponde la realización de la versión en arcilla para el molde de Il Cavallo, una solemne estatua equina en honor de Francisco I Sforza, el padre de Ludovico, la cual iba a hacerse con setenta toneladas de bronce, lo que representaba para Leonardo una verdadera hazaña técnica para la época. En diciembre de 1499, los

Una hipótesis que se ma-nejaba en ese entonces era

que el neoplatonismo de moda en Florencia, fue de-

cisivo para su traslado a una ciudad más abierta, erudita

y pragmá ca como Milán, en un contexto más acorde

a su espíritu.

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requerimientos que la misma exigía y la expulsión de la familia Sforza de Milán por el ejér-cito francés, hicieron que la efi gie quedara sin terminar durante varios años, y que luego sufriera una suerte de destrucción por los arqueros franceses que la usaron como diana. Leonardo regresaría a Florencia en 1500 tras veinte años de ausencia.En 1502, se incorporó a la corte de César Borgia, duque de Romaña, hijo del papa Alejandro VI, en calidad de arquitecto e ingeniero mayor. Su trabajo fue supervisar las obras en las fortalezas de los territorios papales del centro de Italia. En 1503, volvió a su ciudad Florencia que se encontraba en guerra con Pisa, para servir como ingeniero en la con enda. Además, fue miembro de la comisión de ar stas encargados de de-cidir sobre el apropiado lugar del David de Miguel Ángel. Leonardo ya era considerado uno de los mayores maestros de Italia. Al fi nal de 1503 y durante tres años, comenzó a planifi car la decoración para el gran salón del Palacio de la Signoria a través de la obra La batalla de Anghiari - victoria fl oren na en la guerra contra Pisa –, la cual también quedaría inconclusa. “Madonna Li a” – 1490.

Realizó numerosos dibujos y completó un cartón en 1505, pero nunca llegó a realizar la pintura en la pared. El cartón se destruyó en el siglo XVII, conociéndose la composición a través de copias como la que realizó Petrus Paulus Rubens. Sin embargo, la cumbre de esta segunda etapa fl oren na y una de las pocas obras terminadas por Leonardo fue La Gioconda, el retrato más famoso de toda la historia de la pintura, también conocido como Monna Lisa, al asemejarse la modelo con la esposa de Francesco del Giocondo que llevaba ese nombre, aunque se desconoce su verdadera iden dad. Con su sfumato ya perfeccionado, Leonardo logró llevarlo a una precisión por poco milagrosa, creándole un gesto entre lo e mero y lo eterno: la misteriosa sonrisa. Parece ser que Leonardo sen a una gran predilección por esta obra ya que la llevaba consigo en sus viajes, hasta que en uno que realizó a Francia, lo vendió al rey Francisco I por cuatro mil piezas de oro.

Desde 1506 a 1513, Leonardo regresó a Milán. Ensimismado en los estudios cien fi -cos, no dudó en aceptar el ofrecimiento de Charles d’Amboise, gobernador francés de Milán, para ocupar el cargo de arquitecto y pintor de la corte. En Milán con nuó sus proyectos de ingeniería y trabajó en el monumento ecuestre de Gian Giacomo Trivul-zio, comandante de las fuerzas francesas en la ciudad. De esta misma época fue la se-gunda versión de La Virgen de las rocas y Santa Ana, la Virgen y el Niño. Sin embargo, pintaba poco ya que su energía estaba puesta en recopilar sus escritos y a profundizar sus estudios cien fi cos: con la idea de tener fi nalizado para 1510 su tratado de anato-mía, trabajaba junto a Marcantonio della Torre, el más reconocido anatomista de su empo, en la descripción de órganos y el estudio de la fi siología humana.

Desde 1514 a 1516 Leonardo vivió en Roma bajo el mecenazgo de Giuliano de Médicis, hermano del papa León X. Se alojaba en el Palacio del Belvedere en el Va cano, ocupán-

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dose fundamentalmente de experimentos cien fi cos y técnicos. En 1516, se trasladó a Francia, a la corte de Francisco I. Allí vivió como miembro de la nobleza y pasó sus úl mos años en el cas llo de Cloux, cerca de Amboise. Se concentró en la redacción de sus úl -mas páginas para su tratado sobre la pintura, pintó poco aunque todavía ejecutó extraor-dinarios dibujos sobre temas bíblicos y apocalíp cos, y alcanzó a terminar su ambiguo San Juan Bau sta. Allí mismo, fallecería el 2 de mayo de 1519.A pesar de que ninguno de los trabajos escultóricos de Leonardo logró concretarse, el ar sta es reconocido por su arte tridimensional, principalmente a través de sus dibujos. Lo mismo se aplica a su arquitectura, aunque en estos proyectos demostró destreza en la composición de masas, claridad de expresión y por sobre todo, un profundo conocimien-to de la an güedad romana. Leonardo da Vinci fue un verdadero creador en todas las ramas del arte, un descubridor en la mayoría de los campos de la ciencia y un innovador en el terreno tecnológico.

Marcel Duchamp (1887-1958)

Marcel Duchamp nació el 28 de julio de 1887 en Blainville-Crevon, un pequeño pueblo fran-cés, donde su padre, Eugène Duchamp, ejercía como actuario y alcalde. Los Duchamp eran una familia burguesa e inclinada a las artes, no siendo casual que sus tres hijos varones – Gastón o más conocido como Jacques Villon, Raymond y Marcel - fueron famosos ar stas elogiados por las primeras corrientes vanguardistas que llegaban a Francia en el siglo XX.

Marcel era el menor de seis hermanos. Siguiendo los pasos de sus hermanos mayo-res, a los que estaba muy unido, Marcel tomó clases de dibujo en el liceo. Su herma-no Jacques Villon ya había alcanzado cierta fama como pintor de carteles en París, en una época en la que se dis nguían Henri de Toulouse-Lautrec y Alfons Mucha. Marcel trató de imitar la técnica de su hermano en sus primeros dibujos. En 1904, antes de cumplir los veinte años, dejó su hogar con des no al barrio parisino Mont-martre, donde vivió con su hermano Gastón. Al empo que empezaba a pintar, publicó caricaturas y dibujos humorís cos en los medios gráfi cos, logrando un es lo marcado en toda su extravagante obra siguiente: el humor, la ironía y la parodia.

En 1908 se mudó a Neully, población cercana a la capital parisina y donde pasó largas es-tadías. Ese fue el año en el que expuso por primera vez en el Salón de los Independientes, foro por excelencia, junto con el de Otoño, de las úl mas tendencias ar s cas. Fue hasta 1911 que exploró todas las propuestas pictóricas que le brindaba la perspec va moder-na, desde el pos mpresionismo hasta el color arbitrario de los fauves, para recalar fi nal-mente en el cubismo, que empieza a cobrar presencia pública. Después de realizar varias obras en la línea del fauvismo, se dedicó a la experimentación y al arte de vanguardia e hizo su obra más famosa, Desnudo bajando una escalera de 1912, en la que pronunció el movimiento con nuo a través de una cadena de fi guras cubistas superpuestas. La pintura causó furor en el Armory Show que tuvo lugar en Nueva York en 1913. Duchamp viajó a Nueva York en 1915. Admi endo la infl uencia del futurismo que venía de Italia desde 1910 y, sobre todo, de Dadá, el más radical de los frutos de la vanguardia fl orecido en 1914, Después de ese año pintó muy poco, aunque con nuó trabajando has-ta 1923 en su obra maestra, Los novios desnudando a la novia, de 1923, una obra abstrac-ta, conocida también como El gran espejo. Realizada en óleo y alambre sobre espejo, fue recibida con entusiasmo por parte de los surrealistas.

Marcel Duchamp.

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En el campo de la escultura, fue un adelantado en dos de las principales creaciones del siglo XX, el arte ciné co y el arte ready-made. Este úl mo consis a simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso co diano, que se podían conver r en arte por deseo del ar sta. Su Rueda de bicicleta fue uno de los primeros ejemplos de arte ciné co, estaba montada sobre una banqueta de cocina. Con su obra llamada El Gran Vidrio, con la que trabajó desde 1915 hasta 1923, dándola al fi nal por “defi ni vamen-te inacabada”, fi naliza ofi cialmente su carrera como pintor. Además de los ready-mades, confeccionó máquinas óp cas y par cipó en películas de Man Ray, Picabia y Hans Richter, entre las que destaca Anemic Cinema, en 1925.

Duchamp compa bilizó su peculiar dedicación ar s ca con el ajedrez, que llegó a prac car de forma semiprofesional. En 1955 se nacionalizó estadounidense, donde tuvo gran infl uencia en la escena ar s ca de los años cincuenta y sesenta, tanto so-bre pintores como Rauschenberg y Jasper Johns, como sobre el músico John Cage o el coreógrafo Merce Cunningham. Falleció el 2 de octubre de 1968, en Neully.

Miguel Angel (1475-1564)

Michelangelo Buonaro nació el 6 de marzo de 1475, en Caprese, una villa de la Toscana, cerca de Arezzo, actual Italia. Fue un reconocido pintor, escultor y arquitecto italiano del Renacimiento, desarrollando sus setenta años de carrera ar s ca entre Florencia y Roma, lugares de residencia de sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los dife-rentes papas romanos.Sus padres fueron Ludovico di Leonardo Buonarro di Simone y Francesca di Neri del Miniato di Siena. Su madre murió en 1481, cuando Miguel Ángel tenía seis años de edad. La familia de su padre vivía en Florencia desde hacía más de trescientos años y habían pertenecido al par do de los güelfos. Aunque muchos de ellos habían ocupado cargos públicos, la decadencia económica de la familia empezó con el abuelo del Miguel Ángel, siendo su padre, quien no prosperó en el intento de mantener la posición social ya que la mantenía a través de trabajos gubernamentales esporádicos. En Florencia, vivían de unas no muy signifi ca vas rentas procedentes de una cantera de mármol y una pequeña fi nca que tenían en el pueblo de Se gnano.Miguel Ángel había deseado desde muy chi-co ser ar sta, comentando el algún momen-to: “Juntamente con la leche de mi nodriza mamé también las escarpas y los mar llos con los cuales después he esculpido mis fi -guras”. Sin embargo, su padre desatendió sus deseos por considerar al arte como un ofi cio poco reconocido y que no era digno del pres gio del alcurnia familiar, y lo hizo estudiar gramá ca en con el maestro Fran-cesco da Urbino. Pero su fi rme decisión ter-minó fi nalmente por convencer a Ludovico.No obstante, Miguel Ángel supo mantener una relación responsable con su familia, asumiendo la dirección de la misma cuando su hermano mayor Leonardo se hizo monje

Sus padres fueron Ludovico di Leonardo Buonarro di

Simone y Francesca di Neri del Miniato di Siena.

Michelangelo Buonaro .

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dominicano en Pisa. También tuvo a su cargo el cuidado del patrimonio de los Buona-rro , el cual supo ensanchar con la compra de casas y terrenos. Se le confi rió además el mérito concertar el matrimonio de sus sobrinos Francesca y Leonardo con buenas familias de Florencia.Con sólo trece años, su padre lo ubicó en el taller del pintor Domenico Ghirlandaio. Dos años después se sin ó atraído por la escultura – disciplina en la que empezó desde allí a destacar-se - en el jardín de San Marcos, lugar al que acudía con frecuencia para estudiar las estatuas an guas de la colección de los Médicis. En alguna oportunidad, su biógrafo hizo conocida la anécdota del por qué de su nariz chata retratada tantas veces. Resultó que un día, saliendo Miguel Ángel del jardín de los Médicis -, Pietro Torrigiano le dio una trompada y le rompió la nariz. Invitado a las reuniones y tertulias que Lorenzo el Magnífi co organizaba en el Pa-lacio de los Médicis con otros ar stas, Miguel Ángel tuvo la oportunidad de conversar con los miembros más jóvenes, dos de los cuales posteriormente llegaron a ser papas: León X y Clemente VII. Pasaron solamente tres años, para que Miguel Ángel contara en su haber con al menos dos esculturas en relieve, El Combate de los lapitas y los centauros y La Virgen de la Escalera, ambas de1489-1492, y representantes de su impronta personal tan marcada.

El fallecimiento de su mecenas, Lorenzo el Magnífi co, en 1492, le signifi có a Miguel Ángel la huida de Florencia. Hizo escala Venecia, instalándose temporariamente en Bolonia. Allí esculpió diversas obras bajo la infl uencia de Jacopo della Quercia. Pero en el año 1496, decidió par r hacia Roma, donde realizó dos esculturas que lo llevaron a la fama - La Piedad del Va cano, después del Bacus del Bargello – y lo consagraron, con treinta años de edad, como un ar sta de primera línea.

Estatua del David de Migel Angel

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Al cabo de cinco años, Miguel Ángel regresó a Florencia. De esta época fue El David, obra cúspide de su escultura, por la complejidad que requería el trabajo sobre el poco ancho de la pieza de mármol. La misma fue colocada delante del palacio del Ayuntamiento de Florencia, convir éndose en la expresión de los más altos ideales cívicos del Renacimien-to. Había empezado a desplegar el cartón de La batalla de Cascina, pintado para la Se-ñoría de Florencia, cuando, en marzo de 1505, el Papa Julio II lo llamó a Roma para que llevara a cabo su monolito fúnebre. Permaneció en Carrara durante ocho meses para hacerse cargo de la elección y la dirección de la extracción de los mármoles necesarios. Pero, cuando regresó a Roma, el Papa había dejado a un lado el proyecto del mausoleo, absorbido como estaba con la reforma de Bramante en la Basílica de San Pedro. Miguel Ángel, contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia, hasta 1534, cuando por la nueva situación polí ca en Florencia, abandonó la ciudad y se estableció en Roma. Allí el encargo del Papa Clemente VII para trabajar en el altar de la Capilla Six na y donde, entre 1536 y 1541, realizó el magnífi co Juicio Final. Hasta el año 1550 con nuó llevando a cabo obras para la tumba de Julio II, un complejo arquitectónico y escultórico colosal en el cual, más que el pres gio del pon fi ce, se glorifi caba el triunfo de la Iglesia. De este período romano eran los frescos de la Capilla Paulina que representan La conversión de San Pablo y La crucifi xión de San Pedro. En 1516, por encargo de León X, inició la fachada de la Basílica de San Lorenzo.

Miguel Ángel pretendía hacer propias las teorías neoplatónicas del amor, con gran-des esfuerzos para conseguir un equilibrio emo vo que no muchas veces pudo con-cretar. Su inclinación natural por la materia, por las formas sicas estaban por sobre todas las cosas. Fue un escultor de cuerpos, emblemas de la belleza clásica. Su fas-cinación por todo lo joven y fuerte, lo llevaron a decantarse por la belleza humana y el amor más sensual hasta sus úl mos años.

Miguel Ángel vivió su deseo carnal con ambigüedad, lo que hizo que afl orara el enfren-tamiento con su homosexualidad. Se relacionó con diversos jóvenes, como Cecchino dei Bracci, por el que sen a un gran afecto. En un viaje realizado a Roma en 1532, conoció al que sería el gran amor de su vida, el joven Tommaso Cavalieri, un noble de inteligencia poco común y amante del arte. Los úl mos veinte años de su vida, los dedicó casi en forma íntegra a la arquitectura: diri-gió las obras de la Biblioteca Laurenziana de Florencia y, en Roma, la remodelación de la plaza del Capitolio, la capilla Sforza de Santa María Mayor, la fi nalización del Palacio Farne-se y, sobre todo, la fi nalización de la Basílica de San Pedro del Va cano. De esta época son las úl mas esculturas como La Piedad Rondanini, así como numerosos dibujos y poesías de inspiración religiosa.Murió el 18 de febrero de 1564 en Roma, antes de ver concluida su proyecto en la basílica va cana, a la edad de ochenta y ocho años, acompañado por su secretario Daniele da Volte-rra y por su fi el amigo Tommaso Cavalieri. Fue enterrado en Florencia, fi el a sus deseos.

El David, obra cúspide de su escultura.

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Pablo Ruiz Picasso (1881- 1973)

Nacido en Málaga, España, el 25 de Octubre de 1881, Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la San sima Trinidad Ruiz y Picasso, según su Par da de Nacimiento, fue uno de los ar stas más prolífi cos de la historia del Arte. De su autoría se encuentran aproximadamente dos mil obras en dis ntos museos del mun-do. Además de la pintura, incursionó en la plás ca, dibujo, escultura y hasta escenogra a. Su espíritu innovador lo llevó a crear dis ntos movimientos ar s cos como el Cubismo.

Criado en el seno de una familia de clase media acomodada, hijo de José Ruiz Blas-co, un profesor de arte, y de María Picasso López, desde niño se destacó por sus habilidades en la pintura, ingresando en 1987, a los 15 años de edad, en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, tras aprobar el examen de admisión presentando el cuadro denominado Ciencia y Caridad que se encuentra actualmente en el Museo Picasso de la ciudad de Barcelona. Por esta misma obra, obtuvo la mención honorí-fi ca en la exposición de Bellas Artes.

A par r de 1901, comenzó a alternar su residencia entre Madrid, Barcelona y París, lugar este úl mo en el que quedó fascinado por el ambiente bohemio de ésta úl ma ciudad. Fue aquí que se embebió del pos mpresionismo de Paul Gaugin y del simbolismo de Edgar Degas y Henri de Toulouse-Lautrec, quienes infl uyeron notablemente en su obra. Esta etapa conocida como el “Período Azul”, denominada así por el predominio de dichos tonos, plasmó la miseria humana de las calles parisinas. Un ejemplo de esta época fue el cuadro Habitación Azul de 1901.En 1904 se radicó defi ni vamente en la capital francesa, dando comienzo a un nuevo pe-ríodo de su obra, tendiente a las tonalidades rosas y rojas, centrándose además en temas del ambiente circense. Ejemplo de esta nueva etapa fue Familia de Acróbatas de 1905. En esta ciudad entabló amistad con numerosas personalidades del mundo ar s co, como el poeta Max Jacob, el escritor Guillaume Apollinaire y los comerciantes Ambroise Vollard y Daniel Henry Kahnweiler, además de los magnates hermanos estadounidenses Gertrude y Leo Stein, quienes se convir eron en sus mecenas. Todos ellos fueron retratados por Picasso, con un es lo vanguardista que impresionó al mundo del arte. El retrato de Ger-trude Stein de 1905-1906 que se encuentra en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, plasmó esta nueva tendencia del pintor.En el verano de 1906, durante su residencia en Gósol, España, Picasso incursionó en una nueva tendencia muy radical para aquellos años, revolucionando el mundo del arte pictórico. Este nuevo estadio que se nutrió de la confl uencia del arte ibérico y africano, y de la infl uencia del es lo del Greco y de Cézanne, se caracterizó por la predominancia de líneas y planos cortantes angulosos, rompiendo con las formas de la pintura tradicional vigentes desde el Renacimiento. Un exponente de dichas formas fue Las señoritas de Avignon de 1907.Siguiendo bajo la gran infl uencia de Cézanne, junto con otro joven pintor Georges Bra-que, pintaron una serie de obras con un nuevo es lo basado en el manejo del volumen mediante “pequeños cubos”. Desde 1908 a 1911, ambos ar stas trabajaron en estrecha colaboración dentro de esta línea de descomposición y análisis de las formas, desarro-llando de esta manera la primera fase del Cubismo, conocida como Cubismo analí co. Prevalecieron los tonos monocromá cos y las representaciones de mo vos totalmente fragmentados que se muestran de forma simultánea desde varios lados. Los temas favo-ritos fueron los instrumentos musicales, las naturalezas muertas y los retratos.

Pablo Ruiz Picasso.

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Fue en 1912 cuando realizó su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja, en el cual mezclaba pasta de papel con un trozo de hule sobre un lienzo pintado sólo en algunas zonas, para representar un vaso, un periódico, una pipa, una ostra y un limón. Esta obra signifi có la transición hacia el Cubismo sinté co, segunda fase más ornamental, donde color cobra protagonismo, aunque nunca de manera exclusiva. Su obra Arlequín de 1915 fue un cuadro cubista sinté co, mientras que Vollard fue un trabajo realizado dentro de lo se dio por llamar el es lo ingrista, el cual copia el arte del pintor francés Jean August Dominique Ingres. De 1923, fue su trabajo Arlequín con espejo, propio del período clásico comprendido entre 1921 y 1925.

Picasso se consagró también en el tratamiento de las formas tridimensionales. El busto de bronce de Fernande Olivier de 1909 (también llamado Cabeza de mujer, 1909) mos-tró esta lograba destreza técnica. Paralelamente realizó conjuntos -como Mandolina y clarinete de 1914, formados por fragmentos de madera, metal, papel y otros materiales,

Pablo Ruiz Picasso.

Picasso se consagró también en el tratamiento de las for-

mas tridimensionales.

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explorando con ello las hipótesis espaciales planteadas por la pintura cubista. Su Vaso de ajenjo, del mismo año, fue una escultura en bronce pintada que simbolizaba un vaso de licor sobre el que aparecí una cucharilla de plata y la reproducción exacta de un terrón de azúcar. Quizás este ejemplo haya sido el más interesante de su escultura policromada cubista realizado, prediciendo con ella tanto sus posteriores creaciones de objetos encon-trados, como los objetos Pop art de la década de 1960.

En 1935, Picasso confeccionó la serie de grabados Minotauromaquia, un agraciadísimo trabajo en el que mezcla los temas del minotauro y las corridas de toros. Las fi guras de esta obra anunciarían las imágenes del Guernica, el gran mural de Picasso, considerado como una de las obras ar s cas individuales más trascendental del siglo XX. En 1937, du-rante la Guerra Civil española, la aviación alemana bombardeó el pueblo vasco de Guer-nica. Inmediatamente, Picasso comenzó a pintar el enorme mural homónimo. En menos de dos meses pudo terminar la labor, exhibiendo el trabajo en el Pabellón español de la Exposición Internacional de París de ese mismo año. Picasso quiso expresar con él el terror y el salvajismo del aquél suceso, empleando imágenes como el toro, el caballo mo-ribundo, El guerrero caído, la madre con su hijo muerto y una mujer atrapada en un edi-fi cio en llamas. El mural Guernica dejó una gran impronta como retrato-denuncia de las consecuencias de la guerra. La Segunda Guerra Mundial que estallaría empo después, contribuyó a que los colores que u lizara Picasso se ensombrecieran y a que la muerte fuera el tema más recurrente en la mayor parte de sus obras. Obras que dieron fe de esta tendencia fueron Bodegón con calavera de buey, de 1942, y El osario, de 1945.

Por aquél entonces, conoció a la pintora Françoise Gilot, con quien tendría dos hijos, Paloma y Claude. Al igual que sus anteriores y sucesivas compañeras sen mentales, Françoise apa-recería retratada junto a sus hijos en numerosas obras que rescataban los primeros es los de Picasso. También desde entonces, residiría casi permanentemente en el sur de Francia.

Los úl mos cuadros de Picasso están basados en las obras de los grandes maestros del pasado como Diego Velázquez, Gustave Courbet, Eugene Delacroix y Édouard Manet. Además de realizar obras pictóricas, Picasso trabajó también en cientos de impresiones. Se interesó también por la cerámica, y así, en 1947, en Vallauris, realizó cerca de 2.000 piezas. Durante este empo Picasso hizo también importantes esculturas: El hombre del carnero, de 1944, que era un bronce de un hombre en tamaño real, y La cabra de1950 también en bronce y de gran potencia.

En 1914, con la Primera Guerra Mundial, Picasso abandonó prác camente el cubis-mo. Durante su estadía en Roma, en la cual llevó a cabo los decorados de los ballets rusos de Sergei Diáguilev, conoció a la bailarina Olga Koklova, con quien contrajo matrimonio poco empo después. Dentro de un es lo realista, fi gura vo, en torno a 1917, Picasso la retrató en varias ocasiones, al igual que a su único hijo legí mo, Pablo. A pesar de haber declarado siempre que no era surrealista, en muchos de sus cuadros quedaron expuestas cualidades y caracterís cas propias de este movimien-to ar s co A comienzos de la década de ’20, pintó una serie de cuadros con fi guras vigorosas, pesadas, esculturales, dentro del que se ha denominado es lo ingresco, como por ejemplo Tres mujeres en la fuente, de1921, y obras inspiradas en la mito-logía como Las fl autas de pan, de 1923.

En menos de dos meses pudo terminar la labor,

exhibiendo el trabajo en el Pabellón español de la

Exposición Internacional de París de ese mismo año.

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En 1964 llevó a cabo la maqueta Cabeza de mujer, una monumental escultura levantada en 1966 en acero soldado en el Civic Center de Chicago. En 1968, y a lo largo de siete me-ses, creó las notables series de 347 grabados con los que volvió a sus primi vos temas: el circo, las corridas de toros, el teatro y las escenas eró cas.Picasso fallecía el 3 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie, su residencia cercana a Mougins.

Paul Cézanne (1839-1906)

Paul Cézanne nació el 19 de enero de 1839, en la ciudad de Aix-en-Provence, en el sur de Fran-cia. Fue pintor del neo-impresionismo, y es considerado el padre de la modernidad.Louis-Auguste, su padre, era un comerciante italiano que se dedicaba a la fabricación y expor-tación de sombreros, y su madre, Anne-Elisabeth-Honorine Aubert, era hija de un tornero y trabajó durante un empo en el negocio de Louis, quien, en 1848, se asoció con Cabassol, el cajero de la Banque Bargès -que había quebrado- y fundó, el 1º de junio, la “Banque Cézanne et Cabassol”.

Obra de Paul Cézanne.

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En 1849, Cézanne ingresó en l´Ecole Saint-Joseph, ins tución educa va dirigida por el abad Savournin, donde conoció al futuro escultor Phillipe Solari y a Henri Gasquet, cuyo hijo Joachim fue buen amigo del pintor. En 1852, cambió de colegio, acudiendo al Collège Bourbon, donde entabló una estrecha amistad con el futuro escritor Emile Zola y con Jean Bap ste Baille. Los tres forman el “trío de los inseparables”. Al igual que Émile Zola, Cézanne manifestó, desde temprana edad, un interés por el arte, disgustando enormemente a su padre. En 1862, des-pués de algunas fuertes discusiones familiares, y por insistencia de su madre y su hermana, Louis accedió a los deseos de su hijo y recibió una pequeña asignación para estudiar arte a la Académie Suisse de París, donde lo estaba esperando Zola. Inmediatamente atraído por los elementos más radicales del mundo ar s co parisino, supo admirar sobre todo al pintor román co Eugène Delacroix y, entre los ar stas más jóvenes, a Gustave Courbet y a Édouard Manet, cuyas obras resultaban raras para sus contemporáneos, tanto por su es lo como por su temá ca. Muchas de las primeras obras de Cézanne estaban pintadas con ntes espesos y en tonos oscuros que recreaban al expresionismo román co y nostálgico de generaciones anteriores, pero, al igual que Zola, en su obs nación por desarrollar una narra va realista, Cézzane pudo estar a la altura del mundo contemporáneo, debido a su interés en representar al mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin detenerse en idealizaciones temá cas que perturbaran su es lo.

La madurez ar s ca de Cézzane recibió la infl uencia de Camille Pissarro. Aunque éste era un pintor mayor que él y poco reconocido, llegó a proporcionarle a Cézanne el apoyo moral necesario para volcarse de lleno en la nueva técnica impresionista, la cual le permi ría lograr los efectos de la luz natural. Pissarro patrocinó a Cézzane desde en 1872 y 1873, enseñándole a pasar de los tonos oscuros a los colores bri-llantes y comenzó a concentrarse en escenas de la vida rural, gracias al es lo que había desarrollado Pissarro para trabajar al aire libre de forma rápida, a escala redu-cida, sin bocetos, solamente atrapando los efectos lumínicos que se presentaban.

Paul Cézanne Jas de Bouff an, La Piscine.

Muchas de las primeras obras de Cézanne estaban

pintadas con ntes espe-sos y en tonos oscuros que

recreaban al expresionismo román co y nostálgico de generaciones anteriores.

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Luego de varios esfuerzos realizados, Cézzane fue aceptado por la Sociedad Anónima Coopera va de Ar stas Pintores, Escultores y Grabadores – en la que se encontraban Monet, Boudin, Pissarro, Renoir, Sisley, Gau er, Morisot y Bracquemond - para par cipar en la muestra de 1874 y 1877. Como los impresionistas contaban con un éxito comercial limitado, las obras de Cézanne no fueron bien recibidas por parte de la crí ca. Esta deli-cada situación supuso el rechazo del mundo cultural parisino por parte del maestro y su paula no alejamiento del es lo impresionista para comenzar un camino de búsqueda personal, entrando en el neo-impresionismo. Fue entonces que se alejó de muchos de sus contactos parisinos a fi nales de la década de 1870, y durante toda la década de 1880 resi-dió en su Aix-en-Provence natal. En 1882, decidió dejar de trabajar con Pissarro. También rompería relaciones con Zola unos años más tarde, cuando éste dejó vislumbrar ciertas referencias a sus fracasos.En 1886, Cézzane heredó la fortuna de su padre con lo que consiguió su independencia económica, a los 47 años de edad, aunque permaneció en su aislamiento social. El en-cierro y la concentración, así como la par cularidad de su búsqueda, podrían señalarse como los responsables de la increíble evolución que sufrió su es lo durante las décadas de 1880 y 1890. En ese periodo, aunque con nuó pintando directamente observando la naturaleza con radiante colorido al es lo impresionista, fue simplifi cando progresivamen-te la aplicación de la pintura hasta el punto volumen con sólo unas cuantas pinceladas de color yuxtapuestas. Sin embargo, la generación posterior de pintores llegó a aceptar prác camente todas las originalidades de Cézanne, ya que creía que ya se habían expuesto los obje vos natura-listas del impresionismo y que era necesario un es lo nuevo y original, sin reparar en la difi cultad, para poder devolver al arte moderno sinceridad y compromiso. Parecía que Cézanne había hecho propia una manera de representar tanto la luz como las formas de la naturaleza simplemente mediante el color. Parecía haber vuelto a introducir una estruc-tura formal que los impresionistas habían abandonado, sin sacrifi car por ello la sensación y vivacidad lumínica lograda por ellos. Cézzane modulaba el claroscuro, no lo modelaba, como sus predecesores, es decir, suplantaba las convenciones ra cales de pintura, ha-ciéndolas más expresivas, más próximas a la naturaleza. De esa forma, u lizaría el color de forma más ordenada y explícita. Desde 1898 venía exponiendo regularmente en la galería de Vollard, consiguiendo vender bastantes cuadros. En 1900, se exhibieron tres de sus lienzos en la muestra “Cien Años de Pintura Francesa”, durante la Exposición Mundial de París. Al año siguiente expondría en el Salón de los Independientes. La culminación de estas muestras será la exposición de 33 obras en el Salón de Otoño de 1904.

Durante muchos años la obra de Cézanne sólo fue conocida por sus an guos colegas impresionistas y por unos cuantos ar stas jóvenes radicales de la línea del pos mpresio-nismo, entre los que se incluían Vincent Van Gogh y Paul Gauguin. Muchos de ellos viaja-ron hacia Aix-en-Provence para recibir sus úl mos consejos. La muerte se encuentra con

A pesar de la evolución de sus obras, Cézanne sen a que no cumplía sa sfactoria-mente con sus obje vos, mo vo por el que dejó la mayor parte de ellas sin terminar y destruyó muchas otras. La salud de Cézanne empeoraba con el paso de los años. La diabetes, cuyos primeros síntomas se le habían declarado en 1890, se agudizó y se tornó intratable. Sólo el trabajo le producía felicidad, por lo que se concentró en la ejecución de la serie de las bañistas culminada con las Grandes Bañistas, conclui-da en 1905.

Naturaleza muerta.

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Cézanne el 22 de octubre de 1906, producto de una pulmonía. Al año siguiente, el Salón de Otoño organizó una gran exposición en memoria del “ermitaño de Aix”, con la cual se inició el llamado “Mito Cézanne”.

Paul Gauguin (1848-1903)

Eugène Henri Paul Gauguin, pintor neo-impresionista francés, nació en París, el 7 de julio de 1848. Su padre, Clovis Gauguin, era un periodista an monárquico y tuvo que emigrar, en 1852, con toda su familia a Perú tras el golpe de estado de Napoleón III, falleciendo en el viaje. Huérfano de padre, Gauguin vivió en el seno de la familia de su madre, Aline Ma-rie, pasando sus primeros años de infancia. En 1855, regresarían a Francia, instalándose en Orléans, en la casa de un o.

En 1861, se trasladaron a París donde la madre se empleó como modista para mejo-rar la situación económica de la familia. Todavía adolescente, Gauguin se embarca-ría en la marina mercante. A su regreso a París por el año 1872, gracias a un amigo de la familia, comenzó a trabajar en una fi nanciera de la capital, como agente de Bolsa, lo que le permi ó obtener buenos ingresos. A par r de allí, Gauguin mostró que lo condujo a tomar clases y a coleccionar pinturas de impresionistas como Ma-net, Cézanne y Pissarro. Con éste úl mo, entabló una relación especial por el año 1875, lo que le signifi có que fuera su primer maestro ar s co y que colaborara en el ingreso al mundo del impresionismo, par cipando de importantes muestras, la primera de ellas, en 1880, y repi éndola por los dos años siguientes. También por esa época, se casó con la joven danesa Me e Gad, con quien tendría cinco hijos.

En 1882, el desplome de la Bolsa parisina hizo que numerosos agentes de Bolsa fueran despedidos, entre ellos Paul Gauguin, hecho que lo condujo a tomar la decisión de vivir de la pintura. Otra vez las difi cultades econó-micas se habían presente en su vida. Deci-dió mudarse a Rouen ya que allí la vida era más barata. Luego de dos años de incer -dumbre laboral, en los que llega a trabajar como representante de toldos por el año 1886, viajando entre Rouen, París y Copen-hague hasta que en 1886, decidió fi nalmen-te quedarse en París junto a su hijo mayor. El resto de la familia quedaría en Dinamar-ca. Ese mismo año, se mudó a Pont-Aven, en la Bretaña francesa, donde su pintura experimentaría un cambio radical, dejando atrás el Impresionismo y acercándose a un mayor simbolismo y a un colorido más agu-do. Su espíritu viajero lo llevó luego a Pana-má, donde trabajó en el Canal que se está construyendo, y a Mar nica, lugar donde entró en contacto por primera vez con el exo smo que caracterizará su pintura. De regreso a Francia y tras una e mera estadía

Huérfano de padre, Gau-guin vivió en el seno de la familia de su madre, Aline

Marie, pasando sus prime-ros años de infancia. En

1855, regresarían a Francia, instalándose en Orléans, en

la casa de un o.

Paul Gauguin.

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en París, se instaló de nuevo en Bretaña, específi camente en Le Pouldu. Desde aquí su es- lo experimentaría un nuevo cambio gracias a la infl uencia del arte oriental, lo que haría

surgir el sinte smo, un es lo personal caracterizado por la representación original y la se-paración de la imagen pictórica en zonas de color fuertemente contrastadas y a menudo delineadas en negro. Fueron obras de esta época La visión después del sermón, El Cristo amarillo y La bella Ángela. En 1891, Gauguin se trasladó a Tahi , donde pensaba ganarse la vida haciendo retratos, re rándose de la civilización y viviendo con una joven mes za. El primi vismo y el sim-bolismo marcaron su pintura, tal como quedó representado en Yo te saludo, María, La mujer con la fl or, Tierra deliciosa o Diversiones. En sep embre de 1893, volvió a París, para ser reconocido ar s ca y económicamente, pero, como esto no fue lo que sucedió, en 1895 regresó a Oceanía, desesperado, enfermo, alcohólico y solo. En sus úl mos años, comenzó una importante campaña a favor de los indígenas pero, al tener confl ictos con las autoridades de Tahi , abandonó la isla y se dirigió a Atuana, donde intentó aislarse lo más que pudo. Gauguin morirá, al parecer de un ataque cardíaco, el 8 de mayo de 1903.

Paul Klee (1879-1940)

Paul Klee nació en Münchenbuchsee, cerca de Berna, Suiza, el 18 de diciembre de 1879. Hijo de padres músicos, a pesar de haber nacido en Suiza, desarrolló su vida en Alemania. Su pintura se ubicó entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción.

En 1898, se trasladó a Munich donde estudió arte en una escuela privada y en la Academia de Bellas Artes de la ciudad. Allí tuvo como profesor a Franz von Stuck hasta 1900 y se familiarizó con las teorías del Jugends l. Klee combinaba en un solo trabajo, técnicas de óleo, acuarela, nta y otros materiales, como se vio en su obra Cabeza amenazadora de 1905.

Cuando regresó a Berna, Klee se centró más en la música, lo gráfi co, la lectura de clásicos y en el análisis de las obras de Blake, Klimt, Goya. Hasta 1912, realizó aguafuertes en blan-co y negro, insinuando la fantasía y la sá ra propias de la infl uencia de éstos maestros del expresionismo del siglo XX. En París estuvo en contacto con Delaunay y el ambiente cubis-ta, sin éndose atraído por el movimiento y el empo, la luz y el color. También infl uiría el viaje a África en 1914, el cual signifi có la maduración de su es lo, otorgándole supremacía a los valores psicológicos de las formas. En Máquina temblorosa de 1922, sus elementos metálicos, como pájaros, crearon una estructura de formas lineales y circulares interco-nectadas, con un efecto evocador mucho más importante que lo que la propia obra signi-fi ca. Sus pinturas y acuarelas mostraron el dominio de unos arreglos cromá cos suaves y de ensueño, que generalmente usó para crear composiciones sencillas y semiabstractas o incluso efectos que las asemejan a mosaicos, como en Pastoral, de1927. Sus dibujos son complicadas líneas con contenido proveniente de un ingenio fantás co. Tras ser profesor de la Academia de Düsseldorf en 1931, la condena nazi de su obra le obligó, a par r de 1933, a exiliarse a Berna, donde, también afectado por una enfermedad progresiva, la esclerodermia, Klee adoptó un es lo claro, llano, caracterizado por líneas gruesas como de carboncillo y grandes áreas de colores ma zados. Con un tono pesimista y dramá co, las obras de este período fueron La Muerte y El Fuego.

Paul Klee.

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Klee murió en Muralto, Locarno, Suiza, el 29 de junio de 1940. Su obra infl uyó en los su-rrealistas que le sucedieron, así como en los ar stas no obje vos, e inspiró el nacimiento del expresionismo abstracto.

Peter Paul Rubens (1577-1640)

Peter Paul Rubens nació el 28 de junio de 1577, en Wes alia, Siegen, actual Alemania. Fue un pintor barroco de la escuela fl amenca.

Su padre, Jan Rubens - casado con María Pypelynckx - fue abogado calvinista en Amberes, de donde huyó por mo vos religiosos en 1570, y luego fue nombrado consejero polí co de Ana Sajonia, segunda esposa de Guillermo de Orange, en Co-lonia. Luego que Jan muriera en 1587, su esposa decidió regresar a Amberes dos años después, donde la familia prac có el catolicismo y Peter pudo con nuar con su educación. Cuando contaba con catorce años de edad, entró en el taller de su o polí co Verhaecht. Con su segundo maestro, Van Noort, adquirió una buena

formación técnica, y con Van Veen, se preparó, desde 1596 a 1600, para realizar el popular viaje a Italia.

Ya en Venecia en 1600, Rubens fue designado pintor de la corte del Duque de Mantua, Vincenzo Gonzaga, donde encontró grandes obras de Tiziano, Veronese y Tintore o. Por orden de su mecenas Gonzaga, Rubens se trasladó a Roma para obtener an güedades y hacer copias de otros pintores. En 1603, viajó a España en una misión diplomá ca, y fue en Valladolid, donde se encontraba la corte, que pintó un retrato ecuestre del duque de Lerma. Al regresar a Roma se sin ó cau vado por Miguel Ángel, Carracci y Caravaggio. Su eclec cismo quedó plasmado en el Bau smo de Cristo y en La Transformación, que pintó en 1604 para los Gonzaga. En 1607, estuvo por Génova, donde realizó representaciones de gran envergadura. Fue allí donde quedó cau vado por los edifi cios a los que seleccio-naría más adelante para una publicación, Palazzi di Genova, en 1622.

Su madre enfermó, y Rubens regresó a Amberes, donde fue designado pintor de cámara de los archiduques Alberto e Isabel. También por aquella época, se casó con Isabel Brandt. Co-menzaría a crear su es lo propio con los dos tríp cos de la catedral de Amberes: La erección de la cruz y El descendimiento de la Cruz. Este úl mo avaló la unión entre el Renacimiento conquistador y el Flandes tradicional. La obra de Rubens se caracterizó por la franqueza de los tonos y la ni dez de contornos. Situado en la confl uencia del realismo septentrional y de la poesía de época, el arte de Rubens exaltaba la vida en todas sus formas.

Entre 1617 y 1618, pintó la serie de seis composiciones de la Historia de Decius Mus, cuya realización correspondió prác camente a Van Dyck. Rubens mantenía excelentes relaciones con la Compañía de Jesús y, en sus obras Milagro de San Francisco Javier, Milagro de San Ignacio y La lanzada, representó las ideas de la Contrarreforma. Desde 1622 a 1625, ejecutó para la galería del Luxemburgo de París, más de veinte grandes composiciones pertenecien-tes a la Historia de María de Médicis, en la que se mezclaban la realidad, lo simbólico, y la mitología como en Las sirenas del Desembarco en Marsella.De 1627 a 1630, Rubens, ya como consejero personal de Isabel Clara Eugenia, fue diplomá- co en los grandes acontecimientos polí cos de Europa. En 1628, volvió a Madrid, donde

En 1607, estuvo por Génova, donde realizó representacio-

nes de gran envergadura. Fue allí donde quedó cau vado

por los edifi cios a los que seleccionaría más adelante

para una publicación, Palazzi di Genova, en 1622.

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entabló una amistad con Velázquez y pintó casi media centena de lienzos, muchos de ellos copias de Tiziano. Dos años más tarde se casaría con una muchacha de dieciséis años, Elena Fourment, quien supo ser las veces de modelo. En estos años, pintó los cartones de tapices con la Historia de Aquiles y la citada decoración de Whitehall. Poco después obtuvo el seño-río de Steen, en Elewyt, donde pintó paisajes de un lirismo rebelde.Cuando se acercaba a los 63 años, Rubens falleció en su casa de Amberes, el 30 de mayo de 1640, dejando al Barroco huérfano del pintor que mejor había interpretado sus conceptos. Su infl uencia fue arrolladora. Una inmensa can dad de ar stas visitaron su taller. Sus obras llegaron a todas las cortes europeas, convir éndose en pieza fundamental para el aprendi-zaje de los jóvenes ar stas.

Pierre August Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir nació en Limoges, Francia, el 25 de febrero de 1841. Fue uno de los más famosos pintores franceses.

Hijo de humildes artesanos, su padre tuvo que trasladarse con su familia a París en 1845, cuando Renoir tenía cuatro años. Allí trabajó como decorador de porcelanas para desarrollar su maravilloso talento como dibujante. Aunque se desempeñó en labores similares, fi nalmente ingresó en el taller del pintor Gilbert, antes de inscri-birse en la Escuela Superior de Bellas Artes de París, en el estudio-taller de Charles Gleyre, donde inició grandes amistades con Claude Monet, Alfred Sisley y Frédéric Bazille. Perfeccionó su formación ar s ca visitando asiduamente el Museo del Lo-uvre, para copiar a aquellos ar stas a quienes más admiraba.

Fue un pintor barroco de la escuela fl amenca.

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Sus primeras obras clásicas fueron Retrato de Frédéric Bazille y Diana cazadora. Fue en 1863 cuando inició las reuniones en el café Guerbois, con los pintores que luego cons- tuirían el grupo de los impresionistas. Su primer paso hacia el es lo impresionista fue

cuando pintó con Monet en La Grenouillère, a orillas del Sena, donde ambos ar stas re-crearon cuadros ya con disolución de la pincelada y de los contornos, propia del impre-sionismo. Respondían todos a este es lo de estructura informal, de técnica de borrador y sobre todo, a la espontaneidad y rapidez de las ejecuciones. En 1873, fi nalizó Jinetes en el bosque de Bolonia, obra que no fue aceptada en el Salón ofi cial pero sí fue exhibida en el de los Rechazados.

Luego de la guerra franco-prusiana, Durand-Ruel se interesaría por las obras de Renoir, gracias a lo cual, en 1874, el ar sta presentó una cierta can dad de ellas, entre las que se encontraba El palco, lienzo donde representaba a Niní López y a su hermano con pinceladas sueltas fundidas entre sí, de vagos y poco defi nidos con-tornos. A pesar de que su presentación suscitó importantes crí cas, a Renoir le valió el apoyo de Georges Charpen er, para quien realizó algunas obras, como Retrato de Mme. Charpen er y sus hijos, la cual le abriría las puertas del Salón.

El año 1876 sería prolífi co para Renoir, ya que realizó tres de sus mejores creaciones, El columpio, Torso de mujer al sol y Baile en el Moulin de la Gale e, con las que triunfaría el es lo “en plein air” de los impresionistas. A través de estos cuadros, desarrolló un impor-tante estudio de la luz, logrando plasmas con singular habilidad, los refl ejos del sol que se fi ltraban por entre las sombras.

El año 1876 sería prolífi co para Renoir, ya que realizó tres

de sus mejores creaciones.

Pierre August Renoir.

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Durante los años siguientes, Renoir siguió par cipando, aunque no con regularidad, en las exposiciones del grupo. En 1881, se acentuó su abandono al impresionismo, cuando su situación económica se estabilizó gracias a la compra invariable de sus obras por el mar-chante Durand Ruel. Desde allí, una serie de lugares a los que visitó - como Argelia e Italia – despertó su asombro al empo que lo sumergía en una profunda crisis, durante la cual llegó a aseverar que no sabía “ni pintar, ni dibujar”. Renunció entonces al impresionismo, alejándose progresivamente de los efectos ambientales en busca de una pintura más de-fi nida, más lineal y de trazos más sólidos, con obras como Los paraguas, Baile en el campo y Baile en la ciudad. Sin embargo, en 1889 regresaría a su es lo impresionista, centrado ahora en el desnudo femenino plasmado con un colorido cálido en el que abundan los tonos anaranjados. La obra cúspide de esta etapa fi nal de su vida es Las bañistas, en la que las estampas se funden con la naturaleza gracias a la luz y al color. Ni su reuma smo ar cular, afección que llegó a dejarlo paralí co, ni la muerte de su es-posa en 1915, hicieron que dejara de dedicarse a la pintura, e incluso a la escultura. Hacia los úl mos años de su vida, se refugió en Cagnes-sur-Mer, hasta dejar este mundo, el 3 de diciembre de 1919, luego de haberse recuperado de una fuerte pulmonía.

Pieter Mondrian (1872-1944)

Pieter Cornelius Mondrian - conocido como Piet Mondrian - nació el 7 de marzo de 1872 en Amersfoort, Holanda, en el seno de una familia calvinista. Empezaría la carrera de do-cencia, pero mientras enseñaba también prac caba la pintura. Su padre alentaba su voca-ción ar s ca de Piet ayudándolo a pintar escenas históricas con mensaje moralizante.

El ambiente familiar manifestaría una suerte de situación tensa cuando, en 1892, Piet decidió dedicarse enteramente a la ac vidad creadora. Se inscribió en la Aca-demia de Bellas Artes de Amsterdan, siendo su maestro August Allebé. Mientras frecuentaba los ambientes ar s cos de la ciudad, entró en contacto con las creen-cias esotéricas, especialmente con la teoso a, que lo alejarían progresivamente de la fe calvinista.

Piet comenzaría a vivir de la pintura a través de la realización de copias de los cuadros del Rijksmuseum y obras por encargo. Sus primeras obras personales, recibieron la infl uencia de la tradición paisajís ca holandesa y de su interés por los efectos lumínicos. Pero en 1907, el conocimiento de la obra de los pintores pos mpresionistas, como Van Gogh, Kees van Dongen y Edvard Munch, cambió por completo sus an guas nociones sobre el color, cuyo tratamiento abordó a par r de entonces de manera mucho más enérgica. Su trabajo experimentaría un cambio muy importante. El suave colorido mutaría a una paleta de colores puros aplicados de forma arbitraria. Sus tramas tradicionales pasaron a recibir un tratamiento an naturalista que acercaría sus trabajos a los de los expresionistas alemanes, caracterís cos de la fuerza conceptual del luminismo, nombre por el que se conoció el divisionismo en Bélgica y Holanda. En 1908, y durante solamente dos años, Piet hizo suyos los principios de este movimiento, al empo que pasaba momentos en la lo-calidad zelandesa Domburg. Luego, su obra sufriría otra transformación, muy relacionada con sus inquietudes ocultas, las cuales coinciden con su ingreso en la Sociedad Teosófi ca holandesa. Este corto período de simbolismo llegó a su fi n cuando, tras observar las pri-meras obras cubistas de Picasso y Braque, en 1912 decidió trasladarse a París – autén ca Meca del arte de la época - y adaptar los preceptos del cubismo.

El suave colorido mutaría a una paleta de colores puros aplicados de forma arbitra-

ria. Sus tramas tradicionales pasaron a recibir un trata-

miento an naturalista que acercaría sus trabajos a los

de los expresionistas ale-manes, caracterís cos de la fuerza conceptual del lumi-

nismo, nombre por el que se conoció el divisionismo

en Bélgica y Holanda.

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En poeta Guillaume Apollinaire, importante doctrinario de los principios cubistas, elogió la originalidad de la obra que Piet presenta en la XXIX edición del Salón de los Indepen-dientes. Ese mismo año, el llegó a un acuerdo con la familia de industriales Kröller-Müller, por el cual, a cambio de una cierta can dad de cuadros anuales, recibiría un sueldo fi jo.

Cuando estalló la Primera Guerra Mundial, Piet se encontraba en los Países Bajos, a causa de la enfermedad de su padre. Lejos de París por cuatro años, su obra comenzaría a tran-sitar la etapa de madurez gracias a la infl uencia de personalidades como el teósofo y ma-temá co Schoenmaekers, en cuyos escritos pueden encontrarse algunos elementos de la esté ca de Piet, como la preponderancia de la ortogonalidad o el uso exclusivo de los tres colores primarios. Otro ar sta fundamental para su obra fue el pintor Bart van der Leck, pero para su defi ni vo abandono del cubismo. Paralelamente, Piet conocería al que sería compañero de aventura ar s ca durante algunos años, el agitado Theo van Doesburg, quien le ofrece la posibilidad de publicar sus ideas en la revista que se propone editar, creada en 1917 y bajo el nombre De S jl (El es lo). Con este mismo nombre se conocería luego al grupo de ar stas que se reunieron en torno suyo y sus páginas, para capitalizar el primer trabajo teórico importante de Piet, El nuevo Plas cismo. En ese mismo año, dio

Otro ar sta fundamental para su obra fue el pintor

Bart van der Leck, pero para su defi ni vo abando-no del cubismo. Paralela-mente, Piet conocería al que sería compañero de

aventura ar s ca durante algunos años.

Proceso de simplifi cación formal.

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comienzo al proceso de simplifi cación formal que, hacia 1920, marcaría la caracterís ca trama de líneas ortogonales que enmarcan rectángulos de colores primarios. Pero en 1919 regresó a París en 1919 y, para subsis r, se dedicó a pintar fl ores. No obstan-te, su obra comenzaba a ser valorada, y en 1922, con mo vo del cincuenta aniversario del pintor, sus amigos organizaron una exposición retrospec va en Ámsterdam. En 1925, Piet sin ó traicionados sus principios esté cos por van Doesbrug, cuando éste adoptó la línea diagonal y la bau za con el nombre Elementarismo. Desde ese entonces, rompería toda relación con el ar sta. A la segunda mitad de la década, correspondió la consolidación de la popularidad del pintor, quien era invitado a par cipar en numerosas exposiciones, entre ellas las de los grupos “Cercle et Carré” y “Abstracción et Créa on”. Su fama no le impidió sin embargo seguir volcando sus ideas en ensayos teóricos, como El arte y la vida, publicado en 1930, o Arte plás co y Arte plás co Puro, de 1937.

La cercanía de una nueva guerra provocó el traslado de Piet a Inglaterra en 1938, donde sólo permanecería dos años. En 1940, se dirigió a Nueva York, donde su obra se recargó del dinamismo de la vida urbana y de los ritmos de la música esta-dounidense, factores que implicaron una mayor atención a las posibilidades cons-truc vas del color. Esta ciudad fue la catalizadora del cambio que su pintura había comenzado a experimentar en la década anterior de forma tenue pero palpable, y que quedó plasmado en dos obras esenciales Broadway Boogie-Woogie y Victory Boogie-Woogie. No pudo fi nalizar esta úl ma, debido a una neumonía acaba con su vida el 1º de febrero de 1944.

Las pinturas de Piet muestran una complejidad que negaba su simplicidad aparente. Es principalmente conocido por sus pinturas no fi gura vas a las que llamó composiciones, plagadas deformas rectangulares en rojo, amarillo, azul o negro, separadas por gruesas líneas rectas.

Rafael (1483-1520)

Rafaello Sanzio nació el 6 de abril de1483 en la ciudad de Urbino, Italia. Su padre, Giovani San , era un pintor exitoso y un poeta apreciado en la corte de Federico y Guidobaldo di Montefeltro, señores de la ciudad. Su madre, Magia di Ba sta Ciarla, era hija de un comerciante de Urbino.

También conocido como Rafael de Urbino o simplemente Rafael, creció en el clima ele-gante y tranquilo de la pequeña ciudad de Urbino, que el duque Federico había querido transformar en una moderna capital, donde confl uyeran arquitectos, pintores, literatos y escultores. Animado por su padre, Rafael comenzó a estudiar en su taller, el arte de la pintura, ejercitándose en el dibujo y en la perspec va. Allí realizó sus primeras experien-cias profesionales. A los 8 años, moriría su madre y a los 11, también su padre. Luego de la muerte del padre pasó a ser alumno de Pietro Vanucci, llamado el Perugino, uno de los pintores más renombrados de Florencia, superándolo rápidamente, como pudo apreciar-se en su obra Desposorios de la Virgen. A los 17 años, abandonaría el atelier, ya con el tulo de Maestro que lo habilitaba a ejercer como pintor.

Rafaello Sanzio.

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En el año 1504, llevó a cabo una de sus obras más importantes, La Boda de la Virgen. Para-lelamente, desde ese mismo año y hasta 1508, trabajó fundamentalmente en Florencia, en donde recibió la infl uencia del arte de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Algunos de sus tra-bajos más conocidos de esta época, donde quedó plasmado el es lo de Da Vinci fueron La Virgen Terranova, La Virgen del Granduca, La Virgen de Orleans; mientras que la infl uencia de Miguel Ángel se logró apreciar en El joven con la manzana y La Dama del Liocorno.

Su fama era tal que llegó a extenderse a Roma. En 1508, el Papa Julio II lo convocó para que decorara el Va cano. El nuevo pon fi ce quería borrar todo rastro del Papa Borgia, por lo que Rafael recibió rápidamente el encargo de decorar con frescos la que habría de ser su biblioteca privada. Esta serie de trabajos fue conocida como Estancias del Va cano, siendo de los más famosos de la historia de la pintura. Rafael contaba en ese entonces con sólo 25 años de edad.

Entre 1509 y 1511, Rafael decoró la Estancia de la Signatura, donde pintó las fi guras de la Teología, la Filoso a, la Poesía y la Jus cia en los cuatro medallones de la bóveda, para desarrollar de forma simbólica estos mismos temas en cinco grandes representaciones sobre las paredes: El triunfo de la Eucaris a, La escuela de Atenas, El Parnaso, Gregorio IX promulgando las Decretales y Triboniano remi endo las pandectas a Jus niano. Orga-nizadas con una magistral perspec va lineal, los grupos y fi guras muestran un absoluto equilibrio de fuerzas y una extraordinaria elegancia de líneas.

Los encargos aumentarían a par r de 1514, manteniendo a Rafael entregado enteramen-te plenamente a su arte. Los graves acontecimientos polí cos de los úl mos años habían llevado al Papa a querer ilustrar la intervención divina en favor de la Iglesia en peligro. Para lograrlo, Rafael abandonó el es lo armónico y las tonalidades gráciles de la primera Estancia, para incorporar un es lo mucho más dramá co en la composición y en la elec-ción de los colores para la Estancia de Heliodoro. Mientras terminaba ésta, comenzaba la tercera, la Estancia del Incendio, en la que se representan las gestas de León III y León IV, antecesores del Papa.

A par r de 1518, Rafael se ocupó de la decoración de las Logias del Va cano con pequeñas escenas del An guo Testamento envueltas en paneles de grutescos, aunque también se

Rafael murió prematura-mente el día de su cumplea-ños y un Viernes Santo, el 6 de abril de 1520. Sus restos

descansan en El Panteón en Roma y sobre su tumba

yace este epitafi o: “Aquí yace Rafael, del cual la

naturaleza temía ser venci-da mientras era vivo, mas

ahora que es muerto, teme de morir”.

destacaría como arquitecto para la Basílica de San Pedro, bajo el Papado de León X. En-tre sus obras arquitectónicas se encuentran en Roma, la Capilla Chigi en Santa María del Pueblo, y el palacio Pandolfi ni, en Florencia. Rafael murió prematuramente el día de su cumpleaños y un Viernes Santo, el 6 de abril de 1520. Sus restos descansan en El Panteón en Roma y sobre su tumba yace este epita-fi o: “Aquí yace Rafael, del cual la naturaleza temía ser vencida mientras era vivo, mas ahora que es muerto, teme de morir”. Pintura de Rafaello Sanzio.

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Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt Harmenszoon van Rijn fue pintor y grabador del Barroco holandés, y uno de los más grandes de la historia del arte occidental.Nació el 15 de julio de 1606, en Leiden, Holanda. Su padre era un molinero, pertenecien-te a la clase media holandesa. A pesar del hecho de provenir de una familia con escasos medios, sus padres le procuraron una educación lustrada, por lo que pudo asis r a la Escuela La na y, en 1620, ingresar en la Universidad de Leiden, aunque no se sabe en qué carrera. Un año después, abandonó los estudios universitarios para volcarse enteramente al arte, de la mano de un oscuro pintor llamado Jacob van Swanenburgh, en cuyo taller permaneció por tres años.

Entre 1624 y 1625, se trasladó a Amsterdam para seguir con su aprendizaje en el taller de un pintor de mayor relieve, Pieter Lastman, de quien recibió la infl uencia de Caravaggio y Elsheimer. Posiblemente. En 1625, tras seis meses, volvería a Lei-den, donde inauguró un taller con Jan Lievens, a quien había conocido en el estudio de Lastman. De estos años dató su primera obra conocida, La Lapidación de San Esteban, con importantes caracterís cas caravaggistas. En 1628, y con solamente 22 años, su fama era ya signifi ca va y tenía discípulos a cargo, como Gerrit Dou.

Luego de la muerte de su padre, Rembrandt se trasladó a Amsterdam nuevamente, en 1631, donde tejió buenas relaciones con el marchante Hendrick van Uylemburgh, quien le encomendaría atrayentes encargos de retratos en los, poniendo toda su atención, captó el alma del retratado y los minuciosos detalles de los ves dos, aumentando así su fama y su fortuna. En 1632, llevó a cabo una de sus obras más famosas, La lección de anato-mía del doctor Tulp. Cuando contrajo matrimonio en 1634 con Saskia van Uylemburgh, sobrina de su socio y de cuna adinerada, su situación económica se hizo más próspera aún. Saskia se conver rá en el primer baluarte de su vida, y en la protagonista de variadas obras como el Autorretrato con Saskia o Saskia con sombrero. La década de 1630 estuvo signada por con obras de tópicos religiosos como El sacrifi cio de Isaac o El banquete nup-cial de Sansó.Entre 1635 y 1641, Saskia dio a luz cuatro niños, de los que sólo sobrevivió el úl mo, Ti-tus. Saskia moriría en 1642, por lo que ese año quedaría para el recuerdo de Rembrant. Pintó su cuadro La ronda de noche, la cual fue muy bien recibida por la crí ca. Hendrickje Stoff els, contratada como ama de llaves alrededor de 1649, acabó convir éndose en su concubina y en modelo de muchas de sus obras, como quedaría sellado en Hendrickje en el lecho. No obstante, la ordenada y exitosa vida de Rembrandt, sufrió duros reveses eco-nómicos, llegando incluso a quebrar en 1656. No obstante, dichos cambios no afectaron el arte de Rembrandt, el cual avanzaba, aunque dejando atrás la abundancia barroca para elegir el colorido vibrante y un enorme interés por el detalle. Pasó a crear nuevas repre-sentaciones pictóricas adecuadas a la mentalidad protestante como La cena de Emaús o Cristo y la adúltera. De la década de 1660, se destacaron los encargos como La lección de anatomía del doctor Deyman, Los síndicos del gremio de los pañeros o La novia judía. En todos ellos estuvo presente esa “manera áspera” que caracterizó éstos y algunos anteriores trabajos, en los que la pincelada larga, empastada, era la principal protagonista, sin menospreciar el pa-pel de la luz dorada, con la que consiguió crear efectos ambientales de excelente calidad, tomando como referencias a la Escuela veneciana y Tiziano.

Pasó a crear nuevas re-presentaciones pictóricas

adecuadas a la mentalidad protestante como La cena de Emaús o Cristo y la adúltera.

Rembrandt Harmenszoon.

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Luego de la muerte de Hendrickje en 1663 y su hijo Titus en 1668, Rembrandt fallecería en Amsterdam, el 4 de octubre de 1669 a la edad de 63 años, siendo uno de los mayores maestros y excepcional ar sta de todos los empos.

Rene Magri e (1898-1967)

René François Ghislain Magri e, pintor belga y principal exponente del movimiento surrealista, nació en Lessines, Bélgica, el 21 de noviembre de 1898, aunque su infancia transcurrió en dis ntos lugares a los que fue mudándose la familia. Hijo de un padre sastre, y de una madre modista y sombrerera, sufrió el suicidio de ésta úl ma en 1912, manifestándolo incluso en sus obras de fi nales de los años veinte.

Tras este trágico hecho, se trasladó a Charleroi, donde estudió el bachillerato. Cursó sus estudios de arte en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, ciudad en la que se casaría en 1922 con George e Berger, una amiga de su juventud, modelo e inspira-dora de sus obras.

Hijo de un padre sastre, y de una madre modista y

sombrerera, sufrió el suici-dio de ésta úl ma en 1912, manifestándolo incluso en sus obras de fi nales de los

años veinte.

René François Ghislain Magri e, pintor belga y principal exponente del movimiento surrealista.

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Fue en 1927, también en Brusela, donde se desarrolló su primera exhibición individual. Al año siguiente, par cipó en la primera exposición colec va de los surrealistas en Paris, donde frecuentó el círculo surrealista, en el que se encontraban Jean Arp, André Bretón, Salvador Dalí, Paul Eluard, y Joan Miró. Para entonces, Magri e había ya empezado a pintar en el es lo que predominó a lo largo de su larga carrera, muy cercano al surrealis-mo. Sus obras contenían una asombrosa yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco comunes, dando así un signifi cado nuevo a los sucesos familiares. Este acercamiento se ha denominado realismo mágico, del que Magri e fue el principal exponente ar s co. Una de las muestras que así lo defi nió fue La llave de los campos.

Con el Premio Guggenheim en su haber, otorgado en 1956, decidió visitar Estados Unidos por primera vez en 1965, a la sazón de una retrospec va de su obra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. También exhibiría en muestras similares en París y en Ginebra.Murió el 15 de agosto de 1967, en Bruselas, a los días de haberse abierto una importan-te muestra de su obra en el Museo Boymans Van Beuningen de Róterdam.

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Roy Fox Lichtenstein nació el 27 de octubre de 1923, en la ciudad de Nueva York, Esta-dos Unidos. Fue pintor estadounidense del Pop Art, también ar sta gráfi co y escultor. Es reconocido sobre todo por sus interpretaciones de gran magnitud del arte del cómic.

No obstante su popularidad mundial, entre 1943 y 1948, se registraron dos intentos de ruptura de su es lo, conocidos como Período Renoir y Período Vaché o grosero. El primero estaba integrado por cuadros realizados en un es lo matérico y pictoricista, muy cercanos al es lo de los desnudos femeninos de Renoir en los úl mos años de su carrera. El segundo, lo cons tuyeron obras pintadas de forma elemental, a grandes pinceladas. A pesar de este paréntesis, Magri e regresó inmediatamente al caracte-rís co es lo que hizo iden fi cables sus lienzos desde fi nales de los años veinte.

A pesar de que su familia era de clase media, Roy asis ó a una escuela secundaria privada de Nueva York, pero en la que el arte no fi guraba en el programa. No obs-tante, empezaría a dibujar y a pintar en la soledad de su adolescencia en su casa. Mostró un especial interés por el jazz, frecuentando conciertos en el Apollo Theater, Harlem y en varios clubes de la calle 52. Evocando la admiración a Picasso, comenzó a pintar retratos de músicos de jazz, a menudo tocando sus instrumentos.

En 1949, Roy obtendría el doctorado en Bellas Artes, de la Universidad estatal de Ohio. Allí, un profesor le enseño a abordar el arte de manera organizada. Sus primeras obras de modelos y naturalezas muertas, pertenecieron al expresionismo abstracto pero, al con-cluir sus estudios y volver de la guerra, se concentró en abstracciones geométricas segui-das de pinturas semi abstractas infundidas por el cubismo. En el mismo año, se casó con Isabel Wilson, de la Carlebach Gallery. Cuando se trasladó a Cleveland, trabajó de dibujante gráfi co y mecánico, decorador de vidrieras, diseñador de chapas metálicas. Llegarían sus hijos, David Hoyt Lichtenstein y Mitchell Wilson Lichtenstein, al empo que era nombrado ayudante de la cátedra de arte en la Universidad Estatal de Nueva York, Oswego.

Es reconocido sobre todo por sus interpretaciones

de gran magnitud del arte del cómic.

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Desde 1957, comenzaría a probar con personajes de los cómics que hallaba en los envol-torios de chicles, a las cuales los interpretaba libremente, mezclándolos con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro ar sta estadounidense, Frederick Reming-ton. Gracias a su estadía en Nueva Yersey - donde conoció a Allan Kaprow, quien lo inició en los happenings y ambientes – pudo acceder a Claes Oldenburg, Robert Wa s, Jim Dine, Robert Wa s, Jim Dine, Robert Whitman, Lucas Samara y George Segal, ar stas que reavivaron su interés por la imaginería protopop.A par r de 1961, se dedicó por completo a producir pinturas pop, mediante imágenes comerciales de producción masiva. Sus his-torietas de cómics, como Good Morning, Darling de 1964, son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, repro-ducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y bri-llantes que se usaban para imprimirlos. Roy tuvo la oportunidad de ver la obra de Andy Warhol, quien también pintaba cómics en la Castelli Gallery (luego esta galería recha-zaría a Warhol y aceptaría a Roy).Hacia 1964, y a su regreso a Nueva York, realizó una exposición retrospec va en el Pasadena Art Museum. Esta exposición se presentaría también en Ámsterdam, Min-neapolis, Londres, Berna y Hannover. A este período, donde se dedicó a las pintu-ras modernas con imaginería de los años treinta, correspondió su nuevo matrimonio con Dorothy Herzka. Fue en 1969 cuando experimentó cinematográfi camente, cuando se emplea con Joel Freedman de las Cinneamon Produc ons. Diez años más tarde, la Fundación Nacional para las Artes le encargó una escultura pública denominada Sirena, de unos tres metros de acero y hormigón, para el Theater of the Performing Arts, Miami Beach, Florida. Tam-bién fue elegido miembro de la American Academy and Ins tute of Arts and Le ers. En 1983, Roy pintó el Mural de Greene Street 142, Nueva York. Sus úl mas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy conocidos de la novela román ca, los paisajes elegantes y las copias de postales de templos clásicos, mostraron la infl uencia de Henri Ma sse y Pablo Picasso.Roy falleció el 29 de sep embre de 1997, año en el cual algunas de sus pinturas fueron animadas y exhibidas en el PopMart Tour, gira musical organizada por el grupo irlandés U2, alrededor del mundo. Acompañaron también a este espectáculo, obras de Andy War-hol y Keith Haring, entre otros.

Roy falleció el 29 de sep- embre de 1997, año en el

cual algunas de sus pinturas fueron animadas y exhibi-

das en el PopMart Tour, gira musical organizada por el

grupo irlandés U2, alrede-dor del mundo. Acompaña-ron también a este espectá-culo, obras de Andy Warhol y Keith Haring, entre otros.

Ampliaciones de los personajes de los dibujos animados.

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Salvador Dali (1904-1984)

Nació el 11 de mayo de 1904, en el pueblo de Figueres, Girona, España, como Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí. Fue pintor español, perteneciente al movimiento surrealista.

Hijo de Salvador Dalí i Cusí, notario y abogado de clase media, y Felipa Doménech, dama sensible afi cionada a los pájaros, llegó al mundo tres años después de la muerte de su hermano causada por una meningi s cuando sólo contaba siete años. El nombre que le pusieron, Salvador, es el mismo que tenía su hermano, de quien parece el gemelo. El niño enfermo es el tulo de su primer autorretrato, cuando sólo tenía diez años. Poco después de esta realización, comenzó su primer curso de dibujo con Juan Núñez de quien le enseñó la técnica del claroscuro.

En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, Madrid, de donde fue expulsado en 1926, primero por ser acusado de haber par cipado en una revuelta anar-quista en 1923 y, luego de ser readmi do, en 1926, de forma defi ni va por considerarlo excéntrico. Se cuenta que cuando en un examen le pidieron que hablase sobre Rafael, Dalí respondió al tribunal: “Me es imposible hablar de ese sujeto delante de los tres pro-fesores, porque yo sé mucho más sobre de Rafael que todos ustedes reunidos.” Dalí había compar do muchos momentos en la Residencia de Estudiantes de Madrid durante esos años, donde se relacionó con Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rafael Alber , José Mo-reno Villa y otros ar stas.

En 1921 ingresó en la Es-cuela de Bellas Artes de San Fernando, Madrid, de don-de fue expulsado en 1926,

primero por ser acusado de haber par cipado en una

revuelta anarquista en 1923 y, luego de ser readmi do,

en 1926, de forma defi ni va por considerarlo excéntrico.

Salvador Dali.

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En 1929, Dalí conoció a Picasso en París, gracias a quien se adhirió al surrealismo, aunque los miembros principales del movimiento lo expulsarían por sus tendencias polí cas de-rechistas. Para esa época, también entró en contacto con García Lorca, con quien supo mantener una amistad muy cercana hasta 1936. García Lorca fue su primer “gran amor ar s co”. También en esa época, conocería a Sigmund Freud. Quizás por esto úl mo, se en enda por qué la producción de ese entonces se basó en su método paranoico-crí co, representando imágenes oníricas y objetos co dianos compuestos en formas impensadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La persistencia de la memoria, de 1931.

También en 1929, Dalí conoció a Helena Diakonova o también conocida como Gala, com-pañera del poeta surrealista Paul Eluard, a quien vio por primera vez en la terraza del hotel Miramar, en Cadaqués, junto a su marido. Se iban a encontrar a la mañana siguiente, en la playa. Para aquella cita, Dalí decidió prepararse para el encuentro de una manera total-mente simbólica: se arremangó la ropa para hacer resaltar el bronceado, se puso al cuello un collar de perlas y en la oreja un geranio rojo, y, con la sangre producto de una herida al afeitarse, se untó el cuerpo con su propia sangre, a la que agregó una emulsión de cola de pescado, es ércol de cabra y aceite. Inmediatamente, y profundamente enamorados, se iban a vivir juntos. Desde aquel momento, Gala sería para Dalí amante, amiga, inspiración y arque po, haciendo su primera aparición de perfi l, en El gran masturbador, de 1929.

Justo con el inicio de la Segunda Guerra Mundial, Salvador Dalí y Gala se establecieron, desde 1934 y durante unos años, en Estados Unidos. Allí, la pintura de Dalí, de es lo realista y alucinador, tuvo excelente repercusión. Escribió Vida secreta de Salvador Dalí y también trabajó para el cine, el teatro, la ópera y el ballet. A la siguiente década, perte-necieron obras importantes como Autorretrato blando con beicon frito, La cesta de pan, Leda atómica y La Madonna de Portlligat. Conver do en uno de los pintores más famosos del momento, en 1948 volvió a vivir a Europa y realizó largas estancias en su casa y en el taller de Portlligat.

Finalmente, moriría el 23 de enero de 1984, a los 84 años de edad. Su cadáver

fue embalsamado y sepul-tado en una tumba bajo la

cúpula geodésica que domi-na su museo en Figueres.

Es lo realista y alucinador, tuvo excelente repercusión.

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En 1948, Dalí regresó a España, fi jando su residencia de nuevo en Por ligat y hallan-do en el régimen del general Franco toda po de suertes. La religión, la historia y la ciencia invadieron, cada vez más, la temá ca de muchas de sus obras durante los años cincuenta y sesenta; incluso, fueron de gran formato. Durante estos años pintó obras muy conocidas, como Cristo de San Juan de la Cruz, Galatea de las esferas, Corpus Hipercubicus, El descubrimiento de América por Cristóbal Colón y La úl ma cena. Y en los setenta, dio a luz al Teatro-Museo Dalí en Figueres.

Después de vivir durante muchos años en Portlligat, cuando murió su esposa Gala se tras-ladó unos años al Cas llo de Púbol y pasó la úl ma época de su vida en la Torre Galatea de Figueres, cerca del Teatro-Museo Dalí. Finalmente, moriría el 23 de enero de 1984, a los 84 años de edad. Su cadáver fue embalsamado y sepultado en una tumba bajo la cúpula geodésica que domina su museo en Figueres.

Sandro Bo celli (1445-1510)

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, más conocido como Sandro Bo celli, fue pintor fl oren no del Qua rocento, desarrollador de un es lo muy personal, caracterizado por la originalidad de su trazo, su carácter melancólico y la marcada expresión de sus trazos. Bo celli nació el 1º de marzo de 1445, en Florencia, Italia, y era el menor de los cuatro hijos del matrimonio formado por Mariano di Vanni di Amedeo Filipepi, cur dor, y su esposa Esmeralda. Fue en un principio aprendiz de orfebre con su hermano Antonio, en 1458. Luego, su padre lo enviaría al taller de Fray Filippo Lippi, en Prato, desde 1464 a 1497. De este pintor recibiría Bo celli sus mayores infl uencias. Trabajó luego con el pin-tor y grabador Antonio del Pollaiuolo, del que aprendió el dominio de la línea y también recibió gran infl uencia de Andrea del Verrocchio.

Hacia 1470, Bo celli ya contaba con su propio taller. Dedicó casi toda su vida a tra-bajar para las grandes familias fl oren nas, especialmente los Médicis, para los que pintó retratos, entre los que sobresalió su Retrato de Giuliano de Medici, de1475-1476 y La adoración de los Magos, de 1476- 1477, obra que, si bien no fue solicitada por los Médicis, representaba a los personajes con rasgos muy parecidos a los de dicha familia. Era toda una novedad en aquella época realizar obras de gran forma-to que no fueran de temá ca religiosas. El hecho de pertenecer al esplendoroso círculo intelectual y ar s co de la corte de Lorenzo de Médicis, hizo que recibiera el neoplatonismo cris ano de ese ambiente, que pretendía conciliar las ideas cris- anas con las clásicas.

Esa síntesis quedó expresada en La primavera y en El nacimiento de Venus, dos obras posteriores a 1482 y realizadas para una de las villas de la familia Médicis. Posiblemente estas obras fueran las más conocidas de Bo celli. Los correspondientes personajes for-maban esquemas lineales abstractos bañados por una suave luz dorada, y podían haber representado a Venus como símbolo del amor tanto cris ano como pagano. Dentro de este ámbito profano, también brilló la serie de cuatro cuadros Nastapio degli Hones , donde recreó una de las historias del Decamerón, de Bocaccio. Pero dentro de la pintura religiosa de Bo celli de las décadas del ochenta y noventa, estaban las tablas de Vírgenes, como La Virgen escribiendo el Magnifi cat, La Virgen de la

Sandro Bo celli.

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granada, La coronación de la Virgen y Virgen con el niño y dos santos. Fuera de esta serie, se destacaron su obra San Sebas án y un fresco sobre San Agus n. En 1481, Bo celli fue llamado a Roma para decorar la Capilla Six na del Va cano, junto con otros tres grandes maestros. Esto hacía suponer que ya gozaba de un gran pres gio. Allí pintó los frescos Las pruebas de Moisés, El cas go de los rebeldes y La tentación de Cristo.

Cuando los Médicis fueron expulsados de Florencia, en la década del noventa, y el monje dominico Girolamo Savonarola optó por predicar la sobriedad y la reforma, Bo celli su-frió una crisis religiosa. Moriría el 17 de mayo de 1510, dejando obras como La Pietá, La Na vidad mís ca y La Crucifi xión mís ca, que mostraban un fuerte fervor religioso, pero también una retracción en el desarrollo de su es lo. Empañado por los grandes ar stas del siglo XVI italiano, Bo celli fue ignorado durante siglos, hasta el restablecimiento de su fi gura y de su obra a mediados del siglo XIX.

Bo celli sufrió una crisis religiosa. Moriría el 17

de mayo de 1510, dejan-do obras como La Pietá,

La Na vidad mís ca y La Crucifi xión mís ca, que

mostraban un fuerte fervor religioso, pero también una

retracción en el desarrollo de su es lo.

Pintura de Sandro Bo celli.

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Vincent Van Gogh (1853-1890)

Vincent Willem van Gogh nació el 30 de marzo de 1853, en Groot-Zundert, Holanda. Fue el mayor de seis hermanos e hijo de Theodorus van Gogh, un pastor protestante, y de Anna Cornelia Carbentus. Con su hermano Theo, cuatro años menor que él, mantendría una relación que sería determinante tanto en su vida personal como ar s ca. Fue el ma-yor exponente del posimpresionismo, dejando un legado de 900 cuadros y 1600 dibujos.

Dejó los estudios de manera defi ni va a los 15 años, y, en 1869, entró a trabajar como aprendiz para una casa de subastas de arte, Goupil & Cie., fundada por su o Vincent. En 1873, le propusieron el traslado a Londres, para el suministro de obras de arte direc-tamente a los comercios de esta ciudad. En mayo de 1875 fue des nado a París, donde creció su amor por el arte. Tras un rechazo amoroso, se volvió cada vez más solitario, hasta que en 1878 se vio impulsado por la necesidad de entregarse a sus semejantes, y tras intentar estudiar teología, decidió sa sfacer su vocación uniéndose a los mineros de la Borinage. En este período realizó una serie de dibujos de los mineros. En 1880, sería despedido de la galería de arte, hecho que hizo que descubriera que la pintura era su verdadera vocación, considerándola una vía para consolar a la humanidad.

Van Gogh comenzó a pintar apasionadamente, rellenando álbumes con copia del natural. También le marcó mucho el barroco holandés, y cul vó temas de clases populares. En esta etapa, puso de manifi esto con claro realismo la vida co diana de los desprotegidos, acercándose con dignidad a una situación de abandono social. Sus gamas eran oscuras, los entornos pobremente iluminados y con tensiones de luces y sombras. Su punto de par da lo habría encontrado en pintores realistas franceses como Courbet, Daumier, Millet.

Van Gogh comenzó a pintar apasionadamente, rellenando álbumes con copia del natural.

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En 1885 se trasladó a Amberes por lo que se familiariza con la pintura de Rubens y Frank Hals. En 1886 se dirigió a París, atraído por Impresionismo del que tanto le había hablado su hermano Theo, quien le presentó a Pissarro, Seurat y Gauguin. El descubrimiento del Impresionismo supuso en nuestro ar sta una gran decepción y un duro golpe porque es ahora cuando se daba cuenta de que su pintura no tenía vigencia. Su paleta se tornó defi -ni vamente colorista y su visión, menos tradicional, dando forma a su personal visión del pos mpresionismo. Por lo general usaba colores puros en pincelada de pequeños toques que recordaba al Pun llismo.

Van Gogh se inscribiría luego en el Taller de Cormont, donde conocería a Bernard, Lau-trec y Gauguin. Animado por Lautrec, marchó en 1888 a Arlés. Alquilaría la famosa Casa

Van Gogh.

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Amarilla, donde pensó establecer el refugio de sus amigos, los “impresionistas del sur”. Durante ese periodo en el que vivió en Arles, empezó a u lizar las pinceladas ondulan-tes y los amarillos, verdes y azules intensos, relacionados con obras tan conocidas como Dormitorio en Arles y Noche estrellada. Son también de esta época Descargadores en Arles y Les Vessenots en Auvers. Pero este equilibrio logrado, cambiaría en la Navidad de 1888 cuando Gauguin fue invitado por Van Gogh a pasarla en su casa. Surgirían discrepan-cias y roces entre ellos. Gauguin se burlaba de la ingenuidad de Van Gogh y cri caba su modo de pintar, asegurando que los verdaderos temas eran aquellos que se terminaban en taller y no al aire libre, hasta que el 23 de diciembre estallaría la gran crisis. Van Gogh, cansado de las agresiones de Gauguin, intentó las marlo con una navaja de afeitar, pero, sin embargo, su gran resen miento lo llevó a cortarse la oreja. Este habría sido el primer síntoma de su desequilibrio mental.En mayo de 1889, ante el temor de perder la posibilidad de trabajar, solicitó ser internado en un manicomio de Saint Rémy. Allí, permaneció un año alternando la confusión con momentos de tranquilidad. En ningún momento dejó de pintar. Las obras de este periodo evidenciaron sus tensiones y desequilibrios. Los temas frecuentes fueron trigales y cipre-ses. Las llamaradas oscuras y la pincelada crispada y nerviosa mostraban su lucha inter-na. La naturaleza elegida presentaba sobresaltos, con escabrosos accidentes de terreno. Predominaron las visiones sombrías y tristes que deformaban la realidad. También realizó copias de los grandes maestros a par r de grabados en blanco y negro. Su encierro no le impidió realizar algunas de sus obras más importantes. Más tarde pasaría tres meses en Auvers para someterse a un tratamiento homeopá co, dirigido por un médico y afi ciona-do pintor, a quien luego retrataría en El doctor Paul Gachet. Vincent van Gogh sufrió muchos problemas sicos debido, en parte, a la pobreza y a la desnutrición. Sus dos hermanos murieron jóvenes y su hermana, Wilhelmina, pasó gran parte de su vida en un asilo mental. Inmediatamente después de acabar su alarmante Cuervos sobre el trigal, Van Gogh se disparó un ro en el estómago el 27 de julio de 1890, arrastrándose hasta su casa donde murió dos días después en brazos de su hermano Theo. “Yo arriesgué mi vida por mi trabajo, y mi razón siempre fue menoscabada”: estas fueron las palabras que escribió en su úl ma carta encontrada en su bolsillo el 29 de julio.

Wassily Kandisky (1866-1944)

Nació en Moscú el 4 de diciembre 1866, en Moscú, Rusia, en el seno de una familia de buena posición económica. Ar sta y teórico ruso, aunque luego nacionalizado alemán y francés, es considerado el padre del arte abstracto, recorriendo varias corrientes como el impresionismo naturalista, el fauvismo, el expresionismo y la abstracción.

Aprendió pintura y dibujo en Odessa, y Derecho y Economía en la Universidad en Moscú. En Estonia se hizo cargo de una cátedra, pero en 1986, a sus treinta años, abandonó la docencia para irse a Munich a estudiar arte en la Academia. Asis ó a las clases de Stuck, en las que entró en contacto con Paul Klee, con quien manten-dría una sincera y larga amistad.

En 1901 fundó el grupo Phalanx, el cual quería dar a conocer la pintura francesa de van-guardia en la ciudad alemana. Su interés por el color estuvo presente desde el comienzo de su carrera, y en sus primeras obras se contemplaba la infl uencia del pos mpresio-

Vincent van Gogh sufrió muchos problemas sicos debido, en parte, a la po-breza y a la desnutrición.

Wassily Kandisky.

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nismo, el fauvismo y el Jugends l alemán. Entre 1903 y 1908, Kandisky viajó por Italia, Holanda, Túnez y París, lugares que le dieron la posibilidad de conocer a ar stas como Alexei Jawlensky, Paul Klee y Gabriele Münter, una pintora con la que mantuvo una rela-ción amorosa hasta 1914. Fue en este período en el que pintó cierta can dad de paisajes alpinos, para culminar, a fi nales de 1910, con la conquista defi ni va de la abstracción.En 1909, Kandisky fundó la Nueva Asociación de Ar stas de Munich, conocida por sus siglas en alemán como NKVM, con Jawlensky, Kubin y Münter, entre otros. En 1911, luego de renunciar a la NKVM, creó, junto con Klee, Marc y Macke el grupo Der Blaue Reiter (El Jinete Azul). Durante ese periodo realizó tanto obras abstractas como fi gura vas; y hacia 1913 comenzó a trabajar en su totalidad en obras abstractas dentro del arte moderno, las primeras inspiradas en el mundo de la música, de donde tomó los tulos de Composición VII, Composición VIII y Composición IX, entre otras más.

En 1914, con el estallido de la Primera Guerra Mundial, regresó a su país, donde ocupó importantes cargos en el Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. Estas ges ones le permi ó la creación de museos por todo el país, así como de programas de enseñanza ar s ca. En 1917, contrajo matrimonio con Nina Adreevsky, su segunda y úl ma esposa, con quien, cuatro años más tarde, se trasladó con ella a Ale-mania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde con nuaría como profesor del Taller de Pintura Decora va hasta poco antes de su disolución. Luego se instalaría en forma defi ni va en Francia, donde falleció el 13 de diciembre de 1944.

En 1917, contrajo matrimo-nio con Nina Adreevsky, su

segunda y úl ma esposa, con quien, cuatro años más tarde, se trasladó con ella a Alemania para incorporarse

a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde

con nuaría como profesor del Taller de Pintura Decora-

va hasta poco antes de su disolución. Luego se insta-

laría en forma defi ni va en Francia, donde falleció el 13

de diciembre de 1944.

En 1909, Kandisky fundó la Nueva Aso-ciación de Ar stas de Munich.

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Alberto Giacome

Fue un pintor y escultor suizo que nació el 10 de octubre de 1901 en la localidad de Stampa. Al ser su padre Giovanni un pintor impresionista, Alberto creció en un ambiente ar s co. Se mudó a Ginebra donde inició cursos de dibujo y plás ca en la escuela de Artes y Ofi cios. Luego se trasladó a la ciudad de París para con nuar con los cursos de escultura de Antoine Bourdelle en la Academia de Grand Chaumière. Fue allí donde probó con el ámbito cubista, pero sin embargo, le llamó más la atención el movimiento surrealista. Formó parte de ese úl mo grupo entre los años 1930 y 1935. Esa idea surrealista del sim-bolismo de los objetos la muestra en sus obras de ese período.

A principios de la década de 1940, Giacome desplegó su es lo más pico y ca-racterís co abandonando el surrealismo y volviendo al arte fi gura vo. Es allí donde comienza a mostrar sus fi guras humanas alargadas y de apariencia nerviosa, de superfi cie áspera y muy delgadas, por lo general de tamaño natural, que pueden estar personifi cadas solas o en grupo.

Este escultor suizo se ha conver do, gracias a esas obras, en uno de los ar stas más origi-nales del siglo XX. También, en sus pinturas, ha querido mostrar una imitación de la fi lo-so a existencialista aparentando la soledad y el aislamiento del hombre, caracterizadas por fi guras rígidas y frontales simbólicamen-te aisladas. El máximo representante de esta tendencia, el fi lósofo Jean Paul Sartre, reco-noció en la obra de Giacome algunas de sus ideas y escribió sobre ella. Su hermano Diego fue representado en nume-rosas esculturas, pinturas y dibujos de Alberto, ya que su familia y sus amigos eran sus mode-los preferidos a la hora de dejar su huella.Alberto Giacome falleció el 11 de enero de 1966 en Coira, Suiza. Escultura Alberto Giacome .

Alessandro Algardi Escultor italiano nacido en Bolonia el 31 de Julio de 1595. Desarrolló en Roma gran parte de su obra, caracterizada por una orientación clasicista y con apreciables infl exiones ba-rrocas, atraído por Rafael y sensible a las enseñanzas de Bernini, tras pasar su etapa de formación en Bolonia, Mantua y Venecia.Si bien en un principio se dedicó a la pintura, su ap tud para la escultura lo hizo trabajar para Giulio Cesare Conven , un ar sta de modesto talento. El San Felipe Neri y el Ángel para la iglesia de Santa María del Popolo, en Roma, como La degollación de San Pablo para San Paolo de Bologna, fueron grupos escultóricos en mármol que Algardi realizó.En 1644 sucedió a Gian Lorenzo Bernini como escultor pon fi cio, le encargaron la cons-

Alberto Giacome .

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trucción de la Villa Doria-Panfi li y realizó un gran bronce hierá co del papa Inocencio X, obra que se encuentra actualmente en los Museos Capitolinos.La tumba del papa León XI la terminó en 1652, y un año más tarde hizo un enorme panel el alto relieve de mármol representando al papa San León deteniendo el avance A la para la Basílica de San Pedro en Roma. Esa obra fue muy admirada en ese momento y revitalizó el uso de semejantes relieves de mármol.Alessandro Algardi murió el 10 de junio de 1654, a los 59 años de edad, en Roma, Italia.

Amedeo Modigliani

Nace en la ciudad italiana de Livorno el 12 de julio de 1884. Ciertas circunstancias extre-mas hicieron de él una leyenda de la bohemia París de principios de siglo, ciudad donde Modigliani experimentó la vida ar s ca. Comenzó a estudiar pintura con el ar sta livor-nés Guglielmo Micheli, alentada por su madre Eugenia Garsin, una mujer sensible que siempre lo es muló para que siguiera la carrera de pintor.

La tumba del papa León XI la terminó en 1652, y un

año más tarde hizo un enor-me panel el alto relieve de mármol representando al

papa San León deteniendo el avance A la para la Basí-lica de San Pedro en Roma. Esa obra fue muy admirada

en ese momento y revitalizó el uso de semejantes relie-

ves de mármol.

Alessandro Algardi.

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Para 1899 decide renunciar defi ni vamente a los estudios regulares para dedicarse exclu-sivamente a la pintura. En 1900 sufre una lesión pulmonar, probablemente causada por el fus que había padecido dos años antes, y cae enfermo. Ya recuperado, en 1902, viaja a Nápoles, Capri y Amalfi ; después a Roma, Florencia y Venecia. Ese mismo año también se inscribe en la Escuela Libre de Florencia, dirigida por Fa ori. Luego conoce a Boccini y Soffi ci en Venecia, localidad donde se trasladó en 1903.

Por la época del centro de la vanguardia, en 1906, se traslada a París, donde fre-cuenta la Academia Colarossi y entabla una amistad con Utrillo y Severini. En el Bateau-Lavoir en Montmartre, su lugar de residencia, conoce a Picasso, Gauguin, Toulouse-Lautrec, personajes célebres que en esos primeros momentos infl uyen en su obra. Conoce un año más tarde al doctor Paul Alexandre, quién se conver rá en su protector y lo convence para que se inscriba en el Salón de los Independientes.

Durante el verano y la primavera de 1909, Amedeo trabaja incansablemente en nu-merosas esculturas. Su salud se ve afectada por el exceso de trabajo, el alcohol y la es-casa alimentación, y es por eso que regresa a Livorno. Allí pinta El mendigo de Livorno, cuadro que expresa su simpa a por los humillados y marginados; aunque él pro-viene de una familia acomodada, en París vivió como un excluido. Dicha obra es una interpretación de un an guo cuadro que se encontraba en su casa familiar. Vuelve a París unos meses después y alqui-la un estudio al lado de Constan n Brancu-si, con quien comienza una gran amistad. En el Salón de los Independientes (1910) exhibe seis obras con un mucho éxito; una de ellas fue El violonchelista, en la cual se advierte la infl uencia de Cézanne. Se con-sidera así mismo más escultor que pintor; cuando el poeta Guillaume Apollinaire le vende algunos cuadros.

Su evidente admiración por Toulouse-Lautrec se ve refl ejada en uno de los pocos cuadros (1908) que han sobrevivido de su primera llegada a París. En él manifi esta la cabeza de una joven mujer, obra que también se encuentra cercana a los expresionistas alemanes por sus líneas gruesas que perfi lan la fi gura y los labios rojos bien marcados. Aunque esta cercanía no puede darse ya que muy pocos expresionistas alemanes habían expuesto en París para esas fechas.Un año después fue el encargado de realizar los retratos de la familia Alexandre, el del doctor Paul Alexandre fue uno de ellos. Delante del cuadro tulado La Judía, también propiedad de la familia, es donde aparece representado.

Viaja con su a Laura a Normandía en 1911 donde presenta sus esculturas y dibujos de cariá des. En 1912 expone nuevamente en el Salón de los Independientes, esta vez escul-turas. Además, es de ese mismo año El desnudo sentado, obra donde quedan defi nidas

Un año después fue el en-cargado de realizar los retra-

tos de la familia Alexandre, el del doctor Paul Alexandre

fue uno de ellos. Delante del cuadro tulado La Judía,

también propiedad de la familia, es donde

aparece representado.

Amedeo Modigliani.

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las caracterís cas inconfundibles de los desnudos femeninos. Son picos de Modigliani, los torsos pintados de manera más o menos naturalista, casi de cuerpo entero y sin ele-mentos decora vos que acompañen la fi gura o la escondan.

Cuando en 1913 pinta varios desnudos con modelos, Amedeo comienza a tener proble-mas con el alcohol. Al año siguiente, a través de Max Jacob, conoce a Paul Guillaume, un marchante de arte francés que empieza a comprarle casi toda su producción y le facilita un estudio en la calle Ravignan. Se relaciona con la poe sa y periodista, Beatrice Has ngs, a quién retrata numerosas veces.

Paul Guillaume organiza una exposición, en 1915, en el número 6 de la calle Huyg-hens, ahí par cipan Amedeo Modigliani, Kisling, Ma sse y Picasso. Conoce luego al poeta y marchante de arte polaco Léopold Zborowski. Ar stas como Apollinaire, Salmon o Cocteau, y coleccionistas tales como Descaves, Ne er o Lavel, comienzan a reconocer la obra de Modigliani. En 1917 la escultura ucraniana Chana Orloff le presenta a Jean Hébuterne, la mujer que será su compañera hasta la muerte. El 3 de diciembre de ese mismo año se celebra su primera exposición en la galería de Berta Weill, pero horas después la policía la cierra por indecencia, re ra cinco desnudos por ofensas al pudor, lo que no le permite vender ningún cuadro.

Sin embargo, fue un año de una intensa producción. Sus obras de desnudos pusieron en manifi esto la perfecta comunión espiritual entre el ar sta y sus modelos.

Retrato de Beatrice Has ngs - 1916.

Cuando en 1913 pinta va-rios desnudos con modelos,

Amedeo comienza a tener problemas con el alcohol.

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Nace su hija Jeanne en 1918 y pasa una temporada con su esposa y su beba en las ciuda-des de Niza y Cannes. Luego de un año regresa a París donde ya comienza a ser un reco-nocido pintor es mado por sus colegas. Su salud empeora y aunque él es consciente de eso no deja de beber. Expone en Londres en la Hill Gallery. En 1919 retrata, en uno de sus úl mos cuadros, a su esposa Jeanne Hebuterne embarazada con ternura y comprensión. Amedeo Modigliani muere el 24 de enero de 1920 a causa de una meningi s tuberculosa. Dos días más tarde, Jeanne Hébuterne es llevada a casa de sus padres y se suicida rán-dose desde la ventana de un quinto piso.

Desnudo rojo con los brazos abiertos (1917, Kunsthaus, Zúrich), uno de sus múl ples des-nudos, derrama una sensualidad lánguida y complacida; la línea que perfi la los cuerpos es su l, melodiosa y elegante. Los ojos almendrados de los rostros dotan a las fi guras de una mórbida melancolía que recuerdo a Bo celli.

A Modigliani se lo catalogó en muchas ocasiones como expresionista, califi ca vo un poco di cil de dar a lo que él representaba. Paul Cézanne, un pintor francés pos mpresionista, fue el ar sta que más admiraba; aunque nunca se interesó por interpretar la naturaleza, solo pintó tres paisajes y no se le conoce ninguna naturaleza muerta. La vanguardia y su infl uencia no fueron determinantes a la hora de crear su es lo caracterís co.Enlaza sus personajes femeninos con las imágenes de los cuadros de El Parmigianino, a su vez que el canon alargado de sus fi guras evidencia el gusto por el manierismo. La marca que dejó sobre Amedeo el descubrimiento del arte africano, que conoció gracias a su amigo Brancusi, se ve plasmado en la es lizada geometrización de las formas que él advierte en sus cuadros.

El arte primi vo se manifi esta especialmente en sus esculturas. En una única escultura que llevó a cabo entre 1913 y 1914, y que se conserva en el Museo de Arte Modernos de Nueva York, concentra numerosos esbozos y dibujos preparatorios de las Cariá des, una fi gura femenina esculpida. Esa prác ca escultórica fue la que determinó la confi guración de su pintura. Tallando di-rectamente la piedra era el único que modo que Modigliani entendía para hacer una escultura. Por eso en muchas ocasiones, él se sin ó más escultor que pintor.Han sobrevivido alrededor de vein cinco estatuas que no se adaptan ni al cubismo ni al futurismo, las dos tendencias predominantes de esa época. En ellas se puede ver un alto grado de sen do plás co, una solidez en las formas y una tendencia hacia el ritmo y la esquema zación, que también son caracterís cas en sus pinturas.

El retrato y los desnudos fueron los temas de la obra de este pintor italiano. Entre los años 1915 y 1920, año de su muerte, realizó su obra más importante, fundada mayoritariamente por retratos y desnudos femeninos. Los retratos fueron por lo ge-neral de amigos y personajes conocidos como Max Jacobs (1916) o Jacques Lipchitz y su mujer (1917), pero frecuentemente representan a personajes anónimos como La criadita (1916).

Los Esposos- 1916.

Han sobrevivido alrededor de vein cinco estatuas que

no se adaptan ni al cubis-mo ni al futurismo, las dos tendencias predominantes

de esa época.

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Antonio Canova

Fue el escultor italiano de mayor éxito y el que ejerció mayor infl uencia entre los inte-grantes del movimiento Neoclásico, superando incluso a Thorvaldsen y Flaxman en fama y pres gio internacional. Nació en Possagno, cerca de Treviso, el 1 de noviembre de 1757. Su carrera la comenzó como cantero y a la escultura empezó a dedicarse una vez que se trasladó a Venecia en el año 1768.En su obra Dédalo e Ícaro de 1779, muestra un es lo vivo y naturalista, pero luego de instalarse en Roma en el año 1781, su expresión se hizo más grave y profundamente con-tagiada por la infl uencia de la An güedad.

Su obra más importante en Roma fue Teseo vencedor del Minotauro (1783), a la que inmediatamente le siguió el pres gioso encargo de la tumba del papa Clemente XIV en los Santos Apóstoles (1783-1787). A par r de ese momento, Canova nunca miró hacia atrás, decidió esforzarse y perfeccionar aún más su producción. Estable-ció un gran taller y trabajó para una generación de personajes notables, entre los que se destacan, Napoleón, el duque de Wellington y Catalina la Grande de Rusia. Canova fue el encargado de reproducir los bustos de otros miembros de la familia Bonaparte, como el de Paulina Borghese, la hermana de Napoleón, bajo el aspecto de Venus victoriosa en 1807. Una escultura de mármol equivalente a la Madame Récamier de David fue una de sus obras más célebres.

Canova fue enviado a París, donde trabajó mucho para la corte pon fi cia, y en 1815 actuó como representante del papa para pedir la devolución de las obras de arte saqueadas por Napoleón. En sus viajes por París y Londres fue muy agasajado, tanto que en 1816 el papa creó para Canova el tulo de marqués de Ischia.

Después de eso volvió a Possagno, donde puso un taller que hoy por hoy es un museo dedicado a su fi gura. Su generosidad con los escultores jóvenes fue muy infl uyente y re-nombrada. Se hundió en desgracia durante la época román ca, cuando su obra era con-sideraba fría y está ca, pero en el siglo XX su reputación revivió ampliamente. En sus obras le dio una gran importancia al tratamiento personal de los materiales, lo que hizo que fuera mucho más individual que la de la mayoría de los neoclásicos coetáneos. El 13 de octubre de 1822 Antonio Canova muere en Venecia.

En su obra Dédalo e Ícaro de 1779, muestra un es lo vivo y naturalista, pero lue-

go de instalarse en Roma en el año 1781, su expresión

se hizo más grave y profun-damente contagiada por la

infl uencia de la An güedad.

Antonio Canova.

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Auguste Rodin

Fue un escultor francés contemporáneo a la corriente Impresionista que nació en París el 12 de noviembre de 1840. Fue alumno de Jean-Bap ste Carpeaux en la Escuela de Artes Decora vas y de Antoine-Louis Barye en el Museo de Historia Natural, dos escultores a los cuales admiró y en quienes, en cierta medida, se inspiró. Debido a sus humildes orígenes, se vio obligado a ganarse la vida como ayudante de decoración, relacionando el trabajo profesional con su dedicación a la escultura.

En el Salón de 1864 presentó su primera obra, El hombre de la nariz rota, que fue re-cibida con desprecio por parte del público. Trabajó varios años al servicio del empre-sario Albert Carrier-Belleuse en la decoración del frente de la Bolsa de Bruselas, y en 1875 inició un viaje a Italia para conocer la obra de Miguen Ángel. La edad de bronce, presentada en el Salón de 1877, fue el resultado de su familiaridad con el genio rena-cen sta. La obra desagradó profundamente por su impresionante realismo.

Cuando presentó en el Salón de 1880 un yeso de San Juan Bau sta predicando, muchos ar stas lo ponderan y deciden fi rmar una carta pidiendo el reconocimiento para Rodin. Fue ahí cuando recibió la gran solicitud de su vida; las puertas del futuro Museo de Artes Decora vas de País. Si bien la obra nunca llegó a realizarse, en 1928 las puertas fueron fundidas en bronce gracias a un admirador del ar sta, y para las que Rodin había esculpido El pensador, el símbolo de la escultura de Auguste que aglu na todas sus caracterís cas.

Mientras trabaja en los modelas de las puertas del Museo, le encargaron levantar el mo-numento de Los burgueses de Calais, una obra de dramá co contenido. Con obras como El beso, entre otras, Rodin comenzó a transitar sus años de máxima crea vidad que lo llevaron a ser considerado el principal escultor impresionista, junto al italiano Medardo Rossi, gracias a sus estudios textuales y lumínicos. Con nuó creando obras de inspiración personal pero a con nuación se concentró en los retratos y en la realización de monu-mentos públicos, tales como los dedicados a Vítor Hugo y a Balzac.

Rodin ha sido denominado en la historia del arte como el primer moderno. Fallece el 17 de noviembre de 1917 en Meudon, Francia.

Donatello

Fue un famoso ar sta y escultor italiano considerado el máximo exponente de su discipli-na en principios del Renacimiento. Nació en Florencia en el año 1386.

Donatello fue uno de los padres del Renacimiento sentando sus bases claras a la es-cultura de dicho movimiento. Ese es lo fue seguido por todos los escultores poste-riores a él. Sus obras fueron desarrolladas u lizando una amplia gama de materiales y técnicas que dominó a la perfección, dejando un legado magnífi co de raíz clásica romana. La historia ubica a Donatello sobre Della Robbia, escultor y ceramista ita-liano, y se basa en el aporte efectuado al movimiento de renovación ar s ca que expulsó los es los medievales.

Auguste Rodin.

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Dejó una herencia de piezas en es lo original que, hasta su aparición, nadie había creado. Exuberante como él solo, Donatello esculpe, talle y graba u lizando mármol, metal, ma-dera, terracota y piedras nobles.Entre sus obras más importantes se destacan el David de bronce en el Museo del Bargello, El Pulpito exterior de la catedral de Prato, y la estatua ecuestre de Ga amelata en Padua, entre otras. Murió en Florencia el 13 de diciembre de 1466 a los 80 años de edad.

Edmé Bouchardon Fue un escultor, medallista y dibujante francés, considerado el mejor escultor de su ge-neración, cuya obra muestra el comienzo de la resistencia clásica contra el es lo Rococó. Nació el día 29 de mayo de 1698 en Chaumont.La infl uencia de la An güedad lo inspiró, entre 1723 y 1732 mientras trabajó en Roma, a la severa pureza de su busto de Philippe Stosch (1727, Staatliche Mus., Berlín).

Prosiguió siendo demasiado austero para el gusto de la corte, aunque su es lo pos-teriormente se suavizó, sobre todo cuando produce en 1750 su primera obra maes-tra, el Cupido realizando un arco con la maza de Hércules. El conde de Caylus fue uno de los varios par darios que tuvo Bouchardon, tal es así que, en 1762 publicó una relación de su vida. Además, este escultor francés gozó de buena fama durate su período.

Durante casi 25 años el diseño de sus medallas fueron repar das por el rey en ocación de las fi estas de fi n de año. Una estatua ecuestre de Luís XV fue la obra más importante de Edmé Bouchardon, pero quedó sin terminar al momento de su muerte y la destruyeron durante la Revolución. En el Museo del Louvre se conserva un modelo de esa obra de su alumno Louis-Claude Vaseé. El 27 de julio de 1762 se produce su fallecimiento.

Donatello.

Edmé Bouchardon Fue un escultor, medallista y dibujante francés.

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Fidias

Nació en Atenas hacia 498 a.C., tanto la fecha de su nacimiento como de muerte suelen ser muy contradictorias para la historia moderna. Fue considerado un representante em-blemá co de la escultura griega por sus múl ples obras.

Diseñó, por ejemplo, la estatua de la diosa Atenea, uno de sus trabajos más impor-tantes que realizó para formar parte del templo Partenón, cuya construcción fue es-tablecida por Pericles. Varias de las obras que aún en nuestros días son un ejemplo de escultura helénica clásica son las que Fidias tuvo que esculpir para ese proyecto.

Muy pocos trabajos originales del experto se conservan a la fecha debido a los destro-zos y saqueos causados por invasiones extranjeras. En el exterior del Partenón grabó el mármol de forma ejemplar, logrando la combinación perfecta de sus tallados y el es lo Jónico usado en las edifi caciones más refi nadas que se encontraban en Atenas. De dichas obras con escenas históricas, religiosas y mitológicas aún se guardan algunos fragmentos. Mientras que para el interior del hito griego creo dos estatuas gigantes cuyos originales hoy ya no existen.Existen varias réplicas de sus estatuas, las cuales ejecutó en mármol, bronce y también en materiales de alto valor como el marfi l y el oro, que otros ar stas griegos de la an güedad esculpieron para mantener vivo su legado. De la escuela de escultura griega, que es sin dudas una parte fundamental del inicio y el desarrollo universal de este arte, nace la corriente inspiradora que condujo a otros pueblos europeos a conceder a esta plás ca una importancia mayor que a otras artes, hasta a veces cercana a lo divino, y que solo fueron conseguidas por escultores de un nivel supremo.Más que los detalles relacionados con el modelo específi co, Fidias tenía como principal pro-pósito expresar los aspectos inmortales y permanentes de la belleza humana. Es por eso que fue un perfeccionista natural, donde la belleza plasmada en sus fi guras consigue que el sen miento fi losófi co y espiritual perdure en el arte de su época.No se saben las causas que le podrían haber provocado su muerte, pero Fidias fallece en Olimpia hacia el 431 a.C.

Filippo Brunelleschi Fue un arquitecto, escultor y orfebre renacen sta italiano que nació en Florencia en 1377. Considerado uno de los arquitectos más famosos, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la catedral de Florencia II Duomo. Junto con Alber , Donatello y Masaccio, crearon el es lo renacen sta.

Se estableció como orfebre y en 1401 se presentó a un concurso que consis a en elaborar los bajorrelieves de las puertas del Bap sterio de Florencia. La competen-cia la ganó Lorenzo Ghiber y Brunelleschi se ubicó en el segundo lugar debido a que el rostro de Abraham aparecía con una expresión irritada. Esos paneles presen-tados en el concurso se hayan hoy en el Bargello.

Fidias.

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Según dicen, este hecho hizo que Filippo se inclinase exclusivamente a la arquitectura. En 1412, le atribuyeron un crucifi jo de madera policromada en Santa María Novella, una importante obra escultórica.

Brunelleschi no fue pintor, pero sí un iniciador de la perspec va. Alber , en su tratado de la pintura, se refi ere a cómo el arquitecto italiano inventó un método para reproducir objetos en profundidad sobre una superfi cie plana mediante el empleo de un único punto de fuga. Filippo Brunelleschi falleció el 15 de abril de 1446 en su Florencia natal.

Inventó un método para reproducir objetos en profundidad sobre una superfi cie plana mediante el empleo de un único punto de fuga.

Fue un arquitecto, escultor y orfebre renacen sta ita-liano que nació en Floren-cia en 1377. Considerado

uno de los arquitectos más famosos, sobre todo, por

su trabajo en la cúpula de la catedral de Florencia II

Duomo. Junto con Alber , Donatello y Masaccio, crea-

ron el es lo renacen sta.

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Francois Duquesnoy

Fue un destacado escultor de raíz fl amenca durante los inicios del período Barroco que nació el 12 de enero de 1597 en Bruselas, Bélgica. Fue discípulo de su propio padre escul-tor. A los 21 años de edad viaja a Roma para estudiar en profundidad la escultura an gua de los griegos e italianos, cuyos es los en ese momento, eran viejos, según el criterio de los vanguardistas del Barroco.

Duquesnoy se distanció con éxito de la escuela saliente que comandaba el maestro Berni-ni, junto a otro escultor italiano, Algardi, y bajo la infl uencia de su amigo, el pintor francés Poussin. Su disidencia con la escuela no le impidió que la historia le atribuyera una impor-tancia similar a la de este úl mo.Sus primeras esculturas llevadas a cabo en Italia sirven de referente para establecer lo que es una estatua ves da bien lograda, además de ser consideradas, hoy por hoy, como ejemplo de pureza y es lo.

Francois Duquesnoy.

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Duquesnoy tallaba magnífi camente los pliegos de la ves menta, y en ese momento era por esa par cularidad por la cual se medían las habilidades de los escultores clásicos. También ha esculpido con mucho talento esculturas desnudas al es lo de los ar stas de la cultura griega.

En sus úl mos días sufrió de manía persecutoria que le generaba depresiones cada vez más profundas y prolongadas. François Duquesnoy falleció el 12 de julio de 1643 en Livorno.

Gian Lorenzo Bernini

Bernini es el gran genio del barroco italiano, el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y el principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa. Un escultor, arquitecto y pintor que nació 7 de diciembre de 1598 en Nápoles.Su padre Pietro (1562-1629) fue un es-cultor manierista de cierto relieve que le enseñó los rundimentos de la escultura en su propio taller. Gracias a que su padre lo puso en contacto con algunos de los pro-tectores más importantes de su empo, Bernini manifestó su talento de una forma bastante precoz. Eneas, Anquises y Ascanio, y El rapto de Proserpina, fueron sus obras más tem-pranas. Allí ya muestra la ruptura con el manierismo tardío y una concepción radi-calmente dis nta de la escultura. En estas primeras creaciones resalta el intenso dra-ma smo, la grandiosidad y la búsqueda de efectos escenográfi cos.El papa Urbano VIII nombró en 1629 a Ber-nini como el arquitecto de la basílica de San Pedro. Trabajó ininterrumpidamen-te, desde ese momento hasta su muerte, para los sumos pon fi ces; haciendo un paréntesis durante el papado de Inocencio X, quién se inclinó por otros ar stas y le encargó pocas obras. La gran colgadura sobre el altar mayor y el grupo escultórico de los Padres de la Iglesia que, observando a través de las columnas de esa colgadura, ofrece efectos de una gran fuerza teatral, son las realizaciones que más se destacan en la basílica de San Pedro. Están hechas tal cual pretendía el ar fi ce. Sin embargo, se ha llevado elogios con nuos por la armonía y los efectos escenográfi cos que plasmó en la columnata que rodea la plaza, justo delante del templo. Dicen que esa fue la mejor aportación de Bernini a la basílica de San Pedro ya que simbolizó una gran nove-dad, no solo por sus dimensiones sino por su disposición elíp ca, y una forma muy cara a los arquitectos barrocos tendientes a asignar efectos de movimiento a todas sus obras. Las monumentales estatuas que la completan en su parte superior, abastecen al conjunto de un aire todavía más sublime e imponente.

Bernini es el gran genio del barroco italiano, el herede-

ro de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y el princi-pal modelo del Barroco ar-

quitectónico en Europa. Un escultor, arquitecto y pintor

que nació 7 de diciembre de 1598 en Nápoles.

Gian Lorenzo Bernini.

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El Éxtasis de Santa Teresa fue quizá la obra más representa va de su es lo escultórico. Esa creación fue fruto de su colaboración en el trabajo que hizo algunas veces para mecenas privados. Resulta inimaginable una mayor intensidad dramá ca y una mayor fuerza dinámica en una realización de pequeñas dimensiones ejecutadas mediante un tratamiento exquisi-to del mármol. Es por eso, que por su condición de elemento para la decoración de una capilla y sus magnífi cos efectos de claroscuro, se considera que esta obra, que recopila magistralmente las tres artes mayores, arquitectura, escultura y pintura, es un modelo incomparable de la escultura barroca.

Además de la columna de San Pedro, su realización como arquitecto más valorada es la pequeña iglesia de San Andrea en el Quirinal, en donde la arquitectura y la es-cultura se unen en la búsqueda del efecto des nado a crear un ambiente adecuado para promover la fe y los sen mientos religiosos.

Bernini colaboró como nadie en la renovación urbanís ca de Roma con sus hermosos edifi cios barrocos, con una mul tud de estatuas y algunas fuentes impresionantes que todavía en la actualidad contribuyen a la belleza de la ciudad. El palacio Chigi-Odescal-chi es uno de sus edifi cios civiles más logrado, que desempeñó una infl uencia decisiva en toda Europa. La más espectacular de estas realizaciones se llama Fuente de los cuatro ríos, y es la que le encargó Inocencio X para decorar la piazza Navona. Sus obras como pintor se conser-van hoy en los museos más pres giosos por su gran calidad, al igual que sus dibujos que fi guran en las mejores colecciones del mundo.A los 81 años de edad, Gian Lorenzo Bernini, uno de los ar stas más destacados del Barroco, fallece en Roma un 28 de noviembre de 1680.

A los 81 años de edad, Gian Lorenzo Bernini, uno de los ar stas más destacados del

Barroco, fallece en Roma un 28 de noviembre de 1680.

Hans (Jean) Arp

Nace en Estrasburgo, actual Francia, el 16 de sep embre de 1887. Fue un escultor, poeta y pintor franco alemán. Después de asis r a la escuela de Artes y Ofi cios de su ciudad na-tal, se mudó a Weimar, Alemania, y posteriormente a París, donde asis ó a la pres giosa Académie Julian.

Concurrió brevemente, mientras vivió en Munich, al grupo Der Blaue Reiter entre los años 1912 y 1914. Durante la Primera Guerra Mundial se exilió voluntariamente a Basilea. Arp fue miembro fundador del movimiento Dadá en Zúrich en 1920 y produjo sus primeros relieves policromados, tal vez sus piezas más célebres.

En esa década se estableció nuevamente en París y alimentó estrechos contactos con los surrealistas, cuya autoridad se vio refl ejada en su obra. Se hizo miembro en 1930 del grupo Cercle et carré, impulsor de la abstracción pura con derivaciones geométricas, al que más adelante lo sucede fundando la Abstracción-Creación. De los años ’30 hasta su muerte se dedicó a escribir y publicar ensayos y poesías. Hans (Jean) Arp murió en Basilea, Suiza, el 7 de junio de 1966.Hans (Jean) Arp.

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Henry Moore

Escultor inglés conocido por sus esculturas abstractas de bronce y mármol. Nació en Cast-leford, Reino Unido, el 30 de julio de 1898. Su padre, Raymond Spencer Moore, había inmigrado de Irlanda y trabajaba en la mina de carbón Wheldale. A los 18 años de edad fue reclutado por el Ejército para la Primera Guerra Mundial. Cuando regresó empezó a estudiar arte en Leeds y en 1919 ingresó en el Royal College of Art con una beca.

Comenzó a interesarse por la escultura arcaica y clásica, lo que hizo que empezara a frecuentar el Bri sh Museum y a viajar por Italia, Francia y España. Entre 1925 y 1932 fue profesor del Royal College y entre 1932 y 1939 de la Escuela de Arte de Chelsea.

Para esa época Henry Moore ya disfrutaba de su propio estudio y había proyectado el es lo que caracterizaría su trayectoria ar s ca. En sus obras buscaba solamente la expre-sión de una energía interior, rechazando la búsqueda de la belleza al es lo de los clásicos o del Renacimiento. A par r de 1930, la fi gura yacente y la maternidad se cons tuyeron como sus dos temas favoritos, a los que luego se le sumaron las pequeñas cabezas y los grupos familiares. En 1934, Moore empezó a perforar cavidades en los materiales y, a par r de 1940, en la búsqueda de complementariedad entre forma y espacio, las cavidades y las masas co-menzaron a poseer prác camente la misma importancia en sus obras. Recibió en 1948

Esculturas abstractas de bronce y mármol.

A los 18 años de edad fue reclutado por el Ejército

para la Primera Guerra Mundial. Cuando regresó

empezó a estudiar arte en Leeds y en 1919 ingresó en el Royal College of Art con

una beca.

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el Premio Internacional de Escultura de la Bienal de Venecia, lo que lo proyectó a nivel internacional, ya que fuera de su país era muy poco conocido. Después de eso recibió innumerables encargos, la mayoría para espacios exteriores, lo que hizo que aumentara el tamaño de sus obras. Henry Moore es considerado uno de los escultores más importantes del siglo XX y una de las principales fi guras ar s cas del Reino Unido contemporáneo. La piedra en sus inicios, y después el bronce, fueron sus materiales preferidos. Murió el 31 de agosto de 1986 en su casa de Much Hadham, Inglaterra, a los 88 años de edad. Fue enterrado en la Esquina de los Ar stas en la Catedral de San Pablo de Londres.

John Flaxman

Fue un escultor, grabador y dibujante Neoclásico que nació el 6 de julio de 1755 en York, Inglaterra. Entre 1775 y 1787, antes de dedicarse a la escultura, trabajó en el diseño de fi guras de porcelana para el pres gioso ceramista Josiah Wedgwood, donde reveló su talento y buen gusto como ar sta gráfi co.

Fue enviado a Italia para representar a su empleador, y durante siete años reside en Roma donde inspira su es lo cada vez más en el arte de la Grecia an gua. Produjo excelentes dibujos con gran fi neza en sus líneas de temas épicos de los poemas de Homero, La Ilíada y la Odisea. Rápidamente sus trabajos son reconocidos por su alta calidad, lo que le proporciona la fama y la reputación de un gran ar sta.

Cuando Flaxman regresa a Inglaterra en 1794, es requerido para esculpir estatuas de personajes, tallar bajorrelieves y desarrollar grabados sobre metal que son notables por la perfección de sus líneas.Lo nombran profesor de escultura en la Academia Real de Artes y les transmite a sus alumnos la infl uencia del arte an guo, incorporándose así a la corriente ar s ca de la época denominada Neoclásico. Esa corriente deja atrás las formas exageradas del es lo Barroco e impulsa el empleo de un es lo de escultura que res tuye suavidad a sus for-mas y agrega realismo a las fi guras. John Flaxman fallece el 7 de diciembre de 1826.

Juan Carlos Distéfano

Es uno de los escultores argen nos más importantes. Nació el 29 de agosto de 1933 en Villa Celina, provincia de Buenos Aires. En la Escuela Nacional de Artes Gráfi cas Nº 9 es donde adquiere una importante formación como diseñador gráfi co. Poco después de egresar, en 1951, ejerce como asesor en la Compañía General Fabril Financiera. En dicha compañía es donde conoce a Obdulio Gambaro, con quién comienza una profunda amis-tad que se extenderá a lo largo del empo.

Se recibió de profesor de dibujo en la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano. Contrae matrimonio a los 22 años con Griselda Gambaro, novelista y dramaturga. Juntos viajan a Italia donde Juan Carlos estudia a los ar stas de los períodos trecen-to y qua rocento, sobre todo al pintor italiano Masaccio.

John Flaxman.

En la Escuela Nacional de Artes Gráfi cas Nº 9 es don-

de adquiere una importante formación como

diseñador gráfi co.

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Una vez de vuelta en Buenos Aires comenzó a trabajar por cuenta propia como diseña-dor gráfi co en varias agencias. Después de ganar un concurso de afi ches para la empre-sa Siam, a par r de 1960 cons tuye el Departamento de Diseño Gráfi co del Ins tuto Di Tella, al cual se fueron agregando con el paso del empo, Humberto Rivas, Juan Andralis y Rubén Fontana, entre otros. El diseño gráfi co argen no es reconocido a nivel mundial gracias a la creación de este departamento. Algunas de las obras realizadas allí integran la colección de The Museum of Modern Arte de New York.

Su primera exposición individual la presenta en 1964 en la Galería Riobóo-Nueva con tra-bajos compuestos con pinturas cercanas al expresionismo neofi gura vo. Un año después

El diseño gráfi co argen no es reconocido a nivel mun-dial gracias a la creación de

este departamento. Algunas de las obras realizadas allí

integran la colección de The Museum of Modern Arte de

New York.

Juan Carlos Distéfano,es uno de los escultores argen nos más importantes.

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comienza a ensayar con diferentes bases en las que combina yeso, alambre, papel maché y lana de vidrio. Par cipa de numerosas exposiciones como el Premio Ver y Es mar en la Galería Van Riel, el Premio Georges Braque en el Museo de Arte Moderno de Buenos Ai-res y la Selección Germaine Derbecq en la Galería Guernica, entre otras, donde despliega una importante ac vidad.

En 1966 expone relieves pintados en la Galería Rubbers con la presentación del crí co de arte Aldo Pellegrini. En esa época también es seleccionado para la III Bienal La noa-mericana de Córdoba y concurre al fes val Americano de Pintura de Lima, Perú. A su vez, diseña la escenogra a y el vestuario de la obra teatral que su mujer, Griselda Gambaro, estrena en el Ins tuto Di Tella llamada “Los siameses”.

La primera vez que Distéfano exhibe en el Di Tella es en el año 1967 cuando Aldo Pellegrini lo convoca para integrar la muestra de “El surrealismo en la Argen na”. Luego, junto a David Lamelas y Emilio Renart, ese mismo año, cons tuye la representación nacional en la Bienal de San Pablo. Su obra “Tres versiones” la pretendieron censurar en dicha expo-sición, sin embargo, gracias al apoyo de Renart y Julio Le Parc, invitado especial en esa ocasión, lograron que permanezca en exhibición.

En 1969 el Fondo Nacional de las Artes y la Embajada de Italia le otorgan la beca Frances-co Romero, con la que permanece ocho meses en Roma para retomar el estudio de las obras de Masaccio, pero esta vez no se limita solo a las de Italia. En el barco que lo trasla-

Distéfano estudia la escultura egipcia y mesopotámica, y en 1968, produce los pri-meros volúmenes exentos, Puño y Cabeza, que desarrolla en resina poliéster colo-reándolos con pintura acrílica.

Juan Carlos Distéfano.

En 1969 el Fondo Nacional de las Artes y la Embajada de Italia le otorgan la beca Francesco Romero, con la que permanece ocho me-ses en Roma para retomar el estudio de las obras de

Masaccio, pero esta vez no se limita solo a las de Italia.

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dó a Roma se llevó su Citroën, con el que recorrió Francia, España y Holanda. El Ins tuto Di Tella cierra tras su regreso al país, en el año 1970, por lo que abre un estudio de diseño gráfi co junto a Fontana. Esa ac vidad la desarrolla hasta 1976, año en el que decide dedicarse con exclusividad a la plás ca. Junto a Puente, Grippo, De Marziani y Daniel Mar nez viaja a Niza en 1974 donde par ci-pa en la muestra del arte argen no en el Centre Ar s que de Recontres Internacionales de mencionada ciudad.

Por sugerencia de Roberto Páez, crea en 1975 “El baño”, una pieza donde recrea, en clave irónica, la obra del destacado pintor, Prilidiano Pueyrredón. Por primera vez logra en esta escultura hacer que materia y color sean uno. Abandona el policroma-do posterior y hace uso de las cualidades traslúcidas de la resina, la aplica en fi nas capaz sobre el molde y luego, mediante pulidos hace aparecer los tonos interiores produciendo suaves pasajes como fuertes contrastes cromá cos.

Durante esta década los temas tratados en las obras se vinculan tanto con situaciones existenciales como con el clima polí co que se vive en ese momento, la violencia y la tortura. Bajo ese carácter produce obras como “El mudo” (1973), que fue comprada por la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes para acerbo de la ins tución, “Procedimiento” (1972) y “Telaraña” (1975), entre otras. Entre octubre y noviembre de 1976 muestra en la galería Artemúl ple, una serie de grandes esculturas en poliéster, entre las que se encuentra “Procedimiento”, que ante el irrespirable clima polí co de la Argen na, es presentada con el neutro tulo de “Figura acostada”. El Gobierno militar prohíbe en abril del ’77 la novela de Griselda Gambaro, “Ganarse la muerte”, por considerarla inmoral y con trasfondo subversivo. La pareja y sus hijos deci-den radicarse en Barcelona debido a esas circunstancias. Distéfano dibuja, en esa ciudad española, fi guras de prisioneros “trasladados” que se dejan ver en la costa del río, arroja-dos desde aviones; son obras que reiteran el tema de la caída.Decide volver a Buenos Aires en 1979 ya que el exilio se le torna insoportable. En el ’80 se instala en el taller Don Bosco, donde un empo después se reúne nuevamente con su fa-milia. Expone en la Galería Jacques Mar nez con la presentación de Jorge Romero Brest y una favorable recepción. Luego se desempeña como docente en los talleres de escultura y dibujo de la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova”. En 1982 ob ene el Premio Konex de Pla no a la Escultura Figura va y después, junto a su mujer, que había recibido la Beca Guggenheim, viaja a la ciudad de Nueva York. Abandona la materia traslúcida en sus obras y comienza a trabajar volúmenes opacos de colores intensos, una vez que recorre la península de Yucatán y la imaginería precolombi-na no tarda en aparecer en sus ideas.

En 1992 vuelve a adjudicarse un premio Konex, en este caso Konex de Brillante a las Artes Visuales. Dos años más tarde sus obras “Escaleras” y “El mundo” de la colección del Mu-

Su quinta exposición individual la lleva a cabo en sep embre de 1987 en la Gale-ría del Re ro. Crea una retrospec va de su obra en la Fundación San Telmo en el año 1991, acompañada de un libro monográfi co escrito por Elba Pérez, y al mismo empo presenta una muestra individual en la Galería Ruth Benzacar, lo que genera

que haya sido un año de intensa ac vidad pública. Juan Carlos incorpora textos literarios a sus obras.

El Gobierno militar prohíbe en abril del ’77 la novela de Griselda Gambaro, “Ganar-se la muerte”, por conside-rarla inmoral y con trasfon-

do subversivo. La pareja y sus hijos deciden radicarse

en Barcelona debido a esas circunstancias. Distéfano

dibuja, en esa ciudad espa-ñola, fi guras de prisioneros “trasladados” que se dejan ver en la costa del río, arro-

jados desde aviones; son obras que reiteran el tema

de la caída.

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seo Nacional de Bellas Artes forman parte de la exposición Arte Argen na Contemporá-neo que viaja a la Fundación Arte y Tecnología-Telefónica de Madrid. En 1997 interviene en “Otro mirar: arte contemporáneo argen no” llevada a cabo en el Centre d’Art Santa Mónica de Barcelona.

Entre cuadernos de apuntes, bocetos, dibujos, pinturas, relieves y esculturas, suman más de 150 piezas que cubren el período 1955-1998. Marta Nanni recupera esas re-presentaciones y le organiza una gran retrospec va en el Museo Nacional de Bellas Artes. Durante la muestra, acompañada por un completo catálogo, exhibe el video de una escultura en poliéster, de Poli Nardi, donde Juan Carlos Distéfano da cuenta de sus procedimientos técnicos.

Al año siguiente proyecta una de las esculturas del Parque de la Memoria de Buenos Ai-res. Su obra es elegida para integrar varias muestras internacionales: “Cantos Paralelos” (1999) del Jack S. Blanton Museum of Art de la Universidad de Aus n, Texas, que recorre dis ntos museos de Estados Unidos; “Heterotopías” (2000-2001) presentada en el Museo Reina So a de Madrid e Inverted Utopias. Avant–Garde Art in La n America 1920-1970, desarrollada por The Museum of Fine Arts of Houston (2004).Es invitado en 2005 a par cipar en la muestra Berni y sus contemporáneos que se realiza en el Museo de Arte La noamericano de Buenos Aires (MALBA) por el centenario del nacimiento del pintor argen no Antonio Berni.

En 2006 presenta en la Galería Ruth Benzacar, entre otras obras, la compleja ins-talación escultórica Kinderspelen, un homenaje a la escultura Eliana Molinelli, que demandará varios años de ejecución.

En el Espacio Casa de la Cultura de Buenos Aires se realizó en 2007 la exhibición “Des-plazamientos; entre la escultura y la instalación”, donde Distéfano es invitado a par -cipar. Ese mismo año recibe el Premio Cultura Nación, otorgado por la Secretaría de Cultura gubernamental.

Accion directa, II. 1997 - Resina poliéster reforzada.

Es invitado en 2005 a par -cipar en la muestra Berni y

sus contemporáneos que se realiza en el Museo de Arte

La noamericano de Buenos Aires (MALBA) por el cen-

tenario del nacimiento del pintor argen no

Antonio Berni.

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La obra de Juan Carlos Distéfano forma parte de los patrimonios del Museo Nacional de Bellas Artes, del MALBA, de The Museum of Fine Arts of Houston y de importan simas colecciones privadas. Actualmente este importante escultor argen no vive en la localidad de Don Bosco, en la provincia de Buenos Aires, y trabaja en el porteño barrio de La Boca.

Lola Mora

Dolores Mora de la Vega, más conocida como Lola Mora, fue una ar sta argen na especia-lizada en la escultura. Nació el 17 de noviembre de 1866. Su lugar de nacimiento fue discu- do, ya que tradicionalmente se consideraba que era oriunda de la población de Trancas,

provincia de Tucumán, pero ahora existen unos documentos que prueban que nació en la localidad de El Tala, provincia de Salta. Hija de don Romualdo Alejandro Mora y de doña Regina de la Vega, era la tercera de siete hermanos, tres varones y cuatro mujeres.

Para resguardarla de los riesgos de una sublevación del destacamento de la Guardia Nacional, su padre Romualdo decide enviar a su familia, en abril de 1867, a otro campo de su propiedad ubicado en la Villa Vieja de Trancas, provincia de Tucumán. Lola Mora pasó allí su infancia y estudió en el Colegio del Huerto de Tucumán donde brilló en las clases de arte.

Su gran talento fue lo que la llevó a Buenos Aires y más adelante a Roma, Italia, donde llegó becada por el gobierno argen no y donde tuvo como gran maestro a Giulio Monteverde. Las cualidades de sus obras le dieron fama en toda Europa. Tal es así que, al presentarse a un concurso para un grupo escultórico en homenaje a la reina Victoria de Inglaterra, don-de había que instalarse en Australia, su proyecto se impuso con total claridad. Al momen-to de la construcción de la escultura se le pidió que abandonara la ciudadanía argen na y adoptara la australiana porque se trataba de un homenaje del pueblo de Australia a su soberana. Lola prefi rió resignar el premio y la realización y no lo aceptó. “La fuente de las Nereidas” se destaca entre las esculturas que hay en la Argen na. En principio había sido situada en pleno centro, pero en me-dio de una polémica decidieron trasladarla a la Costanera Sur de Buenos Aires. Lola Mora ganó mucho dinero gracias a sus obras, pero cuando regresó al país lo per-dió todo al inver r en diversas empresas, entre ellas una minera.Luego de su úl ma aventura empresarial y completamente sin dinero, se mudó a la ciudad de Salta donde perdió la razón y enfermó. Tras tres largos días de inconsciencia falle-ció en Buenos Aires el 7 de junio de 1936 a los 69 años de edad.La diputada y profesora Fanny Ceballos presentó un pedido de reconocimiento a

Su gran talento fue lo que la llevó a Buenos Aires

y más adelante a Roma, Italia, donde llegó becada por el gobierno argen no

y donde tuvo como gran maestro a Giulio Monte-verde. Las cualidades de sus obras le dieron fama

en toda Europa.

Lola Mora,especializada en la escultura.

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nivel nacional, en noviembre de 1997, ante el Congreso de la Nación. El Poder Legisla vo dispuso que el 17 de noviembre, día del nacimiento de Lola Mora, se conmemore el “Día Nacional del Escultor”.

Lorenzo Ghiber

Fue un escultor, orfebre, arquitecto y escritor de arte italiano durante la transición entre el período Gó co y el Renacimiento. Nació en Florencia, Italia, en el año 1378.Junto a otros maestros destacados de la época como Brunelleschi, Lorenzo Ghiber fue pionero en la renovación del arte italiano.

Sus trabajos están dotados de una alta perfección, aunque en sus obras se ve con claridad también la presencia del es lo Gó co. Esculpe adaptando una técnica im-pecable y un gusto refi nado. Esto es algo que se transformó en un referente de calidad para los ar stas del Renacimiento que lo sucedieron.

“Las puertas del Paraíso” fue su obra más famosa y se corresponde al tallado en bronce de dos puertas de la Catedral de Florencia. El trabajo de estas puertas duró más de 20 años. Lorenzo Ghilber nos deslumbra hasta hoy con el perfeccionismo de sus líneas y la expresión que consigue dar a casa una de las fi guras que talla. El 1 de diciembre de 1455 muere en Florencia, Italia.

Junto a otros maestros destacados de la época

como Brunelleschi, Lorenzo Ghiber fue pionero en la

renovación del arte italiano.

Lorenzo Ghiber .

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Luca Della Robbia

Escultor y ceramista italiano que nace en Florencia, Italia, en el año 1400. Es conocido por ser el iniciador de la producción de terracotas vidriadas. La cantoría de mármol de la Catedral de Florencia, de la que se conservan diez relieves, fue su primera obra documen-tada. De ese mismo período son los cinco paneles hexagonales con las artes liberales del campanile de Gio o.

El ciborio de Santa María de Peretola, los lunetos con La Resurrección y La Ascensión de la Catedral de Florencia, los tondos de la capilla Pazzi, las delicadas Madonas, el monumento fúnebre del obispo Federeghi, actualmente en Santa Trinità, y el techo de la capilla del cardenal de Portugal en San Miniato al Monte, son los conjuntos arquitectónicos y escultóricos que se destacan de Luca Della Robbia cuando hacia 1440 comenzó a emplear relieves de terracota de colores.

En 1446, Luca y su hermano Marco, compraron una gran casa para instalar un taller y un horno. Al morir Marco en 1448, Luca se hizo cargo de sus seis sobrinos. Entre ellos se destaca, Andrea Della Robbia, quien se hizo cargo del taller y con nuó con la ac vidad, próximo al es lo de su o y sensible a las enseñanzas de Verrocchio.Los Pu de la galería del hospital de los Inocentes en Florencia y los relieves del santuario de la Verna se destacan de sus múl ples realizaciones.

Luca Della Robbia es un escultor cuya sobriedad clara de los planos y los ritmos, la sere-nidad clásica de los rostros, la formas simples y la sensibilidad de la luz, estarán siempre presentes en su obra. Sus sobrinos y sus hijos con nuaron con esta técnica. De sus cinco hijos que con nuaron con la ac vidad, destacan a Giovanni Della Robbia y a Girolamo Della Robbia, quién se trasladó a Francia donde par cipó de la decoración de Fontainebleau.Luca falleció en Florencia en el año 1482.

Marcel Duchamp

Fue un ar sta y ajedrecista francés nacionalizado estadounidense que nació el 28 de julio de 1887 en Blainville, Francia. Era el más joven de seis hermanos, cuatro de los cuales se-guirían así mismo la carrera ar s ca, de ellos los dos mayores, Jacques y Raymond, fueron especialmente manifi estos.

A los 17 años llegó a París. Combinó su faceta de pintor con el trabajo de caricatu-rista y pasó rápidamente por todas las tendencias ar s cas de la actualidad, im-presionismo, pos mpresionismo, fauvismo y cubismo. Este afán experimentador e inquieto, que lo llevó a no comprometerse con ninguna tendencia, iba a ser una de las constantes de su fecunda trayectoria.

Presentó en 1912 su “Desnudo” bajando una escalera. En esa obra juntó elementos cubis-tas con futuristas y sus propias inquietudes sobre la representación del movimiento.Tuvo que esperar un año para poder exponerla ya que la pintura fue rechazada por el Salón de los Independientes. En el Armory Show de Nueva York fue recibida con tanto entusiasmo como con sorpresa.

Luca Della Robbia,Escultor y ceramista italiano

Era el más joven de seis hermanos, cuatro de los

cuales seguirían así mismo la carrera ar s ca, de ellos los dos mayores, Jacques y Raymond, fueron especial-

mente manifi estos.

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En lo que iba a ser un giro permanente en su trayectoria, Marcel Duchamp realizó unos pocos cuadros más y luego abandonó la pintura. En 1913 comenzó con los estudios pre-paratorios para la obra “El gran vidrio”, o la novia desnudada por sus pretendientes, una especie de extracto entre pintura y escultura de radical originalidad.

Durante esa misma época desarrolló sus primeros objetos cualesquiera some dos a muy escasa alteración material, elevados a la categoría de arte por mera voluntad del ar sta, a los que se los denomina ready-made. Un orinal fi rmado con seudó-nimo que tuló “Fuente” y que cons tuye uno de los íconos más signifi ca vos del arte del Siglo XX, fue uno de sus ready-made.

Apoyó a su amigo Francis Picabia, cuando se reencontró con él en Nueva York en el año 1917, en su tarea de dar a conocer el movimiento dadá en Estados Unidos. Par cipó en la creación de revistas adscritas al movimiento como 291 o El ciego. Abandonó la prác ca ar s ca por la semiprofesional del ajedrez durante buena parte de las décadas de 1920 y 1930. Llegó a ser un moderado experto de ajedrez. Cons tuyó fuertes lazos con el movimiento surrealista a par r de 1934, especialmente con Breton, que en 1935 publicó el primer estudio concienzudo de su obra.Duchamp fue encerrándose poco a poco en el anonimato con la única compañía de su esposa, Teeny Sa ler, con la que había contraído matrimonio en 1954.Murió en Neuilly-sur-Seine, una ciudad del área metropolitana de París, en 1968.

Marcel Duchamp.Abandonó la prác ca ar s ca por la semi-profesional del aje-drez durante buena parte de las décadas de 1920 y 1930. Llegó a ser un moderado experto de ajedrez.

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Miguel Ángel

Michelangelo Buonarro , conocido en español como Miguel Ángel, fue un escultor, pin-tor y arquitecto italiano que nació el 6 de marzo de 1475 en la ciudad de Caprese.Su fi gura está en la base de la concepción del ar sta como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias. Su excepcional personalidad ar s ca controló el panorama crea vo del Siglo XVI y llevó a Miguel Ángel a ser reconocido habitualmente como la gran fi gura del Renacimiento italiano.

Cul vó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura durante los casi setenta años que duró su carrera, obteniendo resultados extraordinarios en cada una de estas facetas ar s cas. Sus contemporáneos veían en las creaciones de Miguel Án-gel una cualidad denominada terribilità, que se refi ere a aspectos como el vigor sico, la intensidad emocional y el entusiasmo crea vo; verdaderas constantes en

las obras de este creador que les otorga su grandeza y su personalidad inimitables.

Sus obras maestras las dejó en las ciudades de Florencia y Roma, los lugares donde trans-currió la vida de Miguel Ángel. En el taller de Ghirlandaio fue donde aprendió pintura y en el jardín de los Médicis fue donde aprendió escultura, allí habían reunido una excepcional colección de estatuas an guas. Para defi nir su es lo le sirvieron las copias de frescos de Gio o o de Masaccio que realizó en sus primeros pasos. El Baco y la Piedad de San Pedro fueron dos esculturas que realizó en 1496 cuando se trasladó a Roma, y que le dieron su proyección a la fama. Su obra maestra de la juventud, la Piedad de San Pedro, es una escultura de gran belleza y de un acabado impecable que refl eja su maestría técnica.Luego de transcurridos cinco años volvió a Florencia, donde recibió diversos pedidos, en-tre ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y sinte za los valores del humanismo renacen sta.

Michelangelo Buonarro , conocido en español como

Miguel Ángel, fue un es-cultor, pintor y arquitecto italiano que nació el 6 de marzo de 1475 en la ciu-

dad de Caprese.

Miguel Ángel.

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Cuando trabajaba en el cartón preparatorio de la Batalla de Cascina para el Palazzo de Vecchio, en 1505, el papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba. En esta obra, Miguel Ángel trabajó hasta 1545 y solo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Es-clavos. Varias estatuas de esclavos que dejó a medias se cuentan en la actualidad entre sus realizaciones más admiradas, ya que dejan apreciar como extraía literalmente de los bloques de mármol unas fi guras que parecían estar ya contenidas en ellos.

También el papa Julio II le pidió a Miguel Ángel que decorase el techo de la Capilla Six na. En un principio Miguel Ángel se resis ó a aceptar ese encargo ya que se consideraba ante todo un escultor, pero fi nalmente se convir ó en su creación más extraordinaria.Se ex enden un conjunto de profetas, sibilas y jóvenes desnudos alrededor de las escenas centrales que representan episodios del Génesis. Es un todo unitario dominado por dos cualidades esenciales: belleza sica y energía dinámica.

Las fi guras magistrales del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo y la estatua del difunto están incluidas en dos sepulturas que se alojan en la capilla Medicea.

Cuando se establece fi nalmente en Roma en 1534, realiza el fresco del Juicio Final en la capilla Six na y supervisa las obras de la basílica de San Pedro, en la que altera sustancial-mente los planos y diseña la cúpula, que es obra suya. La fi nalización del Palacio Farnesio, comenzado por Sangallo el Joven, fue su otra gran realización arquitectónica. Michelan-gelo Buonarro murió el 18 de febrero de 1564 en Roma.

Nicolás Cordier

Fue un pintor y escultor manierista que nació en Saint-Mihiel, Francia, en el año 1567. A los 25 años comenzó a trabajar para un noble en Lorraine y un empo después se trasladó a Roma, donde desarrolló el resto de su carrera.

Volvió a Florencia en 1516 para ocuparse de la fachada de San Lorenzo, obra que le dio muchos dolores de cabeza y que fi nalmente no se realizó. Pero la Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacris a Nueva son dos obras magistrales que Miguel Ángel proyectó para San Lorenzo. Ambas realizaciones son en el aspecto arquitectónico herederas de la obra de Brunelleschi, aunque la singular escalera de acceso a la biblioteca, capaz de crear un par cular efecto de monumentalidad en el escaso espacio existente, sólo puede ser obra del genio de Miguel Ángel.

Se conservan en la actualidad escasos trabajos de Cordier, pero son sufi cientes para poder admirar su maestría. En su obra “Las tres gracias” se dis ngue claramente la sensibilidad ar s ca del maestro y a la vez, se puede observar la magnífi ca habili-dad que posee para tallar el mármol. Allí el es lo manierista aplicado a la escultura alcanza su máxima expresión.

Intervino en la capilla de Aldobrandini de Santa María Sopra Minerva y en la capilla Pauli-na en Santa María Maggiore. Nicolás Cordier falleció en Roma en el año 1612.

Miguel Ángel trabajó hasta 1545 y solo terminó tres estatuas, el Moisés y dos

Esclavos. Varias estatuas de esclavos que dejó a medias se cuentan en la actualidad entre sus realizaciones más

admiradas, ya que dejan apreciar como extraía lite-

ralmente de los bloques de mármol unas fi guras que

parecían estar ya conteni-das en ellos.

Nicolás Cordier.

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Nicolas Schöff er

Escultor y teórico de arte francés de origen húngaro que nació en Kalocsa el 6 de sep- embre de 1912. Extendió una inves gación vinculable al arte programado y ciné co, y al

construc vismo de Gabo y Pevsner. Inventó el espacio-dinamismo en 1948. Así se lo denominó al conjunto que reúne ele-mentos plás cos, móviles y coloreados. Hacia 1957 evolucionó con la luz-dinamismo, que incluía el elemento luminoso para lograr una síntesis plás ca de todas las artes fi gura -vas, el cine y la música.

Con obras dotadas de movimiento eléctrico autónomo, lanzó en crono-dinamismo en 1959. Entre sus obras se destacan “Lux I” y “Torre ciberné ca”. Exposiciones, películas, videos, esculturas monumentales y diez libros publicados sos enen la brillante carrera de este ar sta.Nicolas Schöff er falleció el 8 de enero de 1992.

Inventó el espacio-dina-mismo en 1948. Así se lo

denominó al conjunto que reúne elementos plás cos,

móviles y coloreados.

Entre sus obras se destacan “Lux I” y “Torre ciberné ca”.

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Enciclopedia Protagonistas de La Historia - Tomo VI