Revista AD

irving penn: ArTe + Glamour

MUSAC: el MUSeo + preMiAdode eSpAñA

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grAffiTi: ¿ArT CriMe?

N5

Distribución Gratuita Prohibida su VentaOctubre 2009

2 ARTE ARQUITECTURA Y DISEÑO Octubre 2009

EDITORIALConCepto y Color en el hemisferio norte

orgullosamente les queremos presentar la 5ª edición de AD. Una revista que mes a mes espera entregarles a los pasajeros de lAn Chile lo mejor del arte, arquitectura y diseño internacional.

nuestro equipo ha trabajado para que ustedes se empapen y naden en esta piscina de novedades que nos ofrece el medio artístico de estados Unidos y europa, que viene cargado de concepto, glamour, minimalismo y color.

¡esperamos que se refresquen!

INDICEnoVeDADes eDitoriAlesArq / Art / Diseño.

eXposiCiones y ChArlAsArq / Art / Diseño.

toyo itoArq / Ampliacion de la fira de Barcelona.

mUsACArq / el museo mas premiado de todos.

B/Nfotografia más glamour

DemiAn hirstArt / el niño terrible de londres.

GrAffiti Art CrimeArt / Un nuevo arte se toma las calles de las grandes ciudades.

DUrAlmonDDiseño / lo ultimo en diseño de ambientes y decoracion.

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eqUipo eDitoriAlMARIA LuIsA MIRA

MATIAs CAsANAVE

ARTE ARQUITECTURA Y DISEÑOOctubre 2009 3

EXPOsICIONEs / CHARLAsNOVEDADEs EDITORIALEs

JusT FOR YOu / PABLO CORREAJust for you recopila numerosas piezas e historias de diseñadores, ilustradores y artistas de todo el mundo, que muestran por primera vez sus obras más íntimas. El libro recoge distintas formas de expresión con las que decir “Te Quiero” de una manera visual, mediante objetos, tarjetas, logos, posters, graffitis, fotos e ilustraciones. Estas páginas reflejan el trabajo más personal de cada uno de los participantes; una colección de obras que son resultado del amor y no de fines comerciales supeditados a marcas o clientes.

Editorial: Index Books / Encuadernación en tela. / Formato: 21 x 25 cm. / 300 páginas / dioma: Castellano. / $ 39.000

LOs CuADERNOs / RiChARd BREREtOnÍnfimos y a menudo ocultos, los cuadernos de bocetos ofrecen una reveladora visión del funcionamiento interno y la inspiración privada del mundo de la publicidad, el diseño gráfico y la moda, el arte, el arte de la calle y la ilustración. Dichos cuadernos documentan la fuente de inspiración así como el camino hasta la ejecución final. Presentan las ideas y cómo éstas evolucionan y cambian para transformarse en obras consumadas. Frescos y espontáneos, su estilo conecta directamente con las tendencias actuales de la ilustración.

Este libro muestra los cuadernos de bocetos de un gran número de creativos de todo el mundo, procedentes de varios campos distintos y que utilizan diversos estilos.

Editorial: Blume / Nª de páginas: 240 / Formato: 26.5 x 18.8 cm /Tapa dura / Español /$ 36.800

sOsTENIbLE / ARis shERinCada vez más, los clientes -incluso si se trata de una multinacional o de un artista superventas- están exigiendo a los diseñadores que les brinden soluciones de diseño que sean respetuosas con el medioambiente y comprometidas con la sociedad. La sostenibilidad ya no se considera tan sólo una ventaja añadida de algunos proyectos y el interés que sucita está motivado por criterios tanto económicos como éticos. Gracias a las innovaciones que se han producido en lo tocante a los materiales y los procesos de producción, hoy en día el compromiso ecológico y social del diseño gráfico no tiene por qué comprometer su estética ni tiene por qué ser más caro.

Editorial: Gustavo Gili / Nº páginas: 192 / Formato: 26 x 17.5 cm / Español /$ 28.800

ATLAs DEL ARTE / OniAns una perspectiva completamente nueva de la historia del arte. La primera obra en cartografiar el arte de todo el mundo, desde la prehistoria hasta la actualidad. Muestra como la geografía física y política ha definido el desarrollo artístico. En lugar de sencillamente mostrar el lugar y la época en la que vivieron y trabajaron los grandes artistas, o bien dónde se desarrollaron los estilos más destacados, se analiza el motivo por el que ocurrieron los diferentes fenómenos artísticos. Ello se consigue proporcionando información no solamente sobre el contexto político, religioso, económico y cultural, sino también sobre las circunstancias naturales que rodearon la aparición de las diversas modalidades artísticas. Organizado en siete períodos cronológicos y con aportaciones de más de 68 especialistas internacionales líderes en la materia, este atlas es original, de fácil comprensión y está totalmente actualizado. una obra de referencia para muchos años.

Editorial: Blume / Nº páginas: 350 pág./ Formato: 35 x 26 cms. / Español / $ 36.800

bIOCLIMATIC ARCHITECTuRE Bioclimatic Architecture es una extraordinaria colección de diferentes proyectos de arquitectura sostenible. Monsa explora la línea crítica entre cómo construimos y el entorno natural con una combinación de arquitectos versados en la arquitectura sostenible y proyectos de arquitectos emergentes. básicamente, el diseño sostenible consiste en cómo utilizamos la energía disponible, los materiales constructivos, el agua y las ventilaciones de manera que sean acertados para el confort del ser humano sin ser necesariamente dañinos con el medio ambiente y, por supuesto, que mantengan una imagen contemporánea de la arquitectura moderna.

Editorial Monsa / Nº páginas: 240 / Formato: 24 x 29 cm. / Tapa dura y caja / Español / $ 52.800


EXPOsICIONEs / CHARLAs

TuRNER DE CARA A LOs MAEsTROsPaís InglaterraPrecio: £ 5 Día: 16 de OctubreHora: 13.00 – 14.00Lugar: Tate Modern Museum, Londres

El 16 de Octubre de 2009 de 13.00 a 14.00 David solkin profesor del Courtland Institute of Art, autor del libro “Turner and the Masters”, y uno de los máximos exponentes de la Historia del Arte británica, dará una charla sobre la obsesión de Turner por superar a sus maestros.

Desde sus comienzos artísticos, este artista respondió con entusiasmo a la invitación que hacía la Royal Academy of Arts londinense a los pintores británicos para que tratasen de medirse con los grandes artistas extranjeros de siglos anteriores, práctica fomentada por los propios coleccionistas ingleses. El primer ejemplo en el caso de Turner se remonta a 1801, cuando presentó a la exposición de ese año en la Academia una marina titulada “barcos holandeses en una galerna”, claramente inspirada por un cuadro de Willem van de Velde de 1672, aunque mucho más dramática en su ejecución. Entre los artistas con los que Turner quiso competir ocupa un lugar especial, según explicó solkin, Claudio Lorena, a quien consideraba el más grande paisajista de la historia y por cuyas creaciones llegó a sentirse incluso intimidado en un principio. Al igual que un siglo después, Cézanne dijo de Poussin que había que “rehacerle partiendo de la naturaleza”, Turner aceptó el desafío que presentaba para él Claudio Lorena en una serie de obras que se expondrán en la Tate junto a las del francés y que facilitarán la comparación entre ambos artistas.

CONCuRsO DE DIsEÑO GRÁFICO

País: Chile Incio: Mayo de 2009Cierre: Octubre 2009Premios: desde $ 1.500.000 a $ 500.000

La Comisión Asesora Presidencial bicentenario en conjunto con Casa de Moneda de Chile, convocan para el año 2009, a todos los ciudadanos y ciudadanas del país a participar del Concurso Medalla del bicentenario Chile 2010. El objetivo que es que los talentos, muchas veces ocultos de nuestro país, se animen a participar diseñando la que será la medalla de nuestro bicentenario.

Pueden participar todas las personas naturales de nacionalidad chilena o extranjeros residentes en el país. Los trabajos deben ser originales e inéditos y que no se encuentren cedidos a terceras personas.

El tema para el dibujo son los personajes, símbolos y hechos históricos alusivos a los 200 años de vida republicana en Chile y deben ser presentados al carbón, o a color.

Los dibujos deben presentarse en un documento de papel encartonado, formato A4, considerando que la medalla tendrá forma rectangular en sentido horizontal, además de presentar los diseños en CD-ROM con la versión digitalizada de los mismos.

Más info. en www.medallabicentenario.cl

XII bIENAL ARQuITECTuRA buENOs AIREsPaís: Argentina Días: 3 al 12 de octubre de 2009Entrada Liberada Lugar:Centro Cultural Recoleta Ubicación: Junín 1930, Buenos Aires

Con una trayectoria indiscutible, la XII bienal reunirá durante diez días y en un mismo ámbito, la actividad académica internacional y la exhibición de obras de arquitectura tanto locales como internacionales, convirtiendo a la ciudad de buenos Aires en el eje de la arquitectura mundial, con honda repercusión internacional.

Desde 1985, es uno de los foros de comunicación más importantes, destinado a facilitar encuentros e intercambios entre profesionales de todas partes del mundo. Como en las ediciones anteriores la bienal convocó a arquitectos, críticos y teóricos de diferentes países y de la Argentina.

Invitados Internacionales: Trevor boddy (Canadá) Rinni brutomesso (Italia), Lucena betancour (Colombia), Julio Cuaresma (Portugal), Alberto Campo (España), etc.

“CIP TALks 2009” ARQuITECTuRA

Charla de Arquitectura / Zagreb, CroasiaPrecio: Entrada LiberadaDías: del 15 al 31 de OctubreLugar: Trgbana 3/1, 10000 Zagreb

Durante las dos últimas semanas de octubre, en Zagreb, Croacia se reunirán expertos relacionados al mundo de la arquitectura en el marco de las “CIP Talks 2009”, organizadas por la revista CIP. El evento contará con la participación de arquitectos de renombre entre los que se encuentran: Mauricio Pezo, sofía Von Ellrichshausen (PVE), Jan Neutelings (Neutelings & Riedjik), Mark Lee (Johnston & Mark Lee), shohei shigematsu (OMA), Carmen Pinós, Arnaud billard (Transolar), Mikkel Frost (CEbRA), studio up (ganadores del premio MvE a arquitectos emergentes) y muchos más.

Este evento coincide con la Trienal de Arquitectura de Croacia, el lanzamiento del sitio de arquitectura local Pogledaj.to, el lanzamiento de un nuevo libro sobre arquitectura Croata y la inauguración de un nuevo pabellón en el centro de la ciudad. Es decir, una intensa dosis de arquitectura.

EVENTO

CONCuRsO

CHARLA 2

CHARLA 1

}

nacido en seúl (Corea) durante el periodo de intervención japonesa, se graduó de la Universidad nacional de tokio (Japón) en 1965. trabajó durante 4 años en la oficia de Kiyonori Kikutake Arquitectos y Asociados, más tarde abre su propia oficina llamada “Urbot” (Urban robot) en 1971, en tokio. en 1979, el estudio cambia su nombre al de toyo ito & Arquitectos y Asociados. Con el cambio inicia un periodo de expansión y difusión internacional, que aparte de todo tipo de galardones y premios, le ha llevado a realizar proyectos en todo el mundo.

toyo ito es uno de los arquitectos contemporáneos de mayor éxito. sus edificios pueblan ciudades de medio mundo, desde su Japón natal hasta el último rincón de occidente. sin embargo, no ha sido hasta hace poco que se ha materializado su matrimonio con españa y más concretamente Barcelona, donde son varios los proyectos ya finalizados o que tiene en proceso de construcción. ito es conocido por las concepciones extremadamente creativas que aplica a sus edificios, en los que busca fundir los mundos físico y virtual.

el arquitecto japonés ha realizado en Barcelona una extensa serie de proyectos como la ampliación del recinto de Gran Via de fira de Barcelona, que incluye el nuevo vestíbulo de acceso, los pabellones 1, 5, 7 y 8, la pasarela que recorre y enlaza todos los edificios del complejo, el auditorio y las torres porta fira en la plaza europa.

PROYECTO AMPLIACIóN DE LA FIRA DE bARCELONAla creciente necesidad de conocer, estar al día y divulgar las innovaciones que se dan en todos los ámbitos del consumo, ha impulsado el crecimiento de aquellos predios feriales que son soporte de esas muestras. en el caso de fira de Barcelona, la firma que posee la explotación de las instalaciones de exhibición con que cuenta esa ciudad, se suma a ese fenómeno mundial la particularidad de su perfil como ciudad de negocios facilitada por su localización estratégica, las excelentes comunicaciones y su tradición industrial.

se estima que el impacto económico de la actividad ferial sobre la ciudad y su entorno metropolitano supera los mil millones de euros al año. De hecho, el 70 por ciento de las muestras que se realizan en españa, se hacen en sus instalaciones. Además de organizar Construmat, la exposición de la construcción que se presenta cada 2 años y que en la edición 2003 contó con 270.000 visitantes provenientes de 49 países, fira de Barcelona realiza cada año más de 60 ferias (alimentos, náutica, automóviles, informática y hotelería, entre otros) que convocan a tres millones de visitantes.

Con objeto de dar cabida al incremento de esa demanda, Fira de barcelona llamó a un concurso internacional de ideas para extender el predio de la feria que actualmente se emplaza, por una parte, al pie del Montjuic y por otra, en el barrio de l´Hospitalet, donde se prevé realizar la ampliación. El concurso fue adjudicado el 28 de febrero último al proyecto presentado por el arquitecto japonés Toyo Ito.

El proyecto combina espectacularidad y respeto por el medio ambiente, y aprovecha con inteligencia los dos pabellones que funcionan en la actualidad, incorporando 4 pabellones más, un auditorio con capacidad para 2000 personas y estacionamiento para 7000 vehículos.

Toyo Ito planteó una arquitectura dinámica y ágil que tiene en cuenta los masivos desplazamientos que se producen en las ferias y las necesidades del público de encontrar información y relacionarse con otros. “La arquitectura -dice Ito- debe expresar visualmente el movimiento de los objetos, la gente, la información y la naturaleza misma.”

Por eso, las formas orgánicas y el uso de la energía natural son elementos distintivos del diseño del arquitecto japonés, que parece haber puesto en esta ocasión un especial énfasis en evitar caer en los clásicos recintos feriales planos.

Hay en el conjunto ferial un fuerte deseo de hacer uso racional de la energía y reducir los impactos medioambientales del proyecto. se

prevé la utilización de difusores individuales debajo de los asientos del auditorio y tubos refrigerantes en cada stand con objeto de acotar el uso energético. El agua subterránea se usará como refrigerante, para regar los jardines y en los sanitarios del complejo. El edificio de servicios corporativos utilizará la energía solar como fuente de calor; y la torre del hotel abastecerá la demanda de agua caliente mediante colectores solares ubicados en el tejado.

Fachada hotel Suites Avenue, paseo de Grácia, Barcelona.

Toyo iToNuEVA ARQuITECTuRA


}

nacido en seúl (Corea) durante el periodo de intervención japonesa, se graduó de la Universidad nacional de tokio (Japón) en 1965. trabajó durante 4 años en la oficia de Kiyonori Kikutake Arquitectos y Asociados, más tarde abre su propia oficina llamada “Urbot” (Urban robot) en 1971, en tokio. en 1979, el estudio cambia su nombre al de toyo ito & Arquitectos y Asociados. Con el cambio inicia un periodo de expansión y difusión internacional, que aparte de todo tipo de galardones y premios, le ha llevado a realizar proyectos en todo el mundo.

toyo ito es uno de los arquitectos contemporáneos de mayor éxito. sus edificios pueblan ciudades de medio mundo, desde su Japón natal hasta el último rincón de occidente. sin embargo, no ha sido hasta hace poco que se ha materializado su matrimonio con españa y más concretamente Barcelona, donde son varios los proyectos ya finalizados o que tiene en proceso de construcción. ito es conocido por las concepciones extremadamente creativas que aplica a sus edificios, en los que busca fundir los mundos físico y virtual.

el arquitecto japonés ha realizado en Barcelona una extensa serie de proyectos como la ampliación del recinto de Gran Via de fira de Barcelona, que incluye el nuevo vestíbulo de acceso, los pabellones 1, 5, 7 y 8, la pasarela que recorre y enlaza todos los edificios del complejo, el auditorio y las torres porta fira en la plaza europa.

PROYECTO AMPLIACIóN DE LA FIRA DE bARCELONAla creciente necesidad de conocer, estar al día y divulgar las innovaciones que se dan en todos los ámbitos del consumo, ha impulsado el crecimiento de aquellos predios feriales que son soporte de esas muestras. en el caso de fira de Barcelona, la firma que posee la explotación de las instalaciones de exhibición con que cuenta esa ciudad, se suma a ese fenómeno mundial la particularidad de su perfil como ciudad de negocios facilitada por su localización estratégica, las excelentes comunicaciones y su tradición industrial.

se estima que el impacto económico de la actividad ferial sobre la ciudad y su entorno metropolitano supera los mil millones de euros al año. De hecho, el 70 por ciento de las muestras que se realizan en españa, se hacen en sus instalaciones. Además de organizar Construmat, la exposición de la construcción que se presenta cada 2 años y que en la edición 2003 contó con 270.000 visitantes provenientes de 49 países, fira de Barcelona realiza cada año más de 60 ferias (alimentos, náutica, automóviles, informática y hotelería, entre otros) que convocan a tres millones de visitantes.

Con objeto de dar cabida al incremento de esa demanda, Fira de barcelona llamó a un concurso internacional de ideas para extender el predio de la feria que actualmente se emplaza, por una parte, al pie del Montjuic y por otra, en el barrio de l´Hospitalet, donde se prevé realizar la ampliación. El concurso fue adjudicado el 28 de febrero último al proyecto presentado por el arquitecto japonés Toyo Ito.

El proyecto combina espectacularidad y respeto por el medio ambiente, y aprovecha con inteligencia los dos pabellones que funcionan en la actualidad, incorporando 4 pabellones más, un auditorio con capacidad para 2000 personas y estacionamiento para 7000 vehículos.

Toyo Ito planteó una arquitectura dinámica y ágil que tiene en cuenta los masivos desplazamientos que se producen en las ferias y las necesidades del público de encontrar información y relacionarse con otros. “La arquitectura -dice Ito- debe expresar visualmente el movimiento de los objetos, la gente, la información y la naturaleza misma.”

Por eso, las formas orgánicas y el uso de la energía natural son elementos distintivos del diseño del arquitecto japonés, que parece haber puesto en esta ocasión un especial énfasis en evitar caer en los clásicos recintos feriales planos.

Hay en el conjunto ferial un fuerte deseo de hacer uso racional de la energía y reducir los impactos medioambientales del proyecto. se

prevé la utilización de difusores individuales debajo de los asientos del auditorio y tubos refrigerantes en cada stand con objeto de acotar el uso energético. El agua subterránea se usará como refrigerante, para regar los jardines y en los sanitarios del complejo. El edificio de servicios corporativos utilizará la energía solar como fuente de calor; y la torre del hotel abastecerá la demanda de agua caliente mediante colectores solares ubicados en el tejado.

Fachada hotel Suites Avenue, paseo de Grácia, Barcelona.

Toyo iToNuEVA ARQuITECTuRA


ARQuITECTuRA ARQuITECTuRA

MUSAC: el MUSeo + preMiAdo de eSpAñA

La arquitectura del MusAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, es ya uno de los proyectos con mayor reconocimiento internacional gracias a la concesión en 2007 del Premio Mies Van der Rohe de Arquitectura Contemporánea de la unión Europea 2007, la participación en la exposición On-site: New Architecture in spain, que el MOMA de Nueva York dedicó en 2006 a los proyectos arquitectónicos recientes más destacados en España; o la representación española en la bienal de Arquitectura de Venecia de 2004.

Tres años de trabajo y 33 millones de euros de inversión han dado como resultado el espectacular edificio que alberga la sede del MusAC, ubicado en la ciudad del León. Los arquitectos madrileños Emilio Tuñón y Luis Moreno Mansilla –ganadores del Premio de Arquitectura Española 2003 han proyectado la sede de este museo como una gran superficie para la cultura, un sistema expresivo a base de espacios continuos diversificados que trata de enfatizar el interés que comparten el arte y la arquitectura por la expresión contemporánea Diseñado por los arquitectos Emilio Tuñón y Luis M. Mansilla, autores de edificios emblemáticos como el Museo de bellas Artes de Castellón, el Museo de Zamora, el Museo de Cantabria –en proceso o el Auditorio Ciudad de León, por el que fueron galardonados con el Premio Arquitectura Española 2003, el MusAC se ubica en una zona residencial al Oeste de la ciudad de León.

“El MusAC es un nuevo espacio para la cultura, entendida esta como aquello que hace visibles los vínculos entre los hombres y la naturaleza. un conjunto de salas de exposiciones autónomas y encadenadas permite realizar exposiciones de diferentes tamaños y características; cada sala, de forma quebrada, construye un espacio continuo, pero diferenciado espacialmente, que se abre a las otras salas y patios, propiciando visiones longitudinales, transversales y diagonales. Quinientas vigas prefabricadas cierran unos espacios caracterizados por la repetición sistemática y la expresividad formal.

Al exterior, el espacio público adquiere una forma cóncava para acoger las actividades y encuentros, recogido por grandes vidrios de colores, siendo el lugar donde se rinde homenaje a la cuidad como espacio de relación entre las personas. En su interior, una gran superficie de espacios continuos pero distintos, salpicados de patios y grandes lucernarios, da forma a un sistema expresivo

LA OFICINA DE ARQuITECTOs DE EMILIO TuÑóN Y LuIs MANsILLA HAN GANADO MÁs DE 10 PREMIOs ENTRE 1996 Y EL 2008. ENTRE ELLOs sE ENCuENTRA EL PREMIO NACIONAL DE ARQuITECTuRA EsPAÑOLA EL 2003

que nos habla del interés que comparten la arquitectura y el arte: la manifestación contemporánea de lo variable y lo perenne, de lo igual y lo distinto, de lo universal y lo transitorio, como un eco de nuestra propia diversidad e igualdad como personas.

En su extensión, como un edificio de una sola planta construido con muros de hormigón blanco y grandes vidrios de colores al exterior, el MusAC quiere ser un espacio donde el arte se sienta cómodo y ayude a borrar las fronteras entre lo privado y lo público, entre el ocio y el trabajo y, en definitiva, entre el arte y la vida”.

En 1992 Emilio Tuñón Álvarez (1958) y Luis M. Mansilla (1959) fundan la oficina MANSILLA + TUÑÓN ARQUITECTOS, galardonada con el PREMIO MIES VAN DER ROHE 2007 (Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea), Premio Nacional de Arquitectura Española 2003, Premio FAD 2001.

Emilio Tuñón y Luis M. Mansilla son profesores titulares del departamento de proyectos arquitectónicos de la Escuela de Arquitectura de Madrid. Han sido profesores en numerosas universidades, entre las que se pueden destacar la Graduate School of Design de Harvard, Ecole Polytechnique Fédérale de Lausanne, la Nueva Escuela de Arquitectura de Puerto Rico y la Städelschule de Frankfurt. Actualmente, dan clase en la School of Architecture de Princeton University.


ARQuITECTuRA ARQuITECTuRA

MUSAC: el MUSeo + preMiAdo de eSpAñA

La arquitectura del MusAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, es ya uno de los proyectos con mayor reconocimiento internacional gracias a la concesión en 2007 del Premio Mies Van der Rohe de Arquitectura Contemporánea de la unión Europea 2007, la participación en la exposición On-site: New Architecture in spain, que el MOMA de Nueva York dedicó en 2006 a los proyectos arquitectónicos recientes más destacados en España; o la representación española en la bienal de Arquitectura de Venecia de 2004.

Tres años de trabajo y 33 millones de euros de inversión han dado como resultado el espectacular edificio que alberga la sede del MusAC, ubicado en la ciudad del León. Los arquitectos madrileños Emilio Tuñón y Luis Moreno Mansilla –ganadores del Premio de Arquitectura Española 2003 han proyectado la sede de este museo como una gran superficie para la cultura, un sistema expresivo a base de espacios continuos diversificados que trata de enfatizar el interés que comparten el arte y la arquitectura por la expresión contemporánea Diseñado por los arquitectos Emilio Tuñón y Luis M. Mansilla, autores de edificios emblemáticos como el Museo de bellas Artes de Castellón, el Museo de Zamora, el Museo de Cantabria –en proceso o el Auditorio Ciudad de León, por el que fueron galardonados con el Premio Arquitectura Española 2003, el MusAC se ubica en una zona residencial al Oeste de la ciudad de León.

“El MusAC es un nuevo espacio para la cultura, entendida esta como aquello que hace visibles los vínculos entre los hombres y la naturaleza. un conjunto de salas de exposiciones autónomas y encadenadas permite realizar exposiciones de diferentes tamaños y características; cada sala, de forma quebrada, construye un espacio continuo, pero diferenciado espacialmente, que se abre a las otras salas y patios, propiciando visiones longitudinales, transversales y diagonales. Quinientas vigas prefabricadas cierran unos espacios caracterizados por la repetición sistemática y la expresividad formal.

Al exterior, el espacio público adquiere una forma cóncava para acoger las actividades y encuentros, recogido por grandes vidrios de colores, siendo el lugar donde se rinde homenaje a la cuidad como espacio de relación entre las personas. En su interior, una gran superficie de espacios continuos pero distintos, salpicados de patios y grandes lucernarios, da forma a un sistema expresivo

LA OFICINA DE ARQuITECTOs DE EMILIO TuÑóN Y LuIs MANsILLA HAN GANADO MÁs DE 10 PREMIOs ENTRE 1996 Y EL 2008. ENTRE ELLOs sE ENCuENTRA EL PREMIO NACIONAL DE ARQuITECTuRA EsPAÑOLA EL 2003

que nos habla del interés que comparten la arquitectura y el arte: la manifestación contemporánea de lo variable y lo perenne, de lo igual y lo distinto, de lo universal y lo transitorio, como un eco de nuestra propia diversidad e igualdad como personas.

En su extensión, como un edificio de una sola planta construido con muros de hormigón blanco y grandes vidrios de colores al exterior, el MusAC quiere ser un espacio donde el arte se sienta cómodo y ayude a borrar las fronteras entre lo privado y lo público, entre el ocio y el trabajo y, en definitiva, entre el arte y la vida”.

En 1992 Emilio Tuñón Álvarez (1958) y Luis M. Mansilla (1959) fundan la oficina MANSILLA + TUÑÓN ARQUITECTOS, galardonada con el PREMIO MIES VAN DER ROHE 2007 (Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea), Premio Nacional de Arquitectura Española 2003, Premio FAD 2001.

Emilio Tuñón y Luis M. Mansilla son profesores titulares del departamento de proyectos arquitectónicos de la Escuela de Arquitectura de Madrid. Han sido profesores en numerosas universidades, entre las que se pueden destacar la Graduate School of Design de Harvard, Ecole Polytechnique Fédérale de Lausanne, la Nueva Escuela de Arquitectura de Puerto Rico y la Städelschule de Frankfurt. Actualmente, dan clase en la School of Architecture de Princeton University.


b/N • FOTOGRAFÍA

Irving Penn, uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX, murió ayer en su departamento de Manhattan, a los 92 años. La causa de su fallecimiento no ha sido determinada, señaló su hermano, el cineasta Arthur Penn (bonnie & Clyde). su refinamiento clásico (claridad y economía de encuadres) fue aclamado tanto en la revista Vogue, para la que trabajó desde 1943, como en exposiciones en el MoMA y el Metropolitan de Nueva York.

En Cannes, durante 1957, plasmó uno de sus mejores retratos. Gracias a una dramática iluminación, captó a la perfección la personalidad de Pablo Picasso. En la toma, centrada en la intensa mirada de uno de los ojos del artista, el padre del cubismo asemeja un exótico cíclope, vestido con capa de torero y uno de los sombreros de su colección. La sesión fue una lucha titánica contra el ego de Picasso, quien provocaba al fotógrafo prácticamente escondiéndose del lente entre su ropa.

En 1947, comenzó a fotografiar sentados y en espacios minimalistas a artistas, personalidades habituadas a tener el control de su imagen. El primero fue salvador Dalí, conocido por dominar a los fotógrafos. ¿El resultado? un Dalí sumiso, sentado en un espacio vacío, con fragmentos ajados de telas detrás, mirando tranquilo al fotógrafo. un año después, Penn construyó en su estudio un pequeño espacio de paredes móviles que utilizaba para dar un ambiente íntimo a sus retratos en blanco y negro. Le gustaba arrinconar a sus modelos sobre un fondo gris para lograr un efecto de vulnerabilidad.

Ahí capturó a Ts Eliot, Truman Capote, simone de beauvoir, Marcel Duchamp, Jean Cocteau, Igor stravinsky, Francis bacon, Arthur Miller, Tennessee Williams, Woody Allen o Ingmar bergman. La lista es infinita.

Precisamente, de visita en Nueva York, el fotógrafo Luis Poirot se declara un admirador de Penn: “Todos los fotógrafos de retratos están en deuda con él. Lo conocí en revistas, el año 64. Al principio lo copié descaradamente. Luego fui encontrando

CoMbinACión de ArTe + Glamour

Irving Penn, fotógrafo:


b/N • FOTOGRAFÍA

mi propio camino. Lo que más respeto de él es la coherencia en la mirada de sus retratos. Penn y Richard Avedon fueron los grandes retratistas del siglo XX. Ya no queda ninguno de esa calidad. Justo en este viaje estuve mirando sus fotos originales en Christie´s, donde hoy habrá una venta de varios de sus retratos. son increíbles. Parten de los 15 mil dólares, así que estoy viendo qué banco asalto para llevarme una”.

DE CHIRICO, DE COMPRADurante la segunda Guerra Mundial, Penn se ofreció como voluntario para conducir una ambulancia en Italia, donde tuvo la oportunidad de contactarse con la cultura europea. Al llegar a Roma en 1944, vio al pintor Giorgio de Chirico, con una bolsa de compras en los brazos, dirigiéndose a su casa desde un mercado. “Corrí y lo abracé”, recordó Penn en su libro antológico Passage, de 1991. “Me dijo, ven a casa y almuerza con nosotros. Durante dos días me mostró Roma”. En esas 48 horas, Penn hizo su primer retrato en blanco y negro, el inicio de lo que sería su célebre archivo con los principales artistas y escritores de la segunda mitad del siglo XX. A fines de los 60, también comenzó a usar sus fondos neutros con guerreros de Nueva Guinea, mujeres indígenas de Camerún y hippies y motoristas de California. “Fotografiar una torta puede llegar a ser arte”, solía sentenciar Penn.

su bIOGRAFÍAEstudió diseño en la Escuela de Artes Industriales del Museo de Filadelfia, de la cual egresó en 1938. su profesor fue el fotógrafo Alexey brodovitch, quien más tarde sería su colega en la revista Harper’s bazaar. Luego viajó a México, donde se dedicó a la pintura durante un año.

sus dibujos fueron publicados en Harper’s bazaar. su primera labor en la revista Vogue fue como ayudante del artista Alexander Liberman. En 1943, comenzó a trabajar como diseñador de portadas.

Después de la segunda Guerra Mundial, Penn adquirió fama por sus elegantes y glamorosos retratos femeninos publicados en Vogue. En sus fotografías, el sujeto solía posar ante un sencillo fondo blanco o gris, usando la simplicidad más efectivamente que otros fotógrafos de la época.

En 1950, se casó con la modelo Lisa Fonssagrives, con quien tuvo un hijo llamado Tom. Tres años después, fundó su estudio fotográfico.

Recibió el premio Hasselblad en 1985, y dos años más tarde fue galardonado con el Premio de Cultura de la Asociación Alemana de Fotografía.Publicó diversos libros, incluyendo The astronomers plan a voyage to Earth (1999) y Photographs of Dahomey (2004), además de exhibiciones de su obra

sus MINIMALIsTAs TOMAs DE PICAssO O TRuMAN CAPOTE sON EXHIbIDAs EN MusEOs Y CONsIDERADAs ICONOs. DEsDE LOs 40, TRAbAJó EN LA REVIsTA VOGuE Y REGIsTRó A LOs PRINCIPALEs ARTIsTAs Y EsCRITOREs DE LA sEGuNDA MITAD DEL sIGLO XX.

ARTEs VIsuALEs

Damien Hirst:

Demian Hirst nuevamente escandalizó al mundo del arte. Esta vez decidió saltarse todos los protocolos existentes y decidió rematar 223 de sus obras directamente y sin intermediarios. El acontecimiento es revolucionario, y una amenaza al papel tradicional de las galerías y los marchantes en la compraventa de arte contemporáneo. Nunca antes un autor había acudido directamente a la casa de subastas para ahorrarse el pago de comisiones que a veces llegan hasta el sesenta por ciento de la transacción, y si la práctica se consolida, será la ruina de muchos.

Pero sólo alguien con una enorme capacidad creativa (Hirst dispone de una cadena de montaje con un ejército de ciento veinte ayudantes que ejecutan sus ideas), una fama global y un grupo importante de coleccionistas multimillonarios podía realizar semejante maniobra (Jeff koons es mucho menos prolífico, y no digamos Lucian Freud, que según el crítico ben Hoyle “necesitaría varios siglos para producir doscientas obras”).

Hay dos teorías sobre por qué Damien Hirst se deshace ahora del grueso de su obra. La suya, la oficial, es que se trata de un gesto simbólico para pasar página en su carrera (tiene 43 años) y emprender una nueva vía (dicen que la pintura). Otra es la comercial, inspirada esencialmente en la ley del dinero, y según la cual los asesores financieros del artista - con su agente y contable Frank Dunphy a la cabeza- consideran que el valor de los tiburones y terneras conservados en formol ha tocado techo y es el momento de vender, antes de que los Abramovich y compañía trasladen su interés a otras cosas.

La operación es en cualquier caso arriesgada. La cifra estimada de recaudación oscila entre los 82 millones y los 114 millones de euros, y superarla incrementaría la reputación de Hirst y el valor de sus obras. Pero en una subasta puede pasar cualquier cosa, y el propio artista admite que por las noches se despierta con la pesadilla de que vayan pasando los lotes sin que nadie puje o con ofertas insustanciales, con lo cual su cotización caería por los suelos.

A subasta sale, de entre sus obras más conocidas, aquel famoso becerro de oro, un ternero conservado en formol cuya cabeza aparece coronada por un disco de dieciocho quilates, con pezuñas y cuernos también del precioso metal, por el que espera obtener entre doce y quince millones de euros. Otras piezas en teoría codiciadas son El reino, un tiburón tigre que flota en un tanque enmarcado en negro; El sueño, obra que consiste en un potro blanco con un largo cuerno acoplado para representar un unicornio, entre otras.

LOs AMOREs Y ODIOs DE HIRsTDamien Hirst es un gran admirador de Francis bacon que, según su propia confesión, buscó vías alternativas de expresión (como conservar animales en formol) al darse cuenta de que su pincel no tenía esa fuerza negra, pesimista y devastadora. se burla de los críticos convencionales ( “sólo consideran arte que les hagas un dibujo que se parezca a ellos”, dijo una vez) y saltó a la fama a principios de los noventa cuando el coleccionista Charles saatchi lo incorporó al grupo de los Young british Artists y le ofreció su galería para que desplegara su primer tiburón en conserva. Como suele decirse, el resto es historia, tanto del arte como del dinero.

Es en cierto modo paradójico que sea Damien Hirst quien amenace con destruir el entramado de galeristas y marchantes, cuando debe su fama y fortuna - lo mismo que Tracey Emin, sarah Lucas o Marc Quinn- al publicista Charles saatchi, que se comprometió a exponer y comprarle a precio de mercado toda su producción siendo un virtual desconocido. Cuando las ganancias comenzaron a ser millonarias, los enfrentamientos entre el marchante y el artista llevaron a la ruptura del tándem, y el enfant terrible del arte británico readquirió las obras que el empresario tenía en su colección particular sin que, no obstante, esta transacción afectase a las cotizaciones.

Hirst encabezó durante un tiempo el ranking de los artistas vivos más cotizados con una calavera cuajada de diamantes que se vendió - al menos eso señalan los libros de contabilidad- por 50 millones de libras a un consorcio anónimo. Es el ejemplo supremo de la extravagancia del artista, el molde de platino de una calavera humana del siglo XVIII recubierto con ocho mil seiscientos diamantes y bautizado Por el amor de Dios (For the love of God).Pero perdió ese cetro después de que diversas fuentes del mundo del arte británico asegurasen que el grupo de empresarios que compró la obra está integrado por el propio Hirst, su contable Frank Dunphy y los propietarios de las galerías donde regularmente exhibe en Londres y Nueva York (Jay Coplin y Larry Gagosian). The Art Newspaper y un libro del economista Don Thompson han llevado la iniciativa a la hora de desenmascarar la operación como un golpe publicitario de Hirst.

En el 2006 trascendió que una de sus obras más famosas, La imposibilidad de la mente de pensar la muerte,un tiburón conservado en formol propiedad del coleccionista norteamericano steve Cohen, se estaba pudriendo. su dueño pidió un escualo fresco de recambio. Detrás de los complejos y con frecuencia misteriosos negocios de Hirst se encuentra su contable, agente y mánager Frank Dunphy, un irlandés de setenta años que es como una figura paterna para el creador, el cerebro gris de su inagotable fábrica de dinero. Llevaba las cuentas de los acróbatas de un circo cuando Hirst le pidió ayuda a mediados de los noventa para resolver un problema fiscal. Entre ellos se estableció una relación personal que ha sobrevivido al tiempo y a la construcción de una gran

el niño Terrible de londreS


ARTEs VIsuALEs

MuCHÍsIMOs, CRÍTICOs bRITÁNICOs RIDICuLIZAN LA ObRA DE

HIRsT COMO uNA PERVERsIóN DEL ARTE Y A su AuTOR COMO uN

MATERIALIsTA EXTREMO CuYO ObJETIVO Es AMAsAR LA MAYOR

CANTIDAD DE DINERO LO ANTEs POsIbLE...

fortuna, y los amigos del artista dicen que Dunphy fue quien le persuadió para que abandonase los excesos con el alcohol y la cocaína, porque disminuía su capacidad creativa…, y de enriquecimiento. Para promocionar la subasta, ha organizado una agresiva campaña entre los oligarcas rusos y magnates de Oriente Medio con petrodólares que gastar a pesar de la crisis, e incluso ha llevado algunas de las obras a Nueva Delhi para tentar a los millonarios de ese mercado emergente. Aunque en un país donde las vacas son sagradas, un ternero embalsamado y metido dentro de un tanque de formol puede ocasionar algunos problemas, por mucho que tenga un cuerno de oro...

Dos centenares de piezas de Hirst permanecen sin perspectivas de venta en la galería londinense White Cube, que ejerce de marchante del autor desde hace más de una década. La culpa de tal fiasco no puede atribuirse al contexto de crisis económica, porque, incluso en estos tiempos que amenazan recesión, el mercado del arte se ha revelado como una inversión al alza.

Algunos observadores británicos apuntan a un cierto agotamiento de la figura de Damien Hirst (43 años), omnipresente en el panorama artístico con unas creaciones que empiezan a perder su capacidad de provocación. De ahí - señalan los escépticos- que haya decidido concentrarse en el mercado internacional.

+ dAMien

Se considera a Damien Hirst como el precursor del movimiento “young British artists”, un fenómeno de gran éxito internacional en los años 90 que situó Londres en el de la actividad artística. Nacido en Bristol en 1962, Hirst es tan admirado por unos, como denostado por otros y su obra es de las más polémicas.

El tema central del trabajo de Hirst ha sido una exploración de la mortalidad, un tema tradicional que ha puesto al día y ha ampliado con originalidad y fuerza. Muchas de sus obras consisten en animales muertos, cortados y conservados en formaldehído en grandes vitrinas.

Cuando presentó en una exposición una vaca muerta cortada en varios pedazos una obra titulada “El pequeño consuelo obtenido de aceptar la falsedad inherente que hay en todas las cosas”, Hirst declaró: “Quería que la gente se sintiera como una hamburguesa.”

“Quiero que mis obras hagan a la gente que piense sobre lo que normalmente no se para a pensar. Como el tabaco, el sexo, el amor, la vida, la publicidad, la muerte... Quiero que la gente se cuestione las cosas”.

El 2006 inauguró una de sus más célebres exposiciones “The physical imposibility of

death” en la que se mostraron animales como tiburones, ovejas, vacas, etc. en

cubos de formol.

“The virgin mother”, escultura de 10 metros de bronce. Pesa 13 toneladas. Año 2007.

el niño Terrible de londreS


De A poCo estA pintUrA se A iDo ApoDerADo De lAs GrAnDes

CApitAles Del mUnDo trAnsformánDolAs en VerDADeros

mUseos De Arte CAlleJro.

esta forma de expresión, nace en el año 1969, en la ciudad de pittsburg, ee.UU, con los escritores de graffiti Cornbread y top Cat, como también en nueva york, ee.UU, con los escritores (también se utiliza la palabra grafitero) Julio 204 y mico, e.o. por una costumbre errónea, se atribuyen los primeros signos de graffiti al escritor taki 183, quién fue entrevistado por el periódico the new york times, en el año 1971, convirtiéndose en el primer escritor de graffiti para la sociedad. fue la primera vez que este fenómeno nuevo estaba siendo publicado en un medio masivo.

los primeros escritores de graffiti, escribían sus nombres o sobrenombres junto al número de la calle donde vivían. Así por ejemplo con taki 183, el número 183, signifi caba el número de la calle en la cual vivía en el barrio de Washington heights en manhattan. rayar el nombre de cada uno era una forma de registrarse en toda la ciudad. esta idea adquirió enorme aceptación entre los jóvenes de barrios periféricos de nueva york como Brooklyn o el Bronx, más aun con la entrevista realizada a taki 183, por el new york times, los jóvenes notaban que eran escuchados por la sociedad al rayar sus nombres.

Con el aumento de jóvenes ávidos por rayar, los tag se hacían masivos y comenzaba una preocupación por la estética de ellos. se dedicaron a embellecerlas, para que estas no pasaran desapercibidas entre el revoltijo de pintadas que en esas fechas llenaban los vagones del metro y las paredes de la ciudad. los tag de los jóvenes, rápidamente se convirtieron en dibujos. los escritores desarrollaban su estilo de letra en base a los cánones de forma definidos por el alfabeto latino. Cuando todos los espacios estaban rayados, de tal manera que no se podía seguir rayando encima, empezó a surgir la necesidad de expandirse. se compite para marcar territorio y establecer una hegemonía frente a escritores o grupos de escritores rivales.

los grafiteros quieren dejar su registro de manera rápida, grande y única, por lo que prefieren el aerosol. otros materiales también ocupados son los lápices de cera, tiza, los autoadhesivos y cuchillos, con los cuales los escritores rayaban principalmente los vidrios.

frente a los ojos atónitos de la población, el graffiti avanzaba rápidamente hacia todas las líneas del sistema de tránsito de nueva york, las cuales eran la irt (interborough rapid transit), la Bmt (Brooklyn mass transit) y la inD (independet subway system). originalmente eran compañías de servicio que operaban independientemente, pero luego fueron operando bajo un nombre propio: la mtA (metropolitan transportation Authority). la razón de querer pintar los trenes, surge por la necesidad de estar presente en todos lados, de la forma más simple y para ser visto por la mayor cantidad de gente posible en forma gratuita.

Cruzar rieles de alto voltaje para pintar un tren o subirse a trenes en movimiento para pintarlos, entregaba la sensación de peligro a los escritores, lo cual se sumaba a la satisfacción de dejar un tag. Junto con los tag, los jóvenes realizaban también flop y piezas con su nombre. los trenes eran el objetivo principal para pintar, pero

pronto algunos jóvenes se dedicaron a pintar paredes y posteriormente cuadros. el cambio que significaba pintar una pared con permiso a rayar un tren de noche, significaba que el escritor podía expresar sus ideas de forma más tranquila. se crearon las primeras galerías de arte, con el fin de acercar esta expresión al transeúnte.

Cada vez más escritores de graffiti son invitados a exponer sus obras en galerías de arte. A mediados de los ´70, el graffiti, asociado con la emergente cultura hip hop de nueva york ya había cruzado el océano y se desarrollaba en europa. los diferentes graffiti son el resultado de una creación individual con motivaciones colectivas, de afirmación y propaganda de una identidad que a estas alturas ha trascendido las fronteras estadounidenses y se ha adueñado de las avenidas de las grandes ciudades europeas y latinoamericanas.

ArT CriMe

Qué Es EL GRAFFITTI

Para responder esto hay que preguntárselo a grafiteros que desarrollen esta disciplina.

El graffiti es acción, cultura popular, revuelta, improvisación y pura inspiración.

El graffiti no confirma un cierto orden social, político o económico.

Marcar una existencia, un camino, dejar parte de la vida y de los pensamientos en la ciudad...es sobre todo libre y cada pintor tiene sus propias razones para hacerlo. Más que nada poner tu nombre. si el lugar es complicado y de difícil acceso tiene un valor agregado.

Hacerte público de alguna manera y ganarte el respeto o reconocimiento por la calidad de tu trabajo entre tus amigos, es una expresión gráfica espontánea.

Pero lo que mas grato se siente es cuando una persona ajena a la cultura del graffiti que desconoce todos los conceptos de éste, aprecia y valora el graffiti. Creo que cuando logras eso estas haciendo graffiti, llamando la atención, que es lo medular. La necesidad de dar vida a un muro. No es un arte, el graffiti es graffiti. El arte nace en grandes academias llenas de reglas y corrientes que van a parar a subastas y museos. El graffiti nace de la necesidad de expresarse sin reglas, sin museos, sin vender pomadas.

Los stencil y el street art no se incluyen como parte del graffiti, al no pertenecer a esta cultura desde sus inicios y tener un significado por sobre todo de ironía política.

Por lo tanto tenemos a:

1. El tag. Es la firma del escritor.

2. El flop. son letras grandes y gorditas muy simples, con dos o más colores.

3. La pieza de graffiti es el nombre del escritor de una forma plástica mas elaborada. su realización toma algunas horas o varios días y es individual.

4. Las producciones es la unión de varias piezas.

La diferencia entre un mural y una producción se define por la técnica con la cuál se realiza. La producción de graffiti se realiza con la técnica del spray, siendo que en los últimos años en Chile, se ha implementado cada vez más el uso de esmaltes, látex, rodillos y pinceles. Es por eso que se comienza a denominar como Graffiti Mural a la mezcla entre spray y brochas, pinceles y látex.

Estas cuatro formas de hacer graffiti son claves para comenzar a entender el fenómeno. En ésta Investigación nombraremos al realizador de un graffiti como escritor de graffiti o grafitero.

Recordemos que estamos hablando de un arte por sobre todo ilegal cuando hablamos de tag o flop, pero también legal cuando hablamos de piezas y producciones.

Para muchos el graffiti proviene de una subcultura urbana llamada Hip Hop. El Hip Hop nace en la misma época que el graffiti y en el mismo lugar, los suburbios de Nueva York y Pittsburg, EE.uu en los ‘70.

Por definición el Hip Hop se compone de cuatro elementos principales: el Rap, el DJing, el breakdancing y el graffiti. Cada uno de estos elementos se ha desarrollado a través de los años normalmente de forma conjunta.


¿GRAFFITI Es ARTE O VANDALIsMO? esta pregunta caracteriza al graffiti en toda conversación. ¿Crea o destruye? es cuestión del punto de vista en que se mire. en realidad es éste el carácter que constituye su esencia: la ilegalidad.

Debemos dividir graffiti en dos partes. Graffiti legal (arte) y graffiti ilegal (vandalismo). en sus inicios el graffiti en nueva york, era ilegal en todas sus manifestaciones.

tanto los tag como los posteriores flop y las piezas en los trenes no buscaban el permiso de la autoridad para ser realizados. De hecho, el lema era contrarrestarla. en Chile, la llegada del graffiti no cambia su esencia, si bien la autoridad mostraba cierta preocupación por los graffiti especialmente los tag, los escritores salían ilesos explicando simplemente sus actos.

la ilegalidad es la base y el fundamento para muchos escritores, por sobre el daño y rechazo que puedan generar sus pinturas. los graffiti no tienen orden ni concierto para su generación, vulneran la ley en cualquier superfi cie que no necesariamente ha sido pensada para este fin. pero no todo es tag y este trabajo pretende mostrar también la otra cara del graffiti.

la cara que a fines de los ´70 en nueva york fue la iniciativa de las galerías de arte. transformar el graffiti de los trenes en algo cercano al transeúnte. en Chile el graffiti comienza a ser realizado con permiso, principalmente a partir del muro realizado en Av. portugal con Alameda por rick y Coolstyle en 1994.

la razón de la legalidad es simple. el escritor generalmente después de un tiempo rayando en la ciudad comienza un proceso el cual se destaca por una búsqueda de un nivel artístico mas elaborado de sus piezas. esto requiere tiempo y dedicación, con lo cual también se comienza a pedir las paredes para pintar volviéndose legal el trabajo. la diferencia de estos dos grupos, vándalos (graffiti ilegal) y grafi teros (graffiti legal), es que los vándalos pintan para marcar su territorio, mientras que los verdaderos grafi teros pintan para manifestar su arte.

la diferencia es muy delgada ya que muchos grafiteros también pueden ser considerados vándalos al rayar en forma ilegal los espacios públicos.

Cada día el graffiti se renueva y pareciera que con el tiempo estuviera adquiriendo mayor fuerza y poder, junto con aumentar la cantidad de adherentes que lo practican.

ArT CriMe

ARTEs VIsuALEs


DIsEÑO DE AMbIENTEs

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CArACterístiCAs De lA innoVACión

el empleo de un material biodegradable y reciclable como este en el sector de la construcción siempre resulta una novedad.

las formas de los revestimientos, normalmente curvas, tienen un efecto disipador del sonido y antirreververación. el material se obtiene de la transformación de un desecho vegetal. la serie de objetos biodegradables y reciclables que resultan, al ser fabricados por técnica de moldeo, pueden adquirir formas distintas y mimetizar texturas. todo ello le hace apto para realizar los objetos que los creadores y diseñadores más inquietos han imaginado

Duralmond, es un material resistente, reciclable, ligero, ideal para zonas húmedas, con buenas propiedades acústicas y adecuado comportamiento al fuego, capaz de simular texturas y detalles que hacen te este revestimiento un material único en decoración.

lo ÚlTiMo en diSeño de AMbienTeS

Arquitectura, decoración y diseño de alto nivel nos ofrece este novedoso material. la gama de revestimientos que se presentan está diseñada especialmente para su aplicación en locales comerciales y espacios públicos, así como en todo tipo de interiores, y resulta particularmente interesante para interioristas, arquitectos y prescriptores en general, porque representa una nueva generación de revestimientos que no necesitan de complementos, que comuniquen sensaciones y que no pasan desapercibidos.

Volúmenes que se escapan de las dos dimensiones y que distinguen los espacios que habitan. el efecto mural de estos revestimientos genera planteamientos escenográficos muy característicos que pueden realzarse con la correcta utilización de la iluminación. los planteamientos volumétricos hacen que la percepción del observador varíe con el movimiento de este, generando diferentes sensaciones, los más innovadores y creativos también utilizan placas para construir cabeceros de cama, lámparas, probadores, mesas, marcos, techos, muebles, entre otros

este material se obtiene al mezclar resinas sintéticas y naturales, cáscara de almendra triturada y otros aditivos. tras un proceso de polimerización y sometiendo la pasta a determinadas condiciones

de presión y temperatura dentro de un molde, esta se transforma en objetos rígidos y terminados, adoptando del molde formas y texturas que aplican a plafones decorativos, y que distinguen de la mayoría de planteamientos conocidos en decoración. De esta manera convierten un residuo vegetal como la cáscara de almendra, en una serie de objetos biodegradables y reciclables, que al ser fabricados por técnica de moldeo, pueden adquirir formas y mimetizar texturas con una alta precisión.

la cáscara de almendra contiene lignina y celulosa, que son los componentes básicos de la madera. esto hace que los objetos que fabricamos tengan un comportamiento y unas propiedades a mitad de camino entre los materiales plásticos y la madera.

Un planteamiento de piezas de gran tamaño para ser aplicado en interiores y fachadas. se pueden utilizar para conseguir profundidad, para separar ambientes, para tamizar la luz solar o simplemente para decorar interiores y exteriores, y con una gran diversidad de acabados. podemos utilizar Duralmond, tablero estratificado fenólico, tablero de Dm especial y tablero de polipropileno expandido en función de los requerimientos de la instalación.

“teW ConCept” (the eAsiest WAy) es Un nUeVo ConCepto De DeCorACión iDeADo por DUrAlmonD, qUe pUeDen Definir Como instAlACión De elementos VolUmétriCos AislADos, De liBre DisposiCión, y normAlmente A inteGrAr en oBrA.

Esta empresa se ha caracterizado por aportar la tercera dimensión a la decoración y el interiorismo. Disponen de varias gamas de productos, pero la principal es la colección de revestimiento decorativo volumétrico, fabricado con placas cuadradas ó rectangulares que cubren completamente los murales.

“Tew concept” propone juegos de volúmenes con mayor libertad de modulación y más sencilla instalación. TEW consiste en pegar el elemento volumétrico directamente a la pared, que bien puede estar preparada o no. sobre esta se adhiere el elemento volumétrico de manera regular o aleatoriamente en función del efecto que se pretende conseguir. Los elementos normalmente se sirven con un prelacado sobre el que adhiere cualquier tipo de pintura con lo que normalmente se termina pintando toda la pared e integrandolos.Otra opción sería instalar las piezas con terminación sobre una pared también terminada y probablemente de otro color consiguiendo un efecto distinto.


EXPOsICIONEs / CHARLAslos revestimientos decorativos de Duralmond, obtenidos por técnica de moldeo, abren un universo de formas y texturas en un campo hasta ahora limitado a superficies planas y frías.

la gama de revestimientos que se presentan está diseñada especialmente para su aplicación en locales comerciales y espacios públicos, así como en todo tipo de interiores, y resulta particularmente interesante para interioristas, arquitectos y prescriptores en general, porque representa una nueva generación de revestimientos que no necesitan de complementos, que comuniquen sensaciones y que no pasan desapercibidos.

Volúmenes que se escapan de las dos dimensiones y que distinguen los espacios que habitan. el efecto mural de estos revestimientos genera planteamientos escenográficos muy característicos que pueden realzarse con la correcta utilización de la iluminación.

En resumen da a interioristas, arquitectos y prescriptores en general la libertad para decidir la disposición de los elementos, las distancias entre ellos, simplifica los encuentros con otros murales y elementos como ventanas, puertas estanterías, suprimiendo los elementos que fuesen en esas posiciones, y puede resultar un elemento integrador en determinadas decoraciones.

MéTODOs PARA LA INsTALACIóN.-en primer lugar se mide la pared y se trazan en ella las líneas básicas sobre las que se van a colocar las piezas. estas líneas se pueden trazar realmente en la pared con un tiralíneas, y pueden ser horizontales y verticales, aunque se admiten otras disposi¬ciones.

-Después, cuando ya se han trazado las líneas y estas han delimitado los centros de los elementos a instalar, se mide sobre ellas y se calcula donde se debe taladrar la pared (dos puntos por elemento coincidentes con las marcas traseras de las placas). este punto solo en el caso que se desee usar esta ayuda al pegado que hace que la pieza no se descuelgue. existen adhesivos con un tak de pegado muy alto que no necesitarían esta ayuda.

-se aplica adhesivo de montaje en la parte trasera, se colocan los machones en la parte trasera de la pieza teW y se encaja en los agujeros que previamente se han hecho en la pared.

-Una vez pegado el elemento se enmasilla la junta con masilla plástica o similar, y se lija para una perfecta integración en la pared

-finalmente se pinta toda la pared. este pintado siempre será mejor proyectado, aunque perfectamente se puede pintar a brocha o rodillo.

el otro método que se puede utilizar es el pegado y acabado sobre pared preparada.

-en primer lugar se mide la pared y se traza en ella las líneas básicas sobre las que vamos a colocar las piezas. estas líneas se pueden trazar realmente en la pared con un tiralíneas, y pueden ser horizontales y verticales, aunque admite otras disposiciones.

-Una vez que se han trazado las líneas y estas han delimitado los centros de los elementos a instalar, se mide sobre ellas y calculamos donde se debe taladrar la pared (dos puntos por elemento coincidentes con las marcas traseras de las placas) este punto solo en el caso que se desee usar esta ayuda al pegado que hace que la pieza no se descuelgue. existen adhesivos con un tak de pegado muy alto que no necesitarían esta ayuda

-se prepara la pared y se pinta en el color definitivo que se desea como fondo de pared.

-se aplica adhesivo de montaje en la parte trasera, se colocan los machones en la parte trasera de la pieza teW y se encaja en los agujeros que previamente se han hecho en la pared, mucho cuidado de que no rebose el adhesivo y salga a la parte vista de la pieza.

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