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Síntesis del Renacimiento
Por: Dr. José Antonio López
El Renacimiento no fue un estilo musical, sino, un periodo de la historia marcado
por el redescubrimiento de la cultura griega y romana. El Renacimiento estuvo liderado
por el movimiento conocido como Humanismo. Durante el siglo XV muchos escritos
sobre el concepto musical griego fueron redescubiertos al éstos ser traducidos al latín.
Las descripciones griegas de que la música causaba efectos emocionales provocó que
muchos en el siglo XVI criticaran la falta de tales efectos en la música de su tiempo. El
humanismo estimuló que los compositores prestaran una mayor atención al significado e
importancia de los textos en la música. El desarrollo de la imprenta por Johann
Gutenberg (1450, Alemania) permitió una mayor distribución de la música. Entre los
compositores de mayor aporte en las postrimerías del renacimiento encontramos a
Johaness Ockeghem, Jacob Obrecht, Heinrich Isaac y Josquin des Prez quien fue
considerado como “el mejor compositor de su tiempo y uno de los más grandes de todos
los tiempos.” Entre los años de 1520 al 1550 se vió un crecimiento tanto en la música
vocal como instrumental. Los compositores comenzaron a escribir para cinco y seis voces
en vez de la antigua tradición de cuatro voces. En Italia se desarrolló la Frottola, canción
secular con texto amoroso o satírico, la Lauda, canción religiosa no-liturgica similar a la
frotola y el Madrigal, que fue el principal género secular italiano del siglo XVI. (La
mayoría de estos madrigales tenían textos de Francescco Petrarca). Además del
Madrigal, también se crearon otros géneros seculares como la Villanella, la Canzonetta y
el Balleto. Claudio Monteverdi fue, sin dudas, el compositor italiano más importante del
siglo XVI y comienzos del XVII en Italia.
El Renacimiento francés cultivó la Chanson Parisina; en Alemania, nace el Lied
Polifónico; en Inglaterra, el Ballet y Canzonet (ambos derivados del Balletto y la
Canzonetta italiana) y las canciones con acompañamiento de laúd, “lute songs”,
particularmente las canciones o airs de John Dowland. En España, surge el villancico,
teniendo a Juan del Encina como el compositor principal de este género.
Uno de los aportes más importantes del Renacimiento fue el establecimiento de la
música instrumental como género definitivo. De ahora en adelante, se escribirá más hacia
el instrumento solista. A partir de aquí, los instrumentos se clasifican por familias de
acuerdo a sus características idiomáticas. Los instrumentos predilectos fueron la viola da
gamba, viola de braccio y el clavecín. Sin embargo, el laúd fue sin duda alguna el
instrumento polifónico más polular de Renacimiento. La vihuela fue un instrumento con
características similares al Laúd que tuvo su época de esplendor en el Renacimiento
español. Tanto el Laúd como la vihuela utitizaban la tablatura como su medio de
notación. La tablatura no mostraba los registros, sino la cuerda y el traste donde se
produce el sonido.
En términos generales, se puede concluir que la música instrumental estuvo
siempre relacionada a la música vocal. Muchas piezas instrumentales eran transcripciones
de madrigales, chansones o motetes ajustados a un lenguaje más idiomático para los
instrumentos. La canzona fue otro tipo de composición instrumental italiana, al igual que
la sonata o sonata venciana los cuales fueron llevados al máximo bajo la mano de
Giovanni Gabrieli.
Fue una costumbre dentro del Renacimiento que la mayoría de los músicos
improvisaran piezas polifónicas. Estas improvisaciones muchas veces eran identificadas
como Preludios, Fantasías y Ricercares. La segundad mitad del siglo XVI estuvo
representada por un género improvisatorio para teclado identificado como Toccata.
Debido a que para la sociedad renacentista el baile social era un elemento muy
importante, se decidió organizar las piezas bailables en grupos de dos o tres piezas como;
la Pavana, Gallarda, Passamezzo y Saltarello. La Allemanda y el Courant aparecieron
posteriormente. Otro género instrumental que nació en el renacimiento fueron los Temas
con Variaciones, originalmente conocido como Tema con Diferencias en España.
El fin del Renacimiento coincide con la Reforma de Martín Lutero en Alemania.
Para Lutero, la música tenía un valor indispensable dentro de su iglesia Luterana,
especialmente con el Coral Luterano. La Reforma Luterana tuvo impacto en tierras
extranjeras bajo el liderato de Juan Calvino en Francia y los países bajos.
En respuesta a la Reforma Protestante, la iglesia Católica decidió hacer una
reforma interna conocida como la Contrarreforma. El Concilio de Trento se reunió
periódicamente entre el 1545 hasta el 1563 con la intención de eliminar la polifonía, para
así poder mantener mayor claridad en el texto de la música durante la liturgia. Existe una
leyenda en la que Palestrina convenció al Concilio de no abolir la polifonía cuando
compuso la Misa Papa Marcelo. Otros compositores importantes a fines del
Renacimiento lo fueron Tomás Luis de Victoria en España, Orlando di Lasso en
Alemania y William Bird en Inglaterra.
La Vihuela
Por muchas razones podemos señalar que la vihuela es el instrumento
antiguo que más cercano se encuentra a la guitarra moderna actual. En la literatura
y en los documentos españoles de la Edad Media se encuentran muchas
referencias que describen tres tipos de vihuela: la vihuela de mano, la vihuela de
peñola y la vihuela de arco. Aunque en el siglo XV escaseaban los testimonios
escritos, en la pintura catalana de la época aparece a menudo la vihuela de mano,
como aparecen también los otros dos tipos.
Ernesto Bitetti en su disco Antología de la Guitarra nos dice: “El siglo de oro de
la música española tiene en la vihuela su más genuino y fiel representante; consta de 6
cuerdas y es el instrumento cortesano preferido. Si bien en el siglo XVI se tocaba de tres
diferentes maneras: con plectro, con arco y pulsando las cuerdas con los dedos, es esta
última forma la que ya en el siglo XVI posibilita a los vihuelistas la ejecución de la
polifonía tan rica y elaborada que define esta época. En muchos casos recogen temas
populares y los desarrollan en forma de diferencias (hoy variaciones), buscan también el
predominio de una melodía sobre las demás, abrevian a veces la polifonía de las otras
voces, reduciéndolas en la escritura a simples acordes, y así encuentran armonías
características y en cierto modo emancipadas como en la “Fantasía de Mudarra, donde al
final el autor indica que hay “ciertas notas alteradas que si son bien ejecutadas no sonarán
mal.”
De todos los instrumentos musicales de tiempos pasados, incluyendo los
medievales, renacentistas y barrocos, sin duda la vihuela de mano española constituye
uno de los casos más fascinantes. La vihuela se convierte en un instrumento para el que
se escribe una música íntima pero también muy virtuosa, expresiva, casi mágica, pura
representación de la España del siglo XVI en muy variados aspectos: su colorido, su
misticismo, sus tradiciones populares.
Aunque parece que el tipo de vihuela más utilizado durante el siglo XVI tenía seis
pares de cuerda de tripa (órdenes), cada uno afinado en unísono, también se
empleaban vihuelas de cinco y de siete órdenes. El número de trastes, también de
tripa solía ser de diez, y había distintos métodos de colocarlos a lo largo del mástil, de
manera que se obtuviese una afinación perfecta. Incluso algunos autores instruyen al
tañedor para que, antes de interpretar una pieza específica, subiera o bajara algún
traste para obtener una nota diferente.
Fotografía de una vihuela que forma parte del museo Museé Jacquemart- André en París, Francia.
La afinación de la vihuela
Como ya mencionamos, la Vihuela renacentista posee seis cuerdas, (eran dobles
para mayor resonancia) y tenía una afinación similar a nuestra guitarra actual (Mi, Si Fa#,
Re, LA, Mi) sin embargo, su tercera cuerda era afinada un semitono más bajo. Osea, si
afinamos nuestra guitarra con la tercera cuerda en Fa#, nos será posible leer directamente
la música en tablatura que fue escrita originalmente para la vihuela.
Ejecución de la música para vihuela en la guitarra contemporánea
1- Afinar la tercera cuerda en Fa#.
2- Utilizar un Capo en el segundo o tercer traste. La razón de ésto es para mantener la
tesitura original del instrumento y para reducir los armónicos naturales, logrando de
esta forma, un sonido más delicado y más parecido a la Vihuela.
3- Se favorece utilizar el Capo en el segundo traste. Esto responde primeramente a que
la afinación de entonces era relativa, además, nos resulta tener un diapazón con 10
trastes como la vihuela original. Por otro lado, mantenemos la misma relación en el
diapason, osea, el traste V es el traste III, el taste VII es el V etc.
La tablatura renacentista entre el 1530 al 1580
Tanto los guitarristas como los laudistas comenzaron a sustituir los dedos en lugar
del plectro en la segunda mitad del siglo XV. Este importante cambio tuvo como notable
resultado la posibilidad de la polifonía en la notación de estos instrumentos. El término
tablatura nos llega del latín tabula (tabla), y se refiere al tipo de notación que ésta
representa a través de una gráfica donde se incluyen las notas musicales. Lo fascinante de
esta tablatura es que nos permite, al afinar la guitarra con
la afinación de la vihuela, tocar directamente del manuscrito original sin tener que
intervenir con ediciones modernas, pues, estas ediciones frecuentemente distorsionan los
aspectos estilísticos de la música imponiendo estéticas y conceptos musicales
inapropiados para el periodo.
Al leer directamente de la tablatura, nos deja entender el tipo de digitaciones, la
articulación, la disposición de las voces y las duraciones de las notas. Sin embargo, el
argumento más importante para aprender a leer de la tablatura es la cantidad enorme de
música existente que no ha sido transcrita previamente, por lo tanto, es de
desconocimiento total para los ejecutantes y la audiencia de la actualidad.
Hay muchas ventajas cuando transcribimos la tablatura al sistema de notación
moderno, como por ejemplo:
1-La notación moderna permite que la música sea tocada por otros instrumentos
para los cuales esa música fue escrita.
2- Los ejecutantes pueden ver con mayor claridad los aspectos funcionales de la
música como lo son la relación de las tonalidades, la disposición de las voces (voicing) y
las estructuras armónicas.
3-La notación moderna le provee una oportunidad a aquéllos que no están
acostumbrados a leer tablatura, para que se puedan introducir en la ejecución de esta
música.
Tipos de tablatura
Son tres los tipos de tablatura utilizados en el Renacimiento: la tablatura italiana,
la tablatura francesa y la tablatura alemana. Todas utilizan líneas horizontales para
representar las cuerdas del instrumento formando un tipo de pentagrama, el cual variaba a
base del tipo de instrumento. Los números representan los trastes donde se debe tocar
cada nota y los símbolos sobre el pentagrama indicaban el ritmo de cada nota. Como no
quiero distorsionar el camino de este bosquejo, prefiero encaminar mi esfuerzo en
explicar brevemente la tablatura italiana, que fue la utilizada por la escuela de vihuelistas
renacentistas en España.
Tablatura italiana
La tablatura española de esta época estaba directamente relacionada con las
características básicas de la tablatura italiana, aunque con algunas excepciones, como lo
es el caso de Luis de Milán y su famoso tratado titulado El Maestro. En éste la sexta línea
de la pauta musical esta invertida, o sea la línea superior representa la primera cuerda de
la vihuela. En ocasiones a la tablatura española se le incluía una línea vocal sobre la
tablatura o se le incluía a la tablatura en color rojo. En términos de ritmo, se mantenían
los símbolos comunes de la época.
En la tablatura italiana el número 0 representaba la primera cuerda al aire, el número 1, el primer traste; el numero 2, el
segundo traste, etc. Otros compositores prefirieron alterar un poco esta tablatura incluyendo unos puntos sobre cada número para de
esta forma alinear de una mejor manera el ritmo que ésta lleva. (Ver Fantasía de Alonso Mudarra)
Los vihuelistas españoles
Una de las más grandes aportaciones de la música hispana es la escuela de
vihuelistas españoles. Los tañedores de vihuela usaban la vihuela de péndola (tocada
como la mandolina moderna, con un plectro), la vihuela de arco y la de mano. Al leer los
prólogos que los vihuelistas españoles escribieron para presentar sus obras musicales al
público, se puede ver una marcada influencia del humanismo renacentista.
Todos los vihuelistas apoyan sus alabanzas del arte de la música en la autoridad
de los filósofos griegos, y citan los prestigiosos nombres de Platón, Aristóteles, Pitágoras;
repiten las anécdotas de Plutarco sobre el poder de la música para excitar o aplacar las
pasiones de los hombres; evocan la leyenda que atribuye a Mercurio la invención de la
lira y al mito de Orfeo que amansaba a las fieras y a los demonios con los dulces sones de
su canto y de su lira.
Los vihuelistas fueron los primeros que dieron un desarrollo sistemático a las
variaciones sobre un canto llano; a ese tipo pertenecen, por ejemplo, “las diferencias” de
Narváez sobre melodías de romances y villancicos. Milán y Narváez fueron los primeros
que compusieron acompañamientos originales para canciones y villancicos a una sola
voz. De esta manera, los vihuelistas dieron un paso importante en el desarrollo del arte
humanístico del canto para voz sola con acompañamiento instrumental y fundaron sobre
bases firmes un arte nuevo, distinto de la música polifónica para voces. La introducción
de la imprenta musical en España contribuyó también en mucho a la divulgación de los
libros para aprender a tocar vihuela. El de Milán inauguró toda una serie de libros de
vihuela, el último de los cuales fue el de Antonio de Cabezón en 1578.
Ya en la primera mitad del siglo XVI los vihuelistas españoles, empapados en los
conceptos humanísticos, pensaban en hacer revivir la música antigua. Ellos cultivaron la
música para voz sola con acompañamiento del instrumento que mejor se combinaba con
ella; la vihuela, la cual permitía dar relieve y claridad a la letra. La aspiración
humanística había encontrado su forma artística más propia.
Al conocer la música de los primeros vihuelistas, es asombroso ver su gran nivel
artístico, su variedad de contenido y su originalidad. Desde luego, la obra vihuelística
española es solo una faceta del extraordinario desarrollo que en toda Europa alcanzó la
música instrumental en ese periodo. Otros autores importantes fueron Enríquez de
Valderrabano, Alfonso de Mudarra y Miguel Fuenllana.
Tabla de Vihuelistas Españoles y sus publicaciones musicales
AUTOR
PUBLICACION
LUGAR
FECHA
Luis Milán
Libro de música de vihuela intitulado El
Maestro
Valencia
1535-36
Luis de Narváez
Los Seys libros del Delphin de Música de
cifra para tañer vihuela
Valladolid
1538
Alonso de Mudarra
Tres libros de música en cifra para vihuela
Sevilla
1546-47
Enrique de Valderrabano
Libro de música de vihuela intitulado Silva
de Sirenas
Valladolid
1547
Diego Pisador
Libro de música de vihuela
Salamanca
1552
Miguel de Fuenllana
Libro de música de vihuela intitulado
Orphenica Lirica
Sevilla
1554
Esteban Daza
Libro de música en cifras para vihuela
intitulado El Parnaso
Valladolid
1576
Antonio de Cabezón
Obras de música para tecla, arpa y vihuela
Madrid
1578
Luis Milán (c 1500- 1561)
Luis Milán nació en Valencia y formó parte de la corte de Hernando de Aragón,
duque de Calabria. Por motivos politicos, abandonó España y se refugió en Portugal
donde fue protegido por Juan III. Aunque es poca la información biográfica que se le
conoce, se sabe que durante su vida logró publicar varios libros, como El juego de
mandar (1535) y El cortesano (1561). Sin embargo, fue para el año 1535 cuando escribe
su obra más importante conocida como el Libro de música de vihuela de mano intitulado
El Maestro.
El Maestro fue publicado en el 1536 y dedicada a Don Fernando de Aragón y a
Don Juan III de Portugal tiene un valor incalculable ya que representa la primera
colección de música durante el siglo XVI con un legado de obras impresas para la vihuela
de mano. Sin embargo, la importancia esencial de esta valiosa publicación radica en los
elementos internos que la componen. Este libro evidencia que fue Luis Milán el primer
compositor en la historia de la música en ofrecer información especifica con relación a
las indicaciones de tempo. Las indicaciones eran verbales y claras, demostrando un
trabajo composicional definido y meticuloso.
El Maestro está integrado por: 40 fantasías, 4 tientos, 6 pavanas, 12 villancicos, 4
romances y 6 sonetos. Está escrito bajo el formato de la tablatura italiana, como la
mayoría de los compositores de la vihuela, con la excepción de que la línea superior de la
tablatura representa la primera cuerda como si fuera tablatura francesa. Se trata de un
libro raro del que no se encuentran más que dos ejemplares en la Biblioteca Nacional de
Madrid y uno en la de París.
Indicaciones de Tempo utilizadas por Luis Milán
-ni muy apriessa ni muy a espacio sino con um compás bien mesurado
-algo apriessa
-compás batido........apressurado
-compás a espacio
Manuscrito original de la Pavana No.1 de Luis Milán.
Luys de Narváez (nace en Granada; fl 1530-50)
Indicaciones de tempo creadas por Narvaez
Durante la época del año 1530, Narváez sirvió como vihuelista bajo el servicio de
Carlos V. Luego en el 1540, los libros de historia lo ubican como profesor de música en
la capilla del príncipe Felipe, que luego se convirtió en Felipe II. Fue en Valladolid
(1583) donde Luys de Narváez produce su obra cumbre: Los seys libros del Delphín. Es
en esta publicación donde Narváez incluye un alto porciento de la totalidad de su obra.
Las obras aquí compuestas son para la vihuela y utilizan un sistema de notación basado
en la tablatura italiana, con algunos cambios muy particulares, como lo son las notas para
ser cantadas. En Los seys libros del Delphin encontramos; 14 fantasías, 3 tipos de
diferencias, intabulaciones para piezas vocales, canciones y lo que él titula como baxa de
contrapunto o composición sobre la base de un tenor.
Luys de Narváez fue el primer compositor (en la historia de la música) en incluir
símbolos para representar las indicaciones de tempo, además, fue el primer compositor en
componer piezas claramente identificadas como un grupo de “Diferencias” o Tema con
Variaciones, como las conocemos en la actualidad. Narváez compuso tres tipos de
diferencias: la primera, estaba basada en el conocido himno español O gloriosa Domina;
el segundo tipo, estuvo basado en un ostinado relacionado al patrón armónico de su
famosa obra Guárdame las vacas; y el tercer tipo de variación, fue en forma de
bergamesca (canción o poema popular del distrito de Bergamo al norte de Italia), y lo
integran un grupo de 22 variaciones en el tema Conde Claros.
Manuscrito de Guárdame las vacas
Guitarra de cuatro órdenes
La primera muestra de composición para la guitarra de cuatro órdenes ha sido
adjudicada a Alonso de Mudara en sus Tres libros de música en cifras para vihuela
donde podemos encontrar 4 fantasías, una pavana y un tema y variaciones sobre
Guárdame las Vacas. Lo mismo sucederá con Fuenllana donde ubicamos nueve obras
para la guitarra de cuatro órdenes. Tanto en Espana como en Italia, la guitarra de cuatro
órdenes no gozó de mucha popularidad si lo comparamos con el movimiento de la
vihuela y el laúd respectivamente, aunque vale la pena destacar el hecho de que son
varios los ejemplos encontrados en varios libros de vihuela de esta época. Esta situación
no es igual en Francia, pues es allí donde se consideró en mayor amplitud la guitarra de
cuatro órdenes donde encontramos nueve libros de tablatura dedicados a este instrumento
entre el 1551 y el 1555; cuatro por Adrian Leroy, tres por Guillaume Morlaye uno por
Grégoire Braysing y uno por Simon Gorlier. El contenido de estas fuentes está centrado
en danzas del siglo XVI como lo son las pavanas, galiardas, canciones y fantasías. Dado
que el instrumento se limitaba solamente a cuatro cuerdas, tenía grandes limitaciones
armónicas y es por tal razón, que abundan los acordes sin su raíz fundamental en la
música publicada.
Fuenllana, por ejemplo, nos habla de la “vihuela de cuatro órdenes, que llaman
guitarra”, y que tenía un cierto carácter doméstico. Vale la pena señalar que esta
guitarra fue también usada en una manera mucho más simple como un instrumento
pulsado. Bermudo también la presenta cuando distingue entre “la música golpeada” y
“la buena música”, la cual refería a aquella con contenido polifónico. Otros términos
han sido utilizados para explicar los tipos de utilización que ésta podía tener entre
éstos están el de tipo rasgueado y el de tipo punteado. La música publicada para la
guitarra de cuatro órdenes, sin embargo, estaba escrita para ser ejecutada en el estilo
punteado.
Guitarra de cuatro órdenes.
