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Guía de Lectura
1- Rasgos caracteri sticos y definitorios de una obra segu n
Tatarkiewicz:
- El rasgo distintivo del arte es que produce belleza, el pintor debe converger
todas las partes de su obra hacia una belleza única, aunque incluyendo también
lo “feo” dentro de este terreno.
- El rasgo distintivo del arte es que representa o reproduce la realidad. Aunque
esto no aplica a movimientos como el Hiperrealismo donde la imitación es
mucho más que una reliquia histórica.
- El rasgo distintivo del arte es la creacion de formas. Aristoteles afirmaba que
la forma era el unico requisito en el arte.
- El rasgo distintivo del arte es la expresion, dejando afuera a todo rasgo
racional y conceptual.
- El rasgo distintivo del arte es que produce la experiencia este tica, es decir, se
involucra al receptor y a lo que en el produce el arte.
- El rasgo distintivo del arte es que produce un choque. Este rasgo tambie n
involucra al espectador y al efecto que las obras producen en él.
Marcel Duchamp – Rueda de Bicicleta (1913)
En esta obra ready made el autor intenta mediante el uso de piezas de
productos de series industriales, crear arte negando abiertamente la categoría
de la producción individual e intenta demostrar que el arte no es más que una
actitud mental que reside en los espectadores.
Al mezclar la rueda de una bicicleta con un taburete, crea un nuevo objeto en
donde se aprecian calidades esteticas y no utilitarias, se comienzan a observar
nuevas formas y a plantearse nuevamente por qué esto sería una obra de arte,
si tan sólo por la individualidad y el valor que le otorga su representación en
una sala de exposiciones y la firma de un “artista” que decide romper con el
concepto que regía en ese entonces sobre lo bello y estético y busca llamar la
atencion del espectador y provocar en él emociones. Independientemente de
que lo que se produzca en el receptor sea negativo o positivo lo importante es
causar un “choque”.
Willem de Kooning – Mujer (1952)
En esta obra el artista busca expresar sus sentimientos a través de la pintura,
con trazos y pinceladas bastante bruscas y muy marcadas, colores enérgicos,
fusionando el arte figurativo con el abstracto. No busca mostrar la belleza
estereotipada de la mujer si no crear formas (no necesariamente estéticas) y
generar un choque en el espectador, mostrando algo ya conocido como lo es la
mujer pero transformándola a tal punto de lograr una sensación de abstracción
pero que invita al reconocimiento de formas e imágenes y a encontrar un orden
entre tanto caos fundido por pinceladas.
Leonardo Da Vinci - La Gioconda (1503)
Da Vinci en su obra renacentista resalta la belleza humana mediante la armonía
y la proporción, logra producir el sentido estético y bello que se esperaba del
arte. Busca representar la realidad mediante la perfecta anatomía y la
utilización de colores y pinceladas (técnica de esfumado) que se mimetizan con
la realidad.
2- Mímesis es el acto de imitar o representar la realidad.
Platon habla de la Metafora del Espejo, presentando su teoria de la imitacion
como el reflejo en el espejo. Nos dice que todas las imagenes representadas
delante de un espejo van a ser reflejadas. Si tomamos el espejo y lo hacemos
girar hacia todos los lados veremos el sol, lo que hay en el cielo, las plantas, los
animales, aclarando que las ima genes que produce el artista, como las
ima genes del espejo, son simples “feno menos” y no seres conformes a la
verdad ya que el espejo produce “fantasmas”.
Por otro lado, en el libro X de la República, Platón ilustra la degradación
ontológica del arte a través de tres camas que son los tres grados de realidad:
El primer grado de realidad (por encima del cual no hay ningun otro) esta
constituido por las ideas creadas por el Demiurgo.
El segundo grado de realidad corresponde a la cama sensible que fabrica el
artesano.
El tercer grado de realidad corresponde a la imitacion que hace el artista.
En cuanto a la belleza, Platón sostenia que: “si hay algo por lo que vale la pena
vivir, es por contemplar la belleza”. La idea de “belleza” para Plato n, tiene una
importancia fundamental, ya que sostiene que cuando el hombre ve la belleza
en los seres de este mundo, podra recordarla en otra vida.
El filósofo describe la “escala de la belleza” por lo que, nos remontamos de la
belleza sensible a la belleza inteligible y de e sta a la belleza en si . La belleza
sensible es solo una palida imagen, una sombra (de acuerdo al mito de la
caverna), pero a partir de ella es posible acceder a la forma esencial de lo bello.
3- En el Medioevo (S.V – S.XV), no existia aun una concepcio n del arte como se
conoce en la actualidad. El te rmino utilizado era Ars, que referia a la habilidad
de producir construcciones, mediante te cnicas artesanales, con un fin
pedagogico, ligado a la religio n y ubicados en templos, iglesias y catedrales. La
mayor parte de la poblacio n era analfabeta y la imagen se posicionaba como el
unico recurso disponible para educar al pueblo con la doctrina de Dios,
mediante las llamadas ‘biblia de los pobres’.
En el Medioevo, la visio n del universo era simbolica y alego rica. Dios se
manifestaba en la biblia y la naturaleza en forma de simbolos, su mensaje debia
ser interpretado y esa funcio n era cumplida por el arte, que era visto como una
operacion netamente productiva, con miras a un resultado y sin dejo alguno de
expresion.
El arte era anonimo. No importaba quie n haya sido el autor sino el mensaje que
la obra transmitia, el de Dios. él era el único creador, el resto se dedicaba a
interpretar sus creaciones; no se trataba de una mimesis ni de una creacion, si
no de una interpretacio n.
En cuanto a las te cnicas, conservaban los conceptos relativos a la este tica ma s
importantes de la antiguedad cla sica, pero todos fueron reformulados en torno
a la religiosidad. Poseian una estetica de la proporcion, que era equivalente a la
belleza. La proporcion y la armonia dominaba, pero regida por la jerarquia de
los personajes representados. Siempre, a mayor tamano, mayor era la
importancia de lo retratado.
Se puede distinguir dos períodos medievales:
Romantico: donde estaba la figura maxima que era el Senor Feudal y fue una
e poca oscura, donde el saber estaba encapsulado.
Gotico: donde se desarrollo la Burguesia, que fue una epoca mas bella y
aparecio el retrato, imagen que representa una observacion ma s detallada y
proxima a la realidad.
4- El Neoclasicismo surge en Francia a finales del siglo XVII, aproximadamente
en el año 1749, luego de la Revolución Francesa y la caída del régimen
monárquico. Surge como una respuesta artística a los dictados racionalistas
establecidos por la Ilustración. Es un movimiento literario y cultural que
pretendía recuperar los principios del clasicismo, oponiéndose a los excesos en
los que había caído el Barroco.
En el Neoclasicismo se defiende la existencia de una correspondencia lógica
entre forma y función (las formas responden a una función y a una espacialidad
racionalmente calculadas), la máxima sobriedad en el aspecto ornamental, el
equilibrio y la mesura: la arquitectura ya no debe responder a las ambiciosas
fantasías de los soberanos, sino a las necesidades sociales y, por tanto,
también económicas: el hospital, el hospicio, la cárcel, etc. Por su parte, la
técnica ya no debe ser inspiración, habilidad, virtuosismo del individuo, sino un
instrumento racional que la sociedad utiliza para cubrir sus propias necesidades,
y que ha de servir a esa sociedad.
La razón no es vista como una entidad abstracta, ha de regir la vida práctica y,
en consecuencia, ha de ordenar la ciudad como lugar e instrumento de la vida
social. Empieza a abrirse camino la idea de que la ciudad, al no ser ya
patrimonio del clero y de las grandes familias sino el instrumento a través del
cual la sociedad realiza y expresa su propio ideal de progreso, ha de tener una
disposición y un aspecto racionales. La técnica de los arquitectos y de los
ingenieros debe estar al servicio de la colectividad para llevar a cabo las
grandes obras públicas. Los pintores, aunque se interesan por la perfección de
lo antiguo, parecen estar ante todo preocupados por destacar la modernidad
del mismo: priman, por un lado, el retrato con el que tratan de definir a un
tiempo, la individualidad y la sociabilidad de la persona, y por otro, los cuadros
mitológicos, en los que proyectan la sensibilidad moderna a través de la
evocación de lo antiguo, así como los cuadros históricos en los que se reflejan
sus ideales civiles. Los ebanistas y los artesanos empiezan a descubrir que la
sencillez constructiva de lo antiguo se presta admirablemente a esa producción
que ya parcialmente se hace en serie y en este sentido, favorecen el proceso de
transformación de la artesanía en industria.
En el campo arquitectónico, surge el urbanismo. Se intenta que la ciudad tenga
una unidad estilística acorde con el orden social, alcanzando su máximo apogeo
con el ambicioso sueño napoleónico de transformar las estructuras espaciales,
las dimensiones, las funciones de las grandes ciudades del imperio: plazas
inmensas y calles largas y amplias flanqueadas por grandes edificios
rigurosamente neoclásicos, en su mayoría, sedes de servicios públicos.
En el arte neoclásico, es fundamental la concepción y el planeamiento de la
obra. El proyecto es el dibujo, el trazo que transforma el dato empírico en el
hecho intelectual. Se da gran importancia a la formación cultural del artista,
que no se lleva a cabo mediante el aprendizaje con un maestro sino en
academias especializadas. El primer paso en la formación del artista es copiar a
dibujo las obras antiguas: se pretende que desde el principio el artista evite
reaccionar emotivamente ante el modelo para traducir la respuesta emotiva a
términos conceptuales.
Relación entre la cosmovisión neoclásica y renacentista: en ambos periodos se
evidencia la necesidad de la razón para fundamentar el principio y el progreso
del ser humano; a través de métodos científicos que pretenden alejarse de
teorías no comprobables. Otra semejanza es la predominancia de la naturaleza
sobre lo mágico e imaginario ya que simboliza aspiración de paz y estabilidad,
en las obras se expresa un espíritu critico frente a temas como la política y la
sociedad.
5- El Romanticismo surge en un contexto de cambios en la estructura social
con el surgimiento de la nueva clase luego de la Revolución Industrial (1765),
el proletariado, además de la exaltación de los sentimientos nacionalistas y
deseos de libertad impulsados por la independencia de EEUU (1776) y la guerra
de la independencia española contra Napoleón (1808). También se puede
encontrar entre los antecedentes a la rebelión del pueblo contra abusos y
estamentos privilegiados que se llevó adelante en la Revolución Francesa
(1789), como así también la época de represión política española al mando de
Fernando VII y las oleadas revolucionarias europeas de 1820 y 1830 que
generaron una situación angustiosa ante la opresión de sistemas de gobierno
absolutistas.
El romanticismo nace en contraposición al cálculo y la armonía de las
encorsetadas normas neoclásicas, es un nuevo orden sustentado en la
exaltación vitalista y en la necesidad de explorar nuevos campos: exotismo
oriental, conflictos bélicos, análisis psicológicos, cementerios, bandidos,
costumbres populares, exaltaciones nacionalista y religiosas, pasiones
amorosas, viajes y aventuras, suicidio, locura, tempestad, etc.
Fue un movimiento eminentemente pictórico en el que se pueden distinguir los
siguientes rasgos generales:
• Diversidad frente a la uniformidad, exaltación del individuo y de las
tradiciones nacionales.
• Aspiración a la libertad individual y nacional, idea que conecta con las
revoluciones burguesas.
• Historicismo como búsqueda de las raíces nacionales en el pasado
• Entiende y siente la naturaleza desde el aspecto sensible y desde el
religioso, apoyándose en la Edad Media.
La pintura romántica rechaza el clasicismo y la tradición del renacimiento
clásico, interesándose por la pintura en la que hallaban la pureza de las formas
y la espontaneidad que le faltaba al clasicismo.
• Predominio del color sobre el dibujo y usar la luz para difuminar las figuras
y acentuar los cromatismos
• Dramatismos en las composiciones con gran preocupación por el
movimiento y la complejidad compositiva
• Técnica rápida con pinceladas sueltas y pastosas
• Aparición de temas actuales: revoluciones, guerras, desastres. Y sobre
todo la gran importancia del tema histórico y del paisaje.
Se vuelve a la idea del arte como inspiración, como estado de recogimiento y
reflexión, la renuncia al mundo pagano de los sentidos y el pensamiento de
Dios. Se piensa a reconocer que el binomio ciencia-técnica es lo que prima, al
tiempo que la burguesía inicia su rápido ascenso tras el intento de restauración
de las viejas monarquías. Y los artistas se muestran hostiles y constantemente
polémicos precisamente contra esos burgueses, los únicos capaces de hacerles
encargos.
El deseo de un arte que no sólo sea religioso, sino que pueda expresar el ethos
religioso del pueblo (ya no se hablaba de sociedad) y recuperar el fundamento
ético del trabajo humano que la industria tendía a mecanizar, lleva a la
revalorización de la arquitectura gótica que pasa a ocupar el lugar de la clásica
como modelo.
Relación entre la cosmovisión romántica y el Medio Evo: En la Edad Media, el
teocentrismo es la base de las creencias y expresiones de la época, siendo la
prioridad del hombre Dios y la religión como salvación y redención. Más delante
de desarrolla el Neoclasicismo, en el cual se promulga la visión de la realidad
desde el hombre mismo y sus capacidades cognitivas, siento autónomo de la
dependencia del dogma religioso que reprime el proceso de pensamiento y
expresión. Representa el desarrollo de la razón como componente principal de
la vivencia del hombre. Nada escapa a la razón, y a través del razonamiento se
permite el conocimiento de la propia realidad en si. Por el contrario, el
romanticismo representa la sobre posición del sentimiento y los valores
sentimentales sobre la razón, es decir, la perspectiva de como percibir la
realidad cambia, y de la razón se pasa al sentimiento, a lo puro, a lo sensible.
El nacionalismo, el anhelo de libertad, la idealización de la realidad y el
subjetivismo son los elementos que mas resaltan durante este periodo donde el
hombre es dirigido por sus sensaciones y reflexiones sentimentales acerca de
su realidad. El hombre supera su etapa puramente racional y busca refugio de
su vacío emocional, en la expresión de sus emociones y el desarrollo de su
subjetivismo
5- Worringer propone una distinción de dos grandes fases de la historia del
arte, lo clásico y lo romántico, según las áreas geográficas. De esta forma,
afirma que lo clásico es el mundo mediterráneo, en donde la relación de los
hombres con la naturaleza es clara y positiva. En cambio, romántico es el
mundo nórdico, en el que la naturaleza es una fuerza misteriosa, con frecuencia
hostil.
Impresionismo
El impresionismo es una tendencia pictórica desarrollada en el último cuarto del siglo
XIX, teniendo como foco principal a Francia, aunque no dejo de ejercer también en el
resto de Europa y del mundo. Este movimiento abrió el camino a la investigación
artística moderna. Se formo exactamente en París entre 1860 y 1870 y se presento
por primera vez al público en 1874 con una exposición de artistas independientes.
Tras esa primera exposición le siguieron las de 1877, 1878, 1880, 1881, 1882 y 1886 y
siempre suscitaron reacciones escandalizadas por parte de la crítica oficial y de la
gente de orden. Solo unos pocos críticos entendieron la importancia del movimiento
(Duranty, Duret y Emilio Zola). No existía ningún interés ideológico, ni político que
cohesionara entre sí a los jóvenes revolucionarios de este arte, no tenían un programa
concreto, sin embargo se habían puesto de acuerdo en diferentes puntos:
• Su aversión por el arte académico de los Salons oficiales.
• Su orientación realista.
• Su desinterés total por el sujeto y su preferencia por el paisaje y la naturaleza
muerta.
• El rechazo de las costumbres de atelier a la hora de colocar e iluminar los
modelos y de empezar con el dibujo al trazo para luego pasar al claroscuro y al
color.
• El trabajo en plen-air, el estudio de las sombras coloreadas y de las relaciones
entre colores complementarios.
Principales características estéticas
Siguiendo la temática naturalista, los impresionistas comenzaron por realizar pinturas
de paisajes de la naturaleza. Realizaban sus obras al aire libre, y existía una especie
de preferencia por los escenarios exteriores y la naturaleza muerta (aunque algunos
pintores como Degas, o Renoir se diferenciaron por pintar interiores). La necesidad de
salir a observar directamente los paisajes, se debía al estudio que hacían de la luz.
Salían al encuentro de la misma, observando detalladamente como influía tanto en la
vegetación, como en el agua, nieve o hielo, y trataban de reproducir en forma real y
rápida su impresión luminosa y la transparencia de la atmósfera. En cuanto a las
figuras, tienden a desaparecer, o aparecen pero sin tener la importancia con la que
solían pintarse en las obras y en su mayoría rodeadas de paisaje.
Desaparece el detalle, esto se da debido a la necesidad de captar en forma inmediata
la impresión luminosa del momento. Como consecuencia, no utilizan el contorno, y si
utilizan rápidas y largas pinceladas. Un invento de la época que permitió la salida al
aire libre por parte de los pintores fue el pomo de pintura, que evitaba que se sequen
con el sol mientras que el artista permanecía en contacto con la naturaleza.
En cuanto al color, no realizaban mezclas en la paleta, sino que iban aplicando los
colores plenos separadamente para tratar de obtener el tono adecuando por
combinación óptica. De esta forma aplicaban colores saturados, generando contraste
de cálidos y fríos. Una característica fundamental en cuanto a color, es que dejan de
oscurecer o hacer sombras con el negro, debido a que afirmaban que las sombras no
eran de dicho color, sino coloreadas. Lo mismo pasaba con las luces que pasaron de
ser claras a ser cálidas.
El impresionismo también se vio fuertemente influenciado por la estampa japonesa, la
cual se caracterizaba por pintar hechos cotidianos, utilizar colores plenos, presidir de
la perspectiva y sobre todo la síntesis.
Figuras principales del movimiento
Monet, Renoir, Degas, Cézanne, PIsarro, Sisley
Manet no formaba parte del grupo, aunque era considerado precursor del mismo
Monet, Renoir, Sisley y Pizarro realizan un estudio directo, experimental, de la
realidad: dedicándose preferentemente a las orillas del Sena, se proponen reproducir
de la forma más inmediata posible, con técnica rápida y sin retoques, la impresión
luminosa y la transparencia de la atmosfera y del agua con puras notas de color, al
margen de cualquier graduación de claroscuro y evitando utilizar el negro para
oscurecer los colores en sombra. En cambio, Cezanne y Degas en cambio, consideran
el estudio histórico tan importante como el de la naturaleza.
La Fotografía
La aparición de la cámara fotográfica marcó al movimiento. Dispuso una fuerte
competencia entre la realidad captada por la cámara y la que observaba el pintor.
Algunos efectos de esta aparición se pueden observar en obras que poseen un corte o
marco fotográfico. Obligó a la pintura a realizarse más en sí misma, los artistas
comenzaron a investigar y buscar nuevos argumentos para justificar su arte.
Con la difusión de la fotografía, muchas prestaciones sociales pasan del pintor al
fotógrafo. La crisis afecta, sobre todo a los pintores de oficio y va a elevar la pintura
como arte, al nivel de una actividad de Élite. Si la obra de arte se convierte para un
determinado y limitado público ha de tener un alcance social limitado, un determinado
“Target”. Aunque también la fotografía contribuyo a aumentar el interés de los pintores
por el espectáculo social.
Otro aspecto importante de la relación de la fotografía con el impresionismo es el
enorme crecimiento del patrimonio de imágenes: La fotografía hace ver gran cantidad
de cosas que escapan no solo a la percepción, sino a la atención visual. El movimiento
estrechamente ligado a la divulgación social de la fotografía, tiende a competir con ella
tanto en el acierto de la reproducción como en su instantaneidad o en la ventaja del
color.
Neoimpresionismo
Neo-impresionismo es una palabra creada por el crítico de arte francés Félix Fénéon
en 1887 para caracterizar el movimiento artístico de fines del siglo XIX liderado por
Georges Seurat, Paul Signac, Maximilien Luce entre otros. Esta Sociedad se creó con
el propósito declarado de ir más allá del impresionismo en el sentido de dar un
fundamento científico al proceso visual y operativo de la pintura. A está tendencia se
opusieron Monet y Renoir en nombre de las instancias originarias del Impresionismo.
Esto trajo la consecuencia en la división del impresionismo: uno denominado
Romántico y un impresionismo denominado Científico.
Características estéticas
Los neoimpresionistas instauraron la técnica de puntillismo, que consistía en la
descomposición del color en pequeños fragmentos del color limpio y puro. Es decir,
muchas manchas de colores puros combinados entre sí para recomponer, en el ojo
del que observa, la unidad del tono (luz-color) sin las inevitables impurezas del
empaste, que apaga y confunde los colores entre sí.
Aspectos fundamentales
• El análisis de la visión se lleva a cabo en el procedimiento técnico.
• Descomponiendo la sensación visual, se reconoce que no se trata de una
simple impresión, sino que tiene una estructura y que se desarrolla a través de
un proceso.
• El cuadro tiene que ser construido con la materia-color y ésta debe tener un
carácter funcional, como los elementos móviles de una arquitectura.
• El cuadro no es considerado como una pantalla sobre la que se proyecta la
imagen, sino como un campo de fuerzas interactivas que constituyen o
conforman la imagen.
Postimpresionismo
Artistas más Relevantes: Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh
Paul Cezanne
No aspiraba a crear obras maestras, y su esfuerzo cotidiano estaba compensado por
el descubrimiento de pequeñas verdades que demostraban lo acertado de su
búsqueda. Concibió la pintura como una investigación pura y desinteresada, similar a
la de un científico o a la de un filósofo. Se formó sin maestros, tratando de averiguar,
dibujando y pintando el núcleo expresivo, la estructura profunda de los pintores del
pasado, sobre todo italianos, españoles y también los modernos. Era un obstinado
ligado a un romanticismo anacrónico pero exasperado. No aceptaba la pintura
puramente visual de sus compañeros impresionistas, sino que él quería ser un poeta.
Pero su problema era que quería hacer esa literatura como pintor y no traduciendo el
tema en figuras, sino que construyendo la imagen con los pesados materiales de la
pintura. Nada en su pintura es invención, todo es fruto de una búsqueda. Por otro lado
Cezzane comprendió que del Impresionismo podía y debía nacer un nuevo
Clasicismo, ya no fundado en la imitación de los antiguos sino una nueva imagen del
mundo y que no debía buscarse en la realidad exterior, sino en la conciencia.
La pintura no era literatura figurada, ni una técnica capaz de mostrar la sensación
visual: era una FORMA insustituible de investigar en las estructuras profundas del ser.
Llevando esa sensación visual hasta el nivel de conciencia, Cezanne amplió
extraordinariamente el horizonte de la primera búsqueda de los impresionistas y llevó
a cabo lo que podríamos llamar un impresionismo INTEGRAL.
Cezanne mediante una carta describe que era preciso tratar a la naturaleza desde el
punto de vista del cilindro, de la esfera, del cono, todo ello puesto en perspectiva,
(además de construir masas y volúmenes mediante el color). Llegó a establecer la
relación que existe entre dos objetos inviduales y el conjunto de la realidad, que las
formas geométricas no son el espacio, sino modos que el hombre ha pensado el
espacio, que estructuran la pintura y le dan profundidad. La aspiración de Cezanne es
reencontrar la historia de la naturaleza, la experiencia meditada del pasado en la
flagrancia de la sensación. El pintor, no representa la realidad como es, ni como la
vemos bajo el variado estimulo de los sentimientos, sino la realidad en la conciencia o
el equilibrio absoluto que finalmente se alcanza entre la totalidad del yo, entre la
infinita variedad de las semblanzas y la unidad formal del espacio-conciencia.
Para él la profundidad es una y continúa y no una perspectiva delante de la cual el
artista se coloca para contemplarla quedando fuera de ella.
En Cezanne no hay ruptura entre la realidad interna y la externa: la conciencia está en
el mundo, y el mundo, en la conciencia, el yo no conquista el mundo y no es
conquistado por él. No se trata solo de equilibrio paralelo, sino de identidad.
Paul Gauguin
Es un artista que se coloca contra la sociedad de su tiempo y se evade de ella para
encontrar en una naturaleza y en gentes no estropeadas por el progreso la condición
de autenticidad y de ingenuidad primitivas, casi mitológicas, en las que todavía puede
abrirse la poesía, que el clima de Europa mata. Este es su tema central de su poética
e incluso el de su propuesta política cultural.
No busca algo distinto, sino la realidad profunda de su propio ser. No explora el mundo
en busca de sensaciones nuevas, sino que se explora a sí mismo para descubrir los
orígenes, los motivos remotos de sus propias sensaciones. En las pinturas de Gauguin
no hay relieve ni profundidad, pero tampoco son planas y no están resueltas
únicamente en su superficie. Su profundidad no es de espacio, es de tiempo. Es un
tiempo remoto y profundo en el que la imagen del presente se ralentiza y dilata. Para
Gaudin las imágenes que la mente forma en presencia de las cosas no son distintas
de las que proceden de la profundidad de la memoria. Él defiende que ha de pintarse
de memoria, y no directamente. Se separa del Impresionismo porque confía en que la
sensación visual directa es únicamente un caso de la imaginación. Y la imaginación no
está situada más allá de la conciencia, sino que la implica. Trata de extender el área
de la conciencia más allá que el intelecto. Igualmente Gaugin no rechaza los
resultados de la búsqueda impresionista en el campo de la percepción, él expresa un
pensamiento, transforma la estructura impresionista del cuadro en una estructura de
comunicación. Construye el sistema de signos que nos proporciona para su
percepción según las estructuras de percepción definidas por los impresionistas. No
contrapone como poética la imaginación frente a la sensación visual. En su
pensamiento, la imaginación no está en contra de la conciencia de la realidad, sino
que es una extensión de la conciencia, y por ellos también comprende el pasado, la
vida vivida. Igualmente, comprende pero no busca las razones lógicas, sino que busca
los motivos profundos del ser presente, si la claridad de la historia es la causa, sí la
vaguedad del mito es el motivo.
Cuando le parece que en la ciudad no hay posibilidades de creación se traslada a
pueblos alejados hasta llegar a Haití, donde comienza a trabajar lo exótico, de
trasladarse a otros pueblos y pintar otra realidad diferente a la europea.
Vincent Van Gogh
Van Gogh se pregunta angustiado el sentido de la existencia, de su propio ser en el
mundo. Se coloca del lado de los desheredados, los trabajadores, los campesinos a
los que la industria no solo le quita su tierra y comida, sino también el sentimiento de
la eticidad y de la religiosidad del trabajo. Es un pintor por desesperación no por
vocación.
Para ese pintor el arte no es un instrumento, sino que es un agente de la
transformación de la sociedad, y de la experiencia del hombre en el mundo. El arte
debe insertarse en el conjunto de las actividades como una fuerza activa, debe ser un
refulgente descubrimiento de la verdad frente a la creciente tendencia a la alienación y
a la mistificación. Cada Signo de Van Gogh es un gesto con el que aborda la realidad
para captar y apropiarse de su contenido esencial, la vida. Esa vida que la sociedad
burguesa, con su trabajo alienante extingue al hombre.
Van Gogh propone una búsqueda ética, su propia búsqueda, su propio romanticismo a
ultranza. Para él la realidad se aborda viviendo dentro de ella, sintiéndola como un
límite que le hace sufrir y del que no puede liberarse sino apropiándose de ella.
Pretende una pintura verdadera hasta el absurdo, dotada de expresión. Es una
realidad que no juzga ni comenta, puede únicamente padecerla pasivamente o bien
apropiarse de ella, re-hacerla con la materia y los actos propios del oficio del pintor, de
su existencia; la construye, la modela con el color, con el brochaso.
Van gogh aprendió todo de los impresionistas en cuanto a la influencia reciproca entre
los colores.
Los cuadros son trágicos, y para él lo trágico es ver la realidad y verse en la realidad
con evidencia.
Es trágico reconocer nuestro limite, en el límite de las cosas y no poderse librar.
Frente a la realidad es trágico no poder contemplarla. Luchar para impedir que la
existencia se imponga y destruya la nuestra.
Guía de Lectura
1- Consecuencias de la industrialización:
• El desplazamiento del hombre por la maquina, ya que esta realiza la labor en
menos tiempo y a menor costo.
• Abaratamiento de los costos de producción y de transporte.
• Creación de empresas de gran envergadura. Las nuevas técnicas industriales,
a diferencia de las antiguas, necesitaron la creación de las empresas de gran
envergadura y la concentración de la población en extensas aglomeraciones
urbanas.
• La aparición, por consiguiente, de grandes centros fabriles con sus áreas
espaciosas y conglomerado de maquinas y aglutinamiento de obreros. En este
sentido, las grandes metrópolis se convirtieron en lugar de cita de la sociedad
industrial. Así, por ejemplo Berlín, Viena, San Petersburgo, Nueva York,
Chicago y Filadelfia se convirtieron en centros de intensos desarrollo industrial,
comercial y empresarial.
• La construcción y exportación de maquinarias de los países más
industrializados hacia aquellos que buscan incrementar su desarrollo.
Inglaterra, Francia , Alemania y Estados Unidos se convierten en exportadores
principales.
• Nacimiento del proletariado industrial que se enfrenta al capitalismo
empresarial, marcando con ello, el comienzo de las luchas sociales.
• La aparición del neomercantilismo, que se impuso con notable rapidez, primero
en Alemania y Francia, luego en Rusia y en los Estados Unidos y, por ultimo en
Inglaterra. Fue necesario que cada país industrial desarrolle su imperio colonial
que dependiese solo de si mismo y formase una extensa y compleja unidad
comercial autosuficiente, protegido, si fuera necesario, por barreras aduaneras
contra la competencia exterior. En ese sentido la metrópoli, proporcionaría
bienes manufacturados a cambio de los productos alimenticios y de las
materias primas. Este neomercantilismo dio paso al Neo-colonialismo, basado
en el imperialismo capitalista, cuya acción se ejerce a través de las grandes
empresas transnacionales que mantienen enclaves en los países menos
desarrollados de donde extraen sus recursos y materia prima que, después de
ser transformados en productos manufacturados e industrializados, son
vendidos , por lo general, al mismo país de donde provino la materia prima a
costos más elevados.
• Gran parte de la población vivía en condiciones inhumanas.
• Contaminación del medio ambiente.
• Existencia de productos deformes o minusválidos.
• Contraste de riqueza en las clases representativas.
• Decrecimiento de la cualidad de los productos en relación a los anteriores
acabados artesanales o manufactureros.
• Imitación del diseño artístico artesanal.
• Utilización de materiales de menor calidad.
2- Ruskin fue un enemigo declarado de la producción mecánica. Fue un teórico del
arte, filósofo, reformador social y escritor. Sostenía un estado aristocrático organizado
con cierto rigor. Tuvo gran influencia sobre los intelectuales de su época y fue
considerado como uno de los mayores reformadores sociales de su tiempo (Tolstoi).
Se lo describe como un exquisito esteta que fue descubriendo la injusticia social
imperante y ofreció su palabra, sus bienes y su salud para combatirla. Sus
concepciones estético - sociales se hallaban en conflicto con la sociedad que le
rodeaba y su carácter es netamente utópico.
Criticó la sociedad y el medio ambiente de la Inglaterra - industrializada, con todas sus
secuelas: la explotación del proletariado en contraste con la gran riqueza de un grupo
reducido, la decadencia de la cultura. Todo esto lo llevo a crear un modelo propio de
reforma social y a su experimentación práctica en un campo ilimitado.
Fue el primero que comprendió que la decadencia del arte y del gusto son signos de
una crisis en la cultura. Y quién formuló, (el principio aún vigente) que es preciso
transformar en primer lugar las condiciones vitales del hombre para poder despertar su
sensibilidad a través de la belleza y su comprensión artística.
Anuncio, que el arte no era un privilegio de los artistas, los especialistas y los eruditos,
sino que era propiedad y tributo de cada hombre. No fue un socialista fue un
verdadero demócrata.
Explicaba la decadencia del arte como originada en las modernas fábricas, y decía
que con sus sistema de producción mecanizada y su división del trabajo, se impedía
una relación íntima del trabajador con su trabajo, lo que llevaba a la
des - espiritualización del trabajo y la alienación del productor con respecto al producto
creado por sus propias manos.
Para Ruskin, estas formas de producción debían: garantizar mejores condiciones de
existencia, salvar la indigencia cultural que se había originado con la producción
industrial masiva de bienes de uso decorativo de calidad inferior.
La manufactura medieval, de la que surgen sólidas formas a partir del trabajo manual
y en las que se efectúa un trabajo humano digno, constituye, junto con la forma de
circulación económica del simple trueque, el modelo de la utopía restauradora de
Ruskin.
Sin embargo por su alejamiento de la realidad y las posibilidades sociales objetivas,
esta utopía seguía siendo irrealizable y abstracta, ella adquiere trazos más concretos
con William Morris.
3- Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político que se ocupó
de la recuperación de artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas
de producción en masa.
Se lo puede relacionar tangencialmente con el diseño .Se lo puede considerar como el
fundador de una renovada artesanía artística, aspiraba a un estado comunista.
Fue una figura clave para el desarrollo de una artesanía elitaria, pues invierte de
hecho, al menos para sí mismo y para sus clientes lo que Ruskin había concebido.
Ambos (Ruskin y Morris) deben considerarse como los fundadores de una teoría social
del diseño. Se convierte en capitalista al fundar en 1861 la firma “Morris, Marshall &
Faulkner”, gracias a la cuál pudo llevar acabo sus concepciones sobre las tareas del
artesano artístico, de la nueva producción artística y sobre todo del acabado manual
de las formas de uso.
Fue quien puso en práctica, el modelo de la teoría restauradora de Ruskin, pero sin
aportar las ventajas que prometía Ruskin al trabajador industrial y a la sociedad. Su
participación agudiza el conflicto entre el privilegio cultural y la realidad social.
Es importante decir que, comparte (con Ruskin) los mismos prejuicios contra la
producción industrial: “Solo el trabajo manual era beneficioso, las maquinas son el
infierno.”
Se lo asocia directamente con el movimiento “Art & Craft” (primera teoría socialista
del diseño que promulgaba que el arte no era de los artistas únicamente sino del
pueblo) ya que fue quién acuño el término. Dicho movimiento, también conocido como
“Artes y Oficios” fue una escuela artística que surgió en Inglaterra a mediados del siglo
XIX, y que se desarrolló en el Reino Unido y en los Estados Unidos durante la
segunda mitad del siglo XIX y en los comienzos del siglo XX. William Morris junto con
Ruskin, crearon este movimiento, ambos interesados en la manualidad y retomar el
modo de hacer de la Edad Media, huyendo de la revolución industrial.
El movimiento revalorizó los oficios medievales, en plena época victoriana, con lo cual
reivindicó la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la
tecnología industrial al servicio del hombre, pero potenciando la creatividad y el arte
frente a la producción en serie. En lo expresivo se caracterizaba por el uso de líneas
serpenteadas y asimétricas, y constituyó sobre todo a un arte decorativo.
Se trató de un movimiento estético reformista, que tuvo gran influencia sobre la
arquitectura, las artes decorativas, y las artesanías británicas y norteamericanas, e
incluso influyó en el diseño de jardines.
En los Estados Unidos se usan las denominaciones “Arts and Crafts movement,
American Craftsman, American Craftsman Style o Craftsman Style”, para referirse al
estilo arquitectónico y decorativo que predominó entre los períodos del Art Nouveau (el
modernismo) y el Art Decó, es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925. Sostenía
que cada objeto debería tener o retomar algo del pasado, pero dándole un sentido
elegante. Según este enfoque, el artesano entonces se vuelve operario o artista, o un
poco de ambos.
Para finalizar, es importante decir que este movimiento fracasó, ya que si bien, el
producto final terminaba siendo muy delicado, también era muy costoso y elitista, lo
cuál solo dejaba acceso a una pequeña porción de la población.
4- El Art Nouveau se extiende desde el siglo XIX al siglo XX durante el periodo
denominado como “fin de siècle”.
Es el gusto o “estilo” del espíritu modernista. Surge como un fenómeno nuevo y
complejo para satisfacer “la necesidad de arte” de la comunidad, desde el punto de
vista de la sociología.
Se produce en todos los países europeos y americanos que han alcanzado cierto
desarrollo industrial, es un fenómeno típicamente urbano que nace en las capitales y
se difunde por las provincias.
Representa una ruptura con los estilos dominantes en la época, tanto los de tradición
academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas (realismo o
impresionismo).
En la estética nueva que se trató de crear, predominaba la inspiración en la naturaleza
a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el
hierro y el cristal, superando la pobre estética de la arquitectura del hierro de
mediados del siglo XIX.
Afecta a todas las disciplinas de los usos y costumbres sociales: el urbanismo de
barrios enteros, los diferentes tipos de construcción, el equipamiento urbano y
doméstico, el arte figurativo y decorativo, el mobiliario, el vestuario, la ornamentación
personal y el espectáculo.
Se difunde como una auténtica moda. La moda es el factor psicológico que provoca el
interés por un nuevo tipo de producto y la decadencia del viejo.
Penetra en todos los estratos de la sociedad burguesa:
• La alta burguesía ostenta los arquetipos realizados por artistas y artesanos de
primera fila, con materiales nobles.
• La media y pequeña burguesía consumen iguales productos, pero de origen
industrial (banalizados y repetitivos) y materiales de calidad inferior.
Algunas de las características del Art Nouveau son:
• Temática naturalista (flores y animales).
• Utilización de motivos icónicos y estilísticos, e incluso tipológicos, derivados del
arte japonés.
• Arabescos lineales (preferencias por los ritmos curvos y sus variantes (espiral,
voluta, etc) y cromáticos: tintas frías, suavizadas, transparentes, asonantes,
que aparecen en zonas planas o bien veteadas e irisadas, difuminadas.
• Intolerancia por la proporción y el equilibrio simétrico.
• Búsqueda de ritmos “musicales”, con marcados desarrollos en altura o anchura
y
procesos en general ondulados y sinuosos.
• Propósito de comunicar con empatía un sentido de agilidad, elasticidad,
ligereza,
juventud y optimismo.
La difusión de los rasgos estilísticos del Art Nouveau se hace a través de las
revistas de arte y de la moda, del comercio y de su aparato publicitario, de las
exposiciones mundiales y del espectáculo.
Los temas recurrentes de este movimiento son: la libertad de expresión, la
creatividad, la poesía, la juventud, la primavera y las flores.
Es un estilo ornamental, que consiste en añadir un elemento hedonístico a un
objeto útil. La funcionalidad (lo útil) se identifica con el ornamento (lo bello).
El Art Nouveau, no expresa en absoluto la voluntad de recualificar el trabajo
obrero como esperaba Morris, sino el intento de utilizar el trabajo de los artistas
en el marco de la economía capitalista.
Expresionismo
El expresionismo surge en el año 1905, en Alemania. Nace como una reacción con
ánimos de superación al Impresionismo (movimiento que prioriza la impresión de la
realidad) y para los expresionistas esta idea artística era muy superficial. Estaban en
contra de la realidad de la época, una realidad enmarcada por cambios tecnológicos,
sociales y guerras, debido a esto se puede afirmar que la angustia existencial fue el
principal motor de su estética.
Los expresionistas proponían un tipo de arte más personal e intuitivo, dónde
predominara la visión interior del artista, la expresión de sus sentimientos. Tuvieron
gran influencia de los postimpresionistas Van Gogh y Gauguin, de ellos tomaron la
expresividad del color y el trazo, como así también la carga de sentimientos en la
pintura. Asimismo, fueron influenciados por los simbolistas con respecto a los
sentimientos, estados del alma, miedos, fantasías, etc.
Cabe destacar que este movimiento no sólo se dio en la pintura sino también en la
literatura, la música, el cine, etc.
En rasgos generales, se puede caracterizar al expresionismo en:
• Libre interpretación de la realidad
• Expresión interna del artista al pintar
• Distorsión y desproporción de las formas, generadas por los impulsos internos
de los artistas.
• Utilización de colores fuertes
• Uso de trazos y formas simples y planas
• Utilizaban al arte como una forma de expresar sus sentimientos y estado
anímico
• No se tiene en cuenta la luz ni la perspectiva
• Aspiraban a ver al mundo de otra forma, una más original, como por primera
vez o nuevamente con ojos de niños.
Dicho movimiento se dio principalmente en Alemania, con el grupo “El Puente”,
fundado por Kirchner, Bleyl, Heckel, entre otros. Este grupo fue conformado por
estudiantes de arquitectura que decidieron dedicarse a la pintura. El arte para ellos
estaba relacionado con la labor manual más que con el conocimiento.
Se caracterizaban por trabajar con la xilografía (grabados artesanales en madera), los
cuáles eran muy popular ya que una misma imagen podía reproducirse muy
fácilmente. Como eran hechas a mano con gubias, las imágenes eran rígidas,
angulosas y desaturadas.
Paralelamente al expresionismo alemán se dio el “Expresionismo Francés”, llamado
“Fauvismo”. Dicho nombre surgió cuando un grupo de pintores de la época expusieron
sus obras en París, en el Salón de otoño, y para designar su estilo de pintura los
críticos le otorgaron ese nombre refiriéndose a los artistas como “fieras” (fauves). Es
importante recalcar que como movimiento artístico no duró más de cinco años, pero
como estilo ejerció una gran influencia no sólo en el dibujo sino también en el color.
En rasgos generales, se puede caracterizar al fauvismo en:
• Color limpio, es el que estructura el plano del cuadro
• Utilización del contorno
• Le daban más importancia a la forma plástica
• Dibujos simples y sencillos
• Desinterés en el acabado
• Utilizaban colores intensos, principalmente el verde.
Y por último, un artista destacado del fauvismo fue Henri Matisse (1869-1954), un
pintor francés, máximo representante de este movimiento, conocido por su uso del
color y por su uso original y fluido del dibujo. Fue dibujante y grabador pero
principalmente pintor. Es reconocido ampliamente, junto a Picasso, como uno de los
grandes artistas del siglo XX.
Cubismo
Movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado
por Pablo Picasso. El término fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, Que
al ver las obras expuestas por Braque en París en 1908, dijo de forma irónica y
despreciativa que era “una pintura compuesta por pequeños cubos”, y así, de este
modo se originó el concepto cubismo.
Las influencias del pintor Paul Cezanne, con su utilización de formas geométricas, y
las esculturas primitivas africanas, fueron algunas de las fuentes inspiradoras de esta
vanguardia. Es importante decir que el movimiento se inicia con el cuadro “Las
señoritas de Avignon” de Pablo Picasso, uno de los pioneros de esta vanguardia junto
a Juan Gris y George Braque.
Es considerada como la primer vanguardia ya que se encargó de romper con la
perspectiva, el último principio renacentista que seguía vigente a comienzos del siglo
XX, como así también con el concepto de belleza y las formas de observar la
naturaleza. A partir de este movimiento artístico se desarrollaron otras vanguardias
europeas que también revolucionaron el panorama artístico del siglo XX.
Los cubistas buscaban descomponer las formas naturales y representarlas mediante
figuras geométricas que fragmentaban las superficies y las líneas. Fue así como
surgió el concepto de “perspectiva múltiple”. Dicho concepto permitió, por ejemplo,
reflejar una nariz de perfil y unos ojos de frente, proponiendo de este modo
representar diferentes puntos de vista del mismo objeto.
La pintura cubista es una pintura de valor, no de color, y se caracteriza por la
utilización de colores apagados como el gris y los marrones, sobre todo en la primera
parte del movimiento. Con el tiempo, comenzaron a utilizar colores más vivos.
Rasgos característicos del cubismo:
• Está basado en Cezanne
• Le da importancia la figura geométrica
• Se fragmenta el espacio
• Es el primer instante de la liberación para los artistas: se rompe con la
perspectiva y se puede pensar en la abstracción
• Es completamente monocromático
• Le presta atención a la luz
• Se rompe el plano
• Figura y fondo se mimetizan
• Se descompone el cuadro en pequeños pedazos
• Marca el inicio de las vanguardias
• Comienza con el cuadro de Picasso “Las señoritas de Avignon”
Dentro del cubismo, existen dos fases diferenciadas: el cubismo analítico y el sintético.
• Cubismo Analítico
Se lo conoce también como cubismo puro. Se basa en la descomposición de formas y
figuras geométricas para analizarlas y reordenarlas de una forma diferente.
• Cubismo Sintético
Se basó en la re-composición de los objetos. Se busca ser más expresivo y sencillo. El
objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes sino que se resume su
fisonomía esencial. Estos artistas resaltaban a través de colores y formas
predominantes las partes más significativas de la figura. En esta etapa surgió la
técnica del collage como obra. Todo lo que en el cubismo analítico es pintado en el
sintético es pegado. Siempre aparece la tipografía, fragmentos de diario, etc.
Artistas destacados del cubismo:
• Pablo Picasso (1881-1973): es la gran figura central del cubismo y uno de los
grandes genios del arte universal. Su obra artística es muy extensa pero su
nombre estará siempre ligado al cubismo como su creador y su máximo
representante.
En 1907 pinta Las señoritas de Avignon, cuadro que marca el inicio del
cubismo.
• Geogre Braque (1882-1963): es otro gran creador del cubismo, más intelectual
que Picasso. Se mantiene siempre fiel a la estética cubista. Son características
sus naturalezas muertas. También introducirá en sus pinturas el collage,
• Juan Gris (1887-1927): es el tercer gran cubista. Sus composiciones tienen una
firme estructura y un ritmo armonioso. Su cubismo es fudamentalmente
sintético y coloreado. Es uno de los creadores del cubismo sintético porque
decía que había que ser más expresivo. Al igual que Cezanne decía que había
que estructurar geométricamente el plano del cuadro y a partir de esto romper
con la grilla, darle distintas diagonales. Reinterpreta el bodegón.
• Delaune: Estudia las leyes ópticas. Sostenía que el espacio se rompía por la
entrada de luz. Decía que a la pintura le importaba el color. Pinta la torre Eiffel
y la va abstrayendo.
• Leger: estudia la máquina y hace abstracciones donde todos los volúmenes
geométricos tienen reminencia a fragmentos de maquinarias. Utiliza el caos
compositivo y los colores primarios.
En escultura se incorpora la geometrización, las texturas, el volumen, el relieve y el
hueco.
Dadaísmo
La primera guerra mundial (1914-1918) produjo un contexto de crisis internacional.
Zurich y Nueva York, neutrales en el conflicto bélico, fueron las encargadas de alojar a
muchos de los exiliados; entre ellos, los artistas que dieron allí origen al dadaísmo.
En el marco del funcionalismo, ya el arte venía expresando una marcada oposición al
racionalismo cubista, buscando obtener una dinámica funcional y alejarse de la
producción de piezas de museo. Pero, al igual que el futurismo, solo consiguió como
ruptura la representación del movimiento, su arte seguía produciendo objetos
(mercancía) sin alterar su razón social, funcional a las clases burguesas. Para alterar
ese esquema, surgió Dada. Formalmente, da inicio en 1916 en Zurich, dentro del
círculo literario Cabaret Voltaire que funcionaba como ironía de la cultura.
Se trata de una vanguardia negativa: no instaura una nueva relación, sino que
demuestra la imposibilidad y no-voluntad de relación entre el arte y la sociedad. Con
los dadaístas, el arte deja de ser una operación técnica para pasar a ser un sinsentido,
completo repudio a la lógica. La guerra, contemporánea a los dadaístas, no era
racional, pero sí consecuencia lógica del progreso, por ende –creían- había que negar
la historia pasada y volver al punto cero, tesis que se verá en la mayor parte de las
vanguardias de la época. “El verdadero arte es el anti-arte” fue su premisa. Un
movimiento artístico que niega el arte, contrasentido que evade a la función para ser
pura acción.
En cuanto a su técnica, se trató de una experimentación total en pos de crear un
lenguaje propio, una acción molesta para poner en crisis al sistema utilizando los
mismos elementos de la sociedad (materiales y técnicas industriales en vez de artes
clásicas) y cambiándoles su sentido. Ejemplos son las obras de Francis Picabia, que
inventó máquinas falsas, sin función alguna; las de Schwitters, que recolectó desechos
de la sociedad para crear sus collage; y los ready-made de Marcel Duchamp,
culminación de la negación de técnicas artísticas.
Su base es la descontextualización, sacarlos de la dimensión utilitaria para llevarlos a
una estética. Su burla anulaba la funcionalidad de los mismos; firmándolos con un
seudónimo, demostraba que el valor de la pieza estaba dado (en su época) por la
institución arte, no por una operación técnica. Su principal aporte fue separarse de la
hechura e iniciar el arte conceptual, indicando que era la idea lo que el artista debía
aportar.
Abstracción
La abstracción es el resultado de una tendencia a resumir y sintetizar que comienza a
fines del siglo XIX, con Gaugin, Van Gogh y Cezanne, y que continúa con la
simplificación del tema a través del Fauvismo, Cubismo y Futurismo. Así pues, nos
encontramos frente a un movimiento que ya se iba perfilando desde el siglo anterior y
que busca la renovación absoluta de la pintura.
Se caracteriza por prescindir por completo del objeto y de la figura y el cuadro, se
compone mediante la combinación de líneas y colores. Es importante decir, que no es
un movimiento único y tampoco obedece a un programa estético común.
Es fundamental saber que el arte abstracto tuvo dos ramas, por un lado se encuentra
la abstracción lírica, encabezada por Kandisnky y, por el otro, la abstracción
geométrica, liderada por Mondrian.
Abstracción Lírica
Utiliza un lenguaje basado en la función expresiva y simbólica de los colores. A través
de una serie de manchas de color pretende plasmar el estado anímico del artista o
causar una impresión anímica en el espectador.
Su mayor exponente es Vasily Kandisnky (1865-1944), fue un pintor ruso, precursor
de la abstracción en pintura y teórico del arte, se considera que con él comienza la
abstracción lírica.
Su pintura está destinada a despertar la emoción en el espectador. Para él, el arte
debía expresar el espíritu, la realidad interior, los estados de ánimo, los sentimientos.
Utilizaba sólo colores y formas, ya que creía que esto era suficiente para representar
una emoción.
Asimismo, sostenía que a cada color le correspondía una forma y que estos
significantes eran múltiples. Fue así como elaboró un sistema a partir de las formas y
los colores primarios.
Todas sus composiciones están numeradas. En el año 1910, hizo la primera acuarela
sin tema, conocida como: Primera Acuarela Abstracta. Sobre un espacio imaginario
flotan y se mueven formas abstractas coloreadas en las que no se encuentran
referencias miméticas. La fluidez da las manchas de color y el gesto nervioso de la
línea configuran un espacio de gran dinamismo. A partir de eso, comienza a pintar
lienzos llenos de manchas cromáticas y formas simplificadas. Trabaja para volver al
arte del niño, un arte de necesidad interior, no religioso si no relacionado con el alma
humana.
Abstracción Geométrica
La abstracción geométrica se gesta en Holanda, en 1914, dentro del grupo De Stijl,
movimiento integral de artistas, diseñadores y arquitectos que buscaban generar una
nueva relación entre el artista y la sociedad. Llamado también Neoplasticismo, su
fundador es Mondrian (1872-1944), mayor exponente de la abstracción geométrica,
que supo destacarse entre la uniformidad del resto de la vanguardia.
El Neoplasticismo –a diferencia de la abstracción lírica- plantea un principio de
necesidad externa: querían escapar de las carencias exteriores del individuo y crear
un arte puro, libre de la tragedia humana, impersonal (objetividad) y universal. Pintura
pura, ya que el artista poseía un verdadero don que no le poseía, estaba obligado a
transmitirlo y –a tal fin- no podía estar contaminado con emociones.
La matemática plástica de Schoenmaeken fue la principal base teórica sobre la cual se
levantó la abstracción geométrica de Mondrian. Es un pensamiento metódico por el
cual se traduce la imaginación en construcciones geométrico-matemáticas, reguladas
por la razón. Las mismas fueron utilizadas por el artista para penetrar en la naturaleza
y que se le revele la construcción interna de la realidad, aquello que subyace. El
neoplasticismo funcionó como un medio para que la naturaleza pueda reducirse a una
expresión plástica de relaciones definidas, exactas, libre completamente de
subjetividad.
En cuanto a su técnica, se trató de una poética de valores primarios: la línea, el plano
y el color. Redujo todo a las formas geométricas básicas mediante la descomposición
de la imagen (modelo real, observable) y una posterior síntesis. El color fue aplicado
en veladuras, tonos en capas superpuestas que, debajo del blanco, le dieron a éste
distintas tonalidades. También primaron los colores primarios y el negro como color.
Claudio Roncoli
Claudio Roncoli es un artista plástico argentino que trabaja el arte pop.
Creció en San Cristobal, donde su papá tenía una juguetería. A la vez, Claudio
participaba en las actividades de la iglesia. Fue scout, tomó la comunión y hasta fue
monaguillo.
En la adolescencia quiso ser cura. De hecho, ingresó al seminario, aunque abandonó
al término de 2 años.
Irrumpió en él una vocación artística que lo llevó a estudiar Diseño Gráfico a la FADU,
hasta que consiguió trabajo en un estudio de diseño y abandonó la carrera. A principio
de los 90, por influencia de amigos músicos, decidió comenzar la carrera de Bellas
Artes.
Como artista se podría definir como un intervencionista porque toma imágenes y las
resignifica. Estas imágenes, generalmente, son elementos de la publicidad, íconos del
pop, de la cultura de masas, historietas, postales antiguas o estampillas, mapas,
revistas de moda local o internacional. Toda su estética está ligada a la retórica
publicitaria de los años 50. Con el foco puesto en el consumismo, a modo de crìtica
por la influencia de los medios de comunicación sobre la sociedad consumista
estadounidense en este período de postguerra en el que la falta de identidad se hace
cada vez más presente por la aparición del fenómeno de la globalización. Así, en su
obra puede encontrarse elementos temáticos y técnicos, recurrentes y claros,
asociados al movimiento del pop art. Los elementos son todos reconocibles. Y su
intervención pasa por el collage, la fotografía, el arte digital, la pintura sobre tela.
Las imágenes que utiliza son tomadas de diarios y revistas de esa época de
postguerra, y son posteriormente digitalizadas e intervenidas con pinturas,
superposición de otras imágenes y recortes de palabras.
A pesar del reconocimiento que supo ganarse Claudio Roncoli, su trabajo sigue siendo
mirado con recelo por el ala más conservadora del arte.
Roncoli no crea: elige e interviene. Es por esto que su trabajo suele ser vinculado al de
Duchamp.
