1

2

I.E.

CÁRDENAS CENTRO

MÓDULO DE EDUCACION ARTÍSTICA Y CULTURAL

CICLO IV

GRADO OCTAVO

3

TABLA DE CONTENIDO

pág.

1. EL FOLCLOR COLOMBIANO 4 2. LA FLAUTA 4 2.1. LAS POSICIONES Y LOS SONIDOS BÁSICOS EN LA FLAUTA 5 3. GRAMÁTICA MUSICAL 5 3.1. EL PENTAGRAMA 6 3.2. LAS NOTAS MUSICALES 6 3.3. LAS CLAVES 6 3.4. LAS ALTERACIONES 6 3.5. LAS FIGURAS 6 3.6. LOS SILENCIOS 7 3.7. LOS COMPASES 7 3.8. LA EXPRESIÓN 7 4. LA MÚSICA RELIGIOSA Y PROFANA DE LA EDAD MEDIA 7 5. FORMAS INSTRUMENTALES DEL BARROCO 8 5.1. FUGA 9 5.2. LA TOCATA 9 5.3. SUITE 9 5.4. SONATA 9 5.5. CONCIERTO 10 6. LA MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL CLASICISMO 10 7. LA MÚSICA INSTRUMENTAL Y VOCAL EN EL SIGLO XIX 11 8. ELEMENTOS BÁSICOS DE LA MÚSICA 12 8.1. LA MELODÍA 12 8.2. EL RITMO 12 8.3. LA TEXTURA 13 8.4. LA ARMONÍA 13 8.5. TIMBRE 14 9. EL LENGUAJE MUSICAL 14 10. MÚSICA RELIGIOSA Y PROFANA DEL RENACIMIENTO 15 11. LA ÓPERA EN EL SIGLO XIX 16 12. LA DANZA Y EL BALLET 18 13. LA MÚSICA TEATRAL EN ESPAÑA 18 14. LA PERCUSIÓN NATURAL 19 15. EL NACIMIENTO MUSICAL EN ESPAÑA 19 16. IMPRESIONISMO MUSICAL 21 17. EXPRESIONISMO Y ATONALIDAD 22 18. LAS VANGUARDIAS 23 18.1. MÚSICA CONCRETA Y AZAR 24 18.2. MÚSICA ALEATORIA 24 18.3. MÚSICA ELECTRÓNICA 25 19. EL MINIMALISMO 25 BIBLIOGRAFÍA 26

4

1. EL FOLCLOR COLOMBIANO

El folclor es el compendio de todas las manifestaciones de la cultura popular e incluye por lo tanto, las leyendas, los cuentos, las danzas, las tradiciones, la música y multitud de expresiones artísticas diversas. El folclor colombiano es muy rico, tanto en el número, como en la variedad de sus manifestaciones, a tal punto que cada una de las distintas regiones geográficas del país, posee sus características folclóricas propias. La Cumbia Colombiana es el baile representativo del país, es una rica expresión dejada por los

africanos. También bailes como el Fandango dejaron como descendiente al Joropo, baile muy conocido en los llanos orientales, aún así, cada departamento tiene su música y bailes que lo caracterizan porque estos son producto de su historia y de su manera de ser. Las raíces Africanas son más o menos comunes en las regiones costeñas de Colombia. Además de las culturas andinas y africanas, se tiene como ancestro la cultura española que como las coplas, la trajeron los conquistadores; lo mismo que la costumbre de festejar a los santos Católicos como el San Pedro, célebre en el Tolima y el Huila; la fiesta de la Candelaria en Cartagena, las fiestas de la Virgen del Carmen y de la Inmaculada Concepción en todo el país. INVESTIGA…………. Conforma un grupo (3) personas, e investiga

- Las regiones de Colombia - Los diferentes tipos de folclor - Bailes típicos. - Elabora un trabajo escrito. - Elabora carteleras y realiza una

exposición del tema.

2. LA FLAUTA

Se denomina flauta a un tipo de instrumento musical de viento. Por la sencillez de su construcción, puede que sea uno de los instrumentos más antiguos, pues con

diversas formas se encuentra en todas las culturas.

Consta de un tubo (largo o pequeño), generalmente de madera o metal (pero también de hueso, marfil, cristal, porcelana, plásticos o resinas, etc.) con una serie de orificios y una boquilla, en el borde del cual (bisel) se produce el sonido: el aire puede llegar directamente de los labios del ejecutante (como en la flauta traversa o travesera, el bansuri de la India o el shakuhachi japonés), o

introduciéndose antes en un canal enfocado al bisel (como en la flauta dulce). En algunas culturas también existen flautas que se tocan a través de la nariz.

Abriendo o cerrando los orificios del cuerpo (tubo) del instrumento se cambia la longitud del aire vibrante dentro del tubo, definiendo así la altura del sonido. Los orificios se tapan en algunos casos directamente con la yema de los dedos, en otras con llaves. En su sentido más elemental, para producir una escala ascendente se descubren secuencialmente los agujeros del instrumento, desde el más alejado de la boquilla (o elemento productor del sonido) hasta el más cercano; para obtener sonidos de octavas superiores pueden utilizarse armónicos, en algunos casos con la ayuda de digitaciones cruzadas (en éstas la organización de los dedos de tapar/destapar agujeros puede parecer estar dispuesta de manera arbitraria).

5

A pesar de que puede estar construida en madera o metal, la flauta se cataloga dentro de la familia de viento de madera, ya que el esquema de producción de sonido se mantiene inalterado; en los instrumentos de viento de madera, se produce el sonido mediante la vibración de una o varias cañas o secciones del instrumentos (en el caso de la flauta, el bisel de la embocadura, o en la "boca" de las flautas dulces), mientras que en los instrumentos de viento de metal, son los labios los que vibran para producir sonidos, tipo trompeta.

Para tocarla hay dos maneras de embocarla: de frente, en casi la mayoría de las flautas, y de lado, soplando por un orificio situado en el lateral, en la flauta travesera.

2.1. LAS POSICIONES Y LOS SONIDOS BÁSICOS EN LA FLAUTA

La flauta dulce se sostiene en posición vertical, con la mano izquierda más cercana a la embocadura. Una técnica correcta implica atender a la emisión del sonido, su articulación, y la digitación que permite generar las distintas notas.

Emisión del sonido. La emisión es de carácter "natural", evitando la idea de "soplar". La embocadura, del instrumento es un "bloque" (A) dentro del cual un canal de viento (B) dirige el

aire directamente contra un borde afilado o lengüeta (C), que transmite su vibración de aire hacia la columna de aire dentro de la flauta. Por este motivo es relativamente sencillo producir sonidos, aunque la posición de la boca produce

variaciones notables en la calidad y timbre del instrumento.

Articulación del sonido. La articulación es fundamental para la separación entre notas, permitiendo la expresión de la interpretación. La técnica de articulación es común a prácticamente todos los instrumentos de viento, y consiste en el llamado "toque de lengua", cuyas variantes producen distintos modos. El toque de lengua se logra articulando fonemas simples (sin poner en vibración las cuerdas vocales del intérprete), logrando por ejemplo: estilo normal: tu-tu-tu Articulación legato: du-du-du Articulación staccato: t-t-t Articulación non legato: dad-dad-dad Articulación doble staccato: tu-ku-tu-ku El manejo de esta técnica permite limpieza en los pasajes rápidos, y posibilidades expresivas importantes. POSICIONES BASICAS MANO IZQUIERDA DO + SI LA SOL POSICIONES BASICAS MANO DERECHA FA MI RE DO ACTIVIDAD…

- Investiga sobre los diferentes tipos de flautas.

- Actividades sugeridas por el docente del área.

3. GRAMÁTICA MUSICAL Los elementos básicos para el aprendizaje y manejo de la gramática musical son: PENTAGRAMA: Conjunto de cinco líneas y cuatro espacios donde se escriben signos musicales

CLAVES MUSICALES: le dan el nombre a las líneas y espacios del pentagrama. La más utilizada es la clave de de sol, existe también la clave de do y la clave de fa . FIGURA DE NOTA, FIGURA DE SILENCIO Y DURACION

NOTAS MUSICALES: Las notas musicales son do, re, mi, fa, sol, la, si. 3.1. EL PENTAGRAMA

El pentagrama es un conjunto de cinco líneas paralelas y cuatro espacios que utilizamos para escribir los signos musicales. Las líneas y los espacios se cuentan de abajo arriba.

3.2. LAS NOTAS MUSICALES

Los sonidos musicales están representados por las NOTAS. La altura sonora se representa situando estos signos en las diferentes líneas y espacios del pentagrama.

Tenemos siete notas musicales, que ordenados de grave a agudo forman la escala musical. Las notas son DO, RE, MI, FA, SOL, LA y SI.

Para situar las notas, que por su altura no se pueden representar dentro del pentagrama, se utilizan unas pequeñas líneas que amplían momentáneamente la extensión de la pauta musical. Estos signos se llamanADICIONALES.

3.3. LAS CLAVES

El signo que fija el nombre y la entonación de las notas se llama clave. La clave se escribe al empezar el pentagrama. Hay siete claves (clave de do, de re, de mi, de fa, de sol, de la y dmás común es la clave de sol. La nota que se encuentra en la misma línea que la clave toma su nombre y sirve para conocer el nombre de las demás, ya sea subiendo o bajando en escala.

6

NOTAS MUSICALES: Las notas musicales son do,

El pentagrama es un conjunto de cinco líneas paralelas y cuatro espacios que utilizamos para escribir los signos musicales. Las líneas y los

abajo arriba.

Los sonidos musicales están representados por NOTAS. La altura sonora se representa

situando estos signos en las diferentes líneas y

Tenemos siete notas musicales, que ordenados de a agudo forman la escala musical. Las notas

Para situar las notas, que por su altura no se pueden representar dentro del pentagrama, se utilizan unas pequeñas líneas que amplían momentáneamente la extensión de la pauta musical. Estos signos se llaman LÍNEAS

El signo que fija el nombre y la entonación de las notas se llama clave. La clave se escribe al empezar el pentagrama. Hay siete claves (clave de do, de re, de mi, de fa, de sol, de la y de si), pero la más común es la clave de sol. La nota que se encuentra en la misma línea que la clave toma su nombre y sirve para conocer el nombre de las demás, ya sea subiendo o bajando en escala.

EJEMPLO:

La clave de Sol, situada al comienzo del pentagrama significa que se asigna a la nota Sol la posición en la segunda línea del mismo.

La clave de Fa, señala que el Fa ocupará la cuarta línea del pentagrama, y a partir de ella se colocarán el resto de las notas de la escala.

3.4. LAS ALTERACIONES

Las alteraciones son unos signos que se colocan a la izquierda de las notas y modifican su entonación.Podemos encontrar tres alteraciones básicas.SOSTENIDO sube medio tono, elmedio tono y el BECUADROanteriores.

Estas alteraciones pueden sersitúan en el comienzo del pentagrama y alteran a todas las que representan en la partitura, y ACCIDENTALES que afectan sólo a las notas que acompañan y a las de su 3.5. LAS FIGURAS Para representar la duraciómusicales, las notas adoptan diferentes formas que denominamos FIGURAS.

La clave de Sol, situada al comienzo del ma significa que se asigna a la nota Sol la

posición en la segunda línea del mismo.

La clave de Fa, señala que el Fa ocupará la cuarta línea del pentagrama, y a partir de ella se colocarán el resto de las notas de la escala.

LAS ALTERACIONES

alteraciones son unos signos que se colocan a la izquierda de las notas y modifican su entonación. Podemos encontrar tres alteraciones básicas. El

sube medio tono, el BEMOL baja BECUADRO anula las alteraciones

alteraciones pueden ser PROPIAS si se sitúan en el comienzo del pentagrama y alteran a todas las que representan en la partitura,

que afectan sólo a las notas que acompañan y a las de su COMPÁS.

Para representar la duración de los sonidos musicales, las notas adoptan diferentes formas que

FIGURAS.

Cada figura representa una duración relativa a las demás. Las figuras pueden prolongar su duración por medio del PUNTILLO y de la LIGADURA

3.6. LOS SILENCIOS Son signos que representan la ausencia de sonido. A cada FIGURA MUSICAL le un SILENCIO. Observa las equivalencias entre silencios y figuras:

3.7. LOS COMPASES

La obra musical está divida en fragmentos de igual duración que facilita su lectura. Estos fragmentos están delimitados por unas líneas perpendiculares que cortan el pentagrama llamadasDIVISORIAS. Los compases pueden ser BINARIOS, TERNARIOS y CUATERNARIOS, según el número de tiempos o partes que contengan.

Aquí tienes una selección de términos relativos a la expresión:

FIJAS

TEMPO Lento, Adagio, Moderato, Andante, Allegro, Presto, etc.

CARÁCTER Animato, Cantabile, Dolce, Scherzando, etc.

MATICES Pianissimo, Piano, Mezzopiano, Mezzoforte, Forte, Fortissimo.

4. LA MÚSICA RELIGIOSA Y PROFANA DE LA EDAD MEDIA

El canto gregoriano (llamado así en honor al papa Gregorio Magno)importantes de la Edad Media (ss. IV al XIV). Época marcadamente religiosa, el gregoriano se manifiesta como la música de una las tres clases sociales (el clero) que componen su entramado social, el llamado feudalismo. El canto gregoriano es el vehículo de la oración comunitaria cristianseis primeros siglos del cristianismo, desde la época de las catacumbas hasta la época en que fue recopilado

7

Cada figura representa una duración relativa a las demás. Las figuras pueden prolongar su duración

LIGADURA.

Son signos que representan la ausencia de sonido. le corresponde

Observa las equivalencias entre

La obra musical está divida en fragmentos de igual duración que facilita su lectura. Estos fragmentos están delimitados por unas líneas perpendiculares

cortan el pentagrama llamadas LÍNEAS Los compases pueden

CUATERNARIOS, según el número de tiempos o partes que

El tipo de compás se indica al principio del pentagrama, después de la clave, por medio de un quebrado. Su numerador nos informa del número de tiempos que forman el compás. El denominador indica la unidad de medida que utilizamos por tiempo en figuras.

3.8. LA EXPRESIÓN

Para interpretar una partitura no basta con leer mecánicamente las alturas, duracentuaciones que están escritas. Hay que interpretar también la velocidad ocarácter (alegría, tristeza, etc.), la intensidad del sonido que interpretamos o “matices” y el tipo de ataque que requiere cada nota.

Estas indicaciones se hacen tradicionalmente con palabras italianas.

Aquí tienes una selección de términos relativos a la expresión:

VARIABLES

Lento, Adagio, Moderato, Andante, Allegro, Presto, Ritardando Acelerando

Animato, Cantabile, Dolce, Scherzando, etc.

Pianissimo, Piano, Mezzopiano, Mezzoforte, Forte, Crescendo Diminuendo

. LA MÚSICA RELIGIOSA Y PROFANA DE LA EDAD MEDIA

El canto gregoriano (llamado así en honor al papa Gregorio Magno) es uno de los fenómenos musicales más . IV al XIV). Época marcadamente religiosa, el gregoriano se manifiesta como

la música de una las tres clases sociales (el clero) que componen su entramado social, el llamado feudalismo. El canto gregoriano es el vehículo de la oración comunitaria cristiana y en él convergen formas de canto de los seis primeros siglos del cristianismo, desde la época de las catacumbas hasta la época en que fue recopilado

El tipo de compás se indica al principio del pentagrama, después de la clave, por medio de un quebrado. Su numerador nos informa del número de tiempos que forman el compás. El denominador indica la unidad de medida que utilizamos por

Para interpretar una partitura no basta con leer mecánicamente las alturas, duraciones y acentuaciones que están escritas. Hay que interpretar también la velocidad o “tempo”, el carácter (alegría, tristeza, etc.), la intensidad del sonido que interpretamos o “matices” y el tipo de ataque que requiere cada nota.

hacen tradicionalmente con

es uno de los fenómenos musicales más . IV al XIV). Época marcadamente religiosa, el gregoriano se manifiesta como

la música de una las tres clases sociales (el clero) que componen su entramado social, el llamado feudalismo. a y en él convergen formas de canto de los

seis primeros siglos del cristianismo, desde la época de las catacumbas hasta la época en que fue recopilado

8

por el mencionado papa. En el canto cristiano se funden la música greco-romana y la judía, ya que el cristianismo surge de esas tres culturas. Se trata de una música que busca la unión del oyente-cantor con Dios.

A veces se olvida que el canto cristiano primitivo no era un canto para la liturgia, sino la misma liturgia cantada. La liturgia es todo lo que el fiel hace para comunicarse con la divinidad. Así pues, todo cuanto constituye el gregoriano, su sustancia sonora, movimiento rítmico, dibujo de intervalos, sabor modal, técnica constructiva en consideración del equilibrio de fraseo o de la expansión de las formas, corresponde a la plegaria y al servicio del momento ritual específico en cuyo interior se colocan texto y gesto. El gregoriano es el modelo de canto puramente vocal. El instrumento por excelencia es el hombre, la persona hecha de corazón, mente y voz. El canto litúrgico es auténtico si se percibe y se experimenta en él. El gregoriano no se escucha sino que se canta, se participa.

La Música Profana en la Edad Media. Lamentablemente la música medieval profana y popular, la que divertía y disfrutaba el pueblo prácticamente se ha perdido pues nunca se perpetuó por escrito. Sabemos que en la Edad Media era

habitual el canto y el baile entre la población, en muchos casos como herencia del mundo pagano. Lo conocemos por numerosas fuentes eclesiásticas que los condenaban o criticaban. Tanta insistencia en el ataque a estas prácticas pone de manifiesto la habitualidad con la que se producían.

La música profana de los nobles: troveros y trovado res . A partir del siglo XII, surge el movimiento trovadoresco. Nacen los llamados trovadores, troveros y minnesänger. Son compositores y poetas que en ocasiones eran también cantores de su propia obra. En sus obras se emplean lenguas romances autóctonas: dialectos franceses, alemán, portugués, etc. No hay que confundir la figura del trovador con la del juglar. Los trovadores formaban un estamento entre los que se encontraban gentes de la más alta nobleza, mientras que los juglares solían pertenecer a las clases más populares.

La música medieval profana se centra en los intereses humanos, sobre todo en el amor, la guerra y la naturaleza. A diferencia del canto litúrgico, en las obras de los trovadores se empleaban instrumentos musicales como acompañamiento.

5. FORMAS INSTRUMENTALES DEL BARROCO

En el Barroco se producirá un gran avance en la música instrumental que se igualará en importancia a la música vocal. El gran impulso dado a la música instrumental fue debido al desarrollo técnico de los instrumentos, sobre todo del violín, que se convertirá en protagonista de la orquesta por su agilidad, su volumen y posibilidades técnicas. Otros instrumentos también mejoraron como la flauta, el oboe, el clave, que se convertirá en uno de los instrumentos más populares, tanto en faceta solística, como en su papel de instrumento fundamental en la interpretación del

bajo continuo. Otro de los instrumentos que alcanzaron un gran desarrollo fue el órgano, fundamental en el campo de la música religiosa, tanto como solista como para el bajo continuo.

En el Barroco surgirá la orquesta, entendida como un grupo de instrumentos organizados por secciones o familias, en la que la sección de la cuerda (violín, viola, violonchelo y contrabajo) se convertirá en la base misma de la orquesta, en torno a ella se añadirán: flautas, oboes fagots, ocasionalmente trompetas, trombones y timbales. Además de la presencia del clave para la realización del continuo.

9

Formas Instrumentales

5.1. FUGA Es una composición polifónica que tiene su origen en el ricercari, que era la adaptación a instrumentos del motete durante el Renacimiento. Normalmente es una obra para instrumentos de tecla, (aunque puede ser para cualquier otro instrumento polifónico o para conjuntos tanto instrumentales como vocales).

La fuga se desarrolla en un solo movimiento. En esencia se basa en la técnica de la imitación. La fuga es una obra para varias voces (3-4), con una estructura compleja que básicamente consiste en la reaparición constante de un tema o melodía principal, llamado sujeto, acompañado de otros temas secundarios.

El sujeto o tema principal se presenta por primera vez en una sola voz, luego va siendo interpretado por las demás voces, una por una a manera de imitación. A lo largo de la fuga el tema reaparece constantemente, junto con los temas secundarios, al final de la fuga las voces terminan juntas en un final común.

5.2. LA TOCATA

La Tocata es una forma musical libre de carácter variable y

pensada para ser

ejecutada por un instrumento

de teclado. Nació en Italia, hacia el final del

S. XVI. Se confunde de tal modo con el Preludio que, no solamente se empleaban ambos indistintamente como introducción a la Fuga, sino que también una misma composición ha recibido las dos denominaciones.

5.3. SUITE

La base de la suite instrumen-tal barroca está en la música de danzas del Rena -cimiento que se

agrupaban normalmente en pares (rápidas,

lentas).La suite está formada por una sucesión de danzas (Alemanda, Courante, Zarabanda, Giga, Gavota, Bourré, etc.) de ritmos contrastados, que han perdido su carácter bailable. El número y tipo de danzas es variable aunque hay algunas que aparecen con más frecuencia. La suite puede ser para un instrumento solista, para un conjunto reducido de instrumentos o para la orquesta.

5.4. SONATA

Es una composición instrumental para un grupo reducido de instrumentos con bajo continuo y que consta de varios movimientos contrastantes, frecuentemente cuatro movimientos (lento-rápido-lento-rápido).

La sonata puede ser compuesta para un instrumento solista normalmente el clave, si es para otro instrumento que actúe como solista (flauta, oboe, violín), aparece acompañado por el bajo continuo, y para dos instrumentos agudos y el bajo continuo que sería la agrupación más frecuente. Llamada sonata en trío o trío-sonata en lo que se refiere al dispositivo instrumental empleado, entendiendo lo de "trío" no con carácter numérico restrictivo, sino como idea: son dos voces "cantantes" y un "acompañamiento" o, mejor dicho, un basamento armónico dado por el bajo continuo y que puede estar confiado a uno o a varios instrumentos e instrumentistas.

10

La sonata de cámara consiste en un preludio o introducción y la sucesión de dos, tres o cuatro movimientos normalmente emparentados con aires de danza; la sonata de iglesia huye de la danza y se estructura habitualmente como sucesión de cuatro movimientos "abstractos", en el esquema lento-rápido-lento-rápido, ateniéndose por lo común los movimientos rápidos a procedimientos de escritura contrapuntística (fugada).

5.5. CONCIERTO

El concierto es una forma instrumental que apareció durante las dos últimas décadas del siglo XVII, y que se convirtió en una de las formas instrumentales más importantes del Barroco. En el concierto se resumen todas las características de la música barroca: el contrate de movimientos rápidos y lentos, la oposición de timbres e intensidades, el estilo concertato en la confrontación del conjunto de instrumentos de la orquesta con el solista o los solistas.

Dentro del concierto barroco podemos distinguir el concierto grosso, género representativo de la música instrumental barroca y precursor del concierto para solista y de la orquestra moderna.

El concierto es una forma para un instrumento solista o varios instrumentos solistas y la orquesta, el solista es el protagonista de la obra y tiene que mostrar tanto la capacidad técnica del instrumento como su capacidad expresiva.

Está estructurado en tres movimientos: rápido-lento-rápido. En el primer movimiento así como en el tercero, es la orquesta quien comienza con su tema, dejando paso posteriormente al solista o los solistas, a partir de ahí se inicia un diálogo entre ambos: orquesta-solista. En el segundo es el solista o los solistas los protagonistas del movimiento, aunque también pueda ser estructurado como el primero y el tercero.

En el barroco el instrumento rey por excelencia era el violín y por tanto la mayor parte de los conciertos fueron escritos para él, aunque también ocuparon el puesto de concertino cellos, oboes, trompetas, flautas, claves u órganos. INVESTIGA …… Autores y obras musicales del Barroco. Enfatiza en los estilos de cada autor. Escoge uno (el que más te guste) y prepara una exposición con su biografía y su obra.

6. LA MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL CLASICISMO

La música instrumental alcanzó su punto más alto en el Clasicismo. Se superó la supremacía de la música vocal y la sociedad ya exigía más música instrumental. Hay dos factores importantes que provocaron la revolución instrumental:

a) Los avances tecnológicos que permitieron la creación de nuevos instrumentos y la mejora de los antiguos.

b) La implantación de un nuevo estilo de orquesta, siguiendo el ejemplo de la de Mannheim, que llegó a ser considerada la mejor orquesta de Europa gracias a sus interpretaciones que suponían una innovación. Su originalidad era por la organización del timbre de los instrumentos, la utilización de reguladores o el hecho de resaltar los temas principales.

También fue importante la figura de Carl Philipp Emanuel Bach que creó una forma directa de hacer música

11

instrumental, mucho más cercana a la expresión íntima del autor y a las emociones del público. Creó un estilo de interpretación que constituyó la base para la I Escuela de Viena (Haydn, Mozart y Beethoven).

Formas Instrumentales. Las formas más importantes seguían la misma estructura de esa época: la forma sonata. La forma sonata estaba basada en dos temas musicales diferentes que se desarrollan y se reexponen. El esquema se dividía en:

Exposición: dividido en dos temas: tema A, acabado en grado de tónica, y el tema B, que acababa en grado de dominante.

Desarrollo.

Reexposición: basado en la exposición, tenía dos temas: tema A, acabado en grado de tónica, y el tema B, acabado en grado de tónica para dar impresión de final.

La diferencia era el número y el tipo de instrumentos que las interpretaba. Según los instrumentos o grupo instrumental, podemos decir que las formas instrumentales eran:

- Sonata: escrita para ser interpretada por un instrumento armónico de teclado o por dos instrumentos, uno de ellos armónico.

- Sinfonía: para ser interpretada por toda la orquesta. Fue Haydn quien más compuso, unas 104. Normalmente tenían un sobrenombre puesto por el público de la época.

- Concierto: para orquesta (de ripieno) y instrumento solista (concertino). También se realizaron dobles y triples conciertos según el número de instrumentos solistas. Se basaba en un diálogo musical entre el solista y la orquesta.

- Música de Cámara (trío, cuarteto y quinteto): interpretados por tres, cuatro o cinco instrumentos. Constituyen la música de cámara clásica por excelencia y destacan el cuarteto y el quinteto de cuerda.

Los instrumentos en el Clasicismo. Algunos instrumentos surgen en este periodo como el piano, el Arpeggione y el clarinete. Si bien la mayoría de los instrumentos sinfónicos ya existían desde el Barroco, muchos de ellos alcanzan la madurez en este periodo como el fagot, oboe y el contrabajo. Mientras surgen nuevos instrumentos y se desarrollan los que ya existían otros pierden vigencia casi hasta su extinción: viola da gamba, clavicordio, dulzaina, flauta dulce (volverá a renacer en el siglo XX), bajón, laúd, etc. El piano se impuso sobre el clave de tal forma que pasó a ocupar un lugar central en la música de cámara e incluso conciertos solistas. Esto se profundiza aún más en el Romanticismo.

INVESTIGA…….

Autores de la música clásica… Quien fue Emanuel Bach, haz una reseña sobre su importancia en este género musical.

7. LA MÚSICA INSTRUMENTAL Y VOCAL EN EL SIGLO XIX.

A diferencia del Clasicismo, el Romanticismo da primacía al sentimiento sobre la forma. En música, arte en la que el movimiento abarca los años centrales del siglo XIX (1815-1880), esa búsqueda de libertad formal se manifiesta en todos los elementos. Las frases melódicas huyen de la simetría, las

dinámicas se exageran en pro de la expresividad, las texturas exploran nuevas armonías, y tienden a caer o a transformarse las formas demasiado racionales y concretas como la sonata o la sinfonía. Igualmente, surgen nuevos géneros, como los llamados géneros miniatura (nocturno, impromptu, intermezzo, elegía, rapsodia, barcarola, balada, preludio, hoja de álbum, capricho…) que se ven como un

12

medio apropiado para la expresión del lirismo y el sentimiento románticos.

Los escenarios de la música cambian: los salones aristocráticos ceden protagonismo a los hogares burgueses e incluso a los cafés donde un grupo de amigos se reúnen en torno a un artista. El piano, que había surgido en el Clasicismo como resultado de una evolución del clavecín (un clavecín con piano y forte, se decía), se convierte en el instrumento ideal de la expresión romántica: es autosuficiente, brillante, virtuoso…romántico en suma.

Se distinguen tres etapas en el romanticismo musical:

Primer Romanticismo o Romanticismo Revolucionario: 1815-1848

Segundo Romanticismo o Romanticismo Burgués: 1848-1880

Tercer Romanticismo o Postromanticismo: 1880-1910

INVESTIGA ……

- Autores de la música instrumental en el siglo XIX.

- Biografía de cada uno de ellos.

8. ELEMENTOS BÁSICOS DE LA MÚSICA

Cuando un compositor crea una pieza musical, trabaja con varios elementos importantes que son básicos para la música. Estos elementos son: la melodía, el ritmo, la

textura, la armonía y el timbre; otros elementos serían la forma, la velocidad o el tempo de la música, la dinámica o intensidad, etc. La manera de presentar y combinar estos elementos básicos en la música, es lo que determina el estilo de la música, que ha sido diferente dependiendo de las épocas históricas, de las zonas geográficas, de los compositores, etc.

8.1. LA MELODÍA

Para muchos oyentes, la melodía es el ingrediente más importante de una obra musical. Básicamente una melodía es una sucesión de sonidos de diferentes alturas (graves, agudos), organizados de tal manera

que tengan un sentido musical para el oyente. La melodía es inseparable del ritmo, puede existir un ritmo sin melodía pero no al revés. Por lo que

podremos decir que una melodía es una sucesión de sonidos de distinta altura y duración, animados por un ritmo. Una melodía está compuesta por unidades que se conocen con el nombre de frases o periodos, y a su vez, las frases están compuestas por unidades más pequeñas llamadas motivos, o células melódicas, que son las unidades más pequeñas con sentido musical, que sirve de núcleo para la formación de un tema o un desarrollo posterior. La reacción que una melodía produce en cada persona es diferente, así lo que para uno tiene un sentido musical, para otro es un grupo de sonidos sin sentido alguno. Una melodía que una persona percibe como de gran poder expresivo, puede no conmover a otra en absoluto. 8.2. EL RITMO

Podemos definir el ritmo como las diversas maneras en las que un compositor agrupa los sonidos y los silencios, atendiendo principalmente a su duración (largos y cortos) y a los acentos.

El elemento más básico del ritmo es el pulso, el pulso organiza el tiempo en partes iguales con la misma duración y con la misma acentuación, (uno, dos, tres, cuatro, ....).

13

Al igual que los ritmos en la naturaleza, como el movimiento de los planetas, la sucesión de las estaciones o el pulso del corazón, el ritmo musical suele organizarse en patrones de recurrencia regular. Dichos patrones controlan el movimiento de la música y ayudan al oído humano a comprender su estructura. La unidad rítmica básica por excelencia es el pulso, un patrón espaciado regularmente que se parece al ritmo de un reloj. En la mayor parte de la música de baile y en la popular, el pulso aparece de forma explícita, a menudo por medio del batir de los tambores o mediante un patrón de acompañamiento regular. En músicas más complejas, el pulso sólo está implícito. El tempo de la música determina la velocidad del pulso.

8.3. LA TEXTURA

Podemos definir la textura como la manera en la que un compositor combina las diferentes líneas melódicas en una composición. Según la relación que establecen las

diferentes líneas melódicas se pueden distinguir varios tipos de textura:

- Textura monofónica. Es aquella en la que sólo se emplea una melodía ya sea interpretada por una o varias personas, ya sea vocal, instrumental o mixta, todos realizan la misma melodía. Está constituida por una sola línea melódica, interpretada por una voz o un instrumento, o bien un coro o varios instrumentos al unísono.

Esta melodía puede interpretarse sola o acompañada por instrumentos de percusión; por un bordón (que es el acompañamiento de una melodía mediante un simple sonido. El bordón es una de las formas de acompañamiento más antiguas., y consiste en la ejecución de un sonido prolongado que se obtiene en un instrumento o vocalmente, y sobre el cual se desarrolla la línea melódica. Este sonido prolongado puede tener la misma duración que la totalidad de la pieza o pulsarse sucesivas veces), por un ostinato, es decir, cuando el acompañamiento no es un sonido prolongado, sino

un diseño melódico (un motivo musical corto) que se repite continuamente.

Es la textura más antigua, la podemos encontrar en obras musicales muy antiguas, como el canto gregoriano o en la música de los trovadores en la Edad Media, también es la que encontramos en muchas canciones folclóricas, etc.

- Textura polifónica. Es un término general utilizado para referirse a aquellas texturas que resultan de la superposición de dos o más voces (o melodías agudas y graves), que suenan al mismo tiempo, ya sean interpretadas por voces humanas, instrumentos o por ambos. 8.4. LA ARMONÍA

La armonía se produce cuando tres o más notas diferentes suenan a la vez, formando un acorde. Un acorde es un conjunto de tres o más sonidos que suenan al mismo tiempo.

Tradicionalmente, los acordes se han

construido sobreponiendo dos o más terceras. Los acordes se crean usando las notas de una escala. Las notas que forman un acorde están sobrepuestas verticalmente.

Las triadas son la forma más básica de construir un acorde: consiste en sobreponer a un primer sonido (llamado fundamental), otro a distancia de tercera y un último sonido a distancia de quinta.

El término armonía se utiliza de dos maneras diferentes, para hacer referencia a las notas escogidas para formar un acorde, y en sentido más amplio para describir las sucesiones de los acordes a lo largo de una composición. La armonía regula la relación entre una melodía y su acompañamiento.

En una partitura, la melodía representa la organización de la música en sentido horizontal, mientras que la armonía la organiza de forma simultánea o vertical.

14

Cuando una persona canta con una guitarra, está tocando con ella, acordes que acompañan a la melodía que está interpretando. Esos acordes pueden ser interpretados también con otros instrumentos. La formación de acordes y la sucesión de los mismos en una obra, viene regulado por las leyes de la armonía, que han ido cambiando y evolucionando a lo largo de la historia de la música.

8.5. TIMBRE

El timbre, o calidad sonora, es el elemento musical que da cuenta de las diferencias entre los sonidos caracterís-ticos de los instru-mentos musicales. Los cantantes también

poseen una variedad de timbres, cada cual afectado por rasgos como la tensión vocal, la nasalidad, la cantidad de acentuación y la forma de deslizamiento tonal de nota a nota.

Una de las características más importantes de la música de todo el mundo es la posibilidad de transponerla. Una melodía puede interpretarse en varios niveles tonales y seguir siendo reconocida como idéntica siempre que se conserven las relaciones interválicas entre las notas. De forma análoga, casi siempre se podrán identificar como idénticos los patrones rítmicos, aunque se ejecuten a velocidades (rápido o lento) diferentes.

INVESTIGA…

- Las características más importantes de la melodía.

- Tipos de textura polifónica. - Qué se busca en la música? - Escoge la canción que más te guste y

diferencia en ella los elementos básicos de la música.

9. EL LENGUAJE MUSICAL

Así como el lenguaje escrito nos sirve para recordar ideas, palabras e historias, el lenguaje musical sirve para recordar sonidos, canciones y música de cualquier tipo. Dicha escritura no se realiza con letras ni con números, sino en un lenguaje que los

músicos entienden. Este lenguaje se llama Lenguaje Musical. En el siglo X comenzaron a usarse líneas para señalar con cierta exactitud la altura de los sonidos musicales. Al principio una línea roja trazada sobre el pergamino señalaba el sonido Fa y servía como referencia para los demás sonidos, luego se añadió una segunda línea de color amarillo que representaba un DO y,

finalmente, el monje benedictino Guido D´Arezzo (995-1050) añadió otras dos más, creando el tetragrama o pauta de cuatro líneas. Curiosamente, no existía una norma generalizada para usar un número exacto de líneas, y en algunos manuscritos se pueden ver pautas de cuatro, cinco, seis y hasta diez líneas. La pauta de cuatro líneas se solía usar para música religiosa, y el pentagrama o pauta de cinco líneas, para la música profana. Ya en el siglo XVI, el pentagrama se impuso como pauta de uso común para toda clase de música. La aparición de la partitura supuso un progreso decisivo en la escritura musical: con la indicación de la altura de los sonidos será posible "leer" la música, aligerar la memoria, y facilitar el aprendizaje de los cantos. A Guido D´Arezzo se le debe también, el haber dado nombre a las seis primeras notas de la escala – ut, re, mi, fa, sol, la -, basándose en las primeras sílabas de los versos de un himno del siglo VIII, dedicado a

15

San Juan Bautista. Los seis primeros versos dan e l nombre a las notas, la melodía de Guido daba a la primera sílaba de cada verso un sonido diferente, que coincidía con los sonidos de la escala. Con el t iempo la primera sílaba se cambió por Do y se añadió el Si uniendo la "S" y la "I" de los dos últimos versos.

Hoy la escritura musical se ha individualizado tanto que los compositores emplean frecuentemente sus propios sistemas de notación musical, que suelen incluir en las partituras. ACTIVIDAD… Toma el trozo de canción sugerida por el docente, dibuja un pentagrama y plasma allí sus notas.

10. MÚSICA RELIGIOSA Y PROFANA DEL RENACIMIENTO

LA MISA, EL MOTETE, EL MADRIGAL ITALIANO Y EL ROMANCE.

El Renacimiento (siglos XV y XVI) es en España tan importante que muchos historiadores consideran esta época como la Edad de Oro de la música española. Aunque frenado en su expansión humanista por el espíritu de la Contrarreforma (la respuesta católica a las tesis de Lutero), el Renacimiento es en muchos aspectos similar al europeo: innovador (en música se le da un nuevo sentido humanista a la polifonía), antropocentrista (auge de lo profano) y abierto a las influencias internacionales. El humanismo renacentista (la corriente renovadora del pensamiento que busca inspiración en el pasado grecorromano) da nueva vida a la técnica polifónica haciendo que ésta se ponga al servicio de la expresión del texto que se canta. Y esto ocurre tanto en la música religiosa como en la profana.

Refiriéndonos a la polifonía religiosa (la que pone la técnica del contrapunto imitativo al servicio de la oración), vemos cómo el espíritu religioso de Santa Teresa de Jesús o de San Juan de la Cruz encuentra su reflejo musical en las obras de Guerrero, Cristóbal de Morales y Tomás Luis de Victoria. El primero de ellos nos dejó varios libros de misas de gran misticismo. El segundo se considera uno de los máximos representantes de la escuela andaluza; y el tercero, que también lo es cronológicamente, nos dejó un libro de misas dedicado a Felipe II, un Oficio de Semana Santa y, sobre todo, una Misa de Réquiem de gran fuerza expresiva. A partir del Renacimiento se le llamaba motete a cualquier pieza religiosa que no formara parte de la misa o que tuviera entidad independiente. En su origen era la más frecuente de las formas polifónicas practicadas en la Edad Media. Fue producto de la evolución del organum melismático, cuando a la voz nueva de esta forma se le añadieron palabras (en francés mot) para hacer más recordables los largos melismas. Siendo el contrapunto imitativo la técnica fundamental de toda la polifonía renacentista, sorprende encontrar piezas en las que la homofonía es lo habitual, predominando claramente sobre él. Se trata además de músicas cuya vitalidad puede estar en la base del estilo acórdico que dará lugar más tarde en el Barroco a la monodía acompañada. Esta técnica homofónica la encontramos en las sencillas canciones profanas del Renacimiento, que, según los países, reciben diversos nombres. La frottola es una canción estrófica que floreció en Italia a finales del siglo XV, musicalizada silábicamente a cuatro voces, con esquemas rítmicos marcados, armonías diatónicas sencillas y

16

un estilo definidamente homofónico, con la melodía en la voz superior. Es probable que su método habitual de ejecución fuese el de cantar la voz superior y tocar las partes restantes a modo de acompañamiento. Mención aparte requiere el madrigal , que viene a ser como una frottola de categoría superior y carácter más libre. Podía tener hasta cinco voces y su esencia estaba en que la música intentaba describir el sentido del texto, a veces casi palabra a palabra. Hablar del madrigal italiano es hablar de Marenzio, d’India, Gesualdo y, cómo no, de Claudio Monteverdi, probablemente el mayor compositor de madrigales de todos los tiempos. El cremonés trabajó el género a lo largo de toda su vida, desde su más temprana juventud, cuando en 1587 fue publicado su Primer Libro de Madrigales hasta el último, compuesto pocos años antes de su muerte. Con Monteverdi el madrigal evolucionó hacia cotas técnicas y artísticas no alcanzadas hasta entonces. Él lo transformó en un medio de expresión intenso y apasionado haciendo uso de todos los recursos a su alcance para que la música consiguiera expresar todo el contenido dramático de un texto.

En la Alemania renacentista se le ha venido

llamando lied polifónico a un tipo de elaboración a varias voces a partir de una melodía preexistente. Y en Inglaterra encontramos el ayre (canción para canto y laúd), cultivado por John Doeland y Thomas Campion y el consort song (canción para conjunto) en el que destacó William Byrd. En Francia, las típicas chansons parisinas se compusieron a lo largo del extenso reinado de Francisco I (1515-1547) y se asemejaban, en muchos aspectos, a la frottola italiana. Son canciones ligeras a cuatro voces, rápidas y marcadamente rítmicas, normalmente en ritmo binario, silábicas, con muchas notas repetidas, fundamentalmente homofónicas, aunque sin excluir por ello breves pasajes imitativos. Destacaron Claudin Sermisy y Clement Janequin. Los dos géneros principales de la polifonía profana española hacia finales del siglo XV eran el villancico y el romance. El villancico, en cierto modo equivalente a la frottola italiana, era una breve canción estrófica con estribillo. Los villancicos se recogían en cancioneros: el Cancionero de Palacio, el Cancionero de la Colombina o el Cancionero de Segovia son algunos de los más destacados. El compositor de villancicos de principios del siglo XVI es Juan del Encina. Muchos de ellos se cantan hoy habitualmente: Ay triste que vengo, Hoy comamos y bebamos, Todos los bienes del mundo, etc. ACTIVIDAD …… Según indicación del docente.

11. LA ÓPERA EN EL SIGLO XIX

La ópera es una forma de expresión muy del gusto romántico. El Romanticismo, aunque prefiere en general la mayor subjetividad de la música instrumental, no descuida los géneros vocales, fundamentalmente el lied y la ópera.

Al principio del siglo XIX se dan cambios menos claros, ya que se continúa una tradición operística

dieciochesca. Se manifiesta esta pervivencia de la tradición en lo que se conoce como Bel Canto.

Debemos mencionar como característica esencial como los autores van buscando poco a poco una mayor unidad en la ópera eliminando paulatinamente las diferencias entre recitativo y aría. Esta eliminación sería conocida como “contínuo musical”. Este concepto tan buscado por los operistas del XIX tendría en Wagner su máximo exponente.

17

ITALIA: BEL CANTO (ROMANTICISMO TEMPRANO). La ópera italiana pierde a finales del

XVIII su hegemonía frente a la ópera francesa. Adquiere a comienzos del XIX un nuevo esplendor gracias a la ópera bufa hasta la última de sus figuras claves en este apartado conocido como Donizetti.

Por Bel canto se entendía aquel tipo de ópera donde primaba la línea vocal clara,

fácilmente inteligible y el ritmo marcado y sencillo. En estas óperas primaba la música sobre el drama. No obstante podemos observar una evolución de la mano de Verdi, que llevará esta ópera hasta el nuevo estilo posterior conocido como verismo.

(Posteriormente surge una nueva ópera de tema serio con textos procedentes de Shakespeare o Schiller, así como historias veraces tomadas de la realidad, lo que se conocería como verismo.)

ITALIA: VERISMO (ROMANTICISMO TARDÍO). El realismo de la literatura romántica de la época llevarían hacia finales del XIX al “verismo” (plasmación realista del mundo sin idealizaciones románticas) La música por tanto debía estar enlazada con el texto. De todo esto se comprende que sea la ópera el vehículo esencial para el desarrollo de esta corriente. La acción transcurre en capas sociales bajas y argumentos llevados al límite con asesinatos, sangre y demás elementos realistas.

Una de las principales obras sería Cavallería Rusticana de Pietro Mascagni, obra en un acto, que se desarrolla en una aldea Siciliana y que tiene a los celos como el principal protagonista. Se entretejen escenas populares en una sucesión sin pausa. La música se rinde a la representación Junto a la cavalleria de Mascagni, destacamos Pagliacci de Leoncavallo, obras también en un acto

que suele representarse junto a la anterior por sus breves dimensiones.

LA ÓPERA ROMÁNTICA EN FRANCIA. Gracias a los acontecimientos políticos del París del XIX alcanzaría un auge tremendo la ciudad, lo que le convertiría en la capital cultural del momento. Los ideales de libertad y justicia se correspondían con los nuevos géneros.

Tenemos la grand ópera, la ópera cómica, el drama lírico y la opereta. Se observa la tendencia hacia la obra de arte total que iría disimulando las diferencias entre estos estilos.

ÓPERA EN ALEMANIA. A principios del siglo XIX

se desarrolla en Alemania un gusto por la naturaleza, el bosque, lo sobrenatural y el pasado mitológico del pueblo alemán. Estos elementos se combinan entre sí creando una corriente creativa propia.

Este tipo de ópera siempre tiene una obertura, un diálogo hablado sacado de la tradición del singspiel (ópera con diálogos hablados al estilo de la Flauta Mágica de Mozart). Contienen arias en formas de lied, orquestación colorista y motivos recurrentes que definen la acción y a los personajes.

El primer ejemplo de ópera romántica alemana lo tenemos con la obra de Carl María von Weber Der Freischütz (el cazador furtivo). Wagner enlazaría con esta obra en su primer periodo creativo con El Holandes Errante, Tanhauser y Lohengrin.

ÓPERAS EN OTROS PAISES EUROPEOS. En casi todos los países se desarrolla una ópera nacional como reflejo de la toma de noción de nación en cada uno de estos territorios.

18

12. LA DANZA Y EL BALLET

El ballet es una danza académica y clásica espe-cífica y una técnica que se enseña en las escuelas de baile según métodos específicos. Los trabajos coreo-gráficos emplea-dos en esta técnica son llamados ballets, y usualmente incluyen, danza, mímica, actua-ción y música

(por lo general, orquestal, y en ocasiones cantada dentro de óperas). Es mejor conocido por su técnica y sus presentaciones únicas, tales como el trabajo de puntillas y las largas extensiones; sus movimientos precisos, sueltos y llenos de gracia; y sus cualidades etéreas.

Se originó en las cortes renacentistas como consecuencia de las lujosas cortes de Italia; las bodas aristocráticas eran espléndidas celebraciones y los músicos y bailarines de la corte colaboraban para proveer un entretenimiento elaborado. Sus inicios históricos fueron formados principalmente por el Ballet francés de tour, el cual consiste en danzas sociales presentadas por la nobleza en dúos con música, discursos, versos, canciones, desfiles, decoración y disfraces. Cuando

Catherine de Medici, una aristócrata italiana con un gran interés en las artes, se casó con un duque francés, ella llevó su entusiasmo por la danza a Francia y otorgó el soporte financiero necesario para que se desarrollara esta nueva actividad artística.

Un ballet renacentista no luce como una presentación de Giselle o El lago Swan, en el Bolsoi. Los pasos de danza de la corte fueron adaptados para armar la coreografía básica del baile. Los actores se vestían según la moda de ese tiempo. Para la mujer esto significaba usar largos vestidos formales que cubrían sus piernas hasta el tobillo. En sus comienzos, esta danza era participativa, con la audiencia uniéndose a la danza hacia el final de la presentación.

Uno de los primeros ballets más importantes, si no el primero, producido y puesto en escena fue Baltasar de Beaujoyeulx del Ballet Comicó de la Reina, en 1851. El mismo año la publicación de Fabricio Caroso, "El bailarín", colaboró a establecer a Italia como el centro del desarrollo de la técnica de esta danza. El auge del arte de las presentaciones de la danza clásica comenzó en Francia durante el reinado de Louis XIV, a quien le apasionaba la danza y determinó revertir el deterioro de la calidad de la danza que comenzó en el siglo XVII. Para ello estableció la Real Academia de Danza, que es actualmente el Paris Opera Ballet, en 1661. Las primeras referencias sobre las cinco posiciones elementales del baile aparecen en los escritos de Pierre Beauchamp, un bailarín y coreógrafo de la corte.

13. LA MÚSICA TEATRAL EN ESPAÑA

El musical es una producción presentativa en la que se integran en una trama emocional canciones y bailes, acompañamientos instrumen-tales e interludios y, a menudo, también danzas. Este género renació como se conoce hoy en día en la Europa del siglo XI como una variante de la opereta, aunque en los

diferentes países no existía teatro musical con diferentes estilos: zarzuela, género chico y comedia musical en España, opera cómica y music hall en Inglate- rra u operette en Francia.

La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España con partes instrumentales, partes

19

vocales (solos, dúos, coros...) y partes habladas. Su nombre procede del Palacio de la Zarzuela, nombre del pabellón de caza cercano a Madrid donde se hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género.

La zarzuela es la forma española de la Opereta, representación teatral que, a diferencia de la ópera, no es totalmente musical sino que alterna partes habladas y partes musicales.

14. LA PERCUSIÓN NATURAL

Existe el concepto de naturalización, es decir, la percusión ya existe en la naturaleza misma, así como en las acciones cotidianas.

La percusión y la música se representan en tres niveles:

- Por sus cualidades sonoras, las personas establecen una analogía entre percusión y fuerzas naturales como los volcanes, truenos, el batir del corazón, la respiración, el big-bang.

- Varios textos zoomusicológicos presentan la percusión como un desarrollo de los impulsos

motores relacionados al comportamiento animal. La imaginación popular también es rica en este sentido: los primates percuten sus pechos, tocan tambores y envían mensajes por la selva.

- En tercer lugar, se representan como un producto de acciones naturales y cotidianas de los primeros homínidos y sociedades primitivas (ej: el ritmo repetitivo de la fabricación de herramientas dando origen al ritmo musical mismo).

Estos elementos corroboran la percepción de la percusión como algo que está más allá de la interferencia humana, de la cultura.

15. EL NACIMIENTO MUSICAL EN ESPAÑA

Como premisa fundamental se ha de tener muy claro que en todos los periodos estilísticos de la Historia de la Música Española no se han seguido las líneas generales del resto de Europa.

Podemos decir, que durante la Edad Media y el Renacimiento la música en España tenía un

desarrollo paralelo a la de Europa, pero a partir del S. XVII el arte musical español sufre un anquilosamiento que perdurará hasta mediados del S. XIX en el cual los compositores españoles se engancharán de nuevo a las corrientes europeas (mucho más avanzadas) y su trabajo tendrá continuidad hasta nuestros días.

Edad Media. Durante este largo periodo que abarca desde la caída del Imperio Romano (476 d.C.)

20

hasta finales del S. XIV, la vida musical se desarrolló principalmente en monasterios, iglesias, abadías y catedrales, usándose de un modo funcional – religioso.

En España, la música religiosa respondía al rito hispano – visigodo, es decir, la música de las liturgias españolas no se cantaba en latín. Esto cambió con la implantación de la Lex Romana por la cual era de obligación la utilización de la liturgia romana cuya lengua era el latín, con la utilización plena del Canto Gregoriano.

Se debe indicar que el Canto Gregoriano aparece gracias a la recopilación de los cánticos litúrgicos llevada a cabo por el Papa San Gregorio Magno. Estos cánticos son en latín y se cantaban de una manera monódica (1 sola melodía).

Más tarde, hacia el S. XI, y a partir del Canto Gregoriano, surge la polifonía gracias a diversas formas como el Organum, etc. Los principales maestros de la polifonía europea son Leonín y Perotín, de la denominada Escuela de Notre Dame.

La polifonía religiosa española se encuentra en recopilaciones de la época, entre las que destacan el Códice Calixtinus (Santiago de Compostela), el Códice de las Huelgas (Burgos), y el Llivre Vermell (Monasterio de Montserrat).

En cuanto a la música profana española, se

destacan las composiciones en lenguas vulgares de la época como el catalán, castellano, y galaico – portugués. La forma musical utilizada principalmente es la Cantiga, consistente en un texto poético compuesto por estribillo y estrofa al que se le añadía música. Destacan las Cantigas de Santa María de Alfonso X El Sabio. Otros compositores importantes de la época son trovadores como Martín Codax, Marcabrún, Peire Vidal, etc.

Renacimiento. Este periodo se desarrolla en España durante dos épocas monárquicas distintas (1471-1598), la primera sería la desarrollada bajo el reinado de los Reyes Católicos, y la segunda es el Siglo de Oro bajo el reinado de Carlos I y Felipe II.

En el primer renacimiento hay una gran variedad cultural en España, por lo que la música renacentista se centrará principalmente en una escuela “nacional” ya que se reclutan músicos en los propios territorios. Así pues aparecen escuelas en distintas zonas de España, teniendo gran importancia las escuelas de Andalucía, Castilla, y Levante o Valenciana.

Durante el primer renacimiento español las formas musicales polifónicas profanas más importantes son el Villancico, el Romance y la Canción, que se compendian en obras como el Cancionero de la Colombina, Cancionero de Palacio, y Cancionero de Segovia. En este tipo de composiciones destaca principalmente Juan del Encina.

También durante este primer periodo se realizan obras polifónicas religiosas entre las que destacan la Misa, el Motete, y el Oficio; destacando enormemente compositores como Juan de Anchieta, Francisco Peñalosa y Pedro Escobar.

Durante el segundo renacimiento hay una apertura al exterior que finalizará con el reinado de Felipe II.

En la polifonía profana destacan formas como Villancico, Romance y Canción, recopiladas en los Cancioneros de Upsala y Medinaceli. Destacando la forma denominada Ensalada cuyo principal compositor fue Mateo Flecha.

En cuanto a polifonía religiosa destacan formas como Misas, Magnificats, Motetes, Pasiones, etc.

21

Siendo Tomás Luís de Victoria uno de los principales compositores.

En la polifonía religiosa de todo el renacimiento hay que dar gran importancia a las capillas catedralicias más importantes de España (Toledo, Burgos, León, Sevilla,..) formadas por el Maestro, los Cantores, Seises, Organistas, Ministriles, etc….

En música instrumental renacentista española hay que nombrar formas musicales como los Tientos, Diferencias, y Glosas dirigidas a instrumentos muy importantes como el órgano y la vihuela, y compuestas por magníficos compositores como Antonio de Cabezón, Alonso de Mudarra, Narváez, y Milán.

Música del S.XVII. Durante este periodo España se desliga del resto de Europa ya que sigue utilizando principalmente la polifonía de la misma manera en que se utilizaba durante el Renacimiento. Aunque hay que decir que aparece una nueva textura denominada en España “cantar sencillo”,

consistente en una melodía cantada que era acompañada por un bajo como sustento armónico, así pues es un tipo de melodía acompañada propia de la música Barroca del resto de Europa.

En música religiosa destacan formas como el Motete, Misa, Salmos, Magnificats y Lamentaciones con compositores como Tomás Luís de Victoria, Sebastián Vivanco, Alonso de Tejera, Francisco Valls y José de Vaquedano.

Para la música profana las formas más importantes son Canciones, Romances y Villancicos, de compositores como Diego Garzón y Sebastián Durón (1650 – 1700).

16. IMPRESIONISMO MUSICAL

El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido a finales del siglo XIX y princi-pios del XX sobre todo en la música francesa, con la necesidad de los compositores de probar nuevas combinaciones de instrumentos para conseguir una mayor riqueza tímbrica. En el Impresionismo musical se da mucha importancia a los timbres, con los que se

consiguen diferentes efectos. También se caracteriza porque los tiempos no son lineales sino que se ejecutan en sucesión de impresiones. Se relaciona de esta manera con el Impresionismo pictórico, que conseguía las imágenes mediante pequeñas pinceladas de color. Dos de los principales compositores de este movimiento son Claude Debussy y Maurice Ravel.

El impresionismo musical fue encabezado por el compositor francés Claude Debussy. El

movimiento, influido por los pintores foco impresionistas franceses y por la poesía de Paul Verlaine, Charles Baudelaire y Stéphane Mallarmé, acentúa el color tímbrico y el humor en vez de estructuras formales tales como la sonata y la sinfonía. Debussy, que también era crítico musical, enfocó el impresionismo como reacción tanto al interés formal del clasicismo de compositores como Wolfgang Amadeus Mozart o Ludwig van Beethoven y la vehemencia emocional del romanticismo en compositores como Robert Schumann y Franz Schubert.

Para la consecución de este fin Debussy combinó elementos innovadores y tradicionales. Por una parte, utilizó la escala de tonos enteros e intervalos complejos que hasta ese momento no se habían utilizado, desde la novena en adelante. También recurrió a los intervalos de cuartas y quinta paralelas propios de la música medieval. Estos recursos técnicos aparecen en el temprano poema sinfónico Preludio a la siesta de un fauno (en el original: Prélude à l’après-midi d’un faune) de 1894, basado en un poema de Mallarmé. La extensa obra pianística de Debussy requirió nuevas técnicas interpretativas, que incluían un generoso pero

22

sensible uso de los pedales para crear un torrente indiferenciado de sonido. La música impresionista francesa continuó su evolución en la obra de Maurice Ravel. Otros compositores de esta escuela en Francia fueron Paul Dukas, Albert Roussel, Charles Koechlin, Alexis Roland-Manuel, André Caplet y Florent Schmitt. Al comienzo de la I Guerra Mundial en 1914 el gran refinamiento, así como las limitaciones técnicas del impresionismo musical, provocaron críticas adversas de compositores y críticos. Un nuevo grupo de compositores franceses antirrománticos, Les Six (Los Seis), influidos por Erik Satie, satirizaron y rechazaron lo que consideraban excesos de esta corriente. El impresionismo, concebido por Debussy, como tendencia contraria al romanticismo, fue visto como la fase final de la música romántica.

Impresionismo musical en Europa. Influido por la personalidad de Debussy e íntimamente relacionado con el modernismo, el impresionismo musical se extendió por Europa hacia la segunda década del siglo XX. Algunos compositores europeos se vieron influenciados por el impresionismo, como Frederick Delius y Cyril Scott en el Reino Unido, Ottorino Respighi en Italia y Manuel de Falla (Falla vivió en París de 1909 a 1914) y Federico Mompou en España, que siguieron ciertos rasgos del estilo de Debussy.

INVESTIGA…

Los principales autores del impresionismo y sus obras.

16. EXPRESIONISMO Y ATONALIDAD

EXPRESIONISMO Y ATONALIDAD: SCHÖNBERG. NEOCLASICISMO: STRAVINSKY.

Al llegar el siglo XX, la música cambia, a veces radicalmente. Los parámetros en que se sustentaba la música clásica varían sustancialmente: la melodía, la textura, el timbre y el ritmo, asumen nuevas formas, evolucionan como lo hacen los rasgos estilísticos de las demás artes. No obstante, siglo ecléctico como pocos, el XX acoge, junto a las nuevas músicas rupturistas, tendencias conservadoras o de recuperación del pasado. Por eso, el título del tema se refiere en su final a un Neoclasicismo practicado, entre otros, por el más ecléctico de los compositores de la pasada centuria: Igor Stranvinsky.

La nueva física de Einstein, el descubrimiento del inconsciente por Freud, la muerte de Dios que anuncia la filosofía de Nietzsche... sumen el pasado siglo en el inestable mundo de lo relativo. Muchas certezas que parecían inamovibles se derrumban, y esto influye en al arte.

La primera ruptura, el primer cambio en los lenguajes musicales del XX, surge con el Impresionismo. El segundo movimiento hacia la modernidad fue el Expresionismo, aún más rompedor que el anterior. Se trata de una estética del horror y la desesperación propia del período entre las dos guerras mundiales, que se vierte en música mediante la atonalidad (ruptura del sistema de jerarquías en escalas y acordes) y luego mediante el dodecafonismo (utilización de los doce sonidos de la escala en series y en régimen de igualdad), ambos inventados por el vienés Arnold Schönberg (1874-1951), quien también era pintor del movimiento expresionista de Munch (El grito, La madre muerta) y Kokokoschka. Se dice que la pieza más expresionista de Schönberg es Pierrot Lunaire. Su primera obra puramente dodecafónica es de 1923: Cinco piezas para piano.

Si hay un compositor que resume muy bien todas las tendencias del siglo XX, ese es Igor Fiodorovich Stravinsky, que nace en Oranienbaum, San Petersburgo (Rusia) el 17 de junio de 1882. Stravinsky comienza en 1909 una fructífera relación musical con Serge Diaghilev, alcanzando en 1910 el éxito con El Pájaro de Fuego, obra que le proporciona el reconocimiento mundial.

23

17. LAS VANGUARDIAS

Al igual que pasa con la pintura de esta época, el Impresionismo señala en música un auténtico corte. Su enlace con lo anterior es inexistente y en sus técnicas y concepciones debemos buscar el punto de partida de los cambios

del siglo XX.

No es casualidad que sea Francia la nación que proporciona los grandes maestros: París había sido la capital del Impresionismo pictórico, que sin duda influye sobre los compositores, prestándoles, incluso expresiones a títulos, como Reflejos de agua, y propósitos como pintar las nubes. También los poetas simbolistas participan de esta ruptura al introducir la ruptura de la métrica, el sueño y el misterio como argumentos; Mallarmé, Rimbaud y Verlaine afirmaban que el verso libre y la prosa ritmada traducían mejor las fluctuaciones del alma que la rima y la métrica tradicionales. Debussy y Ravel plasmarán en música estos objetivos.

Uno de los propósitos fundamentales del Impresionismo musical será la descripción, mediante el sonido, de los elementos fluctuantes del paisaje, como las luces y los sonidos. Debussy lo expresará de forma definitoria: el rumor del mar, la línea del horizonte, el viento en las hojas, el piar de un pájaro, despiertan en nosotros múltiples impresiones. Y repentinamente uno de estos recuerdos se expande fuera de nosotros y se expresa en lenguaje musical...

Si para traducir esta realidad fugitiva, momentánea, a los pintores les estorbaba el dibujo y a los poetas la rima, para los músicos constituye una traba la melodía, fundamental en cambio para la expresión de los sentimientos en el Romanticismo, y la sustituyen por acordes sueltos, especie de manchas sonoras capaces de sugerir las atmósferas evocadoras. El arpa se generaliza precisamente por su poder cromático, por sus sonidos sueltos y vibrantes. En la orquesta se individualizan los grupos, se aumenta la importancia de la madera y los metales mientras se

desdibuja la cuerda, pero en vez de subordinarse las familias de instrumentos a un todo, cada familia, e incluso cada instrumento, son tratados individualmente, por su timbre.

La melodía continua y la orquesta tratada como conjunto, como su fuera un gran instrumento, que son los dos pilares del arte wagneriano, son lo opuesto a la ruptura de la melodía y al tratamiento individual de los timbres de la música debussiana: mientras Wagner supone la continuidad del Romanticismo, Debussy representa la ruptura, la iniciación de un nuevo camino en el arte musical.

Se pueden distinguir seis rasgos fundamentales de las obras clásicas de vanguardias:

A) Ruptura de la métrica. La frase musical suele tener unos elementos perfectamente medidos en partes simétricas, pero el nuevo arte que expresa

emociones desecha toda medida, así que en el siglo XX aparecerá la prosa musical, en donde las frases musicales se interrumpen o se enlazan libremente.

B) Disonancias. Los acordes o grupos de sonidos que se escuchan al mismo tiempo están separados por intervalos que los hacen agradables al oído, pero en el siglo XX se ensayan nuevas distancias entre los sonidos, produciendo unos efectos más perturbadores.

C) Supresión de la tonalidad. La composición se apoya sobre uno o varios sonidos, de modo que a lo largo de la pieza musical se vuelve a él para dar coherencia al todo, pero ahora esta subordinación se rompe y se construye la melodía prescindiendo de esta referencia.

D) Perturbaciones del ritmo. Los golpes más sonoros o acentos de la frase suelen estar señalados por las partes del compás, pero se empezaron a utilizar desplazamientos (síncopas) del acento que trastornaban el equilibrio del compás.

E) Nuevos sistemas de notación. El pentagrama y las figuras tradicionales no podían representar ni

24

los nuevos sonidos no otras complicaciones, ni los instrumentos tradicionales podían emitir sonidos a intervalos demasiado pequeños, por ello se inventarán instrumentos electrónicos que permitan ejecutar las distancias más pequeñas de sonidos, y para ello se inventó un nuevo sistema de representación de sonidos.

F) Simultaneidad. En el canto gregoriano oímos una sola e igual línea sonora ejecutada por distintas voces; en la polifonía escuchamos varias voces que ejecutan distintas líneas sonoras al tiempo; los pintores futuristas plasmaron en sus cuadros varias imágenes superpuestas,... Desde principios de siglo estas líneas sonoras pueden ser independientes unas de otras, y también se recurren a las

superposiciones de ritmos (por ejemplo, en la música jazz).

G) La dodecafonía. Surgió en 1912 por obra de Schoenberg, y como él mismo la definió, se trata de un método de composición a partir de doce sonidos que no están relacionados entre sí. Se puede decir que es la afirmación de una nueva búsqueda estética irreducible, por varios aspectos, al periodo expresionista. Este nuevo método es incomprensible si no se tiene presente que en él se evita toda referencia a los acordes tonales y derivados tradicionales, ya que el autor partió del método compositivo de controlar racionalmente la emancipación de la disonancia originada por los expresionistas y que en aquellos años estaba en su momento más decisivo.

17.1. MÚSICA CONCRETA Y AZAR

A partir del año 1945, la música y las demás artes conocerán una serie de tendencias, fruto del afán investigador de los compositores, ansiosos por introducir elementos alternativos al lenguaje artístico convencional, así como por hacer algo nuevo desde el punto de vista técnico; el desarrollo de los medios de comunicación, debido a los avances tecnológicos, posibilitará no sólo la producción de nuevas fuentes sonoras, sino también la rápida difusión de cualquier innovación.

La música concreta de los franceses Pierre Schaeffer y Pierre Henry (Variaciones para una puerta y un suspiro) quienes, partiendo de la influencia del futurismo italiano, utilizarán cualquier sonido o ruido sacados de la realidad y

que, después de ser grabados, se elaboran en un laboratorio. Este tipo de música no necesita intérprete, pues de hecho es el propio compositor quien deja preparada la cinta magnetofónica tal y como se debe escuchar.

17.2. MÚSICA ALEATORIA

En un ángulo opuesto al cientifismo del serialismo integral, nacen una serie de corrientes de música aleatoria (o música indeterminada) en las que no hay ningún ruido como material, ni ningún tipo de normas, sino que la obra queda pendiente del azar, de lo que quiera hacer el intérprete en cada audición, que, necesariamente, habrá de ser siempre distinta; este tipo de música, relacionada con el arte cinético de los móviles escultóricos y con el arte irracional en general, fue promovida por el americano John Cage, que ejerció una gran influencia sobre los músicos europeos; es autor de obras como Variaciones IV para "cualquier número de ejecutantes, cualquier sonido o combinaciones de sonidos producidos por cualquier medio con o sin otras actividades..."; también Charles Ives se movió en esta línea de indeterminación, postulando la estética del "anti-arte". Un tipo concreto de música aleatoria es la música gráfica, que emplea una serie de signos y símbolos que pueden interpretarse de una manera muy libre.

25

17.3. MÚSICA ELECTRÓNICA

La música electrónica, en la que los sonidos nacen ya en el seno del laboratorio, siendo allí manipulados hasta dar como resultado una cinta grabada; su principal cultivador

fue K.Stockhausen, quien pronto se

decantó por la llamada música electroacústica (como en su Canto de los adolescentes), que es una especie de síntesis entre la concreta y la electrónica, teniendo las tres en común el trabajo de laboratorio. La música electroacústica, total o parcialmente, será uno de los procedimientos más empleados por músicos del

s. XX, como Luciano Berio y Bruno Maderna, mezclándola a veces con elementos más tradicionales; así, por ejemplo, Edgard Varèse en el estreno de su Poema electrónico colocó cuatrocientos veinticinco altavoces, además de luces, imágenes móviles, etc., respondiendo al objetivo de muchos músicos actuales de incorporar el espacio a un arte del tiempo como es la música.

ACTIVIDAD…

- Estudiar sobre los estilos musicales de las vanguardias.

- Diferenciar las técnicas de composición de las vanguardias.

- Realiza un escrito sobre los compositores vanguardistas y su música.

18. EL MINIMALISMO

El término MINIMALISMO nació para un arte que no quería ser ni pintura ni escultura y ha

terminado siendo de todo. El crítico

británico Richard

Wollheim lo empleó por

primera vez en 1965 para referirse a la radical reducción racionalista promovida por las nuevas tendencias del arte. Desde entonces este término ha crecido y ha mudado hasta instalarse por doquier empezando por la arquitectura.

Como movimiento artístico, se identifica con un desarrollo del arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, iniciado en el año 1960.

Según el diccionario de la Real Academia Española (RAE), el minimalismo es una corriente artística que

utiliza elementos mínimos y básicos, como colores puros, formas geométricas simples, tejidos naturales, etc.

CARACTERISTICAS: -Abstracción. -Economía de lenguaje y medios. -Producción y estandarización industrial. -Uso literal de los materiales. -Austeridad con ausencia de ornamentos. -Purismo estructural y funcional. -Orden. -Geometría Elemental Rectilínea. -Precisión en los acabados. -Reducción y Síntesis. -Sencillez. -Concentración. -Protagonismo de las Fachadas. -Desmaterialización. Varios piensan que Mies fue el precursor del MINIMALISMO, pues él fue el que dijo eso de "menos es más".

26

BIBLIOGRAFÍA

http://publicacionesmedina.blogspot.com/ http://es.wikipedia.org/wiki/Minimalismo http://pwp.supercabletv.net.co/garcru/colombia/Colombia/folclor.html http://es.wikipedia.org/wiki/Flauta http://www.musicsunidos.com/2011/02/instrucciones-de-como-tocar-la-flauta.html http://www.buenastareas.com/ensayos/Metodo-Basico-De-Flauta/1932178.html http://marisolramos.wordpress.com/category/principios-basicos-de-gramatica-musical/ http://perso.wanadoo.es/antoninesdos/tema5.htm http://www.arteguias.com/musicamedieval.htm http://www.juntadeandalucia.es/averroes/~41009019/musica/documentos/3eso/form_instr_barr.htm http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_del_Clasicismo http://perso.wanadoo.es/antoninesdos/tema3.htm http://www.juntadeandalucia.es/averroes/~41009019/musica/loselementos2.htm http://perso.wanadoo.es/antoninesdos/tema6.htm http://www.germansanantonio.com/departamento_musica/hem/romanticismo/opera_romanticismo.pdf http://www.pianomundo.com.ar/operas/ballet.html http://es.wikipedia.org/wiki/Zarzuela http://www.uc.cl/historia/iaspm/pdf/Stasi.pdf http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_de_Espa%C3%B1a http://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo_musical http://perso.wanadoo.es/antoninesdos/tema13.htm http://tic2.org/Laura/Trabajos/VanguardiasMusicales/Impresionismo.htm http://perso.wanadoo.es/antoninesdos/tema14.htm http://musiqueaulycee.blogspot.com/p/historia-de-la-musica-en-espana.html