MÚSICA CONTEMPORÁNEA Isabel María Zelada Guevara

UNIVERSIDAD DEL VALLE DE GUATEMALA MÚSICA CONTEMPORÁNEA

Lic. Gerson David Hernández Ávila

Breve Resumen:

La música ha ido cambiando de acuerdo con la circunstancia en que viven los seres humanos, de

acuerdo con los momentos y realidades de cada país, de cada persona. Existen muchos factores que

influyen en dichos cambios: la educación de los compositores, su concepción de la vida y sus propios

sentimientos; el deseo de expresarse no encuentra límites e incluso es capaz de desafiar a la sociedad.

La historia de la Música Contemporánea está llena de experiencias que sin duda enriquecen el quehacer

musical de hoy en día. Me atrevo a pensar que cualquiera que decide profundizar en el ambiente en

que se desarrolló, en la mente de los artistas de finales del siglo XIX y del siglo XX, cambiaría su manera

de pensar de alguna manera u otra.

En las páginas siguientes se resume un recorrido por los diferentes estilos de Música Contemporánea

que se han ido desarrollando y generando desde hace más de 100 años, identificando su contexto

histórico, sus características, obras representativas y autores.

Música Contemporánea

Impresionismo:

Contexto histórico: Se desarrollón en el siglo XIX (1890 – 1914) y primeros años

del siglo XX. Anteriormente, los románticos buscaban

escapar de su realidad social, yéndose hacia las culturas

orientales. La cultura japonesa se pone de moda en

Francia. Había una creciente burguesía debido a los

avances en la producción industrial. Sin embargo, se vivía

un sentimiento de humillación nacional debido a la derrota

de la milicia francesa ocasionada por la ambición de

Napoleón III.

Características: A pesar del sentimiento de pesimismo que vivía la sociedad francesa, el impresionismo refleja cierto

optimismo. La armonía se produce con un efecto nebuloso para crear el efecto de impresión, por medio

del uso de modos griegos, escalas exóticas derivadas de influencias medievales, orientales y sureñas;

no se define la tonalidad. Las frases melódicas pierden su cuadratura y se fragmentan; constantemente

hay cambios rítmicos. Es elegante, sensual y mística.

Compositores y obras representativas: Claude Debussy (1862 – 1918): Preludio a la siesta de un fauno (1894), Claro de Luna (1905),

Pelleas et Mélisande (1902).

Maurice Ravel (1875 – 1937): Pavana para una infanta difunta (1910), Daphnis et Chloe (1912),

Gabriel Fauré (1845 – 1942): Réquiem (1887 – 1890)

Erik Satie (1866 – 1925): Gimnopédie no. 1 (1893)

Paul Dukas (1865 – 1935): El aprendiz de brujo (1897)

Dodecafonismo:

Contexto histórico: Se desarrolló entre 1921 – 1945. La creciente industrialización produjo un sentimiento de aislamiento

social. La gente se trasladaba del campo a la ciudad para trabajar, así que el estilo de vida de las

personas comenzó a cambiar drásticamente. Se desarrolló durante la Primera Guerra Mundial. El

hombre comienza a dejar de negar su YO interno, tratando de reflejarlo en el arte.

Características: El dodecafonismo es el ordenamiento

matemático del atonalismo; por ende,

tiene los mismos principios: los doce

sonidos de la escala cromática se organizan

de manera sistemática considerándose

absolutamente iguales entre ellos. El orden

de estos sonidos se fija anteriormente, y no

se puede repetir ninguno de ellos sino

hasta que aparecen los once restantes. Al ordenarse los sonidos de esta manera se conforma la serie

original. Luego, se lee de la última nota a la primera para hacer el retrógrado de la serie. La segunda

serie, o inversa, se construye al tomar los intervalos de la serie original, invirtiendo su sentido para que

al compararla con la original se de simetría entre ellas. Finalmente se encuentra el retrógrado de la

inversa. El dodecafonismo puede recurrir a la tonalidad, pero la disonancia es más abundante e impera

en esta corriente.

Compositores y obras representativas: Arnold Schoenberg (1847 – 1951): Suite para piano Op. 25 (1921 – 1923), Concierto para violín

Op. 36 (1934 – 1936), Concierto para piano Op. 42 (1942), Trío de Cuerda Op. 45 (1946),

Gurrelieder (1900 – 1910), Cantata “Un superviviente en Varsovia” Op 46. (1947).

Alban Berg (1885 – 1935): Cinco cantos orquestales (1913), Ópera “Wozzeck” (1914 – 1921),

Concierto de cámara para piano, violín y trece instrumentos (1925), canción “Schliesse mir die

Augen beide” (1925), ópera “Lulú” (1929 – 1935), Suite Lírica, Cantata para soprano y orquesta

“Der Wein” (1929) y concierto para violín y orquesta (1935).

Anton von Webern (1883 – 1945): Tres lieder populares religiosos, Sinfonía para orquesta de

cámara (1928), Cantatas Op. 29 y Op. 31, Variaciones para piano (1936), Variaciones para

orquesta (1940).

Primitivismo:

Contexto histórico: El Primitivismo surge como una propuesta de rechazo al Romanticismo del siglo XIX y a sus ideas, así

como al Impresionismo. Bajo la influencia conceptual que busca incorporar elementos de culturas

lejanas, numerosos artistas del siglo XX hicieron sus obras observando aspectos del folclor o el arte

infantil. El término “Primitivismo” tiene su origen a finales del siglo XIX.

Características: Pretende rescatar el más arcaico folclor de distintas culturas, pero con un lenguaje más moderno. En

este predominan las percusiones, se utilizan métricas y acentuaciones irregulares, distintos timbres, la

armonía politonal y atonal.

Compositores y obras representativas: Igor Stravinski (1882 – 1971): La

Consagración de la Primavera (1913), El

Pájaro de Fuego (1910), Petrushka

(1911), El Ruiseñor (1914), Renard

(1916), Historia de un soldado (1918) y

Las Bodas (1923).

Béla Bartók (1881 – 1945): Allegro

Bárbaro (1911), El Castillo de Barba Azul,

El Príncipe de Madera, El Mandarín

Maravilloso, Concierto para piano No. 1.

Neoclasicismo:

Contexto histórico: Surgió en Europa, y se desarrolló entre los años 1920 y

1940. Fue iniciado en Rusia, por Igor Stravinsky y llegó

a Viena gracias a Arnold Schoenberg, con la intención

de resucitar la tradición Europea y en oposición al

Romanticismo, al Impresionismo y al Expresionismo.

Stravinsky reconstruye las formas, modos de hacer y

los estilos de los periodos anteriores al Romanticismo.

Características: Es un tipo de música depurada, ingeniosa y chispeante,

despojada, que vuelve a adoptar modos de

interpretación, formas y géneros del Barroco y

Preclásico (suite, concierto, sinfonía, sonata), aunque

como meros conceptos. Se desliga del sentimiento,

presentándose una música más pura y abstracta, objetiva y racional. Reivindica el sistema tonal

tradicional anterior a Wagner y los Románticos.

Compositores: Arnold Schoenberg

Igor Stravinsky

Darius Milhaud

Arthur Honegger

Francis Poulenc

Paul Hindemith

Manuel de Falla

Alfredo Casella

Ildebrando Pinzzetti

Gianfrancesco

Obras representativas: El Retablo de Maese Pedro

Concierto para clave y cinco instrumentos.

Pulcinella

Indeterminación:

Contexto histórico: Comienza en 1950, en el periodo de post-guerra. Surge con el deseo de los compositores de darle

coherencia a la composición musical por medio de rigurosos sistemas. Paradójicamente produce el

efecto de que la música se toca “al azar”. La intención es vencer el discurso que recurre a la memoria,

evitar las repeticiones. Se dieron dos corrientes de la Indeterminación: en Estados Unidos (la más

radical) y en Europa (derivada de los compositores serialistas).

Características: Busca otros colores, abarcar ruidos y sonidos

que no se utilizaban en la música como si fueran

normales. También se utilizan elementos de azar

en la composición. Incluso se utilizan otros

sistemas de escritura. Se le da mucha

importancia al silencio. Mientras más elementos

fueran predeterminados en la composición, más

casuales y producto del azar se escucharían, y el

intérprete puede decidir qué hacer con la obra,

lo cual produce la indeterminación.

Compositores y obras representativas: John Cage (1912 - 1992): 4’33’’ (1952), HPSHD (1968), Branches (1976).

Pierre Boulez (1925 – 2016): Polyphonie X (1951), Le marteu sans maître (1955), Notations

(1980).

Karlheinz Stockhausen (1928 – 2007): Zyklus (1959), Plus/Minus (1963), Kurzwellen (1968).

Minimalismo:

Contexto histórico: Inició en Estados Unidos, en 1960. Se trata de una época en la que las personas sufren de una crisis

existencial, la época post-guerra. Fue el tiempo del movimiento Hippie, de la liberación femenina y de

la lucha contra la discriminación racial. Debido a que Estados Unidos no había sufrido daños sustanciales

durante la guerra, pudo sacar ventaja de la competencia mundial. Comienza la etapa del consumismo.

Características: Se trata de la cantidad perfecta de algo, no de la

falta o ausencia de elementos. Utilizan técnicas

compositivas básicas, pero con conocimiento. El

compositor da lugar a la improvisación y libertad de

participación al intérprete. Posee influencias de

otras culturas no occidentales en cuanto a su

instrumentación, escalas y sistemas tonales, incluso

otros lenguajes. Utiliza armonía estática (tonalidad

más básica e inmutable), repetición de motivos,

simplificación de las formas, texturas polirrítmicas,

ritmo estático, instrumentación estática y

monocromática. Muestra la voz pura, sin contenido.

Compositores y obras representativas: Terry Riley (1935): Mescalin Mix, In C (1964).

La Monte Young (1935): Composition 1960 # 7.

Steve Reich (1936): Music for 18 musicians (1976), Electric Counterpoint (1987).

Philip Glass (1937): Glassworks (1981), Einstein on a Beach (1976).

Arvo Part (1935): Spiegel im Spiegel (1978).

Jazz:

Contexto histórico: Nace en 1900 en Estados Unidos, al mezclarse las culturas afroamericanas y del Nuevo Mundo. Proviene

del Blues (de origen africano, una música de pregunta y respuesta que servía a los esclavos para exponer

su tristeza en sus jornadas de trabajo) y del Ragtime (un estilo pianístico caracterizado por su ritmo

sincopado). El Jazz se tocaba en burdeles. El Dixieland fue la adopción del Jazz por los blancos

norteamericanos.

Características: Su estructura está formada por una introducción, un tema, una sección de improvisación y repeticiones

del tema. Utiliza escalas mayores, modos y blue notes. El ritmo lleva la síncopa y el swing; armonía

modal, disonancias, acordes de paso (ii – V7), y acordes con 3° y 7° bemol. Se caracteriza por el sonido

del canto africano, glissandos, apoyaturas. Se instrumenta con piano, trompeta, trombón, clarinete,

saxofón, contrabajo, bajo eléctrico, batería, órgano, teclados, sintetizadores y sintetizadores.

Compositores y obras representativas: George Gershwin (1898 – 1937): Rhapsodia in Blue

(1924)

Miles Davis (1926 – 1991): So what (1959)

Louis Armstrong (1901 – 1971): What a Wonderful

World, Hello Dolly!

Benny Goodman (1909 – 1986): Sing sing sing (1937).

Dizzie Gillespie (1917 – 1993): Salt Peanuts (1942).

Rock:

Contexto histórico: Comienza en los años 1950, en una época en que los jóvenes crecieron en un ambiente triste a

consecuencia de la guerra y solamente pensaban en divertirse. Fue una forma de ruptura con la

sociedad que se vivía en el momento. El Rock and Roll nace de la combinación de varios estilos

musicales: el rhythm and blues, el country y el folk. En un principio se conocía como Rocking y era tan

popular que todos los artistas sacaban un disco de Rocking. El Rock surgió en Estados Unidos, y

posteriormente llegó a Europa. En 1960, el pop británico invadió Estados Unidos y Latinoamérica.

Características: Utilizan los acordes del blues, melodías

sencillas, es música para bailar y tiene un

tiempo rápido de intensidad fuerte. Los

instrumentos que lo caracterizan son la

guitarra eléctrica (que generalmente hace la

melodía), el bajo eléctrico, la batería (la parte

rítmica) y la voz.

Compositores y artistas: The Beatles

The Rolling Stones

Jimi Hendrix

Bob Dylan

Sam Cooke y The Platters

Elvis Presley

Bill Halley

Little Richard

Chuck Berry

The Beach Boys

Obras representativas: Love Me Do

Satisfaction

Don’t be cruel

Jailhouse rock

Hambone

Tutti Frutti

Música contemporánea latinoamericana:

Contexto histórico: Hasta finales del siglo XIX, las nuevas

repúblicas del continente americano

enfrentaron conflictos para consolidar

su independencia y territorios. Ya

entrado el Siglo XX, Latinoamérica era

asediada por la pobreza, dictaduras,

guerras internas y matanzas. Sin

embargo, su producción artística fue

reconocida mundialmente, y era un

lugar de nuevas oportunidades para los

europeos. La Música Contemporánea

se desarrolló a lo largo del siglo XX.

Características: Obtiene sus elementos del mestizaje de las culturas europeas (formas, géneros, estilos), africanas

(ritmos, instrumentos de percusión, melodías y ritos) y nativas latinoamericanas (elementos populares,

autóctonos, folclóricos, melódicos, tímbricos, temáticos, etc.) que convergen en ella. Representa el

alma de los pueblos latinoamericanos, y a pesar de identificarse con algún movimiento (vanguardia,

impresionismo, neoclasicismo, nacionalismo), dista de las convenciones, conceptos e ideas europeos.

Compositores y obras representativas: Alberto Ginastera (1916 – 1983): Cantata para América Mágica (1961), Bomarzo (1967)

Heitor Villa-Lobos (1887 – 1959): Bachianas Brasileiras (1932 – 1944), Choros (1920 – 1928).

Domingo Santa Cruz (1899 – 1987): Poemas trágicos (1929), Variaciones para piano y orquesta

(1943).

Silvestre Revueltas (1899 – 1940): Sensemayá (1928), Redes (1935), La Noche de los Mayas

(1939)

Carlos Chávez (1899 – 1978): Sinfonía India (11936), Xochipilli Macuilxochitl (1940).

Eduardo Fabini (1883 – 1950): Campo (1922).

Música afro-latina:

Contexto histórico: La música afro-latina surge de la mezcla y apropiación

de las culturas africanas en América Latina, un proceso

que se ha dado desde que estas llegaron al “Nuevo

Mundo”, a partir del sigo XVI. Los estilos que se

generaron y derivaron en América Latina reflejan la

vida del latinoamericano, sus costumbres y sus

sentires.

Características: Generalmente, los diversos estilos tienen relación

estrecha con la danza o el baile. Muchos de ellos son

estilos populares, de la urbe marginal. Se caracterizan por la predominancia del ritmo, contratiempos,

instrumentos de percusión, los compases de 2/4 y 4/4. En sus vertientes más comerciales se agregan

instrumentos de viento (saxofones, clarinetes, flautas, trombones, acordeón), instrumentos de cuerdas

(guitarra, contrabajo, violines) e instrumentos electrófonos: teclados y bajos eléctricos, pero siempre

abundan los instrumentos de percusión: güiros, cajas de madera, tamboras, maracas, cencerro,

tumbadoras, congas, bongós, timbales, claves, el surdo, pandeiros, entre otros.

Compositores: José Manuel Calderón

José Pérez Sánchez

Joao Gilberto

Tom Jobim

Enrique Jorrín

Efraín Mejía

Matancero Miguel Faílde

Arsenio Rodríguez

Juan Francisco García

Almeida

Ary Barroso

Obras representativas: Condena, ¿qué será de mí?

Tristezas

Garota de Ipanema

Aprende a bailar el Chachachá

La danza del garabato

Danzón no. 2

Guarachas

Mambo

Aquarela do Brasil

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