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SUMARIO

Editorial 3

Crítica de Cartelera 6

“Amanecer” y “Miguel san Miguel”

Entrevista director joven 14

Aníbal Herrera y “Marcelo, la mafia, y la estafa”

Análisis Histórico del cine joven 20

De Orson Welles a Fernando Guzzoni.

Crítica DVD 24

“J'ai tué ma mère”, de Xavier Dolan

Especial Festival de Cine//B 25

Grandes triunfadores

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EDITORIAL

Teniendo en cuenta que el cine fue creado en 1895, tecnológicamente claro

está, y que su lenguaje propio se fue consolidando con bastante esfuerzo

desde entonces, siendo uno de los primeros desafíos el ser considerado un

arte, resulta interesante analizar el concepto de “Cine Joven”, sobre todo

siendo el cine mismo una disciplina muy joven, en comparación a las otras

artes.

¿Pero qué es el “Cine Joven” en definitiva? ¿Son las películas post

modernas, fruto de todos estos años de evolución? ¿Es la forma de hacer

cine que se enseña hoy en las escuelas? ¿El cine hecho por jóvenes e

inexpertos realizadores? ¿O tal vez son aquellos films hechos para un

público objetivo adolescente? Nuestra inquietud al analizar este tema surge

desde la necesidad de atender y entender el proceso de los jóvenes

realizadores, o sea, autores que independiente de su edad estén creando

sus óperas primas.

Es importante abrir este tipo de espacios a los realizadores jóvenes con el

fin de motivarlos a seguir madurando en sus intereses. Es una forma de

darle esperanzas y confianza en ellos mismos, tal y como se debe atender a

un niño cuando da sus primeros pasos, debemos poner atención en ellos

para que estos pequeños e inseguros pasos que están dando, se vuelvan

grandes zancadas para nuestro cine chileno e internacional. Es primordial

que comprendan que para empezar a realizar no es necesaria gran

experiencia, sino más bien las ganas de hacer lo que gustan.

Las grandes virtudes de nuestro cine joven, son la capacidad de aceptar y

tolerar, de ser abiertos a los diferentes estímulos del mundo, de querer

adoptar nuevos y/o novedosos puntos de vista, de ser inquietos en cuanto a

la realidad que vivimos.

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Es esencial no perder la capacidad de asombro, ni de crítica cuando nos

encontramos en el proceso creativo y eso lo posee el joven realizador. Por

dichas razones es necesario que al momento de analizar las películas

seamos críticos, pero demos la oportunidad a nuevas visiones

cinematográficas, nuevas formas estéticas, nuevas ideas.

Tomemos en cuenta las anteriores generaciones de “cineastas jóvenes”,

que obviamente, han influido a las posteriores. No nos cerremos al minuto

de recibir nuevas obras, puede que por pensar que un joven no tiene

escuela o experiencia, dejemos pasar un Orson Welles o un Quentin

Tarantino, que a base de buen cine han forjado su propia formación

cinematográfica.

La creación de este espacio también da la oportunidad de difundir y hacer

llegar al común de la gente, las obras de manufactura chilena, cine que no

suele ser muy apreciado entre nuestros propios coterráneos, y que tiene

fama de politizado e incluso “latero”, por aquellos que poco se informan al

momento de criticar. De cierta manera, el cine chileno también da primeros

pasos en algunos ámbitos, como los géneros, por ejemplo. Hasta hoy, se

han visto variados intentos, de cineastas jóvenes (y otros no tanto), que

esperamos se hagan más insistentes.

Hablando como jóvenes realizadores, proponemos este número para

darnos a conocer al resto del mundo: industria, académicos, críticos,

cinéfilos, productores, público, y pedir una chance de ser escuchados,

leídos o vistos, apelando a que todo maestro alguna vez fue aprendiz y que

todo proceso de madurez en el arte, pasa por una época de intentos y

pruebas dignas de ser seguidas.

G.A.B.B.

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CARTELERA.

“El atardecer de una saga” Por Constanza Vallejos.

Como un placer culpable personal, no podía dejar

de ir a ver “Amanecer Parte 2” al cine, pero esta

vez sin tanto fanatismo, así que esperé una

semana para ir a verla. El director de esta película

es Bill Condon, ganador del Oscar por el mejor

guion de adaptación con la película “Dioses y

Monstruos” y ésta vez estuvo encargado de dirigir

la primera y segunda parte de la saga Crepúsculo,

en las cuales hizo un buen trabajo retratando a los

ídolos adolescentes, obviamente sin adentrar en

temáticas más profundas porque no vamos a

pedirle peras al olmo. Algo que me pareció

divertido sobre el director es su fanatismo por los

vampiros y que les escribió una carta en Facebook

a los fans de la saga cuando fue elegido para dirigir las dos partes de Amanecer. Vale

destacar también que Stephenie Meyer (escritora de la saga) fue productora de las dos

últimas entregas de la película, lo que a mí

parecer fue un buen aporte a la saga, ya que la

evolución desde Crepúsculo hasta Amanecer, a

nivel cinematográfico, ha sido bueno, y se nota

que hubo más preocupación con respecto a

todo, desde vestuario (Kristen Stewart usó un

vestido de Carolina Herrera para su matrimonio

falso, maldita) hasta el guion, ya que pienso que

como final fue muy amable con nosotros, los

fans. Bueno, mientras estaba sentada en la

butaca con las luces apagadas, un paquete de

cabritas y dos amigas fanáticas empezó la

canción melosa que ha estado presente desde

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la primera película y la emoción me invadió, tanto, que le apreté el brazo a una de mis

amigas. Al principio las imágenes de los bosques y montañas nevados situándote en el

lugar donde tus personajes favoritos viven junto a la música hace que uno se vuelva loca,

pero, desgraciadamente, llegó la parte que todos estábamos esperando: ver a Bella

convertida en vampiro, y lo primero que muestran es a Kristen Stewart corriendo a lo

Usain Bolt, pero con un efecto especial tan mal hecho que más que emocionarme, hizo

que me diera vergüenza ajena, pero decidí superarlo y seguir la película. Seguía

emocionada comiendo mis cabritas y muerta de sed porque se me olvidó comprar bebida,

cuando de repente aparece Renesmee, la hija de Bella y Edward, que tiene un desarrollo

fenomenalmente rapidísimo en el libro, pero aquí era un androide computarizado,

bastante tierno, pero que dejó mucho que desear, ya que no podía ser más falso. Esto

lógicamente no ayudó a mi sed, ya que estaba muerta con las cabritas y me terminé de

morir con esa imagen. Independiente de los malos efectos de la película, debo destacar

que a mí parecer la película tiene una buena progresión ya que es posible seguirla con

facilidad y produce enganche de inmediato, pero me parece que al ser una película que

ha recaudado tanto dinero (30,4

millones de dólares en el primer

jueves de estreno) no debiese tener

aquellas falencias respecto a

elementos técnicos. Un elemento

que me parece importante destacar

es el uso de la prolepsis como

elemento dramático, ya que toda la

secuencia de acción y lucha entre

los aliados de Carlisle (Dirigente del

clan Cullen al cual pertenece

Edward) y los Vulturi (Vampiros

malos que rigen a todos los demás vampiros del planeta) termina siendo una visión de

Alice (La vampira vidente del clan Cullen) y le da toda la movilidad y enganche a la

película, ya que si no fuese por esta secuencia sería muy plana y se quedaría sin acción

dramática. Durante esta secuencia estaba simplemente vuelta loca, algunos de nuestros

vampiros favoritos morían y con mis amigas nos mirábamos muertas de miedo como unas

ridículas, debo decir que los efectos especiales de esta secuencia me parecieron mucho

mejores que los del resto de la película (no que me haya importado mucho, yo

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simplemente la amé), pero viéndolo desde un punto de vista un poco más serio y crítico

los efectos especiales a veces aportaron y en otros casos demostraron falencia y

despreocupación.

Pero finalmente, ¿Qué es lo que me hace a mí y a los demás fans seguir yendo al cine a

ver las películas? A pesar de sus obvias falencias, a mí parecer esta película tiene todo lo

que el adolescente quiere tener, una fantasía de amor perfecta, gente bonita caminando a

tu alrededor y sacia esa sed de aventura que uno tiene cuando es adolescente, esa

capacidad de creer que uno es invulnerable, que no le va a pasar nada y que puede ser el

superhéroe de su propia historia. Por otro lado me he cuestionado si es que son los

vampiros los que atraen a los adolescentes, pero he llegado a la conclusión (conclusión

personal, puede ser distinta para otras personas) que estas películas son simplemente

una novela rosa disfrazada de componentes sobrenaturales que le dan un plus para

diferenciarse de las demás novelas rosa.

Concluyendo este comentario puedo decir que es una película que tiene varias falencias a

nivel efectos especiales, se nota una despreocupación, pero que cumple con la fidelidad a

los libros y por eso pienso que es una película honesta. Vale destacar, eso sí, la fotografía

de la película hecha por Guillermo Navarro (Ganador del Oscar a la Mejor Fotografía por

“El Laberinto del Fauno”, 2006) que diferencia esta película de las demás respecto a la

calidad y belleza de la imagen. La recomiendo totalmente para aquel que quiera ir a

entretenerse un rato al cine y obviamente para los fans de la saga que van a quedar

locos, y más con los créditos finales, tal como lo hice yo, una súper fan de la saga

Crepúsculo.

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CARTELERA.

Miguel San Miguel, prisioneros de la música.

Por Javiera Urbina

Miguel San Miguel se presenta como

una película que en un comienzo podría

ser prejuiciada y llevada o inclinada más

bien a una postura más documentalista,

queriendo retratar la vida de quien no

sería el controversial líder de los

prisioneros, sino que su ex mejor amigo,

el segundo más importante a mi parecer

de esta banda de los 80’ repleta de energía. Pero al momento de verla con determinación,

me di cuenta que Matías Cruz a pesar de tener en el cuerpo videos musicales y tan solo

un largometraje más aparte de este, supo lograr la equidad entre la ficción y la realidad.

Haciendo referencia a la época en la que está situada, a la cercana relación entre los

personajes, que claramente, fuera de la ficción hoy en día es un conflicto en eterno.

Sorprende ver desde el comienzo de las imágenes en la pantalla, el contraste de grises

con lo que se pinta este film, un blanco y negro que quizás llega a ser un tanto insistente

con la época que ya sabemos es los 80’, desmereciendo un poco el trabajo de arte y

vestuario que a mi parecer complacían y hacían verosímil la historia sin la necesidad de

quitarle el color. Una decisión que se debió, según como el propio director Matías Cruz

cuenta en una entrevista en el

diario la tercera, el

presupuesto para ambientar no

era mucho, eso explica

también los cuadros cerrados,

hasta exteriores donde por

ejemplo un clip en el que se

les ve a los tres actores

interpretando a Miguel, Jorge y

a Claudio caminando por

Departamental en fila india

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sólo dejando ver extractos de muros y locales tras ellos. El comportamiento de los jóvenes

actores en un principio tiende a alejar el concepto de “Los Prisioneros” como jóvenes

subversivos acorde a los reconocidos himnos musicales que dejaron como banda, pero

todo ese pensamiento se queda en un principio, como buen video musical sabe

adentrarnos a su historia aunque sin toda la música que uno como espectador espera

escuchar de una película de esta índole. Esta carencia musical se puede atribuir al hecho

de que en un comienzo la idea de la película estaba centrada a un recorrido a la banda

completa, idea que tuvo en sus comienzos el apoyo de Jorge González, pero que no tuvo

éxito tras el quiebre de una de las compañías productoras.

Miguel siendo el personaje principal de esta película pero no necesariamente un buen

protagonista logra hilar los hechos sociales de la época dentro de su punto de vista,

aunque la historia del grupo, la iniciativa y acción de la banda están claramente vistas

desde una motivación dada por Jorge a los demás. No se ahonda profundamente en los

personajes, lo que los convierte un poco ajenos a nosotros, a personas reales, a

adolescentes soñadores, no ayudando a esta situación el hecho de que los giros

importantes de la película se dan por algo externo a ellos, oportunidades volátiles que

ellos agarran y les ayuda a conseguir su objetivo de tener una banda. A pesar de las

circunstancialidad de las cosas, existen conflictos entre los personajes que nos muestran

un poco de carácter de cada uno, acercándolo un poco más a lo que es hoy en día como

la conocida impulsividad de Jorge González, la misma personalidad que nos hace

relacionar tantas canciones polémicas escritas e interpretadas por él mismo sobre el

escenario.

Miguel San Miguel juega con una

nostalgia de la época de los 80, con

la sencillez de los espacios de la

comuna de San Miguel, la riqueza

de unos jóvenes talentosos y

entusiastas que a pesar de no

saber de música se las ingenian

para crear instrumentos y aprender

a tocar esperando tener el éxito

que en su colegio le niegan.

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A pesar de no tener una estructura muy confiable y de todos los “pero’s” narrativos y

visuales que he mencionado, esta película logra encantar, con una fotografía

contemplativa que rescata lo mejor del cuadro, con la efervescencia musical adolescente

y con la esperanza de un mañana mejor, el mismo mañana mejor que sabemos que

tuvieron esos adolescentes al perpetuar su carrera musical, al salir a gritarle al mundo y al

sistema que ellos no tan solo servían para ser empleados, también sirvieron y sirven aún

para crear, para comunicar, esperanzar y “para amar”.

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ENTREVISTA

ANÍBAL HERRERA, director de “Marcelo, la mafia, y la estafa”.

Por Constanza Vallejos.

Aníbal Herrera tiene 26 años y es

alumno de la UNIACC en la

especialidad de guiones. Junto a

Alejandro Salazar (UNIACC)

trabajaron juntos en la película

“Marcelo, la Mafia y la Estafa”

después de salir de la

especialidad de cine de UNIACC.

Hoy se encuentran en la pre-

producción de “Exorcistas”,

escribiendo y dirigiendo el

proyecto. En esta oportunidad

entrevistamos a Aníbal sobre su

experiencia haciendo cine y sus

anhelos y pensamientos sobre el

cine chileno.

• Tenemos entendido que “Marcelo, la mafia y la estafa” es tu ópera prima.

¿Cuáles fueron las motivaciones para hacer ésta película?

Cuando egresamos de cine y nos dimos cuenta que teníamos que hacer un

proyecto de título, pensamos “oye, ya hicimos un corto, así que

aprovechemos que la u nos pasa equipos y hagamos un largo”. Pensamos

que lo mejor sería salir al mundo profesional con un largometraje. Sabíamos

que nuestro estilo de cine es uno que apunta hacia la entretención y hacia el

público, además de que nos gusta el cine de género, así que nos

propusimos hacer una comedia de enredos con algo de acción que terminó

siendo “Marcelo, la mafia y la estafa”.

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• ¿Cómo fue tu experiencia dirigiendo un proyecto de esta envergadura?

Yo creo que la única razón por la que nos atrevimos a hacerlo es porque no

sabíamos en qué nos metíamos. Sabíamos que era algo grande (tenía más

de 30 personajes y como otras 30 locaciones), pero pensamos que sería

relativamente simple. Pero las 30 jornadas de grabación terminaron siendo

40, tuvimos que devolver los

equipos y grabar con lo que

encontramos, pedirle por favor a

los actores y al equipo técnico que

siguieran grabando, etc.

Fue una experiencia agotadora y

agobiante, donde muchos éramos

primerizos (la mayoría del equipo

técnico eran compañeros de la U),

pero donde también aprendimos

muchísimo.

• ¿Cómo sientes que ha recibido el público tu película?

En general la gente que la ha visto la ha disfrutado mucho. Las primeras

exhibiciones que hicimos con la sala llena, nos sorprendió que hubieran

tantas risas. La gente nos felicitaba y parecía agradecida de ver un tipo de

película que no es muy común en el cine chileno. Eso nos dejó muy

satisfechos.

• ¿Te sientes satisfecho con el resultado final de tu película?

Desde un punto de vista, sí, mucho. Creo que quedó como queríamos y la

gente la recibió bien.

Desde otro punto de vista, es una película que grabamos hace 3 años. Uno

madura mucho durante ese tiempo, así que ahora cuando vemos la película

nos ponemos a pensar en las mil cosas que hubiéramos hecho diferente.

Pero supongo que eso es parte del proceso y ya habrá oportunidad de

mejorar en la siguiente.

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• ¿Desde siempre quisiste dirigir películas o fue un gusto adquirido en el

tiempo?

Desde niño me gustó contar historias y generar emociones en la gente. A

los 7 años empecé a grabar con mi cámara casera y le mostraba los videos

a mis padres. Después hacía historias en esos tacos donde vienen muchos

papeles que si uno pasa rápido se ve que los dibujos se mueven. Pero

durante mucho tiempo pensé que iba a estudiar ingeniería comercial,

porque no sabía que había una carrera de cine. Un día una compañera de

colegio me dijo “tú deberías estudiar cine”, y tenía razón.

• ¿Hay algún otro campo de audiovisual que te interese abordar aparte de la

dirección? ¿Por qué?

Me encanta el montaje también, de

hecho edito todo lo que dirijo. Pero un

amigo me dijo una vez que el montaje

es lo más cercano que hay a la

dirección, porque básicamente estás

contando la historia también. Estoy de

acuerdo, así que creo que la respuesta

a tu pregunta sería “no”. Me encanta

dirigir y contar historias. Hay gente que

dice que el director es aquel que no es

muy bueno para hacer ningún otro

cargo, sino que sabe un poco de

todos. Yo me siento así, que no sé

mucho de nada pero de todo un poco.

• ¿Ves cine chileno o prefieres el

extranjero?

Ambas. Veo cine chileno porque me gusta ver qué se está haciendo,

aunque son muy pocas las películas que disfruto. Mi referente en general es

el cine estadounidense, los grandes blockbusters siempre y cuando tengan

algo de sustancia.

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• ¿Qué crees que le hace falta al cine chileno?

Muchas cosas. Creo que lo más importante es que haya gente que sepa

levantar proyectos y gente que sepa hacer películas. Me refiero a que

muchos directores son muy buenos productores, son capaces de conseguir

recursos, de administrar el equipo, pero no tan buenos a la hora de contar la

historia. Mientras que hay otros que son buenos contando historias pero que

carecen de la capacidad de gestión para sacar adelante el proyecto. Una

razón por la que creo que Fábula es la productora que es hoy, es porque

tienen a alguien que sabe contar historias (Pablo Larraín), junto a alguien

que sabe gestionar los proyectos (Juan de Dios Larraín). Lo mismo hace

Nicolás López con su productor Miguel Asensio. La mayoría de los

cineastas, especialmente los emergentes, tienen que hacer de todo, y

muchas veces no son buenos en todo.

• ¿Te sientes un aporte a la nueva generación de cineastas del país?

¿Sientes que puedes marcar un precedente como director?

Difícil pregunta. Mi interés es contar historias que lleguen a la gente.

Mientras logre que eso suceda, mientras logre que alguien se emocione con

una película, creo que tendré un pequeño lugar en la cinematografía

nacional, y eso me parece genial.

• ¿Cuáles son tus proyecciones a futuro? ¿Tienes planeado hacer otra

película?

Proyectos tengo muchos, lo que no tengo es plata para hacerlos, jaja.

Ahora, el que más estoy trabajando es uno que se llama “Exorcistas” (tiene

un tráiler piloto en youtube). Ya tenemos algo de plata para hacerlo y sigue

nuestro estilo de hacer un cine de género de entretención dentro de nuestro

contexto chileno.

• ¿Te gusta algún género audiovisual en especial? ¿Noir, terror, ciencia

ficción, etc.?

El otro día me preguntaron eso y no supe cómo responder. Creo que es

como te decía antes, me gustan buenas historias siempre que tengan algo

de sustancia. El género del que sea creo que me da lo mismo.

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• ¿Qué influencias o referentes crees tú que has tenido para poder hacer tu

propio cine?

Las películas estadounidenses de

los 80 me marcaron mucho. Volver

al Futuro, Star Wars, Indiana

Jones, Aliens, son películas que

crecí viendo y que me influencian

día a día. Siento que es una época

en que el cine no se había

depravado tanto como hoy, donde

no había tantos efectos especiales

y se enfocaban en contar muy

buenas historias.

• ¿Tienes algún director favorito?

¿Por qué?

James Cameron. Siento que hay

un nivel de cuidado en sus películas que me impresiona mucho. Además

que en las entrevistas siento que me parezco a él, Así que me identifico un

poco con su personalidad, la del tipo que quiere hacerlas todas.

• ¿Crees que los jóvenes como tú, tienen cabida en el campo cineasta

chileno actual?

Sí, sin duda. Los jóvenes en general, y creo que siempre ha sido así a lo

largo de la historia, siempre tienen algo nuevo que decir, algo que sólo ellos

pueden expresar. Así que el cineasta joven siempre va a tener cabida.

• Y por último: ¿Qué mensaje le dejarías a los chicos que estudian cine

actualmente?

Que si quieren hacer películas, que las hagan. No hay nada peor que la

gente que habla siempre de sus futuros proyectos pero que nunca los hace

realidad. Hay que hacerlos como sea.

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El legado de Orson Welles. Por Catalina Herrera.

Orson Welles, un actor, director, guionista y productor de cine estadounidense, es el mayor ejemplo de directores jóvenes que han conseguido triunfar con sus óperas primas. En el caso de Welles, esto se evidencia con Citizen Kane (1941), una película en la que actuó, dirigió, escribió el guion, e incluso produjo, a los 26 años. Tres años después que se hiciera fama por su interpretación radial de La Guerra de los Mundos. Citizen Kane es una película clasificada como drama misterio, basada en la vida de William Randolph Hearst, un conocido

personaje de la prensa estadounidense. Por lo mismo, tuvo muchos obstáculos en su exhibición y no obtuvo el éxito de taquilla esperado, pero se llevó muchas alabanzas de la crítica.

Partiendo de la base que Orson Welles era un actor, proveniente de una familia adinerada y aficionada a las artes, pero sin ningún acercamiento al cine, esta primera película dentro de su filmografía sin duda se merece todos los premios, análisis, y buenas críticas que tuvo en su momento, y que sigue siendo un ejemplo hasta el día de hoy. Welles tuvo que aprender por sí mismo, viendo mucho cine y poniendo especial atención a cómo narrar una historia usando una cámara, como por ejemplo el uso del picado y el contrapicado (ver imagen) tomado de "La Diligencia” de John Ford. Ejemplo que se repite en directores jóvenes sin escuela pero cinéfilos, como Tarantino que dirigió, escribió, produjo, y protagonizó “My Best Friend’s Birthday”, su primera película, a los 24 años, aunque nunca fue oficialmente exhibida en su totalidad.

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Orson Welles, si bien inexperto

al momento de dirigir esta

película, no fue demostrado en

lo absoluto. Se ve que tiene

especial atención a la

iluminación, a los claroscuros, a

los puntos de foco y de

atención elegidos

cuidadosamente, como en la

escena de Kane pequeño

jugando en la nieve con su

trineo mientras sus padres

están dentro de la casa

hablando con el guardián legal, el señor Thatcher (ver imagen).

Welles también se preocupa de la importancia del guion, la neutralidad de los espacios cuando el diálogo es importante, como una escena en un burdel que fue cambiada de locación para no distraer del relato. Welles utiliza la cámara para resaltar la grandeza de Kane, y le dedica mucho énfasis al maquillaje, sobre todo cuando tenía que interpretar a un Kane más viejo y Welles tenía entre 25 y 26 años. También, pone especial cuidado en la disposición de los planos, el montaje, los ángulos de cámara, y todo esto tomado de su experiencia cinéfila y artística, lo que da cuenta de un director joven dedicado y perfeccionista. Elementos que hacen que un director inexperto se forme su propia escuela y tenga el potencial para ser exitoso en el futuro, como lo fue Welles. Los actores de Citizen Kane fueron parte de la compañía de teatro que el mismo

Orson Welles fundó a los 21 años, Mercury Theatre. Esto se repite hasta el día de

hoy, los directores jóvenes buscan actores y/o equipo técnico dentro de sus

propios amigos o compañeros de escuela, al no contar con muchas redes en la

industria.

Lo mismo ocurrió con Tarantino, quien

trabajó en un videoclub junto a Roger

Avery y Craig Hamann, cuando decidió

hacer su primera película “My Best

Friend’s Birthday”. Avery terminó

haciendo la fotografía de esa película,

Hamann el guion junto a Tarantino, y

entre ellos mismos protagonizaron la

película, junto a otros trabajadores del

mismo videoclub.

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Tomando ejemplos nacionales, tenemos

casos como Marialy Rivas y Fernando

Guzzoni, quienes si estudiaron en escuelas

de cine, y han tenido gran éxito en sus

carreras. Marialy Rivas, con su ópera prima

“Joven y Alocada” ganó reconocimiento

internacional al participar en el festival de

Sundance 2012 y ganar por la categoría

mejor guion de drama. Y en el caso de

Guzzoni, su largometraje “La Colorina”,

dirigido a los 22 años pero estrenado a los

25, lo llevo a obtener el premio a la mejor

película en el Festival de Trieste de Italia, y

el premio al Mejor Director del Foro Chileno

en SANFIC 2008. Guzzoni también estrenó

este año, en el Festival Internacional de

Cine de Valdivia (FICV), el largometraje

“Carne de Perro”, con solo 29 años.

Así como Marialy Rivas, Fernando Guzzoni,

Quentin Tarantino y, el mítico Orson Welles,

tantos otros directores jóvenes han logrado

éxito y reconocimiento por su visión

cinematográfica.

Algo que nace del talento más que de la

experiencia, como lo han comprobado estos

jóvenes directores. Por lo mismo es tan

importante prestarles atención desde el

comienzo de sus carreras y darles el espacio

que se han ganado con el talento

cinematográfico que tienen.

A diferencia de todos los obstáculos y

dificultades que se le impusieron a Orson

Welles durante toda su carrera, aunque de

todas formas logró tener una filmografía llena

de éxitos y de referencias históricas para

futuras generaciones de cineastas.

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CRÍTICA DVD.

“J'ai tué ma mère”, Maté a mis fantasmas.

A partir de la adolescencia se

dice que comienza un

conflicto con el mundo y

esencialmente con los

padres. El título de esta

película refleja claramente la

impulsividad adolescente y el

tipo de odio adolescente

particular que representa

Xavier Dolan en esta película

como director y actor

protagónico.

La delicadeza juvenil, el guión escrito a los 16 años y la realización dirigida

por la efervescencia de un Xavier pocos años después. Retrata

perfectamente y logra transmitir el sentimiento juvenil, la fantasía envuelta

en la impulsividad de una juventud que al ser cada vez más independiente y

tener inspiraciones a flor de piel, son capaces de ordenar el talento y

desarrollar tan buenas obras como lo hizo Dolan en este comienzo.

Ver y volver a ver esta película vale la pena, la exploración de una

tormentosa relación madre e hijo y las fantasías de odio interno que

transcritas en imágenes nos ayudan a comprender una mente adolescente,

creativa y por sobre todo sufrida. El conflicto que puede ser representado

como común, simple y demasiado visto, bajo el marco de una estructura y

forma artística de representación nos lleva a ahondar en lo profundo del

sentir de este adolescente que sólo busca la estabilidad emocional, la

felicidad y en el fondo la de su pequeña y destruida familia representada por

su figura más odiada y más amada a la vez. Su madre.

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Festival Cine B

Por Javiera Urbina

Este año se realizó la quinta versión del festival de Cine B que nuevamente reunió

a grandes talentos del cine nacional independiente, películas que son realizadas

con bajo presupuesto, con pocos días de grabación y generalmente sin rostros

reconocidos entre sus actores. Por esta misma razón son rechazadas por las

distribuidoras y discriminadas por otros festivales al no tener un formato cine.

Este viernes fue la ceremonia de premiación por distintas categorías, la gran

ganadora de la noche fue DONDE VUELAN LOS CÓNDORES de Carlos Klein,

documental que trata sobre el encuentro de dos cineastas filmando una película.

Otras categorías ganadoras fueron:

Proyectos:

SIN CHAPA ADRIANA de Lissette Orozco Ortiz.

ODISEA de Carlos Araya.

SI ME CAIGO de Rocío Monasterio.

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Competencia de Video Clip

Mención Honrosa: EL REFUGIO ES SUAVE de Lucas Benavente

Ganador: ¿CÓMO PUEDER VIVIR CONTIGO MISMO? De Alex Anwandter

Competencia Corto Extranjero:

Mención Honrosa: PUDE VER UN PUMA de Eduardo Williams, de Argentina

Ganador: INFINITO de André Santos y Marco Leao, de Portugal

Competencia Largo Extranjero:

Ganador: ELECTRICK CHILDREN de Rebecca Thomas.

Competencia Corto Chileno:

Mención Honrosa: NO HAY PAN de Macarena Monros

Ganador: SAN JUAN, LA NOCHE MAS LARGA de Claudia Huaiquimilla

Competencia Cine en Movimiento:

VENIAN A BUSCARME de Álvaro de la Barra.

RAIZ de Matías Rojas Valencia

EL CORDERO de Juan Francisco Olea (Libélula)

VENTANA de Rodrigo Susarte (Libélula)

Competencia Largo Chileno:

Mejor Diseño Sonoro: EL CIRCUITO DE ROMAN

Mejor Visualidad: EL CIRCUITO DE ROMAN

Mejor Elenco: LAS COSAS COMO SON

Mejor Dirección: María Paz Gonzalez por HIJA

Premio Del Público Lomo: ISIDORA de Nicolás Superby y Christián Aylwin.

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