Revista Cultural Alternativas N52 Septiembre 2014

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Número 52 / Septiembre 2014

Editorial

Agradecemos el apoyo brindado por:

Shakespeare 450 años. Fronteras. Japón. Nuevo León. Y para nuestra ciudad, importantes eventos en espacios públicos, magnos conciertos

sinfónicos y de cámara, y una rica variedad de espectáculos escénicos para toda la familia.

El Festival Internacional Cervantino está a la vuelta de la esquina y en la edición 52 de la Revista Cultural Alternativas presentamos a detalle todos los grupos, solistas y presentaciones artísticas que llegarán a León para celebrar juntos el tradicional evento cultural de octubre que tiene su epicentro en Guanajuato capital.

La labor social retomada por Jorge Volpi en su primer año al frente del FIC continúa y se consolida con el Proyecto Ruelas, en el que habitantes de comunidades de León y Guanajuato representarán con la guía y dirección de grupos escénicos locales y nacionales, algunas interpretaciones de obras del imprescindible escritor inglés.

Formación musical profesional para instrumentistas; prodigios del violín, del piano y la danza, son otros atractivos del festival artístico y cultural más importante de América Latina. Le invitamos a conocer las propuestas de este año y programar su agenda para no perderse ninguno de los eventos que llegan a León gracias al Instituto Cultural de León, la Dirección de Ciudad Histórica y el Forum Cultural Guanajuato.

Aquí, la guía total del FIC en León.

NÚMERO 52 | SEPTIEMBRE 2014Publicación mensual gratuita del ICL

www.institutoculturaldeleon.org.mx

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DIRECTORIO ICL Alfonso Barajas | Presidente del ConsejoLuis Roberto Castrejón | Director GeneralFidel Valdivia | Director de AdministraciónPedro Rafael Corvera | Director AcadémicoEliazar Velázquez | Director Identidad y PatrimonioRoberto Landeros | Director Servicios OperativosManuel Meza | Director Desarrollo en las ArtesLuis Meza | Director de Comunicación

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Revista Cultural Alternativas Septiembre 2014

Publicación mensual gratuita del iclTiraje Septiembre 2014: 6,000 ejemplares. Impreso en papel bond de 90 gramos con portadas en couché de 250 gramos. Una edición del Instituto Cultural de León. Plaza Benedicto XVl, s/n, León, Guanajuato, México. Tel: 716 4301.

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AlternAtivAs | 6 | septiembre 2014

inFOrme AlternAtivAs El Cervantino en León

a diversidad y excelencia artística del Festival Internacional Cervantino ocupará otra vez los teatros y espacios

públicos de León con la 42ª edición de la “Fiesta del espíritu” que traerá a nuestra ciudad a más de 200 artistas de 10 países, que compartirán 18 propuestas escénicas y musicales.

Del jueves 9 al domingo 26 de octubre, León prolongará su relación con el FIC y acercará al público una variada oferta artística de alta calidad, con el sello especial de Japón y Nuevo León como invitados de honor; y “Fronteras”, como uno de sus ejes temáticos.

El ensamble de percusiones Tokyo Dageki Dan; la intérprete de música tradicional de Gambia, Sona Jobarteh; las agrupaciones dancísticas L-E-V (Israel), Ballet Folclórico de Honghe de Yunnan (China), PPS Danse (Québec), Aracaladanza y El Flamenco Vive (España), son parte del elenco que animará los días cervantinos en León.

El FIC en León también contará con la presencia de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, la Orquesta Sinfónica de Yucatán, el Ensamble Noodus-Cromano, así como las obras de teatro ‘Alitas pa’volar’ y ‘Pequeño fin del mundo’, que representan al estado invitado de honor, Nuevo León.


La guía total del FIC en León

por la redacción

Introducción

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“la 42a edicion del Festival internacional Cervantino confirma

su relevancia y tradicion al conjuntar lo mejor de la música, el teatro y la danza de

Mexico y el mundo”

Jorge VolpiDirector General del Festival

internacional Cervantino


F E S T I V A LI N T E R N A C I O N A LC E R V A N T I N O

S H A K E S P E A R E 4 5 0J A P Ó N

F R O N T E R A ( S )N U E V O L E Ó N

8 – 2 6 D E O C T U B R E 2 0 1 4 | G U A N A J U A T O , M É X I C O

Algunos de los espectáculos traídos por el FIC son exclusivos para León, como el Ballet Folclórico Honghe de Yunnan, el violinista japonés Ryu Goto y el pianista mexicano Fernando Saint Martín o la función de música contemporánea con el Ensamble Noodus-Cromano. Otro hito es que el Teatro Grever sea uno de los escenarios para el debut de la ópera contemporánea ‘Viaje’, colaboración entre la escritora Cristina Rivera Garza y el compositor Javier Torres Maldonado.

También es notable el regreso de espectáculos a la Plaza Principal donde se ofrecerán de manera gratuita los espectáculos de danza folclórica de China y Flamenco, así como el concierto de Sona Jobarteh.

La Calzada de las Artes del Forum Cultural Guanajuato también se une a la oferta de espectáculos gratuitos con la energía de las percusiones de Tokyo Dageki Dan, que inaugurará la fiesta cervantina en León un día después de haber hecho lo propio en Guanajuato.

El Teatro del Bicentenario acogerá a la Orquesta Sinfónica de Yucatán y al reconocido pianista ruso Alexei Volodin; además de los clásicos de Broadway que serán presentados en un magno concierto por la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México.

El Auditorio Mateo Herrera afianzará su vocación por la música de cámara con las actuaciones del Ensamble Noodus-Cromano, presentando

novísimas obras contemporáneas fruto del programa Prácticas de Vuelo; y el dueto Ryu Goto-Fernando Saint Martin.

El público infantil también será consentido especialmente con los dos imaginativos espectáculos escénicos que llegarán al Teatro Manuel Doblado: ‘Cuentos para niños traviesos’, de PPS Danse y ‘Nubes’, de Aracaladanza.

A continuación la guía total de las actividades cervantinas en León. Variedad de espectáculos para todos los gustos y bolsillos.



El taiko: desde Japón hasta Guanajuato

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Tokyo Dageki Dan (tambores japoneses)

uién podría resistirse a la potencia y estilo único del taiko? Traído directamente

de las entrañas de Japón, se le denomina así a los diferentes tipos de tambores de aquel país, y es también un ensamble musical de percusiones, que resaltan una expresión artística interpretada en ceremonias, festivales y eventos.

A casi dos décadas de haberse formado, la agrupación Tokio Dageki Dan llega a tierras guanajuatenses con un espectáculo lleno de acción y vitalidad, dispuestos a hacer vibrar y cautivar hasta a los más mesurados.

El grupo formado por seis ejecutantes dirigidos por el productor Jin-ichi Hiranuma, ofrece una actuación completa cargada de una fuerte musicalidad, un toque de diversión y una enfática pericia para tocar, que acompañada por un imponente escenario, una energía inquebrantable y una adecuada iluminación, hacen un espectáculo inigualable.

por yolanda gutiérrez de velazco


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Tokio Dageki Dan se distingue por cuidar minuciosamente la selección de instrumentos para cada ocasión, y elige entre varios tipos y tamaños de tambores japoneses, entre los que destacan el oodaiko (big taiko), hiradaiko (taiko plana), miyadaiko, shimedaiko y okedaiko, incluyendo instrumentos como los gongs de Tailandia, China y otros países, la flauta traversa shinobue, entre otros. su interpretación pasa por varios momentos, desde sencillos y tranquilos ritmos, hasta imponentes

creaciones sonoras, muestra de la habilidad de cada uno de sus integrantes.

El grupo se ha presentado en numerosos festivales, eventos e instituciones culturales dentro de su país, pero hacia el exterior, han tenido gran proyección e impacto, participando en la película ‘Kyouki no Sakura’, además de giras internacionales en países como Indonesia, Reino Unido, Bélgica y Finlandia, compartiendo escenario junto a artistas de diversas nacionalidades, entre ellos el percusionista

Meng Xiao Liang de China, el baterista Tomback Esfandiar Lali de Irán, y el vocalista Sergio Vargas de la República Dominicana, abriéndose camino y demostrando que la fusión de ritmos puede lograr favorables resultados.

La mayor parte de las piezas interpretadas por el grupo son creación de ellos y se reproducen sin algún tipo de sistemas de megafonía.

El evento se llevará a cabo el jueves 9 de octubre en la Calzada de las Artes del Forum Cultural Guanajuato. Abierto a todo público y sin costo para los asistentes.



Fusión musical a través de nuevas tecnologías

Noodus-Cromano / Prácticas de Vuelo / CMMAS


Como una de las actividades inaugurales cervantinas llega el ensamble Noodus-Cromano, con el programa Prácticas de

Vuelo, proveniente del Centro Mexicano para la Música y las Artes sonoras (CMMAs), con el apoyo del Festival Internacional Cervantino y del Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León, coordinado por Rodrigo Sigal Sefchovich, y dirigido por Eduardo Caballero.

Este año, el programa cumple 8 años de ser un punto de encuentro para jóvenes músicos que están inmersos en el uso de nuevas tecnologías. El procedimiento implica la selección exhaustiva de dichos jóvenes, ofreciéndoles cursos, tutorías y actividades académicas para fomentar su desarrollo y lograr que puedan conseguir un alto nivel académico. Además, tiene como misión vincular a estos jóvenes creadores en el

mundo de la música electroacústica. Durante su aprendizaje han trabajado con intérpretes y profesores de Canadá, Puerto Rico, Argentina y México.

Los compositores involucrados, oriundos del estado de Nuevo León, Michoacán y el Distrito Federal, han creado obras muy diversas con softwares modernos para el control de sonido. son piezas constituidas en torno a partituras dinámicas pensadas para una interactividad instrumental intensa. Las obras distan mucho de las creaciones de un grupo similar, lo cual es una prueba de la diversidad sonora y el talento de este grupo de creativos.

Con un programa variado, en su mayoría electroacústico y un gran número de músicos en escena llegará el próximo viernes 10 de octubre a las 20:00 horas en el Auditorio Mateo Herrera del Forum Cultural.

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La pintora que se atrevió a volar

Alitas pa’ volar

por yolanda gutiérrez de velazco

Una representación escénica que narra los hechos de la

Revolución Mexicana de una forma pícara y divertida, o una pincelada de la vida de la

emblemática Frida Kahlo, son algunos momentos que han marcado a la compañía neoleonesa Foco! Teatro,

creada por Orlando Tovar.

sus creaciones escénicas son para todo público. Tovar es un artista polifacético egresado de la Escuela de Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la UANL y se caracteriza por dirigir, actuar y escribir en

la mayoría de sus producciones. Desde el estreno de su primera obra titulada ‘ANIVDELAREV La Revolución chiquita’, su tendencia y estilo se hicieron

evidentes: títeres y actores interactuando con el público infantil.

Luego vinieron los montajes ‘Algo ha cambiado y no es Armando’, ‘El principito y el aviador’, y ‘El niño tornado vs los pasteles mutantes’,

obras con las que la compañía tomó otro giro que le permitió ser seleccionada para participar en el Festival Nacional de Teatro Nuevo León.

En el 2012 con ‘Alitas pa’volar’, la compañía es elegida en la convocatoria ‘Puestas en escena’ de CONARTE. Esta obra cuenta, a través de la música, títeres

y el desenvolvimiento histriónico de sus protagonistas, la vida de la pintora mexicana Frida Kahlo.

Tovar y su equipo no se quedan con los éxitos cosechados, sino que buscan involucrar sus proyectos en pro de la sociedad. Actualmente se encuentran inmersos en un programa de teatro itinerante con la representación teatral ‘Mi abuelito luchador’.




La OSY con Volodin al piano, interpretan a Rajmáninov

Alexei Volodin con la Orquesta Sinfónica de Yucatán

Sus habilidades al piano lo han llevado a ser considerado uno de los

mejores ejecutantes jóvenes en el mundo. Alexei Volodin toca con las principales orquestas y trabaja con los directores más prestigiados.

Y el próximo domingo 12 de octubre llegará a León para interpretar una de las partituras más exigentes y poderosas de Serguéi Rajmáninov, acompañado de la Orquesta Sinfónica de Yucatán, en el Teatro del Bicentenario.

Para el 42 FIC en León, Volodin tocará el Concierto para piano no.3 en re menor. op. 30 del gran músico ruso, bajo la dirección de Juan Carlos

Lomónaco, que con batuta en mano, destaca por su pasión y presencia. Es uno de los directores jóvenes mexicanos de mayor proyección.

De la Orquesta Sinfónica de Yucatán se destaca su reciente conformación en 2004, con los primeros directores titulares, Juan Felipe Molano y José Luis Chan, quienes cedieron paso a Lomónaco en 2009 con lo que se ha logrado una mayor presencia internacional de la agrupación.

Volodin, Lomónaco y la OSY, en una combinación de talentos, prometen una velada musical intensa y virtuosa en uno de los conciertos más destacados del Festival Internacional Cervantino en León.

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Ficción y realidad en un mismo escenario

Pequeño fin del mundo

‘Pequeño fin del mundo’es una puerta abierta de empatía y consciencia que parte de una serie de cuentos

escritos por Víctor Hernández sobre las vivencias de sus vecinos del barrio de santa Catalina, Nuevo León, y el testimonio de sus protagonistas adolescentes, marcados por cambios, situaciones de violencia, corrupción, represión, lucha por el control y supervivencia.

La ficción y la realidad se unen para crear esta puesta en escena que refleja una situación social que ha permeado hasta nuestros días. Así surge el personaje

protagónico que bien podría representar a cada habitante de aquella zona de riesgo del país. Pero, ¿qué sería de ese personaje sin una voz que lo dirija, confronte y lo haga cuestionarse? El segundo personaje es el encargado de subjetivar la anécdota para hacer un rompimiento en la escena e interactuar con el público.

El guión y el montaje, resultan ser una prueba fehaciente de la visceralidad nata de su creador, Víctor Hernández. En ‘Pequeño fin del mundo’ actúa Sergio Ramos y cuenta con el apoyo escénico de Mónica Jasso.

Cuando uno se imagina a un gurú de los raves, no suele pensar que su alma gemela sea una introvertida

bailarina de una de las compañías más importantes del país. Es el caso del exmaestro de la fiesta, Gai Behar y la bailarina Sharon Eyal, quien por casi 20 años formó parte (y llegó a ser directora artística asociada) de la Batsheva Dance Company, agrupación israelí fundada por Batsheva de Rothschlid y Martha Graham que sigue siendo una de las grandes embajadoras dancísticas, junto a Kibbutz Contemporary Dance Company.

Aunque Behar y Eyal han colaborado desde hace casi una década montando

coreografías para diversas agrupaciones, principalmente la Batsheva, fue hasta 2013 que decidieron fundar su propia compañía: L-E-V, en la que el vocabulario corporal deriva del altamente refinado trabajo de Eyal en su antigua compañía. Uno de sus primeros espectáculos fue concebido específicamente como un performance para clubes de baile.

Tras su debut norteamericano en el prestigiado Festival de Danza Jacob’s Pillow, L-E-V llega al Cervantino con ‘House’, una creación hipnótica y minimalista, con una obsesión por el detalle en la construcción de un movimiento pulsátil, serpenteante y fluido.


L-E-V: vanguardia coreográfica israelí House

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Danza étnica china en la Plaza Principal

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Los espectáculos artísticos de la edición 42 del Festival Internacional

Cervantino en la Plaza Principal del Centro Histórico de León arrancan con la presentación del Ballet Folklórico de Honghe, provenientes de la provincia de Yunnan.

Al ser una de las regiones más grandes en extensión y población en el país asiático (más de 40 millones de habitantes en una superficie de 394 mil km), Yunnan es cuna de importantes grupos artísticos que rescatan las tradiciones culturales de la región a través de expresiones como el canto y la danza.

El encanto de Yunnan


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Así lo entendieron los integrantes del Ballet Folclórico de Honghe, que desde 1951 trabaja con grupos de artistas originarios de las etnias chinas Hani, Yi, Miao, Yao, Dai, Zhuang, Hui, Bai, Man, Jing y Han, para conformar una agrupación que además de preservar su historia, forma ya nuevos profesionales del canto y la danza a través de constantes talleres formativos.

Actualmente, sus directores son Zhu Lihong y Wang Jiaming, responsables de la preparación de intérpretes profesionales de canto y danza étnicos, que por más de 60 años ha formado generaciones de artistas y aportado al desarrollo cultural de la imponente nación asiática.

Es por eso que China, al ser el país más grande del planeta, sostiene el compromiso de difundir el arte entre todos los grupos étnicos de las áreas fronterizas, apoyando a la descentralización del arte y la cultura, como sucede en otros países occidentales.

Con más de seis décadas de trabajo ininterrumpido, el Ballet Folclórico de Honghe de Yunnan ha dado al mundo muchos artistas talentosos y dedicados, y ha creado, interpretado y acumulado un gran número de obras de ricos estilos étnicos que, en conjunto, son una muestra de la diversidad de la región.

A su vez, la agrupación ha logrado numerosos premios nacionales e internacionales, como el CCTV TV Dance Contest, el Concurso Nacional de Danza y el Premio Lotus, entre otros.

El grupo artístico chino llega al FIC León a través de la gestión de distintos organismos nacionales como el Conaculta, que también llevará al Ballet Folclórico de Honghe al Festival Internacional La Nao, que se realizará en Acapulco, Guerrero, a partir del 25 de octubre.

La presentación del Ballet Folclórico de Honghe de Yunnan en la Plaza Principal de León, en el marco del 42 Festival Internacional Cervantino, será el sábado 18 de octubre a las 19:00 horas, sin costo para los asistentes.


(443) 322 64 00 ext. 213

por luis Meza


Travesuras coreográficas

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Cuentos para niños traviesos / PPS Danse

Una de las versiones del célebre cuento infantil de Pulgarcito habla de que,

tras haber sido abandonado en el bosque, encontró el camino de vuelta a casa por el rastro que dejó arrojando piedritas. Pero ¿qué sucedería si un avestruz se las hubiera comido?

Tal conflicto fue planteado en el libro “Cuentos para niños traviesos”, que el escritor francés Jacques Prévert publicó en 1947 y en el que aborda historias que a menudo tienen que ver con animales inconformes, como ese dromedario que estaba cansado de que lo confundieran con un camello, para ofrecer una lección acerca de la imperfecta naturaleza humana.

El libro de Prévert es imaginativo y poderoso y a él ha acudido la compañía quebequense PPS Danse para lograr algo que no se antoja tan sencillo: cautivar con el lenguaje de la danza contemporánea a los niños, a través de un espectáculo homónimo que, desde su estreno en 2010, ha seducido a las audiencias dentro y fuera de Canadá con su agilidad, colorido y transparencia.

La adaptación y puesta en escena del espectáculo corre a cargo de Marie-Josée Chartier y Pierre-Paul Savoie, quienes plasman los ocho cuentos contenidos en la obra de Prévert en una encantadora mixtura de danza, teatro, música y canciones; capaz de

mantener un discurso sencillo y ameno para niños de casi todas las edades y al mismo tiempo hacer una aguda crítica al mundo adulto, denunciando la explotación del prójimo y la destrucción de los recursos naturales.

Tal dicotomía ha sido exaltada por el diario quebequense Le soeil, que afirma: “Cuentos para niños traviesos tiene la fuerza para hacernos reflexionar sobre las debilidades humanas, mientras encanta nuestros ojos y oídos”.

El refinado trabajo corporal de los integrantes de PPS Danse se pone al servicio de una coreografía vistosa y esquemática, donde las pistas narrativas y gráficas están

bien dosificadas para darse a entender entre audiencias jóvenes.

PPS Danse toma su nombre de las iniciales de su fundador Pierre-Paul Savoie, quien estableció la compañía en 1988. Desde entonces, la agrupación ha estrenado cerca de 20 espectáculos, casi todos marcados por una firme vocación hacia el trabajo interdisciplinario.

Esto último deriva de la propia formación de Pierre-Paul Savoie, un artista inquieto que obtuvo su formación en la Escuela Nacional de Teatro y la Escuela Nacional de Circo de Canadá, además de experimentar con el canto, la improvisación y la danza de contacto.

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La magia escénica de Broadway llegará a León

Broadway Sinfónico

La Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México participará este año en el FIC León con

un programa con los clásicos de Broadway, bajo la dirección artística de José Areán, director huésped de la Orquesta desde el 2011.

Desde su nombramiento, la postura de Areán ha sido clara: conseguir que la OFCM deslumbre en los conciertos y que sus músicos demuestren rigor, calidad y fiabilidad en cada interpretación.

Ha dirigido a cantantes de talla internacional en Alemania, Austria, Argentina, Estados Unidos, Francia, Holanda, suiza y México. Ha incursionado en una amplia gama de actividades musicales y culturales: ópera, música sinfónica, de cámara

y cinematográfica; promoción cultural y producción musical.

Con más de 35 años de trayectoria, la orquesta se consolida como una de las más importantes de México y América Latina, con unas cien grabaciones discográficas en su haber y más de tres mil conciertos en foros de México, Estados Unidos, sudamérica, Europa y Asia.

su compromiso social y cultural han hecho que la orquesta sea poseedora de importantes reconocimientos, como el Oscar de la Académie du Disque Français, por la grabación de tres ballets mexicanos de Galindo, Moncayo y Chávez; el otorgado por la Unión Mexicana de Críticos de Teatro y Música en la categoría de ‘Mejor Orquesta de México’; y la Luna del Auditorio por el concierto realizado con Wynton Marsalis.




Cantaores y bailaores para toda la familia

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El Flamenco en Cuatro Estaciones

La expresión artística de origen andaluz, el flamenco, también lo aprenden y disfrutan los niños. Así lo ha demostrado Silvia Marín y su compañía El Flamenco Vive,

que desde 1997 realizan una serie de actividades que además de destacar como espectáculo escénico, también aporta a la

formación de nuevos bailarines y espectadores.

El Flamenco en cuatro estaciones, es el nombre del espectáculo que la compañía española trae este año al Festival Internacional Cervantino y que por primera vez llega a León para presentarse,

sin costo, en la Plaza Principal del Centro Histórico.


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se trata de un espectáculo musical, didáctico y participativo para la difusión de este arte entre el público infantil y para el goce de toda la familia. La intención es, como ya lo ha expresado Marín en varias ocasiones por distintas partes del mundo a donde ha llevado sus montajes, “contagiar a los niños y niñas el entusiasmo la pasión por el flamenco”.

Por eso El flamenco en cuatro estaciones intentará dar una imagen real y cercana de este arte como expresión

musical divertida, accesible y enriquecedora, al público leonés que se dará cita en la Plaza Principal el próximo lunes 20 de octubre.

Durante la presentación, los jóvenes espectadores tienen la oportunidad de experimentar con el ritmo, la melodía o los pasos de baile, imitando, jugando y riendo. En definitiva, el objetivo primordial es que los niños se acerquen

a conocer el flamenco en sus diferentes facetas - cante, música y baile- para que puedan valorarlo, apreciarlo, practicarlo y difundirlo.

El Flamenco, declarado Patrimonio de la humanidad por la UNEsCO, es un arte universal, integrador de culturas: todo un ejemplo para nuestra compleja y cambiante realidad social. Y este principio lo ha demostrado Silvia Marín en todos sus espectáculos, pero en especial éste, que desde 2006 funciona como un espectáculo–taller para acercar

a chicos y grandes al flamenco como arte escénico.

En El Flamenco en cuatro estaciones se comparan los distintos estilos flamencos con los cambios que se producen en la naturaleza en el transcurso de las estaciones del año, todo ello por medio de juegos y retos creativos. Los niños aprenderán de forma natural y lúdica, al imitar, jugar y reír.

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La primera dama del koraSona Jobarteh

por luis Meza


Hace 24 años León conoció el kora. Foday Musa Suso, músico de Gambia descendiente de quien

inventó este tradicional instrumento de cuerda africano, fue quien lo hizo sonar en el Teatro Manuel Doblado en ocasión del segundo Festival Internacional de Arte Contemporáneo.

En sus más de 500 años de historia, este instrumento de 21 cuerdas similar al laúd, siempre había sido una tradición predominantemente masculina, asociada a los griots, versión africana de los trovadores europeos, que preservan la historia y lírica de su pueblo y la han transmitido entre generaciones de forma oral.

sin embargo, desde hace unos años, una estrella femenina se cuenta en la constelación de los grandes del kora: Sona Jobarteh, una treintañera integrante de una de las principales familias de griots de África Occidental, en la que se cuentan su abuelo Amadou Bansang Jobarteh, uno de los grandes maestros del instrumento de su tiempo o sus primos Mamadou Sidiki y Toumani Diabaté, prominentes ejecutantes que han impulsado la fusión del kora con artistas de otras tradiciones, como el grupo de flamenco Ketama, el blusero Taj Mahal o la cantante islandesa Björk.


Parte de la diáspora africana, Sona Jobarteh nació en Londres, en 1983 y comenzó a aprender los secretos del kora desde los cuatro años de edad, tanto con su padre, Sanjally Jobarteh, como con su hermano mayor, Tunde Jegede. Además de la formación familiar, acudió al Real Colegio de Música y la Escuela de Música Purcell, de la capital británica.

Ese bagaje entre dos mundos ha dado a la artista de raíces gambesas una soltura para ser virtuosa del kora en un modo tradicional, pero también una hábil interlocutora con la música occidental. Con su hermano forma parte del African Classical Music Ensemble y por su propia cuenta ha colaborado lo mismo con Oumou Sangaré y Toumani Diabaté, que

con la Orquesta sinfónica de la BBC.

Además de multi instrumentista, Sona Jobarteh es cantante y su voz puede apreciarse en la banda sonora de la película “Mandela. El largo camino a la libertad”. Es autora también de la música para el documental “Motherland”, de Owen Alik Shahadah.

El Cervantino significa su primera visita a México, ocasión para la que compartirá el material de su álbum debut “Fasiya”, editado en 2011, y en el que deja de manifiesto un espíritu creativo, atento a la tradición y a las fusiones, con temas que hablan lo mismo del amor y la pérdida; que de la dignidad femenina y el aprecio a sus raíces y ancestros.


Formación musical de alto nivel en León

Academia Cervantina


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on el fin de promover la formación de instrumentistas de

alto nivel especializados en la ejecución de la música contemporánea, el Festival Internacional Cervantino crea un espacio dirigido a jóvenes intérpretes Latinoamericanos denominado la Academia Cervantina.

El programa de trabajo incluye clases individuales, clases magistrales, talleres, ensayos diarios y conciertos. Una parte culminante del programa es la presentación de conciertos de ensambles formados en la Academia que serán parte de la programación artística del Festival. se llevarán a cabo presentaciones con ensambles pequeños y una presentación final con una Orquesta de Cámara. Los conciertos se presentarán en las ciudades de Guanajuato,

León y algunas comunidades del Estado.

Los participantes tienen menos de 30 años y fueron seleccionados por

convocatoria. Trabajarán aspectos técnicos e interpretativos, así como notaciones musicales no convencionales, con una planta de maestros conformada por

especialistas reconocidos en la escena contemporánea Latinoamericana. Además tendrán clases magistrales y cursos especializados con integrantes de los Ensambles Internacionales de primer nivel que están invitados al Festival.

Los participantes tendrán la oportunidad de presenciar

los ensayos y conciertos de los artistas invitados. Los maestros de la Academia son: David Núñez (violín), Alex Bruck (viola), Wilfrido Terrazas (flauta), Fernando Domínguez (clarinete),

Iván Manzanilla (percusión), Juan Trigos

(director). Mientras que los Ensambles

Invitados al Festival que impartirán cursos y clases magistrales son: Ensamble Intercontemporain (Francia), Cuarteto Arditti (Reino Unido), Ensamble Sillages (Francia), Next Mushroom Promotion (Japón), Ensamble Nomad (Japón), Steven Schick (Estados Unidos) y Norio Sato (Japón).

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Bajo el influjo de Rulfo Viaje: OM21

por luis Meza

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Los seis años previos a que sacudiera las letras mexicanas con la publicación de El llano en llamas, Juan Rulfo (1917-1986) mantuvo bajo perfil como agente viajero de una llantera. Así pudo recorrer el país y, sin duda, nutrirse en silencio de las imágenes que luego aflorarían de su pluma.

Esa referencia es uno de los ingredientes de Viaje: OM21, segunda obra comisionada dentro del programa de creación de óperas contemporáneas con escritores y músicos mexicanos, que el Festival Internacional Cervantino puso en marcha el año pasado.

Luego del trabajo que Mario Bellatín y Marcela Rodríguez hicieron con Bola negra en 2013, ahora toca el turno a Cristina Rivera Garza y Javier Torres Maldonado, par de creadores que paradójicamente nunca se habían planteado hacer un texto dramático o

una ópera. Aceptaron así el reto de imaginar una pieza tenuemente inspirada en Rulfo y en la Carretera Panamericana de los años cincuenta, pero que también alude a la época contemporánea, con su violencia y fenómenos migratorios.

El hilo conductor es precisamente un viaje, protagonizado por un agente viajero y una fotógrafa polaca, alusión a Bernice Kolko, célebre por sus retratos de Frida Kahlo e indígenas mexicanos.

Ese juego de espejos, entre el México rulfiano de

los cincuentas y el actual, es llevado a escena por el Ensamble Sillages y la Compañía Le Grain, conjuntos franceses especializados en música contemporánea y que en el Teatro María Grever ofrecerán la segunda función de este montaje.


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Dos jóvenes prodigios al piano y violín Ryu Goto y Fernando Saint Martín

Dos jóvenes talentosos. Uno japonés y con violín, otro mexicano y al piano. Ryu

Goto y Fernando Saint Martín confluirán sobre el escenario del Auditorio Mateo Herrera, del Forum Cultural Guanajuato, para presentar uno de los conciertos de música de cámara exclusivos del Festival Internacional Cervantino en León.

Goto es ya una leyenda de la música. A los siete años era considerado un niño prodigio y tocaba el violín con maestría. Tuvo su debut en 1995 en la ciudad japonesa de sapporo y luego de 19 años, se ha convertido en un joven y virtuoso músico que ha conquistado los cosos de Europa, Asia y Estados Unidos.


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Ryu Goto ha actuado como solista con orquestas internacionales y conjuntos como la Filarmónica de Londres, la Wiener Symphoniker, la Orquesta Filarmónica de Shanghai y la Orquesta de Cámara de Orfeo, entre otras. Fomenta el desarrollo de jóvenes músicos y estableció en 2010 la fundación de la beca de excelencia por Iniciativa Musical de Ryu Goto, en sociedad con el Departamento de Educación de la Ciudad de Nueva York.

Además de grabar para Deutsche Grammophon/Universal Classics Japan, en mayo de 2011, Goto se graduó de la especialidad de Física de la Universidad de Harvard.

El panista mexicano Saint Martín inició sus estudios en 1996 con José Luis García Corona. En 2005 concluyó sus estudios de

Licenciatura en Piano en la Escuela superior de Música del Instituto Nacional de Bellas Artes, bajo la tutela de la maestra Ana María Tradatti. Y la música de cámara la estudió con los maestros Vincent Touzet y Asako Arai.

Ha participado en las clases magistrales y cursos de perfeccionamiento pianístico de Geofry Tozer, Alfons Kontarsky, Konrad Elser, Naoya Seino, Ada Gradow, Vladimir Odinokikh, Gregory Allen, Gustavo Romero y Richard Raymond, entre otros.

Ambos músicos se presentarán el sábado 25 de octubre a las 20:00 horas en el Auditorio Mateo Herrera para interpretar obras de Ludwig van Beethoven, Toru Takemitsu, César Franck y Pablo de Sarasate.

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Aunque nadie le ha visto la cara porque la tapa una manzana, es indudable que ese señor de traje y bombín es uno de

los personajes más conocidos de la historia del arte. Al igual que los enormes monolitos que flotan en el aire o las calles nocturnas que destantean al observador por su claro y

brillante cielo azul.

Esto no es una nubeNubes / Aracaladanza

por luis Meza



Tales imágenes son parte del universo pictórico de René Magritte (1898-1967), una de las figuras más singulares y reconocidas del surrealismo, y también parte de la memoria colectiva de millones de personas, seducidas por su vívida irrealidad y poética.

Entre los enamorados de la iconografía magritteana se cuenta el coreógrafo ibérico de origen argentino Enrique Cabrera, fundador de la compañía Aracaladanza, la cual cerrará el Cervantino en León con uno de sus espectáculos más exitosos: “Nubes” (2009), segundo de una trilogía inspirada en legendarios pintores, como Hieronymus Bosch (“Pequeños paraísos”, 2006) o Joan Miró (“Constelaciones”, 2012).

Aracaladanza se ha tomado la vocación de crear nuevas audiencias para la danza contemporánea muy en serio. El grueso de su repertorio ha sido concebido para público

DA

NZ

A/

NIñ

Os

infantil y familiar e incluso han producido un par de espectáculos para bebés (“Tac-tac” y “Cu-cuco”). Lo ha hecho sin condescendencia y con una seriedad absoluta. Tanto, que la compañía afincada en Madrid ha sido merecedora del Premio Nacional de Teatro para la Infancia y Juventud, varios Premios Max (el Oscar de las Artes Escénicas en España) y la distinción de mejor espectáculo en la Feria Europea de Artes Escénicas para Niños y Niñas, FETEN.

Cuando el Ministerio de Cultura de España laureó a la compañía en 2010 hizo énfasis en su “compromiso con las artes escénicas para la infancia y la juventud”, su “dramaturgia visual y poética que acerca al público infantil a los nuevos lenguajes” y su “exigencia estética, artística y técnica”.

“Nubes” es un espectáculo eminentemente visual, donde la imaginería de Magritte cobra vida gracias a un imaginativo

trabajo con los objetos (sello de la compañía) y una coreografía de gran soltura, ligereza y alegría, que hacen que los 50 minutos de función se vayan como un suspiro.

El espectáculo de Enrique Cabrera se ha presentado en números escenarios ibéricos y también ha viajado a Australia y al Teatro sadler’s Wells, de Londres. Cosechando entusiastas críticas, aunque quizá el halago más grande haya sido el que firmó Cristina Martínez de la Ossa en el diario La Tribuna de Albacete: “Magritte se quitaría el sombrero”.

LAS SONATAS de BEETHOVEN

de 1801

por Liz ESpiNOSA TERáN

◉cON TON y SON◉

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De amores, música y silencios

nterpretar una sonata para piano de Ludwig van Beethoven es un reto técnico, en especial algunas como la No. 29 ‘Hammerklavier’ o la No. 32, última del ciclo. Pero tocar 29 de las 32 sonatas en 6 conciertos consecutivos presentados

en solo 4 días es una hazaña titánica para cualquier pianista. Rudolf Buchbinder, excelente intérprete austriaco, toma el reto en el próximo Festival Internacional Cervantino.

I

Entre 1794 y 1799 Beethoven compuso sus primeras 13 sonatas para piano solo. Alrededor del año 1801 compuso 7; otras 6 más entre 1803 y 1810; y un último grupo de 6 sonatas tardías entre 1814 y 1822. Si componer una sola pieza es tarea que requiere un tiempo y energía importante, componer 7 en solo un año, además de música para ballet, Die Geschöpfe des Prometheus; el quinteto de cuerdas Op. 29; un par de cuartetos vocales; el cuarteto de cuerdas en Fa y el inicio de su 2ª sinfonía nos puede dar una idea clara de la enorme cantidad de trabajo que sostuvo este genio creador en un año.

La curiosidad me llevó a buscar porqué habrá compuesto las sonatas No. 12 a 18 en un solo año, en qué circunstancia de vida y si ésta circunstancia habrá tenido algo que ver con su febril actividad creativa para el piano.

Después de un clavado a sus cartas y biografías encontré que Beethoven tenía entonces 30 años de edad, hacía casi 10 que había llegado a vivir a Viena y había hecho buenas migas con la aristocracia local, a tal grado que en 1800 el príncipe Karl Alois Lichnowsky le había otorgado una renta anual de 600 florines. Gozaba de reconocimiento social y artístico.

Daba clases de piano a varias damas de la alta sociedad y a alumnos de alto rendimiento como Karl Czerny, quien posteriormente creó todo un método de técnica pianística.

En la época en que Beethoven vivió en Viena había unos 300 pianistas que competían entre sí y se ganaban la vida enseñando a más de 6000 estudiantes de piano en la ciudad. En junio de ese fructífero año escribió a Franz Gerhard Wegeler, su amigo íntimo y biógrafo: “Mis composiciones producen mucho, y puedo decir que tengo más encargos de los que puedo cumplir. Por cada obra, si me interesa, tengo seis o siete editores, incluso más aún: no se discute conmigo, yo fijo un precio y se me paga”. En estas condiciones componer sonatas para piano, el instrumento preferido del siglo XIX, habrá sido una buena estrategia financiera.

Ese otoño estuvo enamorado de una condesita italiana más coqueta que comprometida: Giulietta Guicciardi. A ella le dedicó la famosa Sonata No. 14 ‘Claro de Luna’. Él prácticamente le doblaba la edad. Era su maestro de piano, se sentía correspondido de una manera que nunca llegó a ser, tanto que escribió en noviembre a Wegeler: “Es la primera vez que creo que el

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giulietta guicciardie y Josephine Brunsvick. amor e inspiración para Beethoven a inicios del siglo XiX

(Sigue en la página 42)

matrimonio me puede hacer feliz; por desgracia, ella no es de mi clase social, y ahora, a decir verdad, no podría casarme; debo realizar una dura labor”. ¿Una dura labor para salvar los impedimentos sociales y conseguir una posición que le permitiera desposar a una aristócrata?

De mayor impacto en la vida de Beethoven, dicen algunos biógrafos, fue la relación íntima que tuvo con una condesa casada, Josefina Brunsvik, ‘Pepi’ para los cuates, de quien se especula fue la famosa “amada inmortal” y hasta madre de una hija ilegítima del compositor. Nadie lo sabe.... Lo que es seguro es que las Sonatas de 1801 fueron leídas y juzgadas primero por ‘Pepi’ y luego por los editores, sobre ellas se conserva una carta a su hermana Teresa en donde dice respecto de la No. 16 ‘La Coja’ y No. 17 ‘La Tempestad’: “Estas obras reducen a la nada todo lo que ha sido escrito

anteriormente”. Un juicio que años después compartirían los estudiosos sobre el repertorio de Beethoven quienes sitúan estas piezas, específicamente a partir de la Sonata No. 15 ‘La Pastoral’, dentro de su segundo

periodo estilístico, en el cuál se liberó de ciertos cánones clásicos y encontró una voz más personal, situada en el estilo del romanticismo temprano del cuál se convertiría en ícono.

No todo fue miel sobre hojas de papel pautado. 1801 fue un año marcado por la enfermedad y la creciente sordera: “Desde hace 3 años mi oído está cada vez más débil. Esto debe venir de mi enfermedad intestinal, que ya padecía antes, pero que ha empeorado mucho, pues estoy continuamente molesto por las diarreas y, por consiguiente, muy débil” escribió en una carta. Ni

los aceites de almendra, ni los tés, ni los baños templados en el Danubio que le recetaron pudieron detener el deterioro y él se aisló cada vez más refugiándose en su trabajo.

¿El trabajo bien reconocido y pagado, la inspiración

amorosa o la necesidad de ganar terreno a la sordera a través de la composición, cuál sería la razón para que produjera en 1801 sonatas a destajo? A falta de certeza nos conformaremos de buena gana con gozar de sus obras y tomar la oportunidad de disfrutarlas en los próximos conciertos en Guanajuato, en el marco del Festival Cervantino.

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(Viene de la página 41)

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a cinematografía japonesa no goza de la misma popularidad en occidente que las producciones de otros

países asiáticos, eso no quiere decir que sea una absoluta desconocida, o que no esté, estética o comercialmente, a la altura de las mejores del mundo.

Tal vez no sea complicado aducir las causas de esa desinformación casi general de un cine tan rico y complejo como el japonés, y menos difícil aún entender el porqué de su reciente revalorización. Baste mencionar la explosión de las comunicaciones en la época de la información. Por eso, en estos días no es tan raro encontrar entusiastas del cine clásico de Japón, ese que va de los 30´s y 70´s del siglo XX. Y ni qué decir sobre de los seguidores de su cine actual.

Aunque la cosa no es tan simple, el cine clásico japonés podría dividirse en dos etapas más o menos claras: la de antes de la guerra y la de la posguerra (esta última podría subdividirse a su

vez en dos, o más). Dentro de ambas etapas hay dos ciclos dorados. Y ahí transitan, por fronteras poco claras, los grandes maestros y sus sucesores y detractores, lo clásico, lo vanguardista. También circulan sus temas; tantas veces recurrentes en unos y otros autores, producto de su larga y amplísima tradición escénica, literaria, filosófica y de combate. Aunque podrían, claro, considerarse otras clasificaciones sobre ese cine: por sus temáticas, por directores, por los grandes estudios, por sus productores… pero este no es este el lugar ni el momento.

Ya que Japón es el actual invitado de honor al Festival Internacional Cervantino, bien nos vendría dar un vistazo a su ya centenaria tradición cinematográfica. Como homenaje, se ofrece una lista de 25 películas (de las dos etapas doradas) que deben tenerse en cuenta al momento de querer relacionarse con una de las cinematografías mejor acreditadas del orbe.

cine

ciNE jApONéS: una guía

por ERNESTO ROdRíguEz

◉EL TigrE iNVáLidO◉

L

--

Historias de Tokio de Y. Ozu

Cuando una mujer sube la escalera, de M. Naruse

El intendente Sansho de K. Mizoguchi

Rashomon de A. Kurosawa

24 ojos de K. Kinoshita

Los niños de la colmena de H. Shimizu

Sed de amar, de K. Kurahara

La venganza de un actor de K. Ichikawa

La condición humana de M. Kobayashi

Cerdos y barcos de guerra de S. Imamura

Vagabundo de Tokio de S. Suzuki

La balada de Orin, de M. Shinoda

Desfile fúnebre de rosas de T. Matsumoto

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El inútilde Y. Yoshida

La cara de otro H. Teshigahara

Humanidad y globos de papel de S. Yamanaka

Madre, de M. Naruse

En la cima del Dai-bosatsu de K. Okamoto

Onibaba, de K. Shindo

Espía samurái, de M. Shinoda

Tres samurái fuera de la ley de H. Gosha

El esqueleto viviente de H. Matsuno

El cuento de Zatoichi, el espadachín ciego de K. Misumi

Historia cruel de juventud, de N. Oshima

Fruta marchita, de K. Nakahira

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Horacio Lozano Warpola, 1982. ha escrito lo libros neónidas 2006 - 2008, lago corea y Física de camaleones. escribe en warpola.tumblr.com y a veces es Jänko erwin, konstanz elú o iosep trinidad. los siguientes poemas pertenecen a Badaud electrónico. antología de poesía komandroviana 1965-1985, próximo a publicarse.

dATAKido Grant / Sankt Gavo, Kv. 1982. DATAFILIA (2012)

la datafilia es un problema reciente que consiste en el almacenaje descontrolado de datos / todos estos datos funcionan como dimensiones equivalentes / pueden ser en apariencia inofensivos / pero se ha comprobado que una vez que tocan el subconsciente artificial se convierten en pensamientos arbitrarios y nostálgicas herramientas del lowtech / en la mayoría de los metadatos hay lenguaje connotativo / ya se han encontrado oraciones compuestas / “abrir una lata de duraznos” / “reparar la motocicleta” / “escritura binaria cuneiforme” / “lazos de fibra óptica entre seres humanos” / “Música para sanar” / la datafilia es un compuesto / una esperanza más / similar a robar el disco duro de cristo

HORAciO LOzANO

◉TrES pOE M A S dE◉LEyES ATóMicAS

Dante Sox / Kashckar, Kv. 1969. (1984-1989)

la semilla germina hasta la primavera siguientepasto crece donde antes no había pastocon los nuevos pastos la población crecelos predadores crecen con el pastolos biólogos crecen con los predadores

sin gente, los incendios no son problema

LA MAyOríA de los jóVENES crEEN que HAy VidA

dESpuéS de la MuERTE Ägnes Zzenz / Kgrad Komandrovia, Kv. 1965.

Poemas para niños fantasmas (1982)

luego se arremangan sus camisas y salen a buscar chicassi es necesario se ponen bermudas para presumir los tatuajes en el chamorro

están seguros que cuando mueran van a poder seguir haciendo un montón de cosastienen la certeza de que si mueren jóvenes se quedarán jóvenes

como si la eternidad fuera una taberna donde los hombres bailan sin camisetacon el tiempo se acostumbran a que la vida no pronostica las situaciones

al otro día se enferman de fiebre amazónica

otro día se les muere alguien cercanodespués sus padres van a dar al policlínico

la certeza y la intimidad se agotan como aliados inesperadospuedo ver su sonrisa macabra

anda por allí bajo el sol y sin sombrero

l iteratura

HORAciO LOzANO

cEMENTERiO de prOyEcTOS

ABANdONAdOS

por LOLA HORNER

◉LA MirAdA dE MEduSA◉

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48cadáveres de ideas

Los buenos empezadores

Incluso hemos sido esas personas: las que se sueñan distintas, mejores, inalcanzables. Las mejores ideas nos parecen posibles y conseguibles teniendo el tiempo por delante.

¿Qué nos pasa entonces, cuando los días empiezan a correr y todo parece inalcanzable de nuevo? ¿Qué ocurre cuando los proyectos se van quedando exhaustos, desteñidos o nuevecitos al lado de la acera? ¿Cuándo la rutina atropella los deseos y las uvas se marchitan hasta el año que viene?

Podríamos aventurar un lamento del empezador. Podríamos decir que es difícil, que necesitamos más que buena voluntad y mucha disciplina, que hacen falta planeación y medidas drásticas.

odos los hemos visto: son estas personas que prometen bajar

veinte kilos, correr un maratón y dejar de fumar cada año nuevo, los que se proponen un deseo imposible por cada uva, boletas llenas de dieces cuando el año escolar comienza.

Se compran el kit completo de ejercicios para regocijo de las tiendas de deporte: mallas,

calcetines y ligas del pelo a juego. Comienzan a escribir la

novela de su vida, pintan la mitad del comedor de rosa mexicano, forran todos sus cuadernos (y los de sus hijos) según el feng shui.

T

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Podemos seguir pensando: “Cuando yo quiera…” y rellenar el silencio con la idea brillante a juego, el mal hábito a vencer, el proyecto tantas veces postergado. Y así nos blindamos contra el fracaso fracasando, contra las expectativas irrealizables demostrándonos a nosotros mismos, antes que a nadie, que sólo podría haber sido

lo que no es.

En el cementerio de nuestros proyectos abandonados, entre hojas de calendario arrancadas y listas de deseos, laten los cadáveres de ideas fresquitas relegadas a su suerte, de otras versiones de nosotros mismos, del inconformista que nos enamora cada tanto,

antes de adormecernos con la rutina. Mejor la cabeza

repleta de ideas que el escritorio rebosante de proyectos cuchos.

Satisfechos con nuestros sueños incompletos, seguimos dejando para mañana lo que no quisimos hacer hoy. Y así nos va.

Yo creo, sin embargo, que preferimos cobijarnos entre las mejores ideas de nosotros mismos para no enfrentar realidades incompletas.

¿Por qué cuesta tan poco emocionarse y tanto terminar? Mejor una gran idea no realizada que un resultado mediocre. Siempre tendrá, así, el lustre de los regalos no abiertos.

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Siendo la vida un suspiro

mar que pronto se oscurece

fulgor que pronto perece

y si hasta el gallo más giro

llega al final del camino.

Si está trazada la suerte

de volvernos polvo inerte,

si lo que importa es vivir

amar, disfrutar, reír

¿Por qué celebrar la muerte?

Parece un sin sentido

buscarle tres pies al gato

si sabemos que un rato

se nos apaga el latido.

Cempasúchil florecido

gorditas de horno, comida…

Es misterio sin salida,

del final estamos ciertos.

¡Invoquemos nuestros muertos

para abrazar a la vida…!

por diREccióN dE idENTidAd y pATRiMONiO ilustraciones: diEgO Buz

Décimas de ELiAzAR VELázquEz

Preámbulo: Festival de la Muerte 2014

◉FESTiVAL dE LA MuErTE◉

t rad ic iones

LAS áNiMAS se ALiSTAN para

BAiLAr

on ánimo de abrazar a la vida, del 18 de octubre al 1 noviembre, podrán disfrutarse variadas actividades en el 15 Festival de la Muerte.

Quienes gustan de la danza en sus más diversas expresiones, podrán apreciar montajes que tomando a la muerte como tema central, muestran cómo sobre la misma silueta de su presencia inevitable los cuerpos pueden trazar luminosas coreografías.

Para el público interesado en atisbar y profundizar los horizontes del pensamiento respecto a este misterio siempre desbordante del vivir y del morir, habrá manera de que se aproximen a la concepción de la vida y de la muerte según el pensamiento de los pueblos wixaritari, o a los mitos y realidades del suicidio.

Quienes por esas fechas buscan opciones cinematográficas tendrán al alcance espacios para solazarse en la oscuridad y entre gavetas mortuorias con filmes de vampiros y con múltiples miradas a la muerte desde la magia del llamado séptimo arte.

Así mismo, no podía faltar la caminata el Despertar de las Ánimas, ese momento maravilloso donde los pasos multitudinarios, la música, la danza, y las distintas maneras como cada quien juega con la muerte, convierten a las calles del centro histórico y de la Plaza Fundadores, en un efímero pero majestuoso espacio escénico.

Para quienes esperan esas fechas deseando volver al panteón, acudir por primera ocasión a presenciar algún espectáculo o encontrarse con los Cuenta Leyendas que entre tumba y tumba los conducirán por las rutas de la memoria histórica de la ciudad, tendrán variadas alternativas; incluidos los niños y niñas para quienes este año habrá funciones producidas especialmente para ellos, de modo que se acerquen a dialogar con el misterioso silencio de ese majestuoso y entrañable lugar que es el Panteón San Nicolás.

C

Los boletos serán entregados en la recepción del Instituto

Cultural de León. Plaza Catedral s/n Centro Histórico. Tel. (477)

716 43 01. En los siguientes días y horarios (máximo 2

boletos por persona):

sábado 11 de octubre de 12:00 a 20:00 horas

A partir del

lunes 13 de octubre (hasta que se agoten)

de 9:30 a 15:30 horas.

Para las funciones dedicadas al público infantil cada adulto podrá recibir dos boletos para

niños y niñas mayores de 7 años.

La programación completa se podrá consultar a partir de la primera semana de octubre en:

¿cómo obtener Boletos para los eventos en el

panteón san nicolás?

www.institutoculturaldeleon.org. mx

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50 AñOS del TEATRO igNAciO

gARcíA TéLLEz

por LuiS MEzA

◉ANiVErSAriO◉

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El otro teatro leonés

Es 1964. El mundo conoce al icónico pistolero sin nombre interpretado por Clint Eastwood en ‘Por un puñado de dólares’;

los mexicanos tienen ya más de un lustro moviéndose al compás de los Teen Tops y los Rebeldes del Rock y los leoneses reajustan su idea acerca de lo que está “lejos” con la apertura del boulevard López Mateos.

Sería un poco más allá de donde originalmente terminaba esa vialidad (el Parque Hidalgo), que la ciudad experimentaría su segunda sacudida modernizadora del año tras la inauguración del propio Eje: la apertura de la Unidad de Servicios Médicos y Sociales

del Instituto Mexicano del Seguro Social. El entonces presidente Adolfo López Mateos, junto al gobernador Juan José Torres Landa, fue el encargado de inaugurar la flamante obra el 28 de septiembre de 1964.

Además de su obvio papel como hito en el cuidado de la salud, el complejo del IMSS tiene un significado especial para la historia cultural de León, pues junto con él se inauguraron el mural ‘El padre Hidalgo y sus enseñanzas’, obra de Federico Cantú y que sigue siendo la mayor obra de arte público de la ciudad (con 380 metros cuadrados de superficie) y el Teatro Ignacio García Téllez, que durante casi 15 años fue el único recinto de su tipo en la localidad.

Y es que en ese momento, el antiguo Teatro Manuel Doblado tenía cinco años convertido en poco más que un baldío, tras haberse demolido su sala principal con el anhelo de ampliarla y reformarla, el cual se cumpliría hasta 1979.

A falta del Doblado, el Teatro del IMSS fue el máximo recinto escénico de la ciudad. El lugar adonde llegaban tanto las comedias con los actores del momento, como Germán Robles, Fernando Luján o unos muy jóvenes Enrique Alvarez Félix y Jorge Ortiz de Pinedo; como las caravanas culturales de FONAPAS o las propuestas de la Compañía Nacional de Teatro.

Bautizado con el nombre del ilustre abogado leonés que fue rector de la UNAM y segundo director general del IMSS, el García Téllez fue un recinto moderno para su tiempo, gracias a su escenario con plataforma giratoria de más de nueve metros de diámetro, su ciclorama móvil y sus 465 butacas “con magnífica acústica y visibilidad”, según los diarios de la época.

Foto: Archivo Histórico Municipal

Espacio formativo para artistas teatrales en los setentas; sede de los concursos municipales de teatro de los ochentas; uno de los foros del primer Festival Internacional de Arte Contemporáneo en los noventas y sede, junto con el Doblado, de las temporadas iniciales del Programa Nacional de Teatro Escolar en este siglo, el Teatro Ignacio García Téllez busca su rol en el nuevo concierto de escenarios leoneses.

LuciéRNAgA AzuL dos años de compromiso social

por yOLANdA guTiérrEz dE VELAzcO

◉ FOrO, gALEríA LiBrEríA ◉

ar ‘play’ a un ideal que se materializa no es una tarea fácil, y más

cuando se trata de arte, cultura y beneficio en pro de los más necesitados.

A dos años de su creación, Mariana León encabeza Luciérnaga Azul, un proyecto dividido en dos principales vertientes: por un lado, la librería especializada en artes escénicas, única por su rico acervo y por el otro, una de carácter social que promete seguir expandiéndose.

La librería cuenta con una importante colección de libros de danza, teatro, literatura y otras disciplinas artísticas. Distribuye libros de las editoriales El Milagro, Paso de Gato, Azafrán y Cinabrio, ‘Artezblai’ y de la librería Yorick de Madrid entre otras.

En la vertiente de trabajo social, está el proyecto ‘Luciérnaga en vuelo’, con el taller de objetos artesanales de uso funcional, que tiene una duración de 4 meses y en donde se aprenden técnicas de repujado en aluminio, cartonería, teja, vitromosaico, bisutería artesanal, reciclado.

D

del sello editorial Aluzar con la presentación del libro ‘Los retos de la dirección de escena actual’, autoría de Guillermo Heras, coedición de Luciérnaga Azul y apoyado por el Instituto Cultural de León y el Citru.

Finalmente está la parte académica, enriquecida por diversos talleres. Están los recurrentes como el de fotografía, los de labor social como el antes mencionado ‘Taller de objetos artesanales de uso funcional’, los novedosos como el de ‘Cocina artesanal mexicana y mesoamericana’ y los dirigidos a los pequeños del hogar, Taller ‘Artesano-artesanito’, por nombrar sólo algunos.

El objetivo es potenciar las habilidades de los usuarios, para que aprendan técnicas que puedan posteriormente enseñarlas en la comunidad donde viven y pueda convertirse en una forma de ganarse la vida. Y lo más importante, brindar esperanza a las personas: especialmente a las mujeres de comunidades rurales, para que puedan sentirse útiles, seguras de sí mismas y con una mayor autoestima.

“La parte de colaboración interinstitucional es la base para que crezcan todos los proyectos, ver en el otro las fortalezas y no las debilidades, al contrario, potenciarlas”, comenta Mariana León.

Además de la librería y el proyecto social, Luciérnaga Azul es poseedora de una biblioteca que cuenta con material muy diverso con temas para todo tipo de públicos y que se distingue por tener recopilaciones de libros donados por centros de investigación y festivales como el GIFF y un completísimo acervo histórico del Festival Internacional Cervantino.

Del 11 al 30 de septiembre serán los festejos por el aniversario, abiertos al público en general. El domingo 21, día del cumpleaños, será el lanzamiento

for o , galer ía , l ibrer ía

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Un lugar de encuentro, academia y esperanza que promete seguir expandiéndose

BAiLE, TRAdicióN y cELEBRAcióN:

por LA REdAccióN

◉dANzA FOLcLóricA◉

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58feste Jo s pat r io s

29 a Muestra de Danza Folclórica

Luego de casi treinta años, la Muestra de Danza Folclórica sigue siendo una arraigada tradición en León. Los primeros esfuerzos fueron de Octavio

García Frausto, director fundador del ballet de la Casa de la Cultura que ahora lleva su nombre, e incansable promotor del arte y la cultura en Guanajuato.

Desde sus inicios, este evento celebra las fiestas patrias de septiembre y presenta al público una serie de coreografías ejecutadas por grupos representativos de la ciudad y otras regiones del país. De esta forman preservan y transmiten sus bailes tradicionales.

La 29ª Muestra de Danza Folclórica es organizada por el Instituto Cultural de León, a través de la dirección Académica y los directores de grupos de danza de la Casa de la

Cultura Diego Rivera, encargados de realizar una selección exhaustiva de los numerosos grupos locales y foráneos que atienden la convocatoria anual.

Del 11 al 21 de septiembre se llevarán a cabo 9 presentaciones abiertas a todo público, sin costo. La sede única del evento será Plaza Fundadores y las coreografías de dos o tres grupos se podrán disfrutar en horario vespertino.

El programa lo conforman 20 grupos provenientes de San Francisco del Rincón,

San Miguel de Allende, Irapuato, Querétaro y León. Entre los conjuntos de la ciudad que participan se cuentan ballets infantiles y de la tercera edad, además de colectivos de gran tradición como Tonantzin, Masehualistli y el Ballet Octavio García Frausto, que para la inauguración del evento, compartirá escenario con el Ballet Folclórico de la Sandía.

L

gROSELLAS SALVAjES,

un recetario feliz

por MARíA LuiSA VARgAS

◉ Ag uA LA BO cA ◉

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hubo una vez una chica que sabía hacer lo que le hacía feliz, Suzie Frankfurt era muy bohemia y se dedicaba a la decoración de

interiores, entre otras cosas… un muy buen día conoció a un amigo de pelo blanco y alma de colores que sabía jugar con lo que todos vemos, pero no sabemos que vemos. Andy Warhol y

Suzie comenzaron a ser amigos en 1959, esa fue una primavera extraordinaria para ambos artistas, personalidades innovadoras, creativas, irreverentes. Como cuando dos genios se juntan algo tiene que acabar pasando, para el

otoño de ese año se les ocurrió poner en aprietos a todos aquellos libros de cocina francesa taaan perfectos, taaan académicos, taaan difíciles de seguir y tan, pero tan arrogantes, que en ese entonces eran la estranguladora regla de oro para las amas de casa que quisieran destacar en la cocina.

h

gast r onomía

Una serie de libros de cocina llenos de humor y

desenfado, divertidos y artesanales, pequeñas

obras de arte

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Andy invitó a su mamá, Julia Warhola y a Suzie a ponerse manos a la obra, y así, hechos a mano,

confeccionaron 34 deliciosos libros de cocina, en los que Suzie había inventado las más imposibles, absurdas y chispeantes recetas que Julia

caligrafiaría con una fabulosa letra fuera de molde. Andy se puso a dibujar y luego llamó a cuatro

vecinos suyos para que le ayudaran a colorear las ilustraciones. El resultado fue una serie de libros de cocina llenos de humor y desenfado,

divertidos y artesanales, pequeñas obras- de arte que nunca se vendieron, y que terminaron siendo los

regalos de navidad que este feliz, aunque un poco desencantado equipo, ofreció a sus amigos más queridos.

Wild Raspberries o grosellas salvajes fue el título que le pusieron al recetario, haciendo una referencia

directa a la película Fresas Salvajes que en 1957, Ingmar Bergman regaló al mundo.

Esta película como el recetario mismo, tienen un gran poder evocador, fascinante, gracias a su construcción libre.

Grosellas Salvajes -el recetario- es un juego de imágenes infantiles de colores primarios y recetas inverosímiles. Fresas Salvajes – la película-es un título que hace brotar la evocación, juega con los recuerdos y la realidad de un viejo que regresa al hogar de su infancia, en donde se encontró por primera vez con el amor.

El pequeño rincón de las fresas -un fruto raro y precioso cuando uno vive cerca del polo norte- es en la iconografía escandinava, el paraíso perdido de la inocencia y la esencial fugacidad de la felicidad infantil.

Una vez más, el texto literario de un recetario, el texto visual de

las ilustraciones y del cine, se encuentran con la imaginación y el color de

aquello que con la boca recordamos,

imaginamos, y soñamos, el texto

culinario.

gast r onomía

urrAcA cATriNA:

por jORgE LuiS FLORES • Fotos: cHg

◉EL SiTiO◉

Arquitectura culinaria

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68gast r onomía

Una urraca se ha metido a la cocina pero esto no molesta a nadie. Muy al

contrario, su llegada es motivo de júbilo pues tras su plumaje, esta ave guarda ambiciones culinarias de altos vuelos y un apetito prodigioso.

La urraca llegó debido al movimiento de migración creativa del arquitecto, Flavio Aguilar Olguín, quien explica que todo arquitecto pasa por periodos de locura, donde

“O me voy de monje o de cocinero”,

dijo un día Flavio Aguilar. Por suerte

para nuestras papilas gustativas, eligió la

segunda opción

el desaforado afán de crear desborda los planos y exige emociones más grandes que una elocuente balaustrada. “O me voy de monje o de cocinero”, le dijo un día a Alma, su pareja. Por suerte para nuestras papilas gustativas, eligió la segunda opción e ingresó a la Escuela Nacional de Gastronomía.

Desde las mesas, los comensales tenemos el privilegio de ver trabajar a Flavio y a su equipo, conformado por Alma, la tía Blanca y la joven Andrea.

una de las oBras de Flavio aguilar que adorna el local, quien además de ser arquitecto y chef incursionó en la pintura.

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negar la cruz de su parroquia. Después de un tiempo los platillos empezaron a hacerse más elaborados, más arriesgados, más exquisitos. Echando mano de la ‘Deconstrucción culinaria’, Flavio ha tomado platillos clásicos y les ha dado la vuelta, intensificando su sabor; llegando a tener lo que quizás sea la única fonda que no le pide nada al mejor restaurante.

El menú del día está conformado por cinco tiempos de fantasía, los cuales se van sucediendo en la mesa como un carnaval de sabor frente a nuestras ávidas bocas. El proceso de degustación comienza con esa alianza hechizada entre la vista y el olfato, la cual augura las sucesivas explosiones de sabor.

Me remito a los platillos: Chiles hojaldrados rellenos con pierna de cerdo horneada, y bañados con salsa de higo; crema de huitlacoche con un par de flores de calabaza rellenas de queso; un medallón de atún en tamarindo sobre un hongo portobello. Al llegar a este punto el estómago exige una tregua, pero la mera vista de unas costillas bañadas con salsa de maple nos hace recaer. Para finalizar, Flavio sirve una tarta de manzana e higo y sonríe triunfal. Sabe bien que, como un Le Corbusier gastronómico, ha erigido puentes entre la delicia y nuestro paladar.

La mejor cocina está en Chiapas norte esquina con Costa Rica. Me lo dijo un pajarito y le creo, porque era una urraca… una Urraca Catrina.

Los cocineros extienden la masa para el hojaldre, especian una pierna de cerdo y elaboran una mermelada de higo con una dedicación que hace pensar en Gaudí al momento de diseñar la fachada de la Natividad. El chef arquitecto lo dice así: “Es una realización y una creación en chiquito”.

En la Urraca Catrina no existe carta. Aquí se navega hacia lo desconocido cada día y la única brújula es la calidad de los ingredientes que puedan conseguir. Alma y Flavio emprenden hasta dos viajes diarios al mercado y se surten de lo mejor para crear algo nuevo.

Flavio ideó a la Urraca Catrina como una fonda con un toque especial, pero nadie puede

en la urraca catrina no eXiste un Menú FiJo. los platillos del día dependerán de la apariencia de los comestibles en el mercado.

Al ter nA ti vAs

septiembre 2014

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AMALiAHERNáNdEz

Folclor y tradiciones mexicanas

por yOLANdA guTiéRREz dE VELAzcO

◉ A L ciEr rE ◉

no de los ballets folclóricos más importantes y con mayor tradición en el país llegará a León el martes 23 de

septiembre para presentar un programa que resalta las tradiciones más arraigas de México, como la fiesta de la Candelaria, la Danza de la Pluma y la charrería.

Hace más de 60 años, la bailarina, directora y coreógrafa Amalia Hernández tuvo la iniciativa de formar su propia compañía dancística con el objetivo de impulsar la profesionalización de los bailarines. Así comenzó un pequeño taller con sólo ocho integrantes denominado Ballet

Moderno de México.

Años más tarde el ballet representaría a México en los Juegos Panamericanos de Chicago, por lo que realizó una gira con 50 miembros y adoptó así el nombre con el que es reconocido actualmente: ‘Ballet Folclórico de México’

Hernández reunió en sus coreografías danzas folclóricas ceremoniales, espirituales y celebraciones indígenas, llenas de color y energía, logrando un gran reconocimiento y proyección en México y el mundo. Su hija, Norma López, fue la encargada de continuar la labor de crecimiento y desarrollo de la colorida agrupación que se presenta en León, en el Teatro Manuel Doblado. Días antes de iniciar el Festival Cervantino.

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Revista Cultural Alternativas N52 Septiembre 2014