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04-05 / 2016 #203 año XIwww.revistallegas.com.ar

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OBRA DE TAPA

SUMARIO

203Maria Magdalena o la Salvación, regresa luego de la gira por Colombia. Con Julieta Alfonso y Dirección de Ana Alvarado, los Sábados a las 19.30. En Patio de Actores, reservas 4772-9732Prueba y error, dirigida por Juan Pablo Gómez, seleccionada para la Fiesta del Teatro de CABA los jueves a las 21 en Timbre 4, Mejico 3554.Late cordon funciones en abril: Domingo: 3 y 10 a las 21.30. Viernes: 8, 15, 22 y 29 a las 20. Teatro Noavestruz, aHumboldt 1857. Dirección Marina Barbera.

ARTE Los mundos de marco, una exposición donde la experiencia compartida abre nuevos caminos.

BARES El Cocilón de Clu, la parrillita de la esquina que le estaba haciendo falta a Colegiales.

MÚSICA En Future Days, David Stubbs analiza el genero que revolucio-nó la música alemana en la segunda mitad del siglo XX.

LETRAS Aunque sin pena de ni gloria al momento de editarlos, son muchos los libros que hoy son consideradas joyas preciadas. Editoriales como Club Cinco les dieron una nueva oportunidad.

BUENOS AIRES Una de las librerías más bellas, El Ateneo Grand Splendid,

CINE Por primera vez el conflicto bélico de las islas Malvinas se mos-trará desde un lugar más intimista y personal de la mano de Federico j. Palma. Estrena el 14 de abril.

NOCHE En la oscuridad absoluta, la música envuelve durante la experien-cia Sonido 360 que se lleva a cabo en el Centro Argentino de Teatro Ciego.

TEATRO Las cronistas de Llegás nos acercan nuevos recomendados para darnos una panzada de teatro y no morir en el proceso.

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EDITOR RESPONSABLE Gustavo Gaona EDITOR DE CIERRE Armando Camino EDITOR Juan Ignacio Crespo DISEÑO Daniela Sawicki COLABORAN EN ESTE NUMERO Luz Marchio (arte), Armando Camino (bares), Martín D’Adamo (noche), Martín Caamaño (música), Irene Valiente (buenos aires), Santiago Hamelau (letras), Ximena Brennan (cine), Julieta Bilik, Juan Ignacio Crespo y Vera Czemerinski (teatro). TIRADA DE ESTA EDICION 12 mil ejemplares

PUBLICIDAD: Ricardo Tamburrano (15 5958 7489, ricardotamburrano@gmail.com y teatro.llegas@gmail.com) llegás a buenos aires es una publicación mensual de distribución gratuita, Propiedad de GyH Contenidos Srl, Chile 1507, Piso 2. CP. 1100, CABA. Fundada el 5 de agosto de 2004. Se distribuye en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Registro de marca 2519629. Re-gistro de la propiedad intelectual exp. 347083. ISSN 1668 – 5326. La programación de las agendas puede sufrir cambios por parte de los organizadores. Llegás no se responsabiliza de los mismos.

?QUIENES SOMOS

Florencia Walfisch, nació en Argentina, en 1970. 

Poeta y artista visual, durante varios años se 

centró en el dibujo y la escritura y desde el 2004 

incursiona en el arte textil.  

Realiza muestras individuales y participa en 

exposiciones colectivas, salones y proyectos inter-

disciplinarios. También en lecturas y encuentros 

de poesía. Sus textos se incluyen en diferentes 

publicaciones y antologías. La obra de tapa puede 

visitarse en el marco de la muestra Conversación, 

Ana Efron Y Florencia Walfisch con curaduría de 

María Emilia Marroquín.

Casa. Bordado y cosido en lienzo y telas- 195 cm x 

195 cm, 2016. 

Casa Matienzo - Tte. Benjamín Matienzo 3136. 

Colegiales. Hasta el 22 de abril. Martes y miércoles 

de 15 a 18, viernes de 18 a 20:30. Otros horarios 

con cita previa. Consultar al 4554 9217. Gratis

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ARTE

cartografía del gestoLOS MUNDOS DE MARCO, UNA EXPOSICION DONDE LA EXPERIENCIA COMPARTIDA ABRE NUEVOS CAMINOS EN EL BARRIO DE FLORES.

Conscientes de la naturaleza de los hechos, a veces, miramos las cosas sin esperar una sorpresa. ¿Cuántos mundos podemos habi-tar? No lo sabemos. Sin embargo, todo es posible. En una entrevista exclusiva para Llegas, Karina Farji y Lucila Silbermins- integrantes del taller de Susana Schnell y curadoras de la muestra Los Mundos de Marcó- nos cuentan sobre la experiencia de crear un espacio de reflexión y producción en torno al arte.Se me ocurre que Los mundos de Marcó es el producto de muchos vaivenes ¿cómo fue que encararon esta idea? SS- Este es un grupo que trabaja desde hace bastante tiempo. Acá no se trata de esta-blecer una relación profesor-alumno sino más bien de una conexión entre talleristas. Apuntamos a mostrar el trabajo de algunos integrantes que ya tienen un trabajo con-solidado en lo que respecta al cuerpo de obra. La idea fue empezar a gestionar un espacio donde se pueda salir, en el sentido de hacerse visible, que es una de las cosas que más cuesta. Lucila Silbermins y Karina Farji son las curadoras y van siguiendo a

los artistas, pensando el montaje y el guión de la muestra. KF- Pienso que la muestra se armó desde el taller, teniendo en cuenta a los artistas que forman parte de él. Exponen Alejandro Gabriel, Cecilia Navas, Claudia Fernández, Elvira Lofiego, Karina Farji, Lucila Silber-mins, Marina Altcheh, Marta Leibiker, Na-dia Gómez, Nora Kamenechy, Paula Sala, Rosario Murua, Vanina Bradach y algunos artistas invitados como Laura Ortego, Ga-briela Fernández y la misma Susana Sch-nell. De alguna forma, hay un traslado de ese espacio hacia un afuera.¿Y cuál es el punto de partida del guión curatorial?K- Consideramos a cada artista en su in-dividualidad pero también en relación con un todo. El taller es un espacio no solo de producción sino también de pensamiento. En la exposición vamos a trasladar este es-píritu llevando a cabo diferentes activida-des en el marco de la muestra como, por ejemplo, lecturas de texto, algún evento de música, convesatorios con artistas y cura-dores. Este tipo de actividades solemos te-

nerlas en el taller y nos parece importante incluirlas. LS- Es cierto lo que dice Karina. Nosotras partimos de la idea de Mnemosyne Atlas de Aby Warburg. Se trata de un  disposi-tivo para interpretar y pensar las imáge-nes,  para hacer saltar correspondencias, para evocar analogías.  Tomamos esta idea para unir a los artistas con una lógica entre sí. El espectador va a ver una cartografía que hará de hilo conductor entre las obras.Me imagino que cada uno viene con un bagaje ¿Cómo se coordina semejante di-versidad en el equipo? KF- Cada artista es muy diferente al otro, la idea de Atlas nos permitía abordar esta diversidad. Por eso el título: Los mundos de Marcó. Hablamos de diferentes caminos y también podemos jugar un poco con el significado de la palabra Marcó en rela-ción con el nombre del espacio donde se va a realizar la muestra, el Centro Cultu-ral Marcó del Pont. Volviendo al nexo con el taller y lo que significa como espacio de reflexión, creo que lo más importante fue lograr un equipo de trabajo que contemple

AlejAndro GAbriel,”nAVe V “,2015. Acrílico y pAstel tizA sobre telA, 100cm x 50 cm.

lAurA orteGo, s/t de lA serie chicAs beijinG,2014. FotoGrAFíA 55x 35 cm.

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i

UMBRAL AL SILENCIO

INTERIOR

Los Mundos de Marcó

Centro Cultural Marcó del Pont- Arti-

gas 202 (Flores)

Inauguración 23 de abril- Cierre 15

de mayo, todos los días de 10 a 20 hs.

Gratis

La galería de arte porteña, LEKU, especia-lizada en fotografía argentina contemporá-nea, inaugura su primera muestra del año con la obra de Diana Randazzo. En sus viajes por el norte argentino, los desiertos patagónicos entre otros paisajes, Randaz-zo toma fragmentos de la naturaleza, para luego intervenirlos digitalmente. Según Julio Sánchez, “Con sus fotos Diana trata de subrayar las posibilidades formales del movimiento expansivo del alma del mundo que siempre parte de un centro, en cada obra hay una finalidad claramente estética, pero a la vez busca conducir al espectador hacia el conocimiento de la Unidad”.Leku Galería - Arenales 1239, Planta Alta “P” Hasta el 20 de mayo- lunes a viernes de 13 a19.30 Gratis www.leku.com.ar

Con la curaduría de Sebastián Vidal Mac-kinson, Interior expone el resultado de una investigación desarrollada por el artista Li-vio Giordano a lo largo de cinco años. La idea es dar cuenta de las transformaciones de los espacios rurales, anclados éstos en un imaginario urbano desfasado históri-camente. La muestra site-specific exhibe “artefactos visuales que focalizan en aspec-tos de la dinámica actual de la industria agrícola en Sudamérica”. Imagen, texto y juego complejizan así una experiencia me-tafórica y ponen de manifiesto los entrete-lones propios del campo y el agronegocio. Rolf Art Dirección: Posadas 1583, 1 “A”, Buenos Aires, Argentina hasta el 27 de mayo- lunes a vie de 11 a 20 Gratis www.rolfart.com.ar

las inquietudes de cada integrante. SS- Me parece importante que ellos atravie-sen esto. Es un entrenamiento. Sí, es cierto. Hoy en día no alcanza con tener un cuerpo de obra sino también hay que atender a un montón de cosas del orden de la gestión. ¿Qué opinión tienen acerca de la figura del artista-gestor?KF- En general, la pasión es lo que nos per-mite sostener esto a largo plazo. Sabemos que nadie nos va a venir a buscar y por eso este espacio es el motor para generar cosas. LS- A propósito de lo que dice Karina, es interesante la idea de intersticio. Es impor-tante dónde nos ubicamos en la escena. SS- Por ejemplo, el Centro Cultural Marcó del Pont, un espacio curado por Jorge Men-zi, es un lugar muy particular. Se trata de una casa colonial, en el barrio de Flores. Es muy especial y vale la pena conocerlo. Por

último, ¿Qué es lo más importante para un artista?Respuesta al unísono: ¡El trabajo!En cada gesto de artista hay un tiempo acumulado de preguntas. Nada es más ge-nuino que salir al encuentro, tocar, espar-cir las ideas sabiendo que la imaginación es la medida de nuestro tiempo.

LUZ MARCHIO

lAurA orteGo, s/t de lA serie chicAs beijinG,2014. FotoGrAFíA 55x 35 cm.

6BARES

¿FLORES DE TELA Y SILLAS DE PLÁSTICO? EN EL COCILÓN DEL CLÚ, NO: ESTA PARILLA COQUETA DE COLEGIALES SUMA UN AMBIENTE ACOGEDOR A LA COMIDA CASERA CON PRECIOS RAZONABLES.

i EL COCILÓN DEL CLÚ

Conesa 1299, 4553-2484

Domingo a martes de 8 a 19 y de

miércoles a sábado de 8 a 1

Ambiente, colorido; atención, muy

buena; recomendación, los platos de

parrilla, las ensaladas y la limonada

natural y fresca

a la parrilla con encanto

“¿Nunca fuiste al Cocilón del Clú?”, pre-guntaba siempre Hugo Zacsek a los más cercanos. Y todos, invariablemente, con-testaban igual: “No, nunca”. La respuesta era lógica: El Cocilón del Clú sólo existía en la cabeza de Hugo; era parte de una invención suya para sembrar la intriga entre los amigos. “Si nunca fuiste, no sos nadie”, insistía. La fantasía, sin embargo, tomó cuerpo muchas décadas después porque en 2012 su hijo Lucas, Lucas Zac-sek, se encargó de abrir, bajo ese nombre, un pequeño restaurante en una esquina espléndida de Colegiales. Así que hoy, un lunes de otoño, unas letras grandes recuerdan en la puerta esa vieja provo-cación: El Cocilón del Clú – Bar y cocina de barrio.

Una vez atravesado el umbral, el cliente verá esto: ocho mesas, cada una con su flor natural, un espejo grande de colores, lamparitas verdes, amarillas y lilas, sillas tapizadas con estampados chillones, una decena de cuadros en las paredes y filas de cactus en macetas a ra-yas. El cliente oirá esto: a Jorge Drexler

cantar bajito y, en la tele, a un comenta-rista relatar el partido de fútbol (la tele es una excepción, son cosas de la Copa del Mundo). Todos miran la pantalla y de repente, con el balón casi dentro del arco, suena “uuuuuuh” en el espacio y los tene-dores quedan suspendidos en el aire. Al volver al plato encontrarán de nuevo el menú del día: vacío con ensalada y papas, o bien un plato de sorrentinos.

“Parrilla, pastas y minutas. Esas son nuestras tres especialidades”, dirá luego Lucas, que ahora sirve en cada mesa des-parramando simpatía. A muchos de los clientes les llama por su nombre, los des-pide con un beso o les bromea. “Lo que faltaba en el barrio era una parrillita con onda”, explica ahora, ya sentado y con la carta de su emprendimiento en la mano.

Ahí señalará las pastas “recién amasa-das”, sorrentinos caprese, por ejemplo, o de queso brie, de osobuco o molleja; el chinchulín o la morcilla de la parrilla; o las minutas. Junto con las carnes, los clientes prefieren también las ensaladas y, cómo no, el dulce final: entre otros, la

chocotorta, el arroz con leche o el brow-nie con dulce de leche y helado de crema. En la pizarra donde se recuerdan los pos-tres El Cocilón del Clú escribe “barriga llena, corazón contento a toda hora”. Y cuando los comensales están ya conten-tos, pagan y se retiran, justo en el mo-mento en que los jugadores abandonan la cancha.

Afuera, en la terracita, una chica lee el diario y una niña pinta ante la mirada del padre. Hace sol. En el aire hay buena onda.

ANA CLAUDIA RODRíGUEZ

B/RBARES Y RESTAURANTES bares@revistallegas.com.ar

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DOÑA

Bulnes 802, esq. HumahuacaReservas: 4862-9278Doña es una cantina que intenta homenajear a los gran-des bodegones de Buenos Aires desde la mirada del pre-sente, rescatando ese espiritu que nosotros recordamos de nuestra infancia.

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FILO

San Martín 975. Retiro. Reservas 4311-0312 / 1871. Cultura gastronómica ítalo-véneta, lugar de diversión, para mirar y ser visto. Música, siempre. Excelentes las pizzas y la mejor barra de tragos. Más información en:www.provision@filo-ristorante.com

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TIEMPO DE GITANOS

Restaurante - Tablao FlamencoEl Salvador 5575, Palermo hollywood, tel.4776-614312 años con el mejor show flamenco y la cocina española imperdible, para venir con amigos de tapas, aprovecha y presenta el aviso de esta pagina para obtener un 2x1 en entradas al show. www.tiempodegitanos.com.ar

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LA REINA KUNTI!

Humahuaca 3461. Abasto. Reservas e informes al 4863-3071.Delicias vegetarianas de la cocina védica. Un rincón para espiritualistas donde el aire que se respira es más livia-no. Chutneys, arroces varios, ensaldas y pastas. Delivery-catering. Martes a sábados de 10:30 a 0:30.

MUSETTA CAFFé

Musetta Caffé. Billinghurst 894, esquina Tucumán.Información y reservas: 4867-4037.Disfrute de los mejores desayunos, meriendas, almuer-zos y cenas. Lunes de 10 a 20; martes a viernes de 10 al cierre; sábados de 17 al cierre. Más información en www.musettacafe.com

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GUARDA LA VIEjA!

Billinghurst 699 esquina Guardia Vieja.Reservas: 4863-7923Comedero & Bebedero ubicado en una clásica esquina de Almagro, con un ambiente ideal para relajarse con amigos o en pareja. Exquisitos platos caseros, picadas, tragos, cervezas, vinos y buena música para condimentar.

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Guarda la Vieja! Comedero & Bebedero ubicado en una clásica esquina de Almagro, con un ambiente ideal para relajarse con amigos o en pareja. Ex-quisitos platos caseros, picadas, tragos, cervezas y vinos. La música condimento ideal de la noche.

DoñaUna pequeña cantina en una esquina del barrio de Almagro

Especialidad en pastas caseras amasadas en el salónPicadas con productos artesanales

Billinghurst 699 esquina Guardia Vieja. Teléfono: 4863-7923 Abrimos todos los dias.Horario: Domingo a Jueves de 18 a 2 hs. Viernes y Sábado: 18 a 5 hs.

Abierto de martes a sábados de 12 a 15:30 y de 20 a 00:30 hsLunes y Domingos de 12 a 15:30 hsBulnes 802, esquina Humahuaca, Almagro, Buenos Airesreservas al 4862-9278

No cobramos cubierto. Pago solo efectivo.

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¿Quién inventa los chistes? ¿Cómo llegan a difundirse sin que nadie -ni el que los cuen-ta ni el que los oye- se pregunte su origen? Simplemente los chistes están ahí, viajando de boca en boca, a través del tiempo. Algu-

nos desaparecen, quedan en el olvido. Otros se reactualizan. Algo similar pasa con algu-nos términos que, de un momento a otro, alguien pronuncia o escribe y luego otros comienzan a repetir hasta instalarse en el

inconsciente colectivo, borrando su proce-dencia y a veces hasta mutando su verdadero sentido. Todo estos interrogantes se los hace el escritor y periodista inglés David Stubbs acerca del término “krautrock” en su libro Future days. El Krautrock y la construcción de la Alemania Moderna, otro lanzamiento de la colección “synesthesia” de la editorial Caja Negra, que ya tiene varios ensayos sobre mú-sica como Black Music. Free jazz y conciencia negra de Leroi Jones o La historia secreta del disco. Sexualidad e integración racial en la pista de baile de Peter Shapiro, además de algunos libros de Simon Reynolds.

Es sabido el refinado criterio editorial de Caja Negra, cuyos libros son un verda-dero lujo para los lectores en castellano, pero volvamos a Future days. Al comien-zo del libro, Stubbs intenta desentrañar el origen y las verdaderas significaciones del término krautrock. Hoy el krautrock está asociado a un determinado género musical que sin embargo define -y engloba- músi-cas y estéticas muy disímiles. Después de todo, más allá de tener la misma nacionali-dad y compartir una misma época, ¿en qué se parecen grupos como Kraftwerk o Can? Musical y estéticamente hablando, en muy poco. Entonces ¿de qué hablamos cuando hablamos de krautrock? Stubb parte de esta problemática para intentar zanjar las dudas y ponerse a escribir a sus anchas de lo que realmente le interesa: las complejas histo-rias en torno a los grupos que se catalogan bajo este término.

“Kraut” era el modo de referirse a los alemanes por parte de los soldados de la ocupación aliada luego de la Segunda Gue-rra. Por eso desde el vamos es una palabra despectiva. “Sería una cosa si el término hubiera sido acuñado por los alemanes mismos”, reflexiona Stubbs, “o si se lo hu-bieran apropiado como los afroamericanos se apropiaron de la palabra “nigger”, o los gays de la palabra “queer”. Pero no lo hicie-ron”. El periodista Richard Williams, que

¿de qué hablamos cuando hablamos de krautrock?

MÚSICA

En FuturE DAyS, DAvID StubbS AnAlIzA El gEnEro quE rEvoluCIonó lA MÚSICA AlEMAnA En lA SEgunDA MItAD DEl SIglo XX.

ii Jueves 15Martes 10

La banda de Boedo sigue presentando su último disco, “Jungla de Metal 2”, junto a los clásicos de siempre. Esta vez contaran con dos buenas banda invitadas que se encargaran de abrir el show: Los Accidentes y Casalves. A las 20hs en Niceteo Club (Av. Niceto Vega 5510). Entradas anticipadas: $100.

El cantautor nacido en Gotemburgo, Suecia vuelve a la Argentina por tercera vez. Presentará su último disco Vestiges & Claws y temas de toda su discografía, incluido Veneer, su álbum debut, por el cual es reconocido en el mundo. A las 20:30hs en el Teatro Coliseo (M.T. Alvear 1125) Entradas desde $200.

Mi sábado 30 y doMingo 1

Mientras prepara su nuevo disco de estudio, Aristimuño presenta su primer disco doble en vivo, que registra la originalidad de sus canciones arregladas y versionadas en la potencia única de su interpretación. A las 21hs en Teatro Gran Rex (Av. Corrientes 857). Entradas desde $240.

trabajó en Melody Maker durante los 70’s -revista en la que también escribía Stubbs- se confiesa: “¡Tengo la extraña sensación de que fui yo!” Lo cierto que el término no le agradaba a los propios alemanes. John Weinzierl de una de las bandas fundacio-nales del género, Amon Düül, es termi-nante al respecto: “La definición krautrock siempre fue ‘músicos alemanes queriendo sonar como músicos norteamericanos o ingleses’. Eso es el krautrock para mí. Por eso siempre les recomendé a Scorpions como un ejemplo. Y no creo que les guste.” Desde ya Weinzierl tiene razón. Si de algo viene a dar cuenta el libro de Stubbs es que todo el movimiento krautrock nace de un desesperado intento por alejarse del colo-nialismo musical estadounidense y britá-nico. “Kraut” en alemán significa “hierba”. Stubbs escribe: “como categoría espuria, “rock de hierba”, no estaría tan mal después de todo”, pensando en las aspiraciones de los románticos por la vida natural que casi todos estos grupos surgidos en los 70’ de algún modo u otro retomaron.

A su manera, Future Days tiene por lo menos tres comienzos. Además de contar con una “introducción” y un “prólogo”, el li-bro abre con una alucinante descripción de un recital que tuvo lugar en Unna en 1970, en donde, ante un público atónito, com-parten escenario los incipientes Kraftwerk -con los integrantes de lo que sería Neu!

entre sus filas- junto con Can, que estaba un poco más consolidado. Stubbs, quien tuvo acceso a las cintas que registraron ese concierto mítico, asegura que “nada mejor sucedió en el mundo esa noche”. Después de ponerse a indagar acerca de los orígenes del término krautrock en la introducción, Stubbs realiza una suerte de autobiografía intelectual acerca de cómo surgió su interés por la cultura alemana en general y por el krautrock en particular. Es uno de los gran-des momentos del libro, no solo por cómo está narrado sino que funciona como un acertado preámbulo por lo que va a venir. Stubb nos contagia un poco de su germa-nofilia para internarnos en la historia que nos quiere contar. El prólogo, por su parte, se ocupa de posicionarnos en qué contexto surge el krautrock, esa Alemania de pos-guerra que había que reconstruir de cero, invadida por la propaganda norteamerica-na, y con el fantasma del pasado nazi aun pululando ahí cerca.

Stubbs le escapa al horizontalismo cro-nológico y prefiere trazar un relato vertical. En los primeros capítulos, sacando algunas oscilaciones, la época es siempre la misma -fines de los 60’s y casi todos los 70’s- y va-rían los nombres y las distintas ciudades alemanas: el Múnich de Amon Düül, la Co-lonia de Can, el Duesseldorf de Kraftwerk, el Hamburgo de Faust, etc. Esta estructura resulta muy ilustrativa para comprender

el fenómeno y las distintas corrientes pero a veces torna la lectura un poco previsible y fragmentada. La idea de todos esos gru-pos saliendo al ruedo en una misma época y en diferentes ciudades de un mismo país, Stubbs la deja latente y se la tiene que for-jar el mismo lector en su propia cabeza. En cierto sentido Stubbs peca de pedagógico. Pero, en cambio, logra transmitir con pro-fundidad la esencia de cada grupo. Hay capítulos memorables, como el dedicado a Kraftwerk en el que logra analizar con agu-deza las verdaderas intenciones del grupo, que muchas veces fueron malentendidas. Otro es el de Faust, banda que nació como una apuesta de un sello discográfico con la intención de encontrar a los beatles alema-nes y fichó a un grupo de freaks que lleva-ron su música mucho más allá de cualquier búsqueda comercial. Stubbs logra plasmar ese aire de loosers que, con excepción de Kraftwerk, rodea a todas estos grupos, más allá de que hoy muchos sean reverenciados. Además en Future Days hay lugar para Brian Eno y cómo el krautrock influyó en su mú-sica, los acertados soundtracks de Popol Vuh para las películas de Herzog y, claro, la etapa berlinesa de Bowie y la legitimación que le dio a esta clase de rock: “si Bowie pensaba que Alemania era cool, sentencia Stubbs, “entonces Alemania era cool”. Amén.

Martín caaMaño

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LETRAS

sin pena de ni gloria al momento de editarlos, son muchos los libros que hoy son conside-radas joyas preciadas. editoriales como club cinco les dieron una nueva oportunidad.

una novela contra la patria

mundo que se levanta a las 6 de la mañana para ir a trabajar por un sueldo. El gran duque Pavlovich piensa exactamente al re-vés que yo.Por último, en Rojo amor todo el tiempo plantea ideas un poco maniqueas -ricos y pobres, malos y buenos- para después tratar de indagar los matices. Aunque fi-nalmente la novela termina tomando una posición. ¿Te parece que, a su manera, Rojo amor es una novela política?Estoy de acuerdo con la descripción que vos hacés. O por lo menos me gustaría mucho que tengas razón en lo que decís. Ojalá. Y respecto de que se trate de una novela política, realmente desconfío mu-cho de esa categoría. Es como un sueño voluntarista. Todo el tiempo hay escrito-res y críticos que leen política en cualquier cosa, en todo. No me queda claro por qué. Es como si se imaginaran en una posición de inferioridad respecto de la política, que constituiría la cima de las experiencias humanas. No sé, preferiría que Rojo Amor fuera una novela médica, una novela en-fermera, una novela fraterna. Como suje-to civil sé perfectamente lo que tengo que hacer si quiero intervenir en política, y no es escribir una novela. A ver, Walsh dejó de escribir para intervenir en política. Bien, los escritores y las escritoras que tengan tantas pero tantas ganas de hacer políti-ca ahí tienen un modelo interesante para seguir, en lugar de alucinar la dimensión política de lo que escriben. Uno escribe porque no quiso dedicarse a la política. Si resulta que está arrepentido, no hay pro-blema, que se comprometa con ideas y con acciones políticas y listo.

martÍn caamaÑo

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rojo amorAníbal Jarkowski

Club Cinco editores336 páginas$230.

El año pasado se sumó a la larga lista de editoriales independientes que existen en nuestro país una con una propuesta bien concisa: reeditar libros que por algún motivo pasaron desapercibidos en el mo-mento de su publicación y que hoy son prácticamente inconseguibles. Se trata de Club Cinco, cuyo primer título fue Rojo amor de Aníbal Jarkowski. Luego de su debut, Jarkowski publicó Tres y El trabajo, dos novelas notables donde quedaba clara toda la potencia y precisión de su escritura. Jarkowski es un escritor prácticamente se-creto. No ganó ningún premio importante ni se lo suele ver pululando por las páginas de los suplementos culturales. Pero en las sombras ha ido urdiendo una obra pode-rosa cuyo primer cimiento es Rojo amor. Escrita cuando Jarkowski rondaba la trein-tena, cuesta creer que Rojo amor -por la originalidad de su tema, lo riguroso de su estilo y la complejidad de su estructura- sea una novela de un debutante. El libro se divide en una primera parte dialógica en la que se transcriben las conversaciones de un joven periodista con un duque ruso, último heredero de la dinastía de los zares, exiliado en Argentina, y una segunda que es la novela, sentimental y proletaria, que el periodista escribe luego del encuentro con este duque. Ambientada a mitad de camino entre la Rusia de la Revolución y la Buenos Aires sórdida de comienzos del siglo XX, Rojo amor aún sigue interpelan-do el presente. El tema de Rojo amor ya era un poco exó-tico cuando se publicó en los 90. ¿Cómo surgió la idea de la novela? La novela nació de un sueño en el que yo veía que por debajo de la puerta me llega-ban sobres escritos con el alfabeto ciríli-co. Yo los recogía, trataba de leerlos y no entendía absolutamente nada. Esa fue la imagen que desencadenó todo. Empecé a escribirla poco después del bicentenario de la Revolución Francesa. Por ese enton-ces hubo una revaloración de ese hecho histórico que, para mí, funcionaba como una maniobra ideológica que permitía a los intelectuales encariñados con la bur-guesía recuperar el concepto de revolución pero desplazándolo de la que hasta enton-ces había sido la revolución con mayor di-mensión simbólica: la revolución rusa. De pronto la palabra revolución perdía toda

connotación amenazante y hasta Menem podía usarla en su campaña para la presi-dencia cuando anunciaba una “revolución productiva”. Mi reivindicación de la revo-lución soviética quiso ser una respuesta a esa maniobra. Me doy cuenta, desde ya, que lo mío era muy presuntuoso, pero no me desdigo de mi respuesta.Por otro lado había una cuestión de per-tenencia de clase. Mi viejo y mi abuelo habían sido obreros metalúrgicos, así que más o menos yo sabía de qué estaba ha-blando cuando hablaba de la clase obre-ra. Hoy todo esto puede resultar bastante exótico, pero a mí me sostenía y todavía me sostiene ese origen. Para la reedición volví a leer la novela y me pareció que es-taba bien. Estoy de acuerdo con ese escri-tor que fui hace más de veinte años.¿Y, además de ese sueño, tuviste algu-na influencia literaria en particular a la hora de escribir?Es imposible responderte con un mínimo de sinceridad. Todo lo que pueda decirte es una construcción a la que me acomodo después de mucho tiempo. Hubo estiliza-ciones y citas muy premeditadas que po-nían la novela en relación con Raúl Gon-zález Tuñón, César Vallejo, Gorki, Chejov, Manuel Gálvez, pero justamente por la premeditación entiendo que no fueron influencias sino gestos voluntarios de un escritor joven y sobre todo inexperto. Re-leída hoy me parece que lo más transpa-rente es la influencia de Puig en lo formal y la de Piglia en la mezcla de temas; ojalá sea cierto.“La patria no es un invento”, dice el du-que. ¿Creés que Rojo amor, entre muchas otras cosas, también es una novela sobre la patria?Bueno, yo esperaría que fuese leída como una novela contra la patria. La condición de argentino no significa nada para mí. Y al revés, me siento absolutamente cercano a cualquier persona de cualquier parte del

El quE alguna vEz fuEra un importantE Espacio tEatral y cinEmatográfico, hoy albErga una dE las librErías más hErmosas, El atEnEo grand splEndid.

Suelen decir los ávidos lectores, que una librería es mucho más que una tienda co-mercial en dónde comprar un producto; es además un lugar en dónde perderse, donde desconectarse del mundo exterior y sumergirse en la magia de la literatura. Algo de ello, y un poco más, también, posee el Ateneo Grand Splendid, elegi-da por el diario británico The Guardian como la segunda librería más importante

del mundo. Por ella pasan cada día cien-tos de curiosos y ávidos lectores que no dejan de maravillarse con el espectáculo que los rodea. Eregida sobre el antiguo cine teatro Grand Splendid en el Barrio de Recoleta, ciudad de Buenos Aires, conserva su antiguo esplendor y elegan-cia, con la cúpula decorada con frescos, las barandas originales y la decoración intacta. En el antiguo escenario –con el

telón de terciopelo entreabierto– funcio-na un bar que invita a sentarse libro en mano. También se pueden aprovechar los sillones que están a ambos lados de la sala principal o bien ubicarse en los exclusivos palcos que funcionan como pequeñas sa-las de lectura. En el subsuelo funciona un sector dedicado a los libros infantiles, y el piso superior está dedicado a muestras y exposiciones.

buEnos airEs

mucho más que libros

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un poco de historiaEl Grand Spendid abrió sus puertas en 1919 y enseguida se convirtió en uno de los faros de la cultura porteña: en él tu-vieron lugar conciertos de ballet, ópera y las primeras películas sonoras emitidas en Buenos Aires. El sello Nacional Odeón, hoy el sello EMI, tenía aquí su sede. Bajo ese sello, en 1920 empezó a grabar Carlos Gardel. La sala en la que grababa aún exis-

te, aunque no se puede visitar. También en los altos del edificio, comenzó su primera transmisión oficial en el año 1923, LR4 Radio Splendid.En su próxima visita a la ciudad, regálese unos minutos y déjese llevar por la magia de las letras en un espacio único que bien vale descubrir.

fuEntE: turismo buEnos airEs

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i librEría El atEnEo

grand splEndid

Av. Santa Fe 1860.

Horarios: lunes a jueves de 9 a 22,

viernes y sábados de 9 a 24, Domingos

de 12 a 22

Abril es un período que no resulta ajeno a nuestra historia como país. Cada año y desde 1983, el 2 de dicho mes, se conme-mora el Día del Veterano y de los Caídos en la Guerra de Malvinas. Una vez más el cine se toma el trabajo de documentar este contexto tan particular; y no es casual que la primera película de Federico J. Palma como director vea la luz en los cines el día 14 de unos de los meses más dolorosos y recordados.

Exilio de Malvinas alberga tres rela-tos en uno. El primero es el de Alexander Betts, que desde muy joven defendió la reivindicación de soberanía sobre las islas que se planteaba desde Argentina. Su pen-samiento le costó un duro enfrentamiento con su familia y otros kelpers.

Apenas terminada la guerra, cuando un rompehielos trasladaba a los últimos argentinos heridos, Alex decidió sumarse a ellos, abandonar las islas y radicarse en la provincia de Córdoba, donde continúa estudiando el tema y representa a la Argen-tina en el Comité de Descolonización de las Naciones Unidas.

Por su parte, para el artista plástico malvinense James Peck los problemas co-menzaron con la llegada de María, una argentina vinculada a la pintura que de vi-sita en las islas descubrió su obra. Ellos se enamoraron, vivieron juntos y esperaban

la llegada de su hijo, mientras el gobierno Malvinense alegaba que el niño no podía nacer allí por ser de madre argentina. Sin otra opción, la pareja tuvo que mudarse a Buenos Aires.

Para el biólogo inglés Mike Bingham las cosas tampoco fueron fáciles. Radicado en las islas para estudiar y proteger la fauna autóctona, Mike descubre que la población regional de pingüinos se había reducido considerablemente y que esto podría ser el resultado de la pesca indiscriminada en la zona y algunos negociados oscuros. Al intentar hacer público tamaño descubri-miento, Bingham es víctima de intensas amenazas y persecuciones que lo obligan a huir hacia alguna provincia argentina.

Tres malvinenses que por diversos mo-tivos fueron forzados a dejar las islas y tras-ladarse a la Argentina Continental. Esta es la base de una construcción que utiliza emotivamente la imagen de tres pingüinos emigrando hacia Tierra del Fuego como símbolo que atraviesa la película y que nos posiciona como testigos del relato cansado de tres personas que, si bien no vivieron la guerra, experimentaron en carne propia la ferocidad de un posterior gobierno suma-mente discriminatorio.

Presentada por capítulos, Exilio de Malvinas le da voz a personas, para no-sotros, desconocidas. Lejos del tradicional

relato de los soldados en combate, el docu-mental de Palma goza de la presencia de ricas panorámicas que hacen las veces, si se quiere, de diferentes estados de ánimo.

Un discurso casi poético en primera persona cuyo rodaje fue catalogado por el propio director como una “experiencia bella y brutal”, ya desde su anterior trabajo también en Malvinas: la serie Piratas, Pas-tores, Inversores (proyecto ganador de los Concursos Federales del Instituto de Cine y Artes Audiovisuales). Fue a partir de allí que se cruzó con la historia real de estos tres malvinenses con quien hoy en día con-serva una relación de respeto y amistad.

Federico J. Palma – docente e investi-gador-, es un realizador que desde Barilo-che dirige, produce y acompaña trabajos de corte documental que ganaron premios en distintos certámenes. Hoy nos ofrece una nueva mirada sobre una temática abordada por el cine argentino desde hace años.

Si en algún momento percibimos una ausencia de originalidad en cuanto a éste tópico, Exilio de Malvinas viene a romper con todo lo ya visto, a que nos amiguemos un poco con la historia y a que seamos tes-tigos de relatos aun más enriquecedores alejados de pre conceptos de antaño. El es-pectador sabrá por qué lo digo.

XIMENA BRENNAN

cINE

PoR PRIMERA vEz El coNflIcto BélIco dE lAs IslAs MAlvINAs sE MostRARá dEsdE uN lugAR Más INtIMIstA y PERsoNAl dE lA MANo dE fEdERIco j. PAlMA. EstRENA El 14 dE ABRIl.

ver más allá de la historia

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corazón que sienteEn la oscuridad absoluta, la música nos EnvuElvE durantE la ExpEriEncia sonido 360 quE sE llEva a cabo En El cEntro argEntino dE tEatro ciEgo.

“Probablemente, sólo en un mundo de cie-gos serán las cosas lo que realmente son.”

Ensayo Sobre La Ceguera. José Saramago.

A través de la percepción construimos nuestra realidad, por tanto, la carencia de algún sentido modificaría considerable-mente los modos de percibir e influiría en el desempeño del resto de los sentidos. En un mundo donde los estímulos visuales son constantes y se multiplican día a día, el cerebro le destina al procesamiento visual buena parte de su uso, en detrimento de los demás sentidos, de modo que dejar de ver estando despierto intensifica el uso de aquellos a los que el cerebro cotidianamen-te le dedica menos energía.

Lo dicho puede comprobarse en el Centro Argentino de Teatro Ciego, un es-pacio de arte (el único en el mundo) donde todos los espectáculos transcurren a oscu-ras, desde obras de teatro hasta encuentros gastronómicos-musicales. Y a partir de fe-brero han sumado una nueva experiencia, denominada Sonido 360.

La propuesta es simple e innovadora: escuchar un disco en la más absoluta os-curidad, una oscuridad a la que los ojos no se acostumbran; basta con agitar la mano frente a los propios ojos (o los de la persona que esté al lado) en cualquier momento del espectáculo para comprobar que en nin-gún momento se verá nada.

“Lo visual no existe”, dice la voz en off antes de que todo se oscurezca. Cuando la visión se anula, lo que se abre es el telón del sonido, ya sea a través de Queen, Pink Flo-

yd, The Beatles, David Bowie, Dire Straits, Bjork o tantos otros, clásicos o contempo-ráneos, siempre y cuando los discos hayan sido registrados o adaptados especialmen-te a diferentes formatos de reproducción multicanal, como Cuadrafonía o Surround.

A su vez, la sala tiene instalado un sis-tema de sonido con un panorama de 360 grados, lo que quiere decir que se escuchan las distintas fuentes sonoras distribuidas por todo el espacio. Se denomina, acerta-damente, sonido envolvente. Este sistema, innovador en Argentina, ya que implica trabajar con tecnología que actualmente no se utiliza ni en teatro ni en recitales, fue desarrollado por ingenieros de sonido de lo que se llama LAB, el Laboratorio de Expe-rimentación Sonora del Teatro Ciego.

Gracias a ese formato de reproducción, la música brota en todo su esplendor y lo que ingresa por los oídos estalla hacia el interior. Tal es la introspección que complementada a la oscuridad, las presencias dejan de ser cuer-pos materiales, incluso uno mismo desapare-ce de su propia percepción habitual. Los ojos no ven, pero el corazón siente. Lo que existe es el sonido por sobre todas las cosas, lo cual permite escuchar un disco de principio a fin, sumirse en todos sus detalles sin interrupcio-nes ni factores externos que influyan, más allá de la propia imaginación.

También hay que considerar la posibili-dad de que haya gente bailando alrededor, cosa difícil de comprobar pero factible, y para las parejas, en su justa medida, la os-curidad les brinda una romántica intimi-dad compartida a sala llena pero invisible,

contextualizada por algunos de los discazos que forman parte de la programación. En ese caso, además del oído se agudizará el tacto y por qué no el gusto.

Cabe agregar que la experiencia que propone el Centro Argentino de Teatro Ciego, como ocurre con todas sus activida-des, va más allá de un simple divertimento. Además de integrar a personas con disca-pacidades visuales a su ambiente de trabajo y también de aprendizaje (brindan capaci-tación actoral, clases de tango y creación coral), a su vez lleva implícito un acto de igualación, ya que a partir de la prescin-dencia del uso de la vista, ésta se hace inne-cesaria y la invalidez desaparece.

La propuesta de Sonido 360, que co-menzó en febrero, seguirá realizándose a lo largo del año, sumando otras bandas y discos a los ya presentados.

Se recomienda al terminar el espectácu-lo no usar auriculares ni prender el estéreo del auto, para evitar caer, por comparación, en una aguda depresión auditiva.

MARTÍN D’ADAMO

NOCHE

iSonido 360

Centro Argentino de Teatro Ciego

Zelaya 3006, Abasto

Todos los días, múltiples horarios

Entrada: $ 150

teatrociego.org

info@teatrociego.com

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teatro

eL MoVIMIeNto

LoS MILaGroS

Pocas veces el teatro porteño se le animó tanto al conflicto de las clases trabajado-ras -sin estereotipos, ni lugares comunes- como en El movimiento, en donde se mete con los piqueteros, aquella organización política-social formada producto de la crisis de 2001. Los entonces nuevos “sin pan y sin trabajo” que, ante el horror del neoliberalismo y sus políticas exclusivas y excluyentes salieron a la calle para cortarla y piquetearla, son retratados desde su in-terioridad: en su propio espacio, con sus

códigos y lenguajes, y mostrando sus con-flictos más íntimos. Por supuesto que hay una historia de amor que enlaza la trama. Afectada por los avatares y los cambios coyunturales, la relación de los protagonistas se trans-forma al tiempo que se mete en la cotidi-anidad del movimiento: su local, el mo-mento de separar la comida conseguida, la preparación pre piquetes, las discusiones políticas, la llegada de los planes sociales y la consecuente -y progresiva- desarticu-

lación de la organización. Mientras, los protagonistas aparecen atravesados por sus deseos. Porque esta obra revela algo que hasta entonces parecía desconocido: que los trabajadores también son sujetos deseantes. La puesta es simple y hace uso de todo el espacio disponible construyendo “afueras y adentros” (¿dónde queda el espectador en esta dicotomía?) y transformándose a par-tir de elementos simbólicos sencillos. pero contundentes. La música y la iluminación acompañan dando color y generando dra-matismo y climas al ambiente. Desde aquí celebramos El movimiento, la materialización de la unión del arte y la política porque, como decía Walter Ben-jamín, es necesario politizar la estética. Más aún, en tiempos como estos.JuLIeta BILIk

Dramaturgia y dirección: Laura Sbdar. Interpre-

tación: Enrique Biondini, Valeria Blanc, Valentina

Britos, Nicolás Mauro, Juan Esteban Montoya,

María Pía Poveda y Verónica Volman. La Materia,

Malabia 1077; sábados, 21.30hs.

Rojo como la sangre en los pies lastimados, como el cordón que unió a la madre y a la hija, como el drama que irrumpe en lo coti-diano y se exagera en pataleta. Tres genera-ciones unidas ineludiblemente por ese hilo rojo vital que acerca y aleja y no siempre se ve. En su tercera obra, Agostina Luz López se lanza a explorar el territorio de la herencia familiar, siguiendo a tres mujeres y el rela-to que comparten de su pasado. Martina,

la hija, es la guía en este recorrido feme-nino. Superpondrá retazos de historia de vida  como si fueran figuritas que se van cambiando de lugar a ver si encajan. Ella arma, desarma, narra, hace teatro. Se ana-lizan semejanzas y diferencias, se pone en evidencia la sobreactuación de los hechosLa directora de La Laguna, trabajo con el que despertó elogios y obtuvo el premio S en 2012, logra gestar un material vibrante.

Además del trío abuela-madre-hija, está la amiga de Martina que viene de visita a la casa, la forastera que quiere ser parte de la familia, comer fideos en el living y quedarse a dormir. Su presencia deforma y expande la propuesta de la obra. Una TV en escena hace resonar en clave novelesca la trama central.La hija repasa, pregunta y se pregunta. A quién se parece, cómo es, cómo fueron los hechos y cómo los sentimientos que se sueltan en torrente imparable. Se va re-conociendo parte de una saga familiar en la que está inserta y en la que se actúa, se dramatiza, tal vez para marcar la propia singularidad. No todo cierra, no todo tie-ne explicación, siempre hay espacio para el misterio y el milagro. pauLa BoeNte

Dramaturgia y Dirección: Agostina Luz López. In-

terpretación: Martina Juncadella, Carla Fonseca,

Ernestina Ruggero, Laila Maltz. El Cultural San

Martín, Sarmiento 1551; viernes, sábados y do-

mingos a las 21; desde $80

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teatro

coN eL Mar taL Vez uN poco

terrIBLe eSpectácuLo VIVIr

La historia es simple y convencional, un acontecimiento de conflictos claros. Tres hermanos se debaten la herencia de un padre casi ausente: una casa de playa que les ha dejado. Allí se conocen, se encuen-tran, a partir de la relación padre/ hijo que construyeron a lo largo de su vida cada uno en su particular condición. Este descubrirse abre grietas profundas en

cada decisión escénica. Un espacio que se acerca, aunque no tan radicalmente, a las imágenes de Dogville y la música ge-nerando estados y marcando el ritmo de la situaciones, con intervenciones al estilo alemán que interrumpen el relato refor-zando la ficción. A partir de un anclaje con textos shakesperianos asumen esa responsabilidad.

Juan Ignacio González aprovecha todas las posibilidades de un teatro polifuncional como es el Abasto Socialclub, evidenciando procedimientos teatrales en su representa-tividad. Es un valor supremo que estos jó-venes dejen de lado las poéticas ancladas a los supuestos acerca de las teatralidades modernas y presenten situaciones autén-ticas, ásperas, profundas y con un extraño dejo de humor en su patetismo.Chertkoff, Morales y Soler se arrojan con valentía a una experiencia teatral donde sus efímeros y vigorosos cuerpos, contiene todo aquello que la historia necesita.Ganadora del tercer lugar en el concurso de obras inéditas del Fondo Nacional de las Artes, Con el mar tal vez un poco es una ex-periencia ficcional absoluta y un comenta-rio sobre la tragedia contemporánea.Mara teIt

Dramaturgia: Juan Ignacio González, Ignacio To-

rres Actúan: Julian Chertkoff, Fernando Morales,

Juan Tupac Soler Músicos: Nataniel Edelman

Dirección: Juan Ignacio González Abasto Social

Club Yatay 666. Viernes a las 21. $120

En tono de tráiler cinematográfico, la si-nopsis sentencia que “El recorrido de Marcela concluirá con una gran decisión final…” pero ¿desde qué lugar se decide? O quizás ¿quién o qué decide por no-sotros? A veces, ese cambio radical en nuestra manera de ver el mundo y que el mundo nos perciba, esa decisión final

es tan fundamental como fundacional, y viene amasando terreno, desnormativi-zándonos desde mucho antes siquiera de comprender al sistema que nos normati-viza. Por supuesto que las decisiones no cuentan si no se firman y por eso, en sí ese acto final, parece entonces una excusa para exponerla en su absoluta humani-

dad, en un pequeño cuerpo híbrido, sin edad, vital y feroz. Marcela se presenta como diva, como ese destino depositario de todo el dolor, de todos los fantasmas de las mujeres que fueron bajando línea en la construcción de su identidad, y que a pesar de la fortaleza con la que se planta, aun parecen tupacamarizarla, desarmarla y vulnerabilizarla.Lucas Martinetti expone en uno de sus primeros trabajos, una estampa femenina de lo más cruel con una acidez quizás de-masiado violenta para lo que intenta con-tarnos. Pero es en esos espasmos escénicos donde comprendemos el conflicto de Mar-cela que, enmascarado y sofocado tras un grotesco obsceno y hasta a veces ridículo, avanza incansablemente manteniéndonos conmovidos y extrañados.M.t.

Actúa: Marcela Bea Dramaturgia y dirección: Lu-

cas Martinetti Ramljak El estepario teatro

Medrano 484. Viernes 23 hs $120/100

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Locución - Oratoria - NeutroCanto Popular y/o Lírico

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teatro

poLIte

Con un tono descontracturado y autobio-gráfico, Pablo Sigal explora en Polite su infancia y adolescencia a través de distin-tas escenas en las que rastrea el origen de sus miedos y obsesiones. Neurótico e hi-

pocondríaco, se revela como un pequeño Woody Allen porteño e intercala, siempre que puede, el proceso de producción de la propia obra. Así, entrelaza con ironía fic-ción y puesta en escena; realidad y mito;

personajes y actores; escenografía y car-tón pintado. Ganadora del concurso de óperas primas del Centro Cultural Rojas el año pasado, la puesta de Polite es llevadera, simple y ágil. Un hallazgo es el uso de la música diegética, que se activa desde la escena aportando momentos de distensión: uno, especialmente conmovedor, es cuando el propio Sigal toca en vivo un tema de su autoría, de coqueta y elegante, espaldas al público. De la escuela de Nora Moseinco, Sigal es recordado por su actuación en La edad de oro y Los talentos (ambas con dramatur-gia y dirección de Walter Jakob y Agustín Mendilaharzu) y aquí replica algo de ese estilo actoral extrañado, rítmico y natural al mismo tiempo. Con igual cadencia lo acompañan Ignacio Sánchez Mestre y Ka-tia Szechtman formando un trío armónico y acompasado. Lo que en Polite se manifiesta es una voz generacional que entra en diálogo con otras voces teatrales de su tiempo. Aunque por momentos, sobre todo por su temáti-ca, parece un poco estrecha, difícil de in-teractuar y reproducirse en otros mundos. J.B.

Dramaturgia y dirección: Pablo Sigal. Interpreta-

ción: Pablo Sigal, Ignacio Sánchez Mestre y Katia

Szechtman. Centro Cultural Rojas, Av. Corrientes

2038; jueves, 21hs; $60.

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