GONZÁLEZ, L. 2011: La modernidad en el Museo: escultura de Aristide Petrilli

Ventura Rodríguez, 1728008 Madrid

LA MODERNIDADEN EL MUSEO: ESCULTURA DE

ARISTIDE PETRILLIDías 5, 12, 19 y 26 de Febrero a las 12:30

por Lourdes González Hidalgo

PIEZA DEL MESFEBRERO 2011

El marqués de Cerralbo comenzó su gran coleccióndurante su infancia y ya entonces ahorraba su paga semanalpara comprar monedas antiguas. Con el tiempo se convirtióen el coleccionista del que “se sabía que era un rebuscador dejoyas artísticas, que pagaba siempre a buen precio y que losartistas hallaban siempre en él un decidido protector” (1). En1872 hereda de su abuelo su fortuna y su marquesado, lo quele permitió, a partir de 1876 (2), dedicarse plenamente alcoleccionismo, su pasión.

El grueso de su colección se reunió entre 1875 y 1885,y el testamento que otorgó el Marqués el 26 de junio del año1878 ya menciona la gran colección de objetos que guardabaen su palacio y que legaba, en caso de su fallecimiento, a su

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Texto: Loudes González HidalgoCoordinación: Cecilia Casas DesantesMaquetación: Gráficas Pedraza © Museo Cerralbo, 2010N.I.P.O. 551-11-001-7

L A M O D E R N I D A D E N E L M U S E O :ESCULTURA DE ARISTIDE PETRILLI

INTRODUCCIÓN

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mujer (3). Hacia 1893 traslada las colecciones desde su casa dela calle Pizarro nº 19 a su nueva residencia construida en lacalle Ventura Rodríguez, Nº 2 (actual 17), donde hoy puedenser admiradas. Es aquí donde hacia el año 1910 incorporóprobablemente una nueva escultura a su colección, un bustofemenino realizado por Aristide Petrilli, escultor modernista.

EL MODERNISMO O ESTILO NUEVO

La escultura de dama realizada por Aristide Petrillicorresponde a un periodo de transición entre siglos y a uncambio estético y de mentalidad que se refleja en las artes engeneral, y que generó un arte nuevo, burgués y de alto precio.Este arte se impuso contra el periodo denominado historicista,el cual pretendía la recuperación de los estilos del pasadoincorporándole algunas características culturales del momentoy que se dieron a conocer por Europa como “neoestilos”. Entreestos podemos destacar diversas corrientes como laneobizantina, neobarroca, neomudéjar, de gran importanciaen España, o neogótica, que destacó especialmente enInglaterra.

Si bien para conocer las raíces del estilo modernista hayque remontarse a las décadas de 1870, 1880 y 1890 enInglaterra, y a la figura de William Morris, un importanteprecedente lo encontramos en William Blake (1757- 1827),poeta, pintor, grabador y místico inglés que impulsó el grupodenominado los prerrafaelistas en torno a la HermandadPoética, formulando una protesta moral e intelectual contra lafrivolidad y la opresión académica. Su fin era recuperar un artemás espontáneo y amante de la naturaleza, cuyo culmen creíanver en Rafael, por lo que sus obras hacían gala de un minucioso

realismo. También favoreció el renacimiento gótico, eintrodujo lo artístico en la producción en masa, expandiéndoseasí sus ideales hacia todas las ramas del arte.

Por su parte William Morris (1834-1896), artesano,impresor, diseñador, escritor, poeta, y activista político quedefendió el papel de la artesanía, y propulsó el movimientoArts & Crafts, nacido como reacción contra laindustrialización y la tecnología dominantes durante las dosúltimas décadas del siglo XIX y la primera del siglo XX. Morrisreivindicó la primacía del ser humano sobre la máquina, conla filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio delhombre: potenciando la creatividad y el arte frente a laproducción en serie. Sin duda, la situación social imperanteen Inglaterra daba pie a aquellas ideas utópicas que podemosresumir en democratizar la belleza o socializar el arte, aunquesin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva impuestastras la revolución industrial.

Morris intentó hacer realidad ese modelo ideológico queevocaba una Edad Media idealizada, como el arquitectoRuskin, que también defendió la salvación de las formastradicionales heredadas de estilos pasados e intentó solucionarlos problemas sociales derivados de la nueva situación. Paraello Morris fundó talleres, aprendió las diversas técnicasartesanales, y creó objetos exquisitos accesibles a las clases máspudientes, a pesar de su afirmación, reflejo de un idearioromántico: "No quiero el Arte para unos pocos". Esta paradojase debía a que la artesanía no podía competir con los sistemasde producción industrial, mucho más económicos.

Como estamos viendo, los artistas modernistas son“artistas integrales", pues no sólo diseñan edificios, sino sudecoración de interiores, los muebles y otros enseres de uso

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diario; por ello son también diseñadores. Consecuentementeel modernismo se dio en arquitectura, pintura, escultura y enlas artes decorativas (muebles, herrajes, lámparas, joyas,carteles, etc.).

Las características que en general permiten reconocer elmodernismo decorativo son en primer lugar la inspiración enla naturaleza, con profusión de elementos de origen vegetalesentrelazándose con el motivo central; así como el uso de lalínea curva y la asimetría, tanto en las plantas y alzados de losedificios como en la decoración. Son también importantescaracterísticas la estilización de los motivos, más frecuente quela representación realista; el uso libre de motivos exóticos, seanéstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas,como la japonesa; y una fuerte tendencia al uso de imágenesfemeninas, que se muestran en actitudes delicadas y gráciles,con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellosy los pliegues de las vestimentas. Son las Musas del ArtNouveau que padecían el “mal du siécle”: la melancolía. Eranmujeres sofisticadas, y eran presentadas con dramáticasensualidad, posando en éxtasis con los párpados entornados.La mujer era el icono de evolución social, asociada a los ritosde fertilidad y se la representaba estilizada, de hombrosestrechos, con una actitud que frecuentemente tenía un guiñohacia lo erótico.

Estas características estilísticas se pueden observar en elmobiliario, en la arquitectura, en la escultura, en los afiches opósters promocionales, e incluso en los mismos objetos de usocotidiano, en los que el elemento destacado de tipo orgánicoenvuelve o se une con el objeto que decora. Por todo ello elestilo modernista crea una estética nueva inspirada en lanaturaleza a la vez que se incorporan novedades heredadas dela revolución industrial. Sus denominaciones fueron distintas

en cada país, por ejemplo en España e Hispanoamérica seconoció como Modernismo, en Bélgica y en Francia ArtNouveau, en Alemania y Países Nórdicos Jugendstil, en AustriaSezessionstil, y en Inglaterra Modern Style. En Italia, dondenació Aristide Petrilli, autor del busto, se conoció comoFloreale y en Estados Unidos Stile Liberty, en referencia a latienda de Arthur Liberty creada en 1875 en Londres.

La exitosa Gran Exposición Universal de París del año1900 (celebrada entre el 12 de abril al 12 de noviembre) fueun hito importante porque es a partir de entonces cuando elestilo empezó a conocerse mundialmente como Art Nouveau,tomado del nombre de una tienda de muebles y ArtesDecorativas abierta en París en 1890 por Samuel Bing. Hastaese momento el contacto entre arte y técnica había sidosuperficial, pero con el Art Nouveau existe un intento claro derevertir la situación reconciliando ambos. La tensión entre artey técnica se resolvió finalmente gracias a un nuevo desarrollo

Entrada a la Exposición Universal de Paris de 1900.

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de las técnicas constructivas, el empleo masivo de materiales ya las nuevas facilidades de reproducir objetos en serie conresultados de alta calidad. Después del primer cuarto del sigloXX el estilo comenzó a abandonarse por ser muy decorativo ycaro de producir y dejó paso a otro estilo con trazos mássimples y rectos, propios del diseño industrial, y una estéticamás austera, acorde con la sensibilidad del periodo deEntreguerras: el Art Decó.

ARISTIDE PETRILLI, ESCULTOR EN LA FLORENCIA DELCAMBIO DE SIGLO

En este ambiente histórico artístico de cambio ybúsqueda de nuevos modelos, al mismo tiempo, impregnadodel pasado, nace en Tívoli en 1868 Aristide Petrilli. Su periodode formación se inicia en la ciudad de Florencia, ciudad deglorioso pasado histórico, cultural y artístico que marcaría sutrayectoria. Con dieciocho años entra a estudiar en el Institutode Arte, y a partir de 1890 se prepara en la Academia de BellasArtes de la mano del profesor Augusto Rivalta. Durante esteperíodo coincide con el también escultor Vittorio Caradossi(1861- defunción desconocida). Ambos exponen en laExposición Universal de París del año 1900, Caradossi conuna estatua del pintor renacentista Desiderio da Settignano, yPetrilli con Juana de Arco, y ambos coinciden con la temáticamás representativa del arte y la escultura del momento: figurasfemeninas desnudas de estilo etéreo y vaporoso (4).

En 1898, con treinta años, es nombrado académicohonorario por su reconocido talento y es entonces cuando seasocia con la Galería Raffaello Romanelli. Nos consta que tuvoun estudio en la Via dei Serragli de Florencia, cerca del río y elPuente Viejo, colaboró en la revista italiana de Artes Decorativas

e Industriales (dirigida por Camillo Boito), sin olvidar quefigura en las listas de miembro de la Junta Superior de ArtesDecorativas de Florencia. Respecto a su técnica escultóricadestacamos dos claves cruciales, en primer lugar el uso dediferentes tipos de piedras duras para acentuar los contrastes y,por otra parte, la repetición de una temática clásica e históricaque recuerda a la escultura romana, concretamente inspiradaen la Dinastía Antonina (1ª mitad del siglo II d.C.).

En efecto, en la escultura retratística de época de Adriano(117-138 d.C.) empiezan a verse rasgos marcadamentehelenísticos, como el hecho de marcar el iris en los ojos, y seaprecia la utilización del relieve hondo hecho con trépano parael cabello y la barba. El trabajo de la piedra se lleva a cabo con

Escultura Estrella Fugaz de Vittorio Caradossi.

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instrumentos punzantes con los que se incide en la materiadirectamente o a través de un martillo, tales como el puntero,que conduce al desbastado inicial del material; varias clases decinceles, de filo recto o bien dentado, con dientes puntiagudoso rectos, para ir conformando las superficies; el taladro, paraperforaciones profundas, o el trépano, para algunos agujeros.Por otra parte, para alcanzar el acabado final se requiere lautilización de limas, escofinas y piedras para pulir, como lapiedra pómez, el esmeril y materiales abrasivos con los quefrotar, con objeto de alcanzar la textura deseada en lassuperficies. Las piedras de colores se usan para acentuar elrealismo. También en este momento crece el busto hasta elnivel del pecho, ampliándose la tipología del retrato romano.

Las técnicas del trabajo de la piedra permanecenprácticamente invariables desde la antigüedad hasta nuestrosdías, pero es indudable que el estilo romano pervive en el estilorenacentista que recupera el artista florentino Aristide Petrillia finales del siglo XIX. Otro rasgo identitario del artista es quesuele incorporar a sus obras enigmáticas frases; buen ejemplode ello es su grupo escultórico Mujer con querubines. TituladaSogno (“Sueño”) según la placa que presenta en la base, se tratade un grupo de mármol blanco de Carrara con una jovendurmiendo en un banco rodeado de querubines que lepresentan cestas de flores y una caja de joyas, cantan, e inclusole susurran al oído. El banco ostenta un friso conrepresentaciones de las musas, figuras de león en las esquinas,y máscaras en los laterales. La placa metálica reza: “SOGNO/ Gall. Prof. A. Petrilli / FIRENZE”. Además, la esculturapresenta la poética inscripción “EMPER NON SEMPER”,que se podría traducir como "pero no siempre".

De entre las obras más destacadas de Petrilli hay algunasque se asemejan a la pieza escultórica que nos ocupa tanto porsus materiales como por ser de medio busto. Podríamos citar

en primer lugar Juana de Arco, cuya participación en laExposición Universal de París ya hemos mencionado, y querepresenta a la heroína francesa mediante un busto de mujerhasta la altura de los hombros, realizado en mármol blanco deCarrara, y adornado con una cadena y medallón dorados,todo ello sobre una base de bronce. Otras obras similares seríanMaría Antonieta o Busto de dama con diadema.

También esculpió obras de cuerpo entero, entre las quepodemos citar Estrella Fugaz, que representa a una mujer,desnuda, en actitud sensual y sugerente, sobre una estrella demármol blanco de Carrara, o Napoleón, que muestra suvictoria sobre el Monte Noble con el título de "Ha llegado eldía de la gloria". Por su parte, Beatriz, figura de cuerpo entero

Busto con diadema de Aristide Petrilli.

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de mármol blanco de Carrara para la cara y las manos, y demármol jaspeado para el vestido, es un buen exponente deescultura realizada en materiales diversos, al igual que la piezadel Museo Cerralbo objeto de estudio. Está de pie, mirandohacia abajo, con las manos juntas que sostienen un libro. Estatécnica de combinar diferentes tipos de piedras duras se usóya en la antigüedad, pero también fue una de las artesdecorativas punteras del renacimiento, el denominado mosaicode piedras duras, en cuyo desarrollo precisamente la ciudad deFlorencia tuvo un papel determinante.

Podemos citar otras piezas conocidas con muy diferentetipología, como el monumento funerario de Mariano Petrillique se encuentra en el cementerio de San Miniato deFlorencia, o una placa conmemorativa de los Caduti para laAsociación Deportiva Sempre Avanti de Florencia. AdemásPetrilli también realizó otro tipo de obras decorativas comochimeneas con cenefa. En una de ellas, de forma cóncava, seesculpe un friso con una escena de querubines báquicos, todoello surmontado una cinta unida a un borde recubierto concaña. El borde interior es de hojas talladas y las jambas estándecoradas con follaje y lazos atados a trofeos emblemáticos dela Música y la Pintura.

UNA ESCULTURA DE PETRILLI EN EL SALÓN CHAFLÁN DELPALACIO CERRALBO

Actualmente, gracias al inventario realizado por JuanCabré, a la documentación fotográfica y al minucioso trabajode recuperación del equipo del museo, las salas del Cerralbo semuestran tal y como las concibió y legó el Marqués. En ladécada de los años 40, de acuerdo con los conceptosmuseológicos del momento, se alteró la ubicación original de

las piezas que decoraban el palacio. La escultura de dama setrasladó del Salón Chaflán a la entonces denominada Sala dePorcelanas (hoy Salita Imperio).

También cabe mencionar que al Marqués le gustabacrear sus propios montajes decorativos y museográficos; ennuestro caso, tenemos un documento gráfico de hacia 1930en el cual se exhibe la dama con su montaje original, queactualmente se ha recuperado, expuesta sobre un capitel convolutas, con una alcachofa o piña en madera dorada ysobrepuesto a una peana con cuatro garras de león. Retiradasestas piezas del montaje cuando la escultura se trasladó a laSalita Imperio, si bien la escultura retorna a Chaflán en el2004, la basa y el capitel se han recuperado en 2010. En elSalón Chaflán las piezas recuperan su personalidad,adaptándose perfectamente al estilo de la sala, ya que esta

Imagen del busto con las peanasoriginales, hacia 1930.

Sala de Porcelanas en septiembrede 1999.

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espejos se adornan con esculturas de putti realizadas porJuderías Caballero.

escultura modernista es un icono de mujer grácil y bella,evocadora de las damas de principios de siglo XX invitadas porla familia Cerralbo (5).

En efecto, el Salón Chaflán es un espacio cuya funciónprincipal era reunir a las visitas del marqués cuando habíarecepciones en el palacio y se bailaba en el Salón de Baile. Entresus muebles hay que destacar la sillería de estilo Regencia, lascortinas y alfombra Aubusson, los jarrones de porcelana chinay un reloj con guarnición de porcelana de Meissen. Lospintores José Soriano Fort y Máximo Juderías Caballerodecoraron el techo y las paredes con pinturas sobre lienzosadheridos al muro que representan alegorías de la Bellas Artesy episodios de la vida cotidiana en torno al palacio de SantaMaría de Huerta (Soria), propiedad de la Marquesa deCerralbo, donde el Marqués se dedicaba a la jardinería, laagricultura y la cría de caballos. Los marcos de las puertas y

Vista del Salón Chaflán del Museo Cerralbo en 2010.

Detalle del escote con collar de colgantes.

Vista lateral de la obra en la que se aprecia el brazaleteen forma de serpiente enrollada.

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La escultura del Profesor Petrilli es un busto de mujercon la cabeza girada a la izquierda y de mirada ensimismada.Peinada con el pelo recogido hacia atrás con una cinta que lorecoge en un moño abultado y con raya en medio y hacia loslados dos tirabuzones. Está adornado con un medallón circularque cae en la frente. El cuello se cubre con un gran collar dedoble cinta y varias alturas, una en la garganta y otra sobre elpecho, con colgantes de motivos naturales. Está vestida conuna túnica con escote en forma de V y grabado con rocallas.En el brazo izquierdo lleva un brazalete en relieve en forma deáspid o serpiente enrollada. La base es el lugar elegido paratallar la firma: “Prof: A Petrilli, FIRENZE”.

Los materiales usados para la pieza son varios tipos demármol: el mármol blanco de Carrara italiano para la cara, elcuello y el escote consigue un realismo natural para la dama,y el mármol rosso levanto italiano con veta color blanco ymorado para el vestido juega con ese contraste tancaracterístico de la época y de su obra. Por último la baseoctogonal es de mármol arabescato italiano en color blanco ynegro. Como hemos visto, la combinación de diferentesmaterias en una escultura pétrea tenía una larga tradición enFlorencia, y el Opifizio delle Pietre Dure florentino,manufactura artística fundada en 1588, conservó esta tradiciónno sólo hasta la época de Petrilli, sino también hasta nuestrosdías, en los que ejerce su función de institución puntera enrestauración de obras de piedras duras.

Las técnicas utilizadas para tallar una escultura en bultoredondo exenta consisten en esculpir a mano o trabajarmateriales duros, como en este caso el mármol, con un cincelpara el busto, y por otro lado, grabar o señalar los detalles conuna incisión, en este caso los estampados de la tela del vestido

en forma de rocalla, el collar del cuello suspendido en variascintas de largos distintos de donde cuelgan formas vegetales ytambién el adorno del pelo circular suspendido por cinta finaque le cae sobre la frente.

En conclusión, el artista Arístide Petrilli supo aunarperfectamente en la ejecución el estilo nuevo de su época conla tradición técnica de la escultura romana y renacentista. Ysegún las indicaciones de Pilar Calzas Cintero (6) basadas en losrecuerdos de viaje conservados en el Museo, hemos podidoconocer los viajes que realizaron el marqués de Cerralbo y sufamilia. Florencia, ciudad natal de Aristide Petrilli, fue muyvisitada por ellos, concretamente en los años 1890, 1896 y1897, pudiendo coincidir con el artista e incluso visitar sutaller. También estuvieron en París en los años 1883, 1889,1899 y 1900, este último año coincidiendo con la ExposiciónUniversal donde el artista expuso su ya mencionada Juana deArco, posiblemente conocida por la familia, y en 1901, 1902y 1903. En el año 1907 el Marqués pasa una larga temporadaen dicha ciudad francesa para escribir su discurso de entrada enla Academia de la Historia, pero además en esta época compravarios objetos que envió a través de los transportistas Hijos deIglesias a Madrid. Posteriormente, en el intervalo comprendidoentre el año 1908 y 1912 viajó a París en repetidas ocasiones.

Pegatinas turísticas conservadas por la familia Cerralbo tras sus numerosos viajes.

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Antonio Zozaya, “El legado del prócer”, en La Libertad, 29 denoviembre, 1922.

Vid. GRANADOS ORTEGA, M. A.: “Mecenazgo en una casa-museode coleccionista: El Museo Cerralbo”, en el que se alude a laLiquidación y partición de los bienes relictos por defunción del Excmo.Sr. Don José de Aguilera y Contreras, Marqués que fue de Cerralbo,protocolizada el 22 de julio de 1876 por el notario Vicente Reyter.Archivo Histórico de Protocolos de Madrid (A.H.P.M.), T.33941, ff.3668-3679.

Vid. GRANADOS ORTEGA, M. A.: “Mecenazgo en una casa-museode coleccionista: El Museo Cerralbo”, en el que se alude a la Escritura.Testamento abierto otorgado por el Exco. Sr. Don Enrique de Aguileray Gamboa. Marqués de Cerralbo y Almarza, Conde de Villalobos,natural de la villa y Corte de Madrid y vecino de la misma, el 26 dejunio de 1878. Notaria de Don Celedonio Miguel Gómez, Rúa 38,Salamanca, nª 317, copia, clúsulas décimas y undécima. ArchivoHistórico del Museo Cerralbo (A.H.M.C.) Carpeta “Testamentos delMarqués de Cerralbo de los años 1878, 1918, 1922 y codicilio de esteúltimo testamento”

Para más información sobre el autor y las piezas que salen al mercadodel arte se puede consultar la página Web de la casa de subastasChristie`s.

Artículo de ACOSTA MARTÍN, J., VAQUERO ARQÜELLES, L.,Recuperación de ambientes originales. Campaña 2004-2005, Madrid,2005.

Comunicación personal.

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NOTAS


Podemos suponer que en alguna de estas frecuentesexcursiones a la capital francesa, centro del mercado del arte enEuropa, adquiriría la escultura de dama que el Museo Cerralboalberga y custodia para el disfrute de todos los ciudadanos.

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LOURDES GONZÁLEZ HIDALGOLA MODERNIDAD EN EL MUSEO: ESCULTURA DE ARISTIDE PETRILLI

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GLOSARIO

Arts & CraftsEl movimiento Arts and Crafts (literalmente, Artes y oficios) fue unmovimiento artístico que surgió en Inglaterra en 1880 y sedesarrolló en el Reino Unido y Estados Unidos en los últimos añosdel siglo XIX y comienzos del siglo XX. Inspirado por la obra deJohn Ruskin, alcanzó su cenit entre 1880 y 1910.

HelenismoTérmino con que se designa la civilización griega y especialmentela cultura común que se desarrolla en el Mediterráneo porinfluencia de la Grecia clásica. El proceso de helenización de lospueblos orientales y la fusión o asimilación de rasgos culturalesorientales y griegos tuvo continuidad durante el Imperio romano.

Mármol de CarraraPiedra caliza metamórfica, de grano fino y compacto por el cual sepueden obtener distintas texturas, como tersura, morbidez,aspereza. Es un material bastante perdurable y por ello fue uno delos preferidos por los grandes artistas de la Antigüedad y elRenacimiento.

PrerrafaelistaMovimiento artístico, surgido en Inglaterra a mediados del sigloXIX, que se erigió contra del academicismo de la cultura oficial yel convencionalismo victoriano. El objetivo de los pintoresprerrafaelistas era recuperar un arte más espontáneo inspirado en lanaturaleza, tomando como modelo a Rafael, de quien procede elnombre.

Relieve hondoEl relieve “estilo hondo” significa hecho a trépano o en relieve muyprofundo, que permite crear zonas con claroscuro de gran realismo,como es el caso de las pupilas, los volúmenes de la barba y los rizosdel cabello.

LOURDES GONZÁLEZ HIDALGOLA MODERNIDAD EN EL MUSEO: ESCULTURA DE ARISTIDE PETRILLI

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BIBLIOGRAFÍA

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PORTADA. Busto femenino. Nº Inv. 3641. Archivo DigitalMuseo Cerralbo. Fotógrafía Ángel Martínez Levas.CONTRAPORTADA. Detalle del busto femenino, firma delautor. Nº Inv. 3641. Archivo Digital Museo Cerralbo. FotógrafíaÁngel Martínez Levas.

Entrada a la Exposición Universal de Paris de 1900. http://es.wiki-pedia.org/wiki/Exposici%C3%B3n_Universal_de_Par%C3%ADs_(1900)

Escultura Estrella Fugaz de Vittorio Caradossi. http://kevinalfreds-trom.com/art/v/sculpture/Caradossi_Vittorio_Shooting_Stars.jpg.html

Imagen del busto hacia 1930. Archivo fotográfico Museo Cerralbo.

Busto con diadema de Aristide Petrilli. http://www.askart.com/As-kART/artists/search/Search_Repeat.aspx?searchtype=IMAGES&ar-tist=11161782

Sala de Porcelanas en septiembre de 1999. Archivo fotográficoMuseo Cerralbo.

Salón Chaflán en 2010. Archivo Digital Museo Cerralbo. Fotógra-fía Ángel Martínez Levas.

Detalle del escote, Nº Inv. 3641. Archivo Digital Museo Cerralbo.Fotógrafía Ángel Martínez Levas.

Vista del brazalete, Nº Inv. 3641. Archivo Digital Museo Cerralbo.Fotógrafía Ángel Martínez Levas.

Pegatinas turísticas. Archivo Museo Cerralbo.

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