Embed Size (px)
Citation preview
25 de octubre de 2007 al 20 de enero de 2008
Museo Nacional de Bellas ArtesParque Forestal S/NºHorario: Martes a domingo, de 10 a 18:30 hrs.Reserva de visitas guiadas: 2-638.40.60 [email protected]
Artista español nacido en Málaga el 25 de octubre de 1881, desarrolló su obra principalmente en París desde 1901. Su influencia en el arte del siglo XX se basa fundamentalmente en sus propuestas estéticas y temáticas que rompen con la tradición clásica de representación del espacio, la naturaleza y el desnudo. En 1907 ejecuta y presenta su obra Las Señoritas de Avignon. Esta pintura da inicio al Cubismo, que luego, desde 1908, desarrollará junto a Georges Braque. Se trata de una propuesta pictórica centrada en la descomposición de las formas, fragmentándolas y estructurándolas a través de líneas cortantes y ángulos. Uno de los aportes técnicos de Picasso fue el collage; por medio de la combinación de diversos materiales (papel de diario, hule, pintura) sobre la tela, propuso una forma de expresión artística que significó el desplazamiento de la tradicional relación entre pintura y lienzo. Esta técnica fue muy usada por los surrealistas y los dadaístas.
Al mismo tiempo, establece una nueva relación con la obra de importantes artistas europeos como Ingres, Coubert, Delacroix, Manet y Velásquez. Ejecuta estudios y ensayos de sus obras, bajo
nuevas propuestas técnicas que surgen desde su mirada. Su obra, desde mediados de los años ’20, se orientó por nuevos caminos que lo ligan al Surrealismo. Sin embargo, Picasso sólo acompañó a los surrealistas en su exposición de 1925, nunca se vinculó formalmente con este grupo.
El mundo español se hace presente en la obra de Picasso desde 1935, cuando regresa a su país natal. Aparecen en él las influencias taurinas, los grabados Minotauromaquia y obras donde el minotauro y las corridas de toros son su tema principal. El 1° de mayo de 1937 inicia Guernica, uno de sus lienzos más emblemáticos. A través de una paleta cromática restringida representa el horror del bombardeo a dicha ciudad vasca, ocurrida el 27 de abril del mismo año.
Además de la pintura, Picasso trabajó el grabado y la cerámica. En 1947 realizó cerca de 2.000 piezas. Al mismo tiempo, hizo importantes esculturas. En 1968 creó series de grabados con los que retornó temáticamente el circo y los toros.Pablo Ruiz Picasso murió el 3 de abril de 1973.
Pablo PicassoEl siglo XX se caracterizó por el prolífico desarrollo de diversos movimien-tos y tendencias artísticas, que tuvieron como principal antecedente el Impresionismo de fines del siglo XIX. Estos movimientos, conocidos como “Vanguardias” se suceden entre sí, en ocasiones se superponen y en otras se contradicen; pero mantienen un común denominador en la subjetividad y libertad creadora. Los artistas se agruparon y, en varios casos, escribieron manifiestos en los que dejaron testimonio de sus ideas.
Conocidos como las “Primeras Vanguardias”, movimientos como el Expre-sionismo, Surrealismo, Cubismo, Dadaísmo, Fauvismo y Abstracción, se ubican dentro del período que comprende principios de siglo XX y los años entre las guerras mundiales. En ellas, el arte se aparta de lo establecido
con una idea de cambio y renovación. Luego de la Segunda Guerra Mundial y hasta 1970, tienen lugar las “Segundas Vanguardias”, caracterizadas por traspasar los límites del arte. Un importante antecedente de este período se encuentra en el Dadaísmo de principios de Siglo XX. El Expresionismo Abstracto, Arte Conceptual, Informalismo y Pop Art son algunos de los movimientos más representativos de estos años.
Durante las últimas décadas del siglo XX, en la escena postmoderna se desarrolló un arte que unió elementos de las vanguardias con nuevos com-ponentes, y elaboró un lenguaje visual marcado por la libertad con que cada artista elaboró su obra, produciéndose un eclecticismo estilístico.
SurrealismoMovimiento inaugurado y definido por André Breton, en su primer manifiesto de 1924. Se trató de un movimiento que buscó liberar el inconsciente del control de la razón y de cualquier observación moral o estética. Las técnicas surrealistas de representación fueron, entre otras, el automatismo psíquico y el onirismo.
Arte Informal o InformalismoPintura abstracta y gestual que se desarrolló desde mediados de los años ´40 hasta fines de la década del ´50 del Siglo XX en Europa. El término fue acuñado por el francés Michael Tapié, para denominar aquella obra donde el artista desarrolla imágenes que representan sus inquietudes y vida interior. La ejecución de obras de carácter informal comprometían emocional y físicamente al artista.
Pop Art (Arte Pop)Término acuñado en 1958 por el crítico holandés Lawrence Alloway para referirse al movimiento artístico que surge en Inglaterra y Estados Unidos con el fin de representar temas contingentes a la cultura popular, a través de imágenes que representan el consumismo, el poder de los medios de comunicación masiva y la tecnología. Uno de sus máximos exponentes, el estadounidense Andy Warhol, trabaja sobre la base de la seriación de imágenes que extrae principalmente del mundo de la moda y la publicidad.
Siglo XX
"El cubismo no es ni una semilla ni un feto, sino un arte en el que el tema principal es la forma y, una vez creada, la forma existe y vive su propia vida".
Pablo Picasso
Espacio ArteAbierto Apoquindo 3457, Metro El Golf. Las CondesHorario: Lunes a viernes, de 9 a 14 hrs.Contacto: 2-686.05.61 / [email protected]
Homenaje a Picasso
Material elaborado por la Unidad Docente del Museo Nacional de Bellas Artes.
MN
BARTES
USEOACIONAL
ELLAS
El artista chileno apenas termina sus estudios de arquitectura viaja a París, donde participa activamente del movimiento surrealista y traba amistad con artistas europeos como Picasso. Con el estadillo de la II Guerra Mundial viaja a Nueva York, donde toma contacto con miembros del Expresionismo Abstracto. Tras romper con ellos regresa a Europa, desde donde ejerce influencia sobre artistas del Informalismo, el Grupo Cobra y el “Art autre”, entre otros. Matta conjuga el automatismo al recuperar la actividad lúdica de la mano en su paso por el soporte, entendida como un juego libre y expresivo de líneas y formas que inventan sus propias reglas. Prolífico creador de neologismos y metáforas al momento de explicar su obra y el rol del arte, él se definía no como un pintor, sino como un vertor que representa paisajes del ser humano, llamándolos ser-saje. Para él dibujar y pintar era develar e iluminar la visión sobre el hombre y el mundo; abrir lo herméticamente cerrado para descubrir lo que se oculta; mostrar la otra cara, la que nunca vemos, para poner en evidencia todas sus capacidades.
Richard Hamilton (1922)
Artista británico considerado uno de los principales impulsores del Pop Art en su país. Su obra se caracteriza por poseer un lenguaje cargado de códigos, y por la utilización de la técnica del collage, donde combina recortes y materiales sintéticos. En 1956 realiza un collage titulado “¿Simplemente, qué es lo que hace tan diferentes, tan acogedores a los hogares de hoy en día?”, donde incorpora diversos elementos de la cultura de masas, como personajes populares y objetos de consumo, e incluyó la palabra “pop” dentro de la composición, creando así la obra que sería considerada un punto de partida para el Pop Art en Inglaterra.
Antoni Tàpies (1923)
Pintor y escultor, nacido en Barcelona, considerado uno de los líderes del Informalismo español. Partícipe de una sensibilidad generalizada que afecta a los artistas a raíz de la II Guerra Mundial y del lanzamiento de la bomba atómica, en su obra expresa su preocupación por temas filosóficos inspirados en su lectura de místicos catalanes medievales, científicos contemporáneos y autores clásicos del pensamiento oriental. Tàpies utiliza elementos heterogéneos ajenos a la expresión plástica tradicional o académica, como tierra, cuerdas, paja, piedrecillas y polvo de mármol, entre otros, los que mezcla con la pintura, aplicada directamente del tubo, en forma de empastes gruesos y granulosos, sobre los que realiza, con los dedos y otros medios, incisiones y surcos, a la manera de grietas, huellas, cruces y grafismos. El objetivo final, es una pintura de relieves y texturas rugosas, en la que prima la materia por sobre la forma.
Joan Miró (1893 - 1983)
Artista catalán miembro del grupo Surrealista, trabaja sus obras a partir de signos. Utiliza formas orgánicas y geométricas como la combinación de colores puros para representar el mundo de las tradiciones y leyendas de Cataluña. Es uno de los representantes de la técnica automatista de ejecución de obras surrealistas, basada en los impulsos del inconsciente por sobre la razón. A partir de los años sesenta, depura aún más signos, formas y colores, con la clara voluntad de conseguir la máxima intensidad de la obra con el mínimo de medios, incluso en determinados casos el signo mismo llega a desaparecer. Utiliza una perspectiva jerárquica, en la cual el grado de importancia deriva de la escala de los elementos. Dentro de sus elementos más recurrentes figuran la mujer, la luna, el sol, las estrellas y los pájaros. Anhela que su pintura no se constituya en un fin en sí mismo, sino que propicie un determinado estado de espíritu, o bien, predisponga a la meditación.
Roy Lichtenstein (1923 – 1997)
Nacido en Nueva York, desde 1957 reinterpreta las imágenes de los comics publicadas en los envoltorios de goma de mascar y las funde con obras de arte de otros autores, imitando a mano las técnicas de impresión económicas. Utiliza como un recurso estético las tramas y los puntos de dichas imágenes, ampliándolos al máximo. Aplica colores planos y brillantes, delineando los contornos con gruesas líneas negras. Aprovecha la banalidad de las imágenes de reproducción masiva de la estética popular, para realizar una parodia en torno al arte tradicional y, al igual que otros artistas miembros del Pop Art, rechazar la seriedad, la angustia y el elitismo asociados al expresionismo abstracto.
David Hockney (1937)
Artista británico vinculado al Pop Art, debido al colorido y soluciones visuales que poseen algunas de sus pinturas acrílicas. Durante los años ´80 desarrolla series de collages fotográficos a partir de la unión de grandes cantidades de pequeñas tomas hechas a través de una cámara Polaroid, donde el resultado es una escena o paisaje con una realidad fragmentada, que en más de una ocasión ha sido comparada con el imaginario cubista. Hockney trabaja pintura, dibujo, collage y grabado. Dentro de las temáticas de su obra destaca la permanente autoreferencia a su homosexualidad.
Roberto Matta, Hommage à Picasso. Aguatinta a colores e impresión en relieve, 62 x 68 cm. Creaimagen, 2007. Lugar de exhibición: Museo Nacional de Bellas Artes.
Roberto Matta (1911 – 2002)
Jirí Kolár (1914 –2002)
Nacido en Bohemia el poeta, pintor y fundador del Grupo 42, movimiento de vanguardia checa de orientación surrealista, plásticamente trabajó y ejecutó el rollage, variante del collage picasiano y surrealista. El rollage consistía en recortar en tiras, conocidas obras de arte para reconstruirlas desde una óptica contemporánea y personal. Estas obras fueron expuestas por primera vez en Praga en 1937. En 1950, bajo el régimen comunista, es encarcelado por publicar un texto considerado ofensivo para el realismo socialista. Su lucha contra la censura y las violaciones a los derechos humanos (fue uno de los firmantes del Acta 77) causan el retiro de su nacionalidad, debiendo exiliarse en París en 1980.
Richard Hamilton, Picasso’s Meninas. Grabado y aguatinta, 57 x 49 cm. © Richard Hamilton. All Rights Reserved, DACS 2007. Lugar de exhibición: Museo Nacional de Bellas Artes.
Roy Lichtenstein, Still life with Picasso, 1973. Serigrafía a colores, 77 x 57 cm. Creaimagen, 2007. Lugar de exhibición: Museo Nacional de Bellas Artes.
David Hockney, The Student, 1973. Grabado y aguatinta, 57,5 x 44,3 cm. Lugar de exhibición: Espacio ArteAbierto.
Joan Miró, Pablo, 1971. Grabado a colores, 57 x 76 cm. Creaimagen, 2007. Lugar de exhibición: Espacio ArteAbierto.
Antoni Tàpies, Picasso. Litografía a colores, 57 x 75,5 cm. Creaimagen, 2007. Lugar de exhibición: Espacio ArteAbierto.
Jiri Kolár, Hommage à Picasso III (tríptico), 1972. Serigrafía a colores, 35 x 63 cm. Lugar de exhibición: Museo Nacional de Bellas Artes.
Inspirado en Guernica de Picasso, este grabado cita varios elementos del lienzo emblemático del artista español. Las figuras que utiliza Matta son deformes y bestiales. De una ventana emerge un hombre que en su mano derecha sostiene una especie de antorcha, citando a lámpara y a la vela de Guernica. A cada lado del grabado, una madre sostiene a su hijo fallecido. Al lado derecho un animal con cuernos, asemejando un toro, se contorsiona herido, al igual que el caballo situado al centro. En la zona inferior, en posición horizontal, una figura humana sostiene un cuchillo roto, reproduciendo el que aparece en Guernica. Varias figuras tienen la boca abierta, como dando alaridos hacia el cielo. Al centro, una mano se levanta en medio de los cuerpos, contrastando por su color negro y bermellón con la austeridad cromática de la obra.
