issue 71#/ sweet dreams

f: núria rius

~ Sweet ~Dreams

staff il: Mireia Pons Lupiáñez (mirepo.es)

Portada: Socatoba (socatoba.blogspot.com)

Edita: Edicions La Nit., S.L.U. Aribau, 15 1º1ª (BCN) / Directora: Eva Villazala > [email protected] / Director adjunto: Julio amores > [email protected] / Editora Gráfica y coordinadora de contenidos revista impresa: Núria Rius > [email protected] / Dirección de Arte & Diseño: Hernán Verdinelli > [email protected] / Maqueta original: Iñaki Guridi & Pau Aguilar (bang-bang.ws) / Música: Natalia Brovedanni > [email protected] / Moda: Xavi Ocaña > [email protected] / Directora marketing y publicidad: Anthya Tirado +34 615 087 531 > [email protected] / [email protected] / Fotos, blog, vídeos, arte, crítica social & constructiva: yuppi! eff productions (Fran Gallego & Julio Amores) / Redactan: Txema Argente + Natalia Brovedanni + Clara Duch + Eunis Font + Adriana Giorcelli + Ferenz Jacobs + Andrea Jarales + Claudia Niubó + Aina Ruiz + Lara Turner / Fotografían: Häre Christian + Ceci Díaz + Núria Rius + Ren Rox + Mathieu Vladimir Alliard / Ilustran: Bea Bascuñán / Redacción blog: David Moreu + Claudia Niubó + Itzel Mendoza + Xavi Ocaña + Aina Ruiz + Yuppi! eff productions (Fran Gallego & Julio Amores) / Imprime: Comgrafic S.A. / Depósito Legal: B 516664-03 / Distribuye: Tengo un Trato, S.L > www.tengountrato.com

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Lamono no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. No reproduzcáis los textos ni imágenes aquí presentes sin consultarnos.

actualidad invigente t: txema argente / f: natassa pistofidou

SUITE DREAMS

Ya existe un modo de apelar directamente a la futura felicidad conyugal vinculándola proporcionalmente a los metros cuadrados del piso en los que vaya a cohabitar la pareja en cuestión. Esta fórmula no es nueva. Siempre, más o menos, se ha utilizado como una estratagema normalmente soterrada, sujeta al rubor que produce utilizarla abiertamente. Pero los tiempos cambian y las crisis aprietan. Así que hay que vender pisos sea como sea. Y ya se ha perdido completamente la vergüenza, o quizá la palabra ya ha cambiado de significado, como por ejemplo el vocablo televisión. El otro día anunciaban en la fachada de un edificio de nueva construcción que el amor dura más cuanto más tardes en recorrer el pasillo. En un piso como este, venían a decir, es imposible que seas infeliz, infeliz. La frase estaba coronada por un traumático dibujo de una enamoradísima pareja que se asomaba a un balcón en forma de enorme corazón para exhibir públicamente su poderío. Desde luego que el mensaje era obvio, difícil no captarlo. Pero solamente por lo innombrable de la propuesta, estaría bien conocer qué tipo de clientes han sucumbido a ella. ¿Pudiera ser que los hipotéticos compradores hayan creído el mensaje y cedan a él por la extraña posibilidad de perpetuar su amor más que por poseer metros y metros cuadrados para pasearlo? Si fuera así, aún habría una posibilidad de redención, aún mantendríamos algunas briznas de ingenuidad, una legítima aspiración. Pero si no es así, estamos frente a la televisión, o frente a la vergüenza.

sweet dreams f: häre christian

lamono / núm. 71 / marzo ’11

imperdibles t: xavi ocaña

› Twothirds Feeling good

Queramos o no, no nos queda más remedio que actuar aún sin saber qué hacer y cuál sea la mejor forma. No podemos controlar ni lo que pensamos, ni lo que sentimos, de modo que lo mejor (y único) que nos queda es dedicar un instante a respirar hondo y hacer circular la mejor de nuestras energías. Con esta actitud, desde San Sebastián y arropados por las olas llega Twothirds, una de esas marcas que te vuelven positivo. Es la benjamín de las marcas streetwear y puede que en ello resida su frescura. En ello o en su nombre, un homenaje a los dos tercios de océano que cubren nuestro planeta, con el que la marca y sus chicos mantienen una profunda conexión. La colección para esta temporada nos trae diseños puros, de gran calidad, fabricados con materiales y procesos sostenibles. Una adaptación del easy living del surf para la ciudad. Con sabor a sal y olor a horizonte, se dice que si pones tu oreja en alguna de sus creaciones puedes oír el agua rompiendo contra las rocas. Y es que seguramente no haya más opciones y el optimismo sea mejor sentirlo que pensarlo. www.twothirds.com

› Rusty Do you know?

Todos los que hayan dedicado esfuerzos y energías en tratar de entender el presente para predecir el futuro sabrán de sobras que ser conscientes de todo está sobrevalorado. Conocer la solución no elimina el problema, del mismo modo que el saber no garantiza el éxito, requiere de acción. En el invierno de 1969, en La Jolla (California) Rusty dio forma a su primera tabla de surf. Pese a no tener ni idea de qué le deparaba el futuro, siguió adelante. Tan adelante, que después de cuatro décadas y tras haber acompañado a lo mejores surfers del mundo y creado las tablas más preciadas, se ha convertido en una reconocida marca global de boardsports. Un buen ejemplo de ese espíritu libre e intrépido lo encontramos en la estrella de su nueva colección para esta primavera/verano: la Wired Series Hoodies. Una sudadera con auriculares incorporados en los cordones del cuello, fabricada con su exclusiva HB3 Technology y 100% waterproof. La combinación perfecta de música, moda y surf. Porque al final el más inteligente no es aquel que más respuestas encuentra sino el que menos preguntas se hace o, al menos, ha aprendido a vivir con preguntas sin respuesta y ha aceptado que el saber no es una realidad sino una creencia. www.rusty.com


› Makia Here comes the sun

A estas alturas de la película ya deberíamos haber entendido de qué va. Y va de que nada es lo que parece, siempre hay más. No es por el calor, ni por la luz, es por todo lo que el sol implica: nos dora la piel, dispara la serotonina, lo convierte todo en una broma sin importancia y estos ingredientes mezclados se combinan en un cocktail adictivo del que no para de beber Makia. Desde Helsinki y cargados de realidad y buenas energías llegan los chicos de la marca con su nueva propuesta. Diseños fieles a la filosofía de la marca, a su rechazo por lo complicado a favor de lo sencillo y relajado. Creaciones prácticas, de calidad y llenas de confianza. ¿Su objetivo? Ponértelo fácil al escoger el modelito de cada día. ¿Su lema? El que viste bien, se siente mejor y sabe encajarlo todo. Porque al final nada se resume en cosas y todo se comprime en sentimientos, el sol sólo saldrá para aquellos que se hayan liberado de la venda del miedo y hayan recuperado la capacidad de ver más allá, de creerse todo aquello que no ven, pero que está aquí mismo implícito en lo que nos rodea. www.makiaclothing.com

› Cliché Velocidad curva

Al final va a ser verdad aquello de que la velocidad y las prisas son incompatibles con el disfrute y pensar en que el destino no nos deje gozar del camino. Mejor o peor, la línea recta siempre ha sido el camino más corto para llegar a la meta. De caminos saben mucho los chicos de Cliché, en concreto, de cómo moverse por ellos. Desde Lyon (Francia), un franco, un sueño y más de una década después han logrado colocar algunos de los spots más increíbles de Europa y cuenta en su team de skaters con algunos de los mejores riders del mundo. De entre sus nuevas boards para esta primavera, destaca su colaboración especial con Mark Gonzales. En esta ocasión, este artista y skateboarder profesional hizo llegar sus originales y frescos diseños para la nueva tabla de Cliché a la antigua: los personajes dibujados para ilustrar su board llegaron por correo postal, en un sobre sellado con imágenes de Gary Cooper. Puede que la línea recta sea más rápida, aunque todo aquél que haya experimentado unas buenas curvas sabe de sobras que son más divertidas y al final puede que nuestro verdadero reto no sea llegar los primeros, sino averiguar si somos personas de meta o camino. www.clicheskate.com


› 55dsl › El valor de disfrutar

Aunque seamos maestros en eso de desear, la verdad es que pocos saben exactamente qué hacer cuando el deseo ha sido concedido. Porque es entonces cuando debemos practicar algo que no se nos da tan bien: valorar. Hasta que no valoras aquello que te rodea, tu mundo no tiene sentido. Los principiantes pueden seguir el ejemplo de Andrea Rosso y su team en 55DSL, experto/s en valorar aquello que idolatran y de lo que forman parte: los gráficos y señas de identidad de una cultura, la street. Ríos de tinta de todos los colores corren por sus venas y hoy llegan a la edición limitada 10.55. Un proyecto en el que ocho deseados y valorados artistas de todo el globo han tenido la oportunidad de dejar su sello personal en las ocho camisetas que forman esta exclusiva colección. Los sueños animales en blanco y negro de Anne

Faith Nicholls, la garra sacada del universo cómic de Carlos A. Etcheverry, las ilustraciones surrealistas y salvajemente bellas de Christopher Hewitt, las escapadas a planetas robotizados de Janee Meadows, las ciudades comprimidas a base de geometría de John Schuh, las composiciones eróticas e impensables de Leif Podhajsky, el momento onírico de Rocío Mateos y los personajes desdibujados de Stefano Bertoncello Collanega. Todo un homenaje de 55DSL al arte de calle. Tal vez el valor de las cosas no dependa de nosotros y lo traigan incorporado de serie, pero hasta que no valoramos, no nos importa y hasta que no nos importa, no disfrutamos de verdad. Puede que no haya llegado el momento de valorar y disfrutar, sino de darnos cuenta de que ya lo hacemos. www.55dsl.com

› Protest › Obstáculos

Por mucho que tratemos de prevenirlos siempre vuelven a aparecer. Los obstáculos. Aún no te has recuperado del esfuerzo hecho para superar el último y ya te encuentras con uno nuevo que afrontar. Parece que a medida que te vas haciendo adulto, las trabas se van acumulando. Puede que haya llegado el momento de hacer algo con ellos, tal y como han hecho los chicos de Protest. Las obligaciones o complicaciones del día a día convierten el camino que los separa de sus tablas en una auténtica carrera de obstáculos. Con el lema Protest to get there como filosofía, toman cada uno de ellos para convertirlos en la fuente de

inspiración de su último proyecto, el Obstacles Series. Una serie de 17 piezas audiovisuales firmadas por quince artistas europeos sobre los riders y los periplos que son capaces de llevar a cabo para llegar al surf, el snow o el skate. Obras que ya podéis ver en su web o el canal de Youtube de la marca. Si son inevitables, puede que madurar sea dejar de intentar solucionar los problemas y, simplemente, aprender a hacerles frente. Puede que sólo entonces volvamos a ser capaces de disfrutar del amor y de la pasión. www.protest.euwww.youtube.com/user/ProtestMovieChannel


› Insight Be bad

En las ciudades se ha extendido una especie de filosofía moderna basada en hacer lo correcto, construir y ser positivos. Una combinación que agitada suavemente se convierte en un cocktail casi perfecto llamado felicidad. Pero hay veces en que nuestra definición del paraíso está al otro lado, en dar rienda suelta a los instintos más insanos y gamberros. Una esencia que se vuelve prenda en la nueva colección de primavera de Insight. Chicas vestidas con toda la grunge attitude de los 90’s, de aires militares en sus horas bajas, camisetas desgastadas, jeans improvisados y complejos, siluetas exageradas, sin olvidarnos de los prints. Como dicen los chicos de la marca, cada pieza ha sido “usada, amada y tiene una historia que contar”. Y es que al final, no entiendes que la felicidad es una ilusión hasta que no aceptas y das rienda suelta a lo bueno y lo malo que somos. Porque lo malo de pensar es que a veces piensas cosas que no quieres y lo malo de actuar es que en ocasiones haces lo que no tienes que hacer, aunque la idea de ambas cosas haga sonreír y sentir especialmente bien al Kurt Cobain que todos llevamos dentro. www.insight51.com

› Franklyn & marshall Ejemplos a seguir

Crecer implica moverse por caminos desconocidos, por ello mientras lo hacemos buscamos huellas que nos orienten, bien para seguirlas o bien para medirnos. De pequeños necesitamos ejemplos a seguir y aunque creemos que con los años eso cambia, la realidad es que lo único que varía son esos referentes. Con 12 años cumplidos, en la nueva colección de Franklyn & Marshall vemos de forma clara el modelo seguido: el vintage, la fascinación por un pasado lleno de deporte y colores. El look gastado también llega al american college de la marca y se convierte en la tendencia para esta primavera/verano a base de tejidos, lavados y tratamientos especiales. Chinos y cargos para todos, bermudas reversibles y jeans ajustados rocket para ellos y sudaderas escotadas y anudadas, hotpants y jeans Slim fit y boyfriend para ellas. Todos, combinados con las piezas monocolor de Rugged y Artist Studio o con los gráficos geométricos y graffitis sacados de la música y el arte de los 70’s y 80’s en su línea Black Label. Sin darte cuenta, tus referentes quedarán en tu interior, habitando una parte secreta de ti. Esa parte que habla de lo que fuiste y a la que, por suerte, siempre podrás regresar, aunque sólo sea a través de ellos. www.franklynandmarshall.com


› LrgSer o no ser… libre

Queremos serlo, pero ¿sabemos realmente lo que queremos ser? Asociamos la libertad a la ausencia de compromiso, cualquier atadura o responsabilidad. Necesitamos sentir que podemos desplegar velas y levar anclas en cualquier momento. Para que puedas llevarte esa sensación a todas partes nada mejor que lo natural, que esta primavera 2011 toma forma en las tres nuevas líneas de LRG. La primera nos libera a base de deporte, cargada de estilo college, colores llamativos y los graffitis del artista Pose y las líneas del baloncesto más retro. La segunda nos prepara para la libertad del viaje, con graffitis de Augor, inspiraciones tecnológicas y futuristas y nos muestra el lado más kitsch de la marca. La tercera y última nos viste al aire libre, inspirándose en la naturaleza, en el safari y la fauna salvaje y vistiéndonos para la playa con tejidos brillantes y gráficos surfistas ochenteros. Porque la libertad nunca fue física sino un sentimiento y volverte adicto a él puede que sea la mayor y más bonita forma de esclavitud y ser o no ser libres, no sea una decisión que podamos tomar, sino parte de nuestra naturaleza, algo que no podemos cambiar y que sólo podemos explotar (y disfrutar).www.l-r-g.com

› Akomplice Use me

Nunca seremos capaces de definir y mucho menos encontrar la combinación de elementos que nos haga sentir completamente plenos. Puede que por ello nos conformemos con estar cerca de ese estado de realización. Un lugar al que muchos llegan sintiéndose útiles, creyendo que forman parte de algo. Y nada que debiera ser más usado que el arte de ayudar. Akomplice se une a Chace Infinite de Self-Scientific y a Good Wood NYC para presentar el proyecto solidario 100% Donated 2 Africa. Con la intención de instar al cambio lanzan a la venta de forma online 65 packs solidarios formados por un tema exclusivo de Chace Infinite, una caja hecha a mano, un collar de Good Wood y una camiseta de Akomplice. Los beneficios íntegros irán destinados a Pump Aid, dedicada a llevar la producción de agua potable a las comunidades africanas y a luchar contra un problema que cada año acaba con la vida de millones de personas. Puede que la utilidad sea el mejor (si no el único) antídoto a la soledad y en ella resida el verdadero significado de las cosas. Tal vez, si nos preguntáramos acerca del uso que damos o nos da aquello que nos rodea, lograríamos entenderlo. Aunque cuando de nuestra vida se trata, la pregunta no sería para qué la utilizamos sino, simplemente, si la empleamos en algo. www.akomplice-clothing.com


› BenchI need to decide

Mientras unos hacen todo lo posible por no tener que decidir, otros no pueden evitar hacerlo constantemente. Puede que muchos hayan convertido cada decisión en su particular forma de ser ellos mismos, de practicar la expresión y aceptar un poco más TODO lo que son. A esto precisamente nos invita esta primavera Bench. Su última colección entiende el diseño como una actitud vital por lo que cada prenda pretende intensificar el presente sin olvidar el pasado. Para llevar a cabo su propósito, los chicos de la firma han realizado una serie de fotografías que recogen las historias psicodélicas y refinadas que inspiran esta colección. Desde el momento en que se creó la primera camiseta allá por 1884, hasta la forma en como la ropa sin darnos cuenta se convierte en nuestra expresión más sincera. Una propuesta que toma lo ordinario y lo convierte en sublime a base de realidad. Existe una diferencia muy sutil pero determinante entre escoger y decidir y sólo aquellos capaces de captarla tendrán la oportunidad de aceptarse, dejar de disimular sus defectos, liberarse de las necesidades que intentan ocultarlos y empezar a practicar lo que es decidir. www.bench.co.uk

› Kr3wTime goes by

El paso del tiempo es uno de esos conceptos que, por más que se hable, nunca dejará de ser objeto de controversia. Aunque lo que realmente trae loco a medio mundo son sus efectos. Unos dicen que pone las cosas en su sitio, a otros les da paciencia y confianza, a muchos les multiplica sus manías. La cuestión es que (queramos o no) afecta (y mucho). Una muestra la encontramos en la nueva colección de jeans de Kr3w. Más de ocho años en el mundo del denim los han convertido en verdaderos especialistas. Tanto que esta temporada, desde California, nos llegan camisetas, sudaderas, pantalones y hasta siete líneas de tejanos, distintos por fuera pero con un denominador común por dentro: su espíritu gamberro. De entre todas ellos, nos quedamos con los Jim, en concreto, con los White Destroyed y los Filthy 1, dos modelos a los que el desgaste del paso del tiempo les ha sentado especialmente bien. Puede que la importancia del tiempo resida en que sus efectos son incontrolables, afectan a todos por igual (a no ser que seas un tejano) y, sin ellos, no hay experiencia. www.kr3wdenim.com


› SupraRealidad vs. Ficción

Cuando se trata de decidir, en la imaginación nos quedamos con los extremos, mientras que en la realidad actuamos con mayor prudencia y somos más devotos de los puntos medios. Es exactamente en esos puntos donde encontramos a Supra, en el camino entre la ciudad y la naturaleza, paseando, corriendo o rodando sobre su board. Su nueva colección es apta para todas las realidades y ficciones. Nuevos diseños, modelos actualizados y mucho color. ¿Un ejemplo? Las Cuban. Una silueta sencilla pero eficaz en cinco combinaciones de color distintas, pero todas con una suela vulcanizada, dotadas con una protección adicional con memoria para el talón y una entresuela que proporciona una mayor resistencia, disminuye los impactos y aumenta la flexibilidad y el contacto con la tabla. No sabemos si fue primero el huevo o la gallina, pero debemos tener clara cuál es la diferencia entre realidad y ficción: los efectos. Para bien o para mal, una tiene y la otra no. Y aunque muchos desearían que fuera distinto, la verdad es que así es perfecto, porque si lo sabes puedes sacar el máximo partido a ambas. www.suprafootwear.com

› Gas Being responsible

Hace tiempo un libro nos hacía reflexionar sobre la responsabilidad, sobre su dueño. Hoy el debate vuelve en forma de jeans. Nuestras abuelas lo sabían y no dejaban de diagnosticárnoslo: culo veo culo deseo. Hasta ahora no sabíamos si la culpa era nuestra por desear o del otro por ser deseable, pero hemos descubierto que esta temporada los verdaderos responsables van a ser los chicos de Gas. En su nueva colección apuestan por el total look denim y nos dan las herramientas para convertirnos en auténticos objetos de deseo: vestidos, cazadoras, petos y todas las prendas tejanas que se te puedan ocurrir (sin olvidar su must have de esta temporada, los jeggins). Con una amplía gama de lavados inspirados en la naturaleza, puros, destruidos o básicos, decorados con costuras en colores contraste, perfectos para combinar y jugar con el abanico de tonalidades azules de su nueva propuesta, en tejidos suaves y cómodos, ideales para los días de sol venideros. Nos cuesta asumirla y por ello hemos estipulado como requisito dar respuesta a preguntas que no la tienen. Nada más lejos que una simple excusa, porque la responsabilidad no tiene dueño, está esperando delante de ti a que la tomes y si no lo haces, se irá con todo lo bueno que lleva consigo.www.gas.com


› Ray-ban › Horizonte

Creemos que el mundo llega hasta donde nuestros ojos alcanzan. Sólo contamos con aquello que vemos, aunque sepamos de sobras que más allá de lo que sabemos y vemos, la vida sigue, lo inesperado existe. En verano, para ver más allá de ese muro al que llamamos horizonte necesitaremos unas buenas gafas. Con la mitad de las miradas del mundo vestidas con unas Aviator y la otra mitad con unas Wayfarer, Ray-Ban vuelve a ser objeto de culto y tendencia con un nuevo icono atemporal de estilo: las Round Metal. Popularizadas por grandes personalidades del pasado, vuelven esta temporada

para popularizarte a ti y es que estas gafas redondas y metálicas son uno de los modelos más distintivos y con mayor carga estética de su colección. Y como siempre, en acabados y colores varios y con los materiales y la calidad a los que nos tienen acostumbrados los chicos de Ray-Ban. Mientras esperamos a que lleguen a nosotros unas gafas con rayos x que nos permitan ver qué hay al otro lado, no nos queda más remedio que desafiar al horizonte, subirnos al muro y mirar al otro lado para descubrir que sí hay vida más allá de lo que vemos… y es una buena vida. www.ray-ban.com

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Es una mezcla de todo. Ahora me gusta hablar de mi vida a través de un lenguaje más surreal, onírico o de cuento.

Soy algo purista, cuantas menos personas estén involucradas en un proyecto, más claro, sincero y personal será. Para lo bueno y para lo malo, Bedroom es un poco como mi hijo, y a mi hijo lo visto yo.

No tengo mucha conciencia del año en el que vivimos. Siempre pienso que es surrealista que “nosotros” estemos aquí llevando una vida “cómoda” (entre música, cine, libros, amigos, facebooks, viajes, piso, trabajo de vez en cuando...) y al mismo tiempo oigamos por radio o televisión que otra gente está en una revolución o una guerra donde muere gente cada día. Es un mundo muy extraño. Aún no sé como convivir con todo esto y sentirme bien conmigo mismo. Escribí y compuse Cames blanques justo el último día de grabación del disco en Tossa. La hice por la noche, después de que Frank (productor) se marchara para Barcelona. Al día siguiente la grabé solo, antes de desmontar todo y volverme con los trastos para Barcelona. Pensaba que quizás la pondría de bonus track, pero al final se quedó en un puesto más importante. Así que en el disco hay una canción de un día de vida.

Cuando estás en la ciudad sueñas en montañas y cuando estás en la montaña sueñas en la ciudad. Una canción es una manera de hacer una fotografía de tus recuerdos, de decir “ese recuerdo me gusta, no quiero que muera”. Hay cosas que no se pueden fotografiar o grabar en vídeo, entonces puedes hablar o cantar sobre ellas para inmortalizarlas. Y los bosques húmedos de Olot o el mar de Tossa sólo son escena-rios, decorados donde a mi me han pasado cosas que no quiero perder.

Por varios motivos, pero uno de ellos es esta frase de Son of a gun de los Vaselines “The sun shines in the bedroom when you’re in. And the rain it always starts when you go away…” que yo descubrí con la versión de Nirvana en el Incesticide.

Blanca. No hay nada colgado en las paredes, por alergia al bricolaje y también para tener un sitio puro, silencioso y austero en la casa.

Nunca cumples al 100% tus sueños, pero musicalmente he hecho algo de lo que estoy realmente orgulloso, y por eso creo que me gustaría dejar pasar un tiempo antes de hacer otro disco. Ahora tengo un pequeño proyecto nuevo en mente que me motiva mucho, pero que prefiero no desvelar. Creo que siempre tendré algo en mente para hacer, forma parte de mi personalidad soy de esa clase de gente que tienen que trabajar en algo para estar a gusto.

¿Bedroom es desnudarte antes de ir a dormir o son los sueños que

tienes una vez dormido?

Las portadas de Bedroom son ilustraciones tuyas, al final todo el

conjunto es un pack llamado intimidad.

2011. ¿Es un buen año para los sueños?

Cuéntanos uno de los momentos más raros en los que te haya surgido

últimamente la letra de una canción.

Las canciones de Bedroom hacen mucha referencia a la naturaleza,

supongo que el entorno de Olot ha influido mucho en eso ¿qué papel

juega la naturaleza en tus creaciones?

¿Por qué Bedroom?

¿Cómo es tu habitación?

¿Has cumplido tus sueños? Si la respuesta es sí,

¿cuál es el siguiente paso, cuesta más construir sueños

cuando “nos hacemos mayores”?

Un dulce sueño: Un día me desperté totalmente convencido de que tenía un huevo duro en mi mano derecha (algo que dentro del sueño era muy valioso!). Me decepcioné mucho al mirarme la mano y no ver nada. Una pesadilla: De niño soñé reiteradamente que en una fiesta de cumpleaños me portaba mal y llamaban a la bruja y venía y me encerraba en un armario, ¡era lo peor! Hasta que un día soñé lo mismo pero la llamaban y no cogió el teléfono, no sé, no estaba en casa supongo, y quedé libre sin castigo y ya nunca más volví a soñar eso. Ya sabías que… No, yo nunca me entero de nada… Te sorprendió… El disco que ha grabado Gran Amant con Pep de Oliva Trencada. Hace tiempo que no me gusta tanto algo. Demasiado… Facebook. Te faltaría una dosis de… Deporte. Hace mucho tiempo que tengo que apuntarme a la piscina pero… ¡qué pereza!

Bedroom es el proyecto musical de Albert Aromir, una apuesta por un folk intimista, desnudo, sin capas de más, ni de menos, porque lo que ves es lo que hay. Música, diseño o ilustración: Albert estampa sus sueños en el papel o en los acordes de una guitarra. Parece muy naïf, pero no lo es. La realidad supera la ficción del sueño.

Una habitación donde no se duerme

ALBERT AROMIR

www.albertaromir.comwww.myspace.com/bdrm

www.albertaromir.comwww.myspace.com/bdrm

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vecinos t: adriana giorcelli miguel

JOAqUINA Y ELISA GARROTE

Sueños fibrados

Son hermanas, valencianas pero con base en Berlín. Son artistas, pero en el sentido más profundo del término. Combinan ilustración, pintura, dibujo, animación, instalaciones, wall painting, fotografía y diseño gráfico. Musculcat es el resultado de todo ello.

www.musculcat.net


Musculcat es… El grupo artístico en el que trabajamos mi hermana Elisa y yo. Elisa se dedica más a la construcción de objetos con materiales reciclados y al vídeo, mientras yo me centro en la pintura, la ilustración y el diseño grá-fico. Nos complementamos aportando crítica (salvaje) a nuestros trabajos, lo hacemos desde pequeñas. Joaquina vive en… Berlín. Después de acabar la carrera de bellas artes necesitaba cambiar de aires. Por eso, y para trabajar con Elisa, me vine a esta ciudad. Ya había estado un par de veces para visitarla porque ella vivió aquí antes y me encantó. Tus experiencias, aficiones, pasado son… Mi pasado es Valencia. Mis aficiones son más o menos las mis-mas tanto en Valencia como en Berlin, sólo que aquí hay mucho más para elegir. Mi última afición es un taller de kick-boxing para mujeres. Ideal para liberar tensiones, pero participa gente gigante que da bastante miedo, así

que no creo que llegue al ring, me conformo con el nivel de principiante. Tu interés por el arte nace de… Me gusta dibujar desde que iba a parvulitos. Mi madre me inculcó un cierto interés porque a ella también le gustaba pintar. Pero el interés por el arte más contemporáneo nació en la uni-versidad. Antes de entrar en Bellas Artes lo sentía como algo bastante abstracto y enigmático. En el colegio y en el instituto nos enseñaban prácticamente sólo a hacer ejercicios tipo copia de bodegones, por lo que mi visión era bastante limitada (por supuesto mi madre también dibujaba paisajes y bodegones). Ilustrar representa para ti… ahora mismo la forma de expresión artística con la que me encuentro más cómoda, además puedo usarla prácticamente en cual-quier momento y lugar, ya que en principio sólo nece-sito papel y lápiz. Por otro lado me gusta mucho cuando

trabajo inspirada porque me envuelve una magia que me permite abstraerme. Aunque suene a tópico, suelo dibujar mucho y obtener buenos resultados cuando mi estado de animo está decaído, ya que entras en un estado en el que no piensas en nada más y dibujar te ayuda a evadirte de otras preocupaciones o problemas, el arte se convierte entonces en algo terapéutico. Tus fuentes de inspiración son… artistas, obras y tendencias, por supuesto, pero también las cosas y personas más íntimas, cercanas, mis amig@s, las con-versaciones con ell@s. La ciudad donde vivo también me inspira mucho, tanto los grandes museos y galerías como las calles, la gente y los bares. Tu entorno influye inevitablemente en lo que haces, viajar también viene muy bien como fuente de inspiración. Tus artistas referentes son… bastante heterogé-neos. Dentro de la ilustración estoy atenta a Henning Wagenbreth o Atak, dos artistas alemanes que combinan en sus trabajos buenas ideas con resultados bastante personales. También me gusta la ironía de las ilustracio-nes de Ian Stevenson o Parra, o el misterio angustioso de los cómics e ilustraciones de Emilie Östergren. En otras disciplinas me parecen muy interesantes por ejemplo los juegos de objetos de Joan Brossa o Chema Mádoz, las fotografías y collages de Josep Renau, Joan Fontcuberta o Jack Pierson, el amor por los objetos de desecho de Arman, el arte feminista de Valie Export, Sarah Lucas y Jenny Holzer… los cortos y películas de Ulrike Ottinger o

Barbara Hammer o los trabajos escultóricos de Olafur Eliasson, Tony Oursler y Jannis Kounellis. Tu método de trabajo es… varía dependiendo de lo que hago. Para los cuadros por ejemplo, la mayoría de veces comienzo a trabajar directamente con el soporte sin hacer bocetos previos. Los formatos grandes gene-ralmente necesitan varios meses de realización, suelo trabajar con ellos de una forma bastante intensa hasta que necesito una pausa para distanciarme y retomarlos más adelante con la mente más despejada. El trabajo del que estas más orgullosa es… en general me canso bastante de lo que hago cuando pasan unos meses, así que los trabajos de los que suelo estar más orgullosa suelen ser algunos de los más recientes. Ahora mismo estoy bastante contenta con el cuadro Colors, y con los dos wall paintings que hice el año pasado. Joaquina define su trabajo como… figurativo, influen-ciado por el cómic y la estética naïve pero con un toque lúgubre. Juego con ideas, asociaciones y contrarios. Para ello utilizo a menudo la ironía y los textos cortos. Musculcat está trabajando ahora en… un cuadro que me han encargado y preparo un fanzine que incluirá varios cómics e ilustraciones mías, cuyo tema principal es la identidad de género. También preparamos un corto con gente de la escuela Filmarche de Berlin. Tu sueño realizado es… haber venido a vivir a Berlin y poder dedicarme a las artes visuales. El sueño por realizar… ¡Musculcat en el Moma! (risas)


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la de portada t: delphine delas

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SwEET DREAMS(are made of this)

Los “dulces sueños” de Socatoba están hechos de temas violentos, sofocantes, con solu-ciones estéticas obsesivas. Pero no nos engañemos con sus imágenes, esta artista espa-ñola, que trabaja y experimenta desde hace años, no deja de soñar y seguir luchando con una obra dionisíaca de gran humanidad. Los mejores objetivos siempre se consi-guen con heridas y golpes. Socatoba nos lleva de la mano por un camino que nos descoloca. Un largo sendero, inmenso, que provoca un razonado desarreglo de todos los sentidos.

SOCATOBA

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Mi formación empezó desde muy pequeña en una escuela de Artes y Oficios de mi ciudad (Badajoz), donde empecé a dibujar esculturas griegas y romanas en carbon-cillo. Siguió en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla donde la formación es bastante clásica, me licencié en Pintura y continúa en estos momentos en Barcelona. Utilizo “conti-núa” porque pienso que un artista nunca deja de formarse. Todos estos lugares me han aportado muchas y variadas cosas. Empezar desde tan cría en mi ciudad me aportó diversión porque me encantaba dibujar y crear un mundo nuevo en mis libretas con los rotuladores, lápices de colo-res y el carbón, ohh!! y esas esculturas tan grandes!! Aprender esto desde esa edad tan temprana me fue for-mando para la prueba de acceso a la Facultad, pues tenía clarísimo lo que quería estudiar. Sevilla me dio una muy buena formación clásica y a la vez me brindó la oportunidad de conocer a artistas muy variados, galerías, galeristas, críticos y como no, ¡de vivir la Semana Santa andaluza, que desde luego es digna de ver! Barcelona fue bastante dura al principio. Ahora sigo pensando que no es una ciudad fácil a nivel artístico, si no vienes con un “nombre”. Lo mejor que me ha aportado son las personas que he conocido; artistas, críticos y diseñadores que hoy tengo como amigos. Ellos y ellas me han aportado muchos conocimientos y nuevas acti-tudes para seguir luchando por lo que siempre he querido. Definirse como artista es complicado. Llega un momento (como este) que tienes que plantarte dar una buena expli-cación. Básicamente si tengo que situarme en una corriente artística sería en el expresionismo, en la manera de ser entendida como la deformación de la realidad para expre-sarla de una forma más subjetiva, dando primacía a la expresión de los sentimientos. Así pero con matices dife-rentes, ya que esta corriente se define en su mayor parte por la soledad y amargura, en definitiva negatividad y ese no es mi único objetivo. Mi sueño simplemente sería poder vivir del arte, no tener que trabajar en otro ámbito para poder mantenerme. Me gustaría transmitir a la gente que es una forma de vida, una profesión. Sacar tiempo y dinero para realizar mi obra. No tener que dar explicaciones, que no es mi hobby. La obra que me gustaría realizar es la que ya desarrollo, lo que sí me encantaría es poder ampliarla con otras manifestaciones artísticas. Seguir adquiriendo conocimientos, viajando y descubriendo nuevas culturas que enriquezcan mi trabajo. Creo que la obra perfecta no existe, como ya comenté anteriormente el artista nunca deja de formarse, de experimentar, no para llegar a un objetivo final sino como una necesidad de superación conti-Pe

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nua consigo mismo. Sueño constantemente, tanto dormida como despierta. Mis sueños a veces son dulces y otras amargos, como la vida misma. Los sueños, sueños son, pero los pies los tengo en la tierra. ¡Lo que tengo muy claro es que nada ni nadie me impedirá soñar! Sobre las influen-cias generales en mi trabajo, te dirían que van desde las experiencias cotidianas, a las personales. Puede inspi-rarme una conversación con unos amigos en un bar, las noticias, la gente de la calle. Y como no, todos los artistas estamos influenciados por grandes o nuevas figuras del arte, me gusta mucho el trabajo del fotógrafo Boris Mikhailov, Diane Arbus, Pieter Hugo, la pintura de Marlene Dumas, Elizabeth Peyton, las performances de Pilar Albarracín, Pipilotti Rist, las instalaciones de Rebeca Horn, Wolf Vostell y muchos más. Pienso que la definición de “fuerte” es muy subjetiva para mi obra, porque siempre dependerá de quien la mire y con qué ojos lo haga. Soy consciente de que trato temas complicados, a veces violen-tos y difíciles que están tan integrados en la sociedad donde vivimos que los observamos por encima del hombro. Me atraen y me gusta trabajar sobre ellos dándoles un signifi-cado personal, mi visión conceptual y claro, acaban teniendo un fuerte poder estético, no sólo por el tema sino por la ejecución. Utilizo un lenguaje personal en todo lo que desarrollo. Suelo trabajar pasando por varios estados. A la hora de crear dependo mucho de mis experiencias del día a día, de mis estados de ánimo y del vuelo de mi imaginación. Creo que más que hablar de una gramática o de un lenguaje definido, me decanto más por la idea de un vocabulario pro-pio que intenta abrir una puerta dentro de las que ya están construidas. Llega un momento, después de unos años, en el que te preguntas por qué ninguna galería de tu país apuesta por ti, te haces muchos planteamientos sobre ti mismo, sobre tu trabajo, sobre tu manera de hacer las cosas, para llegar a la conclusión de que tienes que seguir hacia adelante hasta que alguna te preste atención y te dé la oportunidad que tanto anhelas. Sin perder nunca lo más preciado: las ganas de crear porque para ti no es una obli-gación sino una necesidad. No me considero una paria den-tro del mercado del arte español, considero que a algunas personas nos es más difícil poder acceder a él, por condi-ción, situación y suerte. Y esa idea de que nadie es profeta en su propio país es una tontería porque hay muchos artis-tas que sí que lo son. Me ubico como si estuviera en una relación complicada, donde los tres pilares que la forman nunca llegarán a un acuerdo, por ahora. El mundo del arte es tan subjetivo que ya casi no me planteo por qué mi tra- socatoba.blogspot.com

bajo no encuentra lugar, o más bien el lugar donde me gus-taría que estuviera. Lo que sí voy teniendo más claro después de los años que llevo aquí es que mi obra no tiene ni tendrá más sitio del que tiene ahora. Bebo de dos con-ceptos y queda bastante claro al observar mi trabajo, basado en series muy diferentes que convergen hacia un mismo punto. O mejor dicho hacia un objetivo claro: que el espectador no se quede indiferente. Militante, no sé si sería la palabra adecuada, pero está claro que el mensaje que intento enviar va más allá del simple hecho de la observa-ción estética y técnica. La mayoría de las veces es un grito bien alto a las injusticias ajenas y propias. Difiero con esta frase de Patti Smith, “Un artista exhibe su trabajo, no sus heridas”. Yo como artista que exhibe su obra, puedo asegu-rar que también exhibo mis heridas, a veces de una manera consciente y otras de forma inconsciente. Creo que si tra-bajas con sinceridad, no puedes evitar formar parte de tus creaciones. En el futuro, me veo creando sin parar en un estudio, una fábrica abandonada con ventanales grandes inundada de luz natural, con proyectos, con alguna galería y con una gran sonrisa en la cara porque seguiré teniendo a todos mis amigos que siempre me han apoyado a mi lado, aunque algunos en la distancia.

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ilustración t: eunís font

Eika, entre dos realidades

Su nombre artístico es Eika y aunque vive en Rusia podríamos decir que parece salida de una realidad paralela. Una ilustradora detallista y fantasiosa que pinta mundos oníricos y soñadores. Siempre inspirada en la naturaleza, es capaz de crear seres tan fantásticos que ni el sueño más surrealista podría esbozar. Una joven artista que ve el mundo de otro color.

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KARINA EIBATOVA

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Nací en la URSS el año 1980 y en ese momento la ciu-dad se llamaba Leningrado. Ahora es San Petersburgo. Fui criada en esta gran ciudad de manera que el ambiente no me ofrecía mucha naturaleza. Cuando tenía 19 años me fui a estudiar arte contemporáneo a Suecia y allí viví sola en una casa en el bosque, con conejos y todo. La escuela estaba situada al lado del mar. Bosque, mar, montañas y campos; aunque no hubiese ninguna tienda de alimentos cerca, era mi preferencia. Después de este pequeño pedazo de paraíso volví a mi gris ciudad natal. Rusia y Suecia son muy diferentes. Vivo en el país más grande del universo dónde hay cerca de trece millones de personas y casi no hay naturaleza, por eso trato siempre de recor-darme a mí misma y a los otros que vivimos en un planeta impresionante y muy rico. Por ese motivo mi trabajo está muy inspirado por la naturaleza, su poder y su belleza. Sobretodo me inspiro en lo orgánico e infinito del espacio.

Pero mi obra no tiene nunca la última palabra, no puede describirse a sí misma, es un misterio, hasta para mí. Y estoy segura de que el proceso de creación no me perte-nece sólo a mí. Soy una mujer soñadora, con seguridad puedo decir que todo el mundo tiene sueños pero no todos son capaces de desarrollar este don que del soñar, o es que no todos pueden atraparlo.¿Qué tipo de sueños tengo? No tengo mucho control sobre mí cuando estoy soñando, pero los mejores son siempre en los que estoy volando. Cada vez que sueño que tengo la habilidad de volar me digo “¡Finalmente! Puedo volar y no es un sueño. ¡Es increíble!” pero cuando despierto el poder desaparece. Y de cada sueño algo se refleja en mi trabajo. Aunque tam-bién tengo otra particularidad en mi inspiración. Me encanta escuchar audiolibros mientras trabajo. Mis obras, por su gran cantidad de detalles, me toman mucho tiempo, así que es muy agradable vivir en dos realidades

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al mismo tiempo. Empecé a dibujar siendo una niña y la pintura nunca me abandonó. Así que no tuve tiempo de decidir cuál sería mi profesión, simplemente sucedió así. En esa época en la que empecé a dibujar nadie me había dicho que las sirenas no eran reales, así que cada vez que tenía la oportunidad de pedir un deseo, cuando veía una estrella fugaz o soplando las velas de la tarta de cumplea-ños, pedía con todas mis fuerzas convertirme en una sirena. Ahora me da un poco de vergüenza y aún necesito poder respirar debajo del agua pero de esas sirenas que-dan restos en mi obra. Mis personajes de fantasía son todos los que están más cerca de la naturaleza. En mi obra mezclo la vida real con un mundo fantástico y algo onírico ya que todo, y especialmente la naturaleza, es surrealista. Pero, por otra parte, no creo que lo sea mi trabajo. Una de mis obras más laboriosas es un alfabeto con una fuente algo fantástica, cargada de detalles y acompañando las letras con seres. Me tomó cuatro meses terminarlo y durante el verano del 2009 yo iba con el libro dónde estaba dibujado a todas partes. De manera que ahora cada letra me recuerda a unos días en concreto. La primera, la A, la dibujé en una fiesta, la B en la playa y la G mientras andaba de noche por las calles de la ciudad. Me encanta este alfa-beto ya que es una parte muy importante de mi vida. Hasta que se perdió el libro. Fue una tragedia que duró 3 meses, hasta que un amigo lo encontró. Espero que algún día mis hijos puedan aprender el alfabeto con este libro. Oh, aun-que supongo que tendría que pensar en su publicación. Para mí no hay días típicos de creación artística. Cada día es el último y es único. ¿Qué pasa con el proceso de crea-ción? Creo que siempre es una lucha contra uno mismo, luego llega el placer y luego, de nuevo la lucha. Aunque algo hay seguro en mi trabajo: me encanta usar las acua-relas porque le dan un toque vivo y bonito y sobretodo, dibujar mis obras con los lápices comunes. Ahora estoy trabajando en vídeo y en arte callejero. Este año estoy postulando en algunas academias de arte de Europa, por lo que espero poder vivir allí una nueva vida pronto; aun-que ¡una nueva vida empieza cada día!.

www.behance.net/eika/frame/all

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Bittersweet Sweetness

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Estudié diseño en la Escuela de Bellas Artes de Sidney pero allí, de hecho, no llegué a hacer ninguna ilustración. En esos momentos estaba más interesada por el arte grá-fico y el cine. De todas formas, dibujar era algo que desde pequeña, casi compulsivamente, había hecho, aunque supongo que nunca había pensado en ello como carrera. Al principio creaba mis ilustraciones con cualquier mate-rial que tenía al alcance: viejos papeles manchados, bolis y lápices mordidos. Más tarde, cuando empecé a trabajar más en serio en proyectos de ilustración, comencé a bus-car materiales más concretos y ahí ya adopté algunas técnicas del diseño tradicional: rotuladores Copic, goua-che y Letraset. A medida que iba desarrollando mi imagi-nario, también fui evolucionando mi técnica. Siempre he estado interesada en crear una tensión amarga en mi trabajo, inspirada por la nostalgia, el aislamiento y el escapismo. En general, voy buscando cierta esencia con-creta de la infancia. Muchos de mis trabajos reflejan el anhelo de escapar a un mundo en el que todo se pueda mostrar, como en los juegos infantiles. Y como los niños, cautivados por las cosas simples con inocencia, curiosi-dad y asombro. Los elementos animales, particularmente en mi trabajo más reciente, quieren enfatizar aquello fun-damental, sacado de las emociones e instintos más prima-rios. De niña, yo era tranquila pero curiosa, a menudo perdida en mi pequeño propio mundo… ¡Y tampoco he cam-biado tanto! Dibujar es para mí una válvula de escape de la vida adulta, una salida que por sí misma ya tiene un sen-tido nostálgico. Gran parte de mi inspiración viene de los recuerdos personales que tengo capturados en antiguas fotos de familia y en rollos de película Súper 8. Y también de los sueños de la infancia y, incluso, de las pesadillas… Pero, a su vez, me inspiran objetos peculiares y piezas

nostálgicas que he ido coleccionando y guardando por todo mi estudio: postales vintage, libros infantiles y mi colección de delicada porcelana china. Siempre me inte-resa explorar nuevos materiales y técnicas. Hasta ahora he estado usando generalmente rotuladores Copic, tinta y grafito en grandes hojas de papel para imprimir, y para los proyectos comerciales combino estos procesos con las técnicas digitales del diseño, usando Photoshop e Illustrator. Pienso que, aún inmersos en esta era digital, hay un reconocible deseo de llevar las cosas a lo básico. Probablemente se trate de un gesto para encontrar sen-tidos más tangibles en todo aquello hecho a mano, casi siempre para escapar de nuestra dependencia tecnoló-gica y encontrar algo que se perciba como real. Este año estoy trabajando en una nueva obra, que tengo planeado exponer en Australia y también en Europa. Me interesa empezar a moverme por el mundo de la ilustración de libros infantiles, por lo que ya estoy desarrollando algunas ideas y personajes para crear una narrativa alrededor de los mundos imaginarios que he creado en mi cabeza. Definitivamente, Australia ha influenciado mi trabajo, par-ticularmente inspirando los temas de aislamiento y mi interés y aprecio por la naturaleza y lo salvaje. De todas formas, me he dado cuenta de que mis viajes y también mi afición por los cuentos de hadas y las historias populares europeas, con los que crecí, han tenido un impacto fuerte en mi imaginario. Como mi familia es de origen griego, siempre he sentido una conexión con Europa y me he ima-ginado a mí misma trabajando allí… De hecho, ¡por eso ahora mismo me estoy preparando para mudarme a Londres! En la capital británica espero explorar la historia cultural y desde allí pasear por tantas galerías y museos estupendos de toda Europa como me sea posible.

Niñas y niños con máscaras de animales, pequeños bichos salvajes con la misma mirada inofensiva. Dulce y amarga, o quizás con un aura desafiante, es la esencia de la infancia que Kareena Zerefos (Australia, 1983) nos propone en sus ilustraciones. En su mundo creativo, el recuerdo de la niñez no se presenta forzosamente teñido del caramelizado rosa infantil, sino que Kareena sabe brindarle una naturaleza mucho más libre y fantasiosa. Es lo que tiene haberse criado en la isla más grande del mundo pero, a su vez, el continente más pequeño: lo aislado está allí, y Kareena lo recoge a través de los gestos de niños selváticos y animales tiernos que conviven en un mismo universo. No basta con edulcorarse con lo suave y sensible de sus trazos ilustrativos: lobos, osos, elefantes, roedores, pelícanos, zebras, caballos o niños recuperan, nostálgicamente, algo más.

www.kareenazerefos.com

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Photography: Ren Rox › renrox.com Styling: Ines Fravezzi › inesfravezzi.com

Hair: Noriko Takayama con productos Bumble + BumbleMake up: Ali Isaac con productos M.A.C

Model: Katiusha @ PREMIERPhotography assistant: Natasha Mann

Styling assistant: Pamela Kelly

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Photography: Mathieu Vladimir Alliard (mathieualliard.com)

Styling: Adele CanyModel: Victoria Ribot @ Uno Barcelona

Photography assistant: Diego Fernández

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Chaqueta Antik Batik. Pantalones Cruz Castillo. Corbatas a modo de cinturón Hermès, Versace & Hugo Boss

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Thanks to: Anna, Brian, Dolors, Laia & Victoria

Chaqueta Eline Van Ree. Camisa Hermès. Vestido de L’Arca de l’Àvia. Foulard Accessorize

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fotografía t: claudia niubó

Canto a la belleza, en general

El arte siempre nos ofrece algo nuevo. Nada queda obsoleto y todo está por descubrir. Ana Kras es una joven artista multidisciplinar que ejemplifica a la perfección la capacidad infinita de creación. Diseñadora, fotógrafo y en ocasiones, modelo, que con sólo veintiseis años personifica la ilusión y el amor por un mundo a veces infravalorado, el mundo del arte. Sus fotografías y objetos han dado la vuelta al mundo, y aún nos queda mucho por ver.

^ANA KRAS

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”Nunca podré decidir del todo qué me gustaría ser y por eso todavía sigo trabajando en muchas cosas diferentes. En realidad jamás me había planteado el diseño de mue-bles. Fue más bien por accidente. Me encontré en un curso sobre ello en la universidad. Al principio quería dejarlo, lo mío siempre ha sido la ilustración. Pero finalmente, decidí quedarme y probar. Sentí desde el principio que algo de todo aquello me atraía. De repente, empezó a gustarme más y más, disfrutaba teniéndome que enfrentar a los problemas que me iba encontrando durante el proceso de diseño. Después de la universidad empecé a elaborar dife-rentes objetos y de alguna manera, este ejercicio empezó a ser un trabajo. La fotografía, sin embargo, siempre ha ido conmigo. Está ahí para ayudarme a recordar las cosas que me pasan. Cada fotografía recoge un momento, una viven-cia, una sensación que me gustaría recordar. Equilibra de forma hermosa la labor que tengo que hacer con el diseño, porque es fácil, instantánea, ligera, todo lo contrario del largo proceso que comporta la creación de un objeto. Para tomar mis fotografías siempre utilizo la cámara ana-lógica. El límite es lo que precisamente me gusta de ella. Cuando disparas con carrete no tomas veinte fotos sobre cualquier cosa que tengas a tu alrededor y luego eliges la mejor. La cuestión es que ni siquiera puedes averiguar cuál es la mejor con veinte fotos del mismo motivo utilizando la digital. Como algo aparte, de vez en cuando ejerzo de modelo, pero ni mucho menos de forma profesional. Sólo es una experiencia con la que me divierto.” Las creaciones de Ana Kras han aparecido en multitud de exposiciones y revistas de medio mundo. Sin duda, la imagen que mejor representa su trabajo como diseñadora son las bonbon lamps, unas lámparas que teje de forma muy peculiar y las noodle tables, unas mesitas multiusos. “Me gusta que la persona que use mi objeto esté feliz por ello porque le es útil, práctico. O la sensación placentera que le pueda provocar tenerlo a su lado. La cuestión es darle un giro a los arquetipos y elaborar un objeto que guste, que se uti-lice y que su dueño esté satisfecho de tenerlo consigo. Me encanta mi trabajo, aunque nunca he seguido una rutina. La verdad es que soy muy desordenada durante el pro-ceso de creación. No tengo ni idea de cuándo empieza ni cuándo termina este proceso. Gran parte de la evolución de mis proyectos ocurre en mi cabeza. Casi nunca hago un boceto previo para ver cómo se desarrollan mis piezas. Es difícil saber qué significa el arte. Si se trata de creación sin un propósito específico, entonces probablemente no hay necesidad de nada más. El arte existe por su propia exis-

tencia y puede llegar o no a las personas. Las artes aplica-das son las que suelen partir de un punto de vista técnico porque el resultado está ahí para servir y ser utilizado. El lugar en el que creces y tu alrededor interactúan contigo y, por supuesto influyen en la formación de tu persona. Se refleja en tu modo de trabajar, en tus relaciones, en todo. Pero no creo que tenga que ser algo obvio en la pieza final que realices. A mí me gusta que el producto sea universal, que funcione en cualquier lugar, para cualquier persona.” Muchos artistas plasman en sus obras las sensaciones que la guerra les imprimió utilizando las distintas formas de arte que dominan. Ana Krâs no, aunque nació en Belgrado, zona sumida en un conflicto bélico que ha marcado dura-mente su historia. “Puede que lo haga de forma incons-ciente porque en cierto modo soy un retrato de la guerra de mí misma, como lo somos todos. Pero la guerra no es un tópico en mi trabajo. Desde que era niña ha estado siem-pre presente a mi alrededor, así que no lo siento como un asunto más que reflejar, sino que es algo que está simple-mente allí. Mis obras no intentan transmitir nada en espe-cial. Es más sencillo. Soy feliz si mi trabajo puede hacer que alguien sienta algo, que despierte alguna emoción. No busco nada más. No creo que se tenga que ofrecer algo muy nuevo. La gente sigue haciendo lo mismo o de forma muy similar desde siempre. Se trata de ofrecer algo que refleje la forma en que tú lo experimentas y lo poco ‘nuevo’ que encuentras en algo. Como ocurre con los besos. A lo largo de tu vida puedes besar a muchas personas diferen-tes y, en cierto modo, estás haciendo lo mismo, pero no sientes lo mismo.” Una diseñadora y fotógrafa como Ana Kras, se pregunta a sí misma si diseñaría los muebles de su propia casa. “Me lo pregunto a menudo! Mi gusto es tan flexible que no puedo imaginar cómo haría el diseño de mi propia casa. Me gustan muchas cosas y muy distintas. Creo que acabaría decantándome por un espacio simple, lleno de objetos, uhm, no, quizás no tantos objetos, sino más bien herramientas con las que trabajo. Probablemente sí que habría alguno de mis objetos. Por ejemplo, tengo noodle tables en mi casa y me encanta usarlas porque bebo mucho té y uso la parte de arriba como si fuera una ban-deja. Me encantaría algo simple, muebles vintage y grandes ventanas y plantas. Plantas altas. Por ejemplo, desde hace poco estoy enamorada de una manta rosada india que con-seguí de mi amigo Aaron y sin duda, la pondría en mi casa imaginaria. Ahora, mientras estoy escribiendo, me abriga”.

www.anakras.com


fotografía t: ferenz jacobs

La insoportable levedad del ser

Algunos fotógrafos son capaces de llevarte directamente fuera de este mundo y colocarte en el suyo. Maia Flore es uno de esos fotógrafos. Esta parisina de 22 años, recién graduada en la prestigiosa escuela de la imagen Gobelins, ha capturado con su serie Sleep Elevation la insoportable levedad del ser. Maia tiene una imaginación desbordante, una cuidada puesta en escena y un impecable revelado. Intenta soñar de día, porque siente que aquellos que sueñan de día conocen muchas cosas que pasan desapercibidas a los que sólo lo hacen de noche.

MAIA FLORE

La insoportable levedad del ser

Conocí la fotografía hace unos años y la odiaba. Luego aprendí a utilizar mejor la cámara y empecé a tomar fotos. Siento que lo domino cada vez más. Ahora utilizo una Canon EOS 5D Mark II pero la Nikon FM2 también tiene su pequeño espacio dentro mi bolso. La idea detrás de Sleep Elevation es un encuentro. Experimentamos muchas cosas cada día y a veces se produce un encuentro. Me gusta creer en esas casualidades. Me parece la solución a la única pesadilla que tenía cuando era pequeña. En esa pesadilla estoy cami-nando a la pata coja sobre un pequeño muro al lado del mar con mi abuelo y me caigo, pero nunca sé si caigo al mar o fuera de él. Tomé las fotos para esta serie en varias partes. Dos de ellas fueron realizadas en Islandia, otra en el sur de Francia donde nací, también una en el norte del país. Ah, hay una tomada en Berlín y otra en Suecia. ¿Quién es la chica pelirroja de las fotos? ¡Soy yo! Normalmente empiezo la sesión en mañanas nebulosas, yo sola. No sé por qué, pero así trato de encontrar una manera. Al final del túnel y precisamente en ninguna parte me encuentro con alguien y ocurre algo. Una sesión. Después de trabajar en el labora-torio fotográfico Processus, fui asistente de los fotógrafos Carl Kleiner y Julia Hetta en el estudio Agent Bauer en Estocolmo. Carl es una gran persona. Tuve la oportunidad de hacer mis prácticas con él el año pasado y me ayudó a empezar a revelar las imágenes que estaba tomando. Le agradezco el perfeccionismo en su manera de trabajar. En

pocas palabras me lo pasé genial durante un mes en Suecia, con nieve hasta el cuello y ¡25 grados bajo cero! No conozco tan bien a Julia Hetta. La asistí durante sus visitas a París, pero desde que me mudé a Reykiavik es más difícil. El año pasado empecé con mi nueva sesión de fotos Two Directions y todavía no he terminado. No sé muy bien a donde voy con este proyecto, porque es más una historia de vida que un sueño. No te lo puedo explicar bien, yo misma no entiendo lo que busco en Two Directions. Desde 2007 hago las imágenes para Minor Sailor, mi grupo de folk elec-trónico junto a Jeremy Joseph, que hace la música. Nos conocimos atrapados en un globo a combustión en pleno cielo. Vimos el mismo cielo con todos los colores con man-chas de tinta en vez de las nubes que pasaban por ahí. Sólo queremos compartir todos los días que podamos tener después de nuestro encuentro. Minor Sailor es tanto música como ilustración, proyecciones y películas. Queremos vivir nuestro universo en otros lugares. El encuentro con Jeremy y la creación entorno a Minor Sailor ha sido para mí una verdadera revelación de futuro. Vuelvo este jueves a nuestra casa en Reykiavik. ¡No puedo esperar! La verdad es que no recuerdo mi último sueño. Tengo muy mala memoria. Como voy falta de recuerdos, la fotografía me hace creer que los tengo. Me cuesta guardar los sueños en mi memoria. Sin duda es la razón por la que creo firme-mente en las palabras de Edgar Allan Poe: “Aquellos que sueñan de día conocen muchas cosas que pasan desaper-cibidas a los que sólo sueñan de noche”. Realmente me encanta esta frase. Pone en palabras perfectamente la sensación de que vivo como me siento o por lo menos intento vivir. No puedo decirte si estos sentimientos extra-ños que me ocurrieron por la noche han sido un sueño. ¿Esto es verdad? No lo sé. Sé que mi sueño absoluto será tener esta revista en mis manos.

www.maiaflore.com

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Siento nervios al encontrarme con Ryan. Es uno de los artistas estadounidenses más copiados y valorados del arte urbano contemporáneo. Y eso impone. Su trabajo parte de los sistemas de señalización y se basa, principalmente, en la superposición y repetición de símbolos universales. Olvidaba decir que sus influencias vienen de la cultura pop, del surf y del skate y también que es considerado por algunos como el Warhol del s. XXI. Pero en realidad, mientras recorremos su exposición, hablamos bien poco de ello. Será que para Ryan estas comparaciones no son tan importantes. Con voz pausada comenta que lo que realmente le interesa es que lo reconozcan por su particular contribución al mundo del arte. Aquí está. que tengáis dulces alucinaciones.

RYAN MCGINNESS

El valor de soñar con signos

Crecí siendo un gran fan de Andy Warhol. Es curioso porque funciono en ciclos de ocho años. Ahora me gusta mucho Warhol, ahora no me gusta tanto. Me va a rachas. Fui a la misma escuela que él y años después realicé prác-ticas en el Andy Warhol Museum como asistente de comi-sario. Así que me siento un poco en deuda con él. No hay duda de que su contribución a la cultura es significativa. Y eso es algo que admiro. Lo que no me gusta es la ironía y el sarcasmo, su actitud demasiado fría. No me identifico con eso. Entiendo que es un recurso fácil vincular a alguien con otra cosa que ya conocemos, para entenderlo mejor. Y lo apruebo pero yo persigo un esfuerzo genuino y, honestamente también trato de hacer mi propia contri-bución al mundo del arte. ¿Dónde estaría mi contribución si estuviera imitando a alguien? Al principio, cuando me trasladé a Nueva York para desarrollar mi carrera artís-tica, me centré mucho en el uso de clipart y de dibujos que se encuentran en el espacio público, en los periódicos, en la cartelera, en el listín telefónico, etc. Este tipo de dibujos de línea muy simple que todo el mundo puede usar porque han sido creados anónimamente. Como el dibujo de alguien lavándose las manos o la imagen de una cabeza de mujer con diferentes peinados que puedes encontrar en la pelu-quería. Imágenes muy estilizadas y genéricas que en rea-lidad no son propiedad de nadie. Las cambiaba de contexto y las pintaba sobre lienzo. Empecé trabajando en este

concepto y también haciendo reproducciones de repro-ducciones. Copiando la misma imagen una vez y otra. Después, poco a poco, me fui interesando en la forma y en el trabajo con iconos, logos y símbolos. Una estética que evidentemente viene del mundo del diseño. La disciplina que estudié antes de dedicarme al arte. La ciudad de Nueva York también ha sido una inspiración para mí. Aunque a menudo me genera mucho estrés. Mi estudio está en Chinatown, en el piso dieciséis de un viejo edificio. Es un ático bastante grande, con muy buena luz y tenemos acceso al tejado. El ambiente del barrio, ese estrés, ese estallido de energía y esas calles están dentro de mí. Así que de alguna forma, y no sé cómo, han sido inspiradoras para mi trabajo. ¿Qué me sugiere el concepto Sweet dreams? Pues pienso en nubes, arco iris, unicornios, estrellas, quizás en una ciudad de caramelos y golosinas, este tipo de ambiente. También imagino algo surrealista. De hecho, en mi trabajo hay algo de psicodelia, como de representación de los estados de la mente, y muchas imá-genes surrealistas. Auque no siempre son dulces. También utilizo símbolos que tienen significados muy personales. La esencia de cada imagen viene de una combinación entre sueños, alucinaciones e imaginaciones. Están inspiradas en canciones pop, en lecturas, en la música, en cualquiera de las cosas que vemos habitualmente. Existe una amplia gama de inspiraciones, así que también existe una amplia

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gama de significados. En realidad lo que me interesa es adaptar esta estética y este lenguaje de los símbolos para comunicar algo muy personal. Así, podría decir que genero mundos a partir de un vocabulario extensivo de dibujos gráficos originales, los cuales utilizan el lenguaje visual de la señalización pública, los logos corporativos y la iconografía contemporánea. Esta sería la respuesta oficial a la hora de definir mi vocabulario visual. Por otra parte, está el color, que es el auténtico protagonista de la exposición Color Oblicuo que me dedica el Espai Cultural Caja Madrid en Barcelona hasta finales de marzo de 2011. Aunque si tengo que elegir diré que la forma es lo más importante en mis dibujos. Todo nace de la geometría. De hecho, sólo dibujo en blanco y negro. Creo que si una pieza no funciona primero en blanco y negro, no funcionará en color. Cuando pienso en qué tengo que dibujar siempre me centro en la forma y en cómo quiero que las imágenes se ensamblen. Esto es lo más importante: dibujo y forma, en este orden. Y después, color, composición, materiales, etc. En realidad, utilizo materiales simples y tradicionales. Todos mis cuadros y esculturas están realizados funda-mentalmente con pinturas acrílicas aunque, cada vez más, estoy creando esculturas con aluminio pintado. Las pintu-ras, por su parte, las elaboro mediante capas y capas de dibujos serigrafiados. Muchas de estas ideas se recogen en el libro Studio Manual, una publicación que recopila los pilares teóricos y prácticos que sostienen mi estudio y que creamos con motivo de la exposición Studio Franchise realizada en La Casa Encendida de Madrid. Estoy muy orgulloso de este libro. Es una de las mejores cosas que me ha pasado en 2010 porque me ha permitido trabajar con dos amigos. Un ilustrador y un escritor que ha utili-zado un lenguaje muy preciso y que construyó la historia como si fuese un cuento. Ha sido una experiencia magní-fica, más de lo que pensaba. También el año pasado finalizó mi proyecto 50 Parties. Hicimos una fiesta en el estudio cada semana del 2009 al 2010. Cada fiesta tenía un feeling diferente, un concepto detrás. El año tiene 52 semanas pero pensamos que 50 era un número mejor y eso, ade-más, nos dio la oportunidad de descansar un par de veces. Hicimos una pool party, una serie de fiestas centradas en el concepto sexo, drogas y rock&roll que duraron tres semanas, montamos un casino, una fiesta de la cerveza, una rave, etc. Por una parte, estaba muy interesado en realizar un proyecto que me permitiera reflexionar sobre la idea de la fiesta sólo por la fiesta. En Nueva York hay montones de fiestas pero muchas veces están supedita-

das a las marcas o a las cosas que están de moda. Es algo estúpido y por eso creé la idea de 50 Parties. También por eso decidimos celebrar las fiestas en nuestro estudio, porque nos daba libertad para hacer lo que quisiéramos. Llegamos a destrozar el estudio. Por otra parte, en un segundo plano, también estaba muy interesado en la idea de ver la fiesta como un vehículo para explorar diferentes conceptos. Así que hicimos performances, teatro, insta-laciones, utilizamos músicas diferentes, y todo con la intención de ver la interrelación de la gente en sociedad. Terminado este proyecto, ahora mismo estoy trabajando en la serie Blacklight paintings, preparo una exposición en Virginia, la ciudad donde nací, que tiene como base unos trabajos que realicé para el Virginia Museum of Fine Arts y desarrollo nuevas series centradas en el estudio de la figura de la mujer. Las presentamos en un club de strip-tease en Miami y las volveremos a mostrar en Nueva York. Y cuando termine con todo esto, ¿qué haré? Pues sólo sentarme y descansar. ¡Es lo mejor!

www.ryanmacginness.com www.50parties.com

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Rallito X La repolución ha comenzado

Imaginad que podéis cambiar el mundo. Que fuérais capaces de generar un movimiento a través del arte que os hiciera perder la noción de lo que es real y lo que es mentira. Esa es la misión que le ha sido encomen-dada a Rallito X. Toda vuestra vida ha sido pura manipu-lación, pero eso va a cambiar, porque la repolución ha comenzado. El artista Rallito X presenta el próximo jue-ves 10 de marzo su primer libro, Manipulated Society, editado por The Private Space Books. Rallito X estuvo con lamono en Berlin, realizando su última perfor-mance artística. Rallito X se propuso generar el caos en la capital alemana y lo consiguió. Ése es el hilo argu-

mental de la pieza de vídeo que lamono presentará en The Private Space. Producido por lamonotv y dirigido por laneta, este mini-documental narra la reflexión más pura de un artista que se enfrenta al orden de un mundo estructurado buscando la libertad en el caos. Rallito X conquistó Berlin con su obra y coronó su paso presentando en exclusiva su libro Manipulated Society junto a lamono en la feria de street & skate & sneakers BRIGHT tradeshow. Ahora llega a Barcelona contando con una presentación/introducción de lujo a cargo de la reputada comisaria de arte Mary Cuesta. A las 20h DJ Markcerock animará la convocatoria con su música.

The Private Space. Jueves 10 de marzo a las 20h. Roc Boronat, 37. Barcelona.www.rallitox.orgwww.theprivatespacebcn.comwww.lanetalab.com

Frames extraídos del documental sobre Ralllito X producido por lamono y dirigido por laneta. Localización: Berlin


Imágenes del libro Manipulated Society, de Rallito X

postits t: clàudia niubó

NeomitoReinventando Barcelona

Es bonito ver como entre el conformismo, la rutina, la pereza y la comodidad, hay gente que lanza un grito o una carcajada para darle un poco de alegría y color al día a día. Cierto es que atravesamos una época difícil pero, como dice el refrán, al mal tiempo buena cara. Y preci-samente buena actitud y positivismo son la fuerza que desprenden muchos artistas para que también los demás olvidemos, por un momento, todo lo que nos rodea. Bajo estas premisas ha surgido un nuevo colectivo de autores en Barcelona, sin nombre y sin bandera, unidos por el arte y el entusiasmo depositado en su trabajo. Ellos son

jóvenes diseñadores y fotógrafos que viven o han vivido en Barcelona: Juju’s Delivery, BANDID8, Gastón Liberto, Grainne Nagle, Caroline Selmes, Sergio Rocha, Pancho Tolchinsky, Gabriel Estrada, Sergio Mora, Lusesita, Catalina Estrada, Drasik, Miju Lee y RaüL Vazquez. En marzo, presentan su primera exposición como familia, el inicio de un proyecto llamado Neomitología de Barcelona. Una nueva visión de la urbe, un híbrido entre mito y reali-dad, donde lejos del tráfico y la muchedumbre hay espacio para todos, el humor y la crítica. Una muestra que supone el primer paso de un colectivo que sin duda, brillará.

Del 10 de marzo al 4 de abril. RAS Galería/Librería. Doctor Dou, 10. Barcelona. www.rasbcn.com

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William Marc ZanghiGlue

El pasado es necesario para que uno mismo crezca y evolucione como persona. Una mirada atrás para ir, siempre, hacia adelante. No vale quedarse anclado en un momento, lo bonito de la vida es contemplar todo lo que se presenta ante nuestros ojos y entonces, disfru-tarlo. Aún así, muchos insisten en glorificar un pasado, ahora muy lejano. Es cierto que siempre recordare-mos a los grandes de la historia por sentar las bases de la gran belleza que aportaron con sus obras. Sin embargo, el presente ha evolucionado y el futuro, pronto llega. Si tuviéramos que definir el siglo XXI con tan sólo una palabra, cambio, sería, con gran acierto, una de ellas. Las cosas no pierden su valor y signifi-

cado, sino todo lo contrario, el presente ha ampliado el gran abanico de variedades habidas y por haber. William Marc Zanghi personifica el cambio de marco a la perfección. El artista italoamericano observa un mundo aparte sobre el lienzo. Ahora, por primera vez expone en nuestro país y lo hace en la Galería Mito de Barcelona. La muestra reúne una veintena de obras del artista. Una colección en la que alterna idílicos paisajes psicodélicos con escenas apocalípticas de gran fuerza visual. Un resultado muy potente, utilizando colores muy llamativos que le permiten contrastar los distintos personajes de sus cuadros. Una renovación del arte muy innovadora.

Hasta finales de marzo. Galería Mito. Rosselló 193, Barcelona. www.mitobcn.com

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postits t: claudia niubó

Patrizia SchopfNuevas historias de vidas anónimas

Las formas tradicionales del arte están cambiando. Los conciertos han pasado de los grandes estadios a los pequeños hogares que acogen a jóvenes bandas inci-pientes en el mundo de la música. La pintura se concibe desde la sobriedad del museo hasta en bonitas tiendas que ofrecen un espacio más íntimo, donde poder apre-ciar el trabajo de nuevas promesas. Y precisamente en este contexto de innovación constante, aparece una propuesta muy prometedora para el mes de marzo. La

diseñadora gráfica alemana Patrizia Schopf debuta en la ciudad presentando la colección La despedida del cuento en Nu Sabates, una de las zapaterías con más encanto de El Born. Una muestra que recoge el reencuentro de la artista con la ilustración y las técnicas caligráficas. Imágenes anónimas encontradas, formas geométricas y una tipografía elaborada que ofrecen, como resultado final, una colección de miradas anónimas y el reflejo de su propia historia personal.

Del 4 al 31 marzo. Nu Sabates. Cotoners, 14. Barcelona. www.nusabates.comlalemana.blogspot.com

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Conrad RosetCosas íntimas

Muchas veces sucede que, de forma inconsciente, nos quedamos observando a una persona, embobados en su color de ojos, en su forma de hablar, en el vaivén de los coches tras de sí sin atender a nada más de lo que ocurre a nuestro alrededor. De repente reaccio-namos, pero aún así, no podemos apartar la vista de aquello que ha cautivado todos nuestros sentidos. Los dibujos e ilustraciones de Conrad Roset consiguen captar entre lápiz, tinta y anilinas esta misma sensa-ción. El mes de marzo presenta una nueva exposición: un conjunto de musas retratadas desde una pers-

pectiva muy íntima. Cuerpos de mujeres desnudas, escenificando momentos de placer, movimientos sen-suales, de gran atracción visual. El color habla por sí solo, pues consigue transmitir un conjunto explosivo de emociones de acuerdo con las tonalidades que uti-liza. Una mirada a escondidas, el retrato de momentos íntimos: besos, pasión, tristeza, dolor... Momentos íntimos, escondidos, ocultados, tan sólo pueden ser revelados tras la cerradura, los susurros o secretos. Cosas íntimas que Conrad Roset nos revela en la gale-ría Miscelanea de Barcelona.

Hasta el 20 de marzo. Galería Miscelánea. Guardia 10, Barcelona.www.miscelanea.info / conradroset.blogspot.com

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Xavi MuñozIn Somnis

Vivimos en un entorno donde las prisas marcan el ritmo de nuestros pasos, donde el tráfico y la congestión humana nos conducen de manera sistemática hacia el estrés y el caos. Tenemos tareas que cumplir y a las que responder. Seguro que durante el día “tenemos que hacer” muchas cosas. Inmersos en esta vorágine de la que somos prisioneros, la serenidad es difícil de encontrar. Sólo nos queda el mundo de los sueños para poder evadirnos. Precisamente un mundo de ensueños es lo que ha querido plasmar Xavi Muñoz en su nueva exposición, con un aire delicado, frío, que respira dulzura infantil. A partir de elementos simbólicos,

iconográficos y biográficos este artista barcelonés ha plasmado sobre el lienzo y el papel lo onírico como realidad paralela. Un mundo que se presenta ante noso-tros sólo con cerrar los ojos. La entrada al mundo de la noche, amapolas, atrapa-sueños, elementos todos ellos que componen la escena nocturna de un mundo aparte, que apenas conseguimos recordar. Toda una burbuja en la que somos capaces de olvidar la rutina, el orden, y en la que este joven artista nos introduce con gran encanto. El uso de la purpurina, el azul cielo y el negro son las pinceladas de color que terminan de adornar esta bonita muestra poética. T. Clàudia Niubó.

Hasta el 23 de marzo. Galería Raquel Ponce. Alameda, 5. Madrid. www.galeriaraquelponce.es

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Ultimamente ColectivoaReunión de arte callejero

La calle es el punto de reunión de la organización Ultimamente Colectivoa y las paredes grises y sin personalidad, sus lienzos. El resultado, la exposición Vendidos Bandidos: destellos de color, expresión y explosión de sentimientos. El colectivo está formado por diez artistas callejeros, cada uno con un estilo muy personal que, tras dejar huella en las paredes de las ciudades españolas, llegan a Madrid el próximo 18 de marzo, concretamente a la galería Mad is Mad. Así,

podremos contemplar el trabajo en pequeño formato de artistas como A79 Aka Sonrie, Dourone, Eduardo Bertone, Mog, Namero o Rallito X, entre otros. El día de la inauguración, como no podía ser de otra forma, además de mucho aerosol, habrá performances y Dj’s que amenizarán una de las veladas más street del año. Con la muestra, esta reunión de artistas urba-nos consolidados demuestran que aún tienen mucho que decir en las calles del mundo. T. Aina Ruiz

Galería Mad is Mad, Pelayo 48, Madrid. Del 18 de marzo hasta el 17 de mayo. www.madismad.com

postits t: claudia niubó

Women are BeatifulInstantes de una realidad

Las formas tradicionales del arte están cambiando. Los conciertos han pasado de los grandes estadios a los pequeños hogares que acogen a jóvenes bandas inci-pientes en el mundo de la música. La pintura se concibe desde la sobriedad del mueso hasta en bonitas tiendas que ofrecen un espacio más íntimo, donde poder apre-ciar el trabajo de nuevas promesas. Y precisamente en este contexto de innovación constante, aparece una propuesta muy prometedora para el mes de marzo. La

diseñadora gráfica alemana Patrizia Schopf debuta en la ciudad presentando la colección La despedida del cuento en Nu Sabates, una de las zapaterías con más encanto de El Born. Una muestra que recoge el reencuentro de la artista con la ilustración y las técnicas caligráficas. Imágenes anónimas encontradas, formas geométricas y una tipografía elaborada que ofrecen, como resultado final, una colección de miradas anónimas y el reflejo de su propia historia personal.

Del 24 de Febrero al 4 de Junio de 2011. Fundació Foto Colectania. Julián Romea, 6 D2. Barcelona. www.colectania.es

Centennial Ball, Metropolitan Museum, Nueva York, 1969 © The Estate of Garry Winogrand, cortesía Fraenkel Gallery, San Francisco

Festival LP’11El arte que brota del cuerpo

Si siempre nos sorprendemos de la creatividad que hay ahí fuera, esta vez casi nos caemos de la silla. Os presentamos a un joven artista que a través del movimiento de su cuerpo lleva a cabo increíbles mara-villas. Se llama Tony Orrico y tendremos el placer de contemplar sus creaciones a modo de pintura y per-formance el próximo 5 de marzo en Barcelona. Desde Estados Unidos Tony Orrico presenta, por primera vez su arte en nuestro país. Y lo hace en el marco de acti-vidades del LP’11, ex festival de danza de Barcelona, que tendrá lugar del 4 al 27 de marzo. No se trata de una exposición de nunca acabar, ni de contemplar

las pinceladas en óleo sobre lienzo. Esta vez se trata de creación a través del cuerpo, el movimiento y la acción. Podríamos decir que lo que muestra Tony es más una acción que una exposición. Así, presentará una performance de creación plástica en directo, que deja sobre el papel un dibujo espectacular. Las dos obras de su actuación se enmarcan dentro del pro-yecto artístico en el que está trabajando actualmente, Penwald drawings. Su técnica: grafito en mano y utilizar las posibilidades de movimiento de su cuerpo, ya sea tumbado, con las rodillas o involucrando todo el cuerpo en su obra. Un resultado, sin palabras.

LP’11. Del 4 al 27 de marzo. CCCB. Barcelona. laportabcn.com. www.tonyorrico.com

Tony Orrico. Penwald 2 8 circles © Michael Hart

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Sam DougadosEntre les lignes

Quién dijo que el arte sólo puede expresarse sobre un lienzo. Un gran colectivo de nuevos artistas demuestra qué ignorantes eran aquellos que creían en una única forma de arte. El uso de la técnica y los materiales ha cambiado. Tan infinita es su variedad y combinación que el pasado, es cosa de la historia. La nueva generación de jóvenes creadores se ha encargado de renovar el arte, de concebirlo no sólo como un óleo colgado en una gran pared de algún museo. Ellos han apostado por la crea-tividad, la interacción con el montaje. Sam Dougados es un joven artista de Biarritz que vincula sus obras con el entorno, como si de un diálogo se tratara. Influenciado principalmente por el arte urbano, el pop art, la natu-

raleza y la gente de su entorno, experimenta nuevos conceptos a través de la escultura, la pintura, la foto-grafía, la escritura, el diseño y el arte de la tierra. Gran conocido por esta última tendencia, pues suele realizar imágenes gigantes efímeras sobre la arena, a ritmo de la marea. Ahora presenta una colección donde la línea es el hilo conductor de sus obras, siempre en relación con el entorno. Dos temas inéditos marcarán la exposición. I Need, una gran pieza de aluminio instalada en el centro de un estanque, donde juega con el reflejo del agua y un volumen enorme tejido con cuerda formando grandes figuras geométricas. Una novedosa aportación al arte, siempre en constante evolución. T. Clàudia Niubó

Del 26 de enero al 20 de marzo. Bodega La Winery, Arsac. France. www.myspace.com/dougasamwww.artmajeur.com/dougasam

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No global tourRepite conmigo: no

Nos encontramos en un momento histórico en que hemos aprendido a decir NO en todas sus modalidades. Nada más lejos queda que el arrollador NO a la guerra que ha signi-ficado una de la negativas populares globales más signifi-cativa de los últimos años. Decimos NO a las injusticias, al maltrato, que NO nos apetece, NO, gracias. El NO Global Tour es un viaje que se inició el 2009 y que ya ha recorrido medio mundo. Consiste en una gran escultura formada por la sencilla y contundente palabra NO que recorre países y continentes sobre la plataforma de un camión. Santiago Sierra es el creador de esta iniciativa que plan-tea una síntesis que va desde la escultura minimalista al viaje y a la road movie, ya que la película de todo el viaje se puede ver en el museo Artium de Vitoria junto con una colección de instantáneas. El viaje del NO comenzó en

Artium. Sala Este Alta. Francia, nº 24 01002. Vitoria-Gasteiz. www.artium.org

Lucca (Italia) y ha pasado por Berlin (y toda Alemania), Dortmund, Rotterdam, Maastricht, Bruselas, Londres, Greenwich, Nueva York, Miami, Washington, Hamilton, Detroit y Cleveland. Siempre ciudades industriales y barrios trabajadores, con la finalidad de hacer reflexionar a la sociedad acerca de las estructuras de poder, un viaje simbólico a través del primer mundo.

musica t: andrea jarales

Al primero que conocí fue a Ricardo. Recibí un mail suyo seis meses des-pués de la creación del proyecto, diciendo que mi música era realmente inspi-radora. Él quería añadir una guitarra a mis pistas para darle un sentimiento más completo. Dije, ¿por qué no? Démosle una oportunidad. La cosa funcionó, y comenzamos a montar shows juntos. Después de un tiempo, pensamos que sería una buena idea añadir un batería para darle un sentido más completo al directo. Pusimos un anuncio en una página web y en noviembre 2010 consegui-mos respuesta de André. Hablamos, ensayamos y todo funcionó bien, así que empezamos a hacer directos juntos. Hemos tenido y tenemos bandas paralelas al grupo. Yo (John) tuve 2 proyectos de electro-pop, Anagrama y Primer Amor, y actualmente también estoy en una banda de rock llamada Botswana, Ricardo tuvo una banda de post-rock llamada gravidade Zero y André sigue tocando en Bettershell y Plaggio. Escuchamos bastante música diferente, pero sobre todo rock, post-punk, electrónica y los nuevos grupos alternativos que van saliendo. Nuestra música es bastante onírica, no fue la idea principal, pero las cosas simplemente hablaron por sí mismas. Tuve un proyecto electro-pop en el pasado y la frase principal era Let’s Dream Together. Me gustó la parte de Dream (Sueño), así que lo pluralice y así surgió el nombre de la banda. Es fan-tástico lo que sentimos cuando vemos nuestra música en un blog o cuando descubrimos que en Last.fm hay gente de distintos lugares de Europa y US que nos siguen, nos quedamos con la boca abierta. Es realmente emocionante sen-tir que la gente nos apoya, pero la verdad es que hay diferentes reacciones. En Portugal, mucha gente se muestra bastante escéptica, otros reaccionan muy bien y vienen a hablarnos para decir que el concierto ha estado bien, o cosas así. No intento ser pretencioso, pero este tipo de música es nueva en Portugal, así que parece molestar a algunas personas, no sé. Nuestra experiencia fuera de Portugal ha sido totalmente diferente. Sentimos a la gente feliz y emocio-nada con nuestra música. Depende mucho en el fondo de las personas y eso es lo que realmente nos interesa.

www.myspace.com/dreamsdontloveyou


Hay gente que prefiere soñar despierto que dormido, idealizar las experiencias vividas, seguir adelante ante un fracaso sentimental y trasmitirlo todo mediante la música. Así nace la banda Dreams, desde Portugal y con sólo un año de reco-rrido, estos tres chicos lo tienen muy claro y están preparados para cualquier tipo de reacción. Con su álbum de debut Forgotten Thoughts, nos envuelven en melodías electrónicas con sabor a pop y dejes psicodélicos, no muy habituales en su ciudad de origen, que levantan gran expectación entre los amantes de la música experimental en toda Europa. Si eres un apasionado de Animal Collective, la música del S. XXI y la constante evolución, no les puedes perder la pista.

Pop Onírico

DREAMS

música t: natalia brovedanni / f: ceci diaz

No hacen falta más que dos guitarras, dos voces entrelazadas con sensibilidad y un baúl lleno de melodías frescas para convertir cualquier espacio en el jardín del edén. Cálido Home encarnan una de esas relaciones de amor que llegan a buen puerto, en la que cada uno adopta su papel y lo interpreta dejándose la piel en ello. Y la complicidad es tal que Anna y Eduardo no necesitan a nadie más y está bien aclarar que al público tampoco le hace falta. El folk que profesan huele a mar, coge formas, versiona a Pixies y evoca a Kings of Convenience en un cancionero de autor que, apelando a una voz sencillamente conmovedora en permanente juego con las guitarras, invita a soñar despierto y a dejarse conquistar.

El hogar donde se engendra todo es un cuartucho en casa de Eduard al que optimistamente llamamos local. Nos prometimos arreglarlo pero aún conserva sus cajas de herramientas, apuntes, lámparas que no funcionan, máscaras venecianas, etc. También hay un cuadro de un anciano desconocido y una secuencia de fotos en las que salimos peleándonos a vida o muerte, gana Anna. Todo nació en una casa en la playa donde nos conocimos. Apenas sabíamos tocar y desde el primer día estuvimos hasta la madrugada con el MI RE LA, en un bucle infinito. Hasta que no salió la oportunidad fortuita de un con-cierto en Heliogábal no nos pusimos a tocar en serio. Ahora mismo escuchamos Grinderman, Laura Marling, Mark Lanegan, Chic, etc. Componemos en función del tema y de lo que nos apetezca hacer. A veces partimos de una idea concreta (un trozo de guitarra, una letra, una melodía) y otras tenemos una idea general de la can-ción y forcejeamos hasta que sale. Aún no hay método, pero raramente lo hay ¿verdad? Sí, hemos pensado en incorporar más instrumentos pero por varias razones nunca lo hemos llevado a cabo. Tenemos una relación muy definida y una forma de trabajar y entendernos muy concreta y nos cuesta mucho imaginarlo de otro modo. Un dúo funciona muy bien, puedes tocar en todo tipo de sitios aunque en escenarios grandes nos sobra dema-

siado espacio. La creatividad queda compartida, cada uno puede y debe aportar mucho más. También eres próximo al público porque estás más solo en el escena-rio. ¿Qué se ve en los directos? Lo entrañables que podamos parecer y que somos bellísimas personas. Además caen más temas propios y versiones. Al ser las primeras canciones, las letras son un reflejo del bagaje musical escuchado y al mismo tiempo te llevan a experi-mentar con distintas maneras de crearlas (hacerlas más narrativas, más encriptadas, literales, políticas…). Hay y habrá un poco de todo. De momento vamos a seguir trabajando con más canciones, que aún nos queda más jugo que cuatro pomelos maduros. ¿Dónde nos imaginamos dentro de cinco años? No tenemos la menor idea… en el Albert Hall ¿vendrás? En general la respuesta en los conciertos es muy buena, a veces viene de gente que no identificarías con el estilo que tocamos, lo que es aún mejor. No nos condiciona, pues somos conscientes de las carencias y virtudes de lo que hace-mos. Mucha gente nos ha dicho que nos escuchan cuando se levantan o mientras cocinan, nos parece un gran momento. Otros dicen que mientras hacen la siesta. Eso jode.

www.myspace.com/calidohome

CáLIDO HOME


Dreamscome true

cd’s t: natalia brovedanni

Mogwai · Hardcore will never die, but you will (Rock Action/Subpop 2011) El Primavera Sound está a la vuelta de la esquina y uno de los nombres grandes es Mogwai, ese grupo que ha ido mutando con los años para convertirse en una explosión permanente de sonidos tan exagerados como estimulan-tes. Porque los escoceses que llevaron el post-rock a una popularidad de la que antes no gozaba regresaron para dar ostias. Su nuevo trabajo sigue apoyándose en texturas, en pasajes que suben hasta hacernos vibrar y se recuestan en ellos hasta el final, sin tanto recorrido como en sus discos anteriores. Quizás la intención (consciente o no) fue adap-tar su habitual sonido a algo más “comercial”, palabra que no tiene porqué asustar a nadie. Mogwai siguen sonando a Mogwai y eso es lo que realmente importa.

Sly Johnson · 74 (Universal) ¿Quién es? Uno de los tótems del soul contemporá-neo que ha heredado el sentimiento de otis redding y se rodea del típico grupo de coristas negras majas con terrible pedazo de voz que pincelan cada canción. La sorpresa es la inclusión de rap en mitad de pasajes bastante clásicos, donde incorpora bases electrónicas y deja espacio hasta al beatbox. Hey mama, el corte 3 del disco, desprende mucha energía pero se hace algo cansino para desentendidos del estilo. La verdad es que es un disco muy poco “lamono” pero es imposible decir que es un mal trabajo. Producción 10 puntos y colabora-ciones de Cindy Blackman y Sherrod Barnes. Bien.

First box then walk · Oy (Creaked Records) Jaume Pantaleón y Jose Roselló son de los pocos músicos locales con la suficiente habilidad para enfrentarse a un proyecto tan ambicioso y arriesgado como lo es AtletA. Después de lanzar el 7”, Fariseos, los ex-12Twelve se han propuesto aportar a la escena la originalidad que pedía a gritos desde hace tiempo. Casi como si nos hubiesen ence-rrado en la casa del ácido, Catedrales invita a dejarse caer, a arrastrarse por atmósferas afectadas de psicodelia, el kraut-rock y la electrónica más elegante para terminar entendiendo que si hay un “post” que le pega a AtletA es el post-sensacional porque cada canción ataca directamente al mundo de las sensaciones interiores. Muy prometedor.

Los Radiadores · Bienvenido (Florynata Records) A veces no hace falta ir más allá con los grupos. Hay público para todo. Los radiadores hacen rock clásico, de ese que se puede escuchar con una sonrisa en la cara, moviendo las manos de un lado hacia otro y coreando los estribillos. Es cierto que Raúl Tamarit, líder del grupo, canta en un español anclado en los 80 que bebe tanto de siniestro total como de loquillo y eso no aporta demasiado. Pero es bueno reconocer que esta clase de grupo que no esconde nada, que hace canciones directas, inmediatas y frescas siempre tienen cabida en el mundillo musical. El parque es mío, mola.


Madjo · Trapdoor (Mercury) Cuando se mezclan los rasgos de un venezolano con un ale-mán, por ejemplo, la belleza exótica del niño puede elevarse a cotas muy altas. En la música, como en la vida, a veces (y sólo a veces), sucede lo mismo. Madjo recoge en su primer disco soul, indie-folk y todas las vivencias de su vida. El pop más sutil y comprometido se da cita en un disco que puede recordar a una rickie lee jones actualizada, víctima del insomnio y la locura juvenil. Cécile grollimunde suena natural y con una seguridad soberbia y elegante. Un debut interesante al que habrá que seguirle la pista.

Ana Calvi · Ana Calvi (Domino) Si Nick Cave se aparece en tu puerta con intenciones de invitarte a ser su telonera, seguramente pienses en dejar los estimulantes y comiences a creer en tus canciones. Ana Calvi toca la guitarra con paciencia, genera atmósferas inusuales dignas de bandas sonoras triunfales, te obliga a cruzar el desierto armado de valentía y coraje; y canta como si hubiese nacido para ello. Susurra, habla, cuenta historias de amor, coge fuerza y se convierte, de repente, en cualquier artista femenina de los 80. Hace un tipo de pop poco habitual en los tiempos que vivimos y eso como mínimo sorprende. Es la clase de disco que te deja pensando en bandas de referencias sin llegar completamente a saber de dónde han salido semejantes combinaciones sonoras. Curioso pero entretenido. Ideal para hacer air-micrófono.

Sex Museum · Again & again El comienzo no da muy buena espina pero la cosa mejora inmediatamente en la segunda canción, un rock bastante clásico, por momentos algo evidente, donde una parte sal-vaje los acerca a lo más relajado de Internacional (Noise) Conspiracy y otra, cuando los teclados son protagonis-tas, que podría recordar a Diamond Dogs chapurreando en una lengua extraña. Que después de tantos años dedi-cados la música no decidan cantar en español, vistas las dificultades con el inglés, se me hace inentendible. Hay altibajos muy abruptos, canciones como Let me go home y Save your soul son muy buenas composiciones, en las que la voz coge el tinte de Morrison y la energía se dispara a puro guitarrazo, mientras que una balada a mitad del trabajo corta la dinámica adquirida hasta entonces.

Hype Williams · Hype Williams (Plan B Music) Que en la portada de este disco haya hojas de árbol que parecen de marihuana me motivó a escucharlo. No hace falta que se le de muchas vueltas a las cuestión. Los col-gados han sido siempre bien-recibidos en el mundo de la música. Lo que encontré fue electrónica buclosa para cerrar los ojos, ondular el cuerpo y dejarse llevar. Nada mal. Confirmado dentro del Sónar 2011, Hype Williams es el típico personaje al que todo parece salirle bien. Es fácil que lo confundáis con el director de vídeo clips porque le ha robado el nombre descaradamente. Lo fi y psicodelia se enredan en tracks de diez minutos, lle-nos de detalles, gritos, llantos, latas, cascabeles y un sensato gusto por los sonidos vintage del rubro. Todo parece ser parte de una película de porno-lisergia bas-tante interesante. Apuntado para ver en directo.

conciertos & sesiones

1_SLY JOHNSON El cantante francés Sly Johnson regresa con su primer disco en solitario tras la disolu-ción de Saïan Supa Crew, uno de los grupos de Hip Hop más importantes del panorama. El disco: 74, con tintes de soul clásico es un lujo para los amantes de la música negra, ya que Johnson con óolo 36 años ha revolucio-nado el panorama musical. La [2]. Viernes 4 de Marzo. A las 20.30h. 15-18€. BCN. NEU!/Galileo. Sábado 5 de Marzo. A las 21h. 15-18€. MAD 2_BLACK MUSIC FESTIVAL Los amantes de la música negra no pueden faltar a la décima edición del Black Music Festival que se celebra cada año en Salt, Girona. La presente edición tiene un cartel muy completo que apuesta por artistas ya consagrados y por nuevas pro-mesas. Morcheeba (UK), Eli “Paperboy” Reed (USA), James hunter (UK), The Wailers (Jamaica) y Esperanza Spalding (USA) encabezan un festival lleno de sorpre-sas. Del Viernes 11 de marzo al Viernes 15 de Abril. 15-40€. Salt, Girona. 3_PONY BRAVO + CUCHILLO El Let’s Festival está pisando fuerte este año. Nosotros destacamos la actuación de Pony Bravo acompañado de Cuchillo. El grupo andaluz presenta su nuevo álbum con tintes del rock andaluz de los setenta, blues y rock ameri-cano. Salamandra 1. Sábado 12 de Marzo. 15-20€. L’Hospitalet. BCN. 4_WHITE LIES+CROCODILES+TRANSFER Entre los británicos White Lies y los californianos Transfer y Crocodiles hallamos la esencia del Indie Rock actual.

White Lies presentan por primera vez en España su nuevo álbum Rituals pero no estarán solos, Transfer uno de los grupos más de moda, encargados de abrir el tour por el Reino Unido de Brandon Flowers, acompa-ñarán a los británicos junto con Crocodiles que debutó con éxito el año pasado con el álbum Sleep Forever. Sala Apolo. Martes 15 de Marzo. 23€. BCN. 5_KEREN ANN Keren Ann presenta su nuevo álbum 101. La artista holandesa-israelita, residente en Paris, Tel Aviv y Nueva York, aclamada por sus últimos discos nos muestra, con 101, un cambio de sonido y un giro sofisticado en sus letras. Esta vez incluye coros, cuerda, metal, sintetizadores, piano y un grupo de músicos. Bikini. Martes 15 de Marzo. 21h. 18-20€. BCN. Sala Heiniken. Miércoles 16 de Marzo. 23€. MAD. 6_MIYAVI El JRock y el visual Kei llegan a Barcelona a manos del guitarrista samurái nipón que se ha conver-tido en un fenómeno de la escena musical del momento. Su imagen andrógina y su nueva forma de entender el rock han catapultado a MIYAVI a lo más alto. Su trabajo consta de un guitarra (el propio MIYAVI) acompañado solamente de batería (Bobo). Un disco crudo y agresivo que no dejará a nadie indiferente. Sala Apolo. Miércoles 16 de Marzo. 20h. 25€. BCN. 7_PRIMAVERA FRANCÓFONA La quinta edición de la pri-mavera francófona promovida por el instituto francés es una fiesta por todo lo alto: cuenta cuentos, recita-les de poesía, percusión, grupo gaditano que versiona Georges Brassens, espectáculos de funambulismo,

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concierto de “chansons françaises”, marionetas y som-bras chinescas amenizado por deliciosas degustaciones de los productos regionales de la zona de Languedoc. Instituto Francés, Jueves 17 de Marzo. 19.30h BCN. 8_BOAT TEAM Tres chicas que se encontraron un día en Madrid como quienes coinciden en un viaje y decidie-ron compartir su camino. Josephine, Alisha y Aurora crearon hace dos años Boat Team y tras una gira por Japón y Vietnam y triunfar en el Primavera Sound y el BAM están plenamente consolidadas. Ahora presen-tan su segundo disco Reincarnation. Sidecar Factory. Jueves 24 de Marzo. 21.30h 10-14€. BCN. 9_ASIAN DUB FOUNDATION Dancehall, Dub Beats, Ragga y Punk Rock, una fórmula explosiva incluida en su último disco A History of Now. El nuevo single ya está disponible en su web y su letra recopila toda la esencia del álbum y nos recuerda que hay vida más allá de los tiempos modernos. Sala Apolo. Jueves 24 de Marzo. A las 20h. BCN. La Riviera. Miércoles 30 de Marzo. A las 19.30h. MAD. 10_FEEDER El grupo de rock alternativo de Gales reco-rre el país con su séptimo disco Renegades. Es una de

las bandas con más éxito de Inglaterra con casi cuatro millones de discos vendidos e himnos reconocidos por todos como: Feeling a Moment, Just The Way i‘m Feeling o Come Back Around. El concierto cuenta con la colabo-ración del grupo Turtle Giant de origen brasileño. Sala Heineken. Domingo 27 de Marzo. 20.30h. 22-25€. MAD. Bikini. Lunes 28 de Marzo. 20.30h. 22-25€. BCN. 11_CENTRO-MATIC+SEWARD El Grupo Texano Centro-Matic está liderado por Will Johnson, elegido como el mejor artista de la década de los 90, editor de la biblia roots y de la revista No Depression, lidera el cuarteto que inició su carrera musical el 1996. Un rock tenso, de electricidad seca y rugosa. Sidecar Factory. Jueves 31 de Marzo. 21h. 15-18€. BCN. 12_ADELE La cantante londinense presenta su nuevo álbum “21”. Tras el gran éxito de su último disco, que logró vender más de dos millones de copias, la joven cantante británica presenta su nuevo trabajo con influencias de personalidades como Wanda Jackson, Yvonne Fair, Andrew Bird, Mary J Blige, entre otros. Bikini. Viernes 1 de Abril. 21h. 25€. BCN. Sala Caracol. Sábado 2 de Abril. 20.15. 25€. MAD.

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BARCELONA: Sala Apolo. Nou de la Rambla, 113. 934 414 001. La [2]. Nou de la Rambla, 111. +34 934 414 001. Bikini. Avenida

Diagonal, 547. 933 220 800. Instituto Francés. Moià (Aribau/Diagonal). 935 677 777. Black Music Festival. Salt (Girona) 972

200 122, 972 200 122. Salamandra 1. Av. Carrilet, 235 L’Hospitalet de Llobregat. 93.337.06.02. Sidecar Factory. Plaça Reial

7. 93 302 15 86. MADRID: NEU!/Galileo. Galileo, 100. 91 53 475 57/58. Sala Heineken. Pricesa, 1. 902 15 00 25. La Riviera.

Paseo Bajo de la Virgen, s/n. 91 365 24 15. Sala Caracol. C/ Bernardino Obregon, 18. 91 52 73 594.

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