Lo imposible /¡Atraco! / Frankenweenie

BlancanievesGrana y oro

revista mensual de crítica de cine & TVoctubre 2012

148.

www.filasiete.com

2€

5. Sala de máquinas /6. Blancanieves /8. Baztan /10. Frankenweenie /12. Vacaciones en el infierno /13. ¡Atraco! /14. El artista y la modelo /16. Entrevista a Aida Folch /18. Lo imposible /20. El nombre /22. El ladrón de palabras /24. La cabaña en el bosque /25. Looper /26. A Roma con amor /28. Travelling /30. Cumple 60 años...El cuarto poder /31. Cumple 57 años...La mano izquierda de Dios /32. Estuvimos con...Armando Fumagalli, director delMáster de Escritura y Producciónpara ficción y cine (UCSC, Milán) /35. Música de cine:The Amazing Spider-Man /36. Cine y alrededores:La biblia de Malick /40. Vender cine: El eslogan, unaparte esencial del marketing decine /42. Sujeto+verbo+predicado /43. Dicen... /44. En serie: The newsroom /46. En serie: Smash /48. Así se hizo: Rain man (V) /50. Libros del mes:Cine y posmodernidad /Los inadaptados de Tim Burton /

FilaSiete / octubre 2012. nº 148.

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> No nos gusta hablar de nosotros mis mos.Pe ro hay veces que no hay más re medio. El nºde FILA SIETE que hemos pre pa rado para us -tedes, amigos lectores, es dis tinto de los 147an teriores.

Con esfuerzo y, por qué no decirlo, con unabue na ración de audacia y optimismo, por partede los edi tores y de la redacción, en tiempos di -fí ci les hemos ampliado sen si ble mente el nú merode páginas y los con tenidos de la re vista.

El nuevo formato, res pe -tan do nues tro ser y nuestropa recer como revista de crí ticade ci ne y TV, tiene un tamañoy una en cua der nación que es -pe ramos hagan más có mo dasu lec tura y archivo, me jorando su di seño tam -bién a nivel estético.

La revista, que entra en su año 15º de vi da,des de este número en adelante supondrá un ma -yor coste de producción, por eso pasa a tener unpre cio que creemos razonable y ase quible paralas personas que nos siguen y para las que es -pe ramos se sumen.

Nos ale gra que sea Blan ca nieves, una ex ce -len te pe lícula es pa ñola, la que ocupe por tada enes ta nueva eta pa de FILA SIETE.

Desde la re dacción queremos agra de cer anues tros editores, anunciantes y sus crip to res lacon fianza que tienen en no so tros.

Ojalá hayamos acertado y disfruten más yme jor de la revista. Gracias por todo.

Sala de máquinasAlberto Fijo

Director

Viento en las velas

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Blancanieves

BLANCANIEVES, 2012

País: EspañaDirección y Guión: Pablo BergerFotografía: Kiko de la RicaMontaje: Fernando FrancoMúsica: Alfonso de VilallongaIntérpretes: Maribel Verdú, Daniel Giménez Cacho,Pere Ponce, Ángela Molina, José Maria Pou, InmaCuesta, Macarena García, Sofía Oria104 m. +16 años (erotismo)Distribuidora: WandaEstreno: 28.9.2012

Dos orejas y salida a hombrosNunca te habían contado la historia así, dice el slo-

gan de presentación de la película -muda y en blanco yne gro- de Pablo Berger. Y suena pretencioso. En primerlu gar porque, solo en los últimos meses, nos han conta -do Blancanieves de dos formas radicalmente distintas,una en clave cómica y la otra a modo de cinta bélica. Yen segundo, porque la forma estética de Blancanieveses la misma que The artist, la notable y sobrevaloradaga nadora de la última edición de los Oscar.

Suena pretencioso... y, sin embargo, no lo es en abso -lu to porque esta Blancanieves no solo es superior -y ra-dicalmente diferente- a las otras dos adaptaciones delcuen to, sino que le da un par de vueltas a la cinta delos Wenstein.

Pablo Berger convierte a Blancanieves en la hija deun torero en la España de los años 20 y, siguiendo lahis toria a pies juntillas, consigue que el cine españolten ga, por fin, un retrato duro, veraz, tierno y dramáti -co a la vez de lo que es el alma hispana. O, para ser másexac tos, del alma hispana a principios del siglo XX, an -tes de la guerra que rompió a España por la mitad.

Berger arriesga, se sale de la falsilla guerracivilistay ambienta la historia un poco antes y se pone a bebera los escritores del 98 y a extraer de ellos un retratoque, como todos, es solo un reflejo, pero un buen refle -jo de lo que es el espíritu español. Un espíritu apasiona -do, sensible y sentimental. Cainita. Tan religioso comofes tivo y que, por eso, une la fe a la fiesta. Dramático.A ratos, oscuro. Luchador, vanidoso y risueño. Y no lodi ce Berger, lo dicen en esta Blancanieves, Valle Inclány Unamuno, Machado y los Álvarez Quintero.

La contradicción hispana aparece en este cuento conto da su fuerza, con el nervio de la pluma de quienesme jor han sabido describirla: y ahí está el esperpentoy la risa, la melancolía y la lucha hasta la sangre, lasdu das de fe y los sacramentos. Qué bien ha leído Ber-ger. Qué bien ha reescrito el cuento -dibujando con mi -mo a cada personaje perfectamente interpretados porun reparto sobresaliente- y qué bellamente lo ha “colo -rea do” (sirva la paradoja).

Porque, si la historia es buena, el envoltorio visualpa rece la obra de un genio. Una fotografía arrebatadora,una banda sonora -apoyada también sobre la base de lame jor música clásica española- soberbia y un montajemás exacto que un relojero suizo: clavado al segundo.Hay escenas montadas de tal forma que uno siente elim pulso de levantarse de la butaca y gritar olé. Y lo diceal guien que no tiene entre sus virtudes el patriotismoy que siempre abominó de los toros. Alguien que duran -te las dos horas que duró la película sintió el hechizode ser española -a pesar de los pesares-, entendió unpo co más su historia -con sus claroscuros- y atisbó labe lleza de lo que llaman la fiesta. Olé por Berger. Bra -vo, maestro.

Ana Sánchez de la Nieta

Pablo Berger borda su adaptación del tradicional cuento de los hermanosGrimm con una cinta que desborda sentimiento y belleza visual

Es una película maravillosa. Que haya quien, pordiferentes prejuicios, sepierda esta maravilla.

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Baztan

BAzTAN, 2012

País: EspañaDirección y Montaje: Iñaki ElizaldeGuión: Michel GaztambideFotografía: Quim MiquelMúsica: Anjel IlarramendiIntérpretes: Unax Ugalde, Carmelo Gómez, TxemaBlasco, Joseba Apaolaza, Kándido Uranga98 m. +16 añosDistribuidora: AdvancedEstreno: 5.10.2012

De razas y hombres“Baztan nace de una una historia universal triste-

mente conocida y repetida: una mayoría mantiene dis-criminada en un gueto a una minoría a la que trataco mo animales. Lo que la diferencia quizás de otras esque ésta se ha mantenido durante más de diez siglos,es condida en un pequeño y recóndito valle del nortede Navarra”, dice sobre su película Iñaki Elizalde, di -rec tor navarro de 41 años que se estrena en el largocon guión de Michel Gaztambide (No habrá paz paralos malvados).

La historia de los Agotes, considerados como una“ra za maldita” durante siglos en el valle de Baztan,cons tituye la trama principal de la película y ayuda a

pre sentar una segunda lectura de la misma. Los dostiem pos de la narración emplean un recurso que ya vi -mos en películas como También la lluvia. Un equipose traslada al Valle para rodar una película con unguión que salta en el tiempo con agilidad y desenvol-tura, retratando a los personajes del pasado y del pre-sente con una belleza y una verdad exentas deafec tación.

Elizalde se ha pegado a la tierra y a sus habitantesy ha logrado que los actores encajen a la perfecciónen un relato, que pudiendo haber sido un documentalet nográfico con bellas imágenes y un discurso didácti -co, sabe ser un híbrido con encanto, fuerza y una do -sis de misterio que ayuda a seguir la cinta con interéscre ciente.

Carmelo Gómez vuelve a demostrarnos lo que yasa bíamos, que es un gran actor. Unax Ugalde hace unbuen trabajo con el personaje que se convierte en elpun to de giro de la película, un hombre que pasabapor allí y tiene que pagar los rollos del RH-, la purezade sangre, el usted no es de aquí y estupideces seme-jantes, tan antiguas, tan modernas.

Alberto Fijo

Hermosa película del navarro Elizalde, que se pega al terreno para contar unahistoria que huele a leña, tabaco y brea

La serena belleza del relato. Incomprensible que nofuera a sección oficial enDonosti.

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Frankenweenie

FRANKENWEENIE, 2012

País: EE.UU.Dirección: Tim BurtonGuión: T. Burton, John AugustFotografía: Peter SorgMontaje: Chris Lebenzon, Mark SolomonMúsica: Danny ElfmanVoces originales: Winona Ryder, Michael Keaton,Catherine O’Hara, Martin Short, Atticus Shaffer,Martin Landau, Robert Capron, Jeffrey Jones87 m. + 12 añosDistribuidora: DisneyEstreno: 11.10.2012

El Club Tim Burton de enhorabuenaHace treinta años, cuando Tim Burton todavía

tra bajaba en la Disney, rodó en blanco y negro uncor tometraje titulado Frankenweenie; en él conta -ba la historia de Victor Frankenstein, un niño quepier de a su adorado perro Sparky y, después deapren der en clase de ciencias lo que la electrici-dad pue de hacer sobre los tejidos, monta un labo -ra torio en su ático y logra reanimar a Sparky. Poren ci ma de todo, Frankenweenie cuenta el amor deTim Bur ton por el cine de terror clásico y su ma-cabro sen tido del humor.

Muchos años y muchas películas después, TimBur ton mencionó que le gustaría convertir esahis toria en un largometraje. Los que seguimos lano ti cia nos preguntábamos cómo lo haría. Ahoralo sa bemos, lo ha hecho muy bien, probablementeeli giendo el mejor vehículo posible, el que utilizóen sus dos películas más brillantes: Pesadilla an -tes de Navidad y La novia cadáver; obras que tam-bién rea lizó con la Disney, con figuras de bulto,y la téc nica stop motion. Mantiene, como en elcor tometraje original, la ambientación y el blancoy ne gro y añade un 3D adecuado, en el que senota me nos la pérdida de color.

El nuevo formato y la libertad que proporcionala animación han permitido a Tim Burton des-arrollar el homenaje a los adorados clásicos: demo do bas tante gamberro, los compañeros de clase

pro porcionan modelo a diversos personajes del ci -ne de te rror; el profesor de ciencias -personajemuy inte re sante- adquiere los rasgos de su idola-trado, Vincent Price, con la voz de Martin Lan-dau. En tonces Burton comete el único error dela cinta, em brolla la historia, llena la pantalla demons truos y crea un clímax de cine japonés de losaños cincuenta. Hay un momento en el que el es-pectador, en tre risas, se dice que se está pasando,que se dispersa demasiado; afortunadamente,Bur ton recupera la calma y reconduce el filme asu núcleo ori ginal, realizado con sobriedad ymaes tría.

Cabe destacar la relación de Victor con sus pa-dres, los interesantes planteamientos del profesorde ciencias, la crítica al papanatismo institucionaly la banda sonora que organiza, una vez más, Da -nny Elfman.

Fernando Gil-Delgado

Hay regustos de su mejorcine.

La dispersión.

Tim Burton recupera una vieja historia para homenajear a los clásicos delcine de terror

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Vacaciones en el infierno

GET THE GRINGO, 2012

País: EE.UU.Dirección: Adrian GrunbergGuión: Mel Gibson, A. Grunberg, Stacy PerskieFotografía: Benoit DebieMontaje: Steven RosenblumMúsica: Antonio PintoIntérpretes: M. Gibson, Kevin Hernández, DanielGiménez Cacho, Jesús Ochoa, Dolores Heredia95 m. +18 años (violencia, sexo incidental)Distribuidora: FilmaxEstreno: 26.10.2012

Huyendo de los tópicosFrontera mejicana. Dos delincuentes vestidos de

pa yasos huyen de Estados Unidos. Uno de ellos aca-bará en una cárcel mejicana donde tendrá que so-brevivir a la corrupción ambiental de presos ypo licías.

Mel Gibson produce, escribe y dirige esta pelícu -la que en Estados Unidos se estrenó directamenteen un canal de televisión de pago. En España, Fil-max ha acertado plenamente al distribuir esta dura,en tretenidísima e inteligente cinta.

El director del largometraje es Adrian Grunberg,que en su primera película demuestra que ha sabidoasu mir la experiencia de muchos años trabajandoen la segunda unidad de películas como Amores pe-rros, Traffic, Apocalypto o Wall Street 2: El dineronun ca muere.

En Vacaciones en el infierno muestra un Méxicoreal, que poco tiene que ver con el colo rista retratoque muchas veces muestra el cine norteamericanoal dibujar el ambiente de países hispanos.

La fotografía de Benoit Debie te mete de llenoen el polvo y el olor de la indigencia desde el pri-mer minuto. Una vez retratada la jungla, apareceMel Gibson para dar credibilidad y humor a un per-sonaje que tiene más matices que muchos de losdes tructores humanos que le ha tocado interpretaren su carrera.

La escena en la que imita la voz de Clint Eas-twood en una llamada telefónica es antológica, una

muestra más de las posibilidades interpretativasque tiene el poderoso registro vocal de un actor quepuede hacer desde William Wallace a un personajeanimado (Pocahontas, Chicken run).

Argumento imprevisible

La música del brasileño Antonio Pinto (EstaciónCen tral de Brasil, El señor de la guerra, Ciudad deDios) no molesta a pesar de su omnipresencia. Lava riedad de la banda sonora hace que la películano deje de interesar y sorprender, apoyando un ar-gumento que nunca resulta previsible y unos diálo -gos medidos e ingeniosos.

Las tramas secundarias de la cinta enriquecenmu cho la historia, especialmente con los personajesin terpretados por Dolores Heredia y Kevin Her-nández (madre e hijo en la película). Sin ellos, elfilm sería asfixiante y fácilmente cínico, y, en cam-bio, acaba teniendo detalles de ternura y comicidadque resultan oxigenantes.

Claudio Sánchez

Mel Gibson da otro recital interpretativo en una película más trabajada einteligente de lo que puede parecer a primera vista

La astucia y el talento de lapareja Gibson-Grunberg.

Que la película pasedesapercibida por el efectoanti-Gibson.

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¡Atraco!

¡ATRACO!, 2012

País: España/ArgentinaDirección: Eduard CortésGuión: E. Cortés, Piti Español, Marcelo FiguerasFotografía: David OmedesMontaje: Fernando PardoMúsica: Federico JusidIntérpretes: Guillermo Francella, Amaia Salamanca,Nicolás Cabré, Óscar Jaenada, Daniel Fanego, JordiMartínez 116 m. +18 años (sexo incidental)Distribuidora: FilmaxEstreno: 19.10.2012

Las joyas de EvitaEl barcelonés Eduard Cortés va a más. A sus 52

años, el director de La vida de nadie, Ingrid y ThePe layos ha hecho su mejor película, un melodra macon sabor y chispa, enjundioso y ameno, que in-venta una peripecia en un contexto histórico per-fectamente reconocible.

Estamos en 1955 y Perón, exiliado en Panamá,me dita marchar a España, tras haber sido derroca -do de la presidencia de Argentina por un golpe dees tado. El dinero se le acaba. Y su guardia de corpstie ne una idea: empeñar las joyas de Evita, la quefue ra esposa del general, muerta en 1952.

Perón no puede enterarse, claro, porque le daríaal go, ya que considera esas joyas como un talis-mán. Habrá que viajar a Madrid para empeñarlassin que nadie lo sepa y conseguir dinero, para queel mandatario pudiera instalarse adecuadamenteen una buena casa del distinguido barrio de Puertade Hierro.

Cortés, Figueras y Español han escrito unguión suelto, divertido, intenso, con gancho.Guiller mo Francella (el inolvidable compañero dedes pacho de Ricardo Darín en El secreto de susojos) está espléndido en su papel de hombre de ac-ción bragado que cumple la misión que le enco-mienda un verosímil coronel que encarna DanielFa nego. Los jóvenes Nicolás Cabré y Amaia Sala -man ca cumplen muy bien.

La película fluye con una realización modélicay una puesta en escena llamativamente hermosa,con un diseño de producción atractivo y evocador.Co mo el título presagia, estamos ante una películade “golpe”. Y los tiempos se miden bastante bien,con giros muy logrados.

Alguno podrá ver un cambio de tono abruptísimoen el desenlace pero, cuando piensas la película,en tiendes que había po cas maneras de ser más co-herente con el tipo de historia que cuenta Cortés.

Quizás no sea ése el pro blema de la película, sinoque se pierde intensi dad por un exceso de tramasy de personajes que van tomando quizás demasiadaen tidad y te despegan del núcleo de la historia.Con todo, ¡Atraco! es una película de muy buen ni -vel, una coproducción que vuelve a mostrar que sepue den contar historias frescas y atractivas, deésas que animan a ir al cine porque sabes que unase rie de TV te las va a contar peor y con muchosme nos medios.

A. Fijo

Una película ingeniosa y muy amena que podría haber sido sobresaliente, perollega al notable con holgura

La realización. Demasiados protagonistas ytramas.

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El artista y la modeloEL ARTISTA Y LA MODELO, 2012

País: EspañaDirección: Fernando TruebaGuión: F. Trueba, Jean-Claude CarrièreFotografía: Daniel VilarMontaje: Marta VelascoIntérpretes: Jean Rochefort, Aida Folch, ClaudiaCardinale, Chus Lampreave, Götz Otto104 m. + 16 años (erotismo)Distribuidora: AltaEstreno: 28.9.2012

Lecciones de arteMás de 15 años lleva Fernando Truebamadurando este

pro yecto. Una idea que quiso hacer con su hermano, eles cultor Máximo Trueba y con el guionista Rafael Azco -na, que escribió un primer tra tamiento. Un deseo que dejóde lado cuando murió su hermano y que volvió a retomarcon Jean-Claude Carriére como guionista. 15 años sonmu chos y se notan en el mimo con el que la cinta es tárea li zada. Una película cocinada a fuego lento.

El veterano cineasta transforma un tema habitual en elar te -la relación del artista con su modelo- en una ficciónci nematográfica y en una excusa para hablar del origende una obra. A través de la historia de una joven es pa ñolaque, en la Francia ocupada de 1943, se convierte en mode -lo y musa de un anciano y desesperanzado escul tor, True -ba hace una reflexión sobre el sentido del arte, la ne cesidad de la contemplación y la búsqueda de la belleza.

El resultado es una cinta de una estética arrebatadoraque -por el tono, por el ritmo y por el tema- disfrutaránes pecialmente los propios artistas. El argumento es míni -mo , y éste es el reproche que se le puede hacer a un filmque, fuera de un circuito minoritario, tiene el ries go deser malentendido. El discurso es escaso pe ro el envoltoriovi sual es una pequeña joya. Trueba cuida cada fotogramaco mo si fuera un cuadro.

La soberbia fotografía en blanco y negro de Daniel Vi -lar y los estudiados encuadres, unidos a una escasez ca si to tal de diálogo, hacen que la película transite en un te -rre no muy alejado de lo que un público mayoritario en-tiende por cine. Esto, podría decirse, es otra cosa.

Por otra parte, de una manera muy consciente, Fernan -do Trueba ha querido evitar el morbo y el re clamo delero tismo en el que hubiera sido fácil caer. “Siempre hasi do u na preocupación el problema de tener a la pro ta go -nis ta des nuda durante media película: cómo estar siemprele jos de la vulgaridad, pero también de cualquier es te ti -cis mo”, con fiesa el propio Trueba. En ese sentido, la cin -ta es elegante y el discurso teórico sobre el sentido del des nudo en el arte, interesante: “solo pueden ver a unamu jer des nuda los médicos y los artistas -le responde lamu jer del escultor a su criada escandalizada de que la chi -ca pose-, los médicos para curar y los artistas para reflejarla belleza del cuerpo humano”. Una belleza que, llega ade cir uno de los protagonistas, es una de las pruebas dela existencia de Dios. La decisión de no aclarar una situa-ción que estaba es crita en el guión y que hubiera conver -ti do la historia en convencional es otra prueba del firmepro pósito de True ba de no caer en lo vulgar.

Elegancia y sencillez son las dos claves que Truebaquie re imprimir en su película más personal. Las sobrias ycon vincentes interpretaciones del reparto, encabezado porun soberbio Jean Rochefort y una solvente Aida Folch,es tán al servicio de esa sencillez. La misma sencillez -tre -men damente compleja- que traspasa los poros de la mejores cena de película: la explicación llena de pasión que haceel viejo escultor sobre un dibujo de Rembrandt a una jo -ven que, como el espectador, quizás nunca se había plan-teado que unos trazos pudieran encerrar trozos de vida.

A. Sánchez de la Nieta

Jean Rochefort y laelegancia de la película.

Que la propuesta es solopara minorías.

Trueba rueda su cinta más personal: un elogio a los artistas dirigido a minorías

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Fernando Trueba la descubrió en El embrujo deShan gai y la convierte ahora en la musa de un ancia -no es cultor en una arriesgada cinta, en blanco y ne -gro, sin apenas diálogos y dirigida a una minoríase lecta que disfrutará con esta reflexión sobre el ar -te. Entre una cinta y otra, esta catalana de 25 añosha demostrado su versatilidad con películas tan dife -ren tes como Los lunes al sol, 25 kilates, Las vidas deCe lia o Salvador, además de alternar con el teatro ypa peles en la pequeña pantalla.

Has vuelto a rodar con Fernando Trueba, tu des-cubridor en el cine. ¿Cómo es Trueba como perso -na y como director? ¿Qué has aprendido con él?Aida Folch/ ¡De todo! Fernando es una de las per-

sonas más cultas que conozco y al mismo tiempo másge ne ro sa. Le encanta en señar y mostrarte las cosasque él ha descubierto. Ade más, es un hombre muysencillo y divertido. Es una ma ra vi lla trabajar con él.Es un director que siem pre man tie ne la calma, quetrabaja con la delica de za de un ar tesano. Disfrutacon los actores, les dedica mucho tiem po y eso haceque estés en el rodaje co mo en familia.

¿Cómo definirías el tema de la película?A. F./ Es una historia que habla del arte y su pro -

ce so creativo y cómo se enfrentan a este proceso dosper sonas de diferentes edades y experiencias vitales.Es una cinta de silencios en la que todo es muy sutil,no hay apenas acción porque todo pasa en el interiorde las personas.

Y, ¿cómo piensas que hay que acercarse a unacin ta tan poco convencional?A. F./ Con mente abierta y ganas de aprender. Es-

tamos acostumbrados a una narrativa muy distinta,mu cho más rápida, y ésta es una película con tem pla -ti va. Pero me parece bonito aprender a disfrutar dela belleza de un plano, de la complejidad de la hojade un árbol o de la luz que desprende el aceite deoli va.

La escena en que el escultor te enseña a con-templar el dibujo de Rembrandt, Niño que apren -de a caminar, condensa el espíritu de la película,¿no es así?A. F./ Efectivamente, además de una escena pre-

ciosa es clave en la historia. Es el momento en el que

mi personaje empieza a entender la profundidad queen cierra el arte.

Una chica de pueblo que se convierte en la mu -sa de un artista. ¿Cómo has preparado tu perso-naje?A. F./ Puedo decir que llevo mucho tiempo prepa-

rándolo. Hace seis años Fernando Trueba me ofrecióes te papel. Me preguntó si sabía hablar francés ycuan do le dije que no me contestó que lo aprendieraen cinco me ses. Así que hice las maletas y me fui avi vir a Francia. Volví y le dije: Fernando, ya hablofran cés. En ese momento el proyecto estaba estanca -do por falta de financiación y tuvieron que pasarunos años. Al final, Fernando me dio el guión y yome pasé un mes sin leerlo...

¿Por qué?A. F./ Me daba pánico que no me gustara y cuando

lo leí -es el guion que más veces he leído- me dabamie do no estar a la altura de lo que Fernando quería.Con él voy al fin del mundo y sólo quería que estu-viera orgulloso de mí.

Trueba ha comentado que esta película es, encier to modo, un homenaje a la Nouvelle Vague,¿viste cine francés para inspirarte?

Aida Folch//////// protagonista de El artista y la modelo

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“El artista y la modelo es una película desilencios porque la historia sucede en elinterior de los personajes”

A. F./ Vi El pequeño salvaje para coger ideas sobreel modo de moverse pero no quería copiar, ni compo -ner demasiado el personaje. Lo importante para míera sentirme libre y relajada. Quería reflejar una mu -jer de los años 40 a la que le da igual su cuerpo, queno está preocupada por meter tripa, que no trata dese ducir.

Has trabajado con tres monstruos de la inter-pretación española: Fernando Fernán Gómez, Ja-vier Bardem y Luis Tosar...A. F./ Conocí a Fernando Fernán Gómez con 14

años, era mi primera película y él iba ya en silla derue das, pero cuando íbamos a comer él era siempreel que hablaba, con esa voz tan fuerte y tan personalnos contaba historias y el resto nos moríamos de lari sa.

Bardem y Tosar me trataron genial en el rodaje deLos lunes al sol, seguía siendo “la niña” y me cuida-ron mucho. Son muy amigos entre ellos y muy diver-tidos, nos reíamos continuamente y, al mismotiem po, tienen gran respeto por el trabajo y me ense -ña ron muchas cosas. Por ejemplo, en ese rodaje des-

cubrí cómo componían sus personajes, modificandoin cluso el modo de andar. Era sorprendente.

¿Cuándo descubriste que querías dedicarte a lain terpretación?A. F./ Empecé a hacer teatro en el colegio, pero

era muy tímida y siempre quería quedarme en segun -do plano. Un día el profesor me dio el papel princi-pal. Cuando se abrió el telón la timidez se me pasóen un segundo. Entendí que en el escenario yo podíaser lo que fuera y que nadie me iba a juzgar porqueyo era sólo un personaje. Me liberé y en ese momentopensé: esto es lo que quiero hacer el resto de mi vida.

¿Cómo se presenta el futuro?A. F./ De momento voy a seguir haciendo Cuénta -

me y, como la cosa en España está tan complicada,es toy pendiente de un par de proyectos en Francia...Es un salto y rodar en un país y una lengua que noes la tuya es una aventura, pero me gustan las aven-turas.

A. Sánchez de la Nieta

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Lo imposible

THE IMPOSIBLE, 2012

País: España/EE.UU.Dirección: Juan Antonio BayonaGuión: Sergio S. SánchezFotografía: Óscar FauraMontaje: Elena RuizMúsica: Fernando VelázquezIntérpretes: Ewan McGregor, Naomi Watts, TomHolland, Geraldine Chaplin, Marta Etura107 m. +16 añosDistribuidora: WarnerEstreno: 11.10.2012

NáufragosCon un guión de Sergio G. Sánchez, inspirado en

la historia de una familia española que sufrió las de-vastadoras consecuencias del tsunami de 2004 en lascos tas tailandesas, el director catalán Juan AntonioBa yona (Barcelona, 1975) entrega su segundo largo-metraje, una superproducción en toda regla.

Bayona triunfó con su opera prima, El orfanato, unthri ller basado en un cortometraje previo, que en 2007re caudó nada menos que 80 millones de dólares. Sesu maron siete Goyas y una treintena de premios inter -na cionales. Y la buena acogida de la crítica.

Su segundo largo se esperaba con interés y... Lo im-posible ya está aquí. Sus productores lo tienen claro:no aspirará al Oscar representando a España porque suidio ma es el inglés, pero podría aspirar al Oscar a mejorpe lícula y en otras muchas categorías...

Bayona afronta una película atrevida, grande,audaz, ambiciosa, una producción que sienta prece-dente en la industria española poco experimentada enhis torias semejantes. Usando un símil socorrido y cier-tamente perezoso, podríamos resumir el resultado es-cribiendo que Bayona se mete en aguas turbulentas ysa le a flote, llega a puerto; aunque hay tramos de lana vegación en que sus personajes desaparecen bajo elagua, en todos los sentidos posibles.

Impresionantes son los 30 primeros minutos, conunas impactantes mezclas de sonido y una planifica-ción muy acertada, que logran transmitir el efecto dela naturaleza desencadenada sobre un grupo de perso -

nas que acaba de llegar de vacaciones a un lujoso re-sort de los que han proliferado, meta de muchos turis -tas que buscan playas paradisiacas en un país exótico.El rodaje ha tenido lugar en Tailandia y en los estudiosde La Ciudad de la Luz, en Alicante.

La película se basa en un hecho real, de hecho in-cluye una dedicatoria precisa. Para bien y para mal.In tentaré explicarme sin desvelar el argumento. Cuan -do te apoyas en hechos reales, en personajes reales,en cuentras ventajas pero también muchos inconve-nientes. Bayona ha centrado su historia en una fami-lia que lucha por reunirse después de ser arrastradapor las aguas. Es lógico que acote su historia, que lacen tre, que los lugareños aparezcan como contrapun-tos de la peripecia de la familia extranjera protagonis -ta. Sus tres personajes centrales, padre, madre e hijoma yor, son poderosos pero no hay un especial empeñoen dar peso a ninguno de ellos, es más, parece que dein tento cuando empezamos a apegarnos a un persona -je nos apartan de él.

Quizás sea porque el guionista quiere evitar losluga res comunes, lo obvio, los subrayados innecesa-rios. La acción, la búsqueda, la posibilidad del ren-cuentro se convierten en protagonistas. Todo con unal to grado de desnudez argumental, de sencillez ex-positiva, con unos personajes planos, quizás para re-saltar su normalidad. Y esto es arriesgado, muyarries gado.

Lo imposible es una obra poderosa, tiene un acabadoim pecable y unas interpretaciones esforzadas, pero mecos tó mantenerme dentro de la historia, no conectécon ningún personaje. En el tramo final, la sensaciónde sí pero no se me hizo intensa. Aprecio una voluntadevi dente de dejar huella autoral en una película queno quiere ser una más del género de catástrofes y su-pervivientes. Esos matices son, para bien y para mal,los que hacen que la película me guste al principio,me interese cada vez menos y termine por aburrirme.

A. Fijo

Vuelve el director de El orfanato con una película muy ambiciosa, emparentadacon el poderoso arranque de Más allá de la vida de Clint Eastwood y con losconflictos del cine de Shyamalan

El montaje de sonido. La falta de un protagonistaclaro.

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El nombreEficaz comedia de salón inscrita en un género muy francés: reunión familiar,risas, bromas, agudezas, dentelladas y ajustes de cuentas

LE PRéNOM, 2012

País: Francia/BélgicaDirección: Alexandre de La Patellière, MatthieuDelaporteGuión: M. DelaporteFotografía: David UngaroMontaje: Célia LafitedupontMúsica: Jérôme RebotierIntérpretes: Patrick Bruel, Valérie Benguigui, CharlesBerling, Guillaume de Tonquedec, Judith El zein,Françoise Fabian109 m. +16 añosDistribuidora: VértigoEstreno: 14.9.2012

¿Y cómo le vais a llamar?Vincent, el hermano querido al que consintieron

to do en casa, ligón, guaperas, dicharachero, se casóma yor y va a ser padre por primera vez. Le invitana cenar, con su elegante mujer Anna, en casa de suher mana Élizabeth (profesora de enseñanza media yma dre con muchas horas de vuelo) y su marido, Pie-rre (exquisito y puñeterete profesor de universidad).Tam bién asiste Claude, músico de una orquesta filar -mó nica, soltero y amigo de infancia de Vincent yÉliza beth.

Mientras todos picotean y charlotean esperandola llegada de la embarazadísima Anna, surge la dudade cómo se va a llamar el niño. Cuando Vincent ha -ble, sobrevendrá el caos...

Con este planteamiento arranca una película,adap tación de una obra de teatro hecha por su pro-pio autor, que recuerda a la reciente Un dios salvajede Roman Polanski. El primer acto y buena partedel segundo son realmente divertidos, hay muchachis pa en la socarrona manera de presentar a losper sonajes y describir aceleradamente sus circuns-tancias. Todo es muy parisino, muy francés, en elsen tido más tópico y previsible del término.

Los directores airean esta pieza de salón-comedor,al principio y al final, de una manera muy ágil y de-senvuelta, imitando al mejor Moretti. Cuentan conun elenco excelente y unos diálogos de buena cali-dad, con una realización suelta y atractiva.

Todo resultaría más redondo con 20-25 minutosme nos, que son los que contienen unas reiteracionesque llegan a hacerse pesadas y algún giro en elguión que tampoco aporta demasiado y contribuyea romper el equilibrio entre unos personajes que,has ta ese momento, eran -dentro de su sometimien -to a la eficacia cómico-sarcástica del artefacto- cohe -ren tes.

El nombre ha gustado en Francia, donde llevó alci ne a más de 4 millones de espectadores. Puede gus-tar aquí, porque los estereotipos sobre las miseriasde la burguesía occidental son válidos para las élitesde todos los países. Hay un humor amable, en algunaoca sión ácido, afilado pero de buen gusto. Algún re-curso para sorprender no termina de funcionar, peroel conjunto es bastante aceptable.

Por aquello de comparar, es infinitamente superiora la última película de Woody Allen, la flojísima ARo ma con amor.

A. Fijo

El dinamismo del primeracto.

Se atasca en el nudo...

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El ladrón de palabras

THE WORDS, 2012

País: EE.UU.Dirección y Guión: Brian Klugman, Lee SternthalFotografía: Antonio CalvacheMontaje: Leslie JonesMúsica: Marcelo zarvosIntérpretes: Bradley Cooper, Jeremy Irons, DennisQuaid, Olivia Wilde, zoë Saldana, J.K. Simmons, NoraArnezeder, Ben Barnes97 m. +16 años (erotismo)Distribuidora: DeAPlanetaEstreno: 31.10.2012

Vidas cruzadasTres escritores con una historia cruzada: un an-

ciano que escribió una obra autobiográfica en el Pa -rís de la posguerra, un joven que saltó a la fama conuna sorprendente novela y un maduro literato queda conferencias sobre sus libros. Y entremedias lare lación entre vida y ficción. Y tres historias deamor. Y una guerra. Y una muerte. Y una decisiónque cambia la existencia. Y libros. Y palabras, mu-chas palabras. En resumen, un melodrama en todare gla, una de esas películas río que te llevan de unahis toria a otra.

Es curioso el proceso de gestación de esta pelícu -la que parte de un bloqueo creativo de dos jóvenesguio nistas, de una conversación sobre Hemingwayque, al parecer, extravió alguno de sus textos, y deun interrogante: ¿qué pasaría si un escritor perdie -ra su obra?

Diez años tardaron Brian Klugman y Lee Stern-thal en llevar esta historia a la pantalla. Es su pri -me r largometraje y tienen detrás a una parte delequi po de producción de esa pequeña joya que esMar gin call.

Aquí estamos también ante una pelícu la indepen-diente, que se cocinó en los laboratorios de Sundan -ce, pero que se viste con ropas de melodrama clá sicoe incluso cine de época.

¿El resultado? Una cinta de guión tramposo, quere vela las carencias de una pareja de directores no-veles (entre otras, un escaso sentido del ritmo) y lafal ta de presupuesto (es difícil rodar una película

his tórica con estrategia de producción indie), perocon algunos aspectos salvables que la convierten enun producto digno.

Jeremy Irons, un lujo

En primer lugar, hay una historia -o dos, o tres,se gún se mire- que mantienen el interés (especial-mente las dos primeras). Mezclar literatura y cinesue le ser apostar sobre seguro, más aún si el cóctelse adereza con un par de historias románticas, unacon tecimiento trágico y un dilema ético.

Por otro lado, el reparto es solvente y tener a Je-remy Irons es un lujo que tira de un tramo impor-tante de la cinta.

En tercera instancia, el melodrama es un géneroac tualmente arrinconado a la pequeña pantalla ysiem pre es una buena noticia que se asome a lagran de. No discutiré a quien juzgue The Words conmás dureza -tiene donde agarrarse-, pero a veces auna película lo único que se le pide es que te cuen -te una historia... Y ésta lo hace.

A. Sánchez de la Nieta

Brian Klugman y Lee Sternthal debutan con una irregular pero interesantehistoria de amor y libros

Jeremy Irons. La falta de ritmo dealgunos tramos de lapelícula.

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La cabaña en el bosque

THE CABIN IN THE WOODS, 2012

País: EE.UU.Dirección: Drew GoddardGuión: Joss Whedon, D. GoddardFotografía: Peter DemingMontaje: Lisa LassekMúsica: David JulyanIntérpretes: Kristen Connolly, Chris Hemsworth,Anne Hutchison, Fran Kranz, Jesse Williams, RichardJenkins105 m. +18 años (extrema violencia, lenguaje crudo, sexo)Distribuidora: VérticeEstreno: 26.10.2012

Ochentero WhedonA estas alturas de la película, Whedon tendrá que

ad mitir que siempre será el director de Los vengadores,el taquillazo del año y la tercera película con más in-gresos de la historia (por encima de los 1.500 millonesde dó lares). Todo lo que haya escrito o dirigido antesy lo que haga después tendrá escasa relevancia. Aun-que du do que esto le guste al creador de series comoDoll hou se o Buffy, la cazavampiros, y escritor de pelí-culas como Titan A.E. y el primer Toy story.

Joss Whedon es ante todo un tipo descerebrado quebus ca sorprender y no dejar indiferente a ningún es-pectador. Y lo consigue con bastante frecuencia. Conel guion de La cabaña en el bosque revisa el cine dete rror ochentero en clave paródica, muy al estilo dela desternillante y, en mi opinión superior, Scream 4.

La historia es arquetípica: cuatro jóvenes, una caba -ña, sustos. Pero Whedon le añade elementos que vandes de Wes Craven a Los Juegos del Hambre, El Showde Truman y Monstruos S.A.

A este arriesgado cocktail hay que añadirle el flirteota rantiniano con el cine zafio y gore. Y aquí hay quere conocer que a Whedon se le va la mano en variases cenas realmente desagradables. Por otro lado, el pri-merizo y hasta ahora televisivo director Drew God-dard no acaba de equilibrar la película en el montajefi nal y el ritmo decae a mitad de metraje.

Sin embargo, la parte final recupera el humor y laori ginalidad perdida, quedando así una película entre-tenida, a ratos innecesariamente salvaje pero, sin du -da, una propuesta diferente.

C. Sánchez

La búsqueda constante delfactor sorpresa.

La arritmia en el nudo.

Una película corta de presupuesto que obtuvo una notable taquilla en EE.UU.desguazando el cine de terror ochentero

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Looper

LOOPER, 2012

País: EE.UU.Dirección y Guión: Rian JohnsonFotografía: Steve YedlinMontaje: Bob DucsayMúsica: Nathan JohnsonIntérpretes: Bruce Willis, Joseph Gordon-Levitt,Emily Blunt, Paul Dano, Piper Perabo, Jeff Daniels,Garrett Dillahunt118 m. +18 años (violencia, sexo incidental)Distribuidora: AurumEstreno: 19.10.2012

Retorno al pasado, againEn 2072 los asesinatos están terminantemente pro-

hibidos y los objetivos son enviados a través de unamá quina del tiempo al pasado, al año 2042, dondeexis te una red de sicarios, conocidos como loopers,que se encargan de acabar con ellos y deshacerse rápi -da mente de los cuerpos. Uno de los mejores loopers esJoe (Joseph Gordon-Levitt), para quien esta profe-sión sólo supone un trabajo muy bien pagado. Hastaque recibe un nuevo objetivo desde el futuro: él mismo(Bru ce Willis).

Lo que he puesto arriba es la descripción promocio-nal que se completa con un lema de cartel que reza:“En fréntate a tu futuro. Lucha por tu pasado”. La pelí -cu la tiene un guión original, pero lo que ha escrito

Rian Johnson tiene muy poco de original. Si atende-mos al aluvión de cintas que casi nos sepultan con ar-gumentos similares, el guión de Johnson está másvis to que el ridículo tupé de Ronaldo (lo mencionopor que el protagonista de la película lo lleva).

La trayectoria del director cuenta con la prometedo -ra Brick, su opera prima de 2005 que ganó el premioes pecial del Jurado en Sundance. Luego hizo The bro-thers (2008), que se vio en Donosti pero que no llegóa estrenarse en España. Y después, el piloto de Terriers(que me gustó bastante) y dos capítulos de Breakingbad.

Johnson tiene 39 años y los tres largos que ha he -cho tienen bastantes similitudes de tratamiento. Sonhis torias con un sabor de factoría indie, con el matizpe yorativo que supone el término factoría. Looperpue de parecer una historia imaginativa y ocurrente,con una cierta consistencia dramática, pero en el fon -do es otro thriller tremendamente convencional queha ce piruetas para lograr un clímax contundente y ex-plota sin arrobos la popularidad de un héroe de acciónco mo Bruce Willis.

Aseada, bien rodada e interpretada, la película sede ja ver, pero poco más.

A. Fijo

Otro thriller con viajes al pasado y al futuro, asesinos y policías, con atascosen las entradas y salidas

Algún pico de tensión bienllevado.

Pesadez de viajes en eltiempo.

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TO ROME WITH LOVE, 2012

País: EE.UU./Italia/EspañaDirección y Guión: Woody AllenFotografía: Darius KhondjiMontaje: Alisa LepselterIntérpretes: Jesse Eisenberg, Alec Baldwin, EllenPage, W. Allen, Penélope Cruz, Roberto Benigni112 m. +18 años (sexo)Distribuidora: AltaEstreno: 21.9.2012

Roma se merece mejor homenajeCon A Roma con amor, Woody Allen cumple siete años

de periplos por ciudades europeas (quitando su fugazvuel ta a su querida Nueva York en Si la cosa funciona).Sie te años irregulares cinematográficamente hablando, enlos que han brillado más sus dramas (Match point, El sueñode Cassandra) que sus comedias o tragicomedias (Scoop,Vicky Cristina Barcelona, Conocerás al hombre de tus sue-ños... Midnight in Paris es un caso aparte porque es unaco media totalmente blanca y nostálgica).

Escribir buenos guiones de comedia no es fácil, y menossi te concedes de margen menos de 12 meses entre uno yotro, aunque te llames Woody Allen. ése, sin embargo,no es su mayor problema. Lo malo realmente es que elAllen cómico se ha vuelto cínico, pesimista y dogmáticohas ta la extenuación. Hoy día conceden más respiro al es-pectador sus excelentes dramas de tintes dostoievskianos-véa se Match point- que sus comedias, que se han vueltodi rectamente asfixiantes. A Roma con amor tiene ese viciomuy marcado, pero es que además cuenta con uno de susguio nes más rancios y olvidables de su carrera.

La cinta narra cuatro historias a la vez que tienen pocoque ver entre sí, con el único nexo en común de transcu-rrir en Roma. En una, un hombre con una existencia vul-gar (Roberto Benigni) se ve asediado por pa parazzis; enotra, un director de ópera retirado (Allen) descubre quesu nuevo suegro tiene un don para sol tar gorgori tos en ladu cha; en la tercera, una pareja de re cién casados (Ale -ssan dro Tiberi y Alessandra Mastronardi) son sepa ra -dos por el azar y acaban pasando el día con una prostituta(Pe nélope Cruz) y una estrella de cine; y en la última unar quitecto norteamericano de mediana edad (Alec Bald-win) vislumbra el futuro que le espera a otro arquitectonor teamericano veinteañero (Jesse Eisenberg) cuan doen tra en su vida una mujer destructiva (Ellen Page).

Ignoro si el realizador neoyorquino partió con la ideade contar varias historias, pero visto el filme da la sensa-ción de que tuvo distintas ideas para rodar en Roma, no

te nía el convencimiento de que ninguna de ellas tuvieseen tidad para funcionar por sí sola y prefirió no arriesgarse.

Como cuando ha rodado en París o Barcelona, Allen in-corpora y homenajea a algunos de los rasgos culturalesque más admira del país -la fantasía extravagante de Felli -ni, la farsa cómica del De Sica de Matrimonio a la italiana,el teatro de Pirandello... no falta siquiera la voluptuosamo rena al estilo Gina Lollobrigida, aunque esté interpre-tada por una española, cosa que no ha sentado demasiadobien a los italianos. Y luego los incorpora a su universoha bitual, con la inestabilidad y fugacidad del amor y laab surdidad de intentar encontrar un sentido a la vida co -mo temas centrales.

Es una temática que ya estaba presente en su filmogra-fía hace más de 30 años, pero la diferencia es que antes elci neasta abría interrogantes, presentaba contrapuntos ytrans mitía dilemas inteligentes mientras derrochaba suha bitual ingenio. Ahora sin embargo priman el fatalismoy el cinismo, que se cuelan en cintas como esta en formade discurso, que es algo que el cine de Allen afortunada-mente muy pocas veces ha tenido. Y en To Rome with love,ade más, el ingenio es sustituido por situaciones forzadas,in consistencias, abuso de los estereotipos y mucha artifi-cialidad gratuita.

Suelo decir que Woody Allen es el único realizador enac tivo del que sé de antemano que sus películas siempreme van a aportar algo. Su último fil me me ha hecho dudarde esta regla por primera vez. Aunque siendo benevolen-tes, quizá sí haya algo que rascar en la historia de Page yEisen berg, aunque también sea porque los actores ponento do de su parte.

Juan Claudio Matossian

La última cinta de Woody Allen es un compendio de ideas perezosas y fallidas

A Roma con amor

Las actuaciones de EllenPage y Jesse Eisenberg.

Posiblemente el guión másflojo y perezoso de toda lacarrera de Woody Allen.

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BEL AMI: HISTORIA DE UNSEDUCTOR / Declan Donnellan,Nick Ormerod

+18 años (temática, sexocrudo)

Coproducción europea de vistoso re-parto que adapta la obra de Guy deMau passant, un autor querido por elci ne. La condición primeriza de los ve -teranos directores se evidencia en cier -to mecanicismo, en no manejar bienlos tiempos de una obra difícil, ex -ponente del naturalismo zolaniano defines del XIX, en la que lo fácil es queel sexo tape el seso de una ácida y de-vastadora historia de pirañas insacia-bles. En defensa de los autores, bas taasomarse a la vida del novelis ta.

SINISTER / Scott Derrickson+18 años (temática,

violencia)

Batacazo del director de la interesan -te El exorcismo de Emily Rose. EthanHawke encarna a un escritor de no-velas de crímenes en plan A sangrefría. El novelista se traslada con su fa-milia al escenario de un crimen atrozpa ra escribir la novela que le devuelvael éxito perdido y... pasa de todo; sinló gica, con trampas, sustitos fáciles,chi rríos de puertas, giros en el guiónco locados a golpe de chistera en unape lícula muy pobre que compitió enSit ges 2012.

TRAVELLING

ADAM RESUCITADO /Paul Schrader

+18 años (temática, vio-lencia, sexo incidental)

Ni los incondicionales de Schrader po-drán aguantar esta película. Su em pa -na da mental vuelve a conjurar el bieny el mal, el mesianismo, la sangre y al -gu na fan tasía sexual. Alemania, añosvein te, un artista de cabaret judío(Gold blum) se burla de un cliente (Da -foe), quien más tar de esta rá al man dodel campo de con cen tra ción donde aca -ba rán el artis ta y su fa milia. El sadismoy las humillaciones, re cordadas en unpsi quiátrico en Israel, jun to a la im po -si bi lidad de superarlo y las reflexionesen tor no a ese hombre son de traca.

SIN FRENOS / David Koepp+12 años (violencia)

Hace veinticinco años Quicksilver,con Ke vin Bacon, contaba las aven-turas de un mensajero ciclista en SanFran cisco; David Koepp, experto enre mozar viejas ideas, traslada la ac-ción a Nueva York, simplifica la tra -ma y los per sonajes, añade efectosvi suales, mul tiplica la velocidad de lahis toria y pone al frente del repartoa la estre lla ascendente que es Jo-seph Gordon-Levitt. Un inocenteen tretenimien to.

TOTAL RECALL (DESAFíO TOTAL)/ Len Wiseman

+16 años (erotismo inci-dental)

Este remake es estrictamente eso, unaver sión de la película de 1990. Y esuna lástima porque podría haber sidouna relectura del cuento de Dick. Wi-seman (director de la saga Under-world, protagonizada y coproducidapor su esposa Kate Beckinsale) noes tá muy sabio que digamos: se limitaa subir la música chunda-chunda,gas tarse un dineral en efectos digita-les y decorados y alargar las persecu-ciones con guiños ambientalescons tantes a Blade Runner, El quintoelemento y Yo, robot.

CONTRARRELOJ / Simon West+12 años (violencia)

Nicolas Cage vuelve a ponerse bajolas órdenes de Simon West (Con air)in terpretando a un personaje similaral de aquella película, un convictoque va a reunirse con su hija y debeha cer cosas extraordinarias para lo-grar tal fin. Desgraciadamente parato dos, ni el escaso presupuesto, ni elfrag mentario guión, ni la falta deaten ción del director -West estabaocu pado al mismo tiempo con el pro-yecto Los mercenarios 2-, permitenha cer una obra interesante.

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MÁTALOS SUAVEMENTE /Andrew Dominik

+18 años (violencia,lenguaje y sexo crudos)

Dos rateros de poca monta ponen enja que a la mafia americana después dero bar en una partida de póker. Tras elso berbio western crepuscular El asesi-nato de Jesse James, Andrew Dominikabor da este hiperviolento film noirque, después de sumar aciertos y erro-res, termina en tablas. Para bien, el re-parto encabezado por Brad Pitt, laáci da crítica política y algunos tramosde montaje conseguidos. Para mal, elra quitismo de la his toria, las caídas derit mo y el afán de subrayar los aspectosmás sórdidos de algunos personajes.

ATRAPADOS EN CHERNÓBIL /Bradley Parker

+16 años

Cinta de género con aire de documen-tal, filmada con una cámara amateurpor uno de los protagonistas. Seis jóve -nes amantes de las emociones fuertesvia jan a Pripyat, la ciudad fantasmaque fue evacuada tras la catástrofe deCher nóbil, objeto de leyendas. Las trespa rejas y su guía responden al canonde los films de terror adolescente, lassi tuaciones, con escalada de ten siónhas ta el terror puro, también; el guiónes lo bastante hábil para mante ner lain quietud y tensión hasta el final.

SOMOS LA NOCHE /Dennis Gansel

+16 años (violencia,erotismo)

Joven ladronzuela malvive en los ba-rrios bajos de una gran ciudad. Unano che se hace localizar por un policíaque, curiosamente, le da un voto decon fianza y la deja escapar. Poco des-pués es mordida por la vampiresaLouise. El director de La ola afrontauna película en la que los vampirosson la excusa. Gansel ha realizadouna obra interesante en la que el fe-nómeno vampírico es una simple me-táfora para afrontar problemas degran calado, o más bien, un solo pro-blema, ¿qué sentido tiene la vida?

MARTES, DESPUéS DE NAVIDAD/ Radu Muntean

+18 años (sexo)

El aparente equilibrio y buen feelingde un matrimonio de mediana edadse rompe cuando ella descubra que suma rido tiene una joven amante. Cris-tian Mungiu rodó hace cinco años laes tupenda Cuatro meses, tres sema-nas y dos días, y desde ese momentose habla de una edad dorada del cineru mano. No es éste el caso: una cintacon serios problemas para haceravan zar la acción y con un final quese desvanece en la nada. En defini-tiva: soporífera y prescindible.

RESIDENT EVIL: VENGANzA /Paul W. S. Anderson

+12 años (violencia,erotismo)

Anderson continúa la historia deAli ce donde la dejó hace un par deaños: en la cubierta de un barco, enple no ata que de helicópteros de lamal vada cor poración Umbrella. Lape lícula -mons truos, tiros, golpes,ca rreras, explosiones-, realizada parama yor glo ria de su mujer Milla Jovo -vich, es más videojuego que nunca,el guión ya no importa nada, solohay que sobrevivir y pasar de panta-lla/nivel. La pro ducción es impeca-ble y el 3D resultón. Entretenida,ago tadora.

7 DíAS EN LA HABANA /VV.AA.

+18 años (sexo)

Benicio del Toro, Pablo Trapero, Ju -lio Medem, Elia Suleiman, GasparNoé, Juan Carlos Tabío y LaurentCan tet ruedan algo así como la meri-toria Paris je t’aime. El problema esque el resultado, en este caso, es unape lícula de un nivel ínfimo: excepto-con matices- las piezas de Traperoy de Suleiman, no se salva nada, nilas historias, ni el tono general de lape lícula, ni siquiera la fotografía. Di -cen que es un homenaje. Triste ho-menaje, entonces.

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Cumple 60 años...\\\\\\\\\

El cuarto poderHumphrey Bogart actúo en más

de 80 películas. Trabajó casi todos losgé neros (no hizo musical ni peplum)y con los mejores directores. En VHSse distribuyeron tan sólo 40 títulos,de los cuales menos de 10 se han ree -di tado continuamente. Para muchos,só lo existen Casablanca, La reina deÁfri ca, El halcón maltés y Sabrina.Me nos gente añadirá El tesoro de Sie-rra Madre, Tener y no tener, El sueñoeterno. EL DVD está rescatando pelí-culas notables que no se editaronhas ta ahora en España. El cuarto po -der, que cumple 60 años, no es sóloun clásico de Bogart, es una granpe lícula.

Richard Brooks, que había escritoel guión de Cayo Largo para el tán-dem John Huston/Humphrey Bo-gart, acababa de comenzar subri llante carrera de director. Brookshi zo un guión modélico sobre elmun do del periodismo que agonizabaal convertirse los periodistas de es-tirpe en meros asalariados, haciendoel elogio de la profesión, y mostran -do los peligros que la acechan.

Bogart es Hutcheson, editor de ElDía, un periódico neoyorquino queva a cerrar por negarse a ser prensaama rilla y defender su independenciade los otros poderes. Bogart tiene undía -tres ediciones- para convencer alos inversores de que no abandonenel periódico. Tiene una gran noticiay unas presiones tremendas para nopu blicarla.

ésta es una de las grandes películassobre el periodismo. Bogart suel taunas verdades como puños. La cin taplantea -Brooks siempre lo ha ce-conflictos morales con estructura dethriller. Brooks, que había dirigi dosus dos primeras cintas (Crisis y Elmilagro del cuadro) con buena ma no,consiguió su primera gran pelícu la,que le prepara para las obras maes -tras que realizará entre 1958 y 1968.

Bogart, que acaba de ganar su es-tatuilla con La reina de África, estáso berbio. Ethel Barrymore, del clanBarrymore, es una secundaria delujo.

F. Gil-Delgado

DEADLINE, 1952País: EE.UU.Dirección y Guión:Richard BrooksFotografía: Milton R.KrasnerMontaje: William B.MurphyMúsica: Cyril J.Mockridge, Sol KaplanIntérpretes: HumphreyBogart, Ethel Barrymore,Kim Hunter, Ed Begley,Warren Stevens, PaulStewart, Martin GabelDistribuidora DVD:Nacadih87 min. +12 años

Fila Siete - 31

Cumple 57 años...\\\\\\\\\

La mano izquierda de Dios

La mano izquierda de Dios, basadaen la novela homónima de WilliamE. Barrett, es la antepenúltima pelí -cu la que protagonizó HumphreyBo gart. Las dos últimas son Horasdesesperadas (William Wyler, 1955)y Más dura será la caída (Mark Rob-son, 1956).

La novela cuenta las aventuras deun piloto norteamericano que, trases trellarse, salva la vida convirtién-dose en mano derecha de uno de losse ñores de la guerra locales. Añosdes pués, en China, concretamenteen 1947, logra es capar disfrazado desa cerdote, pe ro llega a una misiónca tólica donde creen que es el cléri -go que están es pe rando... y realizauna gran labor de apostolado, muy asu pesar.

William Faulkner escribió unaadap tación de la historia para Ho-ward Hawks, que no se llegó a fil-

mar. Edward Dmytryk, que habíadi rigido a Bogart un año antes en Elmo tín del Caine, le dio uno de sus úl-timos papeles.

Película y novela muy de moda enaque llos años -recuerden Las llavesdel reino, Estirpe de dragón o La bue -na tierra- comparten aquel estilo in-genuo, ahora ciertamente nadaco rrecto por paternalista. El papelprincipal chino es interpretado porun caucasiano maquillado, Lee J.Cobb.

Conociendo el contexto, la pelícu -la se ve bien, tiene dramatismo, rit -mo y tensión; también hay queen tender las motivaciones de lospro tagonistas católicos. Hoy con-mueve ver a Bogart, que ya habíasido desahuciado.

F. Gil-Delgado

THE LEFT HAND OF GOD,1955País: EE.UU.Dirección: EdwardDmytrykGuión: Alfred HayesFotografía: Franz PlanerMúsica: Victor YoungIntérpretes: HumphreyBogart, Gene Tierney,Lee J. Cobb, AgnesMoorehead, Jean PorterDistribuidora DVD:Impulse87 min. +12 años

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Estuvimos con…Armando Fumagalli, director del Máster de Escrituray Producción para ficción y cine (UCSC, Milán)

Armando Fumagalli se mueve con gestos elegan-tes y lleva instalada en el rostro una sonrisa con -fiada. Es un hombre tranquilo. Oyéndole hablar delos per sonajes, de sus motivaciones y actos, y de fina -les ló gicos e inevitables se diría que es una especiede de miurgo del universo de la ficción. Es profesorde Se miótica en la Universidad Católica del SacroCuo re de Milán, director del “Máster en Scrittu ra epro duzione per la fiction e il cinema” y consultor deguio nes.

Ha venido a España invitado por la Fundación deEs tudios de la Comunicación (FEC). Con él, ValentinaPo zzoli, joven editora de la productora de tele visiónLux Vide, que aborda su primer lar gometraje, la adap-tación de la exitosa novela de Alessandro D`AveniaBlan ca como la nieve, roja como la sangre, actualmen -te en fase de postproducción.

Ambos han dirigido en la sede de Canal Sur en Se-villa un curso titulado “De la Literatura al Cine. Semi -na rio de introducción al trabajo de escritura yde sarrollo de proyectos de cine”. Un mano a mano deágil guión donde ha habido tiempo para considerarel fenómeno de las adaptaciones clásicas y modernas,lo que el cine de Hollywood nos aporta o có mo lograres cribir una película para el gran públi co. Todo al hilodel análisis de películas de renombre co mo Sentido ysen sibilidad.

Literatura y cine: ¿llamados a amarse o a aborre-cerse? Fumagalli considera que son dos mundos mu -cho más entrelazados de lo que se piensa. “En lacul tura norteamericana hay una estrecha relación en -tre ambas, una relación profesionalizada en la quedes de el primer momento se considera la venta de losde rechos para el cine. Esto es así porque es un paísgran de, abierto a un mercado internacional amplísi -mo: Norteamérica, Gran Bretaña, Australia y todo elmun do de lengua inglesa. Hablamos de 300 mi llonesde lectores. En Europa la situación es distinta. Unano vela de un autor novel italiano que venda 3.000ejem plares se considera rentable”.

Hay una tendencia a pensar en la literatura comoun arte profundo y en el cine como algo superficial,pu ra acción. “Es un grave error creer que la literatu -ra habla del interior de los personajes mientras que

el cine trata del exterior” -explica Fumagalli.Batman, por ejemplo, “es un trabajo muy profundo

so bre el interior del personaje. Nolan es inglés y haes crito con su hermano el guión, y eso se nota. Lape lícula va sobre cuál ha de ser la respuesta al mal.Y X-Men es una metáfora de la relación con los ex-tranjeros -en este caso los mutantes-; plantea quepo demos convivir en paz. Las películas que ganan di -ne ro son las que hablan del interior del personaje,las que hacen llegar al espectador al corazón del pro-tagonista”.

Aún va más allá. “Las buenas películas nos dejanver de manera natural las verdades íntimas de losper sonajes, y logran que éstas conecten con nuestrapro pia existencia”. Para eso -dice- es preciso plantearmuy bien el objetivo consciente (desire) y el conflictoin terior (need): hacer algo importante en la vida, de -jar huella -en el caso de Una mente maravillosa-, perotam bién superar los problemas de socialización deNash. “Hay grandes cuestiones a las que todos nosen frentamos en la vida, y que, por tanto, son recono -ci bles: encontrar el equilibrio entre vida profesionaly social, como plantea El diablo se viste de Prada; olo grar el respeto como mujer a través de la actuaciónpro fesional, como Erin Brockovich. Hay que haceravan zar need y desire. No se puede hacer una películasó lo con ideas”.

Con su particular visión como editora de la produc-

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tora Lux Vide, Valentina Pozzoli añade que la es cri -tu ra de guión es una mezcla de creatividad y de in-dustria. Su trabajo consiste en que el guionistaes criba según las reglas del mercado. Pero esto no esal go frío, sin alma. De ordinario, hace tres lecturasde los guiones: “la primera es emocional cien porcien, la segunda de cabeza analizando esa emocióny la tercera en clave de verosimilitud”.

“Para escribir un guión con éxito -asegura Pozzoli-ha ce falta un tema, pero también una historia y unper sonaje bien construido, al que se pueda ver en360º. Un personaje -concreta- que tenga un conflictoa la hora de alcanzar su objetivo. La pregunta es: quées tará dispuesto a perder el personaje para alcanzarsu objetivo. Ahí es donde se ve su mundo ético, yesto es lo que hace muy interesante y vendible lahisto ria”.

La clave, por tanto, está en el personaje. “RobertMcKee decía que no hay diferencia entre personajey acción. La acción la hace el personaje, no al revés.Es él quien, tomando decisiones o reaccionando dema nera distinta a las circunstancias construye lahisto ria”.

Junto a esto, Valentina Pozzoli desarrolla otrascues tiones de las que depende un buen guión: ponerun punto de originalidad que distinga nuestra obrade historias similares, cuidar bien los tiempos dedica -dos a los tres actos tradicionales, planear bien el se -gun do acto -el acto de las complicacionespro gresivas, según McKee-, y los puntos de giro; de-finir bien a los antagonistas, tener claro si nuestropro tagonista es un héroe o un antihéroe y lograr queel público lo quiera o construir un tema y un contra-tema verosímil.

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Este año celebramos el bicentenario de Dickens,cu ya inspiración se encuentra en los orígenes del

ci ne, y próximamente veremos una nueva versiónde Grandes Esperanzas, de Mike Newell. Pero ade-más, estamos a la espera de Ana Karenina, de JoeWright, y de Los miserables, de Tom Hooper. Elaño pasado Fukunaga estrenó la versión númerovein tiséis de Jane Eyre. ¿Por qué se siguen adap-tando las grandes historias del siglo XIX?Armando Fumagalli/ Probablemente porque son

his torias de conflictos interiores personales y socialesy tienen una dimensión de intriga que funciona. Son,ade más, historias románticas y conmovedoras, deper sonajes rotundos y claros. Cuando se hace unaadap tación se retoma la historia original pero es pre-ciso hacerla presente en la actualidad. Preguntarse:¿qué puede decir esta historia al mundo de hoy? Eslo que hace, por ejemplo, Emma Thompson en elguión de Sentido y sensibilidad. Es muy fiel al textope ro, de manera sutil y efectiva, hace resonar sinana cronismos temas que no estaban en Jane Austenpa ra conectar con el público mundial contemporá-neo, y lo hace simplemente dando un valor a la her-mana menor que no tenía en la novela.

Pienso que también son historias seguras,desde el punto de vista de la rentabilidadeconómi ca.A. F./ Ha habido años en que se hablaba del post -

mo dernismo, del final de las grandes narraciones, pe -ro luego centenares de millares de personas iban alci ne a ver Titanic. Y qué es Titanic sino Romeo y Julie -ta, una gran historia de amor de todos los tiempos.¿Y Harry Potter?: una historia clásica de formación.Si alguien hace esa historia dentro de diez años vol-verá a tener un éxito seguro. Son constantes antro-pológicas: tenemos necesidad de soñar, de encontrarsen tido a la vida, a la muerte, que es lo que cuentanes tas historias.

Las razones por las que se vuelve a ellas son diver-

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sas: de afinidad, culturales, económicas; personalesy empresariales. En televisión y cine americano, lospro yectos dependen más de la productora, en cambioen Europa tiene la iniciativa el director. Son dos mo-delos muy distintos, aunque ahora estén evolucio-nando un poco. No hay que equivocarse. FrancisFord Coppola coescribió y dirigió esa gran obra quees El Padrino porque su amigo George Lucas le con-venció de que hiciera esa película para Paramountcon el fin de pagar sus deudas.

Aún así, no estamos en un buen momento.¿Qué hacer para atraer al público a las salas decine?A. F./ En primer lugar emocionar. Si lo consigues,

y lo puedes conseguir gastando poco, el público vie -ne. Es lo que ha pasado en Francia con Intocable, olo que ocurrió hace unos años con Mi gran boda grie -ga o con Little Miss Sunshine, películas de bajo presu -pues to que se han vendido en todo el mundo y hante nido muy buena recaudación. La clave está en es-cribir historias que sean profundas, emocionantes, yes to se logra si están bien dirigidas. Luego, hay quesa ber aprovechar el fenómeno de internet, recurrir agé neros más económicos, etc. La crisis aviva la creati -vi dad. Si se escribe bien y se buscan nue vas solucio-nes de producción, se pueden hacer películasren tables.

¿Cómo afectan las nuevas tecnologías al cine?A. F./ Siempre que surgen avances tecnológicos

hay un movimiento, pero pienso que no tiene porqué producirse una catástrofe. Ahora, por ejemplo,con la facilidad para el streaming y la descarga, haper dido mercado el DVD, pero todo retomará su posi-

ción. En los años 50 y 60, cuando surgió la televisiónen Italia, se vendían entre 600 y 900 millones de en-tradas de cine. Hace veinte años, entre 100 y 120. Lagen te que antes iba por segunda y tercera vez al cinea ver la película ahora estaba en la televi sión. El pro-ductor sabe que puede recaudar un 30% en sala, un50% en derechos de televisión, etc. Se produce unrea juste natural.

¿A qué cine emergente hemos de prestar aten-ción?A. F./ No es fácil contestar a esta pregunta porque

de pende de factores imponderables. Me contaba unacon sultora que trabaja en Hollywood que el renaci-miento del cine danés se debe a que se ha creado unaes cuela de guión en Dinamarca y la mayoría de lagen te que triunfa viene de allí. Influye también latra dición literaria y teatral, que hace que, por ejem-plo, el cine argentino tenga más capacidad de contarco sas y logre unos personajes bien dibujados.

Hay que prestar atención al cine de China. Porcues tión cultural, está invirtiendo mucho en el softpo wer, y a través del cine puede difundir su sistemade vida. Además es un país tan grande que todo ad-quiere una dimensión enorme. Para entrar en la Es-cuela Nacional de Cine compites en un mercado de1.300 millones de personas, pero sólo 50 son elegi-dos. Si se ponen a hacer las cosas bien, pueden creceren poco tiempo. El cine francés que ha intentadoapren der de los norteamericanos puede ir tambiénmuy bien. En los últimos tiempos han hecho unaspe lículas buenísimas, muy bien escritas, sutiles, eco-nómicas y que gustan mucho al público europeo.

Cristina Abad

El padrino (1972), escrita y dirigida por Francis Ford Coppola.

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The Amazing Spider-Man \\ James Horner

MÚSICA DE CINE >>>>>>>>>>>>>>>>>

Contar lo mismo que ya te han contado es muype ligroso. Pero es lo que ha hecho Marc Webb (eldi rector de la magnífica 500 días juntos), con su...“ver sión” del Spider-Man de Sam Raimi. Con unar gumento prácticamente calcado, se necesitabanal gunos ingredientes que diesen personalidad a lape lícula. El director ha intentado calar más a fon -

do en el alma de los personajes con la ayuda dedos actores colosales (Emma Stone y AndrewGar field) y uno de los grandes compositores deHo llywood: James Horner (Braveheart, Titanic,Una mente maravillosa, Avatar).

The Amazing Spider-Man ha obtenido críticas deto do tipo y casi 800 millones de dólares en taqui-lla. Pero hay algo en lo que todo el mundo coinci -de. Al igual que en 500 días juntos, Webb vuelvea acertar de pleno en el casting y... en la eleccióndel compositor de la música.

Horner, californiano de 59 años, tenía una ta -rea difícil. El trabajo del burtoniano Danny Elf-man en el Spider-Man de Sam Raimi era muyefi caz. Hubiese sido fácil imitar ese estilo o haceruna de esas bandas sonoras arquetípicas del cinede acción. En cambio, Horner ofrece una curiosamez cla de sonidos (instrumentos de viento y elec-trónicos) que da a la película un tono épico yemo tivo diferente.

El tema central, Young Peter, sintetiza la trepi-dación de la acción con el heroísmo legendario, enes te caso incluso algo espiritual gracias al acompa -ña miento de voces infantiles y coro. El piano co -bra un especial protagonismo en temas dramáticoscomo I can’t see anymore y Ben’s death, y en lassu gerentes melodías románticas Rooftop kiss yPromi ses.

C. Sánchez

Compañía: Sony ClassicalDuración: 52 min.Precio: 15,99 €

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Cine y alrededores Carmen Azpurgua

De Terrence Malick, ganador de la Palma deOro 2011 por El árbol de la vida, se puede esperarto do menos explicaciones. La cláusula que incor-pora a sus contratos excluyéndole de cualquier ac-ción de marketing no ofrece duda de susin tenciones a este respecto. Ese mutismo y laesen cial diferencia de su cine pueden ser la causade que el análisis crítico, aún rindiéndose ante lagran deza del creador, no acabe de atinar con lascla ves.

Y es que resulta difícil entender de qué nos estáha blando el cineasta si se parte de parámetros tanale jados a la interpretación del mundo de Malickco mo el panteísmo o el movimiento New Age, ci-tados con frecuencia como filosofías base de suspe lículas, eso es lo que se llama oír campanas yno saber dónde.

Para empezar, y aunque no sea vinculante, hayque echar un vistazo a los orígenes de Malick,nor teamericano por los cuatro costados pero hijode libanés e irlandesa, que en términos de nacio-nalidad religiosa significa católico. Si miramos

des de esa perspectiva, multitud de claves incone-xas se ordenan admirablemente y la grandiosidadvi sual y narrativa adquiere significado pleno.

Las películas de Malick están muy conectadasen tre sí, mantienen una unidad que desarrolla enpro gresión explicativa su pensamiento. A Malickle interesa el bien y su ausencia, el mal, y haceme dirse a los personajes con la debilidad desdeuna perspectiva trascendente que no oculta.

Todos sus relatos tienen reminiscencias bíblicasen la temática pero también en el modo narrati -vo, en el esquematismo pedagógico con el que de -sa rrolla el drama y, por supuesto, en lasre ferencias de las que riega cada película.

El Kit de Malas tierras es James Dean en Al estedel edén, la novela de Steinbeck netamente bíbli -ca; Días del cielo es la reescritura invertida de lahis toria de David, el rey dotado, el agradable aDios que, sin embargo, fue débil (por si cupieradu da llama a la protagonista Abby como Abigail,la tercera esposa de David).

La naturaleza, tan turbadoramente presente, no

“¿Dónde estabas tú cuando fundaba los pilares de la tierra? ¿Cuandotodas las estrellas del alba brillaban al unísono, y se regocijaban todoslos hijos de Dios?” (Job 38, 4-7)

La Biblia de Malick

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cio na como sustituta de la divinidad en ese pre -ten dido panteísmo que se le achaca, sino como ellugar donado, regalado. El cineasta filma sin ce -sar paraísos y su pérdida. Filma el edén, un edén-bosque en Malas tierras, edén-granja en Días delcielo, isla y selva en La delgada línea roja y Elnuevo mundo, o árbol de jardín familiar en Elárbol de la vida.

Edén que es siempre americano (en 2007, Díasdel cielo fue considerada “cultural, histórica y es-téticamente significativa” e incluida en el UnitedSta tes National Film Registry) como americanasson las influencias culturales de Malick: la litera -tu ra de Steinbeck, Faulkner o Salinger, la pin-tura de Hopper, la fotografía de Lewis Hine.

En El árbol de la vida, su penúltimo trabajo, to -do lo que estaba incoado en la filmografía pre ce -den te adquiere el desarrollo definitivo. Conformeavan za el metraje, se va teniendo la impresión deque esta vez no son sólo referencias lo que encon -tra mos, sino que tenemos delante una adaptaciónca si completa de la Biblia, en la que el enigmáticoMa lick enseña las últimas cartas de la baraja.

La película arranca definiendo intenciones conun versículo de Job a modo de introito: “¿Dóndees tabas tú cuando fundaba los pilares de la tierra?¿Cuan do todas las estrellas del alba brillaban aluní sono, y se regocijaban todos los hijos deDios?” (Job 38, 4-7).

Si la Biblia habla de un pueblo, del hombre yde su relación a veces tormentosa con el Creador,la película de Malick habla de una familia y de

Jack O’Brien (inciales de Job) y desu atormentada existencia sin Dios. En

el comienzo se le ve, interpretado porSean Penn, perdido en la cumbre de su

éxi to. Malick nos lleva directamente al Ecle-siástico: “Vanidad de vanidades todo es vani-

dad” (Ec 1, 1-29).

Luego, sin miedo y sin titubeos, aborda el grante ma: el dolor, la pérdida del hermano y la injus-ticia de un Dios que “envía moscas a las heridasque él mismo debería cuidar”. Ahí están ya los li-bros de Job e Isaías. La historia de Job, el justocas tigado, es un relato que actúa como “punto degi ro” en la didáctica del Viejo Testamento. Hasta

“La madre es, para Jack O’Brien y para Malick, la vía a través de la quellega Dios y la puerta para recuperarlo”

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ese momento, en los escritos bíblicos, el justo erare compensado y el malvado castigado, pero enJob se avanza hacia la comprensión del dolorinjus to.

A continuación, se adentra en ese Génesis vi-sual tan desconcertante para muchos, que tieneuna duración proporcional a su importancia: en-marcar a Jack O’Brien y a todo hombre en su ori-gen. El Génesis es uno de los cinco libros delPen tateuco o Toráh, columna vertebral del Anti-guo Testamento, por eso Malick no se ha impa-cientado al contarlo.

Después, con una inteligencia y un sentido desí mismo como hombre que pone los pelos de pun -ta, nos induce magistralmente a un viaje a esosre cuerdos atávicos, primitivos, de la infancia, queno habíamos vuelto a revivir, se nos obli ga a re-conocernos gateando, desobedeciendo, tras -pasando las fronteras del bien, haciendo daño aquien amamos, iniciándonos en lo prohibido, defor ma que ya no es la historia de Jack O’Brien, esla de cada uno de nosotros la que se cuenta, y ésees probablemente el As de la baraja.

Además, está la madre y en ella los libros de Es-ther, Ruth y Judith, las heroínas bíblicas, las mu-jeres que han caminado seguras en el sendero dela gracia, de la fidelidad. La madre es, para JackO’Brien y para Malick, la vía a través de la quelle ga Dios y la puerta para recuperarlo. En la Sra.O’Brien está también el Cantar de los Cantares, enesa forma lírica, amorosa, que ella recrea cons -tan temente, y el libro de la Sabiduría: “el Se ñor,se deja hallar de los que no le tientan, se mani-fiesta a los que no desconfian de él” (Sab1, 1-2)

“por que es fuerte el amor como lamuer te” (Cant 8, 6-8).

La cinta está plagada de imágenes sim -bó licas que aparecen de forma re cu rren teen los Salmos y en todo el conjun to ve tero -tes ta men tario: la llama, la cascada, las puer tas.

Y, por supuesto, está el Apocalipsis lleno deimá genes extrañas, oníricas, difíciles de entendery tremendamente plásticas. La alegoría final tieneuna clara raíz apocalíptica.

¿Y el Nuevo Testamento? En su artículo El árbolde la vida (Von Trier versus Malick), Jorge Latorreapunta una idea muy sugerente acerca de esa au-sencia: “Se echa de menos en la película El árbolde la vida una referencia al árbol de la Cruz, quees, según la teología cristiana, el nuevo árbol dela Vida (…); esta elipsis se resuelve musicalmentepues la banda sonora está compuesta, sobre todo,de temas de la liturgia cristiana”. Efectivamenteahí están el impresionante Agnus Dei, de Berlioz,o la Lacrimosa, de Preisner.

Afortunadamente, no hace falta ser un gran co-nocedor de la Escritura para entender lo que laBi blia cuenta, ni para entender la película de Ma-lick, la fuerza que contiene arrolla por sí misma,pe ro bucear en sus posibles claves interpretativasha ce disfrutar mucho más de la experiencia.

Imagino a Malick como uno de esos profetas depre sencia imponente y pocas palabras que pasto-rearon a Israel, y hasta su físico me avala esa fa-bulación novelera. A la vista del resultado sepue de pensar que también él ha contado, comolos profetas, con ayuda divina.

El eslogan o lema publicitario se entiende como unafra se identificativa en un contexto comercial o político(en el caso de la propaganda). Resume y representa unai dea o un propósito publicitario en una frase o una pa-labra.

Los lemas publicitarios son decisivos en la competen -cia comercial. Un lema efectivo debería:

• Declarar los beneficios principales del producto omar ca para el comprador o cliente potencial.

• Destacar las diferencias con otras marcas.

• Ser simple, conciso, tajante, directo y apropiado(aso ciado a la marca que acompaña).

• Ser ingenioso.

• Adoptar una personalidad “distintiva” respecto alres to.

• Hacer que el consumidor se sienta “bien”. Se identi -fi que con lo que la marca o producto quiere transmitircon el eslogan.

• Ser difícil de olvidar. Debe adherirse a la memoria(quié rase o no), especialmente, si se acompaña con mú-sica y formando “estribillos”, ritmos o imágenes (“Espri mavera… en El Corte Inglés”).

• Si se trata de un producto concreto, como es el casode una película, hacer que el consumidor sienta un de -seo o una necesidad de verla, al menos conocer más deella.

El buen eslogan debe ser corto, original e impactante.Pa ra conseguirlo, se utilizan todos los recursos estilísti -

cos al alcance del redactor. Son muy utilizados los jue-gos de palabras, puesto que obligan a hacer un esfuerzoadi cional al destinatario que permite fijarlo mejor ensu memoria.

El receptor del mensaje lo puede considerar ingenio -so, evi tando el rechazo o la indiferencia (Adidas: “Im -po ssi ble is nothing”). El mayor éxito de un eslogan esque los consumidores lo repitan (L’Oreal: “Porque tú lova les”). También que se asocie tu marca o producto conlo que quieres comunicar o significar para el consumi-dor (“Destapa la felicidad”, de Coca-Cola).

El eslogan en publicidad es, en ocasiones, el comien -zo de un concepto que la marca no poseía hasta esemo mento, muchas veces las marcas necesitan esa frasecor ta y memorable que define las características delpro ducto, su idiosincrasia y sobre todo lo que le hacesin gu lar, diferente de sus competidores.

Los creativos dicen que para crear un buen esloganha cen falta mucha intuición e inspiración, conocer per-fectamente los objetivos que se persiguen en la campa -ña publicitaria, muchas horas de trabajo obteniendoto do tipo de información relacionada con el producto yel público al que va dirigido, conocer las motivacionesde los usuarios... Y con todo eso, probar y probar, hastaque se da con esa frase mágica.

En el marketing de cine encontramos muy buenos es-lóganes. Veamos algunos ejemplos.

• La red social: “No haces 500 millones de amigos singa narte algunos enemigos”. La inclusión de la tipologíade Facebook, y la composición del cartel, hacen de éluno de los mejores carteles de los últimos años. Te si -túa directamente en lo que vas a ver: una persona creala red social más grande del mundo, pero hay muchomás.

El eslogan, una parte esencialdel marketing de cine

Tono Irisarri_________

Vender cine________________“El buen eslogan debe declarar los beneficiosprincipales del producto o marca para elcomprador o cliente potencial”

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_________________________“Los creativos dicen que para crear un buen eslogan ha cen falta mucha intuicióne inspiración, conocer perfectamente los objetivos que se persiguen en lacampa ña publicitaria, conocer las motivaciones de los usuarios...”

• Gladiator: “Lo que hacemos en la vida, tiene su ecoen la eternidad”. Transmite la épica de la película deuna ma nera rotunda.

• Matrix Revolutions: “Todo principio tiene un fi nal”.El objetivo aquí está claro. Se acaba la trilogía y hayque verla para poder conocer el final. Bien en focado alos fans de la saga que no pueden perdérsela.

• Reservoir dogs: “Pongamos manos a la obra”. Bru -tal mente irónico. Una película violentísima, de asesina -tos y es... ”manos a la obra”. Siguiendo con el mismodi rector (Tarantino), uno muy directo: “La san grientahis toria de una venganza” en Kill Bill 1 (eso sí es serex plícito), y otro en su línea, Malditos bas tardos, con“La infame y salvaje historia de una ven ganza”.

• Me divierten mucho y me parecen acertados to doslos relacionados con las sagas de Alien y Depre dador.Alien: “En el espacio nadie puede oír tus gri tos”. Alien2: “Esta vez es la guerra”. Alien 3: “En 1979 estaba den-

tro. En 1986 se marchó para siem pre. En 1992 nuestrospeores temores se han he cho rea lidad. Ha vuelto”). YAlien 4: “Alien. Resu rrection”.

Depredador: “Nunca ha habido nada igual en nues -tro planeta. Llegó por la emoción de la caza... pe ro es -co gió la víctima equivocada”. Depredador 2: “Si lenciosoIn visible Invencible. Ha llegado a la ciudad con sólounos días para matar”. Alien vs Preda tor: “Gane quienga ne... nosotros perdemos” (muy in genioso). Y ya, elcol mo de la ironía (por su alusión al original Alien),Alien vs Predator 2: “En el es pacio nadie puede oír tusgri tos. En la tierra sí”.

• Algunos ejemplos españoles muy correctos paratrans mitir lo que pretenden. Torrente, donde el reclamoes taba en el subtítulo: “El brazo tonto de la ley”. Torren -te 2: “Ha vuelto. El héroe”. Torrente 3: “Pensaban quesó lo era un imbécil... Acertaron”. Y To rren te 4: “La obracum bre del cine chusco”. Definen muy bien lo que estasa ga significa. Y muy divertido, y en esta línea, Vivan-cos III: “Si te gustó Pearl Harbor... Es tu problema”.

• Del fenómeno Tres metros sobre el cielo (“¿Has es - ta do alguna vez a punto de tocar el cielo?”), me pa receacer tado el de la segunda parte, Tengo ga nas de ti: “Estavez tendrás que elegir”. Una llamada a los seguidoresde la primera película generando un punto de expecta-ción.

• Terminemos con una de las películas más espe radasdel año, Prometheus: “Buscábamos nuestro o rigen y po-dríamos haber encontrado nuestro fin”. Me parece bas-tante regular. No tengo claro si es la “precuela” deAlien, como se había vendido hasta a hora, o es una pe-lícula filosófica.

Al final, quedó demostrado que no era lo que se es -peraba y funcionó regular en taquilla. Un buen esloganno hace directamente buena una película, pero ayuda,y mucho, a venderla.

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Sujeto+verbo+predicado

Spielberg se decidefinal mente por LincolnLlevaba muchos años hablan -do de este proyecto, pero eldi rector de E.T. no terminabade arrancar. Finalmente elpro tagonista será Daniel DayLe wis y no Liam Neeson. Elguión estará basado en unano vela de Do ris Kearn Good-win que han adaptado JohnLogan, Tony Kushner y PaulWebb. Completan el repartoSa lly Field, Joseph Gordon-Le vitt, Tommy Lee Jones yDavid Strathairn.

Gatsby no vendrá a casapor NavidadBuz Luhrman no estrenarásu versión de El gran Gatsbyen la fecha prevista (25 dedi ciembre), sino que prefiereque llegue en verano de2013. Esta de cisión complicalas posibles nominaciones alos Oscar ya que, exceptuan -do algunas co mo Sin perdóno El silencio de los corderos,la Academia no sue le aten-der a películas que no estánre cientemente estrenadas.Pa rece que Di Caprio, prota-gonista de la cinta, tendráque seguir esperando o traoportunidad para ganar suprimera estatuilla.

El indeciso Ridley Scottretoca PrometheusRidley Scott sigue retocandouna y otra vez sus películas. Sifue capaz de hacer hasta 5mon tajes de una de sus obrasmaes tras (Blade Runner), conla edición en Blu-ray de Pro -me theus, que se estrena estemes, incluirá nada menos que35 minutos de escenas elimi-nadas. 15 minutos pertenecenal último acto. Cosas del mon-taje (y del remontaje).

Zero dark thirty: el regreso de BigelowDesde que hace cuatro años ganase todo tipo de pre-mios con En tierra hostil, Kathryn Bigelow se ha to -ma do un tiempo para presentar su nuevo proyecto.Ze ro dark thirty recrea la operación final de búsqueday ejecución del hombre más buscado del siglo XXI,Osa ma Bin Laden. El guionista de la película vuelve aser Mark Boal, que ha tenido acceso a información di-recta de la Administración Obama. La película se haro dado en Chandigarh (India) y tiene un reparto enca-bezado por Jessica Chastain, Joel Edgerton, MarkStrong y Chris Patt.

Robert Pattinson: De Cronenberg a HerzogLa sombra de Crepúsculo es alargada y pegajosa. Mu -cho le está costando a Robert Pattinson alejarse deella, pero hay que reconocer que está haciendo enor-mes es fuerzos por hacer películas distintas. Despuésde ro dar Cosmópolis, con David Cronenberg, el “vam-piro a dolescente” se ha lanzado en picado a resucitaral per sonaje que bordó Peter O’Toole en Lawrence deAra bia. La película se titula Queen of the desert y ladi rige nada menos que Werner Herzog. No se trata deun remake de la película de Lean: cuenta la vida de laes critora, exploradora y arqueóloga Gertrude Stein,que in terpretará Naomi Watts.

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Dicen...Jean Claude Van Damme:

“No es que la trama de estase gunda parte de Los merce-narios sea más inteligen teque la primera, pero sí máscom pleja. Mi personajepien sa que, cuando lleve aca bo su plan, habrá tenidoéxi to y tú estarás muerto.

Así que no siente remordimientos. Es ese tipo de com -ple jidad a la que me refiero”.

Peter Jackson:“Me complace anunciarlesque finalmente El Hobbit nose rán dos películas sino tres.Sin duda se ha tratado deun viaje inesperado, y enpa labras del mismo Tolkien,‘un relato que se ha ex ten -di do al relatarlo’. Sabemos

que quedaría mucho que decir sobre los perso na jes sino hubiésemos tomado esta decisión”.

Rebecca Hall:“Cada rol que interpretasabre como una especie depor tal a tu interior, a tu in-consciente, del que puedeque no estuvieras al tantoan tes. Y eso me apasiona.¡Son el tipo de aventurasque quiero correr! Estoy

dis puesta a tirarme desde un precipicio si vale la pe -na. Aspiro a desaparecer, a confundirme con el perso -na je. Como decía Michael Sheen: ‘Toda granin ter pretación es, por definición, invisible”.

James Gandolfini:“Si te soy sincero, no sé porqué siempre abordo perso-najes tan complicados. Perocla ro... ¿Cómo se llama el ti -po ése que vuela todo porlos aires? ¿Michael Bay?Pues no me llama mucho.Así que me va bien con lo

que hago, los proyectos pequeños me encantan”.

Sally Field:“No es que decidiera no ha -cer cine, pero es que la gen -te que hace castings soloquie re a Meryl Streep, de laque es imposible cansar se.Aho ra mismo el negocio es -tá así. Para mí rodar una se -rie es otra oportunidad. Es

to da una prueba, un concurso de resistencia”.

Emma Stone:“Había mucha presión cuan -do conseguí el papel prota-gonista en The AmazingSpi der-Man. Y casi me vuel -vo loca. Pero no podía dejarpa sar este personaje tanmar cado por mi adorada cul-tura pop. Además me encan -

ta la historia de amor que cuenta, los dos personajesson inteligentes y muy diferentes, una especie deRomeo y Julieta actuales”.

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EN SERIE /////////////////////////////The newsroom \\ Aaron Sorkin

La televisión soñadaNo parece necesario explicar quién es Aaron Sorkin.

No en una revista de crítica de cine y TV. The newsroomsu pone su vuelta a la pequeña pantalla tras ganar el Os -car por el guión de la película La red social (2010) y as-pirar a otro por su trabajo en Moneyball (2011). Y trasla cancelación de su penúltima serie, Studio 60 (2006-2007), retirada por la Warner tras la primera temporada.

Studio 60, no hay que olvidarlo, contaba la produc-ción de un programa de entretenimiento televisivo.Tam poco hay que olvidar que Studio 60 contenía algu-nos de los mejores textos creados por Sorkin, que yaha bía escrito una tercera serie sobre programas de TV,Sport nights (1998-2000). En Studio 60 también se apre-ciaba una carga ideológica, un discurso llamativamentein tenso, sobre lo que estaba bien y mal en la sociedadnor teamericana.

The newsroom es la primera serie de Sorkin con el se -llo HBO. Se trata de un dramedy sobre el día a día en lare dacción de un informativo de televisión. Al igual queen series precedentes, Sorkin escribe una historia sólida

y sugerente, con un grupo de personajes que compartenun ideal, en este caso, el de hacer buen pe riodismo.Aun que los protagonistas sean muchos, están lideradospor el director-presentador, Will McAvoy, y la productoraeje cuti va, Mackenzie MacHale.

La serie se ha emitido con éxito en Estados Unidos,con audiencias similares a las de Juego de tronos yBoard walk Empire, los productos más seguidos por losclien tes de la cadena de pago HBO. Concluida la prime -ra temporada, de 10 episodios, ya hay confirmación deque habrá segunda.

The newsroom no es lo mejor de Sorkin. El ala oestede la Casa Blanca y Studio 60 son series muy superiores.Pe ro Sorkin se mueve en unos estándares de calidadbas tante altos y, cuando falla, está siempre por encimadel 7 sobre 10.

Lo explico de manera sencilla, porque cualquiera quevea un capítulo de The newsroom comprobará que es unase rie de calidad, pero también una serie fallida, que acu-mula un buen número de defectos, muchos de ellos téc-nicos (guión, tramas, cambios de tono del drama a laco media, casting, dirección de actores) y otros ideológi -cos. Sí, he escrito ideológicos. Lo explico.

No es nuevo -lo mencioné al principio de este artícu -lo- que Sorkin es un hombre al que siempre ha gustadoex presar en sus productos de ficción sus ideas sobre laso ciedad americana. Es más, Sorkin, y lo escribo sin ma-licia, es un sermoneador. Detesta los lobbies pero él hacelobby, no con las armas con vencionales, sino con armasde destrucción masiva.

Capra & Wilder, sermones, lobby

Expertísimo dominador del walk & talk, es un escritorex celente que bebe de la mejor comedia clásica nortea-mericana y de una muy sólida formación teatral. Esteju dío neoyorquino de 51 años, sintetiza el idealismo deun Capra con el cinismo corrosivo de un Wilder paralo grar series adictivas, con personajes carismáticos quepe lean contra el sistema para lograr que triunfen... lasideas de Sorkin.

Lo que acabo de exponer camina con un extraordina -rio equilibrio en El ala oeste, pasa al salto de vallas enStudio 60 y en The newsroom se convierte en un verda-dero concurso de triple salto (el presentador es un exfis cal, declaradamente republicano, empeñado en con-vencer a los republicanos de que han perdido las esen-cias y se despeñan hacía el fondo del abismo

País: EE.UU.Intérpretes: Jeff Daniels, Emily Mortimer, JohnGallagher Jr., Alison Pill, Olivia Munn, Dev PatelDuración: 10 capítulos de 60 minutosProducción: HBOEmisión en EE.UU.: HBO (24.6.2012 - 26.8.2012)Emisión en España: CANAL+ (11.9.2012)+16 años

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fun damentalista de raíz cristiana).

Cualquier persona inteligente que se siente a ver Thenewsroom pensará en las grandes obras maestras del ci -ne de propaganda. Porque Sorkin se ha sacado la espinade la cancelación de Studio 60 para volver a un ám bitoque le apasiona (la manufactura de programas de no fic-ción) y poder predicar semanalmente sobre cuestionesde actualidad de la política estadounidense, mientrasca mufla los intensos mítines con unas tramas cu le bró -ni cas de amores cruzados en una redacción que se pare -ce poco a la de una TV. Es la manera para que eles pectador se ol vide de que el programa informativo queela boran y emi ten los protagonistas tiene tanto conteni -do editorial que podría competir con el mismísimo y suige neris noti cie ro de Hugo Chávez...

Insisto. A Sorkin lo que es de Sorkin. Nadie hasta lafe cha, en un programa de ficción, había introducidocues tiones tan contemporáneas al momento de la emi-sión: valga los ejemplos de la elección de Paul Ryan co -mo candidato republicano a la vicepresidencia o lale gislación migratoria de Arizona.

Pero, capítulo a capítulo, las fobias de Sorkin quedanal descubierto de una manera cada vez más patente. Noes de recibo la manera de ridiculizar al Tea Party (el clí-max del capítulo final es bochornoso, se les llama losTa libanes Americanos). No lo son sus diatribas contra elcris tianismo (que incluyen en el capítulo 10 una grotes -ca invención de unas palabras que se atribuyen a Jesu-cristo para arremeter contra los que defienden las raícescris tianas de Estados Unidos). Tampoco su descaradoem peño por marcar la agenda del debate ético y deonto -ló gico con unas dosis de populismo maniqueo que pro-duce vergüenza ajena, especialmente cuando se piensaque la serie se ha emitido en plena cam paña electoral,una de las más abiertas en cuanto a resultados de losúl timos años.

Buena audiencia... y críticas afiladas

Podría parecer que soy muy duro con Sorkin. No locreo. No tengo el menor reparo en señalar que es el

autor de la mejor serie dramática de la historia de la te-levisión. Tampoco para afirmar que es un grandísimodia loguista y un excelente guionista. Pero The news-room, que me alegro mucho de haber visto, merece -ami juicio- muchas de las críticas que ha recibido en Esta -dos Unidos.

Me parece lógico que muchos comentaristas, profesio-nales de los medios y espectadores se irriten con las ma-neras que gasta Sorkin en una serie que cada cincomi nutos da lecciones de periodismo, con unos aires desu perioridad moral, que causan verdadero sonrojo a al-guien que sepa de qué va esta fiesta, o mejor dicho, es -tas fiestas. Sorkin podría preguntarse quién manda enlos medios de comunicación norteamericanos, en la in-dustria del entretenimiento. Y por la presión tremendaque ejer cen sobre los medios otros lobbies de gente quea Sor kin le cae mejor. Pero no lo hace. Está demasiadoocu pado dando una clase a los espectadores sobre elbien y el mal en la manera de hacer política y periodis -mo, se gún su manera de ver las cosas.

The newsroom recupera a un Jeff Daniels que nuncaes tuvo mejor. Pero desaprovecha a una excelente EmilyMor timer, obligada a un recital histriónico demasiadolar go y reiterativo. Hay demasiados personajes ridículoso casi ridículos como los de Alison Pill, Dev Patel, SamWa terston y Jane Fonda.

Los problemas de tono de la historia, sus excesos degran dilocuencia se salvan por el tremendo talento quetie ne Sorkin para sorprenderte con secuencias admira-bles, después de otras realmente mediocres.

La música de la cabecera es del gran Thomas New-man. Y esa melodía, con tonos de grandeza épica y de-rroche altruista, es capítulo a capítulo el recordatoriode los aciertos y los errores de una serie con vocaciónpo lémica, de un producto de una llamativa elegancia enel reino sórdido, por lo general, de la HBO, de una her-mosa realización en la que brillan las dotes de un dra-maturgo brillante. Porque Sorkin empezó escribiendotea tro y sigue siendo muy teatral.

A. Fijo

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En busca de la gloria perdidaEl Rey Midas de Hollywood sigue empeñado en

de jar su huella también en televisión. Después deva rias series irregulares (Falling skies, The river)y otras claramente fallidas (Terra Nova, The Paci-fic), Spielberg intenta recuperar el tono clásicode su gran acierto televisivo (Hermanos de san-gre). Esta vez no hay campo de batalla sino ensa-yos, números musicales y la ciudad de Nueva Yorkco mo escenario central.

Smash cuenta todo lo que rodea la preparaciónde un gran musical sobre Marilyn Monroe en elBroad way actual. El conflicto central es la compe-tición de dos actrices desconocidas por llevarse elpa pel protagonista. Pero no es el único problema:los productores se ponen nerviosos porque los en-

sayos se eternizan, los guionistas dudan y en eseam biente, lógicamente, habrá cruces de senti-mientos que hacen que todo sea muy complicado.

Hay que reconocerle a Theresa Rebeck (Ley yorden, Canterbury’s law), creadora de la serie, quesa be imprimir a la producción un sello clásico muymar cado y atractivo. Desde la difuminada y lumi-nosa fotografía de M. David Mullen, a la bandaso nora de Marc Shaiman (Sister Act, Hairspray),Scott Wittman y Chris Bacon, todo recuerda a losgran des musicales de los años 50 y 60. El persona -je central de Marilyn no hace sino reforzar ese es-tilo. De esta manera, la serie se parece muy pocoa otras musicales actuales como Glee o RockefellerPla za.

Por otra parte, se nota un gran esfuerzo de losguio nistas en que la serie no sea simplemente unasu cesión de coreografías. Smash es una historiacon mas drama que números musicales. La mayoríade ellos son algo forzados y acelerados, un errortí pico de las teleseries. Aunque hay algunos con-flictos bien escritos y desarrollados como el delma trimonio de Jack y Frank, que dan peso a la his-toria. Mucho más tópico y maniqueo es el persona -je gay Pepito Grillo (Christian Borle), un clichéde masiado utilizado en las series norteamericanas.

Demasiados capítulos

La primera temporada se hace larga (15 capítu-los), ya que la serie no acaba de despegar y hay

EN SERIE /////////////////////////////

País: EE.UU.Intérpretes: Debra Messing, Jack Davenport,Katherine McPhee, Christian Borle, Megan Hilty,Anjelica Houston, Bernadette PetersDuración: Primera temporada (15 capítulos de 45minutos)Producción: Madwoman in the Attic,Dreamworks Television, Universal TelevisionEmisión en EE.UU.: NBC (6.02.2012-14.05.2012)Emisión en España: AXN White+16 años (sexo incidental)

Smash \\ Theresa Rebeck

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La serie no llega a ser redonda pero tiene gran-des momentos que han permitido la renovación deuna nueva temporada en la que aparecerán nuevasca ras como la de Jennifer Hudson (ganadora deun Oscar por Dreamgirls).

C. Sánchez

de masiadas tramas que interesan muy poco. Esuna pena que no estén más matizados y desarro-llados los personajes de Megan Hilty (la rubia ul -tra competitiva que no deja de ser una versióndes natada de Marilyn trasladada al siglo XXI), yel de Anjelica Houston (que no tiene unos diálo-gos a la altura de su demostrado talento).

Quizá por estos motivos la serie ha tenido pro-blemas de audiencia que han intentado solucionara mitad de temporada con bastantes sorpresas. Seagra dece la oportuna aparición de los personajesin terpretados por Bernadette Peters (la novia deGa llito en la versión de Annie de John Houston,que aquí está soberbia interpretando a la madrede una de las protagonistas), y Uma Thurman(que cumple con un papel de lo más desagradeci -do: la estrella con nombre pero sin talento). Tam-bién rompen con la rutina de la serie algunosnú meros musicales diferentes (un divertido home-naje a Bollywood o el espontáneo dueto en plenaca lle de Broadway de las dos protagonistas) y can-ciones originales de corte muy actual como Run oTouch, interpretadas por Katherine McPhee, unade esas cantantes descubiertas en el mítico pro-grama de televisión American Idol.

Así se hizo <<<<<<<<<<<<<<Alfonso Méndiz

RAIN MAN (1988)// Barry Levinson

PARTE V: DUELO INTERPRETATIVOTerminada esta fase de la producción, el equipo se trasla -

dó a Oklahoma para filmar durante quince días diversas esce -nas en localizaciones dispersas: Cogar, Hinton, Gu thrie y ElRe no. Después se dirigieron a Las Vegas para ro dar las se-cuencias de juego en el casino; durante tres semanas, elequi po se alojó gratis en el prestigioso hotel Caesar’s Palace,a cambio de la notoriedad que la cinta le iba a proporcionar.

Finalmente, la producción se dirigió a Los Angeles, dondero daron en escenarios muy diferentes: un hangar militar dela II Guerra Mundial, donde Charlie ha establecido su basede operaciones para el negocio de vehículos deportivos; lare cién restaurada mansión Wattles, que añade gran vistosi-dad a las últimas escenas del filme; la terminal de carga delpuer to de San Pedro, donde son descargados los Ferraris enla primera secuencia de la película; y otras localizacionesmás lejanas en Palm Springs y Santa Ana.

Durante todo ese tiempo, el equipo técnico fue testigo deun auténtico recital interpretativo que protagonizaron dosac tores muy diferentes.

Hoffman versus Cruise. Como es característico desu modo de trabajar, Dustin Hoffman se había involucradoto talmente en la película: había analizado hasta el más mí-nimo detalle de la trama, de cada una de las escenas, y habíapre parado su personaje durante más de un año. Fruto de esaexhaustiva investigación, había sido su decisión de matizarla discapacidad de Raymond. Y para lograr una completa ve-rosimilitud en el personaje, estudió e imitó el comporta-miento, la apariencia y hasta el modo de caminar de unautista real que llegó a ser gran amigo suyo. Su impecablein terpretación resultó maravillosa, adoptando un tono com-pletamente realista y sin afectación alguna; nunca hasta en-tonces se había hecho nada parecido.

Fue justamente esa brillantísima actuación la que impidióapre ciar adecuadamente la gran tarea que realiza Tom Crui -se en el papel de Charlie. Impaciente por convertirse en unac tor serio y con estrella, había aceptado ese arriesgado pa -pel, atreviéndose a parecer antipático en un principio y ha-ciendo que la transformación de su personaje resultaracom pletamente creíble. Gracias a su trabajo, el personaje deChar lie es el centro de la película, tanto en el hilo argumen-tal como en su relación con los demás personajes.

La producción, que había estado a punto de perecer ensu errática preparación, encontró en Barry Levinson el em-

puje que necesitaba. Este director, que interpretó tambiénun brevísimo papel, no reconocido en los créditos, como psi-cólogo afectado y pomposo, hizo del guión una historia fas-cinante y singular, y toda una parábola del amor fraternalen tre dos seres totalmente opuestos. Una historia de amistadco mo la de Quijote y Sancho: forjada a lo largo de un viajein terminable, construida sobre un creciente afecto de amory respeto, y manifestada en la paulatina transformación deun personaje en otro. En uno y otro caso (Rain man y ElQuijote), más que la trama en sí lo que interesa es la evolu-ción de los personajes.

Antes de que llegara Levinson, otra persona había man-tenido el proyecto en pie. Todos los que intervinieron en lape lícula reconocieron después que fue la tenacidad y el em-peño de Hoffman la verdadera causa de que la producciónlle gase hasta buen fin. Este veterano actor, que había recha -za do el papel protagonista de Huida a medianoche (1988)por impulsar este proyecto, se vio al borde de la desespera-ción en no pocos momentos. Durante los ensayos, él y TomCrui se intercambiaban sus papeles para pulir algunos aspec -tos confusos de sus personajes o resolver algunas aristas delas escenas más conflictivas. Al fin, la película salió a flote:Hoff man comenzó a sentirse como un verdadero autista, ein cluso llegó a improvisar nuevas escenas y reacciones nopre vistas en el guión. Supo entonces que había logrado unain terpretación memorable; y cuando la Academia le concedióel Oscar, vio definitivamente recompensados todos sus pa-decimientos anteriores.

Quizás por eso, al recoger la estatuilla dorada se acordóca si exclusivamente del mundo agobiante en el que quisosu mergirse durante casi dos años: “Quiero dar las gracias ato das las personas que me han ayudado a indagar en el pro-blema de los autistas, incluidos los familiares y médicos delos enfermos... Es un placer estar aquí por tan buen trabajo”.Co mo afirmó años después, el papel de Raymond en Rainman (1988) y el de Ratso Rizzo en Cowboy de medianoche(1969) son las dos interpretaciones por las que le gustaríaser recordado en el futuro.

La película, con ocho nominaciones, fue la gran triunfa-dora en los Oscar: se llevó el de mejor pelí cu la, mejor directorpa ra Levinson, mejor actor para Hoffman y mejor guiónori ginal para Ronald Bass y Barry Mo rrow.

La cinta ganó el Oscar a la mejor película,mejor director para Levinson, mejor actorpara Hoffman y mejor guión original

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LIBROS DEL MESCINE Y POSMODERNIDAD /Juan OrellanaEvery ViewMadrid, 2012129 páginas7 €.

El crítico y profesor de Narrativa audiovisual Juan Orellanaprosigue con sus estudios sobre los aspectos fun damentalesde la posmodernidad, tal y como se presentan en el cine con-temporáneo. La mirada de Orellana es profunda y sus consi-deraciones sugerentes y pegadas a la realidad, con unconocimiento de la condición humana y del lenguaje cinema-tográfico que llaman la atención del lector. Un libro bien es-crito, ameno y riguroso, con estructura y visión de conjunto.

Conozco y aprecio el trabajo de Orellana desde hace años.Su cercanía con la actualidad cinematográfica es grande, lapropia de un crítico profesional y de un estudioso. Si no tie-nes contexto, es muy difícil es cribir un texto tan certero.

El libro conecta perfectamente con el discurso de los pre -cedentes, Pasión de los fuertes. La mirada antropológica de10 maestros del cine (2005), Como en un espejo. Dra ma hu-mano y sentido religioso en el cine contemporá neo (2008) yCeluloide posmoderno. Narcisismo y autenti ci dad en el cine ac-tual (2011).

Dice Orellana, que ya se ha convertido en un autor ine vi -ta ble, que “el cine contemporáneo, como un rico ca lei dos co -pio, nos ofrece muchas imágenes fragmentarias del hombrepos moderno. Tanto de su desintegración en la nada, como desu deseo originario de romper ese cír culo vicioso y buscar unpun to de fuga con el que po der salir de esa instinti vidad so-lipsista y asfixiante”. De ahí, que el subtítulo del li bro muestrelas dos fases de su investigación, pegada a los estrenos másre cientes: las patologías del vínculo y su sanación.

Las glosas orientadas de películas como Verbo, El árbol dela vida, Babel, Crash, La ola, Young adult, La red social, Kat-mandú, La chispa de la vida, Margin call, Los des cendientes,Profesor Lahzar, El niño de la bicicleta y Otra tierra son unaverdadera delicia, como todo el libro, que, para colmo, notiene relleno y respeta tu tiempo: la concisión suele ser eladorno de la sabiduría.

El siempre admirable Joubert dejo escrito y sin publi car(gracias sean dadas a Chateaubriand) que “no basta el gustopara apreciar bien las obras de arte; es necesario el juicio, yun juicio ejercitado”. Un libro excelente, encuadrado en unacolección de en sayo (“Desde la universidad”) que me pareceejemplar, también por su estrategia de precios asequibles.

A. Fijo

LOS INADAPTADOS DETIM BURTON /Javier FigueroEdiciones EncuentroMadrid, 2012295 páginas25 €.

No está en su mejor momento, pero aún así TimBur ton sigue siendo uno de los directores real-mente originales del cine actual. Batman, EduardoMa nostijeras, Big Fish, Ed Wood... todas estas pelí -cu las tienen un hilo conductor: el outsider o ina -dap tado, alter ego del director que de pequeñoso ñaba con ser Godzilla para acabar con el mundo.

Javier Figuero, periodista, doctor en Comunica -ción y guionista de televisión, aporta muchas lucesso bre cómo “el tipo raro de la clase” se convierteen algo más que un director de culto para un redu -ci do sector de la población. Y es que desde que en1989 Burton rodase el primer Batman, todas suspe lículas (con excepción de su último filme, Som-bras tenebrosas), han ganado dinero retratandoper sonajes marginales en ambientes hostiles.

Como explica Burton: “Crecí en una urbaniza-ción, y sigo sin comprender algunas cosas. Hayuna especie de ambigüedad, un vacío, y eso es algocon mucha fuerza en mi familia. Los cuadros delas paredes, nunca entendí que les gustarán”.

Figuero apunta con frecuencia a estos datos au-tobiográficos que explican el mundo burtoniano.Por medio de fábulas y metáforas, Burton destacapor esa curiosa combinación de crueldad y ternuraque desprenden sus personajes. Si Spielberg hu-manizó los alienígenas en E.T., el director de Lanovia cadáver acaba con el aburrido concepto demons truo maniqueo, de una sola cara. Por el con-trario, sus héroes deformes y malditos son comple -jos, entrañables y diferentes. Con ellos se entiendeesa percepción del inadaptado so cial que no com-prende el surrealista mundo que le rodea.

El libro es muy ameno al analizar cada una delas películas desde este enfoque, ayudándose dediá logos emblemáticos de su filmografía. Teniendoen cuenta la numerosa bibliografía que hay sobreTim Burton, se agradece que el escritor se centreen un aspecto tan concreto y esencial, aportandobas tante luz sobre la forma de entender el cine dees te despeinado y genuino director.

C. Sánchez