Hª ARTE MODERNO: 1er. PARCIAL-ESQUEMAS ALUMNOS QUE HAN PARTICIPADO EN ESTOS ESQUEMAS SON: 01. ANTOLÍN BARRERO PEGADO

02. MARÍA JUANA GARRIDO RODRÍGUEZ.

03. JOSE LUIS PINEDA REQUENA.

04. CARMEN BENCOMO PÉREZ ZAMORA.

05. ROSA MARÍA DE LA TORRE TERCERO.

06. FERNANDO CÁRCAMO CUBERO.

07. MERCEDES PORTERO TORNERO.

08. MARÍA JOSÉ HERNÁNDEZ SÁNCHEZ.

09. RAFAEL PICAZO DEL REY.

BIBLIOGRAFÍA: a. Hª DEL ARTE MODERNO I (ARQ DEL RENACIMIENTO. UUDD. - JOSE ENRIQUE

GARCÍA MELERO. UNED MADRID 2004

b. Hª DEL ARTE MODERNO II (PINTURA Y ESCULTURA DEL RE NACIMIENTO)

UUDD JESÚS MIGUEL VIÑUALES GONZÁLEZ. UNED MADRID 2 004

Descripción

• Arquitectura y urbanismo del Quattrocento en Italia …………………....Antolin Barrero Pegado • Arquitectura y urbanismo durante el reinado de los Reyes Catolicos…………...MªJuana Garrido Rodriguez • Arquitectura y urbanismo del siglo XVI en Italia………………………...............Jose Luis Pineda Requena • Arquitectura y urbanismo del siglo XVI en España …………………..................Carmen Bencomo Pérez Zamora. • Arquitectura y urbanismo del siglo XVI en Europa ……………………………..Rosa Mª de la Torre Tercero. • La escultura italiana del Quattrocento ....................................................................Fernando Cárcamo Cubero • La pintura italiana del Quattrocento en Italia ……………………………………Carmen Bencomo Perez Zamora • La escultura del siglo XVI en Europa …………………………………..…..Mercedes Portero Tornero • Pintura italiana del Cinquecento……………………………………………….......Rosa de la Torre Tercero • Pintura manierista italiana………………………………………………………....Rosa de la Torre Tercero • Pintura- siglo XVI en los Paises Bajos, Francia, Inglaterra y Alemania………..MªJose Hernandez Sanchez • Pintura española del siglo XVI……………………………………………………..Rafael Picazo del Rey

DIRECCIÓN, CORRECCIÓN Y CONTROL : .FERNANDO CARCAMO CUBERO

MONTAJE PDF, ORGANIZACIÓN Y PORTADA: ROSA M DE LA TORRE TERCERO.

LIBRETO DE ESQUEMAS_ HISTORIA DEL ARTE MODERNO _ CURSO 2007-2008 -1er parcial ���� UNEDUNEDUNEDUNED Realizadas por: ALUMNOS DE HISTORIA DEL ARTE MODERNODE LA UNED.

TEMA1. Arquitectura y urbanismo del Quattrocento en Italia

El tratado de arquitectura servía de instrumento de formación integral del arquitecto. Constaba de dos partes. La teórica, escrita y la práctica. Tales tratados cumplían una triple función:

� Didáctica: formación del arquitecto. � Teórica: carácter humanístico y filosófico. � Práctica: se dirigían a los maestros de obras.

Otras características: � claridad expositiva. � Sistematización de conocimientos.

1. LA ARQUITECTURA ESCRITA.

1.1 El tratado de arquitectura: conjunción entre te oría y práctica.

1.1.1 “De re architectura” (c. 1483 ó 1486) de Vitr uvio: canon y punto de partida.

El modelo de tratado a seguir fue“De re architectura” de Vitruvio, Canon ideal de la arquitectura Grecorromana. Estaba dividido en 10 libros:

1. arquitectura general. 2. materiales. 3. templos. 4. ordenes arquitectónicos. 5. edificios públicos. 6. edificios particulares. 7. decoración de edificios particulares. 8. hidráulica. 9. gnómica. 10. máquinas

1.1.2. Alberti (1404 -1472), teórico del Quattrocento: “ De re aedificato ria” (1452)

León Battista Alberti, fue el primer gran teórico del arte del Humanismo del Siglo XV. Escribió tres tratados: � De pintura. � De statua. � De re aedificatoria. Tomó de Vitruvio la idea de la proporción y al igual que este Estructuró su obra en 10 libros. 1, 2 y 3, Trataron sobre la firmeza. 4 y 5, Sobre las utilidades de la ciudad. 6, Sobre el concepto de belleza, adornos, etc.… 7.8 y 9, Tipologías, templos, iglesias y ordenes arquitectónicos.

Detalle puerta Vaticano

Sforzinda

Sforzinda

Palacio ducal Montefeltro

Cosme el Viejo

Lorenzo de Medici

2. FLORENCIA COMO NUEVA ROMA.

Florencia se convertirá en el siglo XV en la “nueva Roma”. Crecerá y evolucionará gracias al mecenazgo de los Médici familia burguesa y de otros linajes con los que rivalizaron, como los Pitti, Pazzi y Rucellai. Hacia finales de siglo cobrará otra vez importancia Roma pero también bajo la influencia ahora de los últimos Médicis. El mecenazgo de los Médicis:

� Cosme el viejo (1389-1464). � Pedro el “Gotoso” (1416-1469). � Lorenzo el Magnífico (1449-1492).

Los Médicis serían derrocados y desterrados de Florencia en el 1494.

1.1.3 “Il Filarete” (1400-1469) y su “Trattato d’Ar chitettura” (c.1451-1464).

Antonio de Pietro Averlino apodado “Il Filarete”, realizó su principal actividad en Milán, iniciando u programa de renovación arquitectónico para equiparar Milán a otras cortes italianas de la época.

� Realizó la fundición en bronce de las puertas del Vaticano. � Escribió su Trattato d’Architettura”. � Realizo el proyecto de la ciudad ideal: Sforzinda:

“Bella, buena y perdurable”

1.1.4. El tratado de arquitectura civil y militar d e Francesco di Giorgio Martini (1438 -15019).

Martini redactó su tratado siguiendo también los pasos de Vitruvio, lo Estructuró en siete libros bajo el mecenazgo del duque Federico de Montefeltro.

� Defendió el carácter antropomórfico de la arquitectura. � Las proporciones matemáticas dependían de la apreciación

óptica. � Importancia de su tratado para la ingeniería militar. � Inventa los baluartes defensivos.

Planta Basilical . Iglesia de San Lorenzo Planta centralizada. Capilla Pazzi

2.1. Lorenzo el Magnifico (1449 -1492) y Jerónimo Savonarola (1452 -1498)

3. LA ARQUITECTURA RELIGIOSA.

Características principales: � racionalismo geométrico y matemático. � Recuperación de elementos

grecorromanos � Empleo de la perspectiva central. - órdenes clásicos � Estudio de las proporciones. - Arco de medio punto � Estricta simetría de carácter central. - Techos planos � La figura humana como medida... - Bóveda de cañón.

Personajes más importantes: � Filippo Brunelleschi (1377-1446), artista italiano, como iniciador del proceso. � Leon Battista Alberti (1404-1472), arquitecto y escritor italiano, principal ensayista.

Tipologías: se dieron dos modelos distintos de plantas.

� Planta Basilical: San Lorenzo, Santo Espíritu. Ambas de Brunelleschi. � Planta Centralizada: Oratorio de Santa Mª De los Ángeles, Capilla Pazzi y San Sebastián de

Mantua. Construcciones de Alberti. .

Lorenzo nació en Florencia. Hijo de Pedro de Médici a cuya muerte asumió la dirección del banco de los Médici, así como el gobierno de hecho de Florencia. Contó con la oposición del dominico Jerónimo Savonarola. Este en sus sermones denuncio las inmoralidades del papado proclamando el retorno a la austeridad de la iglesia. También se enfrento a Sixto IV, quien desarrollo:

� la Biblioteca Vaticana. � Capilla Sixtina. � Museo de Antigüedades de Roma.

Lorenzo más tarde contrarrestó la oposición y tras las buenas relaciones patrocinó la decoración de la Capilla Sixtina.

Vista exterior Vista interior Escalera entre cúpulas

Ejecución ladrillos trabados espiga de pez. Plementos, cúpula Detalle linterna

3.1. Construcción de la nueva catedral de Santa Mar ia de las Flores.

Con la construcción de la Catedral se produce el cambio de mentalidad gótica a otras ya propias Humanismo del Quattrocento. Arnolfo di Cambio, fue el encargado de realizar su construcción. Se inician las obras en 1296. En principio se construye una planta centralizada cubierta con una gran cúpula. A la muerte de Cambio el proyecto se transforma en un templo de cruz latina de tres naves cubierta por bóvedas de crucería. En el proyecto participan: Andrea Pisano, Francisco Talenti, Giovanni di Lapo. Decidieron dejar el proyecto de la cúpula, pues por sus dimensiones, 45m de diámetro por 100 de altura, resultaba técnicamente imposibles. Más tarde otro equipo consiguen ejecutarla aplicando soluciones particulares.

3.1.1. La cúpula de la Catedral de Florencia (1418 -1464).

Hacia el 1418, con el patrocinio de los tejedores de lana, se encarga la ejecución del proyecto a Lorenzo Ghilberti y a Filippo Brunelleschi. Este último será el responsable desde el 1423. Técnica constructiva ideada por Brunelleschi.

� Complejo sistema de contrarresto de fuerzas. � Utilización de aparejo ligero, trabado en forma de espiga de pez, auto sustentación, � Sistema de doble cúpula, entres ambas se instalan contrafuertes y una escalera. � La cúpula se apoya en un tambor octogonal con óculos que contrarrestan las fuerzas. � Sistema de descargas que descansan en ábsides y absidiolos.

Elementos decorativos: � empleo de materiales de doble colorido, blanco verde y rojo. � Materiales. Piedra, mármol y ladrillo.

Se acabó de construir en 1436. En este año se abre un concurso para ejecutar la linterna que se adjudica a Brunelleschi

Capilla vieja Capilla nueva

3.2.1. Iglesia de San Lorenzo e n Florencia (1422 -1470).

3.2. Arquitectura reli giosa de Brunelleschi ( 1377-1446)

Características de su obra.

� Perspectiva central en los edificios. � Aplicación de las matemáticas y de la geometría y la

óptica. � Eminentemente práctico no dejó obra escrita. � Empeño en el empleo de la proporción y la perspectiva. � Arquitectura propiamente racionalista. � Integración de elementos grecorromanos y románicos

toscanos.

Realizada entre los años 1422 y 1470. Encargo de los Médici a Brunelleschi. Terminada por Antonio Manetti. � Planta de cruz latina con tres naves y capillas laterales. � Cúpula con linterna sobre el crucero. � Espacio modulado con referencia a la figura humana. � Elementos arquitectónicos armoniosos.

� Utilizó bóvedas vaidas en las naves laterales. � Alternancia del colorido en la decoración. � Destaca en la construcción la sacristía vieja decorada con

esculturas en relieve, de Donatello. Se trata de un espacio cúbico cubierto por una cúpula nervada sobre pechinas, al cual se une al fondo otro espacio similar de planta cuadrada a modo de ábside

3.2.2. Iglesia del Santo Espíritu en Florencia (1434-14849)

Se construyó como mausoleo para los Pazzi. Adosada a la iglesia franciscana de Santo Croche, se considera el ejemplo más representativo de la arquitectura de Brunelleschi. �Fachada:

- pórtico de cinco tramos, entre seis columnas compuestas. - Frontal simétrico, adintelado en los extremos y arco de

medio punto central. - Sobre el pórtico se alza un ático decorado con pilastras

corintias. - Planta rectangular con cúpula nervada sobre pechinas, e

iluminada con óculos. - Intervinieron en la construcción: Giuliano da Maiano y

Luca della Robbia.

Obra más completa de Brunelleschi. Proyectada en 1434. �Planta de cruz latina. �Tres naves y capillas laterales. �Crucero y cabecera de planta central. �La luz accede al interior por la nave central más elevada. �Sacristía diseñada por Giuliano da Sangallo: - planta octogonal de tres pisos

3.2.4 Capilla de Andrea Pazzi para la iglesia florentina de Santa Croche (1429-1444).

Pequeña capilla construida por los hermanos de la orden de los eremitas camaldulenses. Proyecto de Brunelleschi. �Planta central octogonal con cúpula. �Su planta fue transformada en el siglo XVI � Sirvió de modelo su planta para el Renacimiento y Barroco.

3.2.3. Oratorio de Santa María de los Ángeles en Florencia. (1434)

3.3. Michelozzo (1396-1472). Biblioteca de San Marcos.

Michelozzo sucedió a Brunelleschi como maestro principal de la catedral de Florencia � Proyectos:

- Palacio Médici, - remodelación del convento de San Marcos. Donde

construiría su celebre sala de la Biblioteca, la cual proyecta como:

- Planta basilical alargada. - Tres naves separadas por arcadas de

medio punto. - Columnas jónicas con fuste liso.

- Capilla de la Santissima Annunziata

Arquitecto humanista del Quattrocento por excelencia. Alterno la practica con la reflexión de sus escritos. Proyectó nuevas fachadas a modo de templos clásicos proporcionando una nueva imagen a la ciudad. � Proyectos:

- Santa María Novella, en Florencia. - San Francisco de Rímini. - San Sebastián de Mantua. - San Andrés en Mantua. �Características: - Desarrollo de la perspectiva. - Proporción matemática. - Recurrencia a los órdenes clásicos. - Uso de policromías en las fachadas.

3.4. León Battista Alberti (Génova, 1404 – Roma, 1447)

3.4.1. Santa María Novella (1456-1470), en Florencia.

Rucellay encargó a Alberti ocultar la fachada de esta iglesia gótica y el a modo de telón construyo esta fachada ecléctica. En el proyecto participó, Giovanni di Bertino

� Estudio de la proporción. � Conservo la portada gótica, el rosetón central y los seis

sepulcros florentinos. � Utiliza el cuadro como modulo geométrico. � Escala inferior en la decoración inferior que en la superior. � Decoración policroma, mármoles. � La parte superior se remató con un frontón triangular. � El cuerpo superior se separa del inferior por un friso

arquitrabado. � Entablamento a modo de cornisa con un gran óculo central. � Dos alerones laterales para armonizar las medidas,

3.4.4. San Andrés, en Mantua (1470-1476)

Templo de planta de cruz latina de una sola nave cubierta con bóveda de cañón .Capillas laterales y transepto. �La fachada combina dos topologías diferentes:

-Pronaos clásico y arco de triunfo. -Responde al modulo ideal cuadrado.

�Las calles laterales están dispuestas entre pilastras corintias �El gran arco central esta flanqueados por dos grandes pilastras �La parte superior está rematada por un frontón triangular con óculo central. �La obra la ejecutó Luca Fancelli bajo el proyecto de Alberti

3.4.2. San Francesco (templo Malatestiano), en Rímini (1450-1466)

Iglesia encargada a Alberti por Segismundo Pandolfo. �Revistió la fachada en mármol blanco. �Fachada severa a modo de arco de triunfo. �El arco central está flanqueado por dos columnas Compuestas �A ambos lados, sendos arcos que tras no utilizarse se cegaron posteriormente. �El segundo piso costa de dos medios frontones a ambos lados que flanquean un segundo arco de triunfo irrealizado. �Las fachadas laterales forman arquerías

3.4.3. San Sebastián de Mantua. (1460).

Iglesia de planta central, cuadrada con tres ábsides y capillas laterales, dispuestas simétricamente a lo largo de la nave. �Deseo de vincular el presente con la antigüedad. �Los interiores debían ser blancos. Para la decoración se empleaban cuadros y esculturas en vez de frescos. Alberti dispuso dos plantas superpuestas. �La inferior de tres naves separadas por pilares �La superior central cubierta por una gran cúpula irrealizada. Exterior: �El templo se asienta sobre un zócalo. �En cada lateral dispuso dos escaleras que flanquean tres arcos de entrada a la iglesia inferior. �Sobre el friso, soportado por pilastras dispuso un frontón triangular.

Palacio Pitti. Florencia. (Florencia)

Estudio de la perspectiva.

Pantalla de Brunelleschi

4. EL PALACIO EN LOS ESTADOS ITALIANOS DURANTE LA S EGUNDA MITAD DEL SIGLO XV.

El palacio será la tipología arquitectónica que mejor reflejara la nueva arquitectura de la segunda mitad del siglo XV. La tipología de Quattrocento muestra en Italia una gran unidad de modelos con cierta diversidad regional. Las variaciones vendrán por los gustos tanto de los arquitectos como de los propios mecenas. Se darán dos tipologías dentro de los palacios italianos �Palacio florentino, tiene dos subtipos:

- Los proyectados por Michelozzo. El más ejecutado.

- Y el Rucellai, por Alberti. �Palacio veneciano. Otra variante tipológica es la villa o residencia campestre

4.1 E l palacio florentino.

Edificio de corte cuadrangular de perceptible horizontalidad con aspecto de bloque compacto. Pequeña ciudad dentro de una gran ciudad.

�El espacio interior se reparte en torno a un patio, de cuatro crujías y con arquerías al piso inferior. �El palacio hace olvidar el aspecto militar de la ciudad de antaño. �Por lo general compuestos de tres plantas, separadas por molduras. �Rematados en la parte superior por una gran cornisa y tejado saliente �En las plantas superiores son habituales las ventanas ajimezadas. �En las plantas inferiores son habituales los bancos de piedra. �Sometido a las reglas de racionalidad y funcionalismo �Simetría y perspectiva estricta. �Estudio matemático de la proporción. �Las leyes de la geometría se utilizan estableciendo módulos que sirven de medida. �Preferencia de la pilastra frente a la columna. �El tipo de palacio florentino tuvo variaciones según cada región.

- ROMA: Se adoptó la normativa general pero sin olvidar del todo las formas medievales: (Torres, ventanas cruzadas y pilastras octogonales)

Alberti es el mejor representante del estilo florentino. No era partidario del localismo romano del torreón. También le da un apartado en su tratado a la vivienda.

4.1.1. Palacio Médici Riccadi (1444-1464) de Michelozzo.

Este modelo es el más utilizado durante el siglo XV. �De planta cuadrangular y configuración cúbica. �Sólo el almohadillado exterior y su corte macizo hacen recordar la etapa medieval. �Patio interior abierto y porticado, cada crujía actúa de distribuidor. El patio actúa como sistema de ventilación y de iluminación. Exterior: �Tres plantas separadas por molduras, van disminuyendo de altura desde la primera a la tercera. También disminuye el almohadillado... �Las ventanas inferiores están cubiertas por frontones y enmarcadas por arcos de medio punto. �Las ventanas superiores son ajimezadas. �Predominio de la horizontalidad y la estricta simetría

4.1.2. El palacio Rucellai (1447-1460). Diseñado por Albert y realizado por Bernardo Rosellino

Este modelo es el segundo subtipo dentro de los modelos florentinos. Diseñado por Alberti y construido por Rossellino. �Se emplea el cuadrado como modelo geométrico. �Destaca horizontalidad. �La horizontalidad severa se matiza con la verticalidad de las pilastras de fustes lisos. �Uso de las ventanas ajimezadas o venecianas. �Sobre el banco de piedra se aplico el “opus reticulatum” en el zócalo �Almohadillado menos marcado

4.1.3. Palacio Antinori de Giuliano da Maiano (1432-1490) en Florencia.

�Tuvo varios propietarios. �Modelo de ejecución muy simple. � Volumen geométrico, cúbico. � Fachada de piedra de carácter rústico. � Las ventanas están encuadradas en arcos de medio punto. �Tres plantas separadas por molduras. � La parte superior está rematada por un tejadillo saliente.

4.1.4. Palacio Piccolomini (1469) en Pienza (Siena), atribuido a Rossellino.

La importancia de este palacio se halla en que su construcción dio lugar a la formación de una plaza. Comprende en su entorno la catedral y otros palacios.

De esta forma la plaza concentra los poderes civil y eclesiástico. La fachada posterior del palacio, frente al carácter urbano de la principal, se orienta hacia el campo a modo de loggia. Disponiendo de un jardín colgante.

4.1.5. El palacio Pitti (1457-1783), en Florencia, atribuido a Luca Fancelli.

Palacio de apariencia rustica. Proyectado en siete intercolumnios, que en el siglo XVI, se amplio a once al convertirse en residencia de los Médici. � Fachada almohadillada. � Tres plantas separadas por cornisas. En 1558 Bartolomeo Ammanntti trazó alas ortogonales para delimitar el espacio del nuevo patio en la parte posterior del palacio

4.1.6. El palacio Strozzi 81489-1507) De Benedetto da Maiano (1442-1497)

La realización de Benedetto a su muerte fue concluida por Simone del Pollaiolo. �Su factura sigue con fidelidad el modelo de Michelozzo para los Médici. �Edificio elevado de forma cúbica. �Tres fachadas exentas con almohadillado decreciente en altura. �Las dos plantas superiores con hileras de ventanas ajimezadas. �La planta inferior tiene huecos rectangulares. �En su interior el espacio se distribuye alrededor de un patio. �El edificio se remata en su parte superior con una gran cornisa.

4.1.7. El palacio Venecia en Roma (1455)

En su historia tuvo varios usos. Comenzó siendo una capilla palaciega, posteriormente se cedió a la República veneciana como embajada. Construcción eclíptica de influencia medieval y renacentista, donde se mezclan: torres y almenas con el volumen armonioso del edificio y sus tres plantas. Superposición de órdenes en el gran patio. La puerta de la entrada principal da acceso a otro patio rectangular de arcos sostenido por pilastras.

4.1.8. El palacio romano de la Cancillería papal (1483-1486)

Ubicado en u solar trapezoidal, se le incorpora al edificio la iglesia de San Lorenzo in Damaso. Ambos edificios ocupan los dos lados menores y extremos. Su fachada es alargada y comprende tres plantas con huecos entre doble fila de pilastras La planta baja forma un gran zócalo almohadillado con pequeños ventanales de medio punto y sendas puertas. Al piso principal se abren huecos más grandes a modo de ventanas ajimezadas, sobre ellas la rosa, icono de la familia Riario. En el piso superior hay ventanas rectangulares y pequeños huecos. Remate superior en alerón.

4.2. El palacio veneciano.

El estilo de la arquitectura de Quattrocento no se ve tan reflejado en los palacios venecianos como en los florentinos. En Venecia se entremezcla el estilo con el tradicional de la propia ciudad. Las condiciones geográficas hacen necesario que los edificios posean dos entradas una por el canal y otra por tierra. Los edificios se cimentaban sobre pilares y carecen de sótano. Carácter escenográfico de las fachadas producido por su ubicación y por la profusión de elementos decorativos. Su fachada principal multiplicaba sus vanos con ventanas ajimezadas y galerías vidriadas Profusión de pequeñas columnas y chimeneas en forma de embudo.

4.2.2. Ca’ Darrio (1487) de Pietro Lombardo (1435-1515)

Situado en el gran canal de Venecia: �Fachada asimétrica, con influencias góticas y gran riqueza cromática. �Estructurado en tres pisos sobre paramento. �Disposición de logias con ventanas ajimezadas El estilo del Quatrocento se aprecia más en el interior que en el exterior donde aún conserva las influencias del gótico

Villa Belvedere.

4.2.2. C’a Loredan Vendramin Calergi (1481-1509) de Mauro Codussi.

�Su construcción se edificó sobre el agua. �Su fachada se estructura como los florentinos, en tres plantas. �Ventanas ajimezadas entre columnitas. �Superposición de órdenes arquitectónicos.

4.3. La villa suburbana.

La villa es una variante del palacio que adquiere las características de su ubicación. Poco alejadas de la ciudad según el modelo romano: Diseño libre y desenfadado. Empleo de órdenes arquitectónicos Empleo de pórticos con frontones Cuenta con patio y salones. Rodeada por fuentes y jardines. Logias para la contemplación del paisaje. Algunas disponían de explotaciones agrícolas. Villa florentina de Corregí. Villa Belvedere.

4.3.1. La villa Médici de Giuliano da Sangallo (c. 1445-1516)

�Primer modelo de villa florentina del Quatrocento. �Trazado general cuadrado. �Planta baja porticada. �Empleo de órdenes arquitectónicos.

5. LA TIPOLOGÍA HOSPITALARIA.

Esta novedosa tipología tuvo gran difusión en la Europa del Quattrocento Ideado por Il Filarete el hospital de planta de cruz griega transformo al de planta basilical y claustral ulterior. El diseño perduró hasta el siglo XVIII. En ese momento se transformo el espacio en pabellones aislados

Hospital de Santa Cruz de Toledo

5.2. El hospital de los Inocentes (1419-1427) en la Florencia de Brunelleschi.

Edificio de carácter benéfico. Brunelleschi, proyectó y dirigió las obras. Fueron concluidas por Francesco della Luna quien realizó el segundo piso. Espacio centralizado en torno a un patio central. Predominio de la horizontalidad. Pórtico de fachada de tipo logia, decorado con medallones de terracota esmaltada. La iglesia anexa es de tres naves con siete capillas laterales, transepto y crucero con cúpula.

5.2. El modelo hospitalario de “Il Filarete”: El hospital mayor de Milán (1456).

Hay que destacar el Hospital Mayor para la beneficencia. Introdujo novedades en la tipología. Il Filarete proyectó dos edificios en forma de cruz griega que se unían por un patio cuadrado presidido por una iglesia de planta central en un espacio rectangular El lugar de encuentro de cada brazo se cubriría con una cúpula octogonal colocando un altar en este espacio. La tipología del edificio permitía diferentes sales según el sexo y edad... este modelo fue mantenido aunque simplificado en el hospital de Santa Cruz de Toledo.

6. LA CIUDAD ITALIANA EN LA ÉPOCA DEL HUMANISMO

El nuevo pensamiento del Quattrocento pretendía dotar a la ciudad medieval con un carácter racionalista con un sentido geométrico regular. Esta planificación del terreno se debió principalmente ala uvicación en el espacio urbano de la nueva tipología. Del momento. La creación de estas ciudades se llevó a término en la práctica y también en la imaginación. Sobre el papel quedó reflejada la ciudad ideal italiana.

6.1 Las plazas.

La plaza se convirtió en el espacio urbanístico más representativo de la ciudad en el Quattrocento. La plaza de esta centuria es a diferencia de la medieval:

� Más racional. � Uniforme en sus fachadas � Poseían una unidad geométrica reconocible.

� La planimetría se estudiaba matemáticamente. � Las proporciones se corregían por la óptica.

� Simetría centralizada.

6.1.1. La plaza de Pío II en Pienza (Siena) de Bernardo Rosellino

Realizada en el tercer cuarto del siglo XV por Bernardo Rossellino. �Figura trapezoidal: Representación de los poderes políticos, social y económico. �En su lado mayor se dispuso la catedral.

- doble arco del triunfo en fachada. �En su lado menor, el palacio comunal:

- con logia en planta baja �En los otros dos lados.

- Palacio Piccolomini. - “ Borgia de Rodrigo Borgia.

Tras el palacio de los Borgia, se ubicaría una segunda plaza de carácter comercial con mercado. Tras la catedral se halla el valle.

6.1.2. La plaza ducal (1492-1494) de Vigevano de Lombardía.

Circundada por logias uniformes al modo de foro romano. Proyecto atribuido tanto a Bramante como a Leonardo. �Plaza cerrada. �Las calles parten de las arcadas. �Arcos triunfales pintados en las fachadas marcan las entradas. �La plaza sigue el modelo de foro vitruviano (arcadas y dos pisos de viviendas). Tras de una de las fachadas mayores sobresale la torre del castillo de. Ludovico el Moro, sirve de referencia visual. Esta configuración quiere significar la sumisión del municipio a la autoridad Ducal de Sforza.

6.2. La ciudad palacio de Urbido de Federico de Motefeltro (1447)

De configuración medieval fue creciendo esta plaza sobre la cima de una montaña. Esta ciudad en forma de palacio según Baltasar Castiglione, transformó su estructura mientras el palacio ducal se construía con sus dos grandes torres circulares La esbelta construcción sirve de anuncio y referencia visual en el camino hacia Roma anunciando el poder ducal Posteriormente se trazó una vía trasversal de penetración que en su punto medio se encontraba con otra vía que recorría longitudinalmente toda la ciudad. En torno suyo se fue

6.3. Intervenciones urbanas en Ferrera. La “Addizione Erculea”.

Duplicación de la ciudad de Ferrara promovida por el duque Ercole I d’Este. La razón es la de solucionar el problema del aumento demográfico y la dotación de seguridad mediante un nuevo recinto amurallado equipado con diecisiete torres y tres puertas que reflejaban el poder ducal. Este gran proyecto urbanístico del Quattrocento estuvo precedido de otro, en el cual se desecó el delta del Pó para su urbanización. Se creo una planimetría ortogonal formando manzanas de edificios. En la parte vieja se creó una plaza con mercado. El diseño de ampliación se atribuye a Biagio Rossetti (1447-1516). La principal novedad es el trazado viario, en el cual se separaba el tráfico para personas y carruajes. Empleo del uso de la perspectiva para cambiar el trazado de calles según el interés de algunos edificios.

Nicolás V

Sixto IV

Ciudad estado de León Battista Alberti

6.4. Las reformas de Roma durante los pontificados de: Nicolás V (1447-1455) y Sixto IV (1471-1484)

La ciudad de Roma se configuraba a partir de la segunda mitad del siglo XV. En ella figuraban, la sede pontificia y el lugar de encuentro con la antigüedad romana. Los pontificados de Nicolás V y de Sixto IV serán los dos periodos más significativos para el urbanismo romano de Quattrocento. �La labor de Nicolás V fue importante

-Política hidráulica importante. -Desarrollo de la sede vaticana -Ampliación de San Pedro -Reconstrucción del castillo de Sant’Angelo -Reestructuración de las comunicaciones.

De esta manera se crea una pequeña ciudad dentro de una ciudad antigua creándose el lugar sagrado del cristianismo. A pesar de la gran labor de Nicolás V habría que acusarle de vandalismo ya que utilizó como cantera el foro, el coliseo y el Averlino �Sixto IV también llevó a cabo una gran actividad constructiva:

-Trajo a Roma arquitectos de Urbino, para realizar trabajos de restauración -Hospital del Sano Espíritu. -Capilla Sixtina. -Palacio Della Rovere y grandes iglesias. -El puente sobre el Tíber.

6.5. La ciudad regular y unitaria en el tratado de Alberti.

Alberti se mostró partidario de la ciudad circular. Concedió gran importancia al sistema defensivo. La ciudad debía estar protegida por dos murallas, relacionadas por muros trasversales a modo de contrafuertes. La primera más baja que la segunda, precedida por un foso ancho y profundo. Entre ambas habría amplio espacio para que la defensa fuera posible. Dispondría de torres más altas que los muros. Cada puerta de entrada estaría flanqueada por dos torres y puerta habría tantas como caminos reales accedieran a la ciudad. Los caminos eran anchos rectos y lo más cortos posible, se trazaban en lugares abiertos y accesibles para impedir emboscadas. Alberti antes de desarrollar su ciudad se documento en las ciudades antiguas con la finalidad de proporcionar a la suya todo lo necesario. Dentro de su ciudad los espacios se estructuraban jerárquicamente. Para el trazado particular de las calles utilizó los recursos de la perspectiva para realizar soluciones ópticas. Concedió gran importancia a la plaza porticada Regulación matemática de las proporciones.

BIBLIOGRAFÍA:

• Hª DEL ARTE MODERNO I (ARQ DEL RENACIMIENTO. UUDD José Enrique García Melero UNED Madrid 2004. • Historia de los Estilos Artísticos II ED. ISTMO.

• http://www.florencia.es/arquitectura-y-arte/los-palacios/

ESQUEMA REALIZADO POR: Antolín Barrero Pegado .Centro: Mérida.

6.6. Sforzinda, la ciudad imaginaria de “ Il Filarete”

Estaría ubicada en un valle entre colinas y junto a un rio Su forma seria estrellada regular octogonal En torno a ella se dispondría un foso circular donde se inscribiría la figura estrellada del conjunto urbano Prototipo de la autentica urbe fortificada del Renacimiento Las torres quedaban situadas en los ángulos agudos del recinto amurallado y las puertas en los obtusos Sus dieciséis calles se disponían radialmente, que partían desde las puertas a la gran plaza central Los principales edificios se ubicaban en torno a la plaza. Su centro lo ocuparía el palacio comunal, quedando los poderes centralizados. Las plazas comerciales se situarían en sus alrededores El teatro y el hospital ocuparían la periferia.

TEMA 1-2 Arquitectura y urbanismo durante el reinad o de los Reyes Católicos

INTRODUCCIÓN.

1. EL MODELO DE IGLESIA: SAN JUAN DE LOS REYES EN TOLEDO.

� Estilo español de entender el gótico final y acercamiento a la arquitectura del Quattrocento italiano � recuperación del clasicismo greco-romano.

� Eclecticismo historicista � síntesis de ambas tendencias: estilo gótico con elementos clásicos.

Introducción de la arquitectura del

Quattrocento

� Conmemoración victoria en la batalla de Toro. � Uso como templo votivo, residencia palaciega y panteón para la

monarquía.

� Confrontación entre España y Francia por el dominio del reino de Nápoles.

� Uso de la imprenta. � Promotores: El cardenal Pedro González de Mendoza, el fraile

Francisco Jiménez de Cisneros, el filósofo Juan Luis Vives y el filólogo Antonio de Nebrija.

� Preceptores italianos: Pedro mártir de Anglería, Lucio Marineo Sículo y los hermanos Geraldini.

� Creación de la Universidad de Alcalá de Henares. � El pontificado de los papas españoles Calixto III y Alejandro VI.

Difusión del Humanismo en España:

Factores

� Viajes de aprendizaje de artistas españoles a Italia. � Llegada a España de artistas italianos. � Encargo de obras realizadas en los estados italianos. � Importación de libros italianos. � Divulgación de grabados y estampas de monumentos antiguos.

Difusión de la arquitectura

renacentista en España

� Estilo gótico � lenguaje bajomedieval del cristianismo. � Influencia del arte hispanomusulmán. � Elementos propios del gótico centroeuropeo (francés, flamenco y

alemán). � Renovaciones del arte humanístico de la Italia quattrocentista

(clasicismo). Esto ha permitido hablar de estilo isabelino, estilo Cisneros, protorrenacimiento, plateresco... El renacimiento español establece una simbiosis historicista y ecléctica entre varios clasicismos, el gótico y los elementos mudéjares.

Concurrencia de múltiples influencias

artísticas

� Tendencia arquitectónica realizada durante el reinado de los Reyes Católicos estableciendo una relación historicista y ecléctica entre el gótico decorativo final de procedencia centroeuropea, el flamígero o gótico florido y el mudéjar.

� Los moriscos aportaron el uso del ladrillo, el yeso, la madera, el artesonado y el azulejo.

� Resultado de la colaboración entre dos artistas extranjeros que se españolizaron al tomar elementos ornamentales propios y establecer esa simbiosis: el arquitecto francés Juan Guas y el escultor flamenco Egas Cueman.

Estilo isabelino

Convento

� Una nave cubierta con bóveda de crucería gótica. � Cuatro capillas laterales en cada lado entre los contrafuertes. � Transepto alineado y decorado. � Crucero cubierto por cimborio octogonal sobre trompas apuntadas,

sostenido por cuatro pilares (atribuido a Simón de Colonia). � Coro a los pies del templo. � Ábside del presbiterio de forma pentagonal, ligeramente elevado. � Nave dividida longitudinalmente en cuatro tramos con altura de dos

cuerpos: • inferior con arco apuntado que da acceso a la capilla. • superior con ventanales con vidrieras.

� Abundante decoración heráldica y floral. � Claustro de planta cuadrada de dos pisos.

Iglesia

� Emblema de los Reyes Católicos: • Haz de flechas (Isabel). • Yugo de doble nudo (Fernando).

� Iniciales de los monarcas (F e Y). � Grandes inscripciones en fajas en los muros. � Águila de San Juan.

Elementos decorativos:

� Proyecto original atribuido a Juan de Colonia; finalizado por Simón de Colonia.

� Capillas laterales en un solo lado. � Cinco ventanas flamencas en el otro lado, entre los nervios de las

bóvedas. � Compartimentada en varios espacios:

• Seglares, cerrado por una verja de hierro. • Legos, con entrada desde el exterior, con sillería renacentista. • Monjes Cartujos con sillería gótica flamígera y puerta ojival. • Al fondo, presbiterio de carácter funerario, obra de Gil de Siloé,

para contener los sepulcros de Juan II de Castilla, Isabel de Portugal (padres de Isabel I) y su hijo Alonso.

• Retablo mayor de madera policromada de Gil de Siloé.

1.1.- El Monasterio Segoviano del Parral y la cartuja de Santa María de Miraflores

Monasterio del Parral

Cartuja de Santa María de Miraflores

� Diseñado por Juan Gallego en 1452. � Construido por los Reyes Católicos. � Sigue el modelo de las iglesias conventuales de las órdenes

mendicantes.

2. EL PROGRAMA HOSPITALARIO.

1.2.- La capilla real de Granada y Enrique Egas

� Nave única con capillas laterales. � Cabecera poligonal elevada. � Crucero poco desarrollado. � Sacristía rectangular. � Coro a los pies de la nave. � Sin cimborrio. � Construida para uso como panteón real por deseo testamentario de

Isabel la Católica. � Proyecto contratado por Enrique Egas. � Ubicada en el solar de la mezquita mayor, y adosada a la catedral. � Muros interiores decorados por una inscripción, yugo y flechas y

emblemas policromados.

Capilla Real de Granada

� Política de beneficencia: • Atención sanitaria a enfermos. • Asistencia caritativa a la mendicidad.

� Realeza � promotores del Estado � amparo desfavorecidos. � Algunos nobles patrocinan hospitales

Reyes Católicos

� Convento de Santo Tomás de Ávila, fundada por Tomás de Torquemada.

� Convento de Santa Cruz la Real de Segovia, fundado por Tomás de Torquemada.

Otras iglesias con este modelo

� Edad Media: • Forma basilical de tres naves. • Claustral. • Indeterminada � irregularidad � crecimiento anárquico • Algunos diseñados para que los enfermos asistiesen a los

santos oficios desde sus camas � altar visible para todos • Asistencia medica � asistencia espiritual.

� Reyes Católicos: • Planta en forma de cruz griega inscrita en un cuadrado. • En dos pisos. • Esto permitía clasificar a los enfermos o mendigos por sexo,

edad, enfermedad y grado de contagiosidad. • Las cuatro crujías de cierre se destinaban a los servicios. • Altar de la Capilla � intersección de los brazos de la cruz. • Cuatro patios. • Construidos en el último estilo gótico, pero con armaduras

mudéjares � eclecticismo entre lo moderno y lo antiguo. � Ejemplos en España:

• Hospital real de Santiago de Compostela. • Hospital de Santa Cruz de Toledo. • Hospital real de Granada. • Hospital general de Valencia.

Tipología arquitectónica

3. EL MECENAZGO DE LOS MENDOZA Y LA IMPLANTACIÓN DEL ARTE RENACENTISTA EN ESPAÑA.

2.1.- El hospital real de Santiago de Compostela (1499-1516) y Enrique Egas.

2.2.- El hospital real de Granada (1511-1536).

2.3.- El hospital de Santa Cruz de Toledo (1505) de Enrique Egas y Alonso de Covarrubias

3.1.- El colegio de Santa Cruz de Valladolid y Lorenzo Vázquez hacia 1489.

� Promovido por real célula de 1499. � Patrocinado con rentas procedentes de la reconquista de

Granada. � Enrique Egas diseñó la planta con tres brazos de cruz griega con

dos patios entre ellos.

� Fundado por Pedro González de Mendoza para: • Refundir centros hospitalarios. • Albergar niños expósitos.

� Se ubicó en el solar del antiguo alcázar de los godos. � Proyectado por Enrique Egas. � Participa Alonso de Covarrubias:

• Patio de dos pisos de galerías con columna en cada esquina. • Portada: soluciones góticas + citas renacentistas � arco de medio

punto.

� Promovido por real cédula de 1504. � Construido extramuros de la ciudad. � Se finalizó con Carlos I. � Planta de cruz griega inscrita en un cuadrado con cuatro patios. � Crucero en dos pisos. � La capilla no está en el crucero.

� Lorenzo Vázquez inició el cambio de los elementos decorativos: • Aplicó el almohadillado quattrocentista entre los contrafuertes. • Aplicó el grutesco en su puerta circular entre pilastras.

� Los Mendoza: • Originarios de Llodio. • Defensores de los Tratamara. • Nombrados Duques del Infantado por los Reyes Católicos.

� Diego Hurtado de Mendoza patrocinó la construcción: • Del Castillo de Manzanares el Real (Madrid) • Del Palacio del Infantado (Guadalajara).

� Otras obras patrocinadas por los Mendoza: • Palacio de la Calahorra (Granada). • Palacio de Cogollado (Guadalajara) • Palacio y Convento de La Piedad (Guadalajara)

� Pedro González de Mendoza: • Humanista: tradujo a Ovidio y a Virgilio (La Eneida). • Introducción del arte renacentista en España.

� Fray Alonso de Burgos • Patrocina el colegio de San Gregorio. • Se produce la colaboración de Simón de Colonia, Juan Guas y Gil de Siloé.

4. RENOVACIÓN DEL PALACIO GÓTICO.

4.1.- El palacio del Duque del Infantado (1480-1483) en Guadalajara de Juan Guas y Egas Cueman

4.2.- El palacio de Cogolludo (Guadalajara) (c. 1492)

� Patrocinado por el Duque de Medinaceli. � Dos pisos sobre zócalo liso. � Fachada almohadillada. � Portada adintelada simétricamente central. � Frontón semicircular rematando la portada. � Laurea con escudo en el frontón. � Decoración gótica en las seis ventanas del piso principal y de la

cornisa. � Planta rectangular con patio central de arcos rebajados. � Primer palacio español con influencia renacentista. � El arquitecto posiblemente fue Lorenzo Vázquez.

Palacio de Cogolludo (Guadalajara)

� En los palacios se introducen las primeras aportaciones del renacimiento. � Con los Reyes Católicos no hubo una capital fija � corte itinerante. � Residencias de los Reyes Católicos:

• Alcázares: Segovia, Sevilla, Córdoba. • Alhambra de Granada. • Monasterios: Ntra. Sra. de Guadalupe (Cáceres), S. Jerónimo el Real (Madrid), San Juan

de los Reyes (Toledo) o Santo Tomás de Ávila.

� En su construcción trabajaron: • El arquitecto Juan Guas. • El escultor Egas Cueman. • Posteriormente Lorenzo de Trillo realizó la doble galería.

� Modernización de la estructura gótica flamígera por medio del modelo palaciego italiano.

� Patio central de dos plantas. � Abandono de las referencias defensivas en la fachada principal. � Encuentro entre el gótico de Guas y los decorados y artesonados

del mudéjar. � Planta con soluciones propias del humanismo italiano. � Salones con ostentación decorativa. � Fachada decorada con cabezas de clavos. � Portada descentrada a la izquierda entre dos columnas cilíndricas. � Arco conopial mixtilíneo rebajado. � Corona ducal sobre el tímpano. � Galería de columnas germinadas en alternancia con balconcillos

salientes. � Posteriormente se añaden las caballerizas. � Acercamiento al estilo renacentista italiano: artos de medio punto.

� Patrocinado por Antonio de Mendoza. � Atribuido a Lorenzo Vázquez. � Modesta fachada. � Portada con arco de medio punto enmarcado entre dos pilastras. � Frontón triangular (inexistente en la actualidad). � Patio interior cuadrado y de doble piso arquitrabado. � Uso de arquitrabes de madera y zapatas sobre los capiteles, para

dar más altura a las columnas.

Palacio de Guadalajara

BIBLIOGRAFÍA: • Hª DEL ARTE MODERNO I (ARQ DEL RENACIMIENTO. UUDD Jose Enrique García Melero UNED Madrid 2004

ESQUEMA REALIZADO POR: Mª Juana Garrido Rodríguez. Centro: Gregorio Marañón (Madrid). FOTOS: Artehistoria y otros

4.3.- Los palacios de La Calahorra (Granada) (1509-1512) y de Vélez Blanco (Almería) (1506-1515).

� Patrocinado por Rodrigo Díaz de Vivar y Mendoza. � Lorenzo Vázquez hizo el proyecto y realizó la planta baja, y fue

sustituido por un artista genovés. � Desde el exterior parece una fortaleza gótica, con una torre en cada

ángulo. � Patio cuadrado central, con cinco arcadas en cada frente. � Muchos materiales empleados fueron importados de Italia y

realizados por maestros lombardos y genoveses.

Palacio de La Calahorra (Granada)

� Patrocinado por Pedro Fajardo y Chacón. � Realización atribuida a Francisco Florentín. � Patio con trazado irregular.

Palacio de Vélez-Blanco (Almería)

TEMA 1-3 Arquitectura y urbanismo del siglo XVI en Italia

Dividiremos la arquitectura y urbanismo en las dos grandes tendencias de la época, cuyas fechas de referencia serán: - Clasicismo Renacentista de 1480 a 1527 (fecha del saqueo de Roma por Carlos V) - Manierismo, a partir de 1527 Estas fechas sólo son una referencia ya que el límite es difuso, dándose obras manieristas antes del citado saqueo y vuelta al Clasicismo en época Manierista. Convivieron durante años y su diferenciación temporal a veces es muy ambigua.

INTRODUCCIÓN: CLASICISMO RENACENTISTA Y MANIERISMO

� Entendimiento del arte grecorromano de una forma objetiva y uniforme. � Basado sobretodo en el arte griego del s.V a.C y el romano de la época de

Augusto � Equilibrio arquitectónico � Arquitectura religiosa de plan central. Palacios. � Visión monofocal de los edificios

CLASICISMO RENACENTISTA: Características

� Actitud crítica ante las normas demasiado estrictas del clasicismo.

Interpretaciones libres e individuales del arte grecorromano � Basado más en la sutileza del arte griego del S.IV a.C. � Lo decorativo gana terreno a lo estructural � Se rompe con las principios de las proporciones y armonía y los edificios se

diseñan para ser contemplados desde distintos puntos de vista � Manipulación de los espacios para dar una sensación contraria a la realidad

de las auténticas dimensiones

MANIERISMO: Características

1. EL CLASICISMO COMO ESTILO ÚNICO: DONATO BRAMANTE (1444-1514)

1.1. Estancia de Bramante en el Milán de Ludovico el Moro (1476-1500)

� Coincidió Leonardo da Vinci � Formado como pintor en el círculo de Piero Della Francesca y como arquitecto por

medio del estudio de las obras de Bruneleschi y Alberti � Aplicó la pintura a la arquitectura creando así espacios ilusorios desde un único

punto de vista central � Arquitectura decorativa y escenográfica, un tanto pictórica.

Principales obras:

� Prebisterio Santa Maria Presso San Satiro � Prebisterio Santa Maria delle Grazie � Santa Maria de Abbiategrasso

1.2. Bramante en Roma (1500-1514)

� Abandona su concepción escenográfica casi pictórica � Da un aire nuevo a los principios de arquitectura clásica � Arquitectura universal y uniforme, sin tiempo concreto, sometida geométrica y

matemáticamente a los principios de la proporción. � Hombre tomado de forma armónica como medida ideal de los edificios � Clasicismo pleno

2. MIGUEL ÁNGEL: LA ARQUITECTURA COMO REPRESENTACIÓN

2.1. Florencia (1523 -1534, 1571)

� Sacristía nueva de la iglesia de San Lorenzo

� Aumentó la sensación de perspectiva con innovaciones significativas � Integración de arquitectura y escultura (sepulturas)

� La biblioteca Laurenziana

� Uno de los orígenes de la arquitectura del Manierismo � Juego ambiguo funcional de los distintos elementos � Contraste bicromático que favorecen un efecto pictórico

Principales obras:

� El templete de San Pietr o in Montorio (1502) � El pórtico del Belvedere (1506) � Proyecto para San Pedro del Vaticano (1505)

2.2. Roma (1534-1564)

Plaza del Campiodoglio Miguel Ángel compaginó su labor principal como escultor y pintor con algunas obras arquitectónicas entre la que destaca en encargo de Paulo III Farnese de reformar la plaza del Campidoglio. Planta trapezoidal, pavimento en forma oval con ornamentos en forma de estrella. Estatua ecuestre del emperador Marco Aurelio centrada en la forma oval. Ambigüedad de espacio y perspectiva. Concepción manierista. Jerarquización de la ciudad a distintos niveles (poder municipal, eclesiástico, urbe) Para lograr la urbanización total de la plaza tuvo que remodelar las fachadas de los dos palacios (Senatorial y de los Conservadores) y crear un tercero (Nuevo) que no se concluiría hasta finales del XVII.

2.3. San Pedro del Vaticano (1546 -1564)

Aceptó de muy mala gana el proyecto al contar ya con 72 años y no considerar la arquitectura un arte de su especialidad. Abandonó los diseños realizados por los sucesores de Bramante y volvió a su maqueta de 1547. Planta central en forma de cruz griega con una cúpula de 42 metros con una gran carga simbólica. No llegó a verla terminada.

� Obra arquitectónica más significativa de Rafael. Encargada por el cardenal que llegaría a ser papa Clemente VII.

� Se proyectó con un patio central en forma circular al que se anexionaba un teatro de planta semicircular. No se llegó a realizar en su totalidad.

� Relaciones entre esta obra y el palacio con teatro del Farnesio en Piacenza de Vignola y el Belvedere de Bramante

� Introdujo cambios en villa Madama a la muerte de Rafael. Patios porticados de planta circular. � El palacio de Té en Mantua fue una de sus grandes obras, d la que destaca el pórtico principal en

avance de la planta principal.

� La farnesina. Planta en forma de U. Inspirada en los textos de los poetas que describen las antiguas villas. Ejemplo máximo del clasicismo.

� Massimo alle Colonne. Manierista. Irregularidad de la fachada, en orden rústico y lisa como el interior y el patio. Efectos de luces y sombras. Ejemplo máximo manierista.

3. RAFAEL (1483-1520), COMO ARQUITECTO, Y SUS DISCÍPULOS GIULIO ROMANO Y BALTASARE PERUZZI

� Ha quedado una visión parcial de sus composiciones arquitectónicas � Punto de vista prácticamente manierista. Sus obras no se contemplan desde una

perspectiva monofocalsino de forma fragmentada al destacar las partes sobre la totalidad de los edificios

3.1. La villa Madama (c.1516), villa con ‘cortile’ circular y teatro

3.2. Giulio Romano (1499 -1546) y el palacio de Té en Mantua

3.3. Baldasare Peruzzi (1481 -1536): La Farnesina (1507 -1511) y el palacio Máximo alle Colonne

4. PROYECCIÓN DE SAN PEDRO DEL VATICANO EN LA ARQUITEC TURA RELIGIOS A

� Cola de Caparaola, Antonio Sangallo el Viejo y Antonio da Sangallo el Joven hicieron obras de plan central, como influjo de obras maestras como la de San Pedro del Vaticano.

� La iglesia de la Madonna de San Biagio, llevada a cabo por Antonio Sangallo el Vejo

es casi una fiel reproducción el proyecto de Bramante para el vaticano.

5. ANTONIO SANGALLO EL JOVEN (1483 -1544) Y EL PALACIO DEL CINQUECENTO

� Había trabajado en San Pedro del Vaticano según el proyecto de Bramante y después como ayudante de Rafael hasta su muerte, momento en el que fue nombrado director de esa fábrica y responsable por tanto de todas las obras arquitectónicas que se hacían para el papa.

� Su obra principal es el Palacio Farnise, que fue concluido por Miguel Angel, Vignola y Giacomo de la Porta. Concepción totalmente clásica. Planta rectangular con patio cuadrado central. . En dicho patio superpuso los tres órdenes. Inspirado en el antiguo teatro Marcelo.

6. EL PALACIO DURANTE EL SIGLO XVI

� Parte del florentino del siglo XV pero abandona alguna de sus características más significativas, como el empleo del almohadillado. El palacio romano se muestra más fiel a la antigüedad.

6.1. Michele Sanmicheli (1484-1559) y sus palacios en Verona y Venecia

� Clara diferenciación con los palacios florentinos � Patio interior pierde identidad a favor de la construcción de amplios vestíbulos � Verona: Belivacqua, Canossa y Pompei � Venecia: Grimani y Cornaro (sin foto)

7. PLASTICIDAD DE LA ARQUITECTURA VENECIANA

� Asumió a partir de 1527 los principios de la arquitectura renacentista. Características distintivas, tradición gótica, urbe escenográfica. Principal autor, Jacopo Sansovino

7.1. Jacopo Sansovino (1486-1570) � Se formó en Roma junto a Giuliano da Sangallo y también trabajó en Florencia como

escultor � Su principal obra se realizará en Venecia a partir de 1527

7.1.1. La librería Nuova de San Marco (1537) � Ubicada enfrente del Palacio Ducal � Utilizó el pilar cuadrado con columna adosada, una de las notas más características de

su arquitectura junto con la doble columna. � Integración de la escultura en la fachada y equilibrio entre su horizontalidad y los

elementos verticales.

7.1.2. Los palacios Dolfin y Corner (Dolfin) � Planta irregular dentro de una forma general trapezoidal. � Superposición de los diferentes órdenes arquitectónicos (dórico, jónico y corintio)

(Corner) � Sistema de palacio veneciano tradicional pero con elementos romanos y florentinos � En la fachada principal juega con les elementos para crear efectos ópticos de perspectiva

8. LA COMPAÑÍA DE JESÚS (1534), EL CONCILIO DE TRENTO (1545-1563), Y LA ARQUITECTURA DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XVI

La compañía de Jesús

� El papa Paulo III reconoció la compañía de Jesús, fundada por Ignacio de Loyola en 1534 en 1540.

� Entre sus reglas figuraban la obediencia total y el servicio incondicional al pontífice y a sus superiores.

� Fue uno de los principales instrumentos de promoción de la Contrarreforma. Una manera de conseguirlo era a través de las artes y las ciencias, que se ponían al servicio de la iglesia.

� Repercutió especialmente en la arquitectura religiosa por medio de la formulación de una iglesia peculiar

El Concilio de Trento

� Convocado en 1545 por Paulo III para corregir los desórdenes de la Iglesia y con el

objetivo de restablecer la unidad. � Tras un par de interrupciones, Pío IV lo clausuró en 1563 quedando perfectamente

definida la doctrina de la iglesia católica apostólica y romana. � Influyó más en las artes figurativas, debido a las posibilidades didácticas para enseñar el

dogma � Se establecieron unas normas para establecer la forma más adecuada de representar

tanto a la Trinidad como a la Virgen y a los Santos

9. VIGNOLA (1507-1573), COMO TEÓRICO DE LA ARQUITEC TURA Y COMO CREADOR DEL PROTOTIPO CONTRAREFORMISTA

9.1. La regla de los 5 órdenes de Arquitectura

� Libro claro, sistemático y eminentemente práctico asumido como manual didáctico para los estudiantes de esta disciplina.

� Los órdenes eran toscazo, dórico, jónico, corintio y compuesto basado en la relación constante, entre el pedestal, la columna y el entablamento para todos ellos. El módulo era el radio de cada columna

� Abrió el camino del barroco porque permitía libertad en el empleo de los órdenes y defendió el uso de la columna salomónica.

9.2. El palacio Farnesio en Caprarola (1559-c.1575) y la villa Giulia (1550)

� En el palacio, la severidad clásica convive con el carácter lúdico y la libertad del

llamado Manierismo. � La villa Giula fue encargada por el papa Julio III. Es una de las más representativas

del Manierismo. Contrasta el lujo decorativo del interior con la severidad del exterior.

9.3. Il Gesù en Roma (1568-1584) de Vignola y su fa chada proyectada por Giacomo Della Porta en 1571

� Obra más importante de Vignola realizada por encargo de la Compañía de Jesús. � Fue un modelo muy imitado en otras iglesias del siglo XVI y XVII � Prototipo de templo contrarreformista. Severidad en su fachado y riqueza decorativa

en su interior. � Planta basilical de una sola nave longitudinal cubierta por medio de una bóveda de

cañón que se rodea de capillas entre los contrafuertes excepto para formar el brazo del crucero

� Ábside semicircular sin deambulatorio � Proyecto de fachada sirvió de modelo para muchas iglesias barrocas fue diseñado

por Giacomo Della Porta. � Tras un par de interrupciones, Pío IV lo clausuró en 1563 quedando perfectamente

definida la doctrina de la iglesia católica apostólica y romana. � Influyó más en las artes figurativas, debido a las posibilidades didácticas para

enseñar el dogma � Se establecieron unas normas para establecer la forma más adecuada de

representar tanto a la Trinidad como a la Virgen y a los Santos

10. ARQUITECTURA Y ESCENOGRAFÍA EN VENECIA: ANDREA PALADIO (1508-1580)

Palladio llegó a Venecia al final de las vidas de Sansovino y de Sanmicheli con motivo de un concurso del año 1554 para reconstruir el puente de piedra de Rialto. Su proyecto no fue elegido a favor del de Antonio da Ponte por no ajustarse a las normas del estilo veneciano de la época.

10.1. Andrea Palladio: la última opción del clasici smo renacentista

� Partió de forma sincrética de las propuestas tanto ortodoxas como heterodoxas de la primera mitad de esta centuria para crear un lenguaje original y libre por medio de la abstracción

� Destacó principalmente como proyectista de palacios y villas , y también por recuperar la tipología del teatro a partir de la Antigüedad clásica

� Trabajó sobre todo en Vicenza, Padua y Venecia

10.2. Palladio como teórico: “I quattro libri dell’ Architectura” (1570)

� Tratado práctico por su concepción didáctica que muestra cómo construir diferentes tipologías arquitectónicas como los palacios y las villas suburbanas y otros edificios civiles y religiosos.

� Gran influencia en la arquitectura civil de la Inglaterra de los siglos XVII y XVIII � Concedió una función principal a la columna exenta e ideó el denominado tramo

rítmico. Buscaba la armonía por medio de la repetición de un tema constructivo. � Arquitectura muy elegante con líneas muy severas.

10.3. Modelos de palacios y villas de Palladio

� Creo una manera peculiar de entender la arquitectura, denominada palladianismo,

basada en la libre recreación de la Antigüedad grecorromana, que es asumida a la manera helenística con mucha libertad interpretativa

� Aplicó el racionalismo arquitectónico en pos de la funcionalidad � Proyectó más de 20 villas, compaginando la suntuosidad formal de sus edificios con

el empleo de unos materiales bastante más económicos aunque hay excepciones como la de la rica familia Cornaro.

10.4. La nueva fachada de la basílica de Vicenza

� Totalmente renacentista a base de la superposición de dos series de loggias de

arcos de medio punto � Motivo serliano (también llamado Palladiano), uso de un vano tripartido que separa

por medio de columnas delgadas su parte central más ancha que las dos laterales � Cierta similitud con el coliseo de Roma

10.5. Palacio Chiericati en Vicenza

� Mismo esquema que la basílica, fachada con dos loggias superpuestas, en esta ocasión arquitrabadas.

� De nuevo alternó el uso de dos órdenes arquitectónicos: dórico-toscano con basa en la planta baja y jónico en el piso superior.

� Los elementos de la fachada ayudan a crear efectos de claroscuro

10.6. La Rotonda en Vicenza

� El modelo de villa de Paladio, con su bello ideal clásico, fue el proporcionado por la Rotonda en Vicenza

� Significa la aplicación del plan central con cúpula, propio de la arquitectura religiosa de la época, a un edificio de carácter civil.

� Se inspira en el panteón de Roma en la forma de su planta � Juego de figuras geométricas: planta cuadrada y alzado cúbico, con una

monumental media esfera que cubre el salón central y principal, que es circular. � Cuatro fachadas iguales e independientes con un pórtico a modo de templete

hexástilo de orden jónico. � No hay precedentes pero sí sirvió como modelo para posteriores arquitecturas (Casa

Blanca de Washington) 10.7. Otras villas de Palladio

No resulta posible clasificar a todas estas villas tan funcionales dentro de un mismo modelo, aunque casi todas ellas presenten un pórtico-logia en la fachada principal, préstamo de la arquitectura religiosa a la civil.

� Cornaro. Proporciones perfectas. Planta general central y cuadrada que se alarga por medio de aplicación de módulos en los extremos

� Villa Barbaro. Pórtico centrado entre dos galerías de arcos de medio punto. � Villa Emo. Se eleva sobre un podio al modo de templo griego. � Malcontenta. De planta rectangular, la sala central tiene forma de cruz.

Esquema realizado por: Jose Luis Pineda Requena

BIBLIOGRAFÍA: • Hª DEL ARTE MODERNO I (ARQ DEL RENACIMIENTO. UUDD Jose Enrique García Melero UNED Madrid 2004

10.8. El teatro Olímpico (1580) de Vicenza y Vicenz o Scamozzi

o Se mostró obsesionado por la recuperación del teatro antiguo tal como lo describía Vitruvio.

o Le fue encargada la reconstrucción el mismo año de su muerte. o Modelo representativo de la visión recreada renacentista del antiguo teatro romano. o Frente a la opción formal de cavea, diseñó un auditorio con figura semielíptica

longitudinal y truncada por el lado del espectador. o Cubrió el anfiteatro con un techo pintado a imitación del cielo o Continuó las obras Vicenzo Scamozzi. Construyó el foro scenae o escenografía fija,

articulado en tres niveles de altura. o Esta obra inauguraba el siglo del Barroco, durante cuyo transcurso se realizaron los

principales modelos de teatros.

Hecho por: Carmen Bencomo Pérez Zamora

Tema 12. Arquitectura y urbanismo del siglo XVI en Europa

• El máximo esplendor del Renacimiento Francés se produjo en los últimos años del reinado de Francisco I.

1. Francia. El proceso de asimilación de las formas i talianas .

Los “Châteaux”

• A partir del S. XVI se construyó en Francia una brillante serie de “châteaux”, equivalente, en arquitectura civil, a la riquísima serie de construcciones eclesiásticas de la época medieval.

• En estos edificios la decoración italiana invadirá todas las partes, • pero, en cambio, seguirá siendo francesa la disposición y el plan, así como los grandes tejados

muy inclinados, cubiertos de pizarra y surcados de chimeneas y grandes ventanales. • Por otra parte, el adorno será renaciente en cuanto al motivo, • pero no en cuanto al estilo, pues seguiremos viendo arcos flamígeros. • La organización es la siguiente:

1. disposición horizontal, 2. amplios vanos cuadriculados, 3. lumbreras coronadas con frontón y escalera monumental mirando al patio y 4. de forma helicoidal y poligonal.

• Hacia 1528, Francisco I abandona estos castillos de la región del Loira, y se traslada a la Isla de Francia.

• Los castillos adquieren más sencillez y grandeza, pero pierden gracia y pintoresquismo.

La arquitectura de la región del Loira

Castillo de Chambord . • La planta es rectangular, tiene un cuerpo central cuadrado. Posee cierto concepto

medieval de fortaleza defensiva. • Es una zona muy fría por lo que existen muchísimas chimeneas, además el techo es

inclinado para que no se acumule la nieve, la ventana en cruz es típica de los Países Bajos, es una construcción que no se puede confundir con ninguna construcción italiana.

• Debajo de la cúpula existe una escalera helicoidal que se relaciona con Bramante. Castillo de Blois .

• La obra adapta soluciones italianas como la logia. Es una arquitectura abierta con dos logias y una galería adintelada.

• El acceso se produce por el patio, por una escalera exterior de tipo helicoidal. Aparece el símbolo de la monarquía francesa que representa a unas salamandras con corona.

Castillo Azay Le Rideau . • Castillo que posee una torre apuntada en cada esquina.

Castillo de Amboise . • Es una construcción en cuyo eje se encuentra la capilla, en dicha capilla se encuentra

enterrado Leonardo. Castillo de Chenon Ceaux .

• El castillo se encuentra sobre el río. El diseño del castillo es original, posee sólidos pilares, se abren arcos para que pase el río.

• Es un castillo que poseía un puente levadizo para entrar. • Las buhardillas se cubren por frontones. Se encuentra entre la tradición medieval y la

modernidad. Castillo de Fontainebleau.

• Acercamiento de la arquitectura francesa a un clasicismo más sencillo, • La escalera, La gruta de los pinos. (De Serlio), La gruta de los pinos, La biblioteca. Sigue el

modelo italiano con bóvedas de cañón

Castillo de Blois - castillo de Chambord,

Chambord (Escalera) - patio cuadrado del palacio del Louvre - Hôtel Carnavalet

Influencia Italiana - Serlio; y l os grandes arquitectos franceses: Pierre Lescot y P hilibert Delorme.

La influencia italiana: “Los ocho libros de arquite ctura” (1540-1575) de Serlio y su pragmatismo. • Serlio aceptó en Francia � encargos privados, • único que se mantiene actualmente en forma reconocible es � Castillo de Ancy-le-France,

construido alrededor de 1546 cerca de Tonnerre en Borgoña. Pierre Lescot (1510-1578).- • Gozó del favor de la Corte y del trato con humanistas; • tan sólo se conoce un edificio suyo, el que le encargó Francisco I (1546), • la remodelación del Louvre.

1. El resultado fue el ala oeste del patio cuadrado, 2. cuya fachada se resuelve con 2 órdenes superpuestos y 3. un ático, dispuestos con un delicado ritmo de pilastras y arcadas, 4. de frontones con arco o triangulares, y cubiertas inclinadas a la francesa.

Philibert Delorme (h. 1510-1570).- • Buen conocedor del arte renacentista a causa de sus viajes a Italia. • Era un ingeniero, amante de estructuras complejas e ingeniosas, • supo combinar la ciencia de la ingeniería con la monumentalidad del Clasicismo italiano. • Fue nombrado superintendente de obras por Enrique II. • Construyó la tumba de Francisco I (con esculturas de Pierre de Bontemps)

1. cuerpos yacentes y la imagen áulica de los orantes, 2. estableciendo una afirmación del triunfo sobre la muerte y lo perecedero.

• Acabó el castillo de Villers-Cotterets e • intervino en diversos sectores de Fontainebleau. • El Castillo de Saint Maur constituye el 1er. intento de decorar un edificio con un solo orden de

pilastras • Castillo de Anet del que se ha conservado el “Frontispicio” (presenta 3 órdenes, dórico, jónico y

corintio, • “La Capilla” (espacio circular cubierto por cúpula cuyo suelo muestra un diseño formado por

círculos que es la proyección del trazado de la cúpula), y la puerta de entrada.

Castillo de Anet: entrada, ala izquierda y capilla Castillo de Ancy (Serlio)

Palacio. Las “prodigy houses:

Hengrave Hall en Suffolk (1534) y Hampton Court Palace (1514 – 1540). Hengrave Hall fue construida para el comerciante responde al tipo medieval con su patio Thomas Kytson. central, la inclusión de torres en los ángulos y amplia portada.

Decorativismo y escultura en la Escuela de Fontaine bleau.

• En Francia, las formas italianas se funden a comienzos del S. XVI, con cierta supervivencia borgoñona, en las figuras realistas, levemente melancólicas en los sepulcros.

• Es característico de la escultura funeraria de este tiempo, 1. el realismo extremo en la representación de los difuntos, a veces presentados como cadáveres

en putrefacción dentro del sepulcro, que contrasta con la monumentalidad heroica de las figuras arrodilladas en la parte sup. (Tumba de Enrique II y Catalina de Medicis en Saint Denis, 1560-70).

2. Esto, que pudiera considerarse supervivencia del gótico final, culmina en Ligier Richiez (1500-1567) que representa la Muerte, en la tumba de Rene de Châlon .

2. Arquitectura del XVI en Inglaterra: resistencias y pervivencia de lo gótico

El estilo gótico Tudor. Las características de este estilo serán: - Su punto de partida � estilo perpendicular - Se suele combinar � ladrillo con la piedra caliza. - Hay una permanencia � modelos medievales . - Siguieron empleándose los grandes ventanales � maineles propios del gótico vertical. - Las columnas � pequeñas dimensiones + muy decoradas, � pasando a desempeñar papel

ornamental. - Decoración a base de filigranas + decoración strapwort, = cintas y correas. - Los edificios se llenaron de � torrecillas, cresterías y chimeneas agrupadas. - Se aplicó la techumbre de madera � imita la piedra y paneles de roble

Robert Smythson (1533 – 1614) y las “country houses”. Longleat house: - prototipo de las prodigy houses del reinado de Isabel I.- - Copia el palacio de Ancy-le-Franc de Serlio Wolaton Hall: - muestra ya una disposición simétrica que lo acerca al clasicismo. - se acomoda a la regularidad y simetría propias del clasicismo y

- se muestra totalmente funcional

Longleat house (1568 – 1580) y Wolaton Hall (1580 – 1588).

3. Arquitectura del XVI en Alemania: Residenz y Rat haus

- El Renacimiento alemán asumió un matiz romántico e inconformista - La arquitectura del Imperio durante el siglo XVI reflejaría:

1. La puramente decorativa: 2. La estructural:

A. Los palacios residenciales: - El castillo e Heidelberg. Muestra un claro eclecticismo entre las influencias flamencas e

italianas. Así emplea la superposición de órdenes a base de pilares y columnas - Munich Residenz.

Heidelberg Munich Residenz B. Los ayuntamientos o rathaus: de Colonia y de Nuremberg son dos ejemplos representativos de este tipo

de edificios. El ayuntamiento, o Rathaus, de Colonia: cuerpo clasicista � modo de gran pórtico. La fachada � dos plantas que se abren como doble galería + grandes arcos semicirculares entre columnas compuestas sobre altos plintos. El ayuntamiento de Nuremberg la construyó Jacob Wolf. Aunque presenta una traza general clásica al modo Renacentista, muestra alguna característica propia del Barroco.

• Suele atribuirse a Juan de Herrera la participación en los proyectos de este monasterio, cuya construcción fue llevada a cabo por Filippo Terzi y continuada a su muerte por Baltasar Alvares.

Felipe II, Filippo Terzi y la supervisión de Juan d e Herrera.

• La colaboración entre Felipe II, Filippo Terzi y Juan de Herrera tiene lugar durante la efímera unidad entre los distintos Reinos españoles y Portugal:

1. Monasterio de los Agustinos de San Vicente de Fora (182 – 1629): Juan de Herrera, Filippo Terzi y Baltasar Alvares.

Otras obras de Terzi:

2. Torreón de paço da Ribeira. Su remodelación por Terzi y Herrera.

3. Palacio del marqués de Castelo Rodrigo.

4.- Arquitectura del XVI en los Países Bajos: e l predominio de la arquitectura civil

• La arquitectura religiosa fue muy reacia a abandonar el gótico, motivo por el cual las muestras iniciales de la renovación estilística se hallan en la de carácter civil.

• La penetración de las nuevas tendencias se aprecia en: 1. la Ancienne Greffe de Brujas; 2. el Palacio Granvela (Bruselas); y 3. particularmente en la fachada del Ayuntamiento de Amberes (Cornelis de Vrient)

centrada por un cuerpo que se resuelve con el ritmo de un tema de arco de triunfo. • En Holanda se crea durante el S. XVI una arquitectura que luego fue muy imitada en los países

germánicos. � Caracterízase por el empleo de ladrillo y sillares, que dan gran robustez a los edificios, al par

que le prestan un elemental adorno polícromo. � Así aparece ya el Ayuntamiento de La Haya y � más tarde la lonja de los Carniceros de Harlem (Lieven de Key). � En Amsterdam se conservan muchos edificios levantados por Hendrik de Keyser, acaso el

mejor arquitecto holandés.

Fachada del Ayuntamiento de Amberes.

BIBLIOGRAFÍA: • Hª DEL ARTE MODERNO I (ARQ DEL RENACIMIENTO. UUDD José Enrique García Melero UNED Madrid 2004. • Historia de los Estilos Artísticos II ED. ISTMO.

FOTOS • www.Wikipedia.es

ESQUEMA REALIZADO POR: Rosa M de la Torre Tercero. Centro Asociado ELCHE

Construcciones principales: monasterio de Santa María de la Victoria en Batalha, el convento de Cristo en Tomar, la Torre de Belém y el monasterio de los Jerónimos en Lisboa, la iglesia matriz de Évora. Monasterio de Batalha: concepción gótica primitiva con influjos cistercienses, asume después cierta influencia del llamado estilo perpendicular inglés y llega a alcanzar hasta el decorativismo del manuelino

El monasterio de los Jerónimos (1501) y La torre de Belém (1515 – 1519) en Lisboa. De Diego Boytac : Cuenta con planta de salón de Francisco de Arruda: Decoración a base con tres naves de idéntica altura. de cuerdas.

El claustro de Juan III en el convento del Cristo de Tomar. Diego de Torralba (1500 – 1566) y Filippo Terzi (1520 – 1597: De doble piso y con la ortodoxa superposición de órdenes arquitectónicos, dórico en el inferior y jónico en el superior, las cuatro pandas se disponen a modo de un doble pórtico. En las esquinas del claustro se ubicaron las escaleras.

5.- Arquitectura del XVI en Portugal

Sacrificio de Isaac (versiones de Ghiberti y de Brunelleschi)

TEMA 07-ESCULTURA ITALIANA DEL QUATROCCENTO

2. La representación tridimensional del relieve.

1. Características generales

1. Convocatoria de un concurso para realizar relieves en las puertas del Baptisterio de la catedral de Florencia al que se presentan Ghiberti y Brunelleschi.

2. Ambos escultores respetan la segunda parte de la leyenda bíblica. 1. Brunelleschi trabajó pieza por pieza sueltas para ensamblar al final el conjunto, lo que le permitió

extraer mayor expresividad y emotividad de cada figura. Ghiberti ha concebido el conjunto mejor ensamblado en tres planos graduales donde la línea secuencial brilla con más claridad, y muestra ya un cierto dominio de la perspectiva.

2. La obra de Brunelleschi es mas estática y de mas rigidez en la perspectiva, pero el golpe de vista está mejor conseguido que el de Ghiberti, por que la composición triangular permite hacerse cargo del asunto de una sola vez.

3. El relieve de Brunelleschi destaca a Isaac en el centro, en el de Ghiberti es Abraham el que ocupa el centro.

4. Ambos cuidan las anatomías, las proporciones, el plegado de los ropajes. 5. Ghiberti mesura las actitudes y Brunelleschi apuesta más por una violencia notoria en las posturas

y en las miradas. Los dos citan a los antiguos, concretamente a la columna trajana, en cuanto a proporciones, volúmenes, modelado.... y los dos pretenden mostrarnos una escena desde su punto de vista, no solo subjetivo sino perceptual. Gracias al punto monofocal podemos percibir las escenas casi continuas, como una historia conclusa.

6. El trabajo de Ghiberti es más difícil de interpretar pues el fino modelado, la continuidad compositiva, la gradación de planos y la profundidad consiguen una escena cerrada. El de Brunelleschi es más cortante y rígido en la planificación, aunque lo supere en la potencia expresiva y en la unidad focal.

7. Brunelleschi interpreta ya según el modo renacentista, dirige la escena y sitúa a los personajes donde le interesa. Ghiberti es aún goticista, permite que sea Abraham quien ordene el espacio.

• Al principio permanecen algunos elementos goticistas (gusto por lo curvilíneo, elementos anecdóticos, etc.) pero pronto desaparecen.

• No se elaboran tantas normas o cánones como en la arquitectura. • Profundo realismo que se aleja del espiritualismo gótico; esto no excluye cierta

tendencia a la idealización. • Humanismo: preocupación por la figura humana, por el desnudo y la anatomía, por la

expresividad. • El interés por el hombre queda patente en el desarrollo del retrato en el que se quiere

individualizar a un personaje. Los retratos pueden ser: de busto, ecuestres, funerarios, etc.

• En los relieves alcanzan gran perfección los estudios de perspectiva con la que se logra la sensación de espacio y profundidad.

• Temas: cristianos, mitológicos, retratos, temas de la infancia. En España no se dan los desnudos por el enorme poder de la Inquisición.

Fuente Gaia, puerta principal de San Petronio Monumento funerario de Hilaria del Carretto

Ghiberti (1378 -1455),

Autor de transición entre el Gótico y el Renacimiento. Continúa la trayectoria iniciada por los Pisano. Destaca por la visión pictórica de los relieves:

- Gradúa el relieve desde formas casi imperceptibles en el fondo hasta casi un bulto redondo en el primer plano. - Ordena las escenas en planos: aumenta el efecto de profundidad y perspectiva. - Todo esto manifiesta una fuerte influencia clásica (Ara Pacis). - Fondos de paisajes o arquitecturas sobre los que se dispone un gran número de figuras: perfecta relación figura-espacio. - Formado como orfebre, de ahí su preocupación por los detalles y lo puramente decorativo.

Sacrificio de Isaac (para el concurso de las puertas del Baptisterio de Florencia). Relieves de la Puerta Norte. Baptisterio de Florencia. Relieves de la Puerta del Paraíso. Baptisterio de Florencia.

Jacopo Della Quercia (1374 -1438)

Donatello (1368 -1466)

- Busca los efectos plásticos y la pureza de las figuras. - Centra su atención en la figura humana: formas robustas, monumentales - Prescinde de los paisajes, de los fondos arquitectónicos y de los detalles.

Tumba de Ilaria del Carretto. Relieves de la puerta de San Petronio. Bolonia. Fuente Gaia. Siena.

Es el escultor más importante del siglo XV. Se caracteriza por el humanismo, realismo, naturalismo y expresividad.

- Representa al hombre en todas las edades, tipos y actitudes de ánimo. - Introduce el tema del desnudo, abandonado desde la época romana. - Difunde el retrato: quiere representar el carácter del individuo. - En el relieve utiliza la técnica del aplastado. De manera que las figuras apenas se destacan del fondo; sin embargo, consigue sensación de espacialidad al colocar las figuras en planos superpuestos. - Al final de su vida practica la técnica del inacabado para aumentar el carácter expresivo. - Influirá en las obras de juventud de Miguel Angel.

San Marcos San Jorge David El Zuccone Cantoría de la Catedral de Florencia. Estatua ecuestre del Condottiero Gattamelata

San Marcos y San Jorge El David El Gatamellatta

El Colleoni Putto con Delfin

- Sus figuras reflejan el lado agradable de la vida. - Aspecto popular: temas femeninos y de la infancia. - Usa una nueva técnica cerámica vidriada y policromada (figuras en blanco sobre fondo azul).

Cantoría. Catedral de Florencia. Vírgenes con el Niño.

Luca Della Robbia (1400 -1482)

Andrea Verrochio (1435 -1488)

- Parte del realismo de Donatello hasta alcanzar una gran expresividad. - Figuras de actitudes nerviosas, violentas. - Preocupación por la anatomía.

David. Estatua ecuestre del Condottiero Colleoni.

o Formado como orfebre y trabajador en metal o Obra en bronce � Hércules y Anteo o También era pintor y grabador. o En el grabado la Batalla de diez hombres desnudos , �

conocimiento de la anatomía

Antonio de Pollaiuolo (1413 -1498).

ESQUEMA REALIZADO POR : Fernando Cárcamo Cubero (C.A.- Calatayud)

BIBLIOGRAFÍA: � Hª DEL ARTE MODERNO II (PINTURA Y ESCULTURA DEL RE NACIMIENTO) UUDD

ESÚS MIGUEL VIÑUALES GONZÁLEZ. UNED MADRID 2004

FOTOS:

� Artehistoria y Wikipedia.

3. OTROS ESCULTORES DEL SIGLO XV ITALIANO.

- Desiderio da Settigano: dominó las figuras de niños por su dulzura, gracia y expresividad, con un movimiento contenido dentro de un esquematismo riguroso y sencillo. Obras: sepulcro de Carlos Marssupini, Busto de doncella florentina, Marieta Strozzi, relieve Cristo y San Juan Bautista. - Antonio di Duccio: seguidor de alguna técnica donatelliana. Obras: fachada del Oratorio de San Bernardo en Perugia, Templo Malatestiano de Rimini. - Mino da Fiesole: sigue un estilo amable sin añadir estructuras o cambios novedosos, las decoraciones son exquisitas. Obras: sepultura de Salutati, sepultura de Ugo de Magdeburgo en Florencia, Tabernáculo de los Santos Óleos en Santa Croce de Florencia, sepulcro del Cardenal della Rovere en Santa Maria del Popolo. - Benedetto da Majano : tiene magníficos relieves. Obras: relieves del púlpito de Santa Croce en Florencia. - Francesco Laurana: destaca como retratista delicado, ensoñador y manierista. Obras: Arco triunfal del Alfonso V en Nápoles. - Matteo Civitali: Obras: Adán y Eva de la catedral del Génova. - Giovanni Gaggini: Obras: Palazzo Doria en Génova. - Antonio Rizzo: Obras: Adán y Eva en el palacio de los Dogos de Venecia.

TEMA 2-2 LA PINTURA DEL QUATTROCENTO EN ITALIA

� El Siglo XV es el siglo de la eclosión del nuevo arte y de la experimentación. � Transformación de los aspectos formales y temáticos, y de la función del arte y del artista. � El arte como reflejo de una sociedad nueva. � La actitud humanista del artista dio lugar a fenómenos pocas veces vistos:

o La figura humana desnuda o El retrato identificable

� La luz como elemento de primer orden. Se utiliza de manera diáfana y repartida de forma homogénea por toda la obra.

� Se crean composiciones cerradas y de disposiciones triangulares. � El color es armonioso y se abandona el uso de la línea, la cual se utiliza sólo cuando se quieren separar

colores diferentes. � Temas tratados:

o Religiosos o Clásico-mitológico o Cívico-burgués (la más novedosa)

� Las matemáticas, la física y la geometría fueron las principales armas para unas edificaciones nuevas. La pintura adopta sus postulados y a través de ellos consigue lo que será uno de sus rasgos definitorios: la perspectiva lineal.

� Los precedentes pictóricos del Trecento, con Giotto a la cabeza, son los que determinan el avance cualitativo del Quattrocento. Por primera vez, este genio reproduce en una superficie lisa formas tridimensionales, pero todavía no alcanza una escala naturalista.

1. GENERALIDADES ARTÍSTICAS.

� El Quattrocento es una cultura urbana, donde la ciudad es el centro de la República, y morada de la autoridad: el signore.

� El núcleo de poder destacado durante este periodo es, sin lugar a dudas, la Florencia de los Médicis. � Cosme de Médicis rige Florencia, llegando a ser el primer mecenas del Renacimiento. Después

llegaría Piero y más tarde, Lorenzo, llamado el Magnífico. � A comienzos del siglo, el artista es aún artesano, integrado en el sistema gremial florentino. � A lo largo del siglo, el taller medieval fue sustituido por el “Studio”, y el artista abandonó

progresivamente el gremio.

� El artista desea reproducir la naturaleza tridimensional.

� Con la perspectiva, el pintor realiza una representación racional del espacio.

� Hablamos de una perspectiva geométrica, donde las figuras y objetos representados se encuadran en un haz de líneas que convergen en un punto.

� Relacionada con la anterior, la proporcionalidad y la equivalencia.

� El artista crea el espacio y después incorpora las figuras y objetos, frente al periodo anterior, el gótico, donde el pintor coloca las figuras para crear el espacio.

� El espacio creado es real, está acotado, y se rige por leyes matemáticas y ópticas.

2. GENERALIDADES P OLÍTICAS Y SOCIALES.

3. LA PERSPECTIVA.

León Battista Alberti “De Pictura” (1.435)

Banquete de Herodes La tentación de Adán Anunciación

Masolino (1.383 -1.440) � Influenciado por el gótico internacional, se interesa por la teoría de la perspectiva. � Colabora con Masaccio en la Capilla Brancacci. � Perteneciente a la misma generación que Fra Angélico.

Masaccio (1.401 - 1.428) � Con tan sólo 25 años revolucionó el arte de la pintura. � Creó un arte grandioso y dramático (como Donatello en la escultura) � Realismo, sobriedad y solidez formal. � Enorme fuerza expresiva. � Pintura robusta, maciza y solemne. � El sentido de existencia del espacio recuerda a Giotto, con la diferencia que Masaccio lo ejecutó sin el uso

de la línea, que sólo existe cuando una masa de cierto color y un grado de luz se superpone a una masa diferente.

� La forma la consigue por el impacto de la luz al objeto. � Obras relevantes en la Capilla Brancacci de la Iglesia de Santa María del Carmine.

� Prototipo del hombre renacentista, fue pionero en la elaboración de tratados artísticos, y “De Pictura” (1.435) fue uno de ellos.

� Aborda problemas concretos, consejos prácticos, preceptos y observaciones, y ofrece una respuesta a cuestiones fundamentales sobre la estética.

� La armonía la entiende como la base de la belleza, y no es otra cosa que la disposición correcta de las partes y una proporción perfecta.

� La armonía la llamó concinnitas, convirtiendo prácticamente a esta palabra en un lema del Renacimiento.

� La composición desempeña un papel capital. � El arte está sujeto a principios racionales y reglas generales. � Abandono de la mentalidad gótica, que concebía el arte como algo

trascendental. � La belleza como la totalidad de las partes: “No añadir, no quitar,

no cambiar nada”, fórmula popularizada por el autor. � Para que un cuadro sea bello, armonioso, debe cumplir con los

tres principios necesarios: o Compositione: proporción aritmética de las partes de la

obra. o Circunscriptione: Finalización de la obra. o Receptione dei lumini: Referido a la aplicación del color.

� La belleza es una cualidad objetiva de las cosas y no una

reacción subjetiva de los hombres ante estas.

4. FLORENCIA: MASOLINO Y MASACCIO.

Madonna y niño con Santa Ana.

Tributo de la Moneda.

Trinidad San Pedro sanando con su sombra. Expulsión del edén.

� El gótico internacional había conquistado el cenit de su desarrollo. � Nos encontramos con pintores inmersos en ése movimiento, pero que van asumiendo nuevos planteamientos

de la época. � Recordaremos algunas de sus características:

o Dibujo curvilíneo, colores brillantes y planos. o Pocas preocupaciones espaciales. o Luz plana, sin proyección de sombras. o Detallista y minucioso. o Línea del horizonte muy alto: sensación de punto de vista elevado. o Utilización del fondo dorado. o Representación del movimiento irreal. o Escasa representación del volumen. o Estilo elegante. o Valoración de la belleza en ropajes y objetos.

� Pintores: o Gentile de Fabriano o Fra Angélico o Bennozzo Gozzoli o Pisanello

5. PERSISTENCIA DEL GÓTICO INTERNACIONAL.

Natividad Adoración de los Reyes Magos Anunciación (1.430 – 1.432)

San Pedro Mártir

Presentación en el Templo Anunciación

Gentile de Fabriano (1.380 -1.427) � Su mejor obra: La adoración de los Magos (1.423) � Técnica gótica (dorados, detallista, colorido,..) � Novedades: el escorzo de los caballos. � La escena de La Natividad, en la pedrela, nos

muestra un nuevo concepto en el tratamiento de la luz.

o Se le considera la primera escena de noche donde toda la iluminación del primer plano procede de un origen único: el niño.

Fra Angélico (1.400 – 1.455) � Maestro de la transición. � Desproporción anatómica. � Características trecentistas

o Amor por lo curvilíneo, alargamiento de las figuras e importancia del oro.

o Arquitecturas goticistas y miniaturismo en los detalles.

� Sentido del volumen (cuatrocentista) � Pintor religioso, y por excelencia de Vírgenes

con niños y visiones celestiales (Coronación) � Sus pinturas murales más numerosas:

Monasterio de San Marco (Florencia)

Viaje de los Reyes Magos Visión de San Eustaquio

San Jorge y la princesa de Trebisonda Retrato de una princesa

Bennozzo Gozzoli (1.420 – 1.497) � Es el gran narrador del Quattrocento

florentino. � Gusto por el paisaje poblado de figuras y

escenas anecdóticas. � Encargado de pintar la capilla privada de Los

Médicis. � En el “Viaje de los Reyes”, retrata a los

dueños de la casa (los Médicis), a la Florencia de su tiempo e incluso su propio retrato.

� Descuidada la proporción y lejos de la naturalidad.

Pisanello (1.380 – 1.455) � Discípulo y continuador de Gentile de

Fabriano. � Recibe influencias de Masaccio, lo que se

traduce en la volumetría de sus obras. � Detallista y minucioso en los detalles,

influencia de los pintores flamencos. � La primera medalla de Pisanello es la de

Juan VII Paleólogo en 1.438. Fue llamado por las principales cortes de Italia, donde realizó medallas de los príncipes de la época.

� Extraordinario dibujante, sobre todo de animales.

Batalla de San Romano San Jorge y del Dragón

La Última Cena David

6. UCELLO Y CASTAGNO .

Ucello (1.396 – 1.475) � Obsesivo por la perspectiva. � Batalla de San Romano: obra principal.

o Sus figuras se recortan en el espacio como si hubieran sido talladas más que pintadas.

o Se tomó mucho trabajo para mostrarnos las figuras y objetos tendidos en el suelo en correcto escorzo.

o Nunca se había pintado figura semejante como el guerrero caído en el suelo, con una representación muy estudiada del escorzo.

o Las lanzas, en tierra, apuntan hacia un común punto de fuga. o Figuras sólidas y de duros perfiles. o No empleó los efectos de la luz, la sombra y el aire para suavizar los contornos.

Castagno (1.417 – 1.457) � Heredero del estilo plástico y del sentido de la grandiosidad de Masaccio y Ucello. � Gusto por el monocromo. � Utiliza la técnica de la grisalla para matizar el colorido.

o La grisalla produce un efecto monocromático frío y sólido, que se ha utilizado desde el periodo gótico para hacer que una pintura bidimensional parezca un relieve, escultura o arquitectura tridimensional.

� Experimenta con la descripción del movimiento (pintura del David, pintado sobre cuero)

Batalla de los hombres desnudos Apolo y Dafne Bautismo de Cristo

7. TALLERES DE POLLAIUOLO, VERROCCHIO Y GHIRLANDAI O.

� A estos pintores se les conoce por “maestros de taller”, pues poseyeron talleres donde se formaron jóvenes artistas.

� El tema religioso sufre una fuerte desacralización, tomando un marcado acento laico. � La desacralización se hermana con el resto de cualidades de los pintores más representativos, como la

expresividad, el dinamismo y las estratagemas compositivas.

Pollaiuolo � Pintor preferido de Lorenzo de Médicis � Como obra representativa: El martirio de San

Sebastián. o Figuras musculosas y en movimiento. o Lo que menos importa es el santo: es el

hecho lo interesante. o El paisaje similar a los maestros

flamencos. o Los personajes forman una pirámide en

virtud de sus movimientos. � Obra ejemplar de su búsqueda de expresividad:

Batalla de los hombres desnudos. � Dominó mejor la técnica de la escultura, lo que

se refleja en el trato del cuerpo humano.

Verrochio (1.435 – 1.488)

� Maestro de Leonardo da Vinci. � Sus obras están influenciadas por la escultura, su faceta

más desarrollada. � En su obra “Bautismo de Cristo”, destaca el trato de los

dos cuerpos, su gran volumetría y monumentalidad. o Los dos ángeles fueron pintados por un joven

Leonardo.

Nacimiento de la Virgen Retrato de Giovanna Tornabuoni

Ghirlandaio � Amigo de grandes conjuntos con multitud de personas. � Lo profano invade el tema religioso. � Sus personajes suelen ser retratos de la alta sociedad de la época y de sus amistades. � Su obra más característica: Nacimiento de la virgen.

o El tratamiento es como si se tratara de una escena de la corte. o Como fondo, amplias arquitecturas ricas en perspectivas y decoración.

� Entre los retratos, riguroso perfil y cuerpo erguido: totalmente de acuerdo con la moda.

8. PIERO DELLA FRANCESCA Y SUS TRATADOS.

Piero della Francesca (1.416 – 1.492) � Ayudante del pintor Domenico Veneciano y coetáneo de Fra Angélico

o Su obra “Madonna y el niño” inauguró un nuevo tipo de retablo, el denominado “sacra converzatione” � Es el pintor más representativo del siglo XV � Enamorado de la luz

o Será la luz quien dicte las medidas y proporciones de las figuras en el espacio. También será la que determine el color y la espacialidad.

o Prescinde de las sombras, o las indica someramente. o Su tratamiento es uniforme, sin intensidades ni gradación lumínica.

� La perspectiva lineal será su característica principal. � El tratamiento de las figuras es muy volumétrico, donde se aprecia un estudio de la anatomía. � Sus personajes son fríos e inexpresivos, llegando a estar muy estáticas. � Su obra más importante es la colección de frescos del santuario de San Francisco de Arezzo, realizados entre 1.452 y 1.459,

donde representa diversos episodios de la Vera Cruz. � En 1.478 abandona la pintura, debido a una enfermedad ocular. Posteriormente, escribe tres importantes tratados:

o De prospectiva pingendi. o Tratado d’abaco. o De quinque corporibus regularibus.

En estos tratados, el pintor plasma la realidad de las cosas a través del orden matemático, siguiendo a Brunelleschi o Alberti, y demostraba como aplicarla a los cuerpos y a las formas arquitectónicas.

Sueño de Constantino Retablo de Brera Resurrección

Natividad Piedad

9. BOTTICELLI.

Botticelli (1.445 – 1.510) � Con 17 años entró en el taller de Fra Filippo Lippi, del cual hereda el control de formas tridimensionales, la

delicadeza en la expresión en los rostros y los gestos, y los detalles decorativos. � Inicia la relación con la familia Médicis, colaboración que será larga y fructífera. � Es llamado en julio de 1.481 por el papa Sixto IV para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina. Será en esta

década donde el pintor realice sus obras más importantes, y recibirá multitud de encargos. Su estilo en esta etapa se encuadra entre los conceptos renacentistas y el gótico tardío.

� En la década de 1.490 se iniciará la influencia del monje benedictino Savonarola en su obra, donde se aprecia un giro hacia el ascetismo.

� Trato exquisito en los paños, donde expresa la delicadeza de texturas y de movimientos. � Sus cuadros más célebres son La Primavera y el Nacimiento de Venus, donde las figuras están estilizadas, con

largos cuellos, torsos y hombros inclinados, cuerpos delicados. La composición se basa en una interrelación de pautas lineales formadas por ropajes con los pliegues, pelo flotando, los troncos...

Judit y Holofernes Palas y el Centauro Retrato de Julián de Médici

San Sebastián Muerte de la Virgen Detalle de la Cámara de los Esposos.

10. ANDREA MANTEGNA.

Andrea Mantgena (1.431 – 1.506) � Su pintura quiere ser arquitectura, donde la masa y la monumentalidad dominan. � Sus personajes son fuertes, rígidos, como fustes de columnas, con el propósito de producir impresión de fuerza. � Se aprecia la influencia en sus figuras del escultor Donatello, dando la impresión de ser estatuas de bronce o piedra por lo

que a esta primera época se la conoce como el "estilo pétreo" � El gusto por lo escultórico se pone de manifiesto en “San Sebastián”, donde se interesa por los fondos arquitectónicos

inspirados en el mundo clásico. � Sus fondos de paisajes son desoladas canteras. � Brillantez de las superficies y dominio de la perspectiva aérea y del escorzo. � Se instala en Mantua y permanece como pintor de corte de la familia Gonzaga hasta su muerte, donde realiza una de sus

obras más importantes: la decoración de la Cámara de los Esposos, donde los Gonzaga son retratados en diversas actitudes.

Detalles de la Cámara de los Esposos

Piedad

11. ESCUELAS DE FERRARA Y DE UMBRÍA.

Escuela de Ferrara

� Bajo la influencia de Andrea Mantenga, aparece el representante más puro del manierismo cuatrocentista:

Cósimo Tura (1.430 – 1.490) o Uno de los fundadores de la escuela de Ferrara. o Composiciones fastuosamente decoradas, tratamiento casi escultórico de las figuras, en un

realismo aparente, casi fantástico. o Empleo de colores fantásticos, paisajes imaginados y una búsqueda minuciosa de los detalles.

Entrega de llaves Frescos de la biblioteca del Duomo de Siena Bibliografía

Historia del Arte Moderno volumen II – Pintura y Escultura del Renacimiento (Jesús Miguel Viñuales González) Historia del Arte (E.H.Gombrich) Historia de la pintura, escultura y arquitectura (Frederick Hartt) Historia del Arte (Diego Angulo Iñiguez)

Esquema realizado por: Carmen Bencomo Pérez Zamora

Escuela de Umbría � Escuela pictórica formada en la ciudad italiana del mismo nombre. � No es una escuela de iniciación o de plenitud, sino de transición. � Sus maestros son viajeros y reparten su producción. � Menor rigor en el dibujo y la línea y más preferencia por la luz y la atmósfera, lo que se manifiesta

en el color, que aparece como pieza fundamental en la composición. � Temas religiosos, piadosos. � Arte severo y monumental, tocando con lo decorativo. � La escuela constituye el camino a la pintura romana del pleno Renacimiento y el arranque de Rafael. � A los maestros de esta escuela se les denominó “pintores en serie”, por lo repetitivo de sus

composiciones y esquemas. � Principales maestros:

o Perugino o Pintoricchio

Perugino (1.446 – 1.523) � En sentido estricto y más justo, la

Escuela es Perugino y su influencia, su estilo concreto y amanerado es importante como nuevo concepto del espacio pictórico.

� Composiciones claras, escenarios amplios (parece que tenía ansia de espacio), y extrema simetría.

� Se le considera maestro de Rafael.

Pinturicchio (1.454 – 1.513) � Apelativo despectivo de Bernardino

Betti � Destacamos dos obras: los frescos de

las estancias Borgia, en el Vaticano, y los frescos de la Biblioteca Picolomini, junto al Duomo de Siena.

� Dibujo perfecto, colores brillantes y composiciones claras con muchos personajes.

� Como pintor de paisajes, no tiene comparación con ninguno de la época.

TEMA 13. LA ESCULTURA DEL SIGLO XVI EN EUROPA

� Se ha descubierto América (1.492) y se inicia la presencia de Europa (España) en el nuevo continente: Colonización americana y expansión portuguesa.

� El Imperio Turco había acabado con el Imperio Bizantino, con la caída de Constantinopla (1.453).

o Los otomanos se extienden por Europa Oriental (Balcanes). o A la vez, Castilla toma el último reino musulmán peninsular

(Granada). � Monarquías autoritarias o territoriales: Reyes Católicos (España), Luis XI

(Francia), Enrique VII (Inglaterra). � En Europa Central: Mantenimiento teórico del Sacro Imperio, con una

monarquía electiva: Los Augsburgo (Maximiliano I, Carlos V). � Pequeños estados ricos por el comercio e incipiente industria,

verdaderamente independientes, aunque en teoría estuviesen vinculados a otros poderes superiores (Imperio): Flandes, Países Bajos, Borgoña, estados italianos, aparte de Venecia que inicia su decadencia comercial tras la caía de Constantinopla.

� Luchas por la hegemonía: o Carlos V – Francisco I o Felipe II – Protestantes con Inglaterra y Países Bajos

� En lo cultural: o El HUMANISMO y el RENACIMIENTO. o Generalización de la imprenta, que en el siglo XV se había iniciado

en Alemania, facilitando la difusión de las nuevas ideas. Interés por la Antigüedad clásica que se generaliza por toda Europa.

� En lo religioso: o La RUPTURA DE LA CRISTIANDAD OCCIDENTAL, el

PROTESTANTISMO, con consecuencias políticas y religiosas con un enfrentamiento y pervivencia posterior. Una Europa Reformada y otra Católica.

o Frente a la REFORMA PROTESTANTE una REFORMA CATÓLICA (CONTRARREFORMA).

� En lo económico: o MERCANTILISMO Y CAPITALISMO INICIAL.

� En el arte: o Discusión acerca de si merecía mayor consideración artística la

escultura o la pintura. o El Renacimiento que se había iniciado en Italia (Florencia) en el

siglo XV (Quatroccento) se generaliza por el resto de Europa occidental en el siglo XVI (Cinquecento) a la vez que pervivía la tradición gótica que se adentra en este nuevo siglo y convive en principio con el Renacimiento.

o Las esculturas traducen las proporciones y formas canónicas a un mundo moderno, aprovechando los nuevos descubrimientos científicos y técnicos, complementando lo religioso y lo pagano conforme al ideal humanista de la concordancia.

Marco Histórico

0. INTRODUCCION.

� Se considera mas escultor que pintor � Figura excepcional que hace que el resto de escultores del siglo XVI

italiano casi queden eclipsados por su fuerza y personalidad. � Formado en el taller de Bertoldo (Florencia) � Con gran formación humanística (Los Médici) � Estilo lleno de virtuosismo. Dominio técnico. � Exaltación de la fuerza física y espiritual por igual � 6 estadios coincidentes con las dos ciudades en las que trabajó:

o 1ª etapa florentina: “La Virgen de la escalera” y “Batalla de Centauros y Lapitas”

o 1ª etapa romana: “La Pietá” o 2º etapa florentina: “El David” o 2º etapa romana: “La Tumba de Julio II con el Moisés” o 3ª etapa florentina: “Las tumbas Mediceas” o 3ª etapa romana: “Las Piedades de Santa María dei Fiori,

Rondanini y Palestrina”. � Pasa por todos los estadios estéticos de su época:

o Renacentista al principio. o Clasicista pleno en su madurez o Barroco y manierista.

� “Non finito”. 3 teorías: o Deja las obras inacabadas para que el espectador las termine

mentalmente. o Cuando consigue la forma que quiere en una escultura, pierde

su interés por ella. o Falta de tiempo por exceso de trabajo.

1. MIGUEL ANGEL ESCULTOR .

Datos generales

La Batalla de Centauros y Lapitas

La Virgen de la Escalera

� Influencia de Donatello: o “stacciato”, leve bajorrelieve poco marcado. o Niño macizo o Escorzo de la espalda o Virgen con orla de santidad en actitud relajada y tranquila o Perfil griego de la Virgen. o Ropajes que caen finamente.

� Obra exponente de tensión y dinamismo de cuerpos desnudos. � Dramática confusión de cuerpos que se confunden con un fondo neutro.

Ninguna anatomía equina. � Estudio de posturas y puntos de vista totalmente nuevos, al servicio de

impacto de potencias encontradas y grandeza heroica.

La Pietá (1498-1500)

Las tumbas de los Médici

El Moisés

David

Piedad de Santa María dei Fiori

� Única obra firmada por Miguel Angel. (En la banda que cruza el pecho de la Virgen madre)

� Encargada por el cardenal francés Jean Villieres, indica admiración de Europa por los artistas italianos.

� Se encuentra en San Pedro del Vaticano � Composición piramidal con la Virgen dolorida, de un dolor sereno,

contenido, con ropas amplias donde incide la luz produciendo efectos sombreados. Contrapuesta con el Cristo desnudo yacente.

� Ambos de fino modelado. Acabado pulido y perfecto. � Equilibrio vestido-desnudo, luz-sombra, vertical-horizontal, angustia-

serenidad. � Momento más clásico de Miguel Angel. � A pesar de la parecida edad de madre e hijo la obra resulta intemporal. Idea

platónica que desestima la concreción de tiempos cronológicos.

� Símbolo de Florencia. Colocado inicialmente en la Plaza della Signoría. � Esculpido en un mármol “sconciato” � Estatua imponente de 4 mts. de altura. � Joven apuesto, con la anatomía de un cuerpo perfecto y maduro. Curva

praxiteliana. � Conjunto armonioso atendiendo al volumen y la línea. � Dominio del cánon, la proporción, y cuidada anatomía. � No obedece la canónica clasicista, cambiando en pro de una expresividad más

fuerte. Algunos cánones transgredidos, como el diferente volumen de la parte superior con la inferior o las manos demasiado grandes, porque iba a ser contemplado desde abajo.

� Escultura de 2,35 mts. Forma parte, junto con Los Esclavos, de la tumba de Julio II.

� Influenciado por la aparición del grupo escultórico El Laoconte., que le sirvió de inspiración.

� Abandona equilibrio clasicista a favor del dinamismo y expresividad. � Terribilitá anímica. � Contraste de luz y sombras. � Los esclavos, en distintas posiciones, forman un conjunto simbólico expresivo

de dolor, cansancio, esfuerzo y también esperanza.

� Estatuas de Lorenzo y Julián de Médici, para ser colocadas en hornacinas. Vestidos a la romana.

� A destacar las cuatro estatuas que acompañan los sarcófagos, representando la noche, el día, la aurora y el crepúsculo, representando la pena y el dolor por el que atraviesa el alma atormentada de Miguel Angel.

� Esquema piramidal. � Representa a Nicodemo (¿autorretrato?) y la Virgen sosteniendo el cuerpo de

Cristo inerte con los brazos desarticulados. � Destinada a su propia tumba.

� Sin terminar y sin pulir. Algunos no se la atribuyen. � Su autoría se demuestra con la bella cara del Cristo muerto, la expresión

muscular y la sensación de desplome.

Piedad Palestrina

Conceptos generales

� Representa una crisis, una ruptura con el clasicismo. � Movimiento con el que, intelectualmente, termina el siglo XVI e incluso es

extensible al resto de Europa. � Es una “aclasicismo” fuertemente intelectual cuyo inicio se ha querido ver en

Miguel Angel, Leonardo y Rafael y cronológicamente en el año 1.527, fecha del saqueo de Roma por las tropas imperiales frente al Papa.

Conceptos generales

� Preferencia por enlace entre el gótico florido aristocrático y las nuevas técnicas clasicistas, sin apostar por un Renacimiento pleno.

� Penetración del Renacimiento por dos vías: o Importación de obras renacentistas ya labradas. o Obras realizadas por artistas italianos en la misma Francia.

� El Renacimiento se percibe sobre todo en la decoración, permaneciendo la escultura mas ligada a la Edad Media.

� Triunfo de las formas manieristas en la corte de Francisco I, creando Rosso y Primaticio la escuela de Fontaineblau.

� Preferencia por las temáticas mitológica y pagana, con un particular regusto por los temas macabros.

Michel Colombe (1430 –1513)

� Funde la gracia y elegancia francesa con la finura italiana. � Obras:

o Sepulcro de Francisco II de Bretaña

2. EL MANIERISMO EN ESCULTURA.

3. FRANCIA. ENTRE LO GOTICO Y LAS NUEVAS TECNICAS.

Piedad Rondanini (1564)

� Deja sin terminar. Esculpiéndola días antes de su muerte. � Forma lineal alargada verticalmente. � Resume el dolor interiorizado del artista. Espiritualidad humana, resignada y

trascendente.

Benvenuto Cellini � Orfebre. � Obras destacadas:

o Figura de Perseo con la cabeza de medusa (Florencia), que es una alegoría del triunfo de los Médici en el gobierno de la ciudad.

o Salero de oro de Francisco I. (Viena)

Juan de Bolonia � Obras destacadas: o Dinámico Mercurio con el caduceo que anuncia soluciones barrocas. o Rapto de las sabinas (Florencia). o Estatua ecuestre de Fernando I de Médici (Florencia) o Estatua ecuestre de Felipe III (Madrid).

Peter Vischer el viejo

(1460 –1529)

� Trabaja el bronce. � Partiendo de la tradición gótica, asimila las propuestas clasicistas. � Obras:

o Tumba del arzobispo Ernesto de Sajonia, prácticamente gótica. o Estatuas en la tumba de Maximiliano.

Alemania Conceptos generales

� Gran arraigo del gótico medieval. � Existe un ambiente general de admiración por el Renacimiento, pero difícil de

trasladar a la escultura, que no llega a perder la expresividad y realismo del gótico muy del gusto alemán.

� Gran influencia del protestantismo y su aversión por las imágenes.

4. OTROS PAISES. ALEMANIA. INGLATERRA.

Peter Vischer el joven

(1486 –1517)

� Importante difusión en el s. XVI en la India, Japón y China. � Obras:

o Madonna de Nuremberg, en madera. o Sepulcro del elector Federico de Sajonia.

Adolf Daucher (1460 –1523)

� Unifica conceptos renacentistas (prestigio) con ideas cristianas (caballerosidad) � Obras:

o Altar de la capilla de los Fúcares en Augsburgo o Relieve de Maximiliano I como San Jorge.

Ligier Richier (1502-1567)

� Incorpora maneras clásicas al estilo de Miguel Angel � Obras:

o El Santo Sepulcro (Mihiel) o Sepulcro del Conde de Nassau

Jean Goujon � Estilo de finura admirable, con pliegues de gran delicadeza como en la escultura clásica helena.

� Obras: o Cariátides de la sala del Louvre.

Germain Pilon

� Escultor completo y original. Partiendo de propuestas de Fontaineblau, tras un periodo naturalista clásico, evoluciona al expresionismo precursor del barroco.

� Obras: o Monumento para el corazón de Enrique II (Las 3 gracias, del Louvre) o Tumba de Enrique II y Catalina de Médicis (Saint-Denis) o Sepulcro de Valentine Balbiani

5. ESCULTURA DEL SIGLO XVI EN ESPAÑA.

Concepto s generales

� Tradición gótica tardía, dentro del llamado estilo Reyes Católicos. � Causas: para la aparición de lo renacentista en la península ibérica en los

últimos años del siglo XV. o Fuerte relación e interés de la monarquía de los Reyes Católicos con

Italia. La Corona de Aragón tiene desde tiempo atrás una fuerte presencia en Italia con todos sus intereses en Nápoles y Sicilia.

o Tras la toma de Granada en 1.492, hay un interés evidente por parte del poder real de cristianizar fuertemente aquel territorio con obras de todo tipo que atraerán a numerosos artistas a esta nueva localidad

o Por la novedad intelectual y culta de ciertos sectores de la nobleza y el clero.

� Vehículos para la introducción del Renacimiento: o Presencia de artistas italianos tanto en Castilla como en Aragón o Importación de obras desde Italia. o Emigración de pintores y escultores a Roma o Florencia.

� El Renacimiento evoluciona en España desde la minuciosidad plateresca para pasar desde un purismo a un romanismo fuertemente manierista.

� La escultura de madera policromada y estofada es lo propio y común de la escultura española del siglo XVI, aunque puntualmente se utilizan otros materiales, como el bronce o la piedra con carácter ornamental en las fachadas de los edificios, el mármol y el alabastro en monumentos funerarios y aun retablos en Aragón.

Domenico Fancelli ( 1469 - 1519)

� Muestra formas del Quattrocento. � Obras:

o Sepulcro del arzobispo Mendoza, sobrino del cardenal, en la Catedral de Sevilla (carácter parietal)

o Monumentos del Príncipe Don Juan, en Santo Tomás de Avila. (Tipo túmulo)

o Monumento de los Reyes Católicos en Granada. (Tipo túmulo)

Inglaterra Conceptos generales

� Situación general similar a la alemana: o Tradición gótica o Influencia de la Reforma en cuanto a la escultura o Influencia del anglicanismo, que sólo pone interés en la estatuaria

funeraria. � Escasa tradición estatuaria

Pietro Torrigiano (1472 –1522)

� Carácter violento. Recala en Londres huyendo por la pelea con Miguel Angel. � Obras:

o Sepulcro del Dr. Young o Tumba de Enrique VII

Obras importadas de Italia

� Sepulcro del cardenal Mendoza en la catedral de Toledo (¿Sansovino?). Primera obra renacentista en España.

� Sepulcros de los marqueses de Tarifa (Cartuja de Sevilla), � Mármoles de La Calahorra. � Mármoles y esculturas de la Casa Pilatos, en Sevilla. � Sepulcro de D. Ramón de Cardona. � Cerámicas de Luca della Robbia. � Virgen de Granada, en la Catedral.

6. LOS AGUILAS.

Felipe Vigarny (¿1475? – 1543)

Pietro Torrigiano (1472 –1522)

� Llega a Sevilla procedente de Londres. � Obras:

o San Jerónimo. (Barro cocido) o Virgen con el Niño. (Barro cocido)

Jacobo Florentino (1472 –1522)

� Mas conocido por “El Indaco”. Trabaja en Granada. � Obras:

o Anunciación, en la sacristía de la Capilla Real de Granada. o Santo Entierro en Granada (se le atribuye).

Bartolomé Ordóñez

� Fuerte estilo italiano con formas miguelangelescas. � Trabajó en Nápoles y después en Barcelona, donde trabaja tanto el mármol como

la madera. � Obras:

o Sepulcro doble de Felipe el Hermoso y la reina Juana o Sepulcro del Cardenal Cisneros (Alcalá de Henares).

Juan de Juni (¿1507? –1577)

Diego de Siloé (1495– 1563)

� Nacido en Borgoña, llega a Burgos en 1498. � Introductor del clasicismo en Castilla. � Obras:

o Relieves de la girola de la Catedral de Burgos. (Comparte el enmarcamiento gótico con detalles renacentistas).

o Retablo mayor de la capilla real de Granada. (madera policromada con relieves y figuras de bulto llenas de movimiento).

o Mitad de la sillería alta del coro de la Catedral de Toledo. (la otra mitad la terminó Berruguete).

� De origen francés. Trabaja en Valladolid fundamentalmente. � Capta la esencia de lo español, superponiéndolo a lo italiano y a lo francés. � Composición voluminosa, ancha, paños amplios y movidos, detallismo en los

rostros. � Obras:

o Retablo de La Concepción, en Medina de Rioseco. o El Santo Entierro (Museo de Valladolid) o Retablo de la Antigua, en la Catedral de Valladolid. o Virgen de Las Angustias, o de los cuchillos.

� Burgalés, formado en Italia. Más conocido como arquitecto que como escultor. � Trabaja con Ordoñez en Nápoles. � Con Vigarny trabaja en la Capilla del Condestable, en la Catedral de Burgos. � Obras:

o Escalera dorada, de la Catedral de Burgos. o La Sagrada familia con San Juan, en Valladolid. (Talla sin policromar) o Sepulcro de Alonso de Fonseca, en Las Ursulas de Salamanca. o Retratos orantes de los Reyes Católicos, en la Capilla Real de Granada.

BIBLIOGRAFÍA: VIÑUALES GLEZ. J. M.: Unidad Didáctica Historia del Arte Moderno. Volumen II. Madrid, 2004. NIETO ALCAIDE, V.: El arte del Renacimiento. Historia 16, Madrid, 1996. Internet.

ESQUEMA REALIZADO POR: Mercedes Portero. Albacete.

� Centra su trabajo en Aragón � Trabaja en alabastro, especialmente en retablos con expositor en lo alto. � Obras:

o Retablo del Monasterio de Poblet o Retablo de la Basílica del Pilar o Retablo de la Catedral de Huesca.

Alonso de Berruguete

� El mejor escultor español del Renacimiento. � Formado en Italia (Florencia y Roma). � En España trabaja para Carlos V de por vida en la Chancillería de Valladolid. � Características de su obra:

o Potencia y movimiento (influencia de Miguel Angel) o Estudio de los rostros (influencia de Leonardo) o Alargamientos y cánones manieristas. o Gusto por el dolor. Realismo. o Fuerza interior de sus personajes expresada a través del rostro,

anatomía, retorcimientos, ausencia de proporciones, etc, de impresionante efecto emotivo.

o Frecuentes incorrecciones que se suplen con estofados y policromía. � Obras:

o Retablo de San Benito, en el que destacan sus obras maestras San Sebastián y el Sacrificio de Isaac.

o Retablo de La Mejorada, de Olmedo. o Conjunto de La Transfiguración (en alabastro), en la Catedral de

Toledo. o El Salvador, de Ubeda. o Mitad de la sillería alta de la Catedral de Toledo. o Sepulcro del Cardenal Tavera, en Toledo. Su única obra conocida en

mármol.

Damián Forment (1480– 1540)

Otros autores españoles

� Gabriel Joly. Aragonés de origen francés (Retablo de la Catedral de Teruel). � Vasco de la Zarza. (Sepulcro de El Tostado, en la Catedral de Avila). � Becerra. (Retablo de la Catedral de Astorga). � Anchieta. (Retablo de la Catedral de Santa María de Tafalla). � Escultores en El Escorial:

o Leo Leoni. Trabajó en Milán (Escultura en bronce de Carlos V dominando el furor)

o Pompeyo Leoni. Trabaja en España, en ocasiones terminando obras dirigidas por su padre. (Grupos orantes de Carlos V y Felipe II en la Iglesia de El Escorial; los Enterramientos reales a ambos lados del presbiterio, sobre trazados de Herrera; Sepulcro de la infanta Juana de Austria, en Las Descalzas Reales, de Madrid.

TEMA 2-4 Pintura italiana del Cinquecento

� El Renacimiento comienza en Italia en el siglo XV � Su mayor desarrollo es en Florencia, � al inicio del mismo,

aparecen artistas que van desarrollar en su obra las características propias del estilo renacentista.

� El nombre se debe al escritor y pintor Giorgio Vasari, (1511-1574), � quien realizará un famoso libro de biografías de artistas de la época llamado " Vidas" , � acuña en el 1550 el término Rinascita como resurgimiento de la tradición clásica grecorromana.

1. PANORAMA HISTÓRICO

EL RENACIMIENTO

HUMANISMO: � Revalorización � del hombre y su obra. � El hombre considerado culto tiene � amplio conocimiento de ciencias, artes,

técnicas, filosofía. NATURALISMO :

� Aparece en las obras la representación de la naturaleza � preocupación de respetar las proporciones y la morfología, � logrado a través de: análisis + observación.

� Se evidencia gran esfuerzo por � representar la anatomía. RACIONALISMO :

� La realidad � comprendida a través de la razón. � En representación del espacio � se desarrolla la perspectiva geométrica,

• se aplica � principio a los fondos arquitectónicos de las pinturas. • Los edificios renacentistas fueron (a veces), � pintados antes que

construidos. � En la representación de las figuras hay � síntesis geométrica � Las composiciones se basan en � figuras geométricas regulares:

• Círculos, • Cuadrados, • Triángulos equiláteros • Isósceles.

UNIVERSALISMO : � Se tratan temas válidos � cualquier época y cultura por ser:

• Inherentes al género humano. IDEALIZACIÓN :

� Se representa la idea perfecta de cada ser, persona o cosa. � No aparecen imperfecciones ni deformidades.

ORDEN, PROPORCIÓN y ARMONÍA :

� Que transmitan serenidad + mesura + equilibrio, … etc. PERFECCIÓN:

� En el acabado de las obras + su técnica + tratamiento de los detalles.

PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS

� Auge de las ciudades-estado italianas � con modos de gobierno diferentes y autónomas.

� Formación de � las nacionalidades en Europa. � Fortalecimiento económico de la burguesía que:

• Comienza a realizar encargos particulares a los artistas,

• a los que se suman las de los de los gremios + asociaciones + gobierno comunal.

� Surge el mecenazgo = contrato casi de exclusividad,� realizado por un protector pudiente = el mecenas � con un artista.

CARACTERÍSTICAS SOCIOECONÓMICAS DEL SIGLO XV

o Momento culminante en la pintura del proceso renacentista.

o Se alcanza la síntesis entre el mundo clásico y el cristianismo.

o Se rinde culto a la belleza manifestada a través del equilibrio, la grandiosidad y el orden.

o El ideal de belleza encuentra su manifestación más importante en el desnudo humano, sobre todo en el femenino.

o Se busca la simplificación de los temas eliminando Io anecdótico.

o Composiciones piramidales o geométricas: una sola escena de pocas figuras monumentales o bien destacan la escena y la figura principales.

o Predomina el color sobre el dibujo. o Se utiliza la perspectiva aérea: los contornos de las

figuras más alejadas parecen disolverse en la atmósfera. o Se concede importancia a la luz y a la sombra: la luz

tiende a borrar el perfil de las figuras. o Las figuras pierden el carácter escultórico anterior. o Se alcanza un rico y variado movimiento. o Los paisajes ofrecen grandes matizaciones por los

efectos de luz. Las arquitecturas alcanzan también una gran monumentalidad, aunque se emplean no tanto como fondo sino para realzar la monumentalidad de las figuras.

o Gran auge del retrato tanto físico como psicológico.

Cinquecento.

Características:

2. LEONARDO (1452-1519). MODELO Y MITO DEL RENACIMI ENTO.

Escuela florentino-romana

o Prototipo del hombre del Renacimiento: humanista y polifacético, destacó principalmente como pintor trabajando en Florencia, Roma, Milán y Francia en donde muere.

o Se inició en el taller de VERROCHIO e incluso colaboró en algunas obras de su maestro (Bautismo de Cristo) .

o A pesar de partir del estudio directo, de la experimentación, llega a alcanzar una concepción ideal y arquetípica. Parte del principio de que la pintura no puede alcanzar el ideal de belleza si no deriva de un sistema compositivo integral sometido a reglas y normas. Plantea la necesidad de una síntesis de todos los componentes de la pintura: composición, perspectiva, proporción, luz y color.

o Creador del “sfumato” o “difuminado” los perfiles se desdibujan fundiéndose figuras y espacio en una misma atmósfera. Esto se consigue mediante el paso gradual de la luz a las sombras, de los colores vivos a los apagados. El contraste de luces y sombras da volumen a las figuras. Para Leonardo toda cosa lejana al pintor debe ser considerada como inmersa en el aire, el cual tiende a dulcificar los contornos, a fundir las masas, a tonalizar el color.

o Composiciones piramidales en las que las figuras aparecen totalmente relacionadas entre sí.

o Estudia las figuras humanas tanto psicológica como anatómicamente. Representa una gran variedad de tipos y movimientos.

o Los rostros presentan una dulce y enigmática sonrisa. o Su concepción del claroscuro como una lenta fusión del negro y del blanco y no

como una lenta gradación de tonos coloreados, será el origen del tenebrismo barroco.

Principales obras:

� Anunciación. � San Jerónimo. � Adoración de los Magos. � Virgen de las Rocas � La Última Cena. Convento de Santa María de las Grac ias. Milán. � Santa Ana, la Viren y el Niño.

3. AUTONOMÍA DEL RETRATO:

Gneralidades

Los retratos de Leonardo, son tomados del natural en dibujos previos, caracterizados por: � la minuciosidad del detalle, � El sfumato donde el fondo oscuro imprime a las figuras efectos

volumétricos. � que inician la renovación retratística emprendida por Leonardo. �

4. MIGUEL ÁNGEL Y LA CRISIS DEL RETRATO CLÁSICO:

Caracteristicas:

o Muy influido por su carácter de escultor. o Predominio dibujo: volúmenes netos y bien definidos. o El tema básico es la figura humana:

� Gran fuerza tanto física como espiritual. � modelos de formas � Gran interés por la anatomía. � Gestos dramáticos: TERRIBILITÁ � gran variedad de actitudes prefiriendo las que manifiestan un equilibrio � Dinámico, los escorzos; dinamismo, riqueza de movimientos.

o Elimina casi totalmente el paisaje, o Prepara el camino para el Manierismo.

Obras:

� El músico, � La dama de la redecilla de perlas, � La dama del armiño (Cecilia Galerani) y � la Belle Ferronnière � La Gioconda, Museo del Louvre. Mejor ejemplo del sf umato � La Dama de Liechtenstein

� Sagrada Familia (Tondo Doni), � Bóveda de la Capilla Sixtina:

• En la parte inferior ha dispuesto figuras de profet as y sibilas; • en la parte central de la bóveda se representan esc enas del Antiguo Testamento.

� Juicio Final de la Capilla Sixtina.

5. RAFAEL Y LA HISTORIA (1483-1520)

ETAPAS:

o Aúna el realismo y el idealismo. o Figuras con gestos de dulzura Y elegancia. o Dibujo preciso y colores claros. o Recibió influencias de PERUGINO, LEONARDO y MIGUEL ANGEL. Primera etapa (1499-1504).

� Influencia de Perugino. � Figuras blandas, de suave modelado y mirada ensoñadora. � Composiciones simétricas y ordenadas en amplios escenarios.

OBRAS: • Desposorios de la Virgen. • El sueño de un caballero. • Coronación de la Virgen • Retablo de colonna

Obras:

o Segunda etapa: Florencia (1504 -1508). � influencia de Leonardo, uso del sfumato, � Colores cada vez más suaves y transparentase, � Temas: Virgen con el Niño, Virgen de aspecto melancólico con fondos de

paisajes. � Retratos: idealización.

• Sagrada Familia del Cordero. Museo del Prado. OBRAS:

• Virgen del Gran Duque. • La Bella Jardinera. • Mujer con unicornio. • Magdalena Doni. •

o Tercera etapa: Roma (1508 -1520). � Influencia de Miguel Angel. Figuras más robustas y monumentales. � Composiciones amplias de grandes espacios. � En los retratos fusiona la figura con la atmósfera difuminando los contornos.

OBRAS: • Sala de la Segnatura: Escuela de Atenas, • Disputa del Sacramento. • Frescos del Vaticano • Sala de Heliodoro: • Liberación de San Pedro. • Expulsión de Heliodoro. • La Misa de Bolsena. • Sala del Incendio: • El incendio del Borgo. • Logias. • Virgen del Pez. • Sagrada Familia del Roble. • El Cardenal. Museo del Prado.

6. LA PINTURA SENSUAL DE CORREGIO (1489 -1534)

ESCUELA DE PARMA:

o Figuras delicadas, sensuales: preferentemente mujeres y niños. o Colores claros envueltos en una luz blanquecina. o Violentos escorzos: movimiento, inestabilidad. o Puede ser considerado como un pintor manierista. Ilusionismo pictórico que influirá en el

Barroco. � Noli me tangere. Museo del Prado. � Frescos de la cúpula de San Juan. Parma � Ganimedes. � Júpiter e Io.

7. EL AMBIENTE VENECIANO: OTRO TIPO DE CLASICISMO:

GIORGIONE ( 1447-1510):

• Su característica distintiva es el predominio del color sobre la línea y el dibujo. Tonos cálidos y brillantes aplicados en pinceladas anchas que desdibujan los contornos.

• Grandes y lujosos escenarios: se concede la misma importancia al tema principal que a los detalles secundarios.

• Exaltación de la riqueza veneciana. • Anacronismos. • El mecenazgo estatal y privado como causa principal de la independencia de su evolución

artística. • Mantenida al margen de los grandes cambios económicos gracias a su habilidad política, • Venecia consigue en el S. XVI mantener su esplendor y produce contemporáneamente al

panorama crispado del Manierismo del resto de Italia, un arte de fuerza serena, equilibrada sensualidad y goce inmediato de la realidad.

o Iniciador de la escuela veneciana del siglo XVI. o Parte de la ejecución directa de los cuadros, sin hacer dibujo previo. o Funde la luz y el color el claroscuro lo consigue mediante las tonalidades no mediante el contraste

del blanco y el negro. o Representa con frecuencia el desnudo femenino, introduce el tema de Venus en reposo. o Gran protagonismo del paisaje el que se integra la figura humana. o Preocupación por la atmósfera que rodea a las figuras de un cierto aire de misterio o Revaloriza los detalles.

8. TIZIANO Y EL CLASICISMO CROMÁTICO (1490-1576):

o Principal representante de la escuela veneciana. Fue el pintor más estimado por Carlos I. o Gran colorista: el color es el elemento principal del cuadro. Emplea muchos tonos de pocos

colores. o Evoluciona desde su inicial preocupación por el color y los contrastes lumínicos hasta su

preocupación por el movimiento, la perspectiva y los contraste: de luces y sombras. o También evoluciona su tipo de pincelada: de una pincelada uniforme a otra pastosa y que

parece deshacer las formas. Al final de su vida las pinceladas son casi impresionistas. El color y la luz eliminan el dibujo.

o Idealiza las figuras: formas blandas y redondeadas. o En sus composiciones abundan las diagonales y las formas ondulantes (serpentinatas). Anticipa

el Barroco. o Reproduce un ambiente lujoso. o Retratos:

� Son una de sus facetas más destacadas. � Crea los tipos de retrato oficial: de tres cuartos, ecuestres, sedentes. � Posturas elegantes y refinadas. � Importancia de los elementos secundarios. � Capta la de los personajes.

• Carlos V en la batalla de Mühlberg. Museo del Prado. • Felipe II Museo del Prado. • Isabel de Portugal, Mº del Prado. • Autorretrato.

OBRAS:

� Virgen de Castelfranco. � La tempestad. � El concierto campestre � Venus dormida.

OBRAS:

9. LA ESCENOGRAFÍA EN EL ARTE DE TINTORETTO (1518-1594 ):

o Busca más lo expresivo que la belleza formal. o Mezcla el colosalismo y dramatismo de Miguel Angel y el color de Tiziano. o Se caracteriza por las luces violentas, los contrastes de luz los escorzo forzados, las

actitudes violentas e inestables, las insólitas perspectivas, el movimiento, las composiciones en diagonal.

o Los cuadros están llenos de luces centelleantes. o Perfila las figuras con lo que consigue captar mayor relieve y patetismo en las figuras. o Anticipa en muchos aspectos al Barroco.

� Religiosos - Llega a alcanzar un profundo dramatismo.

• Ecce Homo • Entierro de Cristo. Mº del Prado • La coronación de espinas • La Asunción. • Noli me tangere

� Mitológicos: - Trata los temas con sensualidad: desnudos femeninos de formas llenas y coloridos cálidos.

• Bacanal. Mº del Prado. • Venus y la música. Mº del Prado. • Venus y el Amor. • Danae. • Venus de Urbino. • Adán y Eva

OBRAS:

10. EL VERONÉS. CLASICISMO Y LAICISMO (1528-1588)

OBRAS:

o Es el que mejor capta el lujo y la fastuosidad de Venecia. o Monumentales escenarios arquitectónicos. o No concentra la atención en el tema principal debido a la gran importancia que otorga a lo anecdótico. o Gran colorista: prefiere los tonos gris plata a los colores intensos. o Reproduce la vida veneciana incluso cuando trata temas religiosos.

� Jesús ante los doctores. Mº del Prado. � Noli me Tangere. � Bodas le Canaa � Moisés salvado de las aguas, Mº del Prado. � Joven entre el vicio y la virtud. � Susana y los viejos. Mº del Prado.

� El lavatorio Mº del Prado � Milagro de San Marcos. ó Encuentro del cuerpo de San Marcos � Traslación del cuerpo de San Marcos. � Judith y Holofernes. � Bautismo de Cristo. � Venus y Vulcano. � Baco y Ariadna. � Caballero de la cadena de oro. � Susana y los viejos.

BIBLIOGRAFÍA: • Hª DEL ARTE MODERNO I (ARQ DEL RENACIMIENTO. UUDD Jose Enrique García Melero UNED Madrid 2004

• Hartt, F- ARTE Hª de la Pintura Escultura y Arquitectura. Akal. Madid 1989 • HISTORIA DEL ARTE.. Diego Angulo Iñiguez Distribuidor_ EISA. Madrid 1966 • ULLMMAN Y KÖNEMANN. El Arte en la Italia del renacimiento... Ullmman and Könemann. Colonia 2007.

ESQ UEMA REALIZADO POR: Rosa Mª de la Torre Tercero (Centro Asociado de ELCHE) FOTOS: http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1012.htm http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/gal3451-11.htm http://es.wikipedia.org/wiki/Renacimiento http://www.arteguias.com/renacimiento.htm http://www.museothyssen.org/thyssen/coleccion/recorridos7.html http://dzunum.iespana.es/Galeria%20de%20Arte.htm

11. RUPTURA DEL MODO VENECIANO. BASSANO:

OBRAS:

o Gusto por lo anecdótico: el tema principal queda reducido un simple pretexto (tenebrismo). o Efectos del claroscuro, origen del tenebrismo barroco.

� El arca de Noé. Mº del Prado. � La adoración de los pastores. Mº del Prado.

TEMA 2-5 Pintura manierista italiana

1. La Reforma y la crisis del Renacimiento: El manieri smo

• Surge a fines del último tercio del siglo XVI prolongándose hasta el primer decenio del siglo XVII, fue juzgado peyorativamente hasta su revalorización por la crítica del siglo XX.

• Es el arte de una época de crisis refleja la y profundas contradicciones: refleja la crisis religiosa y política de fin de siglo.

• Su nombre deriva de la expresión italiana “alla maniera de ...” ya que los artistas de esta corriente intentan imitar el estilo o “maniera” de los grandes maestros renacentistas, pero amanerando y exagerando sus formas.

• Supone el rechazo del ideal de belleza del Renacimiento: se abandona la serenidad, el equilibrio. La claridad compositiva del periodo anterior.

• Estilo subjetivo, artificioso, resultado de una elaboración intelectual. Esto hace que los destinatarios de este arte sean los cortesanos e intelectuales pues resultaba demasiado complicado y de difícil comprensión para el pueblo.

• No toma sus modelos de la realidad sino de los grandes maestros anteriores. Por eso cae en un profundo conceptualismo e irrealismo.

• Resalta lo emocional, la expresividad y el dramatismo, • Las figuras presentan ritmos ondulantes, son alargadas y esbeltas con violentos escorzos

y posturas inestables. Aparecen deformadas con el fin de aumentar su expresividad. • Las composiciones rompen con la perspectiva renacentista y con la disposición,

equilibrada; preferentemente desplazan el tema principal hacia un rincón o hacia el fondo; resultan inverosímiles e inusitadas.

• Colores arbitrarios: vivos, estridentes, fríos. • La luz resulta extraña y convencional. • En resumen:

1. Influencia de los grandes maestros. 2. Pocas figuras. 3. Idealismo y dramatismo. 4. Retrato aristocrático. 5. Imitación y originalidad imaginativa. 6. Luces y composiciones inusitadas. 7. Fantasía.

-

Caracteres Generales

� Fra Bartolommeo. Fra

Bartolommeo Baccio della Porta

� Nacionalidad: Italia � Florencia 1475 - Pian di

Mugnone 1517 � Pintor � Estilo: Renacimiento

Italiano � Escuela: Cinquecento Tras obras: 1. Noli me Tangere

2. La Sagrada Familia de Roma de la Galería Borghese.

3. Anunciacion

4. La piedad (Piti)

2. PINTURA DE LOS MANIERISTAS FLORENTINOS: LOS INIC IADORES FLORENTINOS: FRA BARTOLOMEO DELLA PORTA Y ANDREA DE L SARTO.

Noli me tangere Navidad del Señor. Navidad del Señor. Desposorios Místicos.

BARTOLOMEO DELLA PORTA Retrato de Savonarola c. 1498 Óleo sobre tabla. Museo de San Marco, Florencia La aparición de la Virgen a San Bernardo 1504 Óleo sobre tabla. Uffizi, Florencia Piedad c. 1515 Óleo sobre lienzo. Uffizi, Florencia

ANDREA DEL SARTO 1. La Natividad de la Virgen 1513 Fresco. Annunziata, Florencia 2.La Madonna de las Arpías 1517 Óleo sobre tabla. Uffizi, Florencia 3.La Madonna del Saco 1525 Fresco. Annunziata, Florencia 4. La disputa sobre el misterio de la Trinidad 1517. Óleo sobre tabla. Palacio Pitti, Florencia 2. Andrea del Sarto. Piedad 1523 Pintura sobre tabla. Palazzo Pitti, Florencia 5. Retrato de Lucrecia di Baccio 1513-14 Óleo sobre tabla. Museo del Prado 6. utorretrato ? Óleo sobre tabla. Uffizi, Florencia

Andrea del Sarto (1486-1530).-

i. Andrea del Sarto. Andrea d´Agnolo di Francesco

ii. Nacionalidad: Italia iii. Florencia 1486 - Florencia

1530 iv. Pintor v. Estilo: Renacimiento Italiano

vi. Escuela: Cinquecento , Escuela Italiana

Sus únicas obras documentadas son: 1. el Palacio de los

Cónsules en Gubbio, que se inició en 1532, y

2. el Ayuntamiento de Cittá di Castello.

Los frescos:

3. La Natividad de la Virgen de 1514 y

4. La Madonna de las Arpías (1517) de corte clásico (Similitud con la Escuela de Atenas de Rafael.

5. la Virgen de Saco de (1525) se encuentran en Santa Annunziata de Florencia y en ellos se aprecian claramente las características del Renacimiento. Otras obras interesantes son

6. la Sagrada Familia, su tema favorito.

7. Retratote Lucrecia del Baccio, (su mujer-

1518) 8. La Piedad.

3. EL SEGUNDO TERCIO DEL SIGLO XVI: FLORENCIA: EL P ONTORMO. ROSSO. EL BRONZINO.

JACOPO PONTORMO Pontormo. Virgen con el Niño y dos santos 1522 Óleo sobre tabla. Uffizi, Florencia Pontormo. Descendimiento c. 1528 Óleo sobre lienzo. Cappella Capponi, Sta Felicità, Florence Pontormo. Cosme el Viejo c.1520 Óleo sobre tabla. Uffizi, Florencia Pontormo. Alabardero 1530s Óleo sobre lienzo. J. Paul Getty Museum, Malibu Pontormo. María Salviati 1537 Óleo sobre tabla. Uffizi, Florencia

Jacopo Pontormo (1494-1555)

- Pontormo. Jacopo Carucci - Nacionalidad: Italia - Pontorme (Florencia) 1494 -

Florencia 1557 - Pintor

o Figuras alargadas de

actitudes forzadas. o Atmósfera fantástica y

misteriosa. o Rompe la unidad de acción

desarrollando varias acciones simultáneamente. 1. Sagrada Familia. 2. Madonna con Niño,

San José y Juan Bautista.

3. Virgen en el trono son Santos (similar a la de Andrea del Sarto)

4. Frescos de la Pasión de la Cartujade Val D´Ema (alargamiento figurativo)

5. Descendimiento (Florencia) verdadero manifiesto de manierismo.

6. Cosme el viejo. (Uffizi)

7. irgen en el trono con santos – Frescos de la villa de Poggio a Caiano …

BRONZINO Bronzino. Ugolino Martelli c. 1535 Óleo sobre tabla. Staatliche Museen, Berlin Bronzino. Leonor de Toledo y su hijo 1544-45 Óleo sobre tabla. Uffizi, Florencia Bronzino. Bartolomeo Panciatichi c. 1540 Témpera sobre tabla. Uffizi, Florencia Bronzino. Panciatichi c. 1540 Óleo sobre tabla. Uffizi, Florencia Bronzino. Guidobaldo della Rovere con su perro 1530-32 Óleo sobre tabla. Palacio Pitti, Florencia Bronzino. Venus abrazada a Cupido 1540-45 Óleo sobre tabla. National Gallery, Londres

Agnolo Bronzino (1503-1572),

• Bronzino, Angiolo • Nacionalidad: Italia • 1503 - 1572 • Pintor • Estilo: Renacimiento Italiano

Nacido en la órbita del Cinquecento, evolucionó con velocidad hacia el nuevo estilo, el Manierismo, que se introduce con Rafael y Miguel Angel. Entre sus obras podemos citar:

1. Leonor de Toledo y su hijo.

2. Venus abrazada por cupido.

3. Descendimiento 4. Noli me tangere

a

ROSSO FIORENTINO Rosso Fiorentino. Virgen con el Niño y santos 1518 Óleo sobre tabla. Uffizi, Florencia Rosso Fiorentino. Virgen en el trono y santos 1522 Óleo sobre tabla. Palacio Pitti, Florencia Rosso Fiorentino. Descendimiento 1521 Óleo sobre tabla. Catedral, Volterra Rosso Fiorentino. Moisés y las hijas de Jetró 1523-24 Óleo sobre lienzo. Uffizi, Florencia Rosso Fiorentino. Angel músico

Rosso Fiorentino (1495-1540), Rosso Fiorentino (1495-1540).- • Rosso Fiorentino. Giovanni Battista

Di Iacopo De Rossi: • Nacionalidad: Italia • Florencia 1495 - Fontainebleau

1540 • Pintor

1. La Asunción de la Virgen, realizada para completar el ciclo iniciado por Andrea del Sarto para el claustro de Annunziata.

2. Los Esqueletos 3. La Virgen con cuatro

santos que se conserva en la Galería de los Uffizi y

4. El descendimiento de la cruz, una de sus creaciones maestras de juventud.

5. Descendimiento de la Cruz. 6. Los desposorios de la

Virgen 7. Angel Musico 8. El Moisés y las hijas de

Jetró, en esta última obra se reflejan ciertas repercusiones de Miguel Angel, aunque le supera en el manierismo de las figuras.

- Formas estilizadas y elegantes. - Retratos. • Descendimiento. Obra que se

encuentra en Volterra. Es un cuadro de altar, que recuerda a una obra cubista. Los colores son planos geométricos. Altera los volúmenes del cuerpo. Es un artista que se adelanta a su tiempo. El cuadro huye del centro. Un personaje subido a la escalera parece no estar apoyado en nada.

• Ángel músico. El ángel posee una enorme belleza.

4. Roma: Sebastiano del Piombo. Volterra. Vasari.-

SEBASTIANO DEL PIOMBO Sebastiano del Piombo. Polifemo 1512-14 Fresco. Villa Farnesina, Roma Sebastiano del Piombo. Muerte de Adonis 1511-12 Óleo sobre lienzo. Uffizi, Florencia Sebastiano del Piombo. Piedad 1517 Tabla. Museo Cívico de Viterbo Sebastiano del Piombo. Resurrección de Lázaro 1517-19 Óleo sobre lienzo. National Gallery , Londres Sebastiano del Piombo. Dama 1512-13 Gemäldegalerie. Berlín Sebastiano del Piombo. Clemente VII Óleo sobre lienzo. Nápoles. Italia. Museo e Gallerie Nazionali di Capodimonte.

Sebastiano del Piombo. • Sebastiano del Piombo.

Sebastiano Luciani • Nacionalidad: Italia • Venecia 1485 - Roma

1547 • Pintor • Estilo: Renacimiento

Italiano • Escuela: Venecia ,

Escuela Italiana Se formó en Venecia, recibiendo:

• La influencia de Bellini y

• Las enseñanzas de Giorgione, con quien se confunden a veces sus obras.

Entre sus obras podemos citar: 1. Polifemo de Villa

Franesina. � Galatea Rafael.

2. Piedad de Viterbo � inspirado Miguel Ángel.

3. Resurrección de Lázaro. � Ayuda de Miguel Ángel.

4. Dama de Berlin. 5. Clemente VII

(Capodimonte)

6. Bajada al Limbo. 7. Cristos con la cruz

DANIELE DA VOLTERRA Volterra. Anunciación Tabla. Museo del Prado Volterra Descendimiento 1541 Fresko Kapelle Orsini Trinità dei Monti,

GIORGIO VASARI Vasari. Autorretrato 1566-1568 Óleo sobre tabla. Galería de los Uffizi, Florencia

Volterra. • Daniele da Volterra. Daniele

Ricciarelli • Nacionalidad: Italia • Volterra 1509 - Roma 1566 • Pintor • Estilo: Renacimiento Italiano • Escuela: Cinquecento

1. cubrir las figuras desnudas que

Buonarroti pintó en la pared del Juicio Final lo que provocaría el apodo del "Braghetone".

2. El Descendimiento de Santa

Trinitá dei Monti 1541 (Mov. en zig-zag)

3. La anunciación de la Virgen (misma iglesia)

Vasari • Vasari, Giorgio • Nacionalidad: Italia • Arezzo 1511 - Florencia 1574 • Pintor y arquitecto • Estilo: Renacimiento Italiano • Escuela: Cinquecento

En 1550 aparece publicada la primera edición de las "Vidas de los más sobresalientes arquitectos, escultores y pintores", En 1560 Vasari regresa a Florencia donde llevará a cabo el proyecto arquitectónico de la planificación de los Uffizi así como

1. la reestructuración y decoración del "Palazzo Vecchio".

2. decorando la Sala Regia del Vaticano.

IL SODOMA Il Sodoma. Deposición de la Cruz c. 1505 National Pinacoteca, Siena Il Sodoma. San Sebastián 1525 Óleo sobre lienzo. Palacio Pitti, Florencia

5. Giulio Romano y Il Sodoma

GIULIO ROMANO Giulio Romano. Batalla del puente Milvio 1520-24 Roma, Vaticano Giulio Romano. La caída de los Gigantes 1526-34 Fresco. Palazzo del Té, Mantua

GIULIO ROMANO: • Giulio Romano. Giulio Pippi • Nacionalidad: Italia • Roma 1492-99 - Mantua 1546

- Los dibujos de Romano han sido muy buscados por los coleccionistas.

- Los grabados de la época sobre su obra fueron una contribución significativa para la difusión del estilo

- Sus innovaciones en relación al clasicismo del alto Renacimiento ayudaron a definir el estilo definido como manierismo.

1. Batalla del Puente Silvio 2. La caída de los Gigantes 3. Banquete de Boda

IL SODOMA: • (1477-1549), pintor italiano

• Con sus obras establece un puente

entre el estilo del final del

renacimiento y el manierismo.

1. Descendimiento de la Cruz

2. San Sebastián

PARMIGIANINO Parmigianino. Autorretrato con espejo convexo 1524. Óleo sobre tabla Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria Parmigianino. Antea 1524-1527. Óleo sobre lienzo. Pinacoteca de Capodimonte. Nápoles Parmigianino. Conde de San Segundo 1533/35. Óleo sobre tabla. Museo del Prado Parmigianino. Esponsales de Santa Catalina 1527-1531. Óleo sobre lienzo. The National Gallery. Londres Parmigianino. Virgen del cuello largo 1534-40 Óleo sobre tabla. Uffizi, Florencia

6. Parma. El núcleo parmesano: Parmigianino.

Parmigianino. • El Parmesano.- • Parmigianino (El).

Francesco Mazzola • Nacionalidad: Italia • Parma 1503 - 1540 • Pintor • Estilo: Manierismo

1. Pintó a los 118 años ,

el Bautismo de Cristo,

Sin embargo, precisamente de estos últimos años es una de sus mejores obras:

1. la Madona del Cuello Largo.

2. Matrimonio Mistico de Santa catalina

3. Visita de l Virgen a Santa Isabel

4. Vulcano. 5. Marte y Venus. 6. sagrada Familia

con Zacarias.

7. Virgen del cuello largo.

8. Dama con tres niños

� Formas

desmesuradamente alargadas.

� Perspectivas insólitas.

� Estilo refinado y e ante

LORENZO LOTTO Lotto. Pala de San Bernardino 1521 San Bernardino in Pignolo. Bergamo. Lotto. Micer Marsilio y esposa Lienzo. Museo del Prado

IL BAROCCI Barocci. Descanso en la huida a Egipto 1570 Óleo sobre lienzo. Museos Vaticanos Barocci. Nacimiento 1597 Óleo sobre lienzo. Museo del Prado

7. Lorenzo Lotto y Il Barocci.

LOTTO, LORENZO

• Nacionalidad: Italia

• Venecia 1480 -Loreto 1556 .

• Pintor

• Estilo: Renacimiento Italiano

Su obra es en la mayor parte religiosa, aunque algunos de sus retratos resultan inquietantes por su perfección y nerviosismo en la ejecución.

1. Pala de San Benedetto 2. Marsilio y esposa

Federico Barocci • Fiori Da Urbino. Federico

Barocci • Nacionalidad: Italia • Urbino 1528-35 - Urbino 1612 • Pintor • Estilo: Manierismo • Escuela:

1. Descanso en la huida a Egipto

2. Nacimiento

3. la pintura de los frescos del Casino de Pío IV, que se encontraba en los Jardines Vaticanos.

- Escorzos, movimiento. - Efectos lumínicos, colorido

claro y rico.

8. Zuccaro, Tibaldi, Cambiasso y Arcimboldo.

FEDERICO ZUCCARO Zuccaro, Federico 1588 Óleo sobre lienzo. Uffizi, Florencia PELLEGRINO TIBALDI Tibaldi. 1548 Adoración del Niño Óleo sobre lienzo. Galleria Borghese, Roma

LUCCA CAMBIASSO Cambiasso. Muerte de Lucrecia Lienzo. Museo del Prado ARCIMBOLDO Arcimboldo. La Primavera 566 Óleo sobre tabla. Kunsthistorisches Museum, Vienna

Federico Zúccaro • Zuccari, Federico • Nacionalidad: Italia • Sant´Angelo in Vado, Urbino 1542-

43 - Ancona 1609 • Pintor • Estilo: Renacimiento Italiano ,

Manierismo

Tibaldi. • Tibaldi, Pellegrino • Nacionalidad: Italia • Puria in Vasolda 1527 - Milán 1596 • Pintor • Estilo: Manierismo • Escuela:

1. frescos del claustro

iniciados por Zuccaro. 2. bóveda de la biblioteca

escurialense 3. Adoración del niño

Su estilo es claramente manierista y se caracteriza por sus violentos gestos, posturas forzadas y los grandes contrastes de luces y sombras.

Luca Cambiasso en Génova • Cambiaso, Luca • Nacionalidad: Italia • Moneglia 1527 - El Escorial 1585 • Pintor • Estilo: Renacimiento Italiano ,

Manierismo

1. retrato de Lucrecia (

Giuseppe Arcimboldi:

• Arcimboldo, Giuseppe • Nacionalidad: Italia • Milán 1527 - Praga 11-7-1593 • Pintor • Estilo: Manierismo 1. La Primavera. 2. Aguas y Fuegos, 3. Verano e Invierno,

MANIERISMO: • Se desarrolló en Italia desde 1520 hasta finales del siglo XVI. El término manierista se ha empleado fundamentalmente con

dos significados distintos, debido a que en su origen se encuentra unido al término italiano "maniera", que se aplicaba para designar a los artistas que eran meros imitadores de los grandes maestros, esencialmente Miguel Angel, Rafael y Leonardo, tanto para los que eran considerados como imitadores de una forma fría e impersonal como aquellos que incluían algún matiz creador u original.

• Se empleaba por tanto la expresión "manierista" con la significación equivalente a modo o manera, y como tal los artistas que así eran designados se englobaban dentro del Renacimiento. Esta idea surgió a partir del siglo XVII, en que Bellori y otros opinaron que el manierismo era un movimiento de ínfima calidad, que se producía después del Renacimiento clásico.

• En el siglo XX se inició su valoración, sobre todo debido a autores como Hauser y Dvorak, que han dado forma a una tendencia dominante que considera al Manierismo como un estilo artístico, independiente y con entidad propia. Es decir, se ha pasado de una valoración peyorativa del término a una acepción mayoritaria que le define por una serie de valores intrínsecos propios.

• Simultáneamente a la evolución del significado del Manierismo, algunos investigadores han puesto de relieve que el Manierismo no es sólo un estilo pictórico, como en principio se consideraba, sino que además hay que extenderlo a otras manifestaciones artísticas, culturales y espirituales, como la arquitectura, la escultura, la literatura y la música.

• El Manierismo supone, con respecto al renacimiento clásico, un distanciamiento que se empieza a producir a partir de la fecha de la muerte de Rafael, 1520.

• Esta quiebra en la armonía tiene su base en acontecimientos sociales, como fue la epidemia de peste de 1522, la invasión de Italia por tropas francesas y españolas, el Saco de Roma en 1527, la ruptura en la unidad de la Iglesia con la Reforma protestante, la crisis económica provocada por la introducción del racionalismo económico, el nacimiento de la concepción científico-natural del mundo y la nueva forma de entender el patronazgo y la obra de arte.

• El Manierismo ya se había iniciado en las últimas obras de Rafael y en toda la etapa final de Miguel Angel. La meta de los artistas manieristas fue la ruptura de la unidad espacial y del equilibrio: el espacio lo entendieron como diverso y por tanto con diferentes visiones. Frente al agrupamiento masivo de figuras se oponen espacios vacíos y los motivos principales pasan a situarse en un segundo plano, mientras que los secundarios adquieren una capital importancia.

• Dentro del Manierismo se han distinguido dos corrientes: el espiritualismo místico muy exacerbado, cuyo mejor representante es el Greco, y el naturalismo panteísta, en el que las cosas reales aparecen muy detalladas, cuyo mejor representante es Brueghel. Sin embargo estas dos tendencias no aparecen siempre separadas.

• El manierismo puede ser definido como el mundo de las cosas reales, enmarcadas en un espacio ficticio. Se produjo desde 1520 hasta fines de siglo, en que adquirió fuerza el Barroco, estilo con el que tendrá una importantísima diferencia: mientras que el manierismo se realiza exclusivamente para una clase social elevada, el Barroco es un estilo popular.

• El Manierismo además coincide con el momento de internacionalización del Renacimiento, pues será a partir de 1520 cuando Éste se extienda por toda Europa.

• El Manierismo es el producto de una sociedad escéptica y preocupada por el gozo y el refinamiento, sólo entusiasmada por rodearse de belleza. Las obras de este período tendrán un marcado carácter subjetivo y antinaturalista.

• La belleza no se descubre sólo mediante la simplicidad natural, sino creando un arte artificial en el que la naturaleza y la imitación dejan de ser el modelo y el eje de la creación artística.

• El ideal de belleza se forma en la mente del artista y es resultado, no de la imitación, sino de la especulación y el invento. Se rechaza la pretendida superioridad del arte antiguo frente al consciente conocimiento y destreza del artista y a su libertad creativa.

• El Manierismo, fenómeno de origen italiano, sólo es entendible donde el lenguaje clásico se ha refinado y donde, como en el caso de Italia y los artistas del alto Renacimiento, se han impuesto las bases de su superación.

• Se extiende con facilidad por algunas cortes europeas, donde el gusto por la elegancia, lo complejo y lo sofisticado mantiene la tradición tardo-gótica en el siglo XVI.

• Son formas que comparten algunas características con las manieristas, pero a las que falta la experiencia clásica y la armonía de la que parten los artistas italianos para sustituirla.

• Difíciles de clasificar son las obras raras o con falta de conocimiento de las normas clásicas, o las que recogen elementos manieristas y los incluyen dentro de tradiciones locales, en lugares que, como España, no han introducido y aceptado las normas clásicas y dan lugar a formas híbridas de valoración distinta de la propiamente manierista.

• La necesidad del manierismo de encontrar nuevas soluciones, sin valorar las del pasado, hizo indispensable el intercambio de experiencias y la capacidad de enfrentarse con nuevas situaciones. Esto facilitó el encuentro con otras tradiciones y culturas y contribuyó a la difusión de sus formas.´

ESQ UEMA REALIZADO POR: Rosa Mª de la Torre Tercero (Centro Asociado de ELCHE) BIBLIOGRAFÍA:

• Hª DEL ARTE MODERNO I (ARQ DEL RENACIMIENTO. UUDD Jose Enrique García Melero UNED Madrid 2004 • Hartt, F- ARTE Hª de la Pintura Escultura y Arquitectura. Akal. Madid 1989 • HISTORIA DEL ARTE.. Diego Angulo Iñiguez Distribuidor_ EISA. Madrid 1966 • ULLMMAN Y KÖNEMANN. El Arte en la Italia del renacimiento... Ullmman and Könemann. Colonia 2007.

FOTOS: http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/1012.htm http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/gal3451-11.htm http://es.wikipedia.org/wiki/Renacimiento http://www.arteguias.com/renacimiento.htm http://www.museothyssen.org/thyssen/coleccion/recorridos7.html http://dzunum.iespana.es/Galeria%20de%20Arte.htm

• Pintura en los Países Bajos : La pervivencia de las formas góticas y la superposición del influjo italiano: la pintura fantástica y alegórica, el retrato y el paisaje de horizonte alto.

• Rivalidad artística entre las grandes ciudades comerciales. El mecenazgo burgués. Sus relaciones con España.

• La primera mitad del siglo XVI: Brujas: Adrian Isembrandt y Ambrosius Benson.- La escuela de Amberes: Quentin Metsys (1465-1530), su expresionismo y su patetismo teatral. Marinus y las escenas de género. El mundo visto a vuelo de pájaro: Los paisajes "soñados" de Joachín Patinir (activo entre 1510 y 1524).- Escuelas de Haarlem, Leyden, Utrecht y Bruselas.

• La segunda mitad del siglo XVI y la influencia del manierismo italiano: los paisajistas. Pieter Brueghel el Viejo (1525/30-1569) y el paisaje costumbrista intelectual y dinámico. La miniaturización de las figuras. "El triunfo de la muerte" (1562-1563).- El retrato: Minuciosidad en Antonio Moro (1519-1576).

• Pintura en Alemania : Las relaciones comerciales y artísticas de la burguesía alemana de Colonia con Venecia y Lombardía.

• El retrato y el grabado en Alemania. • Alberto Durero (1471-1528) como teórico del Renacimiento: las "Instrucciones sobre la manera de

medir" (1525) y la "Teoría de las proporciones del cuerpo humano" (1528). Sus viajes a Venecia en 1494-1495 y 1505-1507. Los retratos realistas y los grabados de Durero.

• Lucas Cranach el Viejo (1472-1553), pintor de la Reforma.- La expresión trágica en Matías Grünewald (1475-1528): El retablo de Isenheim (1512-1515).- Albrecht Altdorfer (1480-1538) y sus paisajes misteriosos.

• Pintura en Inglaterra : El alemán Hans Holbein el Joven (1497/1498-1543), pintor de la corte de Enrique VIII: Sus retratos italianizados y la penetración del clasicismo en Inglaterra.

• Pintura francesa : Mecenazgo de Francisco I. Encuentro en Francia entre dos corrientes de signo distinto: la italiana y la flamenca o la pintura mitológica y el retrato.

• Fontainebleau y los manieristas italianos.

TEMA 16 Pintura del siglo XVI en los Países Bajos, Francia, Inglaterra y Alemania

1. PINTURA EN LOS PAÍSES BAJOS

LA PINTURA FANTÁSTICA Y ALEGÓRICA, EL RETRATO Y EL PAISAJE DE HORIZONTE ALTO

� El Renacimiento nórdico no es una ruptura, como el italiano, sino una evolución lógica por tantos

acontecimientos extraordinarios � Frutos del Renacimiento nórdico:

� Primitivos flamencos: Justo de Gante, Van der Weyden… � Técnica del óleo � Vidriera gótica

� Todo el occidente europeo imita como superiores las realizaciones italianas: las traducen a sus idiosincrasias y, en algunos casos, las superan al ser Estados muy superiores (políticamente sobre todo)

� El Renacimiento pasa a Europa cuando en Italia ya bascula hacia el Manierismo: � La mayor parte de las veces, Europa sólo copia fórmulas integrándolas en viejas estructuras � Los acontecimientos (Reforma, potencia española, enfrentamientos entre grandes naciones),

ya han debilitado las bases ideológicas, humanísticas y culturales del Renacimiento � En Europa no hay un Renacimiento Pleno, sino un híbrido con residuos antiguos

(medievales) y novedades sin rigor del clasicismo renacentista � La entrada en la modernidad no se da hasta el Barroco, es decir, hasta que el hombre se

reconoce como individuo: influencia de las tesis erasmistas, es decir, del norte de Europa.

1.1. PERVIVENCIA DE LAS FORMAS GÓTICAS Y LA SUPERPOSICIÓ N DEL INFLUJO ITALIANO

LOS PAÍSES BAJOS

� Florece la industria y el comercio alrededor de Brujas y la Liga Hanseática: crecimiento económico � En el siglo XVI caen bajo el dominio del Imperio, al casarse Maximiliano I con María de Borgoña. Pasarán

a Carlos V y a Felipe II, independizándose los países del Norte de Flandes, tras las luchas religiosas, bajo el nombre de Holanda.

� Avances artísticos de los Primitivos Flamencos a los que los artistas del siglo XVI incorporan el impacto del arte italiano:

• El óleo • Disposición naturalista • Elegancia de la corte borgoñona • Aprecio por la miniatura • Reproducción positivista de los objetos • Clima preburgués, proclive al retrato • Afición a la alegría, al símbolo y a lo fantástico

� El erasmismo traduce el humanismo italiano en algo más racional que formal, más ideológico que sensible y más individual que colectivo:

• La devoción por la Antigüedad clásica se conjunta con la atención a las raíces y a la personalidad individual.

� Simbiosis entre tradición y novedad en los países fuera de Italia: la estructura fundamental continúa siendo gótica o medieval sin más:

• Influencia de los Primitivos flamencos (Van Eyck, Van der Weyden, Memling, el Bosco) • Influencia italiana, con el máximo esplendor con la visita de Durero

� “Santa Magdalena”: influencia de Leonardo � “Cristo presentado al pueblo” (Prado): naturalismo exagerado llegando casi a la

caricatura � “Tríptico del entierro de Cristo”: la mayor y más importante de sus obras � “El cambista y su mujer”: su obra más original:

• Minuciosidad y ensimismamiento: el perfil humano centra toda la escena • Superpone el naturalismo flamenco (brillos, reflejos, metales, maderas, trajes,

espejo, vidrio…), con un humanismo racional que revela el interior de los personales

• Análisis y crítica de la realidad de un modo “costumbrista” e incisivo. � Las nuevas ideas religiosas reformistas, que desprecian las representaciones

religiosas, inclinan el gusto hacia las escenas cotidianas, el paisaje y el bodegón.

� Escenografías y decoraciones teatrales, que se inscriben en la arquitectura y la decoración clasicista

� “El cambista y su mujer”, “San Jerónimo” y “La Virgen de la leche”, están en el Prado

� Considerado el mejor paisajista de la Escuela Flamenca. � Influencias del Bosco y de Leonardo � Paisajes con un punto de vista muy alto, donde las figuras se mueven , las

arquitecturas se vislumbran, las escenas se representan, pero todo es alrededor del paisaje

� Preocupación por la perspectiva: el horizonte, los planos encadenados (famosa escuela paisajística del siglo XVII en los Países Bajos).

� “San Jerónimo” � “El paso de la Laguna Estigia” (Prado)

1.2. LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XVI.

LA ESCUELA DE AMBERES: QUENTIN METSYS (1465-1530) Expresionismo y patetismo teatral

MARINUS VAN REYMERSWALE (1509-1567) Las escenas de género

Los paisajes “soñados” JOACHÍN PATINIR (1480-1520)

Bodas de campesinos

La caída de Ícaro

Triunfo de la muerte La Torre de Babel Adagios

1.3. SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XVI Y LA INFLUENCIA DE L MANIERISMO ITALIANO: LOS PAISAJISTAS

ESCUELAS DE HAARLEM, LEYDEN, UTRECHT Y BRUSELAS

� Artistas como los anteriores, pero con toques manieristas � LUCAS DE LEYDEN : Retratista: “Los jugadores de ajedrez” � VAN ORLEY : “La Sagrada Familia (Prado)

PIETER BRUEGUEL, EL VIEJO (1525/30-1569) El paisaje costumbrista intelectual y dinámico

� El más grande pintor flamenco del siglo XVI � Sigue la tradición flamenca renacentista y se aparta de la manierista

italiana del momento � Compone, como Patinir, un paisaje realista y amplio que le permita

incluir a sus personales y sus fábulas moralizantes � Domina la miniatura flamenca y la sátira y la ironía influenciadas por el

Bosco � Traduce los proverbios populares, o bien el absurdo de un “mundo al

revés”, o las costumbres y fiestas campesinas sin idealizar, llegando hasta la caricatura

� Atempera las sátiras equilibrando con un paisaje naturalista y amable, o con la alegría de composiciones de figuras abigarradas, sin concesión a lo elegante o aristocrático

� Refleja las nuevas ideas renacentistas: • el hombre como individuo conjuntado con la naturaleza • la crítica y el análisis de las costumbres y usos: “Boda de

campesinos”, “Juego de niños”, “El país de la cucaña” • la serenidad del paisaje frente a las fábulas o historias

superiores. Sus paisajes son construcciones intelectuales, razonadas y expuestas con equilibrio y lógica:

� “La Caída de Ícaro”: la mitología ocupa una parte mínima y la menos importante de la composición. Tiene influencias de Massaccio y Gioto, y hasta de Leonardo en las rocas puntiagudas, por ej.

� “Las estaciones del año” (cuatro cuadros) • el ideal de la vida burguesa • la valoración del trabajo: “Cazadores en la nieve”, “Segadores”,

con afán didáctico • la falsedad de la “vanitas”:

� “Triunfo de la muerte” (Prado): influencia de El Bosco. El desastre final no perdona a nadie ni a nada. Utiliza colores impresionantes y objetos-símbolos de la destrucción (horcas, ataúdes…). Plasma las famosas danzas de la muerte medievales, pero induciendo a la reflexión

� “La Torre de Babel

El retrato Minuciosidad en ANTONIO MORO (1519-1576)

� El retrato es consustancial al Renacimiento, por el concepto de hombre nuevo y por expresar la valía o “virtus”, por asemejarse a los clásicos o para manifestar poder.

� En los países nórdicos se añade el desprestigio de las imágenes religiosas (por la Reforma): el bodegón, el paisaje y el retrato ocupan su lugar

� Los Primitivos Flamencos ya cultivaban el retrato, pero eran hieráticos, sin fondo, esquemáticos: Van Eyck, Memling…

� Moro sigue a Tiziano: • abandona los contrastes claro-oscuro, la rigidez de las vestimentas y de

las poses • refleja la intimidad a base de distanciamiento manierista, con tonos

oscuros y fondos neutros y equilibrados matices de color más cálido • toda la humanidad se refleja en el rostro, con los rasgos plasmados de

forma minuciosa � “Maximiliano II”, ”El bufón Parejón”, “María Tudor” (Prado)

2. PINTURA EN ALEMANIA

2.1. LAS RELACIONES COMERCIALES Y ARTÍSTICAS DE LA BURGUESÍA ALEMANA DE COLONIA CON VENECIA Y LOMBARDÍA.

2.2. ALBERTO DURERO (1471-1528) COMO TEÓRICO DEL RENACIMIENTO.

� Las relaciones con los territorios italianos es histórica, ya que el Imperio Germánico dominó e incluyó algunos de ellos. El Emperador Germánico se hacía coronar como Rey de Romanos.

� En el siglo XV, los intercambios se acrecientan gracias al comercio, la banca, los tratados y los intereses de las grandes potencias (Francia y España, con Carlos V, se enfrentarán por el dominio italiano.

� El humanismo erasmista tendrá un singular peso en estas regiones: conquistas científicas y controversias ideológicas.

� El arte presta un servicio a la glorificación del príncipe y a la manifestación del poder, gracias a su fuerza propagandística y publicitaria.

� Nacido en Nuremberg, pasa por talleres y varios viajes a Italia � En los últimos años de su vida escribió varios tratados � Su fama fue tal que proliferaron muchos grabados falsos con su nombre � Es el único pintor fuera de Italia que puede entrar entre los grandes del Pleno

Renacimiento � En sus viajes a Italia, tuvo contacto con Bellini , y estudió a Mantenga, Leonardo y

Rafael � Su obra puede dividirse en cuatro apartados: el cuerpo humano, el estudio de la

Naturaleza, la introspección y la temática religiosa

Su vida

El cuerpo humano

� Lo representa según el nuevo concepto renacentista sobre proporciones, cánones, anatomía…

� “Adán y Eva” : grabado. Obra plena renacentista en la que los cuerpos desnudos destacan del fondo oscuro del Paraíso. Anatomías perfectas.

� “Adán y Eva” (Prado): dos tablas separadas. Evolución, con alargamiento del canon (casi manierista) y dominio del color, la esbeltez y la finura aprendidos en su paso por Venecia. Son los primeros desnudos de tamaño natural que se pintan en Alemania

Preocupación por la naturaleza

� Preciosos grabados y pintura de fauna y flora � Minuciosidad nórdica unida a la observación científica. Interés por el caballo, sus

cánones y proporciones � “Rinoceronte”, “La liebre”,”El Caballero, la Muerte y el Diablo”.

Personalidad humana

� Interés por la interioridad y por la expresión de individuo consciente de su lugar en el mundo

� Principalmente retratos, incluyendo tres Autorretratos (el mejor está en el Prado) • Autorretrato: interior con “vedutta” y paisaje

alpino, vestido Durero elegantemente y en pose refinada y mirada irónicamente afectada

Temática religiosa

� Son un paliativo a las exageraciones luteranas y sus imágenes tienen amplias simbologías

� Muestran los cánones clásicos: equilibrio, armonía, dibujo, paisaje, simbología, perspectiva…

� Es en los grabados donde Durero muestra toda su sabiduría técnica y su fervor religioso: San Jerónimo, Melancolía, Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis • Adoración de la Santísima Trinidad: numerosas figuras, anatomías cuidadas,

perspectiva, suave paisaje al pie de la escena y combinación de colores y gamas tonales.

Adoración de la Santísima Trinidad San Jerónimo

3. PINTURA EN INGLATERRA. HANS HOLBEIN EL JOVEN (1497/1498 -1543).

LUCAS CRANACH EL VIEJO (1472 -1553) � Es el pintor de la Reforma. � Pinta con formas renacentistas, bellas y sensuales, pero no cuida la proporción y el canon � Es característico en sus obras el contraste entre las carnes nacaradas y esmaltadas, lisas y tersas con el paisaje

de fondo áspero � Descuidadas proporciones anatómicas, antiidealismo en la representación de la belleza corporal, con los

miembros muy alargados, el hieratismo de rostros y posturas y la falta de perspectiva � “Descanso en la huida a Egipto”, “Adán y Eva” y muchas reproducciones de Judit, como opositora a la Virgen

María.

� No hay grandes pintores, salvo HOLBEIN , pintor favorito de Enrique VIII

� Después de Holbein, no hubo en Inglaterra ningún pintor de calidad durante mucho tiempo, sino pintores de segunda fila, aunque muy famosos y cotizados por la clase social alta, excesivamente manieristas, del gusto provinciano de la Corte Inglesa

� Holbein es alemán, pero debe su fama a los retratos realizados en Inglaterra.

� Sus primeras obras muestran expresividad, pasión dureza, horror, retorcimientos y miembros deformes, colores que dan sensación de dolor y tragedia: “Cristo en la tumba”

� En contacto con Erasmo, atempera esta rigidez y elabora los grabados para “El Elogio de la locura”, además de varios retratos de los reformistas: Lutero, Erasmo…

� En sus cuadros aplica conceptos humanísticos, ensamblando estilo italiano y germano, con precisión dibujística, colorido tamizado, perspectiva, escorzos…

� En sus retratos compagina una visión terrena de las cosas, la plasmación de la personalidad de los retratados, y un “aire” aristocrático” y natural a la vez, anuncio del realismo barroco.

� Su mejor retrato es el de “Enrique VIII”: vestimentas lujosas que se convierten en pequeños cuadros por si mismas, plasmación de la fuerza y autoridad del ánimo extravagante del monarca…

Diana de Poitiers

Francisco I de Clouet BIBLIOGRAFÍA:

• Hª DEL ARTE MODERNO II: PINTURA Y ESCULTURA DEL RENACIMIENTO. UUDD Jesús Miguel Visuales González UNED Madrid 2004

ESQ UEMA REALIZADO POR: Mª José Hernández Sánchez (Centro Asociado Gregorio-Marañón)

4. PINTURA FRANCESA. EL MECENAZGO DE FRANCISCO I.

� Francisco I, captado por el Renacimiento italiano, trae a varios artistas a Francia, Leonardo entre ellos. Comienza a remodelar y construir palacios cercanos a París, entre ellos el de Fontainebleau

ESCUELA DE FONTAINEBLEAU � Se convierte en el centro de difusión del Manierismo por

Europa a través de los Países Bajos. Su influencia en el arte francés del siglo XVI es indudable.

� Varios artistas decoran las distintas galerías del Palacio de Fontainebleau: • La Galería de Francisco I, con historias ensalzadoras

del prestigio de la Monarquía, mezclando escenas religiosas y profanas, con minuciosas decoraciones

• El Pabellón de Pomona, con principios manieristas • La Galería de Ulises: culmen del manierismo

decorativo, con un sentido paisajístico propio de la Escuela. Horizontes panorámicos, desnudos sensuales y elegantes, cantidad de ornamentación, colores encontrados, cartelas, imitaciones marmóreas, etc.

� Tres obras anónimas representan claramente a la escuela: “Diana de Poitiers”, “Venus y su toilette”, “Diana cazadora”.

� Son rasgos comunes de la escuela: espejos, símbolos arcanos, “indirectas desvergonzadas”, cuerpos y miembros alargados, rostros clasicistas con especial atención en nariz puntiaguda y ojos almendrados, peinados fastuosos, posturas teatrales, ricos objetos, telas transparentes y desnudos sensitivos…

JEAN Y FRANCOISE CLOUET � Son autores autóctonos franceses, que unen las maneras de

Holbein con las tendencias amaneradas de Fontainebleau. � El “Retrato de Francisco I”: retrato manierista, pero con

fuerza expresiva del carácter y personalidad de Francisco I, entre mordaz y taimado, que alcanza admirablemente la impresión intimista y poderosa del retrato de Enrique VIII de Holbein

� Otras obras son: “ Retrato de Carlos IX”, “Señora en el baño”, “Retrato ecuestre de Francisco I”

TEMA 2-7 Pintura española del siglo XVI

La expansión del movimiento artístico del Renacimiento no permanece ajena a los artistas españoles como es natural. Más si tenemos en cuenta los intereses de toda índole que mantiene España con Italia. Sin embargo estas ideas renacentistas llegan contaminadas de “Manierismo”. España recoge las ideas y filosofía del renacimiento en un momento muy controvertido, cuando se gestan las ideas de la Reforma, al tiempo que los descubrimientos geográficos muestran nuevos pueblos exóticos, y las ciencias plantean interrogantes de difícil aceptación por la ortodoxia de la Iglesia Romana. Máxime cuando España apuesta por una defensa del catolicismo. Estas circunstancias nos dan al menos tres peculiaridades.

- El mecenazgo de la nobleza - Un fuerte sentido religioso - Dicotomía entre lo antiguo y lo moderno

¿Renacimiento?

Patrocinio de la no bleza: El prestigio por “lo romano” entre la nobleza es una diferenciación frente alo tradicional. Así los personajes de la nobleza y los grandes eclesiásticos, junto con humanistas como mentores, propician los viajes de los artistas españoles a Italia, no sólo con el fin de completar su formación, si no también para la adquisición de obras italianas que los doten de prestigio y distinción. Consiguiendo mostrarse comprometidos con los nuevos tiempos y su cultura humanista. Carácter religioso: La fuerte religiosidad de las obras de arte, que descarta el esfuerzo de compaginar lo antiguo con lo cristiano, llevado acabo por los artistas italianos. Dada la ignorancia en España sobre el mundo antiguo y su mitología. Así el estudio de la anatomía y el desnudo queda descartado, impidiendo una verdadera implantación del humanismo renacentista. Así la pintura toma una mitología de simbolismo religioso, obviando, no sólo desnudos si no también paisajes. Cuando el retrato consigue individualizarse, muestra los personajes como valedores de lo religioso y como defensores de la Contrarreforma. Lo “antiguo” y lo “moderno”: Adquiere de las naciones del Norte de Europa la dicotomía entre lo antiguo y lo moderno. Casi siempre se decanta por la estructura Gótica, y Mudéjar por ser España, con formalidades clasistas en la ornamentación, medidas canónicas y algún elemento estructural. En el discurrir del siglo XVI, se tomo un rumbo hacia una mayor pureza renacentista, pero marcada por el Manierismo, entendido como un deseo consciente y deliberado de contestación de la ortodoxia clásica, y que cubre las necesidades ideológicas de la cultura religiosa. Conclusión: Por todo esto se deduce que en Espían no existe lo que se denomina Pleno Renacimiento, es más, algunos historiadores se cuestionan que llegase a existir un periodo de renacimiento como tal.

Principales características

1. Principales pintores con ideas renacentistas

Los de transición

Pedro Berruguete . Paredes de la Nava, Palencia h. 1450- Madrid 1503. Su mayor aportación es la introducción del renacimiento en Castilla . Realiza un viaje a Italia donde realiza trabajos en el Palacio Della Urbino. Es aquí donde conoce a varios artistas Piero Della Francesca y Juan de Gante. Así, su obra es ejemplo de transición entre la corriente artística flamenca y la renacentista , la obra de Pedro Berruguete se convertirá en uno de los primeros y principales ejemplos castellanos del cambio que se estaba produciendo, a comienzos del S .XVI, en un país en el que los medievalismos deudores del gótico previo daban paso a nuevos modelos culturales. Formado en el estilo flamenco de la segunda mitad del s.XV, la introducción en sus composiciones de elementos renacentistas novedosos le va a situar en el papel de precursor pictórico de dicha tendencia en España, a pesar de que no abandonará nunca completamente el estilo aprendido durante su juventud. Hacia 1482-83 (a la muerte del duque de Urbino) se le puede situar de vuelta en España, donde desarrollará su trabajo en Castilla, pudiéndose apreciar en las obras de esta nueva etapa (principalmente retablos) un cierto influjo a la italiana inexistente con anterioridad , aunque permanecerá fiel a la base flamenca en la que se educó inicialmente durante toda su producción (tendencia que se verá acentuada en determinadas ocasiones debido a una necesidad de adecuación a los gustos de su clientela). De este fin del s.XV son magníficas muestras el retablo mayor de Paredes de Nava y el retablo del Convento de Santo Tomás, en Ávila. Es en esta ciudad igualmente donde Berruguete realizará su última obra (morirá en el año de 1503), inconclusa y terminada posteriormente por Juan de Borgoña: el retablo mayor de la Catedral.

Principales obras: - Aparición de la Virgen - Auto de Fe - El Duque de Montefeltro y su hijo - Virgen con el Niño - Autorretrato

Juan de Borgoña. Su origen nos es completamente desconocido, tanto la fecha de nacimiento como el lugar, aunque por el apellido es razonable suponer que su procedencia es francesa, concretamente de la región de Borgoña. Conociendo su muerte hacia 1535. Por su estilo, podemos decir que se formó en los ve cinos territorios italianos, tal vez en Lombardía, tal vez en Roma o en Florencia. Hacia 1495 se afincó en Toledo, entonces capital española e importantísimo centro político y cultural europeo. Sus primeras obras aprovechan los últimos restos de l Gótico aunque introduce las novedades recién aprendidas del Renacimiento Italiano: sintetiza los personajes de rostros caricaturescos y cuerpos nerviosos típicos del Hispanoflamenco, con los pais ajes idealizados y brumosos de la escuela italiana, paisajes en los que introduce algunas ruinas clásic as que adornan la visión. Sus obras se reparten por toda Castilla, siendo uno de los artistas más apreciados por la corte de los Reyes Católicos y la alta jerarquía eclesiástica española.

Principales obras: - Magdalena y santos. - Sagrada cena. - Toma de Oran. (Fragmento). - Juicio Final.

Alejo Fernández , Córdoba 1475 h. - Granada 1545. Parece ser que el origen de Alejo Fernández es nórdico, posiblemente alemán. Instalado desde muy joven en Sevilla, se introdujo en el competitivo gremio de la pintura mediante el matrimonio con la hija de uno de los maestros de la ciudad. Su estilo recoge el último manierismo imperante en Sevilla, así como los rasgos flamencos que tienden a deformar rasgos y figuras, según la t radición nórdica . Se percibe su preocupación por la perspectiva, el dominio de las masas y el volumen. Además, pudiera ser que Alejo Fernández viajase a Italia, lo cual se deduce de las arquitecturas y las perspectivas que suele ejecutar en sus obras. Iniciando sus obras más conocidas en Córdoba, como el “Cristo atado a la Columna”, pronto le son encargados trabajasen Sevilla, como el “Retablo de Maese Rodrigo” o la “Virgen del Buen Aire”

2. El Foco Andaluz

Principales obras: - Cristo atado a la columna - Flagelación de Cristo - Retablo de Maese Rodrigo - Retablo de la Virgen del buen aire

Pedro de Campaña (Peter Kempereer). Bruselas 1503 - Sevilla 1563. La experiencia de Pedro de Campaña en Flandes aparece pronto templada por su aprendizaje en Italia, pues se sabe que estuvo en Bolonia en 1529 colaborando en algunos de los arcos de triunfo erigidos en la Coronación de Carlos V y en Venecia como pintor del cardenal Grimaldi. Después de Italia desarrolló su actividad artística en Sevilla entre 1547 y 1563, año en que murió. Aunque tenía una influencia clara de las emociones y del sentimiento que venía del mundo flamenco, al instalarse en España cultivó una image n vigorosa y monumental . Pacheco, en su libro de retratos, nos dio una imagen de él como de un hombre culto y erudito. En Sevilla pintó una serie de cuadros ”El Descendimiento”, del que hay varias versiones en la Catedral de Sevilla, Museo Fabre, Montpellier y Colegio del Patriarca, Valencia, obra en la que domina el dramatismo sobre la monumentalidad. El Retablo de Santa Ana y la Purificación de la Catedral de Sevilla muestran al pintor influido por la estatuaria y el relieve clásico . Campaña pintó también retratos como la figura del Mariscal Don Diego Caballero y su familia que aparecen en el Retablo de la Visitación. Estas imágenes son la única muestra de retablo manierista en España.

Principales obras: - Juicio Final - Generación temporal de Cristo - La Piedad - Nacimiento de Cristo

Principales obras: - San Pedro orando ante Cristo flagelado - Adoración de los Reyes - Descendimiento de la Cruz

Luís de Vargas. Sevilla 1506 – 1568. Durante dos décadas se estableció en Italia. A su regreso a España emprende una destacada trayectoria profesional. El primer trabajo que se le atribuye es el Retablo de Nacimiento de la catedral de Sevilla de 1555. En esta obra se aprecian las influencias del manierismo italiano y la pintura de Rafael. Otro de los autores que más le influyen es Perin del Vaga. Pacheco se refirió a él como “Padre de la pintura sevillana” que cuando menos parece algo exagerado. Se dice que el italiano Mateo Pérez de Alesio exclamó, al contemplar la pierna de Adán que domina la composición de la obra “Generación temporal de Cristo” o también conocida como “Alegoría de la Inmaculada Concepción”, -«piu vale la tua gamba che tutto il mio San Cristoforo» (Vale más tu pierna que todo mi San Cristóbal) valiéndole a la obra el sobre nombre de “La Gamba”.

Influencia Leonardesca.

El levante entra en contacto con el arte italiano con gran intensidad, gracias a su proximidad, comercio y política. Por tanto no es de extrañar el ir y venir de los artistas valencianos, que traen consigo nuevos estilos definidos en Italia. Así los representantes de la pintura levantina muestran dos claras vertientes, la de los seguidores de Leonardo y los seguidores de Rafael. Sin embargo anteriormente a estas dos corrientes, cabe destacar la obra de “Los Osona ” de los que sabemos poco, si eran miembros de la misma familia o si eran una o dos personas. Aún así sus obras son un claro enlace entre lo medieval y e l renacimiento, marcadas por tendencia italiana, que será la que se siga en ele foco levantino. Así las Obras les son atribuidas a Rodrigo Osona, el viejo o el joven.

Adoración de pastores Oración en el Huerto. Cristo ante Pilatos. Rodrigo Osona, el Viejo. Rodrigo Osona, el vie jo. R.Osona, el joven.

Son estos dos Pintores Fernando Yánez de la Almedina y Fernando Llanos , con los se consigue definitivamente un estilo renacentista. Ambos inician sus carreras juntos, llevando acabo obras conjuntas, como el retablo de la catedral de Valencia. De Yáñez sabemos que estuvo activo entre 1506 a 1526, y aunque los dos inician un mismo estilo Yánez se muestra más delicado y sereno, y lentamente se aparta de la imitación a Leonardo. De Llanos también desconocemos una biografía clara, pero sí que es coetáneo de Yánez. Es más es posible que ambos realizaran un viaje a Italia juntos. De Leonardo ambos artistas españoles aprendieron su “sfumato”, la elegante y m onumental concepción de las figuras y su interés por plasmar en sus composiciones un tipo de belleza ideal y serena. Llanos a diferencia de Yánez se mantiene más fiel a la tesis de Leonardo, destacando una mayor precisión naturalista y cierta rigidez en sus obras. Los servicios de ambos pintores serán reclamados en otras ciudades lo que facilita que el espacio vacío que dejan sea ocupado por otros pintores valencianos, con la particularidad de que estos tomaran la vertiente rafaelesca.

3. Las Opciones Italianas del Levante

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Vicente Massip. 1475 h. - 1550 h. Padre del también pintor Juan de Juanes, Vicente fue uno de los primeros en mostrarse sensible a las influencias del Alto Renacimiento , comienza con las formas de Leonardo cambiando por a las de Rafael, faceta en la destacará sobre todo su hijo. Vicente Massip pertenecía a una familia de pintores afincada desde el período Gótico en el reino valenciano. Valencia era una rica capital portuaria, con un gran volumen de barcos que forma anual introducían mercancías y novedades, e incluso periódicamente, la peste bubónica, que causó varias veces el despoblamiento de la ciudad, con consecuencias sobre la actividad artística. Massip trabajó un estilo que arrancaba del Gótico i talianizante aprendido de otros pintores que trabajaban en el área valenciana : Fernando de los Llanos, Yäñez de la Almedina, o el italiano Paolo de San Leocadio. A través de ellos y de las pinturas o grabados que llegaban vía marítima desde la cercana Italia fue como Massip aprendió las novedades del Cincuecento , que aprovechó para sus propias obras, y que transmitió a su hijo Juan de Juanes. Algunas de sus obras más representativas de este primer Renacimiento español son la Visitación y el Martirio de Santa Inés, ambas en el Museo del Prado de Madrid.

Principales obras:

Cristo resucitado. F.Yañez Descanso en la huida a Egipto. F.Llanos Puertas del retablo mayor de la Catedral de Valencia. F. Llanos Santa Catalina de Alejandría. F.Yañez de la Almedina

Influencia Rafaelesca.

Principales obras:

Última Cena. Juan de Juanes Martirio de San Esteban.

Juan Juanes Martirio de Santa Inés Visitación Entierro de San Esteban Vicente Massip Vicente Massip Juan de Juanes

Juan de Juanes. Vicente Juan Massip. Valencia 1523 h. - Bocairente 1579. Vicente Juan Massip, más conocido como Juan de Juanes, es hijo del magnífico pintor valenciano Vicente Massip. Adoptó los modos italianizantes que su padre apenas había comenzado a conocer; le cautivaron en especial el sfumato de Leonardo y la gracia de Rafael, que supo asimilar perfectamente en sus lienzos religiosos, de los cuales destacamos sin la menor duda la Última Cena, basada a partes iguales en los esquemas compositivos leonardescos y el dibujo rafaelesco. Juanes colaboró con su padre, Vicente, durante sus años de formación y madurez. Su estilo fue muy similar, aunque el del hijo resulta mucho más blando y amanerado por la influencia del primer Manierismo, que el padre no llegó a asimilar en su pintura. Así su éxito se asienta en una disposición excelent e en el manejo del color, su composición regularizada y sencilla y la muestra de una religio sidad clara y directa.

4. El mundo visionario y el color en El Grec o

El Greco. Domenico Theotopuli. Creta 1541 - Toledo 1614. El Greco es el apodo por el que popularmente se conoce a Domenico Theotopuli, uno de los artistas que mejor supo entender y desarrollar el Manierismo. Nació en 1541 en la localidad de Candía, actual Heraklion, capital de la isla de Creta, que en aquel momento era posesión de la Serenísima República de Venecia. Los Theotopuli pertenecían con toda probabilidad a la colonia católica de Candía, recibiendo el joven Domenico una acertada y amplia formación humanística. Artísticamente parece probable que se formara en el taller de un pintor de iconos llamado Juan Gripiotis aunque parece tener también contacto con Georgios Klontzas. Domenico trabajó en las dos vías existentes en la pintura cretense de la se gunda mitad del siglo XVI: la tradicional - "alla greca" siguiendo los modelos bizantinos - y l a moderna - "alla latina" según los modelos llegados del Renacimiento italiano -. Trabajando en esa doble dirección, El Greco pronto alcanzó una importante posición entre los pintores cretenses, siendo denominado "maistro" hacia 1563. Entre enero de 1567 y agosto de 1568 El Greco parte hacia Venecia. No existen datos fidedignos de la estancia en Venecia, aludiéndose más tarde a una estancia en el taller de Tiziano; concretamente su amigo Giulio Clovio le presenta como "discípulo del Tiziano" mientras Mancini añade que "había estudiado en Venecia y particularmente las cosas de Tiziano". El Greco realizará en Venecia un trabajo de asimilación de l a pintura renacentista, como se observa en sus obras. Brown considera, con buen criterio, que no se formó plenamente en el taller de Tiziano ya que una relación prolongada entre ambos hubiera permitido a Domenico establecerse en la ciudad. Sería más lógico pensar que El Greco reaccionó recogiendo de manera ecléctica lo que le pareció interesante de los diferentes mae stros que trabajaban en la Serenísima República: Tiziano, Tintoretto, Veronés, Bassano, Pordenone o Schiavone, interesándose especialmente por el Manierismo . Tres años después, Domenico se traslada a Roma. Desconocemos las razones de este viaje, posiblemente por la importante competencia que existía en Venecia mientras que en la Ciudad Eterna, tras el fallecimiento de Miguel Ángel en 1564, existían más posibilidades de recibir buenos encargos. Durante el viaje parece casi seguro que se detuvo en Parma, donde estudió las obras de Correggio y Parmigianino. En noviembre de 1570 está en Roma, contacta con el miniaturista Giulio Clovio, iniciando una estrecha amistad que permitió a Domenico ingresar en el palacio de uno de los mecenas más importantes de su tiempo: el Cardenal Alejandro Farnesio. Allí conocerá a uno de sus pilares durante su estancia romana, el bibliotecario Fulvio Orsini, un auténtico humanista. Domenico aprovechó las oportunidades de formación que se le brindaron, estudió las colecciones del cardenal y su bibliotecario, admiró la obra de Miguel Ángel y los manieristas romanos, y fue admitido en la Academia de San Lucas en 1572, eso sí, dentro de la modesta categoría de miniaturista. El Greco no destacó mucho en el competitivo mundo romano. Los años pasados en Roma serán fundamentales para su llegada a España. En las tertulias que tenía Fulvio Orsini en el Palacio Farnesio acudían eruditos de diversas nacionalidades, entre los que destacaba el español Don Luís de Castilla, joven clérigo e hijo del deán de la catedral de Toledo, cuya estancia en Roma está documentada entre 1571 y 1575, convirtiéndose en amigo y defensor del artista durante toda su vida, hasta el punto que participó como albacea en su testamento. Hacia 1575 El Greco empezaría a considerar su marcha a España; en primer lugar, por las posibilidades existentes para trabajar debido a la construcción del Monasterio de El Escorial, en cuya decoración estaban participando pintores romanos como Tibaldi o Zuccaro; en segundo lugar es probable que don Luís de Castilla invitara a su amigo a trasladarse a Toledo, donde podía encontrar también trabajo fácilmente. Su próximo destino es la Península Ibérica, adonde llegaría en 1577 pasando una temporada por la Corte madrileña para después trasladarse a Toledo, donde recibirá sus dos primeros encargos: el Expolio de Cristo y los retablos del convento de Santo Domingo el Antiguo, siendo el cliente en ambos casos la misma persona: don Diego de Castilla, el deán de la catedral toledana y padre de don Luís. El Greco estableció su hogar en la Ciudad Imperial. Allí formó su próspero taller, dedicándose a la elaboración de cuadros, diseño de retablos y escultura.

Pacheco observó que "era extraordinario en todo, y tan extravagante en sus pinturas como en sus costumbres". Paulatinamente se irá afianzando entre la clientela toledana, de la que recibe sus mejores encargos: entre 1586-1588 el famoso Entierro del señor de Orgaz, diversos retablos para instituciones religiosas tanto de Toledo como de Madrid o pueblos limítrofes como Illescas o Talavera la Vieja. Sus figuras se hacen cada vez más estilizadas, en u n estilo muy personal con figuras desproporcionadas, colores violentos y vibrantes, f uertes escorzos, que consigue calar profundamente en la mística sociedad toledana. Algunos especialistas han llegado a especular sobre una posible enfermedad visual como causante de esas deformaciones pero recientes estudios han demostrado que El Greco empleaba ese estilo porque era de su agrado y también del de su clientela. En Toledo fallecerá El Greco el 7 de abril de 1614 a la edad de 73 años. Gran pintor cretense cuya vida resume en unos versos su buen amigo el poeta Fray Hortensio Felix Paravicino: "Creta le dio la vida y los pinceles, / Toledo mejor patria, donde empieza / a lograr con la muerte eternidades". El Greco supone pues una corriente de aire fresco p ara pictórica española de la época y una de las figuras cumbres de la pintura mundial. Incomprendido en su época y figura olvidada hasta mediados del siglo XIX, donde se le comenzó a valorar en su justo lugar llegando inclusive a aprender a gratificar con su obra a expertos y profanos. Un éxito que ha sido debido también a los aspectos místicos que rodean tanto a su obra como al propio pintor. - La Fábula - Muchacho soplando una candela ( El Soplón) - Laoconte - Visión del Apocalipsis

Principales obras:

- Adoración de Pastores. - Alegoría de la Santa Liga. - Anunciación.

- Crucifixión. - Expolio. - Cristo abrazando La Cruz. - Cardenal Fernando Niño de Guevara. - Fray Hortensio Felix Paravicino. - Jorge Manuel Theotopuli. - Vista de Toledo - Vista y plano de Toledo.

Principales obras:

Luís de Morales. 1515 – 1586. Extremadura. Este extremeño fue apodado por sus coetáneos "el Divino". Los motivos fueron su dedicación casi mítica a los temas devocionales así como la ejecución extraordinaria de sus pinturas. Solía trabajar el óleo sobre madera y sobre cobre, y terminó por especializarse en detalles concretos de la religión, como el Cristo coronado de Espinas, la Piedad, la Virgen con el Niño, etc., visiones que excitaban la devoción del fiel. La leyenda de Morales fue creada en vida, y le achacaba cualidades de místico, que era lo que dotaba a sus imágenes de esa casi "divinidad" que las hacía tan comerciales. Sus clientes eran fieles a la producción de Morales, y los encargos le llegaban de todos los rincones de España. Su estilo amanerado y personal se debió a haberse formado lejos de los principales núcleos artísticos, como Madrid, Sevilla o Valencia. Tanto es así que fue reclamado por Felipe II para pintar en El Escorial. Sin embargo no triunfó en la corte por lo que regresó a Badajoz. En todas sus obras se aprecia un goticismo a la fla menca con gran minuciosidad por los detalles, una sencillez casi primitiva que le valió el apelat ivo de primer “naíf”.Con su particular forma de representación es sencillo identificar su obra: una característica fija es la piel blanca azulada de sus personajes o los dedos extremadamente delgados, con nudillos salientes, como si fueran tallos de cañas secas. Al tiempo que los colores, a largamientos de los cuerpos, decoro en las figuras, rostros ovales, ojos almendrados y caras l impias le aproximaban al propio Greco.

La Virgen de Cristo atado a la Calvario Piedad la Leche columna

5. El Misticismo en Luís d e Morales

Para llevar acabo la ingente obra de El Escorial, Felipe II hace lo posible por contar con los mejores artistas del momento, entre ellos los pintores. Y salvo El Greco, que no se acomodo a la idea del monarca, tuvo que conformarse con pintores de menor relevancia. De estos son dignos de citar Cambiaos, Zuccaro y Tibaldi de Italia así como el español Navarrete “El Mudo”.

6. Pintores en El Escorial.

Juan Fernández Navarrete. El Mudo. 1526?-1579. El apodo de "Mudo" por el que se conoce a Juan Fernández de Navarrete viene motivado por ser sordomudo desde muy joven. Apenas existen datos sobre su vida; parece claro que estudió en Roma, Florencia, Venecia, Milán y Nápoles, y posiblemente que trabajó en el taller de Tiziano cuyo estilo se aprecia claramente en sus trabajos. Pellegrino Tibaldi afirma haberle conocido en Roma en la década de 1550 lo que avala la información. En 1566 regresa a España y en 1568 es nombrado pintor del rey Felipe II e inicia una serie de encargos para El Escorial. La entrada de Navarrete en la Corte motivó la influ encia de los maestros de la Escuela veneciana, mayor dramatismo y el aumento de su domi nio en el empleo del claroscuro, sin abandonar esa dependencia de Tiziano que marcará su estilo . También debemos añadir cierta relación con el Manierismo lo que motivará un estilo bastante ecléctico . Navarrete se inclina por un realismo de corte naturalista y enseguida por un intimismo puesto de relieve en los contrastes lumínicos. Los trabajos para El Escorial serán lo más interesante de su producción aunque no tuvo tiempo de finalizar los encargos al fallecer el 1579.

- Autorretrato - El bautismo de Cristo. - Martirio del apóstol Santiago. - San Pedro y San Pablo.

Luca Cambiasso. Moneglia 1527 - El Escorial 1585.

Es el pintor de los italianos que contaba con mayor prestigio. Con tan sólo 17 años, Luca Cambiaso recibió el encargo de decorar con frescos el Palacio Doria de Génova, lo cual le convirtió en uno de los artistas más jóvenes e influyentes en esta importante república italiana. Cambiaso adaptó sus conocimientos de matemática y geometría a sus compo siciones y figuras, que pueden llegar a asimilarse a ciertas concepciones del espacio y el volumen del cubismo . Heredero de la tradición monumental de Miguel Ángel, que él combin a con la suavidad del Correggio , su fama trascendió las fronteras. De este modo, recién terminado El Escorial, Felipe II le hizo llamar a España para que decorara al fresco seco algunas de sus paredes, en 1583. Sin embargo aquí perdera su originalidad al plegarse a al gusto de Felipe II. Desgraciadamente, murió a los dos años de su llegada a la Corte. Su puesto y su estilo fueron ocupados en el monasterio madrileño por otros dos italianos, Zuccaro y Tibaldi.

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- Alegoría de la - Fresco del coro de El Escorial. – Sagrada Familia. la verdad. Trinidad.

Federico Zuccaro. Urbino 1542-43 - Ancona 1609. Famoso pintor italiano de gran éxito en las cortes europeas del siglo XVI. No siendo un artista de primera fila, supo vender su arte con talento y las principales figuras de Europa se disputaban sus servicios. Asociado con su hijo, también pintor, estuvo en Inglaterra y España. En Italia remató los frescos inconclusos que Vasari había trazado para la catedral de Florencia. En ese trabajo recibió la llamada de Felipe II de España, que estaba reclutando pintores para decorar su recién terminado palacio-monasterio de El Escorial. Zuccaro fue a España como una gran figura, sin embargo sus trabajos no gustaron demasiado. De nuevo en Italia, fundó en Roma la famosa Academia de San Lucas, destinada a la enseñanza de la pintura. Además, dos años antes de su muerte publicó un tratado sobre arte titulado "L'Idea de'Pittori, Scultori ed Architetti". Su hijo Taddeo también fue un pintor afamado y terminó muchas obras de su padre. En Zuccaro encontramos un deseo de contrastes en cl aroscuros muy fuertes y decididos como anticipación a los gustos barrocos.

- Resurrección. – Retablo del Escorial. – Anunciación.

Pelegrino Tibaldi. Vasolda 1527 - Milán 1596. Pintor formado en Roma - 1549 y 1553 - en el taller de Danielle de Volterra, colaborando con él en la elaboración de una serie de frescos. La influencia de Miguel Ángel se pondrá de manifiesto en estos años. Pellegrino se trasladó más tarde a Bolonia y a Milán, donde fue nombrado maestro mayor de la catedral, iniciando una intensa labor como arquitecto e ingeniero militar. En 1581 llega a El Escorial para trabajar como pintor por expreso deseo de Felipe II, completando los frescos del claustro iniciados por Zuccaro. Posteriormente fue el encargado de la decoración de la bóveda de la biblioteca escurialense en colaboración con Bartolomeo Carducho. Su último encargo será la ejecución del retablo para el altar mayor de la basílica, finalizado en 1595 tras tres años de duro trabajo que dejaron muy satisfecho a Felipe II, de modo que Tibaldi regresó a Italia convertido en un hombre rico. Su estilo es claramente manierista y se caracteriza por sus violentos gestos, posturas forzadas y los grandes contrastes de luces y sombras. La importancia de este pintor radica en que difundió el Manierismo fuera de Roma, especialmente en España.

- Martirio de San Lorenzo. – Biblioteca del Escorial. – San Miguel

Principales obras:

El género del retrato pictórico está muy extendido por toda la Europa del siglo XVI. No en vano en el Manierismo es una cualidad, que consigue mostrar la intimidad, la psicología, el dinamismo y la elegancia de la cortes del momento, al tiempo que es un forma de prestigio. Así pues en la Corte de Felipe II no queda fuera de esta moda, de donde destacan dos pintores, Sánchez Coello y Pantoja de la Cruz , especializados en el retrato áulico, sin dejar de lado las obras religiosas. Es ahora cuando se utiliza el retrato en los matrimonios de la nobleza para que los esponsales se conozcan en la distancia. Estamos ante el antecedente del la escena familiar.

7. El retrato cortesano

Alonso Sánchez Coello. Benifayó 1531 - Madrid 1588. Es sin duda uno de más destacados en el retrato del Renacimiento español. Marchó a Lisboa para iniciar allí su aprendizaje como pintor. En Portugal fue protegido por Juan III, quien le envió a Flandes para aprender de Antonio Moro , su auténtico maestro, de quien es imitador, pero también estudia a los maestros italianos, así, sus retratos siguen indirectamente el estilo de Tiz iano, destacando el detallismo de los trajes y la capacidad de penetrac ión en la psicología del modelo, adquiriendo un sentido del color y la iluminación que le conduce a un retrato más cercano. Desde 1555 se encuentra en Castilla, trabaja al servicio de Felipe II y se convierte en su pintor de cámara y retratista favorito. Fueron enviados a todas las cortes europeas por lo que se difundió un tipo de retrato que consiguió aceptación internacional - Príncipe Don Carlos, por ejemplo - y que fue desarrollado en España por Pantoja de la Cruz e incluso por Velázquez. Su pintura religiosa destaca por el Manierismo típico de los primeros años de la Contrarreforma. Falleció en Madrid en 1588.

- Príncipe Don Carlos.

- Isabel Clara. - Duque de Alba. - Desposorios Santa Catalina - Catalina Micaela.

BIBLIOGRAFÍA y FOTOS:

Hª DEL ARTE MODERNO II (Pintura y escultura del Renacimiento). UUDD Jesús Miguel Visuales González UNED Madrid 2004. Hª DEL ARTE MODERNO (Guía Didáctica). UUDD. VVAA. UNED Madrid 2002.

http://cvc.cervantes.es/actcult/museoprado/citas_claroscuro/siglo_XVI/siglo_XVI.htm http://www.espanolsinfronteras.com/

http://www.oronoz.com/

http://www.artehistoria.jcyl.es/

ESQUEMA REALIZADO POR: Rafael Picazo del Rey (Centro Asociado de Jacinto Verdaguer)

Juan Pantoja de la Cruz . Valladolid 1553 - Madrid 1608. El arte del retrato español del Renacimiento tiene en Juan Pantoja de la Cruz a uno de sus máximos representantes. Fue discípulo de Sánchez Coello en Madrid, heredando su taller y sucediéndole como pintor de cámara del rey Felipe II. En sus retratos se destaca la minuciosidad a la hor a de mostrar los encajes, vestidos o joyas, lo cual disimula el poco acierto de los acabados, situando a la figura en pie y sobre un fondo oscuro . Más tarde imitará al El Greco introduciendo “galerías” en cuadros religiosos y inclinándose hacia el intimismo y lo psicológico en sus retratos. Igualmente tiene influencias del manierismo precubista de Cambiasso . Se interesó también por la temática religiosa, atraído por los juegos de luz y el realismo inspirados en Navarrete el Mudo.

- Caballero

de Santiago.. - Nacimiento de - Resurrección La Virgen. de Cristo. - Infanta Ana María. - Fray Hernando de Rojas.

Principales obras: