LA SOCIEDAD DEL ROCK

ÍNDICE

1. EL JAZZ: EL ANTES DEL TODO 3

2. POST GUERRA Y ROCK N’ ROLL: 50-60 10

3. GRAN BRETAÑA: 60’s 12

4. REBELACIÓN DE LOS 70’s 15

5. 80’s Y MÁS 17

1. EL JAZZ: EL ANTES DEL TODO

El ser humano como individuo nace y desarrolla con música, y es durante toda su vida

un acompañante trascendental. Parece hacer verdadera catarsis cuando desarrolla sus

acciones en conjunto con ella. Es simplemente una necesidad, y surge influencia en el

ser incluso antes de nacer.

Debemos tomar en cuenta que a lo largo de la historia, la música siempre ha estado allí,

custodiando los hechos importantes que determinan su desarrollo; es así como los

géneros musicales van migrando entre una época y otra, y se van transformando entre

sí. Como si la misma historia los moldeara según sus acontecimientos. Uno de los

géneros musicales a los que esto va directamente ligado es el rock.

Podemos encontrar cualquier cantidad de información al respecto y aún así no terminar

de procesarla por completo. El rock como género musical tiene muchas vertientes. Aún

así, sabiendo a grandes rasgos sobre su historia, no podemos iniciar un proceso

cronológico si no empezamos por la verdadera raíz del asunto. Es por ello que tenemos

que tomar en cuenta que no estamos hablando de solo música. Va mucho más allá.

Si queremos conocer acerca del rock, debemos entender un poco más a fondo sobre su

historia, más allá de los emblemáticos representantes del género que puedan de alguna

forma exponernos su más pura esencia. Cuando miramos un poco más atrás, nos damos

cuenta que el Jazz forma parte de eso. Y es que socialmente hablando, es el Jazz quien

da pie a todo lo que se conoce como música Rock.

Estamos hablando de finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, cuando las clases

sociales eran muy marcadas y las diferencias raciales nos condicionaban perennemente.

Estamos hablando de una época en la que la sociedad negra esclava anhelaba una

transformación, otros estilos de vida y evolucionar. Nueva Orleans es la cuna del Jazz,

es allí cuando el Blues y el Ragtime se unifican para crearlo, donde el Blues juega un

papel importante como ese manifiesto de los africanos con tilde social, con letras

cargadas de la problemática por la cual tenían que pasar en la época; y el ragtime, que

conformaba un conjunto de sonidos a ritmo que derivan de la marcha, y que se

difundían a través de los rollos de pianola ya que para el momento no se había

popularizado el fonógrafo.

Es así como se unifican las trompetas, tubas, piano, batería, clarinete, bajo y saxofón,

entre otros instrumentos, para crear estos ritmos. Muchas fueron las bandas que desde

finales del siglo XIX empezaron a propagarse, pero no fue hasta el año 1917 que se

realizó la primera grabación. La banda que la realizó fue Original Dixieland Jass Band,

justamente de blancos, y luego de cinco años fue que Spike's Seven Pods of Pepper

Orchestra realiza la primera grabación de jazz con músicos negros.

Para la época en la que el jazz se populariza, se desata una corriente que transforma las

calles de Nueva Orleans en un escenario musical y social bastante conmocionado. En

las calles abundaban bares, cabarets, burdeles y salas de espectáculos, la movida fue

realmente explosiva. Los músicos de jazz realizaban presentaciones en todos estos

locales y siendo negros, ganaban muy poco. Por tal motivo de día tenían la obligación

de desempeñarse en tareas muy humildes como carpinteros, obreros, trabajando dentro

de las embarcaciones del río Mississippi y poder subsistir económicamente.

Esta situación para la época era muy libertina, por lo que el Comando de la Marina de

los Estados Unidos, en proceso de la Primera Guerra Mundial, decide eliminar el

distrito de Storyville. Este distrito desde el año 1897 fue designado como zona de

prostitución tolerada, a fin de marginarlo de todo el país, liberándolo del escándalo que

producían estas actividades y poderlas controlar, pero a raíz de haber expuesto a los

marineros a este escenario cada vez que salían a la luz pública, el 12 de noviembre de

1917 este distrito pereció.

Una vez ocurrido este acontecimiento se hizo evidente el cierre de la mayor cantidad de

locales nocturnos presentes en Storyville, por lo que los músicos de la época se vieron

bastante afectados. Producto de esto hubo un gran éxodo de intérpretes y orquestas de

jazz hacia ciudades como New York y Chicago. Pero el jazz ya dejaba de ser lo que se

conocía en Nueva Orleans. Ahora con este movimiento masivo de músicos alrededor

del país, la música también se vería transformada.

Poco a poco el jazz fue irrumpiendo con tabúes de una sociedad conservadora. Trajes,

adornos, mujeres, y en general un ambiente bastante obsceno reinó en la sociedad de la

época. Surgieron así, grandes personajes que dieron camino al jazz en los años

siguientes, y cuya influencia determinó la evolución de la música hasta la actualidad.

Louis Armstrong

Conocido a nivel mundial como Satchmo, Louis Daniel Armstrong nació en la ciudad

de Nueva Orleans, el 4 de agosto de 1901. Armstrong fue una de las figuras más

emblemáticas de la música para el siglo XX, por lo que hablar del jazz y no

mencionarlo es casi una blasfemia, su aporte a la música fue invaluable y trascendental.

Es uno de los personajes más famosos y carismáticos de toda la época, adicional a su

talento que ha logrado gran influencia en muchos músicos del género.

Se dice que su fecha de nacimiento no es exacta porque él se había quitado dos años en

el registro para eximirse de la Primera Guerra Mundial. Fue hijo de William Armstrong

y Mary Ann Albert, pero no fueron ellos quienes participaron en su crianza, ya que fue

abandonado por su padre luego de que éste se divorciara de su madre, y ella ejercía de

prostituta, así que su crianza estuvo a cargo de su abuela. Creció rodeado de mucha

pobreza y con muy bajos recursos, situación que definiría muchas de las actitudes que

desarrolló durante su vida.

Sus primeros pasos dentro de la música iniciaron con la formación de un cuarteto vocal

denominado Happy Bolton. Se presentaban en la calle, cantando en las esquinas y así

obtener algunos centavos al día. Por lo general frecuentaban calles con gran afluencia

de personas, y gracias a este ambiente, Satchmo termina en el orfanato Hogar de los

Niños Expósitos. Presentándose en la calle no tardaría en meterse en problemas, cuando

un chico le apuntó con un arma sin balas y éste sacó otra que había robado de un

amante de su madre para cobrar venganza. Lo que ocurrió después es que Armstrong sí

disparó el arma y tal acción le otorgó el confinamiento por tiempo indefinido. Era

completamente normal que en una ciudad como Nueva Orleans se dieran este tipo de

escenarios, llenos de violencia y peligrosidad.

Una vez que Armstrong ingresa al orfanato es que empieza su verdadera carrera

musical. Allí toca instrumentos por primera vez, siendo el tambor el primero, sumado a

su participación en el coro de la institución. El primer profesor de Armstrong fue Peter

Davies, quien apoyó su verdadera ambición musical, la trompeta. Davies es quien

enseña a Armstrong a tocar este instrumento, y a la vez es el culpable de que Armstrong

lo hiciera de la manera incorrecta por desarrollar una postura incorrecta de los labios en

la boquilla. Posiblemente esto ocasionó ese sonido peculiar que solo Armstrong pudo

desplegar, ya que ejercía demasiada presión en la boquilla y esto siempre dificultó los

posteriores solos de trompeta que realizaría.

Esta forma de tocar que tenía Armstrong tenía influencia directa de bandas callejeras,

denominadas brass band, por tanto su educación no provenía de los blues y rags como

aprendieron sus contemporáneos, sino de estas bandas caracterizadas por la gran

potencia en los sonidos, manejo a granel de instrumentos de metal en su estructura y

gran cantidad de músicos en escena cargados de mucha emotividad. Uno de sus

mayores clásicos, el tema When the saints go marching in (La marcha de los santos), se

inició en esta época y fue desarrollado posteriormente.

Con la figura de Armstrong, se dio mayor foco a la importancia del solista sobre toda la

banda, y esto formó parte de ese estilo originario de Nueva Orleans que daría pie al

florecimiento de esta estructura para los años veinte, y así se iniciarían las grandes

orquestas. Él formo su primer grupo denominado Louis Armstrong and His Hot Five,

cuya creación aumentó su popularidad drásticamente, y posteriormente los Hot Seven.

Armstrong, sin querer, da pie a un estilo que adoptarían cualquier cantidad de cantantes

de jazz, y era el denominado scat. La primera grabación con este estilo fue Heebie

Jeebies, cuando el sonidista le pidió a Armstrong que le colocara letra al tema que solo

constaba de melodías, y éste, luego de escribirlo en un papel y ensayarlo un par de

veces, lo grabó. Lo que sucedió a continuación es que se le cayó el papel y Armstrong,

al no poder recordar la letra realizó una improvisación de los sonidos de la trompeta

solo con su voz. Esto lo hizo tan famoso, que tuvo que repetir esta improvisada técnica

en las actuaciones siguientes de su carrera.

Una vez que Armstrong evoluciona y se concreta como músico, ocurre el cierre del

distrito de Storyville. Para ese momento todos los músicos de jazz deciden huir hacia

otras ciudades pero Arsmtrong no era tan reconocido, por lo que no toma el riesgo y

decide quedarse, aunque ya la movida nocturna casi desapareciera. Allí formó parte de

diversas bandas y logró definirse como músico profesional.

Armstrong ingresó al ambiente de las ya populares bandas funerarias, ya que desde

pequeño las conocía. Estas bandas, denominadas la Second Line o Segunda Línea,

acompañaban con música todos los actos funerarios. Tuvieron origen con la liberación

de los negros, quienes tenían las tradiciones de culto funerario.

Estos actos se definían en dos partes: la primera consistía en recorrer las calles más

importantes de la ciudad con el féretro para trasladarlo al cementerio. Estaba

acompañado por una o dos bandas, cuya cantidad dependía del estrato social del

fallecido. Las letras de estas canciones eran evocaciones a Dios, por lo que con sus

sonidos provocaban el llanto de los presentes. Una vez que finalizaba el acto, las

intenciones musicales subían de tono para expresar melodías alegres que levantaran los

ánimos de los presentes. Era en esos momentos donde interpretaban los temas como

When the saints go marching in y Oh didn´t the ramble, que básicamente estaban

cargados de una energía totalmente diferente y cuyas intenciones siempre eran

homenajear el acto y al difunto conmemorado.

Durante la carrera de Armstrong las presentaciones fueron abundantes, casi trescientas

por cada año. Y aunque en los años cuarenta las big bands cayeron en declive,

Armstrong no se vio afectado al reducir su banda a seis músicos. Su carrera musical

prosperó en el tiempo, logrando ganar un premio Grammy como Mejor Cantante

Masculino y nominación como Mejor Disco del Año, y superando en el año 1964 a The

Beatles con su tema más vendido Hello, Dolly!, cuya posición logró el primer puesto en

los Estados Unidos. En dicho año también recibió el premio Nobel de la Paz el Dr.

Martin Luther King, quien estuvo muy apoyado económicamente por Armstrong, así

como otros activistas sociales durante la época.

Armstrong estuvo tocando y cantando casi hasta el último día de su vida, que finalizó el

6 de julio del año 1971, cuando por problemas cardíacos sufrió de un paro que acabo

con su vida. Satchmo viajó por todo el mundo y mantuvo relaciones profesionales con

una cantidad innumerable de músicos, quienes siempre admiraron su carisma y gran

destreza.

King Oliver

Otro de los personajes más transcendentales del jazz fue King Oliver. Su nombre real

era Joe Oliver, pero su gran virtuosismo y fama lo hacen ganar el nombre de King

Oliver. Su relación con Armstrong inició con la banda Creóle Jazz Band, donde Louis

era el segundo corneta, elemento que logró sacudir el mundo del jazz para el momento.

Uno de los temas donde tuvo uno de los solos más famosos fue Froggie Moore. Este

tema fue compuesto por Jelly Roll Morton, y es una de las melodías fundadoras de los

que en los años treinta se conoció como swing, cuya característica principal eran los

ritmos más acelerados.

Oliver también inició su carrera musical tocando en las calles, una de tales bandas fue la

Eagle Brass Band. Su nombre como “el rey de la corneta” se lo debe a Edward Kid

Ory, trombonista con quien formó relación dentro de una orquesta. Para el momento en

el que ocurrió el cierre de Storyville, Oliver emigró a Chicago y ya tenía tal posición,

que lo hizo con dos contratos en mano. Su estilo estaba muy marcado por la gran

destreza que tenía en el manejo de las sordinas, con lo que usaba vasos, tazas y

cualquier implemento que le permitiera variar y lograr el tono que quisiera, cambiando

la calidad a atenuando su sonido.

Una de las grabaciones de jazz más importantes de la historia estuvo a cargo de Oliver.

En esta canción denominada Dipper Mouth Blues, cuyo nombre hace referencia a

Armstrong, participaron músicos como Lil Hardin en el piano, Bill Johnson en el bajo,

Baby Dodds en la batería, Armstrong en la trompeta y Dodds en el clarinete.

Luego de disolverse la Oliver’s Creole Jazz Band, Oliver se unió a los Dave Peyton’s

Symphonic Syncopators en el año 1924. Luego en 1925 dirigió una banda llamada

Dixie Syncopators. Realizaba giras cortas y algunos contratos, por lo que su vida

musical siempre estuvo en constante movimiento. En el año 1931 formó otra banda y

realizó una gira por el sur y sudoeste, pero tras varios problemas enfrentados en 1935

tuvo que dejar de tocar la trompeta por pérdida de dientes, y posterior a eso al retiro de

la música hasta el fin de sus días.

El blues

Para el año 1925 surgen las cantantes de blues. Este género al igual que el jazz cobra

gran importancia y se desarrolla también en locales nocturnos. En principio, es

dominado por las mujeres, y éstas realizan grandes giras por todo el país donde eran

muy demandadas por los hombres, quienes desesperados, asistían a los locales solo para

verlas cantar. Sus escenarios siempre eran viejas tabernas, donde las propinas se

alzaban estrepitosamente con cada presentación.

Armstrong fue uno de los mejores solistas de blues, y la primera cantante que actuó con

él fue Ma Rainey, bautizada como “La madre del blues”. Su voz contralto y su

vestimenta despampanante caracterizaban su show. Muchos accesorios brillantes,

vestidos y arreglos de peinado caracterizaban su atavío. Cada función era única y estaba

cargada de emotividad. Si bien es cierto que ella fue el personaje más emblemático del

blues, Bessie Smith sería su heredera.

Bessie logró vender más de dos millones de copias solo con su primera grabación,

Down Hearted Blues, con la compañía de Clarence Williams. Su verdadera obra

maestra estuvo acompañada por Louis Armstrong en la corneta, St. Louis Blues, y

aunque no le gustaba tocar con Armstrong, por extrañar a su antiguo trompetista, por

sugerencia de la compañía discográfica logró un dueto glorioso.

El blues, que parte de una connotación melancólica y triste, tiene su origen en África.

Era utilizado como canto de guerra, canto espiritual, donde había cierto patrón de

llamada y respuesta dentro de su estructura. Se expresa de forma vocal e instrumental, y

debido a su orden repetitivo no se necesitan grandes cualidades musicales para

componerlo.

Musicalmente hablando, era un orden básico de doce compases, donde cada uno estaba

compuesto por cuatro ritmos. Los sonidos instrumentales podían ser bastante largos y

con la utilización de los mismos se le añadía un carácter más sentimental a la melodía,

que por lo general, se repetían frases dentro de las canciones y las rimas son bastante

flexibles, así que era de fácil creación. Su importancia fue tal que funcionó como matriz

del jazz y posteriormente del rock.

El instrumento base del blues es la guitarra. A esta se le agregaba un cilindro metálico

llamado slide que funcionaba para emitir un sonido diferente a las cuerdas. La guitarra

tanto acústica como eléctrica es fundamental dentro del género, pero no es el

instrumento de mayor popularidad. Este puesto lo tiene la armónica, que dentro de la

canción por lo general tenía un tono distinto al de la canción. Existe un estilo para

tocarla que fue denominado “segunda posición” o “Cross Harp”, cuyo sonido daba

sensación de lamento y melancolía. Posteriormente este instrumento escaló importancia

para los años cincuenta. El piano también utilizó con el blues, aunque siempre como

fondo. Lo que realmente forma el primer plano dentro del blues son los vocales.

El Góspel

Este tipo de música tiene sus orígenes en la sociedad afroamericana de los años treinta.

Estaba compuesta por música religiosa que se interpretaba en las iglesias evangélicas

donde los instrumentos principales eran el órgano, el piano, la pandereta y la voz del

intérprete. A nivel vocal los coros tenían el dominio de apoyándose en la armonía de las

voces. Su nombre tiene su raíz en la frase “God Spell” (palabra de Dios), que como

sonido anglosajón se abrevió de tal forma. Popularizado en los Estados Unidos, el

góspel igualmente recorrió el mundo entero, extendiéndose por países como Argentina

y España.

Dentro de su estructura tiene subgéneros, donde tenemos el góspel tradicional, que era

el interpretado dentro de las iglesias, un tema clásico es Oh Happy Day de Edwing

Hawkings. Góspel blues, tiene elementos como la guitarra del blues dentro de sus

canciones. Góspel sureño o Southern Gospel, compone una estructura de cuatro

intérpretes, donde tenemos un primer tenor, un segundo tenor, un barítono y un bajo, se

acompaña por solos de algún instrumento como piano o guitarra. Góspel negro o Black

Gospel, es el que más se sale de los esquemas, ya que no tiene número fijo de cantantes,

acompañan los ritmos con palmas y las melodías suelen tener más ritmo que las demás.

Por último tenemos los Scriptures, que no son más que grabaciones donde las letras son

netamente religiosas y pueden estar interpretadas con música o a capela.

En la actualidad el góspel contemporáneo existe como evolución del góspel tradicional.

Tiene la incorporación de batería, guitarras eléctricas y en muchos casos danzas con

coreografías muy bien producidas, adicional a esto la puesta en escena con la

decoración y demás elementos cobran importancia.

2. POST GUERRA Y ROCK N’ ROLL: 50-60

¿Qué es el Rock N’ Roll? ¿Cómo logra introducirse a la sociedad tan agresivamente?

¿Qué efecto produjo y cómo se desarrolló?

El rock n’ roll dio sus primeros pasos en una época bastante conmocionada. Se generó

en los cincuenta, cuando la sociedad estaba claramente consumida por los efectos de la

Segunda Guerra Mundial, y a nivel mundial se desarrollaban una serie de

acontecimientos que en gran parte influenciaron este movimiento de rebeldía. La

sociedad para ese momento anhelaba un cambio social ante el racismo bastante latente

en muchas partes del mundo.

La Segunda Guerra mundial había dejado estragos a nivel mundial. Con los cambios

territoriales y la pérdida de poder global que tenía Europa, se gestó el poder en dos

potencias: Estados Unidos y la Unión Soviética. Esto evidenciaba la polarización

política que se desarrolló entre socialistas y demócratas occidentales.

También se crea la Organización de Naciones Unidas, posterior a la guerra, cuyo fin es

garantizar la paz y seguridad internacional, así como el desarrollo económico de sus

naciones y el cumplimiento de los derechos humanos. Inició en 1945 con la inclusión

de 51 Estados, que se incrementaron paulatinamente.

A modo de contextualizarnos un poco dentro de los acontecimientos de esos días,

debemos hablar también sobre La Guerra Fría. Este nombre se le da al enfrentamiento

producido entre Corea del Norte y Corea del Sur, indirectamente por la Unión Soviética

que tenía como colonia a Corea del Norte y los Estados Unidos, que tenía como colonia

a Corea del Sur. Si bien es cierto que ambos países no extendieron sus armas

directamente, lo realizaron en estas tierras por un período de tres años donde la

debilidad de la Unión Soviética tras la muerte de Stalin, provocó mayor prudencia en

los rusos para que luego de duras negociaciones lograran la paz el 27 de julio de 1953.

En Cuba empieza la revolución dirigida por Fidel Castro y el Ché Guevara contra el

dictador Fulgencio Batista y en China por Mao Tse Tung. Todos estos movimientos

sociales ocasionaron que se desarrolla un intercambio cultural, y mucha gente emigró

hacia Norteamérica. Esto no solo influenció en la música, sino que también formó parte

de un cambio en gastronomía, costumbres, moda, literatura, cine, artes, etc. Las

sociedades empezaron a polemizar el peso de la democracia y aunque muy

conservadores, indagaban por cambio. Se generan así mismo, movimientos pacifistas,

en contra del racismo y a favor del feminismo.

La música se diversifica y aunque se populariza entre distintas etnias, sigue marcándose

el racismo. Sin embargo, la juventud de la época quiebra estos límites y se genera entre

blancos y negros una revolución musical que pone el mestizaje como premisa. Con el

conocido Rhythm and Blues de los negros y el Country and Western de los blancos, se

genera lo que conoceremos como el Rock and Roll, cuyo significado es un tanto

ambiguo, ya que muchos lo relacionan con el acto sexual, Rock (endurécete) y Roll

(muévete), otros los acuñen a un origen marinero por los movimientos de los barcos, y

hay quienes creen la versión de Alan Freed, donde a través de su programa de música

Rock The Joint, lo denominó Rock and Roll porque sonaba bien. El nombre no siempre

fue determinante, ya que hay grabaciones que datan de los años treinta cuyo nombre es

Rock and Roll y no precisamente exponen sus hilarantes ritmos, sino sonidos

totalmente diferentes, como el caso del tema de Boswell Sisters denominado Rock and

Roll (1934).

El pionero del Rock and Roll fue Bill Haley. Su banda llamada “Bill Haley and his

Comets”, que alcanzó la fama hasta 1955 con el sencillo Rock Around The Clock, tema

grabado el 12 de abril de 1954, logrando el primer puesto en Estados Unidos tras la

aparición en una película de Richard Brooks llamada Blackboard Jungle (Semilla de

Maldad), en la que la canción recreaba una escena de unos estudiantes en un salón de

clases que rompían unos discos. La película se hizo tan famosa por el tema que, aunque

no tenía ningún grado de violencia, fue prohibida luego de que un comité del senado

norteamericano la considerara no apta para los jóvenes. Este tema no fue el primero de

la banda, que desde 1953 lanzó Crazy, Man, Crazy, y en 1954, Shake, Rattle And Roll

y Dim, Dim The Lights. Bill Haley no podría ser considerado como el personaje más

emblemático del Rock pero sí un pionero del género, ya que luego de promocionar

Rock Around The Clock, tres meses después, el llamado “Rey del Rock” Elvis Presley

lanzó su tema That’s All Alright Mama.

Antes de que Bill Haley creara el primer éxito oficial del Rock and Roll, artistas como

Fats Domino, Joe Turner, Lloyd Price, Ray Charles y Little Richard fundaron las bases

del Rock and Roll pero gracias a lo abrasivo y muy precipitado comienzo, no lograron

expandirse como desearon, y fue un comienzo un poco menos provocador.

Con el nacimiento de Elvis, dentro de la música se populariza el Rock and Roll. Su

nombre es Elvis Aaron Presley, nacido en Missisipi y posteriormente con vida en

Mephis. Se inició a la edad de 19 años, cuando un productor musical vio en él una

forma de difundir la música afroamericana. Él es catalogado como el Rey del Rock y

creador del Rockabilly, como subgénero del Rock and Roll. Su éxito poco tenía que ver

con la parte musical en sí, ya que era un asunto de imagen, voz, carisma, puesta en

escena y fama, lo que logró en él ese posicionamiento tan abrasivo. Elvis representaba

una amenaza para la sociedad de entonces, ya que rompía todos los paradigmas del

momento y desobedecía la moral, era controvertido y atentaba contra las buenas

costumbres de la época.

Elvis tuvo un comienzo un tanto difícil, ya que ninguna emisora quería radiar su música

porque para las de música negra, él era muy country, y para las de música blanca,

sonaba como negro. Lo que ocurría es que por escucharlo se producía una imagen que

no se asociaba a él y esto generaba confusión en la gente. Sin embargo su éxito fue

contundente y sus años musicales estuvieron cargados de fama. Su versatilidad no se

veía solo en su música, ya que podía exponerse en distintos estilos y su voz era variable,

sino que también tuvo mucho éxito en cine realizando varias películas, con su debut

Love Me Tender en 1956, y posteriormente Jailhouse Rock y King Creole.

Si hubo un músico que logró gran preponderancia en la historia del rock y un legado

memorable fue Chuck Berry. Catalogado como el mejor de todos los músicos pioneros

del género por su influencia, sus conocimientos y su versatilidad, logró una cantidad

extensa de premios, entre ellos un Grammy, su puesto en el Salón de la Fama del Rock,

el premio Kennedy en el año 2000, además incluido en la las listas del Times en los 100

mejores artistas en el puesto cinco, y los 100 mejores guitarristas en el puesto siete.

Reconocido por diferentes artistas y personajes famosos como uno de los más

influyentes músicos del siglo XX, Chuck Berry cantante y guitarrista, interpretó temas

de Rock and Roll y Blues. Su mayor éxito musical fue el tema Johnny B. Goode,

considerado por la revista Rolling Stone como la mejor canción de guitarra del género.

Tuvo una larga carrera musical compuesta por más de 30 discos y compartió escenarios

con grandes músicos de la talla como Keith Richards y Eric Clapton. Popularizó un

paso en el escenario llamado duckwalk (paso del pato), que consistía en mantenerse de

perfil al público con un solo pie en el suelo y el otro hacia arriba en el aire, e ir

avanzando mientras tocaba.

Chuck Berry realizando su duck walk en escena

3. GRAN BRETAÑA: 60’s

En esta década a nivel mundial ocurrían hechos importantes: comienza la carrera

espacial con Yuri Gagarin que le da la vuelta a la Tierra en 104 minutos, y sale a órbita

el primer satélite para las comunicaciones llamado el Telstar; Jonh F. Kennedy triunfa

ante el Nixon y dentro de esta época también muere; inicia una nueva etapa de lucha

por los derechos civiles; en la moda nace la minifalda y el monokini; es apresado y

ejecutado el Ché Guevara en Bolivia; en la medicina se hace el primer trasplante de

corazón, se lanza al mercado la primera pastilla anticonceptiva y se inventa el

marcapasos; muere Martin Luther King y finaliza con el primer viaje a la Luna del

hombre a cargo de Neil Armstrong, Edwin Aldrin y Michael Collins.

Con el Rock and Roll causando estragos en los Estados Unidos, la música británica que

siempre ha estado un paso adelante, no dejaría de brillar. En esta época tenemos bandas

que deslumbraron a todo el mundo como The Who, The Kinks, The Zombies, The

Beatles y The Rolling Stones, siendo las dos últimas las más influyentes de todos los

tiempos.

The Rolling Stones

The Rolling Stones, originarios de Gran Bretaña, tienen su debut con el disco The

England Second New Hits Makers, lanzado en el año 62, con 500.000 copias vendidas y

la posición 11 en los Billboard. Luego en 1965 con el disco Out of Our Heads

consiguen el primer puesto por primera vez, especialmente con el sencillo (I Can´t Get

No) Satisfaction. Esta banda es considerada una de las más influyentes del rock. A pesar

de haberse iniciado con el blues, ellos lograron acoplarse a otros estilos que surgieron

en épocas posteriores como la psicodelia, el country, el punk, entre otros.

The Beatles, también ingleses, se consideraron la banda más comercial y popular de la

época. Estuvo formada por John Lennon (Guitarra y voz), Paul McCartney (bajo y voz),

George Harrison (guitarra solista y voz), y Ringo Starr (batería y voz). Sus sonidos

abarcaban los géneros rock y pop, pero también entraron en la psicodelia. En 1962 fue

cuando a través del productor Brian Epstein, fueron contratados para grabar su primer

tema titulado Love Me Do con un éxito tal que logró llegar a los primeros puestos del

Reino Unido. Las mismas posturas les siguieron a los temas siguientes como Please,

Please Me, She Loves You y From Me To You.

Los Beatles

Así inició la llama Beatlemanía, donde se convirtieron en un fenómeno que llegó de

Gran Bretaña hasta Estados Unidos, y provocaban una histeria en el público femenino

que no tuvo límites. Se convirtieron en una máquina productiva y sacaban dos discos

anualmente, con temas totalmente creados por ellos.

Multitud de fanáticos rodeando a Los Beatles en Sunderland, Gran Bretaña. 1963

En el año 67 se inician en el mundo de la psicodelia con el éxito contundente de Sgt.

Pepper’s Loney Hearts Club Band un LP que logró el primer puesto en listas

norteamericanas y británicas. En 1970 sacan el disco Let it Be, y con ello finaliza su

carrera como banda. Deciden separarse y continuar sus carreras individualmente.

Con el auge musical concentrado en los ingleses, no tardaron en salir bandas que

realmente resplandecieron dentro de todo el ambiente social de la época. La sociedad

esperaba un cambio y es allí donde bandas como The Kinks, The Animals y The Who,

logran resaltar. Sus letras encienden la llama en los jóvenes que deciden empezar probar

cosas distintas, tanto en la moda como en el comportamiento, y todo esto provoca un

cambio bastante fuerte en la música.

The Kinks, originarios del norte de la ciudad de Londres, formada desde 1964 por los

hermanos Ray y Dave Davies. Sus influencias musicales venían del rhythm and blues,

el music hall británico, el folk y el country. Su primer tema fue Long Tall Sally, un

cover de Little Richard en el año 1964, pero no tuvo el éxito esperado. Después,

sacaron You Still Want Me pero tampoco logró el éxito y con eso obtuvieron la amenaza

del sello discográfico si no lograban mejorar su situación con el siguiente tema.

Luego en agosto del mismo año sacaron You Really Got Me, cuya promoción se realizó

a través de un programa televisivo llamado Ready Steady Go! y lograron el primer

puesto en las ventas inmediatamente. Pero, ¿por qué lo lograron en ese momento y no

antes? ¿Qué hicieron diferente ahorita a los temas anteriores? Dave Davies buscaba

sonidos diferentes y esa sed musical logró que tras varios intentos fallidos

experimentando con amplificadores y las guitarras, obtuvo una técnica única que

producía un sonido rasgado, potente y distorsionado. Esto lo alcanzó apenas rajando

con una hojilla el cono del altavoz, sin cortarlo mucho, y así con las vibraciones que se

emitía, eran transmitidas al Vox y el sonido se producía como un rugido. Esta técnica

no se realizó en vano ya que posteriormente otras bandas como The Who seguirían el

“sonido kinks”.

The Who llegó así a romper con los esquemas, y los instrumentos también. Se formó en

1962 con Roger Daltrey en las voces, Pete Townshend como guitarrista, teclado y voz,

John Entwistle, bajo y voz, y Keith Moon en la batería. Sus presentaciones estaban muy

cargadas de energía y fueron quienes popularizaron romper los instrumentos con gran

euforia al finalizar sus shows, cuando Townshend fue el primer guitarrista en destrozar

su instrumento, así como Moon con la batería. Anteriormente este ritual se realizó por

otros músicos pero no a gran escala, mientras que los conciertos de The Who eran un

show destructivo cuando finalizaban.

Instrumentos destrozados después de concierto de The Who.

Se debut estuvo a cargo de My Generation, de donde se extraen par de sencillos

famosos como The Kids Are Alright y My Generation, ambos considerados como temas

precursores del punk. My Generation era un tema promocional al sentimiento que

tenían los jóvenes de la época: rebeldía, confusión, rechazo. La técnica que implementó

Roger Daltrey al interpretar este tema era tartamudear la última palabra de cada verso, y

esto no tenía otra interpretación sino emitir la frustración que sentían los jóvenes ante la

sociedad. Las improvisaciones que Moon lograba marcaron tendencia en la historia

musical, así como el vibrante sonido de la guitarra de Townshend.

En 1965 promocionaron el tema I Can’t Explain. Este tema no tuvo mayor

preponderancia hasta que aparecieron al igual que The Kinks en el programa Ready

Steady Go! y durante su show empezaron a destrozar sus instrumentos. Estos hechos no

ocurrían normalmente en la televisión y por ende causó gran impresión en los

televidentes. Así se consiguió el éxito de este tema, que causó la compra descomunal

del disco entre el público más joven y alcanzó el puesto número 8 en las listas

británicas. My Generation alcanzó el puesto número 2.

Los 60’s no terminan

allí, en Estados Unidos

se cosechaba lo que ya

los ingleses habían

fundado: el rock

psicodélico, The Doors,

banda originaria de Los

Ángeles, California, es

considerada el máximo

exponente de este

género junto a sus

homólogos ingleses

Pink Floyd. El rock

psicodélico inició con el Festival de Woodstock (1969), en el terreno de una granja en

Bethel, ciudad de Nueva York, donde se acumulaba el rock y la congregación hippie de

la época. Su duración fue de tres días y el precio de las entradas era 18 dólares. Allí se

congregaron aproximadamente 500 mil personas, mientras que los organizadores solo

esperaban tener 60 mil, y aproximadamente 300 mil no pudieron ingresar

En Woodstock participaron más de 30 intérpretes y bandas, entre los que destacan The

Who, Jimmy Hendrix y Janis Joplin. Fueron invitados artistas como Bob Dylan, The

Beatles, The Doors, Led Zeppelin, The Birds, entre otros. Pero por diversas razones no

aceptaron la invitación y no asistieron. Hubo 5162 casos médicos, donde estaban

incluidos casi 800 solo por consumo indebido de drogas. El LCD y la marihuana

tuvieron un papel protagónico en estos casos, donde el LCD provocaba que al

consumidor se le quemara la retina por mirar fijamente al sol. Hubo dos personas

fallecidas en este festival, uno por sobredosis de heroína y otro atropellado por un

tractor. En este show se vio alguna ganancia con el documental que realizaron titulado

Woodstock, el cual ganó un Óscar y estuvo a cargo de Michael Wadleigh y Martin

Scorsese.

(1969) Presentación de Jimmy Hendrix, cerrando festival de Woodstock

6. REBELACIÓN DE LOS 70’s

En esta década finalizó la Guerra de Vietnam, que se produjo para evitar que el

territorio se uniera como gobierno comunista. Una vez más un conflicto respaldado por

los Estados Unidos contra el respaldo de China y la Unión Soviética. Finalizó con la

unificación del país denominado República Socialista de Vietnam. A mediados de

década se legalizan los abortos en Francia y es elegido a Karol Wojtila como nuevo

papa, conocido como Juan Pablo II. En Estados Unidos se produce la primera

manifestación de mujeres en contra al maltrato del género y el cáncer es descubierto

como enfermedad. En Chile, es derrocado el gobierno de Salvador Allende por el

general Augusto Pinochet para instaurar un régimen que duraría 17 años, y se desarrolla

un gran avance científico con el nacimiento del primer bebé probeta.

Nada pintaba igual para esta década. A principios de año tenemos el fallecimiento de

Janis Joplin y Jimmy Hendrix, ambos a causa de una sobredosis. Paul McCartney

decide salir de The Beatles. En el 71 muere Jim Morrison de The Doors por sobredosis,

y en el 77, Elvis por distintos problemas de salud causados por sus mismos abusos de

drogas.

Después de este comienzo, nada parecía tener un buen desarrollo. Sin embargo para

mitad de década bandas como The Rolling Stones, Led Zeppelin y Pink Floyd toman el

control y realizan shows de gran reconocimiento. En California Los Rolling Stones dan

un concierto en el que interpretan Simpathy For The Devil, y en ese momento muere un

joven a cargo de la pandilla Hells Angels, que estaba causando problemas a las

autoridades por no permitirles ocuparse de la seguridad del concierto. A partir de este

hecho, y aunque la sociedad de la época no había dado la mejor aceptación al rock,

empiezan a satanizarlo.

Nada podía detener al monstruo del rock. Los músicos ahora se preparaban para ello y

desarrollan corrientes diferentes desde el mismo. Parten así, subgéneros como el heavy

metal, hard rock y glam rock, y se apoderan de los escenarios con Deep Purple, Alice

Cooper, Queen y Black Sabath. Esta corriente no vendía a los jóvenes esa cultura

rebelde y callejera que habían adoptado, así que, se origina el género punk.

Nacido en Nueva York, el punk inicia con los legendarios The Ramones, pero son The

Sex Pistols en Gran Bretaña quienes llevan la delantera por extremistas. Sus shows eran

realmente potentes y llenos de rebeldía, y sus letras tenían gran contenido social.

Incluso en God Save The Queen, su segundo single, expresan gran inconformidad con

las políticas de la corona para el momento, textualmente diciendo “God save The Queen

the fascist regime” (Dios salve a La Reina, el régimen fascista). Este tema llegó al

puesto número dos en las listas inglesas, sin embargo extraoficialmente se dice que

alcanzó el primer puesto. Posteriormente la canción fue prohibida por los medios y

hubo tiendas que dejaron de vender el álbum.

The Sex Pistols

Se desarrollaron otras bandas con gran trascendencia como The Clash, The Damned,

The Misfits y Generation X. The Clash nace tomando un paso más adelante y más

profundo que los Pistols, con letras mucho más profundas, con temas más políticos y

atrayendo a una audiencia un poco más intelectual, ellos elevan sus ideas a las políticas

que trabajen en función de hechos, de soluciones.

Todas vendían consignas de desobediencia social en la juventud de la época, que

sencillamente no veía futuro. Grandes ciudades de países que hoy son grandes

potencias, sufrían una gran crisis a punto de estallar. Anarquía, guerras y descontrol era

el acontecer de esos días. Ningún otro estilo musical lograba calar e identificarse con

los miles de jóvenes que se encontraban marginados por este sistema, así fue como el

rock logró establecer ese hilo comunicacional entre la sociedad y el gobierno.

Las guitarras se convirtieron en las armas de una sociedad pobre y descontenta, llena de

ira y sed de un cambio. Nadie sabía cómo hacerlo, pero independientemente de ello

tomaban su dinero, compraban los instrumentos, se montaban unas crestas en el cabello,

y se internaban en un garaje a ensayar. Sin grandes voces pero sí grandes versos,

convirtieron protestas en melodías que revolucionarían a la sociedad. No importaba

pertenecer a un sello discográfico como a los cantantes de pop, no importaba volverse

famoso. Importaba expresar la realidad social y hacer lo que fuere para lograrlo.

7. 80’s Y MÁS

Los 80’s empezaron no con menos conflictos que la década anterior: Irak invade Irán y

se desarrolla otra crisis petrolera. John Lennon es asesinado por un fanático, fallece Bob

Marley, y el papa Juan Pablo II sufre un intento de asesinato. En Washington se selló el

pacto entre la U.R.S.S. y los Estados Unidos. En éste se anuncia la decadencia de las

fuerzas nucleares terciarias dispersadas en el continente europeo. Gran Bretaña, y el

Vaticano y reestablecen relaciones diplomáticas, y en Alemania cae el muro de Berlín.

Se había generado en el mundo el último gran movimiento del rock con el nacimiento

del punk. Y aunque en Gran Bretaña era una corriente anarquista y rebelde, en Estados

Unidos se volvió comercial. Así surgían bandas que dejaron de ser underground para

comercializarse y poco a poco, todos entrarían en el mismo paquete. Se crearon así

gustos para todos, de todas las formas y todas las expresiones. Si bien es cierto que la

década de los años 80 no fue la más importante musicalmente hablando, si fue muy

innovadora. Nacen los videoclips musicales como forma de publicitarse, mucho más

efectiva que las pantallas de cine usadas anteriormente, y con estos, el primer canal de

televisión único para música rock: MTV.

Posteriormente en los 90 nacen los subgéneros del rock como: Ciberpunk, también

conocido como Industrial, y el Grunge. El Industrial se expresa en sonidos más

electrónicos y salvajes, creados a través de un sintetizador de sonido. El Grunge tiene

un carácter más existencialista y

reflexivo. La batería tiene una

interpretación salvaje, y las voces

se dan a tonos bastante graves. El

mayor exponente de esta corriente

es Kurt Cobain con su banda

Nirvana, que luego de su

desaparición física en el año 1994,

se considera que el Grunge sufrió

una caída.

Esta época no deja de ser importante puesto que en ella se desarrollan grandes músicos

originados en años anteriores, y no obstante, los avances tecnológicos hacen que los

arreglos musicales se conviertan en un aspecto evolutivo para la música.