Manual Guía para IB Artes Visuales1

Esto es un compilado de materiales extraídos de diversas fuentes que están editados para facilitar, ayudar, aclarar y poder planificar para estos 2 años de programa con mayor fluidez. Anoten, dibujen, subrayen, tachen, resalten todo lo que les haga falta. Pregunten siempre y tengan en cuenta las fechas para llegar con tiempo (y aire) al final. No lo pierdan. LyL

C O N T E N I D O S

Páginas seleccionadas para nueva Guia IB

Ejemplos carpeta de proceso, estudio comparativo, exposición

Tips para Diario de Trabajo

Materiales

Guía de Análisis de obra

Ficha técnica

Calendario de entregas

Glosario

Línea de tiempo SXX

Bibliografía – WorldWideWeb -‐ Galerías locales

Naturaleza de la asignatura

Guía de Artes Visuales 11

• El estímulo para utilizar el pensamiento lateral, desarrollar su curiosidad y explorar y desafiar los límites con un propósito en mente

• La capacidad de responder a su mundo, a su propio arte y a su público, y a las obras de artes visuales de otras personas

En el PAI, los alumnos no solo aprenden sobre las artes, sino que tienen a su alcance oportunidades para desarrollarse como artistas. La Guía de Artes del PAI promueve la experimentación y la comprensión autónomas que se valoran y siguen desarrollándose en el Programa del Diploma. Al pensar creativamente, los alumnos consiguen aprender las artes visuales a través de la indagación y la resolución de problemas. Se hace hincapié en el proceso artístico, y se permite a los alumnos planificar, crear, presentar y evaluar el proceso de comunicación de las artes visuales, además de reflexionar sobre él. Los alumnos amplían su repertorio para transmitir sentimientos, experiencias e ideas y trabajar con ellos, además de seguir desarrollando las habilidades adquiridas en el PEP.

Artes Visuales y la probidad académicaProbidad académica

En cada una de las tareas de evaluación que figuran más adelante en esta guía se señalan las oportunidades clave para orientar a los alumnos sobre las cuestiones relativas a la probidad académica.

Los componentes de evaluación en las artes varían considerablemente y abarcan desde presentaciones orales y trabajos escritos formales, hasta la presentación de obras acabadas y la compilación de ideas y estímulos que inspiran el proceso creativo. Aunque existe coherencia entre las directrices orientadas a mantener la probidad académica en todas las asignaturas y componentes del Programa del Diploma, la variedad y riqueza de las tareas de las artes supone que cada componente presenta sus propios retos para mantener la probidad académica. Para obtener más información, consulte las publicaciones del IB a este respecto.

Citar las fuentesSi el alumno utiliza contenido de alguna fuente, entre ellas Internet, debe citar siempre su origen de acuerdo con la política de probidad académica del colegio. Debe utilizar un estilo de cita que identifique exactamente qué parte de su trabajo ha sido extraído de la fuente y cuál es el origen de esta. Cuando el alumno sea consciente de que la obra, ideas o imágenes de otra persona han influido en su propia obra pero esta no haga referencia directa a aquellas, debe incluir la fuente como cita bibliográfica en su trabajo. Esta cuestión es especialmente importante en el caso de las artes, ya que el proceso creativo es el resultado de muchos estímulos, influencias y fuentes de inspiración.

Cumplimiento de los requisitos formalesEn las artes, la mayor parte de las tareas de evaluación se realizan como trabajos de clase y, por lo tanto, hay unas condiciones estrictas según las cuales el trabajo debe realizarse, presentarse y, en el caso del trabajo evaluado internamente, evaluarse. Existen requisitos formales que deben cumplirse para garantizar que el trabajo que reciben los examinadores y moderadores sea coherente y pueda evaluarse siguiendo los criterios de calificación. Estas condiciones y requisitos formales están diseñados para garantizar que cada alumno trabaje en igualdad de oportunidades para demostrar su desempeño, de modo que su incumplimiento es una forma de conducta académica indebida porque puede conducir a que los alumnos obtengan una ventaja injusta.

Naturaleza de la asignatura

Guía de Artes Visuales12

Presentación de obras de exposiciónSe debe tener en cuenta que todo trabajo seleccionado para la evaluación final del curso de Artes Visuales debe haber sido realizado o construido por el alumno. Por ejemplo, una prenda de vestir diseñada como parte de los estudios de moda del alumno, o una joya, no pueden presentarse para evaluación en forma de trabajos terminados si no los ha creado personalmente el alumno. El mismo principio debe aplicarse a la utilización de elementos adicionales para crear una atmósfera o experiencia determinadas para el público (incluso aunque ningún componente de audio vaya a ser evaluado en este curso de Artes Visuales). Si el alumno utiliza, por ejemplo, música o efectos sonoros, deben ser de dominio público e incluirse las referencias correspondientes, o deben haber sido creados por el propio alumno. En caso de que el alumno no haya creado la obra terminada por sí mismo, podrá seleccionar el diseño de esta a fin de presentarlo para la evaluación en la exposición. No obstante, la obra terminada en sí no podrá incluirse. Cuando el alumno haya tomado objetos encontrados y haya creado una nueva obra artística con dichos objetos, la obra artística resultante se considerará una obra construida por el alumno.

Cuando presenten obras artísticas para su evaluación, los alumnos deben incluir un texto de exposición para cada obra elegida. El texto de exposición presenta el título, el medio, el tamaño y la intención de cada obra. Cuando preparen el texto de exposición, los alumnos deben identificar, en la parte correspondiente al “medio”, si se trata de objetos que han hecho ellos mismos, que han encontrado o que han comprado.


Objetivos generales

Objetivos generales de las asignaturas de ArtesLos objetivos generales de las asignaturas de Artes son capacitar a los alumnos para:

1. Desarrollar un interés por las artes que perdure toda la vida

2. Trabajar en las artes de manera informada, reflexiva y crítica

3. Comprender el carácter dinámico y cambiante de las artes

4. Explorar y valorar la diversidad de las artes a través del tiempo, el espacio y las culturas

5. Expresar ideas con confianza y competencia

6. Desarrollar las habilidades de percepción y análisis

Objetivos generales de Artes VisualesAdemás de los anteriores, los objetivos generales del curso de Artes Visuales del NM y el NS son facultar a los alumnos para:

7. Crear obras de arte influidas por contextos personales y culturales

8. Convertirse en observadores, críticos y creadores informados de la cultura y los medios visuales

9. Desarrollar habilidades, técnicas y procesos para expresar conceptos e ideas

Introducción


Objetivos de evaluación

Tras haber estudiado un curso de Artes Visuales en el NM o el NS los alumnos deberán alcanzar los siguientes objetivos de evaluación:

Objetivo de evaluación 1: Conocimiento y comprensión de contenidos específicos

a) Identificar diversos contextos en los que puedan crearse y presentarse las artes visuales

b) Describir obras de arte procedentes de diferentes contextos, e identificar las ideas, convenciones y técnicas utilizadas por sus creadores

c) Reconocer las habilidades, técnicas, medios, formas y procesos relativos a las artes visuales

d) Presentar obras, con el lenguaje propio de las artes visuales, según proceda de acuerdo con la intención que se persiga

Objetivo de evaluación 2: Análisis y aplicación de los conocimientos y de la comprensión

a) Expresar conceptos, ideas y significado mediante la comunicación visual

b) Analizar obras de arte procedentes de diferentes contextos

c) Aplicar los conocimientos y la comprensión de habilidades, técnicas, medios, formas y procesos relativos a la creación artística

Objetivo de evaluación 3: Síntesis y evaluación

a) Analizar y discutir de manera crítica obras artísticas creadas por el propio alumno y por otras personas y elaborar una respuesta personal fundamentada

b) Formular intenciones personales para la planificación, el desarrollo y la creación de obras artísticas que tengan en cuenta cómo puede transmitirse el significado al público

c) Demostrar la utilización de la reflexión crítica para señalar el éxito y el fracaso con el fin de que la obra progrese

d) Evaluar cómo y por qué evoluciona la creación artística y justificar las decisiones tomadas por el alumno en su propia práctica de las artes visuales

Objetivo de evaluación 4: Capacidad para la selección, utilización y aplicación de una variedad de habilidades y técnicas adecuadas

a) Experimentar con diferentes medios, materiales y técnicas en la creación artística

b) Tomar decisiones adecuadas en la selección de imágenes, medios, materiales y técnicas en la creación artística

c) Demostrar competencia técnica en la utilización y aplicación de habilidades, técnicas, medios, imágenes, formas y procesos

d) Producir un conjunto de obras artísticas terminadas y no terminadas, según proceda de acuerdo con la intención que se persiga

Introducción

Resumen del programa de estudios


A través de esta parte del programa de estudios, los alumnos:

• Comprenderán y apreciarán que se requiere una amplia variedad de medios, procesos, técnicas y habilidades en la creación de las obras de artes visuales, y cómo y por qué estos elementos han evolucionado.

• Interactuarán con el trabajo de otras personas para comprender las complejidades asociadas a los métodos de creación artística, y usarán esta indagación como inspiración para su propia experimentación y sus prácticas de creación artística.

• Entenderán cómo el conjunto de la obra puede comunicar significado e intenciones a diferentes públicos.

Comunicación de las artes visualesLa parte del programa de estudios correspondiente a la comunicación de las artes visuales conlleva que los alumnos investiguen, comprendan y apliquen los procesos involucrados en la selección de obras para su exposición y exhibición pública. En ella, los alumnos deben tomar decisiones sobre la selección de su propia obra.

A través de esta parte del programa de estudios, los alumnos:

• Comprenderán las muchas formas en que las artes visuales pueden comunicar algo y apreciarán que la presentación construye significado y puede influir en la forma en que se valora y entiende cada obra.

• Producirán un conjunto de obras a través de un proceso de reflexión y evaluación, y seleccionarán obras para exposición, expresarán la motivación de sus decisiones e identificarán las formas en las que se relacionan las obras elegidas.

• Explorarán el papel de los curadores o comisarios artísticos, y reconocerán que el concepto de exposición es muy amplio y abarca muchas variables, entre ellas especialmente la del posible impacto en el público y los espectadores.

Organización del cursoLos alumnos deben investigar las áreas del tronco común del programa de estudios mediante la exploración de las siguientes prácticas:

• Práctica teórica

• Práctica de la creación artística

• Práctica curatorial o del comisariado artístico

La siguiente tabla muestra cómo estas actividades se relacionan con las áreas del tronco común del programa de estudios, tanto en el NM como en el NS.

Las artes visuales en contexto

Métodos de las artes visuales

Comunicación de las artes visuales

Práctica teórica

Los alumnos examinan y comparan la obra de artistas procedentes de distintos contextos culturales.

Los alumnos consideran los contextos que influyen en su propia obra y en la de otros.

Los alumnos examinan diferentes técnicas de creación artística.

Los alumnos investigan y comparan cómo y por qué han evolucionado diferentes técnicas y los procesos que conllevan.

Los alumnos exploran formas de comunicación a través de medios visuales y escritos.

Los alumnos toman decisiones artísticas sobre cómo comunicar el conocimiento y la comprensión de la manera más eficaz posible.






Práctica de la creación

artística

Los alumnos crean obras de arte a través de un proceso de investigación, de pensamiento crítico y de experimentación con diversas técnicas.

Los alumnos aplican las técnicas observadas a su propio trabajo en desarrollo.

Los alumnos experimentan con diferentes medios y exploran técnicas de creación artística.

Los alumnos desarrollan conceptos a través de procesos basados en distintas habilidades, técnicas y medios.

Los alumnos producen un conjunto de obras artísticas a través de un proceso de reflexión y evaluación, en el que se muestre una síntesis de habilidades, medios y conceptos.

Práctica curatorial

o del comisariado

artístico

Los alumnos desarrollan una respuesta fundamentada a las obras y exposiciones que hayan visto y experimentado.

Los alumnos empiezan a formular sus intenciones personales para la creación y exhibición de sus propias obras artísticas.

Los alumnos evalúan cómo el trabajo que están realizando comunica significado e intenciones.

Los alumnos consideran la naturaleza de la “exposición” y reflexionan sobre el proceso de selección y el posible impacto de su trabajo en distintos públicos.

Los alumnos seleccionan y presentan obras terminadas para la exposición.

Los alumnos explican las formas en que las obras están relacionadas.

Los alumnos discuten cómo los criterios artísticos influyen en la presentación general.

A fin de preparar correctamente a los alumnos para lo que piden las tareas de evaluación, los profesores deben asegurarse de que sus planificaciones aborden cada una de las actividades expuestas anteriormente, cuyo contenido y enfoque no está previamente establecido. Las conexiones entre las áreas del programa de estudios y las tareas de evaluación pueden verse en la tabla de la sección “Relación de las áreas del tronco común del programa de estudios con las tareas de evaluación”.

El diario de trabajo de Artes VisualesA lo largo del curso, tanto los alumnos del NM como del NS deben llevar un diario de trabajo de Artes Visuales que será su propio registro de los dos años de estudio y que utilizarán para documentar:

• El desarrollo de habilidades y técnicas de creación artística

• La experimentación con medios y tecnologías

• Sus reflexiones personales

• Sus respuestas a observaciones directas

• Ideas creativas para exploración y desarrollo

• Sus evaluaciones de prácticas artísticas y de experiencias de creación artística

• Sus respuestas a diversos estímulos y a distintos artistas y sus obras

• Evaluaciones detalladas y análisis crítico

• Registros de los comentarios valiosos recibidos

• Desafíos a los que se hayan enfrentado y sus logros



Debe animarse a los alumnos a buscar las formas más apropiadas de registrar su desarrollo y deben tener libertad para decidir qué forma han de darle a su diario de trabajo de Artes Visuales. El objetivo del diario de trabajo es apoyar y fomentar la adquisición de habilidades y el desarrollo de ideas, registrar los avances, y hacer una crítica de los retos y los logros. Gran parte del trabajo escrito que se presente para las tareas de evaluación al final del curso se habrá desarrollado a partir del contenido del diario de trabajo de Artes Visuales y deberá extraerse de él.

Aunque se seleccionarán, adaptarán y presentarán para la evaluación partes del diario de trabajo, el diario en sí no se evaluará ni moderará directamente. No obstante, se le considera una actividad fundamental del curso.

Utilización del diario de trabajo de Artes Visuales en las tareas de evaluación

Las oportunidades clave para utilizar el diario de trabajo de Artes Visuales como parte de los elementos evaluados de este curso se encuentran señaladas en cada una de las tareas de evaluación más adelante en esta guía.

Formas de creación artísticaA lo largo del curso, se espera que los alumnos trabajen con diversas formas conceptuales y de creación artística. Los alumnos del NM deben trabajar, como mínimo, con dos formas de creación artística, cada una elegida de una columna distinta de la tabla que figura a continuación. Los alumnos del NS deben trabajar, como mínimo, con tres formas de creación artística, elegidas de entre al menos dos de las columnas de la tabla que figura a continuación. Los ejemplos se dan solo a título orientativo y no constituyen una lista definitiva.

Formas bidimensionales Formas tridimensionalesFormas electrónicas y basadas en lentes y pantallas

• Dibujo: carboncillo, lápiz, tinta, etc.

• Pintura: acrílico, óleo, acuarela, etc.

• Grabado y estampación: en relieve, a buril, impresión planográfica, estampación sobre papel de china, etc.

• Gráficos: ilustración y diseño, etc.

• Escultura: cerámica, objetos encontrados, madera, ensamblaje, etc.

• Objetos diseñados: en moda, arquitectura, cerámica, etc.

• Específicos de un lugar o efímeros: land art, instalaciones, murales, etc.

• Textiles: fibras, tejidos, tela estampada, etc.

• Arte basado en el tiempo y secuencial: animación, novela gráfica, guión gráfico, etc.

• Medios basados en lentes: de imágenes fijas, de imágenes en movimiento, montajes, etc.

• Digitales o basados en pantallas: gráficos de vectores, imágenes generadas por ordenador, etc.

La interacción y el trabajo con artistas o colecciones locales, así como las visitas a museos, galerías, exposiciones y otros tipos de presentaciones proporcionan valiosas oportunidades para la investigación directa, y los alumnos deben utilizarlas como base para su obra siempre que sea posible. Las impresiones personales de los alumnos con respecto a estas visitas se deben documentar en el diario de trabajo de Artes Visuales.

Relación de las áreas del tronco común del programa de estudios con las tareas de evaluación


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Resumen de la evaluación: NM

Primera evaluación: 2016

Tareas de evaluaciónPorcentaje de la evaluación

Evaluación externa

Parte 1: Estudio comparativo Los alumnos del NM analizan y comparan distintas obras de arte de distintos artistas. Esta investigación crítica, contextual e independiente explora obras de arte, objetos y artefactos procedentes de distintos contextos culturales.

• Los alumnos del NM presentan entre 10 y 15 pantallas en las que examinan y comparan como mínimo tres obras de arte, dos de las cuales al menos deben ser de artistas distintos. Las obras seleccionadas para la comparación y el análisis deben proceder de contextos contrastantes (locales, nacionales, internacionales o interculturales).

• Los alumnos del NM presentan una lista de las fuentes utilizadas.

20%

Parte 2: Carpeta del proceso Los alumnos del NM presentan materiales seleccionados cuidadosamente que demuestran la experimentación, exploración, manipulación y perfeccionamiento de una variedad de actividades de artes visuales que han llevado a cabo durante el curso de dos años.

• Los alumnos del NM presentan entre 9 y 18 pantallas en las que se demuestran la experimentación, exploración, manipulación y perfeccionamiento de una variedad de actividades de creación artística que han estado llevando a cabo de manera continuada. Los alumnos del NM deben presentar trabajos realizados mediante al menos dos formas de creación artística, cada una perteneciente a una columna distinta de la tabla de formas de creación artística.

40%

Evaluación

Resumen de la evaluación: NM


Tareas de evaluaciónPorcentaje de la evaluación

Evaluación interna Este componente lo evalúa internamente el profesor y lo modera externamente el IB al final del curso.

Parte 3: Exposición Los alumnos del NM presentan para evaluación una selección de obras artísticas terminadas procedentes de su exposición. Las obras seleccionadas deben demostrar sus logros técnicos durante el curso de Artes Visuales y su comprensión de la utilización de ideas, prácticas y materiales apropiados para la comunicación visual.

• Los alumnos del NM presentan una fundamentación de la práctica curatorial o del comisariado artístico que no sobrepase las 400 palabras.

• Los alumnos del NM presentan entre 4 y 7 obras artísticas.

• Los alumnos del NM presentan un texto de exposición (donde se indique el título, el medio, el tamaño y la intención de la obra) para cada una de las obras seleccionadas.

Los alumnos del NM pueden presentar dos fotografías de su exposición general. Estas fotografías permiten apreciar el contexto de la exposición y el tamaño y alcance de las obras. Aunque no se utilizarán para evaluar las obras artísticas individuales, estas imágenes pueden proporcionar al moderador elementos para entender mejor en qué medida el alumno ha tenido en cuenta la experiencia general del público en su exposición.

40%


Evaluación externa

El método utilizado para evaluar a los alumnos de Artes Visuales se basa en el uso de criterios de evaluación minuciosos que son específicos para cada tarea de evaluación. Los criterios de evaluación se publican en esta guía y están relacionados con los objetivos de evaluación establecidos para el curso de Artes Visuales y con los descriptores de calificaciones finales de Artes.

Tareas de evaluación externa: NM y NS

Parte 1: Estudio comparativo Porcentaje de la evaluación: 20%Los alumnos deben analizar y comparar obras de arte, objetos y artefactos de diferentes artistas. Esta investigación crítica, contextual e independiente debe explorar obras de arte, objetos y artefactos procedentes de distintos contextos culturales.

A lo largo del curso, los alumnos habrán investigado una variedad de artistas, estilos, imágenes y objetos procedentes de una variedad de contextos culturales, mediante un enfoque integrado de la exploración de las tres áreas del programa de estudios: las artes visuales en contexto, métodos de las artes visuales y comunicación de las artes visuales. Los alumnos seleccionan y comparan obras de arte, objetos y artefactos procedentes de distintos contextos culturales que pueden haberse producido utilizando cualquiera de las formas de creación artística, y que tienen para el alumno relevancia personal y son pertinentes a su propia práctica de la creación artística. Esto es especialmente importante para los alumnos del NS.

Tanto los alumnos del NM como los del NS deben examinar y comparar como mínimo tres obras, dos de las cuales al menos deben ser de diferentes artistas. Aunque no es esencial, resulta valioso que los alumnos hayan estado en contacto con al menos una de las obrasen persona, por ejemplo, un cuadro en una galería, una escultura en un parque, o un artefacto de la comunidad local que se haya llevado al colegio. Puede hacerse referencia a reproducciones de buena calidad cuando la ubicación del alumno le impida el acceso directo a dichas obras. Las obras seleccionadas para comparación y análisis deben proceder de contextos culturales contrastantes.

Los alumnos utilizan habilidades de investigación e indagación para investigar e interpretar las obras seleccionadas, mediante la aplicación de aspectos de las teorías y metodologías de la crítica de arte a las obras examinadas, y la presentación de los resultados en forma de análisis personal, crítico y reflexivo, todo ello acompañado de formas de anotación tanto visuales como escritas. Deben fundamentar su interpretación citando fuentes sólidas y fiables. A tal efecto, deben utilizar un sistema académico de citación de fuentes reconocido, de acuerdo con la política de probidad académica del colegio. De no mencionarse una fuente, el IB investigará el caso como posible infracción del reglamento que podrá resultar en la imposición de una penalización por parte del Comité de la evaluación final.

Proceso de preparaciónA fin de prepararse para esta tarea, dentro del tronco común del programa de estudios, los alumnos del NM y del NS deben haber tenido experiencias en lo siguiente:

Evaluación

Evaluación externa





Práctica teórica

Examinar y comparar las obras de artistas procedentes de diferentes contextos culturales a través de una variedad de metodologías de crítica de arte

Considerar los contextos que influyen en su propia obra y en la obra de otros

Examinar diferentes técnicas para de creación artística

Investigar y comparar cómo y por qué han evolucionado diferentes técnicas y los procesos que conllevan

Explorar formas de comunicación a través de medios visuales y escritos

Tomar decisiones artísticas sobre cómo comunicar el conocimiento y la comprensión de la manera más eficaz posible

Diario de trabajo

de Artes Visuales

Registrar sus experiencias y aprendizaje junto con sus impresiones, reflexiones y cualquier investigación pertinente en el diario de trabajo de Artes Visuales.

Posteriormente, los alumnos llevan a cabo el proceso indicado a continuación para la evaluación.

Descripción detallada de la tarea Los alumnos tanto del NM como del NS deben seleccionar como mínimo tres obras de arte, objetos o artefactos, dos de los cuales al menos deben ser de artistas diferentes. Para cada una de las obras seleccionadas los alumnos deben:

• Llevar a cabo una investigación por medio de una variedad de fuentes distintas

• Analizar los contextos culturales en los que se crearon las obras seleccionadas

• Identificar las cualidades formales de las obras seleccionadas

• Interpretar la función y el propósito de las obras seleccionadas

• Evaluar la importancia material, conceptual y cultural de las obras seleccionadas para los contextos culturales en los que fueron creadas

Posteriormente, tanto los alumnos del NM como los del NS deben:

• Comparar las obras seleccionadas e identificar conexiones en el contexto cultural, en las cualidades formales, la función, el propósito, y la importancia material, conceptual y cultural de las obras

• Presentar una lista de las fuentes utilizadas durante el estudio

Los alumnos del NS deben también reflexionar sobre los resultados de la investigación y la medida en que sus propias prácticas de creación artística y sus obras se han visto influidas por obras de arte, objetos o artefactos examinados en el estudio comparativo.

Utilización del diario de trabajo de Artes Visuales en esta tarea

Los alumnos deben utilizar su diario de trabajo de Artes Visuales para documentar específicamente su investigación y sus respuestas a las obras seleccionadas, lo que incluye sus interpretaciones, evaluaciones y comparaciones detalladas. Los alumnos seleccionarán, adaptarán y presentarán lo que han anotado en su diario de trabajo como base para la tarea del estudio comparativo.

Evaluación externa


El papel del profesorLos profesores deben asegurarse de que los alumnos estén adecuadamente preparados para lo que se pide en esta tarea, mediante la planificación e implementación cuidadosas de las actividades del tronco común del programa de estudios anteriormente descritas. Esta tarea de evaluación no debe ser dirigida por el profesor, y los alumnos deben conocer perfectamente los criterios de evaluación que servirán para juzgar su trabajo.

Los profesores deben discutir con cada alumno la elección de las obras de arte, objetos y artefactos seleccionados. Es importante que las obras seleccionadas hayan sido elegidas por el propio alumno. Los profesores también deben asegurarse de que los alumnos citen todas las fuentes utilizadas y lo hagan de manera apropiada.

Los profesores deben leer un borrador del estudio comparativo y aconsejar a los alumnos al respecto. Deben proporcionar recomendaciones orales o escritas sobre cómo puede mejorarse el trabajo pero no deben corregir el borrador. La siguiente versión que llegue a manos del profesor debe ser la versión definitiva lista para entregar.

Estructura del estudio comparativoLos alumnos deben expresar su comprensión en forma tanto visual como escrita, de acuerdo con los medios que sean más adecuados para presentar y comunicar sus hallazgos. Aunque el estudio comparativo puede incluir un análisis escrito, también puede incluir elementos gráficos como, por ejemplo, bocetos y diagramas con anotaciones en copias de obras de arte, así como otras técnicas de organización visual (como diagramas de flujo, gráficos de importancia relativa, redes y mapas conceptuales). La introducción del estudio debe resumir el alcance de la investigación a partir de la cual se han seleccionado las obras de arte, objetos y artefactos en los que se centra. Los alumnos deben procurar alcanzar un equilibrio entre el contenido visual y el escrito, y utilizar los medios adecuados para citar las fuentes. También deben asegurarse de utilizar correctamente el lenguaje especializado de la asignatura cuando proceda.

Se anima a los alumnos, tanto del NM como del NS, a considerar el papel del artista, la obra, el público y el contexto cultural para centrar su análisis e interpretación de cada obra de arte, objeto o artefacto seleccionado. El alcance y la escala del estudio comparativo dependerán en gran medida de los materiales seleccionados para la investigación. No obstante, quizá los alumnos deseen adaptar la siguiente estructura a sus necesidades específicas. Esta estructura solo debe servir de guía y no debe ser ni obligatoria ni restrictiva.

Evaluación externa


IntroducciónLos alumnos resumen el alcance de la investigación a partir de la cual se han seleccionado las obras de arte, objetos y artefactos en los que esta se centra, y el marco temático o conceptual que hayan utilizado para darle coherencia.

Las obras de arte, objetos o artefactos y sus contextosLos alumnos resumen su investigación a partir de una variedad de fuentes distintas y presentan su indagación sobre la identificación e interpretación de las obras arte, objetos y artefactos seleccionados. También explican cómo han aplicado a las obras una combinación de diversas teorías y metodologías críticas.

Las áreas de investigación pueden incluir:

• Análisis de los contextos culturales de las obras seleccionadas

• Identificación de las cualidades formales de las obras seleccionadas (elementos como forma, espacio, tono, color, línea, textura; y principios como equilibrio, ritmo, proporción, énfasis, patrón, variedad)

• Interpretación de la función y el propósito de las obras seleccionadas (como los significados de los motivos, signos y símbolos utilizados en la obra)

• Evaluación de la importancia material, conceptual y cultural de las obras y de los contextos culturales en los que fueron creadas

Establecer conexionesLos alumnos presentan sus comparaciones de las diferentes obras e identifican claramente las conexiones entre ellas.

Estas comparaciones pueden referirse a los siguientes aspectos de las obras seleccionadas:

• Los contextos culturales

• Las cualidades formales

• La función y el propósito

• La importancia material, conceptual y cultural

Establecer conexiones con la propia práctica de la creación artística (solo NS)Los alumnos reflexionan sobre los resultados de su investigación y la medida en que sus propias prácticas de creación artística y sus obras se han visto influidas por las obras de arte, objetos y artefactos, y los respectivos creadores examinados en el estudio comparativo. Dichas influencias y conexiones personales, que deben demostrarse en forma tanto visual como escrita, pueden incluir:

• El contexto cultural

• Las cualidades formales

• La función y el propósito

• La importancia material, conceptual y cultural

Cuando se refieran a sus propias obras y prácticas, los alumnos del NS deben asegurarse de identificar y citar sus propias obras con la misma atención rigurosa al detalle que cuando citan las imágenes procedentes de otras fuentes.

FuentesLos alumnos incluyen una lista de las fuentes utilizadas en el estudio.

Probidad académica

Todas las imágenes utilizadas en el estudio comparativo deben contar con una referencia apropiada, en la que se cite el título, el artista, la fecha (cuando esta información se conozca) y la fuente, según el formato de referencia bibliográfica o citación de fuentes elegido por el colegio. Cuando los alumnos del NS incluyan alguna imagen de su obra original, también debe ser identificada y citada del mismo modo.

Evaluación externa


Requisitos formales de la tarea: NM • Los alumnos del NM presentan entre 10 y 15 pantallas en las que examinan y comparan como mínimo

tres obras de arte, objetos o artefactos, dos de los cuales al menos deben ser de artistas distintos. Las obras seleccionadas para comparación y análisis deben proceder de contextos culturales diferentes.

• Los alumnos del NM presentan una lista de las fuentes utilizadas.

Requisitos formales de la tarea: NS• Los alumnos del NS presentan entre 10 y 15 pantallas en las que examinan y comparan como mínimo

tres obras de arte, objetos o artefactos, dos de los cuales al menos deben ser de artistas distintos. Las obras seleccionadas para comparación y análisis deben proceder de contextos culturales diferentes.

• Los alumnos del NS presentan entre 3 y 5 pantallas en las que analizan la medida en que su obra y prácticas se han visto influenciadas por las obras y los artistas examinados.

• Los alumnos del NS presentan una lista de las fuentes utilizadas.

Presentación del trabajo para evaluaciónNo se establece un tamaño y formato obligatorios para las pantallas que se presenten para evaluación. Los materiales presentados se evalúan en pantalla y los alumnos deben asegurarse de que su trabajo sea claro y legible para su presentación en un formato digital en pantalla. Los alumnos no deben escanear varias páginas de su diario de trabajo para enviarlas como una única pantalla, por ejemplo, ya que los materiales sobrecargados o ilegibles pueden impedir a los examinadores interpretar o entender las intenciones de su trabajo.

El procedimiento para la presentación de los trabajos para evaluación se detalla en el Manual de procedimientos del Programa del Diploma. Cuando presenten los materiales, los alumnos deben indicar el número de pantallas incluidas. En caso de que los materiales presentados sobrepasen los límites establecidos respecto al número de pantallas, los examinadores tienen instrucciones de basar su evaluación únicamente en los materiales que figuren dentro de los límites.

Criterios de evaluación externa: NM y NS

Parte 1: Estudio comparativoResumen

Parte 1: Estudio comparativo Puntuación Total

A Análisis de las cualidades formales 6

30

B Interpretación de la función y el propósito 6

C Evaluación de la importancia cultural 6

D Comparaciones y conexiones 6

E Presentación y lenguaje específico de la asignatura 6

F(Solo NS)

Conexiones con la propia práctica de la creación artística12 42

Evaluación externa


Criterios A. Análisis de las cualidades formales ¿En qué medida identifica y analiza eficazmente el alumno las cualidades formales de las obras de arte, objetos y artefactos seleccionados?

Los alumnos que no examinen y comparen como mínimo tres obras de arte de al menos dos autores distintos no podrán obtener una puntuación superior a 3 en este criterio.

Puntos Descriptor

0El trabajo no alcanza ninguno de los niveles especificados por los descriptores que figuran a continuación.

1-2El alumno identifica algunas cualidades formales de las obras seleccionadas de al menos dos contextos culturales distintos, pero El análisis de estas cualidades formales es escaso o nulo.

3-4El alumno identifica y describe las cualidades formales de las obras seleccionadas de al menos dos contextos culturales distintos. El análisis de estas cualidades formales no es sistemático.

5-6 El alumno identifica y analiza las cualidades formales de las obras seleccionadas de al menos dos contextos culturales distintos. El análisis de estas cualidades formales está sistemáticamente fundamentado y es eficaz.

B. Interpretación de la función y el propósito ¿En qué medida el alumno interpreta de manera adecuada y bien fundamentada la función y el propósito de las obras de arte, los objetos y los artefactos seleccionados dentro del contexto cultural específico en el que fueron creados?


Puntos Descriptor


1-2El alumno interpreta la función y el propósito de las obras de arte seleccionadas dentro del contexto cultural específico en el que fueron creadas, pero esta interpretación está escasamente desarrollada, es superficial o se basa principalmente en su opinión personal.

3-4El alumno interpreta la función y el propósito de las obras de arte seleccionadas dentro del contexto cultural específico en el que fueron creadas, pero esta interpretación no siempre está fundamentada o desarrollada de manera sistemática.

5-6El alumno interpreta sistemáticamente de manera adecuada y fundamentada la función y el propósito de las obras de arte seleccionadas dentro del contexto cultural específico en el que fueron creadas.

Evaluación externa


C. Evaluación de la importancia cultural ¿En qué medida demuestra el alumno una comprensión fundamentada de la importancia cultural de las obras de arte, los objetos y los artefactos seleccionados dentro del contexto específico en el que fueron creados?


Puntos Descriptor


1-2

El alumno evalúa la importancia material, conceptual y cultural de las obras de arte seleccionadas dentro del contexto específico en el que fueron creadas, pero esta evaluación está escasamente desarrollada, es superficial o se basa principalmente en su opinión personal.

3-4El alumno evalúa la importancia material, conceptual y cultural de las obras de arte seleccionadas dentro del contexto específico en el que fueron creadas, pero esta evaluación no siempre está fundamentada o desarrollada de manera sistemática.

5-6El alumno evalúa sistemáticamente de manera adecuada y fundamentada la importancia material, conceptual y cultural de las obras de arte seleccionadas dentro del contexto específico en el que fueron creadas.

D. Comparaciones y conexiones¿En qué medida identifica eficazmente el alumno y analiza de manera crítica las conexiones, semejanzas y diferencias entre las obras de arte, los objetos y los artefactos seleccionados?


Puntos Descriptor


1-2El alumno resume las conexiones, semejanzas y diferencias entre las obras seleccionadas, y apenas realiza un análisis crítico. Las conexiones son, en gran medida, superficiales o inadecuadas y demuestran una comprensión básica de la comparación entre las obras.

3-4

El alumno describe las conexiones, semejanzas y diferencias entre las obras seleccionadas, y realiza un cierto análisis crítico aunque insuficientemente desarrollado. Las conexiones son lógicas y coherentes, y demuestran una buena comprensión de la comparación entre las obras.

5-6El alumno analiza de manera crítica las conexiones, semejanzas y diferencias entre las obras seleccionadas. Las conexiones son lógicas y coherentes, y demuestran una plena comprensión de la comparación entre las obras.

Evaluación externa


E. Presentación y lenguaje específico de la asignatura¿En qué medida transmite el alumno información de manera clara, coherente, legible y visualmente adecuada, empleando de manera sistemática lenguaje apropiado y específico de la asignatura?

Puntos Descriptor


1-2El alumno intenta transmitir información de manera clara o visualmente adecuada, aunque esta puede no ser coherente o siempre adecuada. Intenta usar lenguaje específico de la asignatura, pero puede ser infrecuente o impreciso.

3-4El alumno transmite información de manera clara, coherente, legible y visualmente adecuada, usando en cierta medida lenguaje específico de la asignatura de manera sistemática.

5-6El alumno transmite información de manera clara y coherente en un estudio que resulta visualmente adecuado, legible e interesante. Usa sistemáticamente lenguaje específico de la asignatura de manera precisa y adecuada.

Solo en el NS

F. Conexiones con la propia práctica de la creación artística¿En qué medida analiza el alumno los resultados de la investigación realizada para el estudio comparativo y reflexiona sobre ellos y sobre cómo han influido en su propio desarrollo como artista, identificando conexiones entre una o varias de las obras seleccionadas y sus propios procesos y prácticas de creación artística?

Puntos Descriptor

0 El trabajo no alcanza ninguno de los niveles especificados por los descriptores que figuran a continuación.

1-3 El alumno resume los resultados de la investigación realizada y establece escasas conexiones, o conexiones superficiales, con su propia práctica de la creación artística.

4-6El alumno describe los resultados de la investigación realizada, pero no considera la influencia en su propio desarrollo. Intenta establecer conexiones con su propia práctica de la creación artística, pero estas resultan superficiales o no son coherentes.

7-9

El alumno reflexiona sistemáticamente sobre los resultados de la investigación realizada, e intenta analizar y considerar su propio desarrollo aunque sin suficiente profundidad. Establece algunas conexiones significativas con su propia práctica de la creación artística, pero estas no están suficientemente desarrolladas.

10-12El alumno analiza adecuada y sistemáticamente los resultados de la investigación realizada, y reflexiona sobre ellos. Considera eficazmente su propio desarrollo y establece conexiones fundamentadas y significativas con su propia práctica de la creación artística.

Evaluación externa


Tareas de evaluación externa: NM y NS

Parte 2: Carpeta del procesoPorcentaje de la evaluación: 40%Los alumnos del NM y del NS presentan materiales seleccionados cuidadosamente, que demuestran la experimentación, exploración, manipulación y perfeccionamiento de diversas actividades de Artes Visuales que han realizado durante el curso de dos años. El trabajo —que puede haberse extraído de su diario de trabajo de Artes Visuales o de otros cuadernos de bocetos, cuadernos de notas, folios sueltos, etc.— debe haber llevado a la creación de obras tanto terminadas como sin terminar. El trabajo de la carpeta del proceso que seleccionen los alumnos debe demostrar sus logros técnicos durante el curso de Artes Visuales y una comprensión de la utilización de materiales, ideas y prácticas apropiadas para la comunicación visual. La selección debe hacerse cuidadosamente para que se ajuste a los requisitos de los niveles más altos de los criterios de evaluación.

El trabajo seleccionado para presentar debe mostrar cómo el alumno ha explorado una variedad de técnicas, efectos y procesos, y cómo ha trabajado con ellos para ampliar su base de habilidades de creación artística. Incluirá el trabajo experimental, con objetivos definidos, progresivo, basado en observaciones y en habilidades, reflexivo, imaginativo y creativo que pueda haber ayudado a alcanzar resultados más refinados.

Proceso de preparaciónA fin de prepararse para esta tarea, dentro del tronco común del programa de estudios, los alumnos del NM y del NS deben haber tenido experiencias en lo siguiente:




Práctica de la creación

artística

Crear a obras de arte través de un proceso de investigación, de pensamiento crítico y de experimentación con diversas técnicas

Aplicar las técnicas observadas a su propio trabajo en desarrollo

Experimentar con diversos medios y explorar técnicas de creación artística

Desarrollar conceptos a través de procesos basados en distintas habilidades, técnicas y medios

Producir un conjunto de obras artísticas a través de un proceso de reflexión y evaluación, en el que se muestre una síntesis de habilidades, medios y conceptos

Diario de trabajo de

Artes Visuales

Registrar sus experiencias y aprendizaje junto con sus impresiones, reflexiones, y cualquier investigación pertinente en el diario de trabajo de Artes Visuales

Posteriormente, los alumnos llevan a cabo el proceso indicado a continuación para la evaluación.

Descripción detallada de la tareaLos alumnos del NM y del NS deben:

• Explorar una variedad de técnicas, tecnologías, efectos y procesos, y trabajar con ellos para ampliar su base de habilidades, además de tomar decisiones independientes sobre la elección de medios, formas y propósitos que resulten adecuados a sus intenciones

• Reflexionar sobre sus propios procesos, así como aprender sobre los procesos de experimentar, explorar, manipular y pulir el uso de los medios de distintas maneras

• Crear un conjunto de trabajos que ponga de manifiesto la investigación, el desarrollo de ideas y trabajos artísticos, y que demuestren una síntesis de ideas y medios

Evaluación externa


Pueden incluirse en el trabajo presentado experimentos llevados a cabo durante sesiones de prueba de determinados medios, demostraciones de técnicas, talleres, clases magistrales, experimentación guiada y prácticas de taller realizadas como parte de las actividades del tronco común del programa de estudios indicadas anteriormente (así como reflexiones al respecto).

Requisitos formales de la tarea: NM • Los alumnos del NM presentan entre 9 y 18 pantallas que demuestran su experimentación,

exploración, manipulación y perfeccionamiento continuados de diversas actividades de creación artística. Deben presentar trabajos realizados mediante al menos dos formas de creación artística, cada una perteneciente a una columna distinta de la tabla de formas de creación artística.

Requisitos formales de la tarea: NS• Los alumnos del NS presentan entre 13 y 25 pantallas que demuestran su experimentación,

exploración, manipulación y perfeccionamiento continuados de diversas actividades de creación artística. Deben presentar trabajos realizados mediante al menos tres formas de creación artística, seleccionadas de un mínimo de dos columnas de la tabla de formas de creación artística.

Presentación del trabajo para evaluaciónLas pantallas presentadas no deben incluir ninguna de las obras terminadas que se hayan presentado para la tarea de evaluación interna de la parte 3 (exposición).

No se establece un tamaño y formato obligatorios para las pantallas que se presenten para evaluación. Los materiales presentados se evalúan en pantalla y los alumnos deben asegurarse de que su trabajo sea claro y legible para su presentación en un formato digital en pantalla. Los alumnos no deben escanear varias páginas de su diario de trabajo para enviarlas como una única pantalla, por ejemplo, ya que los materiales sobrecargados o ilegibles pueden impedir a los examinadores interpretar o entender las intenciones de su trabajo.

El procedimiento para la presentación de los trabajos para evaluación se detalla en el Manual de procedimientos del Programa del Diploma. Cuando presenten los materiales, los alumnos deben indicar el número de pantallas incluidas. En caso de que los materiales presentados sobrepasen los límites establecidos respecto al número de pantallas, los examinadores tienen instrucciones de basar su evaluación únicamente en los materiales que figuren dentro de los límites.

Criterios de evaluación externa: NM y NS

Parte 2: Carpeta del procesoResumen

Parte 2: Carpeta del procesoPuntos

NMTotal NM

Puntos NS

HLTotal

A Habilidades, técnicas y procesos 12

34

12

34

B Investigación crítica 6 6

C Comunicación de ideas e intenciones 6 6

D Revisión, perfeccionamiento y reflexión 6 6

EPresentación y lenguaje específico de la asignatura

4 4

Evaluación externa


CriteriosA. Habilidades, técnicas y procesos Mediante el empleo del número indicado de formas de creación artística de la tabla provista:

¿En qué medida demuestra el alumno experimentación y manipulación continuadas de una variedad de habilidades, técnicas y procesos, así como la capacidad de seleccionar y usar materiales adecuados a sus intenciones?

Los alumnos cuyos trabajos no reflejen el número mínimo de medios y formas no podrán obtener una puntuación superior a 3 en este criterio.

Puntos Descriptor


1-3El alumno demuestra cierta experimentación y manipulación de habilidades, técnicas, procesos y selección de materiales, que pueden o no ser adecuados a sus intenciones o estar relacionados con estas. Su trabajo no es coherente.

4-6

El alumno trabaja, al menos, con el número mínimo de medios y formas y demuestra experimentación y manipulación de ciertas habilidades, técnicas, procesos y la selección adecuada de materiales, que en gran medida son coherentes con sus intenciones. Su trabajo es en ocasiones superficial.

7-9

El alumno trabaja, al menos, con el número mínimo de medios y formas y demuestra experimentación y manipulación de una serie de habilidades, técnicas y procesos con un propósito definido. La selección de materiales es en su mayor parte coherente con sus intenciones.

10-12El alumno trabaja, al menos, con el número mínimo de medios y formas y demuestra una experimentación y manipulación seguras y sostenidas de una serie de habilidades, técnicas y procesos. La selección de materiales es muy adecuada y coherente con sus intenciones.

B. Investigación crítica ¿En qué medida demuestra el alumno una investigación crítica de artistas, obras de arte y géneros artísticos, y muestra ser cada vez más consciente de la influencia e impacto de dicha investigación en el desarrollo de sus propias prácticas de creación artística e intenciones?

Puntos Descriptor


1-2El alumno demuestra una investigación crítica limitada, y muestra una conciencia limitada del impacto de dicha investigación en el desarrollo de sus propias prácticas e intenciones artísticas.

3-4El alumno demuestra una buena investigación crítica, y muestra ser consciente del impacto de dicha investigación en el desarrollo de sus propias prácticas e intenciones artísticas.

5-6El alumno demuestra una profunda investigación crítica, y muestra claramente una conciencia segura y perspicaz del impacto de dicha investigación en el desarrollo de sus propias prácticas e intenciones artísticas.

Evaluación externa


C. Comunicación de ideas e intenciones (de forma visual y por escrito)Mediante el empleo del número indicado de formas de creación artística de la tabla provista:

¿En qué medida demuestra el alumno la capacidad de expresar claramente cómo se han formado y desarrollado sus ideas e intenciones iniciales, y cómo ha asimilado las habilidades técnicas, los medios elegidos y las ideas para avanzar en su trabajo?

Puntos Descriptor


1-2El alumno enumera cómo se han formado o desarrollado sus ideas e intenciones iniciales. Raramente transmite cómo han contribuido a su trabajo las habilidades técnicas, los medios o las ideas.

3-4El alumno trata de identificar, aunque no suficientemente, cómo se han formado y desarrollado sus ideas e intenciones iniciales. Transmite cómo ha asimilado las habilidades técnicas, los medios y las ideas, pero podría profundizar más.

5-6El alumno expresa claramente cómo se han formado y desarrollado sus ideas e intenciones iniciales. Transmite eficazmente cómo ha asimilado las habilidades técnicas, los medios y las ideas para avanzar en su trabajo.

D. Revisión, perfeccionamiento y reflexión (de forma visual y por escrito)¿En qué medida demuestra el alumno la capacidad de revisar y perfeccionar las ideas, habilidades, procesos y técnicas, y de reflexionar sobre su adquisición de habilidades como artista visual y la manera en que estas se desarrollan?

Puntos Descriptor de nivel


1-2El alumno demuestra una escasa comprensión del proceso de revisión o perfeccionamiento de las ideas, habilidades, procesos o técnicas. Su reflexión es, en su mayor parte, descriptiva o superficial.

3-4El alumno demuestra un proceso de revisión y perfeccionamiento de las ideas, habilidades, procesos y técnicas, aunque no suficientemente desarrollado. Reflexiona sobre su adquisición de habilidades como artista, pero podría profundizar más.

5-6

El alumno demuestra un proceso de revisión y perfeccionamiento de las ideas, habilidades, procesos y técnicas muy eficaz y sistemático. Presenta una reflexión segura y significativa sobre su adquisición de habilidades y un análisis de su desarrollo como artista.

Evaluación externa


E. Presentación y lenguaje específico de la asignatura¿En qué medida transmite el alumno información de manera clara, coherente, legible y visualmente adecuada, empleando lenguaje apropiado específico de la asignatura de manera sistemática?

Puntos Descriptor


1-2El alumno intenta transmitir información de manera clara o visualmente adecuada, aunque esta puede no ser coherente o siempre adecuada. Intenta usar lenguaje apropiado específico de la asignatura, pero este es infrecuente o poco preciso.

3-4El alumno transmite información de manera clara y coherente en un trabajo que resulta visualmente adecuado, legible e interesante. Usa sistemáticamente lenguaje específico de la asignatura de manera precisa y adecuada.

Evaluación interna


Presentación del trabajo para evaluaciónLos alumnos pueden reproducir y presentar obras individuales para la evaluación de diversas maneras, de acuerdo con la naturaleza de la obra y los recursos disponibles. Lo ideal sería reproducir la obra en el medio electrónico más apropiado para la forma de creación artística seleccionada. La mejor forma de reproducir una obra bidimensional puede ser, por ejemplo, mediante una fotografía, mientras que en el caso de una obra tridimensional puede ser mediante una corta grabación de video. Las obras electrónicas y basadas en lentes y pantallas —como, por ejemplo, las animaciones— pueden precisar, no obstante, de tipos de archivos menos comunes. Se debe tener en cuenta que este tipo de presentaciones, basadas en el tiempo, deben tener una duración máxima de cinco minutos. En el Manual de procedimientos del Programa del Diploma se ofrecen aclaraciones sobre los tipos de archivos aceptados para presentar los materiales de evaluación.

Fotografías adicionales

Con independencia del medio elegido para reproducir cada una de las obras, se permite a los alumnos presentar hasta dos fotografías adicionales para complementar cada obra presentada. Estas fotografías o capturas de pantalla complementarias tienen por objetivo permitir a los alumnos realzar la escala o los detalles específicos de la obra presentada. Estas fotografías adicionales son opcionales. Las fotografías de objetos bidimensionales deben tomarse antes del encuadrado o enmarcado. En el Manual de procedimientos del Programa del Diploma se ofrecen aclaraciones sobre cómo presentar las fotografías adicionales y sobre los tipos de archivo aceptados.

A menos que sea imposible, se aconseja a los colegios que presenten dos fotografías de la exposición general de cada alumno. Estas fotografías de la exposición permiten comprender el contexto de la exposición y el tamaño y alcance de las obras. Aunque no se utilizarán para evaluar las obras individuales, pueden proporcionar al moderador elementos para entender mejor en qué medida el alumno ha tenido en cuenta la experiencia general del público en su exposición. En las fotografías de exposición solo deben aparecer las obras presentadas para evaluación.

El procedimiento para la presentación de obras para evaluación se detalla en el Manual de procedimientos del Programa del Diploma. Los alumnos deben indicar el número de obras presentadas. En caso de que los materiales presentados sobrepasen los límites establecidos, los examinadores tienen instrucciones de basar su evaluación únicamente en los materiales que figuren dentro de los límites.

Criterios de evaluación interna: NM y NSResumen

Parte 3: ExposiciónPuntos

NMTotal NM

Puntos NS

Total NS

A Selección y aplicación de materiales 9

30

9

30

B Habilidades técnicas 9 9

CMaterialización de la función, el significado y el propósito

9 9

D Práctica curatorial o del comisariado artístico 3 3

Evaluación interna


CriteriosSelección y aplicación de materiales Pruebas: fundamentación de la práctica curatorial o del comisariado artístico, obras presentadas, texto de exposición y fotografías o video de la exposición

• ¿En qué medida demuestran las obras presentadas una selección y aplicación eficaces de los medios, materiales, procesos y técnicas adecuados a las intenciones declaradas, lo que deriva en la producción y exposición de un conjunto de obras terminadas y perfeccionadas?

Los alumnos que no presenten el número mínimo de obras no podrán obtener más de 6 puntos en este criterio.

Puntos Descriptor


1-3

Las obras elegidas para la evaluación demuestran que la selección y aplicación de los medios, los procesos y las técnicas por parte del alumno guardan una mínima relación con sus intenciones. El alumno presenta obras en su mayor parte sin terminar y sin perfeccionar.

4-6

Las obras elegidas para la evaluación demuestran que el alumno ha seleccionado y aplicado los medios, los procesos y las técnicas de acuerdo con las intenciones declaradas. El alumno presenta un conjunto de obras con una materialización y perfeccionamiento adecuados, aunque puede haber algunas obras sin terminar.

7-9

Las obras elegidas para la evaluación demuestran que el alumno ha seleccionado y aplicado eficazmente los medios, los procesos y las técnicas teniendo en cuenta plenamente las intenciones declaradas. El alumno presenta obras eficazmente logradas y perfeccionadas que reflejan una sensibilidad hacia los materiales.

Habilidades técnicasPruebas: fundamentación de la práctica curatorial o del comisariado artístico, obras presentadas, texto de exposición y fotografías o video de la exposición

• ¿En qué medida demuestran las obras presentadas que se han aplicado, manipulado y perfeccionado las habilidades para alcanzar el nivel más alto de competencia técnica en los medios elegidos?


Puntos Descriptor


1-3 Las obras elegidas para la evaluación muestran una aplicación o manipulación mínimas de las habilidades con los materiales seleccionados en los medios elegidos.

4-6 Las obras elegidas para la evaluación muestran una aplicación y manipulación adecuadas de las habilidades para alcanzar un nivel aceptable de competencia técnica con los materiales seleccionados en los medios elegidos.

7-9 Las obras elegidas para la evaluación muestran una aplicación, manipulación y perfeccionamiento eficaces de las habilidades para alcanzar un nivel seguro de competencia técnica con los materiales seleccionados en los medios elegidos.

Evaluación interna


C. Materialización de la función, el significado y el propósitoPruebas: fundamentación de la práctica curatorial o del comisariado artístico, obras presentadas, texto de exposición y fotografías o video de la exposición

• ¿En qué medida demuestran las obras presentadas cómo se han combinado eficazmente las imágenes, los signos y los símbolos para materializar la función, el significado y el propósito de las obras, conforme a las intenciones declaradas?


Puntos Descriptor


1–3

Las obras elegidas para la evaluación demuestran un desarrollo mínimo de las ideas, los temas o conceptos. Hay pruebas de un uso mínimo de imágenes, signos y símbolos, o bien las imágenes, los signos y los símbolos usados son obvios, forzados o superficiales. Se transmiten mínimamente las intenciones artísticas declaradas.

4-6

Las obras elegidas para la evaluación desarrollan visualmente las ideas, los temas o conceptos hasta un punto de materialización adecuado. Hay pruebas del uso de imágenes, signos y símbolos que transmiten adecuadamente las intenciones artísticas declaradas.

7-9

Todas las obras elegidas para la evaluación desarrollan visualmente las ideas, los temas o conceptos hasta un punto de materialización eficaz y avanzado. Hay pruebas del uso sutil de imágenes, signos y símbolos complejos que transmiten eficazmente las intenciones artísticas declaradas.

Práctica curatorial o del comisariado artístico (solo NM)Pruebas: fundamentación de la práctica curatorial o del comisariado artístico, obras presentadas, texto de exposición y fotografías o video de la exposición

• ¿En qué medida demuestran las obras presentadas la selección y exposición con éxito de un grupo de obras en el espacio elegido, conforme a las intenciones declaradas?

Puntos Descriptor


1La fundamentación de la práctica curatorial justifica parcialmente la selección de las obras expuestas.

2La fundamentación de la práctica curatorial justifica en su mayor parte la selección de las obras expuestas, que se presentan y organizan conforme a las intenciones declaradas por el alumno en el espacio puesto a su disposición.

3La fundamentación de la práctica curatorial justifica plenamente la selección de las obras expuestas, que se presentan y organizan claramente conforme a las intenciones declaradas por el alumno en el espacio puesto a su disposición.

Evaluación interna


D. Práctica curatorial o del comisariado artístico (solo NS) Pruebas: fundamentación de la práctica curatorial, obras presentadas, texto de exposición y fotografías o video de la exposición

• ¿En qué medida demuestran las obras presentadas la selección y exposición con éxito de un grupo de obras en el espacio elegido, conforme a las intenciones declaradas?

• ¿En qué medida demuestran las obras presentadas una reflexión sobre el modo en que la exposición transmite una comprensión de la relación entre las obras y el espectador?

Puntos Descriptor


1

La fundamentación de la práctica curatorial o del comisariado artístico justifica parcialmente la selección de las obras expuestas. El alumno aporta una reflexión que justifica escasamente la relación entre algunas de las obras y el espectador en el espacio puesto a su disposición.

2

La fundamentación de la práctica curatorial o del comisariado artístico justifica en gran medida la selección de las obras expuestas, que se presentan y organizan conforme a las intenciones declaradas por el alumno. El alumno aporta una reflexión que generalmente justifica la relación entre las obras y el espectador en el espacio puesto a su disposición.

3

La fundamentación de la práctica curatorial o del comisariado artístico justifica de manera concisa la selección de las obras expuestas, que se presentan y organizan claramente conforme a las intenciones declaradas por el alumno. El alumno aporta una reflexión adecuada y claramente justificada de cómo ha tratado de establecer una relación entre las obras y el espectador en el espacio puesto a su disposición.

3.

Material de ayuda al profesor de Artes Visuales 1

Ejemplo 1

Estudio comparativoAlumno A (NM)

Estudio comparativo

Este estudio analiza las cualidades formales, la función, el propósito y la importancia cultural de las siguientes obras: • Las cuatro estaciones (otoño), 1993‐1995, de Cy Twombly • Girasol, 1980, de Stefan Bertalan • Ermita, 1917, de Paul Klee

Ejemplo 1


Cy Twombly (Estados Unidos, 1928‐2011)

• Las cuatro estaciones (otoño), 1993‐1995• Pintura de uso doméstico, óleo, crayón y

lápiz sobre lienzo

Cy Twombly perteneció a la segunda generación del expresionismoabstracto. Se trasladó de Nueva York a Roma a finales de la décadade 1950, atraído por la arquitectura y los paisajes italianos. En QuattroStagioni, Part III: Autunno, que se traduce como Las cuatro estaciones,parte III (otoño), forma parte de una serie de cuadros creados porTwombly para representar las estaciones. La composición de la obra siguela regla de los tercios. Las dos terceras partes inferiores de la obra estánllenas de grandes explosiones de pintura que recuerdan a un dibujoinfantil. El grupo de marcas aleatorias en la parte inferior me recuerda auna bandada de pájaros. Twombly podría estar haciendo alusión a lamigración de las aves en el otoño. Se atrae la atención del público a laesquina izquierda, donde solo hay un gesto negro que ayuda a equilibrarla composición. Las marcas frenéticas dan a la obra una fuerte sensaciónde movimiento y ritmo que consiguen que la mirada recorra todo elplano pictórico. Al estar casi todo el énfasis en la parte inferior del lienzo,el espectador también tiene la sensación de que podría tratarse de unpaisaje, lo que sería un indicador de la afición de Twombly por el paisajeitaliano. Los goteos y la acumulación de pintura dan peso a la obra yayudan a equilibrar las formas libres. La gama de colores incluye azulesoscuros, morados, negros y rojos intensos sobre fondo blanco con untoque de amarillo. La intensidad del color indica que es plena temporadaotoñal, de la cosecha de la uva y la producción del vino. Lo que meparece más interesante de la obra de Twombly es el uso de la caligrafíacomo forma de crear marcas o grafismos (mark‐making). En la partesuperior de la obra se pueden ver mensajes cifrados entre las capas. Enpalabras del historiador del arte John Berger, Twombly "visualiza concolores vivos el espacio silencioso que existe entre las palabras yalrededor de ellas" (Berger).


Ejemplo 1


• Las cuatro estaciones (invierno), 1993‐1995Pintura de uso doméstico, óleo, crayón y lápiz sobre lienzo

Las cuatro estaciones, parte III (otoño) forma parte de una serieen la que Twombly explora las estaciones, los ciclos y lanaturaleza. Las cuatro estaciones son una metáfora del paso deltiempo, el renacimiento y el ciclo inevitable de la vida. Las obrasde Twombly consisten en el proceso y el descubrimiento. En suspropias palabras: "No son descripciones, son algo que estásucediendo... El trazo es la sensación" (Twombly). Al igual quelos muchos artistas surrealistas, Twombly cree en elautomatismo psíquico: la creencia de que el artista no controlala creación de la obra, sino que hace posible que la creacióntenga lugar por sí misma. En la década de 1950, Twombly seinteresó mucho por el arte tribal y el primitivismo, y llegó aadoptar la sencilla franqueza que observó en el arte tribal. Lasensación de energía e inmediatez en la creación de marcas esevidente en todas las obras que forman parte de la serie de Lascuatro estaciones. Twombly se inspiró a menudo en la literaturaeuropea y la cultura clásica, y en Las cuatro estaciones, parte III(otoño) incluye fragmentos de poemas. Por ejemplo, incorporapoemas de Rainer Maria Rilke y Giorgos Seferis entre losgrafismos y marcas de sus obras. La afición de Twombly por lahistoria del arte clásico es evidente en su uso del tema de lascuatro estaciones, utilizado como metáfora en numerosasocasiones en la historia del arte.

Ejemplo 1



Al considerar Las cuatro estaciones (otoño) (1993‐1995) y toda la obra de CyTwombly, hay que tener en cuenta el importante papel que desempeñó en elcontexto histórico del mundo del arte. En 1950 y 1951, estudió en la Art StudentsLeague de Nueva York. Allí conoció a Robert Rauschenberg, quien le presentó aalgunos artistas de la primera generación del expresionismo abstracto, comoWilhelm De Kooning, Franz Kline y Jackson Pollock. En 1951 fue reclutado por elejército, donde sirvió como criptógrafo. Su método de codificación del lenguaje ensus obras está influido por el breve período en que trabajó como criptógrafo. Cuandoregresó a Nueva York en 1953, ya se le empezaba a considerar una de las figurasprominentes del movimiento expresionista abstracto.

En 1957, se trasladó a Gaeta, en elsur de Italia, un lugar más próximoa los mitos, la literatura y la historiadel arte clásico que a menudoaparecían como pasajes crípticosen su obra. Creo que es importanteseñalar que en las décadas de 1930y 1940 muchos artistas se fueronde Europa a causa de la SegundaGuerra Mundial y emigraron aEstados Unidos, llevando consigo lainfluencia del modernismo que poraquel entonces era más progresistaen Europa. Debido a la SegundaGuerra Mundial, el centro mundialdel arte se trasladó de París aNueva York. Twombly, que eramiembro de la Escuela de NuevaYork, invirtió esta tendencia y fijósu residencia principal en Europa,aunque regresó a menudo aEstados Unidos y se le incluyó ennumerosas exposiciones en estepaís. Su obra es única en el sentidode que combina las influenciasartísticas de la Europa clásica con laenergía frenética del movimientoexpresionista abstractoestadounidense.


Ejemplo 1

Stefan Bertalan (Rumanía, 1930‐presente)

Girasol, 1980 tiza pastel, rotulador y tinta negra sobre papel Doppelseite, je 54,9 x 32,5 cm; doble página, 54,9 x 32,5 cm cada una

La obra Girasol forma parte de una serie de StefanBertalan titulada Viví 130 días con una planta degirasol (I Lived for a 130 Days with a SunflowerPlant). Según Massimiliano Gioni,comisario/curador de la Bienal de Venecia:"Bertalan estudió un girasol durante todo su ciclovital, desde la primera germinación de su semillahasta su muerte, y documentó su evolución cadadía mediante fotografías, dibujos y un diarioescrito" (página 49). Uno de los muchos dibujosde su serie de girasoles, a la izquierda, parece quefueran páginas sacadas de un libro. Bertalanyuxtapone un dibujo gestual de un girasolmonocromático, a la izquierda, con uno coloreadoa la derecha. No parece interesarle reproducirfielmente los colores de la planta a la derecha,sino que ha optado por utilizar una gama decolores en su mayoría azules que resultaagradable estéticamente. Los márgenes estánllenos de notas y cálculos que hacen recorrer todala composición con la mirada. El texto escrito vamás allá del contenido y adquiere másimportancia en el proceso de creación de marcaso grafismos (mark‐making). La espontaneidad delgesto en los dibujos hace que parezcan muy libresy, en cierta medida, abstractos. Sin embargo,también recuerdan a los dibujos botánicossumamente técnicos que eran populares en elsiglo XVIII.

El verano pasado viajé a Italia con el colegio y,afortunadamente, como parte del viaje fuimos a la Bienal deVenecia, una de las exposiciones de arte contemporáneomás importantes del mundo. En esta exposición conocí laobra del artista rumano Stefan Bertalan. Bertalan ha sidoparte del movimiento neovanguardista en Rumania desde ladécada de 1960. Tiene un historial de proyectos einstalaciones de naturaleza conceptual.

Cortesía de: Stefan Bertalan y Johnen Galerie, Berlín

Ejemplo 1



• Girasol, 1980Tiza, rotulador, bolígrafo y lápiz sobre papel56,5 x 36,8 cm

Como resultado del proyecto sobre el girasol, Bertalan nosolo realizó una serie de dibujos finales, sino que tambiéndocumentó el proceso, incluido cómo se marchita la planta ysus anotaciones diarias. Con su investigación, que dio lugara varias obras tituladas Girasol, Bertalan quería transmitir laidea de que un solo organismo y su función pueden servircomo metáfora del mundo en general. Es importanteseñalar que este proyecto se concentró más en laexperiencia cotidiana que en el registro visual al que diolugar al final. Las obras finales que Bertalan creó como partedel proyecto sobre el girasol son dibujos hermosos. Creoque las acciones cotidianas del artista, en las que observacómo la planta se marchita y desaparece, reflejan lacomplejidad de la condición humana. Su obra tieneconexiones con el arte en vivo (performance art), así comocon los estudios botánicos, una forma artística mástradicional. A pesar de que la obra se creó en la décadade 1980, guarda una relación directa con tendenciasartísticas actuales, por ejemplo, al combinar diferentesdisciplinas como el arte y la ciencia. Las obras son oportunasen cuanto a que hacen referencia a la sociedad moderna,que presta un interés cada vez mayor a los cambios que seproducen en el mundo natural y a la contribución de lasplantas al mantenimiento de un entorno saludable.



Ejemplo 1


• Caracoles, 1980Tiza, rotulador, bolígrafo y lápiz sobre papel56,5 x 36,8 cm

Viví 130 días con una planta de Girasol (I Lived for a 130 Days with a Sunflower Plant) y Estructura decaracoles (Structure of Snails), que se muestran a continuación, son dos series que Bertalan creó en laRumanía comunista en la década de 1980. En esta época, había escasez de alimentos y malestar socialen Rumanía debido a la caída de otros regímenes comunistas en Europa del Este. Según el filósofo ehistoriador de arte rumano: "El estado generalizado de pobreza, complacencia, degradación ydesvinculación, junto con la decadencia material y cultural, es probablemente la característica másnotable de la sociedad rumana durante la década de 1980. [...]" (189, Erwin Kessler). Conociendo elcontexto en el que Bertalan creó la serie Girasol la metáfora de la decadencia —un tema recurrente ensu obra— adquiere aún más importancia.Es interesante que el vivir bajo el régimencomunista influyera en la elección deBertalan de expresarse en formas muysimples y naturales. La implicación de susobras es sutil, pero al mismo tiempo suintención es poderosa. En la obra deBertalan, el proceso de decadencia de ungirasol representa el colapso de la sociedadpero, al mismo tiempo, transmite esperanzacon la germinación de nuevas semillas querepresentan el renacimiento y el cambio.


Ejemplo 1


Paul Klee (Alemania, 1879‐1940)

Ermita. 1918. Acuarela con fondo de tiza. 18,3 x 25,4 cm

En 1914, Paul Klee viajó a Túnez, en el norte deÁfrica, y quedó impresionado con el color quecreaba la luz del Mediterráneo. En aquelmomento, afirmó: "El color me domina. Nonecesito ir en busca de él. Me posee, lo sé bien. Heaquí el sentido de este momento feliz: el color y yosomos uno. Soy pintor". (1914, Klee) Comoresultado de este viaje, la obra de Klee empezó avolverse más abstracta.

La obra de la izquierda, creada después de suviaje a Túnez, está saturada de un hermoso azulque recuerda al color del Mediterráneo. Laobra está llena de varios grafismos con unaspecto muy infantil. Los grafismos de Kleeparecen surgir de su subconsciente, lo quetambién se ha denominado "escriturapictórica" (Abrams 29). La composición pareceser una ventana o un escenario, por las cortinascolocadas en ambos lados. En el medio haydibujos que se asemejan a un paisaje. Hayárboles y una estructura que parece ser unaiglesia, o posiblemente un templo. En el centrohay una serie de marcas misteriosas queparecen formar un ojo. Todos los elementosestán cargados de energía y se muevenarmónicamente por el cuadro. La transparenciade la composición aporta algo de luz, mientrasque algunos de los grafismos son densos yquedan relegados a un segundo plano. Kleedeja que sea el espectador quien interprete engran medida sus obras y solo hace entrevercuál puede ser el significado de fondo, como sedemuestra en Ermita.


Ejemplo 1


Paul Klee, Jardines del sur de Túnez, 1919Acuarela, 81 x 66 cm

“Mi mano no es más que el implemento de unaesfera lejana. No es mi cabeza la que funciona,sino otra cosa, algo superior en algún lugarremoto. Debo tener grandes amigos allí, tantooscuros como radiantes... Son todos muy amablesconmigo". Paul Klee

Klee era conocido por su concepción espiritual y filosóficade la creación artística. Su estilo combina todos los grandesmovimientos modernos que definieron la Historia del Artede principios del siglo XIX. Las formas orgánicas ygeométricas en la obra Ermita hacen referencia al estilocubista de Picasso. Las abstracciones de vivos colores deKandinsky y las técnicas de dibujo automático de lossurrealistas también están presentes en la obra de Klee.Este formaba parte de un grupo de artistas creado por susamigos Franz Marc y Wassily Kandinsky llamado Der BlaueReiter (El jinete azul). Su padre era músico y Klee crecióinterpretando música. Pese a las expectativas de queestudiara música, Klee decidió dedicarse a las artesvisuales. Sin embargo, se aprecian influencias musicales enel ritmo y la fluidez de los dibujos infantiles que componenla obra Ermita. Klee partió de la observación del paisaje alcrear la mayoría de sus obras, como se aprecia tanto enErmita como en Jardines del sur. "Así, habiendocomprendido la naturaleza, el pintor fue más allá ydescubrió una extensión de la naturaleza en reinos allendela comprensión terrenal, los reinos de la intuición y la visiónmística" (Abrams 11). Klee continúa siendo una influenciapara los artistas actuales con su rico legado de abstraccióny su complejo vocabulario simbólico.

Ejemplo 1



Columnas negras en un paisaje, 1919Acuarela, lápiz y tinta sobre papel; 20,4 x 26,3 cmLa obra de Klee no solo contribuyó a definir el modernismo; el contexto y la época en que realizó sus obras también tienen una importancia histórica. Poco después, en 1915, regresó de su viaje a Túnez y fue reclutado por el ejército alemán para combatir en la Primera Guerra Mundial. La muerte de los artistas August Macke y Franz Marc le afectó profundamente. Klee continuó creando arte mientras estaba en el ejército y gran parte de sus obras en este período se centran en el tema de la muerte.

"En 1917, Klee estaba emplazado con su unidad en Augsburgo. En su diario, escribió: “Todo lo transitorio es solo un símbolo. La verdadera realidad está al principio enterrada, invisible. .... Cuanto más aterrador se vuelve el mundo (como ocurre hoy en día), más abstracto se vuelve el arte" (Abrams, página 17). Después de la guerra, en 1921, Klee fue contratado por la Bauhaus, una escuela progresista alemana conocida por ser pionera en el arte y el diseño modernos. Allí enseñó junto a su amigo Wassily Kandinsky hasta 1931. En 1931, Klee comenzó a enseñar en la Academia de Düsseldorf. Dos años más tarde, fue despedido por los nazis y su casa fue registrada. Los nazis creían que Klee era judío y por este motivo se vio obligado a huir de Alemania cuando se encontraba en la cumbre de su carrera artística. No existen pruebas contundentes de que Klee tuviera ascendencia judía, y él mismo respondía muy ambiguamente cuando se le preguntaba. Más tarde, los nazis lo acusaron de ser "un típico judío de Galitzia". Regresó a Suiza, su lugar de nacimiento, con su esposa. A pesar de haber huido de Alemania en 1937, los nazis exhibieron las obras que le habían confiscado en la tristemente famosa "Exposición de Arte Degenerado". Ermitaes una obra importante en el amplio patrimonio artístico de Klee. La vivacidad del color y la exploración de la abstracción fueron influencia de su viaje al norte de África, pero constituyen también una fuente de influencia en la historia del arte abstracto y en el desarrollo y uso de un vocabulario de símbolos. Muchos artistas, incluido Cy Twombly, citan a Paul Klee como una de sus principales fuentes de inspiración.


Ejemplo 1

Comparación y contraste de las obrasErmita de Paul Klee y Las cuatro estaciones, parte III (otoño) de Cy Twombly

Cy Twombly

• Miembro del movimiento expresionista abstracto

• Nacido en Estados Unidos, pero residió principalmente en Italia

• Se inspiró en los paisajes del norte de Italia

• Materiales utilizados: acuarela sobre papel

• Gama de colores limitada, con áreas de concentración de un rojo intenso

• Gran tamaño

Diferencias Semejanzas Diferencias

Paul Klee

• Influencia del surrealismo, el cubismo y el expresionismo alemán de la Europa de principios del siglo XX, pero no se adscribió a ningún movimiento en particular

• Nacido en Suiza, pero residió principalmente en Alemania

• Se inspiró en los paisajes de Túnez, en el norte de África

• Materiales utilizados: Pintura de uso doméstico, óleo, crayón y lápiz sobre lienzo

• Mayor intensidad del color en todas las áreas del plano pictórico

• Tamaño pequeño

Klee y Twombly

Trabajo intuitivo y expresionista

Referencia al mundo natural

Creación de grafismos infantiles y garabatos

Se inspiraron en la técnica surrealista del automatismo psíquico

Ambos adoptan un enfoque muy filosófico y místico en el proceso de creación artística

Arte influenciado por su experiencia en el servicio militar

Ejemplo 1


Bibliografía"Agora8.org Contemporary Art Histories from Eastern Europe. Time‐Based". Agora8.org Contemporary

Art Histories from Eastern Europe. Time‐Based. S.l., s.f. En línea. 6 de diciembre de 2013."Artists and Art". Paul Klee (1879‐1940): "I Cannot Be Understood at All on This Earth." ~. S.l., s.f. En

línea. 6 de diciembre de 2013.Backer, Shira. Il Palazzo Enciclopedico = The Encyclopedic Palace : [short Guide]. Venecia: Marsilio,

2013. En papel.Chișiu, Carola, Erwin Kessler, Ștefan Bertalan, Florin Mitroi y Ion Grigorescu. The Self‐punishing One:

Ștefan Bertalan, Florin Mitroi, Ion Grigorescu : Arts and Romania during the 1980s and 1990s. [Bucarest]: Institutul Cultural Român, 2010. En papel.

"Countries and Their Cultures". Culture of Romania. S.l., s.f. En línea. 5 de diciembre de 2013."Cy Twombly". Cy Twombly. S.l., s.f. En línea. 6 de diciembre de 2013."Cy Twombly". Cy Twombly. S.l., s.f. En línea. 6 de diciembre de 2013."Cy Twombly Gallery". Cy Twombly In Depth. S.l., s.f. En línea. 5 de diciembre de 2013."Heilbrunn Timeline of Art History". Paul Klee: Black Columns in a Landscape (1987.455.1). S.l., s.f. En

línea. 6 de diciembre de 2013."Kindermuseum Creaviva". Zentrum Paul Klee. S.l., s.f. En línea. 6 de diciembre de 2013."Klee, Paul". WebMuseum:. S.l., s.f. En línea. 5 de diciembre de 2013."A Man for All Seasons". The Guardian. Guardian News and Media, 14 de enero de 2003. En línea. 6 de

diciembre de 2013."Mark Harden's Artchive: "Artchive"" Mark Harden's Artchive: "Artchive" S.l., s.f. En línea. 6 de

diciembre de 2013."THE NEO CAMPARI PRESS RELEASE COLLECTION". : Abc. S.l., s.f. En línea. 6 de diciembre de 2013."Sue Hubbard". Cy Twombly Cycles and Seasons. S.l., s.f. En línea. 6 de diciembre de 2013."Thomas Ruffphotograms8 November 2013 ‐ 25 January 2014". Home. S.l., s.f. En línea. 6 de diciembre

de 2013.


Ejemplo 4

En este momento, tengo previsto experimentar con estarcidos. Si bienno pienso incluir dibujos a lápiz en mi obra final, me pareceimportante incluir aquí estos bocetos a lápiz porque me han ayudadoa entender el tema con detalle. También me han ayudado adesarrollar las técnicas de creación de marcas o grafismos (mark‐making), que serán esenciales a la hora de crear mis estarcidos. Creoque la imagen central de la cara de un joven es muy buena y quedarábien en formato de estarcido; sin embargo, fue una imagen difícil dedibujar debido al ángulo de la cara. Tiene algunos problemas deproporción, pero estoy satisfecho con el resultado final.

Experimenté con el sombreado en estos dibujos del natural, y el deaquí abajo me recuerda a las primeras obras de Lucian Freud porqueno tiene sombras fuertes. Lo hice así porque la pluma puede ser difícilde usar si se aplica sombreado por todas partes. En mi opinión, elespacio negativo es más eficaz.

El dibujo del natural me ha ayudado a entendermejor mi tema y a perfeccionar mi técnica dedibujo. En estos diseños, he utilizado unacombinación de pasteles al óleo, aguada y unpoco de pintura en espray. Los pasteles al óleodan una imagen desglosada, pues los coloresaparecen en bloques en lugar de lisos ycontinuos. Lo mismo pasa con la técnica de laaguada. Sin embargo, la principal comparación escon la pintura en espray, pues esta también creaun efecto de bloques. Aunque el efecto es unpoco más desglosado, sigue teniendo las mismascaracterísticas. Elegí el cuerpo como temaporque me gustaría crear una serie de obrascentradas en el retrato y la cara.

Dibujo del natural

Carpeta del procesoAlumno A (NM)

Ejemplo 4


Experimentación con medios Aquí he continuado desarrollando mis ideas mediante la experimentacióncon el uso de diferentes capas para crear una imagen, así como condiferentes técnicas. Algunos resultados son mejores que otros; porejemplo, los estarcidos de una sola capa con áreas negras más grandesquedan mejor que los que tienen demasiado espacio negativo. Sinembargo, me gusta usar marcas o grafismos para dar profundidad.También creo que los estarcidos originales de varias capas que los quetienen demasiado espacio negativo. También creo que el estarcido devarias capas queda bien, ya que añade variedad. Como quiero crear variasobras, podría incluir algunas de varias capas en la colección.

Como parte de mi trabajo preliminar, decidí experimentar con diferentessuperficies. He utilizado baldosas de cerámica, azulejos de vidrio y deporcelana. Todas estas superficies tienen diferentes cualidades estéticas ycaracterísticas atractivas. Por ejemplo, en el vidrio el estarcido da unresultado más delicado. Sin embargo, a pesar de que los azulejos de vidrioeran muy bonitos, resultaron demasiado delicados para manipularlosconstantemente y presentarlos. Uno de ellos incluso acabó rompiéndose.Por su parte, la robustez de la pintura de espray en combinación con elcristal y un delicado estarcido dan un resultado de aspecto y tacto muyagradables.

He recopilado varios azulejos de porcelana de diferente aspecto. En todosellos dejé deliberadamente que se viera el exceso de pulverización porqueme pareció que quedaba mejor así. Me gusta muchísimo cómo quedan losazulejos pequeños con los estarcidos pequeños. Además, la textura dealgunos de los azulejos me recuerda al exterior (el lugar de donde surgiómi compilación) y tiene conexión con el título del proyecto. Otros, encambio, no quedan tan bien. Por ejemplo, el azulejo de color negro con lapintura de espray blanca hace que se pierda el detalle y, por tanto,empobrece el resultado final.


Ejemplo 4

Experimentación con medios

Aquí he experimentado con la aplicación de un fondo antes de crear elestarcido. Es una continuación de las pruebas que ya hice con fondos negros.Creo que el gris va bien, pero también los colores vivos. Añaden un contraste ala obra, además de darle volumen. Me plantearé utilizar un color vivo, como elnaranja o el azul, aunque el gris también aporta un tono sutil.

Ejemplo 4


Experimentación con medios


Ejemplo 4

Paolozzi: El David de Miguel Ángel (1987)Para continuar perfeccionando mi técnica de dibujo, y como preparación para crear miescultura tridimensional, dediqué tiempo a estudiar más de cerca las obras de otros artistas.Las esculturas de Paolozzi fueron una gran inspiración para mí. Creo que las marcasdramáticas y la partición de la cara por la mitad muestran la yuxtaposición de ideas en suobra, y las marcas representan esta enfermedad cuando vemos la composición, así como lainspiración. Inspirándome en esta obra, probaré a poner pequeños trozos o fragmentos dearcilla en la cabeza de mi escultura para añadir profundidad y textura y hacerla másinteresante.

Joan Miró: Mujer, monumento (1970)Las obras de este pintor, escultor y ceramista catalán de fama mundial, en particular las obrasanteriores a 1920, reflejan la influencia de diferentes tendencias, como los colores puros y vivosdel fauvisimo, las formas del cubismo, el arte popular catalán y los frescos romanos. Más adelantecomenzó a realizar collages que desembocaron en la creación de sus esculturas surrealistas. Fuedurante esta década cuando aparecieron sus atormentados monstruos, que dieron paso a laconsolidación de su vocabulario plástico. También experimentó con muchas otras formasartísticas, como el grabado, la litografía, las acuarelas, los pasteles y la pintura sobre cobre.Concentró su interés en el símbolo, sin dar demasiada importancia al tema representado, yprestando más atención a cómo el símbolo se convierte en el centro de la obra. Miró tenía unestilo muy excéntrico que es la encarnación de su enfoque característico en la creación artística.

(Basado en mis propias observaciones y notas del texto de la exposición en Yorkshire Sculpture Park, Inglaterra)

Exploración de la escultura

Ejemplo 4


Barbara HepworthObservé de cerca algunas de las esculturas de Barbara Hepworth. Las primeras obrasde Hepworth eran de la figura humana, que la artista desarrolló en forma de esculturaabstracta. En su obra, existe una conexión clara entre la figura y el paisaje. Me gustaesta abstracción de la figura y es algo que he visto desarrollarse en mi propio trabajo,que comenzó con los retratos y la cara y ha ido tomando un rumbo muy diferente. Eltexto de la exposición de Hepworth en la galería Hepworth Wakefield menciona el usodel ritmo y el movimiento en sus esculturas, que es evidente a la vista. Muchas de susesculturas parecen tener un agujero perforado que comenzó a aparecer en 1931. Susobras también muestran experimentación con el color y, algo que me interesómuchísimo, el uso de cuerdas.

Imagen e información vistas en la galería Hepworth Wakefield (Inglaterra) y en el sitio web:http://barbarahepworth.org.uk/ (consultado el 05/12/2013)

Exploración de la escultura

Dos formas en Echelon, bronce, 1961, Hepworth Pájaro (lunar), 1966, Miró


Ejemplo 4

Objetos orgánicos:Para practicar mi técnica de dibujo, hice algunosbocetos de objetos orgánicos como los dientes deun cráneo, una concha marina, una piña y ancas derana. Pensé que sería difícil dibujar los dientes, porla forma y el nivel de detalle, pero al final quedaronbien. La piña fue difícil de dibujar, teniendo encuenta todas las formas y las proporciones, peroenseguida mejoré. La concha marina fue la máscomplicada, porque utilicé primero un tono másoscuro y no tuve en cuenta los detalles que no podíaincluir. Así aprendí que la próxima vez tengo queempezar con un tono más claro. Fue interesantedibujar el esqueleto de las ancas de rana de formaque se viera la textura del hueso.

Observaciones La idea principal era investigar diferentes formas y objetos en mis bocetos.Esto me ayudó a elegir el diseño de la escultura que iba a crear. Todosestos dibujos son míos.

Objetos mecánicos:Para continuar desarrollando mi técnica de dibujo, observé varios objetosmecánicos, incluida una placa de circuito y un muelle. De la placa me gustó elpatrón y las texturas, y creo que sería un reto interesante utilizarlos en unaescultura. El dibujo del muelle me resultó sencillo y fácil, uno de mis puntosfuertes es el dibujo con bolígrafo y lápiz. Me siento seguro de mí mismo aldibujar con lápiz y pluma; en cambio, utilizar el bolígrafo puede suponer unriesgo si uno se equivoca.

Ejemplo 4


Otros diseños incorporaban conchas marinas, de las que había hechoun boceto, y me gustó la idea de utilizar una curva para crear unaestructura en forma de concha. Usando una base sólida, se podríaestabilizar la escultura con un poste en medio que mantenga la curvaen su lugar. La curva sería de cartón y le pondría encima una venda deyeso, el poste y la base podrían ser de cualquier materialsuficientemente sólido y firme para sujetar la curva.

Maquetas en miniaturaCreé dos maquetas de mi último diseño, porque la primera vez noutilicé la escala correcta. La segunda maqueta fue más precisa. Se meocurrió la idea de utilizar la cuerda en la escultura cuando visitamos lagalería Hepworth, donde había un par de esculturas con característicassimilares. Las maquetas de los otros diseños fueron muy difíciles dehacer y me habría resultado difícil crear las esculturas en el tiempo queteníamos. Hice las maquetas para darme una idea aproximada de cómosería la escultura final. Utilicé materiales como cartón, cuerda y cintaadhesiva. Fue un reto formar una imagen de cómo debía ser laescultura: hice varias maquetas para darme una serie de ideas.

A partir de mis dibujos de objetos orgánicos y mecánicos, se me ocurrióuna idea para una escultura pequeña que mezclara los dos. Tiene elpatrón de una placa de circuito. La parte inferior es un muelle y la partesuperior sería una encía con dientes humanos vistos desde arriba. Megustó la idea porque juntos crean una estructura estable para unaescultura. Este podría llegar a ser mi diseño final. Me pareció difícildibujar los dientes, pensé que sería un reto.

Mi último diseño para la escultura es otra curva con un poste que la sujeta. Luego le ataría tres trozos decuerda en cada agujero. En este diseño, la curva también sería de cartón y llevaría encima una venda de yeso.Esta escultura no necesitaría una base o soporte para sostenerla porque la parte inferior de la curva es másplana, por lo que se mantendría en equilibrio. El poste impediría que se desarme.

Desarrollo de las ideas


Ejemplo 4

Uno de mis experimentos favoritos hasta elmomento es una escultura de forma curvada comouna concha con cuerdas que la sujetan. Elegí estediseño porque era una escultura más estable quelos otros diseños, al tener una base más ancha. Elposte y las cuerdas hacen que mantenga la forma.La hice primero de cartón para darle un poco deestructura. Después la cubrí con vendas de yesopara endurecerla y mantener su forma. Hiceagujeros para poder pasar el alambre y la cuerda yaté nudos a ambos lados. Creo que este diseño fueel más eficiente y eficaz hasta el momento.

Experimentos de tamaño grande

Con mi arte quería representar contrastes. Quería pintar cosas que fueran hermosas, pero que también tuvieran unlado oscuro. Al empezar ya sabía que mis habilidades artísticas eran limitadas porque nunca había aprendido a pintar.

En mi primera obra, Flying Colors [Colores al vuelo], traté de explorar aspectos de mi cultura pintando a una señoraque baila una danza tradicional mexicana, y usé el color y la forma para representar el ritmo y la alegría de la danza.Usé colores brillantes porque me encantan y porque es una danza muy animada, con trajes de colores vivos. Lospatrones en el fondo reflejan patrones tradicionales mexicanos. Creo que esta obra quedó un poco floja, pero fue laprimera y me sirvió mucho para explorar el uso de la pintura acrílica y la combinación de colores.

Mi siguiente obra, The Only Light [La única luz], es también una pintura porque me parecía que mis habilidades parapintar eran mejores que mis habilidades para la escultura. La obra representa un frasco con una mariposa dentro. Lamariposa está atrapada en el frasco, rodeada de luciérnagas que se escapan. Muestra que estamos rodeados delocuras y cosas malas en medio de las cuales podemos quedar atrapados, pero es posible salir de esta situación. Pararepresentar los puntitos de luz de las luciérnagas, puse detrás del lienzo una caja con algunas lucecitas que funcionancon pilas. Hice pequeños agujeros en el lienzo para que, al encender las lucecitas y apagar la luz de la sala, se vieranpuntos de luz.

Creo que mis dos mejores obras son Falling Leaves [Hojas que caen] y Colored Leaves [Hojas de colores], obrascomplementarias inspiradas en una excursión al Parque Nacional de Yosemite. Me intrigaban el tamaño y la belleza delos viejos y enormes árboles y quería transmitir algo de esto en mis obras. Tomé fotografías de los árboles desdediferentes perspectivas. Pinté el árbol más estrecho por arriba y más ancho por abajo para que pareciera más grande.Utilicé un fondo oscuro para resaltar las hojas otoñales y colores fríos en el árbol para que contrastara con las hojas decolores vivos. Mi escultura de alambre y cuentas, Colored Leaves, utiliza colores cálidos y vivos para representar elbrillo de las hojas.

Mis obras están inspiradas en la naturaleza, y he utilizado la oscuridad que nos rodea como telón de fondo de misobras en la exposición.

Fundamentación de la práctica curatorial o del comisariado artístico

N.º de palabras en la lengua original: 399

ExposiciónAlumna B (NM)


Ejemplo 8

Fotografía de la exposición

Ejemplo 8


Flying Colors [Colores al vuelo]Pintura acrílica40 x 51 cm

Siempre quise ser bailarina. Por eso decidí expresar la alegría de la danza mediante colores vivos yprolongando las líneas desde la falda para que parezca que están volando.

Obra 1


Ejemplo 8

The Only Light [La única luz]Pintura acrílica38 x 49 cm

La mariposa simboliza a alguien atrapado en una mala situación, y los colores vivos y las luces representan que es posible superar esta situación.

Obra 2

Ejemplo 8


Falling Leaves [Hojas que caen]Pintura acrílica61 x 92 cm

Obra 3


Ejemplo 8

Summer Flower [Flor de estío]Pintura acrílica30 x 41 cm

Usé colores vivos y una flor bonita para representar la alegría del verano.

Obra 4

Ejemplo 8


Dancing in the Rain [Bailando bajo la lluvia]Pintura acrílica y crayones30 x 30 cm

Esta obra trata sobre la protección de las personas, los niños en particular, frente a cosas quequizás no están preparadas para afrontar.

Obra 5


Ejemplo 8

Complete Opposites [Exactamente contrarios]Pintura acrílica30 x 30 cm

Esta obra trata sobre el hecho de que todos somos parecidos, pero diferentes.

Obra 6

Ejemplo 8


The Blue Peacock [El pavo real azul]Pintura acrílica30 x 30 cm

Esta obra trata sobre el lado oscuro de la belleza.

Obra 7


Ejemplo 8

Tips para Diario de Trabajo

El diario de trabajo de Artes Visuales El diario de trabajo de Artes Visuales sirve de base para todos los aspectos del curso y refleja la naturaleza holística de este. Los alumnos utilizarán su diario de trabajo, que puede adoptar muchas formas, para registrar todos los aspectos de su trayectoria de creación artística, entre ellos, sus experimentos con distintos medios, su investigación, sus reflexiones, sus observaciones y sus respuestas personales. Aunque el diario de trabajo de Artes Visuales no se evalúa ni se supervisa directamente, ciertos elementos de este pueden servir para completar algunos aspectos de las tareas de evaluación. Por ejemplo, los artistas y las obras que los alumnos hayan investigado para orientar su creación artística pueden convertirse en el objeto del estudio comparativo. Asimismo, los experimentos con medios documentados en el diario de trabajo pueden incluirse en la carpeta del proceso. Uso del diario de trabajo de Artes Visuales El propósito del diario de trabajo de Artes Visuales es fomentar la investigación personal, crítica y reflexiva de las artes visuales, que necesariamente guardará una estrecha relación con todo el trabajo realizado durante el curso. El diario de trabajo es a la vez artístico (un registro de la experimentación, los procesos, las ideas y la investigación) y pedagógico (una reflexión sobre el aprendizaje, las dificultades y los hallazgos). Es retrospectivo, porque en él se documentan experiencias ya vividas y se reflexiona sobre ellas, pero también se centra en el desarrollo, al considerar de qué otro modo podrían hacerse las cosas en próximas ocasiones y registrar las intenciones para el futuro desarrollo artístico y personal. Debe usarse como un documento de trabajo y servir de apoyo al alumno en su investigación independiente y fundamentada, así como en sus prácticas de taller. Brinda oportunidades para la reflexión y el descubrimiento, y desempeña una función clave en la formación y desarrollo de las ideas. Los alumnos desarrollarán su propio modo de llevar el diario de trabajo de Artes Visuales, pero inicialmente se les tendrá que animar a que experimenten con distintas maneras de registrar sus descubrimientos y experiencias hasta que encuentren su estilo preferido para utilizar el diario. Este puede variar en función de la forma artística con la que estén trabajando. En sus diarios de trabajo, los alumnos pueden formular ideas y expresar sus intenciones para aquello que vayan a hacer a continuación como parte de su creación artística. Pueden incluir su investigación de los temas, sus intereses, dificultades, procesos, formas de creación artística y problemas conceptuales. Asimismo, pueden incluir pruebas de los experimentos realizados con medios y materiales, lo que podría sugerir algunos de sus intereses técnicos y de los riesgos que han asumido con sus metodologías de creación artística. Los alumnos pueden considerar en sus diarios de trabajo una variedad de obras de arte, artistas y sus distintas prácticas de creación artística, y aplicarlas para crear sus propias obras.

El diario de trabajo de Artes Visuales debe verse como una herramienta para desarrollar las habilidades y el discernimiento de los alumnos, que les ayudará a fundamentar sus decisiones y sus acciones al crear sus propias obras de arte, incluidas aquellas que presenten para la exposición. El diario de trabajo puede incluir dibujos, diseños, pinturas, bocetos, diagramas con anotaciones, planes, notas e ideas, comentarios críticos y reflexiones, fotografías y colecciones de objetos. En él se deben detallar claramente los aspectos técnicos del desarrollo de toda creación artística que haya realizado el alumno, como los procesos, los productos, la paleta de colores, el formato, el tamaño, el hardware y el software que se hayan utilizado. El diario de trabajo de Artes Visuales debe demostrar que el alumno ha respetado los principios de la probidad académica, según corresponda, al desarrollar su trabajo. Esto es particularmente importante en el caso de las obras creadas con medios digitales, películas y videos, productos interactivos y diseños gráficos, en lo que respecta a la apropiación o reinterpretación de bandas sonoras, música e imágenes. Formato La Guía de Artes Visuales (marzo de 2014) no prescribe el formato del diario de trabajo de Artes Visuales. Este puede adoptar numerosas formas distintas: un cuaderno de bocetos, una serie de cuadernos de notas, un archivador o carpeta, una caja para transportar una maqueta tridimensional, un CD-‐ROM, un DVD, archivos electrónicos en un computador portátil o una memoria USB, o una combinación de estas opciones. La forma de creación artística con la que esté trabajando el alumno puede influir en la elección del formato más adecuado para sus procesos de creación artística. Ideas para el diario de trabajo de Artes Visuales La tabla siguiente ofrece algunas ideas sobre cómo registrar los procesos artísticos y el aprendizaje. No se trata de una lista exhaustiva, pero las ideas propuestas se han vinculado con las áreas, las prácticas y la tabla de formas de creación artística del curso con el fin de ilustrar cómo puede adaptarse el uso del diario de trabajo para reflejar los distintos enfoques de la creación artística.

Las artes visuales en contexto Los artistas y por qué crean obras de arte

Métodos de las artes visuales Formas de crear obras de arte

Comunicación de las artes visuales Formas de presentar el arte

Práctica teórica

• Apuntes de la investigación

• Cronogramas • Redes conceptuales • Mapas mentales • Citas • Listas

• Diagramas o ejemplos de obras de arte con anotaciones

• Diagramas de Venn que comparen obras de arte, artistas o estilos

• Gráficos de la importancia relativa de las cualidades formales o aspectos conceptuales

• Análisis formal • Análisis mediante

diagramas • Interpretación formal • Imagen con anotaciones • Evaluación • Análisis crítico

Práctica de la creación artística

• Apuntes de la investigación sobre ideas, temas o conceptos • Mapas mentales • Redes conceptuales • Listas • Bocetos, diseños • Diagramas con anotaciones • Imágenes en miniatura

• Experimentos con medios • Paleta de colores • Capturas de pantalla • Hojas de contactos • Guiones gráficos • Planes de acción • Diagramas de flujo • Diseños asistidos por computador • Bocetos • Registro fotográfico de los progresos y procesos • Muestras de materiales

• Reflexión • Evaluación • Diagramas que exploren la conexión entre las obras terminadas y las obras en proceso de desarrollo del alumno, o bien entre las obras del alumno y las de otros artistas

• Fotografías o diagramas de las obras terminadas, con anotaciones

Práctica curatorial o del comisariado artístico

• Reseñas de exposiciones • Respuestas críticas a reseñas de exposiciones publicadas • Diagramas de Venn que comparen distintos estilos de exposición o distintos tipos de museos o galerías

• Evaluación de espacios de exposición

• Planes • Planos de superficie • Consideraciones acerca de la distribución de las obras

• Consideraciones acerca de la presentación

• Reflexiones • Evaluaciones • Borradores de la fundamentación de la práctica curatorial o del comisariado artístico

• Collage de ideas (mood boards)

• Planes • Planos de superficie • Respuestas a las críticas

de la clase

Formas bidimensionales Formas tridimensionales

Formas electrónicas y basadas en lentes y pantallas

• Bocetos y dibujos realizados a partir de la observación, la memoria y la imaginación

• Paletas de colores • Muestras de materiales • Experimentos con medios • Diseños o experimentos preliminares • Experimentos con la composición o planificación de esta

• Registro fotográfico de los progresos y procesos, con anotaciones

• Pruebas de artista


• Proyecciones isométricas o axonométricas

• Diseños asistidos por computador

• Muestras de materiales

• Fotografías de espacios propuestos para obras específicas de ese espacio

• Fotografías manipuladas de espacios que incluyan modelos de las obras instaladas

• Registro fotográfico de los progresos y procesos, con anotaciones


• Guiones gráficos • Hojas de contactos u hojas de prueba

• Tiras de prueba e impresiones de prueba

• Diseños o experimentos preliminares

• Experimentos con la composición o planificación de esta

• Capturas de pantalla con anotaciones como registro de los progresos y procesos

• Pruebas de artista

Guía para los alumnos Las siguientes ideas son contribuciones realizadas por profesores con experiencia de los Colegios del Mundo del IB en el foro para docentes y el espacio de intercambio de materiales de Artes Visuales del Programa del Diploma en el Centro pedagógico en línea (CPEL), y representan un amplio abanico de experiencias y conocimientos. • El diario de trabajo de Artes Visuales debe ser visual. Utilice dibujos para

planificar y comunicar sus ideas. Base sus dibujos en la observación, en la memoria o en su imaginación.

• Utilice organizadores visuales para presentar ideas, analizar y evaluar obras de arte, establecer conexiones y hacer comparaciones entre sus obras y las de otros artistas.

• Recabe muestras de imágenes que le sirvan de inspiración, materiales y colores en su diario de trabajo de Artes Visuales.

• En todas las páginas de su diario de trabajo de Artes Visuales debe haber comentarios escritos, aunque solo sea la fecha. Recuerde que el diario de trabajo no es solo un diario personal: las páginas que seleccione para la carpeta del proceso podrán verlas los examinadores en distintas fases del proceso de evaluación. Sus anotaciones contribuyen a transmitir sus

intenciones. • Haga comentarios sobre cómo se siente, sobre la evolución de su trabajo y sus

logros. Escriba también sobre los problemas que le hayan surgido durante la investigación o los problemas técnicos que haya tenido (por ejemplo, cómo crear un "espacio" tridimensional realista mediante un dibujo) y explique cómo los ha resuelto.

• Haga comentarios sobre su actitud ante la vida y las cuestiones sociales, culturales y políticas que le inquietan. Piense en el mundo que hay más allá del colegio y el Programa del Diploma. El diario de trabajo de Artes Visuales es suyo, por lo que debe reflejar sus valores y creencias; puede relacionarlos con el arte que está investigando o el trabajo artístico que está realizando.

• Escriba sobre las conexiones que identifique entre el arte y sus otras asignaturas del IB: literatura, ciencias, TdC, etc. Establezca vínculos a lo largo de todo el currículo y persiga sus ideas. Por ejemplo, el estudio de las células sanguíneas en Biología podría servir de inspiración para hacer grabados de objetos naturales diminutos; las curvas de nivel o las cuadrículas de los mapas de Geografía podrían combinarse en dibujos de paisajes; la descripción de los personajes de una novela podrían servir de inspiración para una serie de retratos imaginativos, etc.

• Tome notas sobre los materiales utilizados en sus experimentos de taller: el tipo de papel, el tipo de medio, el tipo de pegamento que da mejores resultados, el tipo de arcilla utilizada y su humedad, el vidriado elegido y la temperatura de cocción, etc. Esto le permitirá ahorrar mucho tiempo cuando más adelante necesite un resultado específico.

• Cuando pruebe un medio por primera vez (tintas, grafito, tiza pastel, óleo en barra, etc.), experimente con él, averigüe lo que puede hacer (dibujando en su diario de trabajo de Artes Visuales) y tome notas de sus hallazgos. Imagine que está realizando un experimento científico y registrando los resultados.

• Escriba sobre artistas cuyo trabajo admire, o sobre obras de arte que le inspiren en su creación artística. Busque artistas u obras de arte que hayan explorado temas similares a los suyos o que hayan utilizado los mismos materiales.

• Reflexione sobre las galerías, estudios de artistas o exposiciones que haya visitado, especialmente si guardan alguna relación con el trabajo artístico que está creando.

Cite todas las fuentes de las ideas e imágenes que utilice, de conformidad con la política de probidad académica del IB.

Materiales Los alumnos deben aportar los materiales que utilizarán para sus proyectos y obras personales, incluidos los soportes. La escuela brindará los materiales de uso común y básico, como por ejemplo: cola vinílica, cinta de papel, pintura blanca y negra para pintar bases y fondos, los elementos de montaje comunes como por ejemplo: pitones, tanza, y otros. Tengan en cuenta que el uso de materiales adecuados, así como el soporte de calidad, aportan calidad y seriedad al trabajo, además de asegurar la conservación de la misma y su perdurabilidad.

Tengan en cuenta que, según el tema y enfoque que le estén dando al trabajo, los materiales pueden ser sumamente diversos: desde cosas encontradas, hasta acrílicos y óleos.

Guía de Análisis de obra Varios modelos de análisis de obras

Guiding Questions Questions for Analyzing Artworks First Reaction- write down your first response to the artwork

• Did you like it? • How does it make you feel? • Does it remind you of anything you have seen before?

Description- list what you can see in this artwork • Figures, colors, shapes, objects, background, etc. • Imagine you are describing it to a blind person. Do this in as much detail as possible

Formal Analysis- write down your observations in more detail, looking at these specific aspects of the artwork: • Colors: Which type of palette has the artist used: is it bright or dull, strong or weak? Are the colors mostly complementary, primary, secondary or tertiary? Which colors are used most, and which are used least in this artwork? Are the colors used different ways in different parts of the artwork? Have the colors been applied flat (straight from the tube), or have different

colors been mixed? • Tones: Is there a use of light/shadow in this artwork? Where is the light coming from? where are the shadows? Are the forms in the artwork realistically modeled (does it look 3D)? Is there a wide range of tonal contrast (very light highlights and very dark

shadows) or is the tonal range quite narrow (mostly similar tones)? • Use of Media: What medium has been used? How has the artist used the medium (applied thick or thin? How can you

tell?) Can you see brushstrokes, markmaking or texture? Describe the shape and

direction of the brushstrokes/marks. What size of brush.pencil was used? Was is painted, drawn, sculpted quickly, or slowly? What makes you think

this? • Composition: What type of shaped are used in this artwork? (rounded, geometric, curved,

etc.) Is there a mixture of different types of shapes or are all of the shapes

similar? Are some parts of the composition full of shapes and some empty or are the

shapes spread evenly across the artwork? Are some shapes repeated or echoed in other parts of the artwork?

Es importante que hagas tus propias

conexiones. Intentá profundizar:

Does the whole composition look full of energy and movement, or does it look still and peaceful?

How did the artist create this movement or stillness? What is the center of interest in the composition? How does the artist draw your attention to it? • Mood/Emotion: What do you think the artist wanted you to feel when you look at this

artwork? What has he/she used to create a mood? (think about the colors, shapes,

tones, etc.) How has he/she succeeded in creating this mood? Interpretation- your personal thoughts about the work • What do you think the artist is trying to say in this artwork? What does it

mean? • What is the main theme or idea behind this piece? • If you were inside this artwork, what would you be feeling / thinking? • Does the artwork have a narrative (tell a story)? is it a religious artwork? • Is it abstract? is it realistic? Why? • How would you explain this artwork to someone else? Evaluation- based on what you have observed, give your opinion of the artwork with reasons

Ficha técnica

Nombre (del autor) (nombre del grupo y de sus integrantes, en caso

que sea obra colectiva)

Título (muchas veces el título completa el significado de la obra)

Medidas (Alto x ancho x profundidad) (tiempo de duración en caso de

las obras de video)

Materiales y técnica (es la descripción de los materiales que fueron

utilizados y cómo fueron utilizados)

Año (de realización)

Linea de tiempo s.XX

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World Wide Web www.Ramona.org www.boladenieve.org.ar www.art21.org www.tedeartistas.com.ar www.artnexus.com www.arte-‐online.net www.macromuseo.org.ar www.malba.org.ar www.macba.com.ar www.walkerart.org www.macba.com.ar www.drawingcenter.org

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FARINA FARINA. Y LABAKÉ ANDRÉS. (2010), Poéticas Contemporáneas: itinerarios en las artes visuales en la Argentina de los 90 al 2010. Fondo Nacional de las Artes. Buenos Aires.

SANMIGUEL, DAVID, (2008), Complete Guide to Materials and Techniques for Drawing and Painting. Barron´s Educational Series, Inc. New York.

Galerías para visitar Espacio Piso 3, Belgrano 95, tel 0294 452-‐5921 Design Suites, Av. Bustillo Km. 2,5, tel 457000 El Casco, Av. Bustillo Km 11,5, tel 4463131 Hotel Llao Llao, Av Bustillo km 25, tel 0294 444-‐8530 Farrarons Fenoglio Arte Contemporáneo, Mitre 442 -‐ Paseo de la Catedral -‐ Local 21, tel 0294 458-‐4585

La Llave, Onelli y Sobral Bosque Neón, Mitre 415 -‐ Galería Miyel -‐ local 19 Cacique Inacauyal, Juan Manuel de Rosas 625, tel 443-‐3888

Documents

Manual Guía para IB Artes Visuales1