Embed Size (px)
Citation preview
Mi pequeño museo de Bellas Artes
Rosie Dickins
Diseño: Nickie Butter
Asesoramiento: Dra. Erika Langmuir
Caricaturas: Uwe Mayer
Traducción: Gemma Alonso de la Sierra
Redacción en español: Isabel Sánchez Gallego y Anna Sánchez
2012 c Editorial Océano de Colombia S.A
Calle 18 No. 68D-61 Bogotá D.C
ISBN: 978-958-32-0126-4
Impreso por Panamericana Formas e Impresos S.A., quien sólo actúa como
impresor
Calle 65 No.95-28, Bogotá, D.C.-Colombia
Edición especial para el Ministerio de Educación Nacional, Plan Nacional de
Lectura y Escritura Leer es Mi Cuento, 2012
Contenido
El Arte
Los genios del Renacimiento
Nacimiento de Venus
Cazadores en la nieve
Escenas cotidianas
Bodegones
El Retrato ideal
El caminante ante el mar de niebla
Ofelia
Paisajes melancólicos
Estanque de Nenúfares
Los girasoles
El circo
El grito
El beso
Improvisación 26 (remos)
Tres músicos
La casa junto a las vías del tren
A salpicones
El caracol Escenas surrealistas
Lata de sopa Campbell (tomate)
Pearblossom Highway
Glosario
Agradecimientos
El Arte
El arte es una disciplina inmensa que
abarca una gran variedad de pinturas y
esculturas.
¿Por qué crean los artistas?
Los artistas crean obras por muy diversos
motivos. A veces el arte responde al
simple deseo de crear algo bello; hace
cientos de años, cuando la mayoría de la
gente no sabía leer ni escribir, la pintura
se empleaba a menudo para ilustrar
pasajes de la Biblia.
Cuadro de Tobías y el Ángel, ilustra unconocido
pasaje de la Biblia. Fue elaborado en un taller de
artistas italianos hacia 1940. Mide 84 x66 cm.
En épocas más recientes los artistas comenzaron a pintar para expresar sus
sentimientos o explorar nuevas ideas.
El arte a debate
El arte ha sido siempre objeto de discusiones: cómo crearlo, qué aspecto debe
tener y por qué. Ha habido artistas que han ido a juicios y hasta se ha batido
en duelo para defender sus ideas; pero lo cierto es que estas cuestiones no
tienen respuesta. El gusto en arte es un gusto personal.
Los genios del Renacimiento
En los siglos XV y XVI se produjeron
muchos descubrimientos en las artes y
las ciencias durante una época que se
llamó Renacimiento. Dos de los grandes
genios del arte europeo fueron
Leonardo Da Vinci y Miguel Ángel
Buonarroti.
Sonría, por favor
El rostro de esta señora es uno de los
más famosos del mundo. Da Vinci
dedicó años a este retrato hoy
conocido como la Gioconda o Mona Lisa.
Leonardo Da Vinci Pintó la Gioconda entre 1505 y 1514, aprox. Ejecutó la obra con óleos sobre
una tabla de 77 x 53 cm.
Leonardo Da Vinci
Nació en un pueblo italiano llamado Vinci. Además del arte, le interesaban las
ciencias y la ingeniería y dibujó cientos de diseños, entre los que se encuentra
una máquina voladora (aunque no habría llegado a funcionar).
Miguel Ángel Buonarroti
Nacido en la ciudad italiana de Florencia, cultivó el arte escultórico y la
pintura. Son famosos sus cuerpos fuertes y musculosos, que señalan lo bien que
conocía la anatomía humana.
En esta sección de la bóveda de la Capilla Sixtina, Dios crea al primer hombre, Adán. Se trata
de una parte muy pequeña del fresco creado por Miguel Ángel entre 1508 y 1512.
Por inspiración divina
Los admiradores de este gran artista lo apodaban “el divino”. Una de sus obras
más destacadas decora la bóveda de la Capilla Sixtina, en el palacio del
Vaticano (Roma), con más de tres mil figuras que ilustran escenas de la Biblia.
Nacimiento de Venus
Esta pintura representa a Venus, la diosa del amor. Según la leyenda, Venus
nació de una ostra, como una perla. En el cuadro, se alza sobre la ostra y
avanza impulsada por los dioses del viento hacia la orilla, donde espera otra
diosa con un manto.
El nacimiento de Venus fue pintado por Sandro Botticelli en 1485 con témpera sobre lienzo. La
obra tiene unas dimensiones de 173 x 279.
¿Error de anatomía?
Venus es bellísima, pero si te fijas bien, ¿no ves nada extraño en el cuello y los
hombros?
El cuerpo de Venus está distorsionado: el cuello es
demasiado largo y los hombros caen con una
inclinación exagerada, tanto que el izquierdo
prácticamente ha desaparecido. Quizá parezca que
Botticelli cometió un error al pintarla, pero lo más
probable es que la distorsión fuera intencionada,
para conseguir una figura más grácil y delicada.
Sandro Botticelli
Botticelli nació en Italia hacia 1445.
Su nombre autentico era Alejandro
Filipepi, pero se le conoce por su
apodo Botticelli, que significa
“barrilito”. Este cuadro lo pintó para
el palacio de un joven acaudalado a
quien le fascina la mitología romana.
Un poeta italiano de la época acababa
de recuperar la leyenda de Venus en
una de sus composiciones, que luego
se interpretaría en este cuadro sin
necesidad de palabras.
Destellos Dorados
Los reflejos dorados de las rosas y los árboles se han creado con oro
auténtico. El uso de este metal precioso indica el gran valor de este lienzo y
acentúa la importancia de la diosa Venus.
Cazadores en la nieve
Bruegel el Viejo pintó cazadorese en la nieve en 1565 con óleos sobre una tabla de 117 x 162
cm.
Este cuadro representa una partida de caza de regreso a casa avanzando por
una gruesa capa de nieve.La secena transmite un gran realismo, pero es fruto
de la imaginación del artista.
Frío y calor
Bruegel el Viejo empleó tonos invernales azules y verdes con la intención de
dotar a las imágenes de un aire helado. Estos colores se consideran “fríos” por
ser los tonos del agua y del hielo. Los rojos y naranjas,por el contrario, son
tonos “cálidos”, ya que siendo los colores del fuego y el sol transmiten una
sensación de calo.
Pieter Bruegel
Bruegel vivió en en una zona de Flandes (la actual Bélgica) en el siglo XVI. Sus
paisajes rurales son muy famosos. Se le suele conocer por el apodo de “el
Viejo”, para distinguirlos de sus hijos y nietos, que también se dedicaron a la
pintura.
Escenas Cotidianas
En Holanda del siglo XVII se pusieron
de moda las escenas de la vida
cotidiana cargadas de detalles de un
gran realismo.
Rembrant pintó “El jóven artista en su
estudio” hacia 1627 ó 1628 con óleo sobre una
pequeña tabla de 25 x 32 cm.
El trabajo del artista
En este cuadro de Rembrant en su
estudio abundan los detalles realistas,
desde las herramientas del pintor
hasta las grietas de las paredes. El
centro de la escena lo ocupa la tabla
sobre el caballete, cuyo canto refleja la luz, El artista juega con el espectador
al no permitirnos ver el cuadro que esta pintando.
Notas sobre Rembrant
Nacido en Holanda en 1606, Rembrant Harmenszoon van Rijn llegó a ser uno de
los artistas más célebres de su época. Cosechó una gran fortuna como
retratista, pero acabó enemistado con sus clientes y murió arruinado en 1669.
Jan Vermeer pinto “la lechera” hacia 1658-
60 con óleos sobre un lienzo de 46 x 41 cm.
La lechera
En La lechera, Vermeer destaca su
habilidad para captar la luz. Esta
escena cobra vida gracias al modo
en que la luz inunda la instancia a
través del ventanal y se refleja en
el hilito de leche. Casi parece una
fotografía. Los expertos creen que
Vermeer usó algún tipo de cámara
primitiva en sus dibujos.
Jan Vermeer
Vermeer nació en Holanda en 1632, aunque nunca logró vender muchas de sus
obras, que hoy en día, sin embargo, son valiosísimas, A su muerte en 1675, la
mayoría de sus cuadros seguían en su propia casa.
Bodegones
Hay pintores que se
especializanen composiciones de
fruta, flores y otros objetos,
son los llamados bodegones.
Un arreglo impresionante
El arreglo de la izquierda es de
un realismo impresionante; sin
embargo, fue concebido en la
imaginación del pintor. Observa
la piña de la parte superior
derecha; da un toque muy
dramático al conjunto de la
composición, pero en la realidad
es imposible que hubiera estado
allí arriba; se habría caído.
Jan van Os trabajó en Fruta y flores
en un jarrón de terracota entre 1777
y 1778. Se trata de un óleo sobre
tabla de caoba de 89 x 71 cm.
Van Os incluyó varios insectos y animalitos en este cuadro.
Jan van Os
Van Os nació en Holanda en 1774. Los bodegones estaban de moda en esta
época y Van Os los pintaba como rosquillas. Sus cuadros se hicieron famosos
por la originalidad de sus composiciones. Sus dos hijos, Giorgius Y Pieter,
también siguieron los pasos de su padre, que murió en 1808.
El retrato ideal
Francisco de Goya
alcanzó fama y
fortuna gracias a sus
bellos retratos de la
elite social española
de la época.
Idealización de
las modelos
El retrato representa
a Doña Isabel de
Porcel. Goya empleó
unas pinceladas
suaves y
favorecedoras, y se
valió del encaje negro
de la mantilla para
realzar el bello tono
rosado de su piel.
Goya debió de pintar el
retrato de Doña Isabel de
Porcel a comienzos del
siglo XIX. El cuadro se
expuso en Madrid en 1805.
Los Rayos X revelan que el
lienzo de 82 x 55 cm
sobre el que se plasmó
este óleo había sido
utilizado previamente para
pintar a un hombre de
uniforme.
Francisco de Goya y Lucientes
Goya nació en la provincia de Zaragoza (España) en 1746. Estudió bellas artes y
llegó a convertirse en uno de los retratistas más codiciados de su época. Goya
se estableció en Madrid,
donde fue pintor de cámara
durante tres generaciones de
monarcas españoles, aunque
después caería en desgracia y
estuvo a punto de ser
procesado por la Inquisición
por su famosa Maja desnuda.
Murió en Francia en 1828.
Aduladores y adulados
En este grabado de un mono
pintando a un burro, Goya se
burla de su propia profesión.
El burro posa muy orgulloso
acaparando toda la atención
mientras el mono pintor se
encoje en un segundo plano. El
mono adula a su cliente
ocultando sus largas orejas en
el cuadro, aunque en realidad,
el burro tiene un aspecto de lo
más ridículo.
Goya creó “Ni más ni menos” a finales del siglo XVIII. Sus dimensiones son de tan sólo 20 x 15
cm.
El caminante ante el mar de niebla
Este dramático paisaje montañoso fue pintado en Alemania hace casi dos
siglos. Riscos y peñascos surgen de entre la bruma, aunque el tema central del
cuadro es la figura del caminante que se erige de espaldas al espectador.
Una escena imponente
El rostro del caminante está oculto, por lo que el espectador se queda sin
conocer su relación ante el hermoso paisaje que tiene ante él. Parece perdido
en sus pensamientos; posiblemente se sienta sobrecogido por la belleza que
tiene ante sus ojos. La levita yel bastón han llevado a creer a varios expertos
en arte a creer que se trata de un retrato del propio artista, David Caspar
Friedrich.
Notas sobre Friedrich
Nació en Alemania en 1774. Tras estudiar bellas artes se trasladó a Dresden
ciudad del norte de Alemania. Muchos de sus paisajes estaban inspirados en los
montes, bosques y abadías en ruinas en los alrededores de Dresden. Murió en
1840.
Ofelia
Esta obra está inspirada en Hamlet, obra de teatro del inglés Shakespeare.
John Millais pintó “Ofelia” entre 1851 y 1852 con óleos sobre un lienzo de 76 x 112 cm.
Fiel a la naturaleza
Millais puso todo su empeño en dotar sus cuadros de gran realismo. Para esta
escena, se pasó meses junto al río Hogsmill, en el sur de Inglaterra, a pesar de
las molestias causadas por los mosquitos y los dueños de las tierras.
John Millais
John Everett Millais nació en Inglaterra en 1829 e ingresó a la academia de
Bellas Artes de Londres a la temprana edad de los once años. Fundó junto a
otros compañeros un movimiento artístico llamado la Hermandad
Prerrafaelista, que abogaba por un arte fiel a la naturaleza y espiritual al
mismo tiempo.
Paisajes melancólicos
Los paisajes melancólicos y evocadores de la tierra, el mar o el cielo son la
especialidad de pintores como Whistler y Turner, cuyas escenas les hicieron
famosos en el siglo XIX.
Nocturno en azul y plata
Whistler solía poner en sus obras títulos imprecisos, como este “Nocturno”. La
escena muestra un mundo sumido en la niebla y la penumbra donde sólo se
percibe un barco y unos puntos de luz.
Whistler pintó “Nocturno en azul y plata: tramo de Battersea” en la década de 1870. Es un óleo
sobre lienzo de 39 x 63 cm.
Turner y Whistler
James Whistler nació en Estados Unidos en 1834. Tras fracasar en la escuela
militar, se trasladó a París a estudiar bellas artes y creó un estilo de pintura
propio centrado en el color. Murió en Londres en 1903.
Joseph Turner nació en Inglaterra en 1775. Sus primeras obras se exhibieron
en la barbería de su padre. Odiaba el mundo de la publicidad, por lo que al
aumentar su fama comenzó a refugiarse tras la identidad falsa de un almirante
retirado. Murió en 1851.
El buque temerario
Este cuadro muestra un remolcador que lleva un viejo buque de guerra –La
Temerarie- a desguazar. Turner contempló esta escena, pero al pintarlo
introdujo cambios para dotarla de más dramatismo. La Temerarie había
perdido sus mástiles, pero Turner se los volvió a poner, exagerando el
contraste entre el magnífico buque y el achaparrado remolcador con su
chimenea de vapor. Por último añadió un atardecer luminoso que evoca la idea
de que algo llega a su fin.
“La Temerarie camino del desguace, 1838” fue pintado por Turner al año siguiente (1839), que
ejecutó la obra en óleo sobre un lienzo de 91 x 122 cm. El cuadro recibió una calurosa acogida
por parte de la crítica. Turner lo declaró su favorito y se negó a venderlo.
Estanque de nenúfares
Monet compuso “El estanque de nenúfares” en 1899 con pinturas al óleo sobre un lienzo de
88 x 93 cm.
A Claude Monet le encantaba pintar el estanque del jardín de su casa. Prefería
pintar con rapidez y al aire libre, para captar el cambio en los efectos de la luz
y el tiempo.
Nenúfares y más nenúfares
Monet pintó su estanque de nenúfares una y otra vez; estas series de pinturas
en las que aparece una misma escena en momentos distintos fueron una
constante en su obra. Le interesaba observar los cambios que se producían
entre la mañana y el atardecer, el invierno y el verano, y era capaz de captar la
luz y el color incluso en un crudo paisaje invernal.
Monet se encargó personalmente de diseñar su jardín. En esta fotografía se muestra en su
estado actual.
Claude Monet
Monet nació en Francia en 1840. Ya de jóven fue precursor del estudio
impresionista, aunque sus pinturas esquemáicas serían al principio objeto de
burla. Asu muerte en 1926, sin embargo, Monet se ha convertido en uno de los
pintores más famosos del mundo.
Los girasoles
En 1888, el pintor holandés Vicent
van Gogh se trasladó a Arles, en el
sur de Francia, atraído por sus
soleados paisajes meridionales y,
en especial, por sus campos de
girasoles.
Un ramo de bienvenida
En la pintura de la izquierda,
aparece un ramo de flores
dispuesto en un pequeño jarrón de
barro. Su intención es deslumbrar
al espectador con la viveza de los
colores. Con este cuadro, además
de muchos otros, decoró su casa
para darle la bienvenida a su
amigo Paul Gauguin.
Van Gogh pintó “Los girasoles” en 1888 con óleos sobre un lienzo de 92 x 73 cm. Los tonos
empleados son vivos y modernos. Además solía aplicar la pintura directamente con el tubo.
Van Gogh y Gauguin
Vicent van Gogh nació en Holanda en 1853. Aunque sus obras valen millones en
la actualidad en vida sólo vendió uno de sus cuadros. Padecía de transtornos
mentales y acabó suicidándose en 1890.
Paul Gauguin naciño en Francia en 1848. Su estilo fue admirado por muchos,
pero no le fue fácil vivir del arte y pasó penurias económicas. Murio en Tahití
en 1903.
Gauguin creó “van Gogh
pintando girasoles” en
noviembre de 1888 con
pinturas al óleo sobre un lienzo
de 73 x 91 cm.
Van Gogh pintando
Este óleo de Gauguin
muestra a un Vav Gogh
trabajando en uno de sus
cuadros de girasoles.
En el momento en que se
ejecutó esta obra, la
amistad entre los dos
pintores había empezado
a enfriarse. Un mes más
tarde, tuvieron una
fuerte discusión en la que
Van Gogh amenazó a su amigo con un cuchillo y, mñas tarde, arrepentido se
cortó la oreja.
El circo
Esta animada escena de circo fue pintada entre 1890 y1891 por Georges
Seurat.
Seurat creño “El circo” con óleos sobre lienzo. La obra mide 186 x 152 cm, es decir, como un
hombre alto.
Un jóven puntilloso
Si estudias el cuadro con detenimiento verás que se compone de miles de
puntitos de color. Sin embargo, al alejarte, los puntitos parecen fundirse para
farmar nuevoscolores compuestos. Seurat creia que estos colores resultarian
mas vivos y luminosos, ya que no se combinarían en la paleta del pintor, sino en
la retina del espectador. Otro de los pintores que cultivó esta técnica la
descrbió como ”pintar con jollas” aunque finalmente recibio el nombre de
”puntillismo”.
Georges Seurat
Seurat nació en Francia en 1859. Se haría famoso por sus pinturas a puntitos,
que a menudo tardaba años en acabar, tanto por la lentitud de este método
como por el gran tamaño de los lienzos que pintaba. El circo fue su última gran
obra, aunque no está finalizada. Seurat murió en 1891, a los 31 años, mientras
se exponía este cuadro en París.
El grito
Esta pintura de un hombre
esquelético agarrándose la cabeza
se ha convertido en una imagen de
dolor y sufrimiento famosa en todo
el mundo. Su autor, el noruego
Edvard Munch, lo creó en 1893.
¿Quién grita?
El hombre del cuadro tiene la boca
abierta, por eso pudiera parecer
que quien grita es él. Sim embargo,
Munch explicó que se había
inspirado en en un misterioso grito
que sintió salir del mundo que le
rodeaba en una ocasión.
Munch contó como una tarde salió
de paseo y, a la puesta de sol, “el cielo se volvió de repente de un rojo
sangriento…Me quedé quieto, temblando de miedo, y sentí un grito infinito
perforando la naturaleza”. El eco de ese grito aterrador queda reprecentado
en la s líneas concéntricas del cuadro.
Edvard Munch
Munch, nacido en noruega en 1863, vivio una infancia muy triste. Era muy
propenso a enfermarse y sufrio la muerte tenprana de su madre y su hermana
mayor, seguida de la de su padre y su hermano. No sorprende que muchas de
sus obras giren al torno alos temas de su enfermedad y la muerte. Munch
declaro que queria pintar “seres vivos que respiraban, sentian, amaban y
sufrian”, como el mismo habia hecho. Su estilo resustaban tan expresivo que se
bautizó con el nombre de “exprecionismo”.
Tres musicos
Pablo Picaso pintóTres músicos en 1921. La obra es un óleo sobre lienzo que mide 201 x 223cm.
Un revoltijo de cubos
Esta pintura resulta confusa por varias razones, las figuras se tapan unas a las
otras, de modo que resulta complicado distinguir dónde acaba una y dónde
empieza otra. El espacio también es extraño; el suelo tiene más profundidad a
la izquierda que a la derecha, de modo que la habitación parece torcida.
Picasso no pretendía crear un cuadro realista. Lo que quería era resaltar el
problema que suponía plasmar una escena tridimensional real en una pintura
bidimensional. Para ello distorsionó el espacio y descompuso los objetos en
figuras geométricas.
Pablo Picasso
Picasso, nacido en Málaga en 1881, llegó a ser uno de los artistas modernos más
famosos. Cultivó muchos estilos distintos, desde delicados pasteles hasta
llamativas escenas cubistas, e incluso diseñó escenografías.
La casa junto a las vías del tren
El artista estadounidense Edward Hopper pintó este sombrío cuadro de una casa abandonada
en 1925. Es un óleo sobre lienzo de 61 x 74 cm.
Una escena sobrecogedora
La casa del cuadro da sensación de vacío y abandono. Las ventanas estan en la
penumbra u ocultas tras persianas y la entrada se pierde entre las sombras.
Las vías del tren cruzan la escena y tapan el camino que pudiera llevar a la
puerta.
Edward Hopper
Hopper nació en 1882 en un pueblo cercano a Nueva York (Estados Unidos),
donde se crió como hijo de tendero. Luego se trasladó a la gran ciudad para
dedicarse a la pintura. Al principio se vio obligado atrabajar de ilustrador para
mantenerse, pero más adelante sus cuadros se hicieron muy famosos. El
público admiraba su estilo inconfundiblemente americano y la melancolía de sus
escenas. Murió en 1967.
Lata de sopa Campbell (tomate)
Andy Wharol es famoso por sus
serigrafías de vivos colores en las que
reproducía de todo. Realizó cientos de
serigrafías de uno de sus temas
favoritos, la sopa en conserva, en
distintos colores y sabores.
Wharol creó la serigrafía ”Lata de sopa
Campbell (tomate) en 1965 con unas
dimensiones de 91 x 61 cm.
“The Factory”
Al especializarse en la serigrafía,
Wharol podía producir muchas copias
de sus obras. No creía en la antigua
idea de que las obras de arte debían
ser únicas, creadas artesanalmente
por el artista. Como muestra de ello, llamóa a su propio estudio “The Factory”.
Comparaba su arte con la fabricación o producción en serie.
Andy Wharol
Nació en Estados Unidos en 1928. Comenzó su trayectoria artística en el
campo de la publicidad y el diseño, que influirían muchas de sus obras
pictóricas mas famosas.
Sentía verdadera fascinación por los rostros de los famosos y cultivó una
imagen propia muy estudiada con una peluca blanca que lo destacaba del resto
de la gente. En 1968 recibió los disparos de un antiguo ayudante que casi le
cuestan la vida. Murió en 1987.
Pearblossom Highway
David Hockney creó este collaje de 198 x 282 cm en abril de 1986 con cientos de fotos
tomadas en una autopista californiana.
Esta imagen resplandeciente de una autopista californiana es obra del británico
David Hockney. En ella abundan los detalles fotográficos; pero no se trata de
una foto convencional, sino de cientos de imágenes unidas a forma de collage.
David Hockney
Hockney nació en Ingleterra en 1937, pero se trasladó a California en los años
sesenta, donde ha trabajado desde entonces. Al principio se hizo famoso por
sus pinturas, pero también ha experimentado con muchos otros medios en su
producción artística, desde fotos hasta copis de fax.
Glosario
Arte pop: Movimiento artístico británico y norteamericano de mediados del
siglo XX que emplea las imágenes de la cultura pop, como historitas y anuncios
puiblicitarios. Andy Wharol es uno de los artistas pop más famosos.
Collage: Obra pictórica realizada con trozos pegados con papel, tela u otros
materiales.
Bodegon: Composición pictórica que presenta alimentos, flores u objetos
inanimados.
Cubismo:Esilo que trata los problemas de plasmar una escena tridimensional en
una escena bidimensional.
Fresco: Pintura realizada sobre yeso fresco en una pared.
Lienzo: Tela gruesa aobre la cual se pinta. Normalmente se tensa sobre un
marco de madera.
Óleo: Pintura a base de aceites que se seca lentamente.
Puntillismo: Técnica pictórica creada por Georges Seurat hacia 1855 en la cual
se emplean puntitos minúsculos de colores puros, sin mezclas, que al mirarse
desde lejos parecen fundirse y crean la ilusión de formar colores compuestos.
Renacimiento: Época que abarca los siglos XV y XVI durante la cual se
producen muchos descubrimientos en las ciencias y el arte.
Romanticismo: Escuela de finales del siglo XVIII y principios del XIX a la que
pertenecen artistas como Caspar David Friedrich, a quienes inspira su amor por
la naturaleza.
Tridimensional:Que tiene tres dimensiones; es decir, que ocupa un volumen. Un
cubo, por ejemplo, es una figura tridimensional.
Agradecimientos
Muestras de pinturas y texturas de Antonia Millar y Katie Novell
Investigación pictórica: Ruth King. Manipulación digital: Nick Wakeford y John
Russell
Diseño de portada: Mary Cartwright. Diseño con la colaboración de Louise
Flutter
Redacción: Jane Chisholm y Jenny Tyler. Investigaciones de Internet con la
colaboracióin de Alex Frith.
Conclusiones o aportes personales
Mi pequeño museo de Bellas Artes es un buen libro, su redacción, su modo de
dirigirse al lector y sus ilustraciones, lo hacen muy emocionante. Es un blanco
perfecto para aquellos que ansían la innovación y la buena lectura.
En estas páginas repasamos la vida de los genios de la pintura universal y sus
cuadros más famosos de una forma didáctica y divertida; con ello buscamos
introducir al lector al maravilloso mundo del arte…
