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COLECCIÓN

DE PINTURA

CONTEMPORÁNEA

INTERNACIONAL

88

the pictorial work of Pedro Barbeito (Corunna,

1969) half way between the present and the future,

the scientific and the artistic, satellites and 3D

programmes, has been developed on the other

side of the Atlantic, in the UsA, where he studies,

among other institutions, with a Masters in Fine

Arts at the University of yale. He currently resides

in Brooklyn, from where he has exhibited his work

in museums galleries the world over, such as the

Rose Art Museum, exit Art, Mario Diacano Gallery

and the Basilico Fine Arts. His works possess a

complex methodology in which he includes the

graphic reticules, the transparent painting applied in

laborious superimpositions of layers, the pixellated

forms and the radiant, intense colours like chains

of electrons on labyrinthine journeys. His reticules

on oval canvases defy the laws of renaissance

perspective, given that they try to show us all the

facets of some cosmological landscape, as if they

supposed a past beyond Picassian Cubism. Barbeito

is one of the first artists (late nineties) to centre

on the relationship between the digital image and

painting in his particular constructions and how

they imply a different way of looking. Barbeito

invents a new panoptic, centripetal representation

which he combines with the imaging of Velázquez

or Goya at the same time as integrating aspects of

the electronic tools and new media.

El trabajo pictórico de Pedro Barbeito (A Coruña,

1969), a caballo entre el presente y el futuro, lo

científico y lo artístico, los satélites y los programas

3D, se ha desarrollado al otro lado del Atlántico,

en Estados Unidos, donde se forma, entre otras

instituciones, con un MFA en la Universidad de Yale.

Actualmente reside en Brooklyn, desde donde ha

exhibido su obra en museos y galerías de todo el

mundo, como el Rose Art Museum, Exit Art, Mario

Diacano Gallery o Basilico Fine Arts. Sus trabajos

encierran una compleja metodología donde integra

las retículas gráficas, la pintura translúcida aplicada

en laboriosas superposiciones de capas, las formas

pixeladas y los colores radiantes e intensos como

cadenas de electrones en viajes laberínticos. Sus

retículas sobre lienzos ovales desafían las leyes

de la perspectiva renacentista ya que tratan de

mostrarnos todas las facetas de algún paisaje

cosmológico, como si supusiera un paso más allá del

cubismo picassiano. Barbeito es uno de los primeros

artistas (finales de los noventa) en centrarse en

la relación entre imagen digital y pintura, en sus

particulares construcciones y cómo implican un

modo diferente de mirar. Barbeito inventa una nueva

representación panóptica, centrípeta, que combina

con la imaginería de Velázquez o Goya a la vez que

integra aspectos de las herramientas electrónicas y

de los nuevos medios.

TILTED LANDSCAPE II | 2006

ACRíLICO SOBRE LIENzO EN MADERA

ACRYLIC ON CANVAS ON WOOD

170,2 X 270,3 CM

COLECCIÓN FUNDACIÓN BARRIÉ

PEDRO

89

90

“DESCUBRí EL POTENCIAL DE ESTE MEDIO CUANDO SALí DE LA ESCUELA y COMPRÉ MI PROPIO ORDENADOR. FUE ENTONCES CUANDO EMPECÉ A hACER PLENO USO DE LAS hERRAMIENTAS DIGITALES EN MI PROCESO, DESDE LA DESCARGA DE IMáGENES, PARA MANIPULAR, hASTA TRADUCIRLAS AL LIENzO CON PINTURA ACRíLICA, INTEGRáNDOLAS CON IMáGENES 2-D y 3-D”

91

From out of these new imaginaries of knowledge,

Barbeito combines abstract images with the

visual resources of NAsA, black holes, molecules,

neutrons and stars, creating a sensitive painting of

approximations and extrapolations, establishing a

gaze towards the work of certain artists from the

nineteen sixties, such as Mel Bochner, sol leWitt

and Ross Bleckner. Although he is internationally

renowned for his oval canvases, his previous

work combines elements of classical painting

reinterpreted in reticular terms, for example

rebuilding a maid of honour with digital tools

or reticularly recomposing a canvas by Picasso.

But Barbeito’s passion for computer science has

determined his work since 1996, when he bought

his first computer. Since then the digital scars

and wounds have translated his concept in the

3.0 era and represents the crisis of the classical

space by inserting a new dimension; there then

emerges the concept of transpainting, a new hybrid

pictorial syntax working with other disciplines

such as photography, 3D drawing, chemistry or

architecture. A painting with a multidisciplinary,

crepuscular and anticipatory self-awareness

that gives us the feeling of having been trapped

between two screens in a videogame.

Desde estos nuevos imaginarios del conocimiento,

Barbeito combina imágenes abstractas con los

recursos visuales de la NASA, agujeros negros,

moléculas, neutrones y estrellas creando una pintura

sensitiva de aproximaciones y extrapolaciones,

estableciendo una mirada hacia la obra de

ciertos artistas de los años sesenta como Mel

Bochner, Sol LeWitt o Ross Bleckner. Aunque es

internacionalmente conocido por sus lienzos ovales,

su trabajo anterior combina elementos de la pintura

clásica reinterpretada en términos retículares

multifacéticos, reconstruyendo, por ejemplo, una

menina con herramientas digitales o recomponiendo

reticularmente algún lienzo de Picasso. Pero la

pasión de Barbeito por la informática determina su

trabajo desde el año 1996, cuando se compra su

primer ordenador. Desde entonces las cicatrices y

heridas digitales traducen su concepto de pintura en

la era 3.0 y representan la crisis del espacio clásico

insertando una nueva dimensión; surge entonces

el concepto de transpintura, una nueva sintaxis

pictórica hibrida con otras disciplinas como la

fotografía, el diseño 3D, la química o la arquitectura.

Una pintura de autoconciencia multidisciplinar,

crepuscular y anticipatoria, que nos transmite la

sensación de habernos quedado atrapados entre dos

pantallas de un videojuego.

“I discovered the full potential of this medium when I got out of school and purchased my own computer. That’s when I began to fully use the

computer in my process, from downloading images, to manipulating them, to translating them on canvas in acrylic paint and integrating them with

2-D and 3-D printed images on canvas”

116

the linear, expanded and oneiric landscapes of

sandra Cinto (santo André, Brazil, 1968) form

one of the most coherent and personal pictorial

corpuses of the current Brazilian art scene. she has

an exhibition career that covers the whole of the

American continent from New york City to Chile,

including some of the most important museums,

such as the toyota Municipal Museum of Art of

Japan, the Georges Pompidou Centre and the

Bazouges la Perouse Creation Centre, in France.

Her graphic interventions on paper, walls or three

dimensional objects make her painting a practice

that overflows from the linear nature of writing,

creating pleasant atmospheres of a mystical nature.

And Sandra Cinto’s drawings, delicate lines leading

out sober blue outlines, sometimes create agitated

seas, like those that are drawn in the Ukiyo-e by

Hokusai, linking her drawing to a mental state of

catharsis, while at other times they represent rainy

landscapes like those that turner must have seen

when he tied himself to the highest mast of the

frigates in order to more deeply understand the

nature of storms. Her Foucaultian heterotopias

transmit a deep, contained and optimistic emotion,

and this is reflected in her titles: Happy Days, Nights

of Hope and The House of the Dreamer perhaps

speak of a generation of Brazilian artists who truly

trust in their country as, finally, a true state of order

and progress.

Los paisajes lineales, expandidos y oníricos de

Sandra Cinto (Santo André, Brasil, 1968) componen

uno de los corpus pictóricos más coherentes y

personales de la escena actual brasileña. Con

una trayectoria expositiva que abarca todo el

continente americano desde Nueva York a Chile,

pasando por los más importantes museos como

el Toyota Municipal Museum of Art de Japón,

el Centro Georges Pompidou o el Centro de

Creación Bazouges la Perouse, en Francia. Las

intervenciones gráficas sobre papel, pared u objetos

tridimensionales, hacen de su pintura una práctica

que desborda la linealidad de la escritura creando

amables ambientes de naturaleza mística. Y es

que los dibujos de Sandra Cinto, delicadas líneas

protagonistas de sobrios entornos azules, crean a

veces agitados mares como los que se dibujan en los

Ukiyo-e de Hokusai, vinculando su dibujo a un estado

mental de catarsis, mientras otras veces representan

paisajes de lluvias como los que debió ver Turner

cuando se ataba al mástil más alto de las fragatas

para entender en profundidad la naturaleza de las

tormentas. Sus heterotopías foucaultianas transmiten

una profunda emoción contenida y optimista, ya

que sus títulos así lo reflejan: Días Felices, Noches

de Esperanza o La casa del soñador hablan quizá de

una generación de artistas brasileños que confían

realmente en su país como, finalmente, un verdadero

estado de orden y progreso.

SANDRA

NOCHES DE ESPERANZA | 2008

ROTULADOR PERMANENTE y PINTURA ACRíLICA SOBRE MDF

PERMANENT MARKER AND ACRYLIC PAINT ON MDF

275 X 370 CM

COLECCIÓN FUNDACIÓN BARRIÉ

117

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“ES A TRAvÉS DE LOS SUEñOS, A TRAvÉS DE LA CAPACIDAD DE SOñAR qUE PODEMOS ENCARAR NUESTRAS ANGUSTIAS y BUSCAR UNA vIDA MáS FELIz”

119

sandra Cinto begins her career in the nineties. In

1994 she holds her first solo exhibition in the Casa

triângulo, in são Paulo. From then on she carries

out a multidisciplinary career, although most

remarkable for the quality and virtuoso nature

of here pictorial drawings, and her work takes

inspiration from performance, photography and

sculpture. It also alludes to her social concerns,

reflected in more openly combative works against

inequality and poverty, subtly criticising certain

economic and political decisions. Without ever

losing that metaphorical vocation, her three

dimensional pieces seem to have been taken out

of Alice’s other side of the looking glass, in which

beds, the place where dreams take place, are shrink

and hang from the ceilings, chairs are stretched

and become the double and columns grow like

Brancusian trees of sinuous solid shapes, painted

in a delicate, warm turquoise blue. Freedom and

Sandra Cinto’s obsessions go through stages

in which the sublime and the surreal allude to

Magritte’s skies or to the compositions of Giorgio

de Chirico, taking place in their essential minimals:

light in the middle of the night, the starry sky,

therapy faced with the image, the catharsis of work

or memory contained in the traces of time.

Sandra Cinto inicia su trayectoria en la década de

los noventa. En 1994 realiza su primera individual

en Casa Triângulo, en São Paulo. A partir de ahí

desarrolla una carrera multidisciplinar, aunque

destaque por la calidad y virtuosismo de sus dibujos

pictóricos y su obra se nutra de lo performático,

la fotografía o la escultura, también alude a sus

preocupaciones sociales que refleja con trabajos

más combativos contra la desigualdad y la pobreza,

criticando sutilmente ciertas decisiones económicas

y políticas. Sin perder nunca esa vocación metafórica,

sus piezas tridimensionales parecen haber sido

traídas desde el otro lado del espejo de Alicia, donde

las camas, el lugar donde suceden los sueños, se

estrechan y se cuelgan de los techos, las sillas se

estiran convirtiéndose en dobles y las columnas

crecen como árboles brancusianos de sólidas formas

sinuosas, pintadas de un delicado y cálido azul

turquesa. La libertad y las obsesiones de Sandra

Cinto pasan por estadios donde lo sublime y lo

surrealista aluden a los cielos de Magritte o a las

composiciones de Giorgio de Chirico, incidiendo en

sus mínimos esenciales: la luz en medio de la noche,

el cielo estrellado, la terapia mediante la imagen, la

catarsis del trabajo o la memoria contenida en trazos

de tiempo.

“It is through dreams, through the capacity of dreaming that we can face our anguish and search for a happier life”

140

Ángela de la Cruz (Corunna, 1965) has become an

obligatory reference in the contemporary art field

not only because she was the first Spanish artist

to be a finalist in the prestigious Turner Prize, in

2010, but also due to her conceptual work, which is

half way between what is essentially pictorial and

the sculptural, as she expands the artistic object

outside of the limits of the frame. she has a degree

from the prestigious slade school of Fine Arts

and an Honours Degree from Goldsmiths College,

University of london, although she also has a degree

in Philosophy from the University of santiago de

Compostela. she challenges the Greenbergian

conception of the specificity of the pictorial medium

by moving out of the vertical level. Her painting/

sculpture goes through deconstructive attitudes

of ambiguity, transgression, subversive humour,

sensuality and a powerful abstract beauty. Her

tragic and disturbing painting is still gestating in her

studio in london, located in a building dedicated to

artists in Portobello Road, where today, after having

been through an unfortunate illness, she directs a

team of assistants who take items of furniture and

canvases apart in order to create overflowing works,

remanants in the manner of memory.

Ángela de la Cruz (A Coruña, 1965) se ha convertido

en un nombre de obligada referencia en el arte

contemporáneo, no solo por haber sido la primera

artista española finalista en los prestigiosos Premios

Turner, en 2010, sino también por su trabajo

conceptual, a medio camino entre lo esencialmente

pictórico y lo escultórico, expandiendo el objeto

artístico fuera de los límites del marco. Graduada

por el prestigioso Slade School of Fine Arts y con

un BA con honores en la Goldsmiths University of

London, aunque también es licenciada en Filosofía

por la Universidad de Santiago de Compostela,

Ángela de la Cruz desafía la concepción

greenbergiana de la especificidad del medio

pictórico alejándose del plano vertical. Su pintura/

escultura transita por actitudes deconstructivas

de ambigüedad, transgresión, humor subversivo,

sensualidad y una potente belleza abstracta. Su

pintura, trágica, incómoda, continúa gestándose

en su estudio de Londres, ubicado en un edificio

destinado a artistas en Portobello Road, donde hoy,

y tras haber sufrido una desafortunada enfermedad,

dirige a un equipo de asistentes que desarman

muebles y telas para crear piezas desbordantes,

restos a modo de memoria.

LOOSE FIT | 2002

ÓLEO SOBRE LIENzO

OIL ON CANVAS

100 X 100 X 50 CM

COLECCIÓN FUNDACIÓN BARRIÉ

áNGELA

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“EN MIS PRIMERAS PIEzAS UTILIzABA LOS MATERIALES PARA DARLE UNA APARIENCIA MáS ESCATOLÓGICA y BRUTAL, yA qUE PENSABA MUChO EN LO SUCIO. MIS úLTIMOS TRABAjOS SE hAN FETIChIzADO, SON PERFECTOS, COMO BRILLANTES, qUERIENDO DAR LA IMPRESIÓN DE qUE ESTáN húMEDOS, RECIÉN hEChOS, IMAGINO qUE DE ALGUNA MANERA TIENEN UN LADO MUy SEXUAL. MI OBRA SIEMPRE hA TENIDO UN COMPONENTE SEXUAL, PERO TAMBIÉN CORPORAL. SIEMPRE hE PERCIBIDO EL BASTIDOR COMO UNA EXTENSIÓN DE MI CUERPO, MI EXPERIENCIA CON LA PINTURA ES TOTALMENTE FíSICA”

143

In 1996 Ángela de la Cruz broke her first painting,

Homeless, in response to an emotional breakdown.

since then her works started to undergo accidents

and to occupy unexpected spaces in galleries;

whether set back on a wall in the corner or thrown

onto the floor, her scorn for pictorial gesturalism

was gaining ground while she was focusing on

the possibilities of the objet trouvé and of junk-

sculpture. like in this monochromatic piece, the

accumulation, the variegation, the destruction and

the violence of her works provoke the paradoxical

and strange feeling of having achieved the calm and

the catharsis after the storm. Ángela de la Cruz’s

work, albeit without ever abandoning the chromatic

legacy of the spanish pictorial tradition, starts out

from artists like Donald Judd, Barnett Newman

and lucio Fontana, yet takes a very personal

route towards resolving the painting/sculpture

conflict that was announced in the late sixties by

Art & language: through incorporating its own

destruction into the work itself, turning the process

into a disaster and the painting into a tragedy.

En 1996 Ángela de la Cruz rompió su primer cuadro

Homeless en respuesta a una fractura emocional.

Desde entonces sus pinturas comenzaron a sufrir

accidentes y a ocupar espacios inesperados en

las galerías; arrinconadas en una pared o tiradas

por el suelo, iba ganando terreno su desprecio al

gestualismo pictórico mientras se centraba en las

posibilidades del objet-trouvé y de la junk-sculpture.

Como en esta pieza la monocromía, la acumulación,

el abigarramiento, la destrucción y la violencia de sus

obras provocan el paradójico y extraño sentimiento

de haber conseguido la calma, la catarsis, después

de la tormenta. Y es que el trabajo de Ángela de

la Cruz, sin abandonar el legado cromático de la

tradición pictórica española, parte de artistas como

Donald Judd, Barnett Newman o Lucio Fontana pero

resolviendo, de un modo muy personal, el conflicto

Painting/Sculpture que a finales de los sesenta

enunciaron los Art & Language: incorporando en la

misma pieza su propia destrucción, convirtiendo el

proceso en desastre y la pintura en tragedia.

“In my first works I used materials in order to create a more scatological and brutal appearance, as I often thought about the dirty aspect. My latest

works have become fetishised, they are perfect, like diamonds, wishing to give the impression that they are humid, recently made, I imagine that

in some way they have a very sexual component. My works have always had a very sexual, but also corporal component. I have always seen the

canvas frame as an extension of my body, my experience with painting is totally physical”