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Presentación

L presente material teórico buscar acercar al alumno las nociones fundamentales de

la producción artísticas, nociones tales como, definiciones a cerca del dibujo, la

pintura, la composición y las técnicas mixtas.

En fin, acercarle a los estudiantes de arte en el taller, todos los conocimientos necesarios para

poder realizar sus obras desde un punto de vista amplio y criterioso, respaldado en la teoría

vista.

También de esta manera se busca lograr una mayor valoración de la producción artística

propia y de sus compañeros de taller.

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Índice:

Presentación. .................................................................................................................... Pág.3

Nociones de composición ................................................................................................ Pág.7

Requisitos básicos del orden ............................................................................................ Pág.8

Nociones Fundamentales de composición ...................................................................... Pág. 9

Tipos de simetría básicas ................................................................................................. Pág.10

Indicadores espaciales ..................................................................................................... Pág.10

El dibujo ........................................................................................................................... Pág.13

Tipos de dibujo .................................................................................................... Pág.15

Un poco de historia ............................................................................................. Pág.18

Técnicas de dibujo ............................................................................................... Pág.19

Lápices de Grafito ................................................................................................ Pág.19

Carbón ................................................................................................................. Pág.21

Pastel ................................................................................................................... Pág.22

Sanguina y sepia .................................................................................................. Pág.24

Lápices de colores ............................................................................................... Pág.25

Pluma y tinta........................................................................................................ Pág.26

Pinceles y tintas ................................................................................................... Pág.27

La figura humana ................................................................................................. Pág.29

La escala de valores ............................................................................................. Pág.36

La Pintura ......................................................................................................................... Pág.38

Color luz ............................................................................................................... Pág.41

El circulo cromático ............................................................................................. Pág.41

Atributos del color ............................................................................................... Pág.42

Armonía de colores ............................................................................................. Pág.43

Tipos de contrastes ............................................................................................. Pág.43

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Técnicas de pintura ............................................................................................. Pág.45

La composición ................................................................................................................ Pág.48

Bibliografía ....................................................................................................................... Pág.53

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Nociones de composición

El estudio de la composición nos lleva al estudio del orden. Componer no es más que poner

algo en relación ordenada con un referente. Sabemos que la composición ordenada es aquella

donde se equilibran las diferencias. El equilibrio de dichas diferencias nos obliga al análisis del

orden.

¿Qué se entiende por orden? Orden es un sistema en el cual cada posición o porción contenida

en él, cumple sus funciones de forma que permite la satisfacción completa de todos y cada

uno de sus referentes. Pero satisfacción ¿en función de qué? La necesidad de comprender esta

función, nos pone frente al análisis de otra circunstancia, nos lleva a pensar en la necesidad de

un paradigma referencial. Para que algo esté completo, sea reconocido o esté satisfecho, es

preciso que se establezca la unidad entre intencionalidad, recognición y el acto.

Algo es completo cuando se cumple. Para cumplirse, debe satisfacer a una intención. Debe

satisfacer a una capacidad. Cumplir es completar y sólo puedes completar una capacidad. La

habilidad que satisface o completa a la capacidad del orden, ha de ser también una habilidad

ordenada. Podemos darle muchas vueltas a esto, hasta llegar a necesitar del conocimiento

esencial del orden para poder componer. El orden vale, vale porque posibilita la comunicación

y la unidad entre la posición central del orden y su periferia ordenada en función de completar

dicho orden.

Veámoslo bajo otro prisma: En una casa existen muros referenciales, que determinan espacios.

Estos espacios pueden ser amplios o reducidos; con el techo muy alto o con el techo muy bajo.

Nos encontramos en el interior de un prisma, la habitación. Ese prisma contiene una posición

La creación de Adán: es un fresco en el techo de la Capilla Sixtina pintado por Miguel Ángel

alrededor del año 1511. Ilustra el episodio bíblico del Génesis en el cual Dios le da vida a

Adán, el primer hombre.

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de equilibrio, donde todas las diferencias verticales y horizontales encuentran la moderación.

Esa posición es el centro del prisma, el centro de la habitación. Pero en esa posición central

sólo puedo posicionar una cosa. Para componer dentro de ese orden he de relacionar espacios

con objetos. El tamaño de los objetos será determinado por la proporción de los espacios y la

ubicación de los objetos, también será determinada por el tamaño de los espacios donde se

van a ubicar. Esta relación está centrada en las referencias proporcionales de los espacios. Lo

mismo ocurre con la composición de una imagen.

Requisitos básicos del orden

En una composición han de establecerse todos los requisitos básicos del orden. Para que exista

orden, es preciso primero de correlatividad entre intención e imagen y entre el artista y su

obra. La correlatividad es algo en común que posibilita el encuentro de ambos en la unidad.

Orden es el equilibrio de las diferencias y por lo mismo, ambas posiciones de intención e

imagen, o de autor y obra, han de poseer alguna razón constante, e inmanente en ambos, para

que puedan establecer dicha unidad.

Además de correlatividad entre ambas dualidades, es preciso que se establezcan posiciones de

creador y de objeto creado, o de conductor del proceso creativo e imagen conducida o dirigida

hacia la satisfacción de la intención creadora. Ese orden posicional, conlleva a un orden

funcional que debe ser satisfecho. La posición del creativo conductor, debe emitir, cuidar y

completar, a la imagen fáctica creada por él, para lo cual, esa misma imagen, ha de

corresponder en su esencia; es decir en su contenido y en su forma, con la esperanza de la

intención creativa del autor. Si la imagen, no corresponde por diferencias en la forma o en el

contenido, la realización de la composición no se establece por completo; a no ser, que el

autor resuelva olvidarse de su intención originaria y se replantee la posibilidad de aceptar su

imagen en el estado actual. Lo que demuestra en cualquiera de las ocasiones, que el autor está

aceptando el logro como satisfactorio de la intención previa.

Los requisitos básicos del orden son:

1-Toda actividad ordenada, precisa de posiciones activo emisor o conductor de la acción y de

un objeto receptor o retribuidor y conducido, entre los cuales se establece una correlatividad,

correspondencia o parecido. De esta afirmación se desprende el hecho de que en una

composición artística, y en particular, en una obra pictórica, existan posiciones, referente y

referido, ya sean estos, espacios, tonos, o colores.

2-Toda actividad ordenada, se establece en función del cumplimiento de un propósito. Dicho

propósito está centralizado en la posición conductora. Cualquier obra pictórica, al realizarse, se

transforma en el efecto de una causa originaria, y de acuerdo con el principio de que todo

efecto es a su causa, podemos afirmar que la consecuencia creada corresponde a la

satisfacción intencional, a la cual se debe.

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3-Toda actividad ordenada, precisa de funciones a cumplir en pro de una intención, para lo

cual, tanto el referente como el referido, han de satisfacer dicha intención o estándar. En un

cuadro, tanto la imagen, como los tonos y colores han de cumplir con la función de satisfacer

al creador del trabajo. Si el objeto creado no se determina de acuerdo con el criterio del autor,

no se establece el orden entre ambos.

Para que se establezca el orden es preciso de un estándar paradigmático referente y de un

objeto referido que ha de concordar con dicho paradigma. Pero también es necesario de un

sujeto que lo aprecie y que lo constituya mediante un objeto, forma, imagen etc.

¿Cuál es el estándar paradigmático absoluto? El de la PLENITUD, LEY y COMPLETACIÓN. Nada

nos puede complacer, agradar o satisfacer por sobre el sentimiento de plenitud. Ningún placer

supera al sentimiento de plenitud. Ninguna verdad puede superar a la verdad que es siempre y

para todo válida, es decir que es ley. Y lo completo no necesita de nada más. A aquello que es

perfecto, no le falta nada, luego, nada es más completo que lo perfecto. Por lo mismo estos

valores de Plenitud, verdad y perfección, son absolutos e insuperables; este es el contenido

paradigmático referencial del arte.

Hablar de un orden compositivo, es hablar de posiciones, proporciones, volúmenes, tonos,

cromatismos, texturas. Todas y cada una de estas variedades existenciales, han de

establecerse en equilibrio. El equilibrio de estas diferencias es composición.

Nociones fundamentales de composición

"Componer es estructurar voluntariamente unidades visuales en un campo dado, de acuerdo

con leyes de la percepción, para obtener un resultado integrado y armonioso. Los elementos

se distribuyen y relacionan teniendo en cuenta su valor como parte pero subordinado al total.

Simetría:

Un factor importante en una composición plástica es el equilibrio, o sea la compensación de

los distintos elementos para llegar, por medio del movimiento perceptivo, a una situación de

reposo, de armonía. Uno de los recursos que podemos utilizar para lograr dicho equilibrio es la

simetría. Simetría es la reflexión especular de elementos con respecto a uno o dos ejes, o a un

punto central, que pueden ser visibles o no.

Asimetría

significa lo opuesto, lo no simétrico, aunque si la variación con respecto al eje no es grande

puede considerarse como simetría aproximada, siempre que presente la suficiente similitud

entre las partes como para que el eje o el centro se sientan positivamente.

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Los tipos de simetría básicos son:

• Bilateral o axial: es la más simple," consiste en la reflexión especular de elementos con

respecto a un eje central, visible o no, que puede ser vertical, horizontal o pueden cortarse

ambos en ángulo recto.

• Central o radial: es la más dinámica; consiste en elementos colocados por rotación

alrededor de un punto central, equidistantes entre sí y de dicho centro. Con solamente dos

elementos se puede lograr una organización simétrica central; en este caso, se la llama

también simetría por oposición, ya que la imagen ha hecho un giro de 180° hasta quedar

exactamente en forma opuesta sobre el eje de rotación.

Indicadores Espaciales

Posición en el plano de la imagen:

Perceptivamente, la figura colocada más abajo en el plano

parece más cercana; por el contrario, la ubicación más

arriba parece más lejana. Esta impresión se acentúa si

subimos la línea del horizonte, agrandando el plano de

tierra.

Superposición:

Sabemos por experiencia que si un objeto cubre parte de

otro es porque se halla delante de él y , por lo tanto, más

cerca. Si en un plano dibujamos figuras agrupadas, la que

se ve entera parece más cercana que las que están

incompletas.

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Disminución de tamaños:

En la realidad, percibimos más grande los objetos

cercanos y más pequeños los más lejanos. Si en una

composición usamos figuras que tengan una constancia de

forma, parece que las más grandes se acercan al

espectador y las más pequeñas se alejan de él.

Disminución de detalle:

La cantidad y nitidez de los detalles que podemos ver en el

campo visual real dependen de la distancia a que se

encuentran los objetos de nuestros ojos. Por lo tanto, las

figuras que en el plano posean mayor cantidad y nitidez de

detalles, parecerán más cercanas que aquellas que no las

posean.

Movimiento Diagonal:

Las diagonales en el plano provocan sensaciones de

profundidad. Si a esto agregamos otros indicadores, como

posición de las figuras y disminución de tamaños, se

acentúa dicha sensación. También la disposición de la

izquierda a derecha refuerza el efecto, hacho que

responde a nuestra costumbre de leer en este sentido.

Perspectiva:

Es un método para organizar diversos indicadores de

espacio en un sistema coherente para dar la ilusión de la

profundidad.

Si bien es el método que más se acerca a la representación

de nuestra impresión visual de la realidad, debemos comprender que es tan solo uno de los

tantos medios para lograr esa organización en la bidimensional.

Estamos habituados a crear que la perspectiva representa los objetos como vemos; pero es

como los vemos si miramos fijamente con un solo ojo.

Por lo tanto, tengamos en cuenta que la perspectiva es el mejor sistema cuando nuestro

propósito es la exactitud, pero no debe confundirse “fiel exactitud” con expresión. La variedad

que ofrecen otros medios pude servir, precisamente, para reforzar la expresión.

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Definición y Tipología

AMOS a comenzar definiendo el dibujo, para tener un poco más en claro lo que se

puede hacer con él, en cuanto a la expresividad del material y sus técnicas de variadas

aplicación. Posteriormente veremos algunos ejemplos del dibujo en diferentes

contextos históricos y culturales.

“El dibujo es el arte visual de representar algo en un medio bi

o tridimensional mediante diversas herramientas y/o

métodos. El dibujo convencional se realiza con lápiz, pluma,

grafito o crayón, pero existen múltiples técnicas y

posibilidades asociadas al dibujo.”

Si se tuviera que definir en pocas palabras qué es dibujar, se

diría que es:

El acto de producir una imagen en forma manual con algún

elemento o sustancia. Así, a menudo se usa lápiz sobre papel,

pero también se puede dibujar sobre casi cualquier otra

superficie, e incluso hacerlo digitalmente con el mouse o el

lapicero óptico o tableta.

Un dibujo puede ser representativo, abstracto o simbólico, es decir, puede querer ser una

imagen fiel de aquello que representa, o bien, evocar sensaciones, perspectivas o formas del

dibujante, o incluso trabajar por convenciones en, por ejemplo, señalética urbana.

Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para

transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura.

El lenguaje del dibujo supera las barrearas idiomáticas, pues tiene un carácter universal y

facilita las relaciones interculturales.

Tipos de Dibujo

Dibujo según su aplicación

De acuerdo con lo que se desea representar o hacia donde se debe enfocar, el dibujo se

clasifica en:

Dibujo Artístico

El “Dibujo Artístico” se define como el tipo de dibujo que sirve para expresar ideas filosóficas o

estéticas así como sentimientos y emociones. El artista cuando dibuja cosas, las dibuja tal

como las ve emocionalmente de acuerdo con su propia y peculiar manera de percibir la

realidad de su entorno. Este tipo de dibujo requiere aptitudes especiales como las personales y

V

Dibujo de Leonardo Da Vinci

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naturales. Pero no solo podemos referirnos a la representación de formas ya antes vistas sino

creando nuevas imagen con significado y mensaje propia de esa imagen, paralelo con lo real o

establecido

Técnicas del dibujo: las técnicas de dibujo dependen del material empleado dentro de los mas

usados.

Dibujo Técnico

Se dice que el “Dibujo Técnico” es el lenguaje gráfico universal técnico

normalizado por medio del cual se manifiesta una expresión precisa y

exacta y, su objetivo principal es la exactitud precisamente. Las

aptitudes para esta clase de dibujo por lo general son adquiridas, es

decir, que se llega a él a través de un proceso de conocimiento y

aprendizaje. Que se subdivide en “Dibujo Técnico Especializado”, según

la necesidad o aplicación los más utilizadas o difundidos en el entorno

técnico y profesional. Cada uno se caracteriza porque utiliza una

simbología propia y específica generalmente normalizada

legalmente.

Dibujo Geométrico

Es aquel que se representa por medio de gráficas planas. Dibujo geométrico constituye un

verdadero y novedoso sistema de enseñanza estructurado para garantizar, tanto al alumno de

los primeros años de las Escuelas Técnicas como a los de las Facultades de Arquitectura e

Ingeniería -bachilleres o peritos mercantiles- un rápido manejo y posterior dominio de la mano

sobre el plano

Es el nombre que se le da a la forma de dibujar apoyándose exclusivamente en trazos

geométricos (rectas medidas, curvas determinadas en radios y grados, etc.).

Para su desarrollo se emplean instrumentos que permitan la precisión (reglas, escuadras,

transportadores, curvígrafos, reglas paralelas, escuadra universal, etc.) normalmente sobre un

restirador; o paquetería informática que tenga exactamente las mismas funciones pero en

pantalla y de manera digital. Todos los trazos son apoyándose en instrumentos, jamás a mano

alzada.

El Dibujo Técnico: se divide en dos, que en cuanto a técnica son prácticamente lo mismo, lo

que cambia son las bases o fundamentos de la forma en que se encuentra el original, y como

se hará la representación gráfica del mismo:

Geométrico: Traza las cosas a escala, tal cual son, pero considerando que lo que dibuja

es completamente PLANO.

Geodésico: Sirve para dibujar objetos de superficie redonda, o esférica, por lo que les

hace correcciones a la perspectiva en proporción a lo cerca o lejos que se encuentren

de los polos de la esfera.

Dibujo técnico industrial

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Por ejemplo: Un mapa del mundo, en forma geométrica, como si la tierra fuera plana, tendría

las líneas de todos los meridianos en forma vertical, y estaría China muy a la derecha de EUA.

En un mapa geodésico, tendría las líneas de los paralelos en forma concéntrica, y los

meridianos como radios que parten del polo norte; así estaría China frente a EUA, con el polo

norte entre ambos.

Dibujo Mecánico

El dibujo mecánico se emplea en la representación de piezas o partes

de máquinas, maquinarias, vehículos como grúas y motos, aviones,

helicópteros y máquinas industriales. Los planos que representan un

mecanismo simple o una máquina formada por un conjunto de piezas,

son llamados planos de conjunto; y los que representa un sólo

elemento, plano de pieza. Los que representan un conjunto de piezas

con las indicaciones gráficas para su colocación, y armar un todo, son

llamados planos de montaje.

Dibujo Arquitectónico

Al introducirnos en el dibujo arquitectónico nos ubicamos en la concepción visual que altera el

paisaje urbano, los espacios físicos de una obra o infraestructura civil y que es elaborada a

escala de reducción para luego ser representada a una escala real o natural, tiene como

finalidad ayudar al hombre en su contexto social, cultural e interdisciplinario con su ambiente,

forma parte de lo que en fenomenología explica el porque, según las experiencias humanas, se

logra una mejora en la calidad de vida. La arquitectura ayuda a moldear la forma de vida de

una sociedad y del individuo colectivamente.

El dibujo arquitectónico, abarca una gama de representaciones gráficas con las cuales

realizamos los planos para la elaboración de edificios, casas, quintas, autopistas etc…

Se dibuja el proyecto con instrumentos precisos, con sus respectivos detalles, ajuste y

correcciones para poder dar escalas y medidas reales.

Procedimientos del dibujo artístico:

Para realizar dibujo artístico, es necesario profundizar en el conocimiento y representación de

las formas complejas. También requiere de un dominio importante de los materiales y

técnicas, para lograr una intencionalidad en la interpretación de dichas formas.

Los productos deben estar basados en conceptos teóricos que impliquen una intelectualización

de la observación.

Las técnicas deben emplearse al servicio de las ideas, y el trabajo debe abordarse de manera

racional y ordenada.

Dibujo Mecánico

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Es necesario conocer los principios básicos del signo visual y de la forma, para emplearlo en la

representación analítica de los objetos. También hay que comprender las características

formales de los objetos, respecto a su organización estructural y sus relaciones espaciales.

El conjunto de los datos visuales nos ayuda a formar el conglomerado de las formas, para

poder representarlos en forma prioritaria, según su importancia, para llegar al resultado

deseado.

Un poco de historia

Nos valemos del dibujo para representar objetos reales

o ideas que, a veces, no podemos expresar fielmente

con palabras. Los primeros dibujos conocidos se

remontan a la prehistoria, como los que se encuentran

en la Cueva de Altamira, donde nuestros antepasados

representaron en los techos y paredes de las grutas lo

que consideraban importante transmitir o expresar.

De las primeras civilizaciones perduran escasos

testimonios de dibujos, normalmente, por la fragilidad de

sus soportes (se han hallado en ostraca y pinturas murales inacabadas), o porque eran un

medio para elaborar posteriores pinturas, recubriéndolos con capas de color. Las culturas de la

Antigua China, Mesopotamia, el valle del Indo, o el Antiguo Egipto nos han dejado muestras

evidentes de ello, ideándose los primeros cánones de proporciones, como sucedió también en

la Antigua Grecia y Roma.

En la Edad Media se utilizó profusamente el dibujo, generalmente coloreado, para representar

sobre pergaminos los temas religiosos tratados, a modo de explicación o alegoría de las

historias escritas, primando lo simbólico sobre lo realista, incluso en sus proporciones y

cánones. También la cultura islámica contribuyó con preciosos dibujos que acompañaban

textos de anatomía, astronomía o astrología.

Es en el Renacimiento cuando el dibujo eclosiona alcanzando

sublimes cotas. Por primera vez se estudia el método de

reflejar la realidad lo más fielmente posible, con arreglo a unas

normas matemáticas y geométricas impecables: con Filippo

Brunelleschi surge la perspectiva cónica. El dibujo, de la mano

de los grandes artistas renacentistas cobra autonomía,

adquiriendo valor propio en autorretratos, planos

arquitectónicos y variados temas realistas –como los de

Leonardo da Vinci–, además de seguir sirviendo como estudio

previo imprescindible de otras artes, como la pintura,

escultura, o arquitectura.

Cueva de Altamira, España

Dibujo Renacentista

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Técnicas de dibujo

Las técnicas de dibujo se clasifican en:

SECAS: grafito, carbón, pastel, lápices de colores, sanguina y sepia.

HÚMEDAS: Pincel y tinta, pluma y tinta, rotuladores y estilógrafos.

Lápices de grafito

Alberto Durero (1471-1528) utilizaba <<punta de plata>> para conseguir dibujos muy sutiles, aunque tenia algunos inconvenientes por la necesidad de preparar la base. Por ello siguió buscando, para encontrar un medio de dibujo más inmediato <<el grafito>>. A lo largo de los siglos los artistas han utilizado el lápiz de diversas maneras, Ingres con mínimas líneas, Degas con mucha soltura, los estudios reflexivos de los Pre-rafaelistas, la definición y firmeza de Picasso... El dibujo de línea pura es la técnica más difícil, como Matisse lo utiliza resolviendo tonos, colores, Texturas y formas en unas pocas líneas.

El grafito es un carbono natural que, como el carbón se crea por la presión de la tierra sobre la madera.

El carbón se forma sólo por la presión, pero una combinación de

presión y calor hace cristalizar el carbono amorfo en láminas de

cristales de grafito.

TIPOS

Lápices de dibujo.

1. lápiz hexagonal estándar.

2. lápiz redondo de dibujo.

3. portaminas.

4. lápiz hexagonal grande.

5. lápiz de mina rectangular para bocetar.

6. y 7. Barra de grafito.

Soporte Preferiblemente papel blanco o colores claros. El tipo de papel

Alberto Durero

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depende de la absorción, peso o gramaje y textura.

Goma de borrar El dibujo de caracteriza por su facilidad para borrar, para ello utilizamos diferentes tipos de gomas. Las más comunes son Goma de pan, Goma de borrar estándar.

Línea a Lápiz (técnica seca) El tipo de lápiz, la presión en el trazo, el papel, altera la calidad de la línea.

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Mancha a lápiz y tramas (técnica seca) La trama y la mancha se utilizan para crear escalas tonales, que dependen del tipo de lápiz y del papel utilizado.

Carbón (Técnica seca) El Carbón se usa desde que los hombres en las cavernas cubrieron las paredes con dibujos de animales de caza, usando palos quemados. Esta técnica se puede usar para dibujos más elaborados como hace Jim Dine, pero lo más natural es utilizar la soltura y viveza del carbón, como los dibujos más libres de Daumier o Millet que plasmaba la atmósfera, la luz y el color del campo. Degas lo usa demostrando la importancia de la línea, la forma y Matisse destaca el movimiento. En la actualidad, el carboncillo se fabrica por

métodos sofisticados, pero simplemente es madera quemada, y es el medio más antiguo que se ha utilizado para el dibujo.

Para su fabricación se suele utilizar la caña de sauce.

Millet “Sembrando papas”

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Tipos de Carbón

La forma corriente de carbón se llama carboncillo, de

diversos grosores y dureza.

1. Carboncillo delgado de sauce.

2. Carboncillo medio de sauce.

3. Carboncillo grueso de sauce.

4. Carboncillo para decorados.

5. Lápiz de carbón.

6. Barras de carbón comprimido.

7. Carboncillo de vid.

Carbón comprimido: Se hacen de polvo de carbón comprimido en barras con un medio aglutinante. y son más difíciles de borrar que el carboncillo. Lápices de carbón: Una barra fina de carbón comprimido

recubierta de madera. También existen lápices hechos de papel enrollado en vez de madera, que son menos sucios y fáciles de manejar. Su gama va del extra blando 6B 4B 2B HB que seria el duro.

Soportes

La mayoría de los papeles de buena calidad son apropiados para esta técnica, pero los mejores son suaves y granulosos, porque retienen más el carbón y soporta mejor los borrados y frotados. Los papeles más lisos constituyen buenas superficies para el carbón comprimido. Para su permanencia haremos uso de fijativos

Técnica

El carbón es adecuado tanto para línea como para mancha y excelente para bocetos previos por su facilidad de corrección con algún trapo de algodón o goma de modelar. Otra forma de sujetar el carboncillo es paralela al papel, para crear diferentes líneas. Para conseguir efectos tonales podemos hacer uso del difumino, cuando dibujamos con carboncillo comprimido. Los difuminos sirven para esparcir el carbón y crear tonos graduales o mezclados

Pastel (técnica Seca) Aunque ya en los s. XV y XVI se utilizaban pigmentos poco aglutinados para dibujar con colores, hasta el s. XVIII no se establece como tal el arte de pintar al pastel. Algunos de los primeros y mejores exponentes trabajaron en Francia del s. XVIII. La verdadera pionera es Rosalba Carriera, pintora veneciana y una de las pocas mujeres que consiguieron fama artística en el s. XIX. La frescura y espontaneidad de los pasteles se acerca al espíritu impresionista, Degas es el principal pastelista entre los impresionistas.

Degas “La clase de Danza”

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Composición y tipos

Los pasteles son pigmentos en polvo, mezclados con la suficiente goma de tragacanto o resina para aglutinarse. Existen una amplia variedad con diferentes grados de dureza y formas. La variedad de tonos es muy importante para un buen resultado de color. Las barras más brillantes son más blandas y frágiles. Se presentan como: barras redondas, barras cuadradas, Lápiz de pastel recubierto de madera.

Soportes El color y la textura del soporte, sea papel, cartón o lienzo tiene una importante función en el resultado final. Papeles: se debe tener en cuenta el tipo de papel (peso, absorción y textura), la gama cromática, etc... El papel Ingres sería un papel adecuado, incluso los papeles de lija dan buenos resultados ya que agarran bien las partículas de pigmento.

Técnica

Los trazos deben ser confiados y libres, frotar demasiado con el dedo o con el difumino es un esfuerzo por mezclar los colores que da como resultado una superficie pulida. Se pueden alternar trazos espesos y finos, el borde afilado o plano, y podemos variar también la presión. Podemos aplicar el pastel por capas fijando cada una de ellas como desarrolló Degas (impesto con pastel).

Fijación Se debe golpear el soporte para que caigan todas las partículas sueltas del pigmento, se pueden fijar guardándola bajo presión o utilizar un fijativo, aunque hace disminuir el brillo del pastel

Pastel al Oleo (Técnica seca)

Composición y Tipo

Los pasteles al óleo son más parecidos a los crayones de cera que a los pasteles blandos. Se componen de pigmento, ceras de hidrocarburos y grasa animal. Son más flexibles que los crayones de cera y para manejarlos resulta más difícil con altas temperaturas. El alcohol blanco o trementina nos sirve para disolver el color.

Técnica

La superficie de los pasteles se puede manipular de varias formas, como efectos texturados o de raspado, superponiendo colores para encontrar el efecto que

Pasteles

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buscamos. Se pueden conseguir, mezclas de colores puliendo el color, pero para crear efectos más suaves se puede utilizar trementina. El resultado de los pasteles al óleo es completamente diferente de los pasteles puros, más relacionados con la pintura al óleo. Son útiles para bocetos y apuntes al aire libre, y fáciles de combinar con lavados de acuarela.

Sanguina y Sepia (Técnica Seca) La sanguina fue una de las técnicas preferidas de los maestros del Renacimiento, del Gran Siglo francés y de la época de las Fêtes Galantes. La sanguina del siglo XIX, en particular, fue utilizada por numerosos dibujantes por la diversidad de sus matices.

Para los artistas interesados por el color, sigue siendo el material ideal para resaltar las formas y expresiones del cuerpo femenino, por ejemplo. Por esta razón la sanguina se utiliza con frecuencia para la realización de retratos, esbozos de desnudos, vestimenta o paisajes.

Composición

La sanguina es una variante del pastel, es decir, una barrita de pigmentos secos en polvo. Lo que la diferencia respecto del pastel es el origen de los pigmentos que le dan ese color característico. Se trata de un óxido de hierro, conocido como hematites. La variedad de matices de esta piedra roja va del escarlata al carmesí, del rojo ácido al castaño o a un tono cercano al rojo ciruela. El color sepia se obtiene de la bolsa de tinta del calamar o sepia, dando unos matices de color marrón y terracotas oscuros.

Técnica

Con esta técnica se puede conseguir el efecto de crear una imagen a todo color con sólo tres colores, la sanguina, el blanco y el negro, llamada dibujo “a tres couleurs” se suele utilizar para retratos. Combinando el color de las barras o lápices con el papel nos dará sensaciones diferentes de luminosidad en el dibujo. La calidez y suavidad que aporta la sanguina al dibujo es una de sus características principales, por ello los artistas han utilizado esta técnica sobre todo para desnudos por su delicadeza.

Dibujo a sepia

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Lápices de colores En el pasado los artistas no utilizaban lápices de colores por su poca resistencia a la luz. En la actualidad esto se ha ido mejorando y también ha aumentado la posibilidad de elección introduciendo también los lápices solubles en agua y los solubles en trementina. Entre los artistas contemporáneos que han trabajado con lápices de colores se encuentra David Hockney.

Composición

Se fabrican de la misma forma que los de grafito, salvo que las minas no se calientan en un horno porque destrozaría los pigmentos. Las barras de pigmento se sumergen en cera derretida para que adquieran las propiedades necesarias para el dibujo. Está compuesta por: • Pigmento • Relleno (tiza, talco o caolín) • Aglutinante (goma de celulosa)

Soporte

Los lápices de colores son muy sensibles a la naturaleza de la superficie del soporte. El papel prensado en frío (NO) da resultados diferentes al papel suave (H.P.). El papel blanco bien aprestado hecho con un 100% de trapos y la superficie H.P. es el mejor para su permanencia y detalle.

Técnicas

Se pueden crear efectos muy diferentes, desde bocetos en tonos suaves, a trabajos de gran detalle con una amplia gradación tonal.

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Pluma y Tinta (Técnica Húmeda)

La tinta como medio para dibujar, se ha venido usando durante mucho tiempo. Los antiguos egipcios y romanos usaban plumas de caña para dibujar y escribir sobre pergamino y papiro. Europa en el siglo VII ya usaba plumas de ave, hasta que se inventó la plumilla de acero a principios del siglo XIX y se comercializó el papel de calidad, lo que permitió la experimentación. La marca de la pluma es una línea directa e inequívoca, que es fija y permanente, algunos de los muchos grandes artistas que utilizaron la pluma para realizar apuntes son Leonardo (1452- 1519), Rembrandt, Durero Holbein.

Tipos de Plumas 1. Pluma de ave. 2. Pluma de caña. 3. Pluma cartográfica. 4. Pluma de dibujo de acero. 5. Pluma de escribir, con plumilla de punta. 6. ,con plumilla plana. 7. ,con plumilla redonda. 8. Pluma técnica. 9. Rotulador 10. Rotulador de punta de fibra.

Además de las tradicionales plumas de ave o de caña y amplia gama de plumillas de acero

existen nuevos tipos, que podemos clasificar en: plumas de mojar, plumas fuente y plumas

depósito.

Plumas de mojar> son baratas, con una gran variedad de puntas. La pluma se llama plumilla y el mango palillero. Plumas fuente> la mayoría solo funcionan con tintas de escribir, con menos variedad de plumillas que la anterior. Plumas depósito> la tinta se vierte en el deposito en lugar de absorberse como las plumas fuente.

Algunas plumillas, especialmente las de acero, son muy flexibles y permiten variar la anchura a lo largo de la línea. Las plumas técnicas crean un trazo uniforme. Las plumas de caña hacen una línea gruesa y suave. Las cartográficas producen una línea aguda y encrespada. La ligereza es la característica principal de una pluma de ave.

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Tintas y Soportes Tintas para dibujo. Hechas para los artistas, a prueba de agua. Se secan en una película dura y brillante que permite aplicar más capas encima. La más utilizada es la tinta china (tinta de dibujo o negra). Tintas no resistentes al agua. Son similares a acuarela diluida, penetran en el papel más que las tintas de dibujo y son mates. Papeles. Se necesita un papel algo grueso (120gr), que acepta lavados, acuarelas y correcciones. Deben evitarse las superficies porosas y absorbentes, pero cierto grado de absorción puede ser útil. Para realizar una línea precisa y definida, necesitamos un papel de superficie dura.

Pincel y Tinta (Técnica Húmeda) El dibujo oriental a pincel se centra fundamentalmente en la línea. En occidente, no existe esa tradición de precisión del pincel, sino que tiene una función práctica de cubrir, retocar y manipular.

Tipos de Pinceles

Uno de los pinceles de mayor calidad se realiza con pelo de marta, son los más caros, no sólo por la calidad del pincel, sino también por la escasez de material. Cuanto más fina sea la cerda del pincel más cantidad de materia recoge.

Soportes

El soporte tradicional es el papel o la seda, pero se pueden usar lienzos u otros soportes. Los papeles japoneses y chinos son excelentes para el dibujo a pincel, son más delgados y absorbentes que los papeles occidentales. El trabajo depende del soporte, si es un papel texturado o liso, y del tipo de pincel. Un tipo de papel fácil de encontrar que podemos utilizar es el “basic”, que nos va a permitir trabajar muy bien con esta técnica.

28

Diferentes Técnicas

29

La Figura Humana

ESDE las pinturas primitivas en las cavernas la figura humana ha sido un motivo de

representación permanente en la historia del arte. Aunque la figura misma, o la

percepción que se tiene de ella, ha cambiado continuamente. La figura humana, al

igual que todos los demás objetos, también está sometida a las leyes de la perspectiva y como

tal deberemos tratarla según unas normas establecidas, con el fin de guardar las proporciones,

en relación a su posición relativa.

No debemos olvidar que la figura humana compuesta por el cuerpo, los brazos, piernas,

cabeza, … no es más que un conjunto de cilindros a los que necesariamente afectará la

perspectiva más o menos, siempre dependiendo de la distancia a la que esté de la denominada

"Línea del horizonte".

Para el estudio y representación de la figura humana, podemos dividir el cuerpo en ocho

partes iguales siendo la cabeza la unidad. Dicho de otra forma el canon de cuerpo humano

ideal es de ocho cabezas de alto. Observemos los siguientes gráficos que nos servirán de

ejemplo.

D

Canon de la figura humana, actualmente aceptado

30

En los dibujos anteriores podemos comparar y situar todas las partes del cuerpo, aunque estas

posiciones son relativas tanto en el hombre como en la mujer. Hemos de partir de la base que

esto es un canon establecido, pero evidentemente cada persona es distinta a las demás y tiene

sus particularidades. A continuación el canon de la figura femenina.

31

Los niños guardan otras proporciones

32

Construcción de la figura humana

Construcción de la cabeza humana

33

La Cabeza Humana

A cabeza es, sin lugar a dudas, el elemento más importante y expresivo de la figura

humana. Por ello constituye un tema de constante interpretación en el arte, ya que

reúne y manifiesta todas las sensaciones que nos identifican. La cabeza es la parte del

cuerpo que más tiempo contemplamos, pues ella es quien nos mira, nos habla y, en suma, nos

comunica los sentimientos y la propia personalidad del individuo con mayor precisión que

cualquier otro elemento del cuerpo.

Un estudio importante para el dibujo de la cabeza es el análisis de las proporciones generales,

que nos debe preocupar. Sin embargo, será el trabajo a partir del natural el que dote al

dibujante de la necesaria experiencia para conocer y dominar esta parte del cuerpo.

La cabeza en el adulto

Entre las proporciones de la cabeza del niño y la del adulto hay una serie de diferencias muy

notables, que todo dibujante debe conocer perfectamente. El canon más conocido de las

proporciones de la cabeza del hombre es el que se representa en estos dibujos, visto de frente

y de perfil.

Observando la cabeza frontalmente, y partiendo de un módulo, a, obtenido al tomar como

medida el alto de la frente, comprobaremos que esta medida se repite también en la parte

que va desde la ceja al final de la nariz y desde aquí al final de la barbilla. El ancho total de la

cabeza, así vista, vendrá definido por dos módulos y medio.

No obstante, si apreciamos la cabeza de perfil ésta queda inscrita en un cuadrado, situándose

los ojos a la mitad de la altura total.

L

34

La cabeza en el niño

Entre las proporciones de la cabeza del niño y la del adulto hay una serie de diferencias muy

notables, que todo dibujante debe conocer perfectamente. El canon más conocido de las

proporciones de la cabeza del hombre es el que se representa en estos dibujos, visto de frente

y de perfil. En este otro esquema comprobamos, frente a la localización observada de cada

uno de los elementos del rostro humano adulto, que en el caso del niño los ojos ya no

aparecen en la mitad del cuadrado y el volumen de la frente es ahora muy superior. Las cejas,

por su parte, quedarán justo a la mitad del rostro. Así pues, apreciaremos con detalle la

situación de los elementos del rostro, sabiendo en todo momento que los esquemas aquí

expuestos responden a un canon ideal de proporciones, con el que será preciso buscar

semejanzas y diferencias en cada caso real.

Las partes del rostro

Para dominar el dibujo de la cabeza humana no sólo es necesario conocer su forma externa y

el canon de proporciones, sino que el artista debe representar con soltura, fidelidad y fuerza

expresiva las partes del rostro, pues en ellas se reflejan los sentimientos más íntimos del ser

humano, al tiempo que son rasgos identificadores únicos e irrepetibles.

El mejor camino para dibujar con perfección tales elementos es practicar estudios a partir de

modelos diferentes y en distintas posiciones.

Ejercitemos esta tarea que, aunque en principio pudiera resultar ardua, finalmente nos

reportará esa destreza determinante para dibujar el rostro humano.

En los estudios que el dibujante lleve a cabo de las diferentes partes del rostro no debe

eliminar ningún elemento, por poca importancia que a primera vista tenga.

35

La nariz: se trata de un apéndice de menor relevancia que los ojos o los labios, pero que al ser

un rasgo sobresaliente colabora en la expresividad general del rostro humano, al tiempo que

cobra una enorme trascendencia en la representación de la cabeza de perfil.

La oreja: se trata sin duda del motivo menos importante de todos los que configuran el rostro

humano, y en numerosas ocasiones, incluso, queda oculto bajo el pelo, o porque la posición de

la propia cabeza dificulta o impide su visibilidad

No obstante, en aquellos casos en que este elemento

aparezca en un primer plano, o visiblemente destacada,

la oreja debe ser reflejada en el dibujo con minuciosidad,

reproduciendo todas sus sinuosidades y definiendo

adecuadamente sus volúmenes.

Los ojos: constituyen el elemento más importante del rostro humano, ya que reflejan con

bastante fidelidad la personalidad del individuo. Juntamente con los labios, son a modo de

ventanas, a través de las cuales pueden aflorar los sentimientos más diversos y los estados de

ánimo más complejos. Cada mirada es diferente a las demás y también es distinta la manera

en que en ella se refleja el estado de ánimo. Por esta razón es imprescindible que el artista

practique abundantemente estudios del natural

para que adquiera la destreza precisa

Para llevar a cabo el dibujo de un ojo, observado de

frente y de perfil, comenzaremos efectuando el

encaje de una forma pormenorizada y localizando

las distintas partes: párpados, cejas, pupilas, etc.

36

La boca

La escala de valores

Es el orden de los gradientes que se encuentran entre los extremos máximos. En este caso se

refiere sólo a variaciones crecientes o decrecientes de claridad, ubicadas entre polos de

claridad u oscuridad.

La escala de valores es una herramienta fundamental, para el conocimiento de los valores

propiamente dicho, ya que a travez de ellos, llegamos a conocer las claves tonales.

37

38

39

40

Definición y Técnicas

N Bellas Artes, la pintura artística es el arte de la representación gráfica utilizando

pigmentos mezclados con otras sustancias orgánicas o sintéticas. En este arte se

emplean técnicas de pintura y conocimientos de teoría del color. Más allá de toda

especulación o tendencia en las artes visuales, la pintura artística, se diferencia de cualquier

otro tipo de pintura, en que su práctica no corresponde necesariamente a una demanda, sino

a la búsqueda personal de un mensaje

visual, que trascienda al material usado

en sí, emergiendo detrás de las formas y

los colores y sus tonalidades, un

contenido que invite al espectador a

explorar un camino que se recorre a

través de las manos del mismo pintor.

Siempre basándose en las técnicas

elementales de la pintura como lo es la

composición, el equilibrio, ritmo, forma,

color y valor.

La pintura es la expresión de ideas,

pensamientos y sentimientos en el papel, madera, paredes etc. Para esto el pintor necesita

una habilidad para pintar y además una situación en que se base, es decir, un conflicto,

problema, o situación en la que este se encuentre.

Estas técnicas basadas en naturalezas matemáticas han sido perfeccionadas a lo largo de la

historia por todas las grandes civilizaciones conocidas, y sus profundos conocimientos han sido

siempre aplicados a consciencia por la mayoría de los grandes pintores que han trascendido en

sus obras.

En el arte de la pintura, el diseño gráfico, la fotografía, la imprenta y en la televisión, la teoría

del color es un grupo de reglas básicas en la mezcla de colores para conseguir el efecto

deseado combinando colores de luz o pigmento. La luz blanca se puede producir combinando

el rojo, el verde y el azul, mientras que combinando pigmentos cian, magenta y amarillo se

produce el color neutro.

Por ello a continuación prosigo hablando de la teoría del color.

El Color es la sensación originada en la acción de radiaciones cromáticas de los cuerpos

o sustancias reflejantes sobre los receptores fisiológicos y los centros cerebrales de la

visión. Puede haber otros variados estímulos tales como drogas, presión o electricidad.

Existen varias teorías científicas que explican el fenómeno color desde un enfoque

físico, químico y psíquico.

E

Primavera, obra de Sandro Botticelli, uno de

los pintores del renacimiento auspiciados por

Lorenzo De´Medici, apodado IL Magnifico

41

El principio del color básicamente consiste en que nuestros ojos captan las ondas de luz que

reflejan los cuerpos. Este fenómeno se produce debido a que los cuerpos absorben parte de

las longitudes de onda que componen la luz y rechazan otros, que son las que percibimos.

Color – Luz La luz es el agente físico que ilumina los objetos y los hace visibles. La luz es la

impresión producida en la retina por un movimiento vibratorio que se propaga en el espacio.

Es una energía que estimula nuestras sensaciones visuales, mediante la cual se captan formas

y colores.

Distintas medidas de longitud se ven como colores diferentes, la mayor longitud

de onda corresponde al rojo y la menor al violeta. Entre ambas se encuentran otras

longitudes, que corresponden a otros colores del espectro.

Hay longitudes de ondas que son invisibles, las mayores que las del color rojo se

llaman infrarrojas, y las menores que las del color violeta son denominadas

ultravioletas.

La percepción simultanea de todas las longitudes, en sus diferentes frecuencias y

velocidades, da como resultado la llamada luz blanca que, en realidad es incolora.

La Psicología del color Algunos colores y ciertas combinaciones de estos generan dinamismo, crean

tensión. Otras apaciguan y son netamente relajantes. Esto es causado según los colores

sean cálidos o fríos, armonicen o contrasten y según sean reflejados en objetos o no,

entre otros factores.

Los colores fríos tales como los azules, verdes y grises nos recuerdan el océano,

las praderas y los minerales. Tienden a ser apacibles y cumplen la función de telón de

fondo en espacios en donde se realizan actividades con alto nivel de concentración y

detalle.

Los colores cálidos: amarillos, rojos y naranjas estimulan el pensamiento, las

emociones y motivan las acciones. Resultan indicados para las áreas en las que se

realizan intercambios de ideas y destinados a la creatividad. También en espacios

comunes, ya que alejan el aburrimiento y estimulan la conversación.

El Círculo cromático Se denomina círculo cromático al esquema resultante de distribuir alrededor de

un círculo los colores que conforman el segmento de la luz visible del espectro solar,

manteniendo el orden correlativo: rojo, anaranjado, amarillo, verde, azul y violeta.

De los círculos cromáticos que se han venido elaborando a lo largo de la

Historia, hay muchas variantes usadas, pero una de las más conocidas, a nivel de libros

de texto, en la enseñanza de la materia de Artística, es la de forma de Hexagrama, más

conocida como Estrella de David, inscrita en una circunferencia básicos diferentes.

42

Colores Primarios: Cualquiera de las sensaciones del color, de los matices fundamentales (rojo, amarillo, azul) perceptualmente irreductibles, de los que derivan los demás colores (a partir de Isaac Newton se consideran a estos colores como primarios o fundamentales).

Colores Binarios o Secundarios: Aquellos colores formados por la mezcla de dos primarios o fundamentales.

Colores Terciarios: Es aquel formado por la mezcla de los tres colores primarios. En la práctica es el color obtenido de la mezcla de un primario con un secundario.

Colores Adyacentes o Análogos: Los colores análogos son aquellos que se encuentran muy cerca unos de otros en el círculo cromático. Por ejemplo el rojo y el naranja, el azul con el violeta, el verde con el turquesa, etc.

Colores complementarios: Los colores complementarios son aquellos que se encuentran en los extremos opuestos en el círculo cromático. Como por ejemplo el rojo con el verde, amarillo y violeta, azul y anaranjado, etc.

Atributos del color Todos los colores o matices que percibimos poseen tres atributos básicos

Matiz: También llamado “tono”, es el color en si mismo, es el atributo que nos permite diferenciar a un color del otro, por lo cual podemos designar cuando un matiz es verde violeta o anaranjado.

43

Luminosidad: Llamado también “valor”, es la intensidad lumínica de un color (claridad / oscuridad). Es la mayor o menor cercanía al blanco o al negro de un color determinado. A menudo damos el nombre de rojo claro, a aquel matiz de rojo que se encuentra más cerca del blanco, o de rojo oscuro cuando este color esta más cerca del negro.

Saturación: Es el grado de pureza que tiene un color determinado respecto al gris. Se dice que un color tiene una saturación alta cuando supone que apreciamos el color en toda su pureza, vivo, limpio de interferencias. En cambio decimos que un color tiene una saturación baja cuando el color se a “ensuciado”, resultando un matiz más apagado.

Armonía de colores El círculo cromático se usa muy a menudo para armar o determinar las armonías

de color que se van a usar en determinada obra artística. En este sentido, hay varias

clases de armonías de color, entre ellas, las siguientes:

Armonía de colores complementarios: En el círculo cromático se puede observar que hay pares de colores ubicados diametralmente opuestos en la circunferencia, unidos por el diámetro de la misma; a estos pares de colores se les suele llamar "colores complementarios" o "colores opuestos", ya que al superponer uno de estos colores sobre un fondo de su color opuesto, complementan el espectro visible, el contraste que se logra es máximo. Esto se denomina "armonía de contraste de opuestos o complementarios".

Armonía de colores en tríada – equidistante: Es cuando se arma una composición de colores usando aquellos matices del círculo cromático que están dispuestos en forma de triángulo equilátero, equidistantes entre sí y con respecto al centro del círculo como, por ejemplo, la tríada Verde-Rojo-Azul o la tríada Verde-Naranja-morado.

Armonía de colores análogos: Los colores análogos son los que se encuentran ubicados uno al lado del otro en el circulo cromático del color pigmento.

Armonía básicos terciaria: Se trata de la paleta de colores diseñada por el pintor Carlos Benítez Campos con colores básicos y terciarios del siguiente modo: en primer lugar elegimos para nuestra paleta tres colores básicos (primarios o secundarios indistintamente), y a continuación añadimos a la misma dos o tres colores que resulten de mezclar dos a dos, los primarios y secundarios del círculo cromático no elegidos en primer lugar. En total obtendremos cinco o seis colores para pintar un cuadro en perfecta armonía cromática.

Tipos de Contrastes Contraste por Tono: Es la utilización de una gama de diferentes tonos dentro del

mismo color. Se ha de tener en cuenta que se debe utilizar uno de ellos, el mas

saturado preferiblemente, en mayor cantidad o espacio para conseguir un efecto

correcto.

44

Contraste por Simultáneos: Efecto que se consigue en la utilización de colores y

tonos al superponerse uno encima del otro.

Contraste por Blanco y Negro:

Son los principales contrastes utilizándolo desde el blanco al negro pasando

por los grises.

Contraste por Saturación:

Es la utilización de un color saturado modulado con tonos blancos, negros o

con colores complementarios.

Contraste por Complementarios:

Es la utilización de dos colores complementarios y sus derivados.

Contraste por Fríos y Cálidos:

En el contraste y también en la armonía de los colores conviene tener en

cuenta que además de la utilización de los colores la utilización de la luz

puede dar otro efecto más. Partiendo del mismo color y variando la

luminosidad se consiguen otra gama de colores muy útiles.

Contraste por Superficie:

Es la utilización de diferentes colores y tonos variando el factor de la

superficie

Los Colores y Las formas Teóricos indican que a cada color le corresponde una forma geométrica primaria

o Triangulo – Amarillo.

o Rectángulo – Rojo.

o Circulo – Azul.

45

Técnicas de la Pintura

Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos al

soporte a pintar. En general, y en las técnicas a continuación expuestas, si los pigmentos no

son solubles en el aglutinante permanecen dispersos en él.

Óleos: fijar el pigmento son aceites y el

solvente es trementina. La pintura al óleo se

hace básicamente con pigmento pulverizado

seco, mezclado a la viscosidad adecuada con

algún aceite vegetal. Estos aceites se secan más

despacio que otros medios, no por evaporación

sino por oxidación. Se forman capas de

pigmento que se incrustan en la base y que, si

se controlan cuidadosamente los tiempos de

secado, se fijarán correctamente a las

siguientes capas de pigmento. Este proceso de

oxidación confiere riqueza y profundidad a los

colores del pigmento seco, y el artista puede variar las proporciones de óleo y

disolventes, como la trementina, para que la superficie pintada presente toda una

gama de calidades, opaca o transparente, mate o brillante. Por esta y por otras

razones, el óleo puede considerarse como el medio más flexible de todos.

Convenientemente usada, la pintura al óleo cambia muy poco de color durante el

secado, aunque a largo plazo tiende a amarillear ligeramente. Su capacidad de

soportar capas sucesivas permite al artista desarrollar un concepto pictórico por

etapas - Degas llamaba a este proceso “bien amenée” (bien llevado) - y la lentitud de

secado le permite retirar pintura y repasar zonas enteras. Las fotografías con rayos X

demuestran que incluso los grandes maestros introducían muy a menudo cambios

durante el proceso de pintar un cuadro.

Acuarela y témperas: Cuando el vehículo empleado para fijar el pigmento es, en la

mayoría de los casos, goma arábiga y el solvente

es el agua. Las acuarelas son pigmentos muy

finamente molidos y aglutinados en goma

arábiga, que se obtiene de las acacias. La goma

se disuelve fácilmente en agua y se adhiere muy

bien al papel (soporte por excelencia para la

acuarela). La goma además actúa como barniz,

claro y delgado, dando mayor brillo y

luminosidad al color. En un principio la goma

arábiga se usaba sola, pero más tarde se

añadieron otros componentes para retrasar el

secado y añadir transparencia. La acuarela

Oleos en tubo

46

requiere del artista seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución ya que su

mayor mérito consiste en la frescura y transparencia de los colores.

Gouache: Al gouache se le llama

también “el color con cuerpo”. Es una

pintura al agua, opaca, hecha con

pigmento molido menos fino que el de

las acuarelas, por ello es menos

transparente. Al igual que la acuarela, su

medio - o aglutinante - es la goma

arábiga, aunque muchos gouaches

modernos contienen plástico. El medio

está ampliado con pigmento blanco, que

es lo que lo hace más opaco, menos luminoso y menos transparente que la acuarela,

pero y he ahí su ventaja y el argumento para escoger ésta o aquella: los colores

producidos son más sólidos.

Cera o incáustica (o encáustica): Cuando el vehículo son ceras que normalmente se

usan calientes.

Aerosolgrafía: esta técnica consiste en hacer pinturas con aerosol (sprays), trozos de

revista, esponjas, etc

Acrílico: Cuando el vehículo usado son

diversos materiales sintéticos que se diluyen

en agua. La viscosidad puede ser como el

óleo (la presentación también ya que vienen

en tubos). Como la trementina, solvente del

óleo, desprende olores tóxicos hay muchos

artistas que la prefieren. Se podría decir que

es un sustituto moderno al óleo, como

muchas innovaciones tiene sus ventajas y

desventajas, ya dependerá del artista emitir

su propio juicio al respecto.

Pastel: Los pasteles son pigmentos en polvo mezclados con la suficiente goma o resina

para aglutinarlos formando una pasta seca y compacta, la palabra pastel deriva de la

pasta que así se forma, esta pasta se moldea en la forma de una barrita del tamaño

aproximado de un dedo que se usa directamente (sin necesidad de pinceles o

espátulas, ni de solvente alguno) sobre la superficie a trabajar (generalmente papel o

medera). Son colores fuertes y opacos cuya mayor dificultad es la adhesión del

pigmento a la superficie a pintar, por ello suelen usarse al finalizar el dibujo fijadores

atomizados (spray) especiales. El pastel generalmente se usa como el creyón o el

grafito (lápiz), su recurso expresivo mas afín es la línea con la cual se pueden hacer

tramas, también suele usarse el polvo que tiende a soltar el pastel (semejante al de la

tiza) para aplicar color.

Temple: Cuando el aglutinante es una emulsión, generalmente huevo o caseína.

Tradicionalmente se mezcla yema de huevo con agua destilada, pero también se

47

puede formar una emulsión con aceite e incluso con cera. Grandes obras maestras

como por ejemplo El Nacimiento de Venus de Sandro Bottichelli son hechos al temple.

Fresco: A menudo el término fresco se usa incorrectamente para describir muchas

formas de pintura mural. El verdadero fresco es a las técnicas pictóricas modernas lo

que el latín es a los idiomas modernos. La técnica del fresco se basa en un cambio

químico. Los pigmentos de tierra molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre

una argamasa reciente de cal y arena, mientras la cal está aún en forma de hidróxido

de calcio. Debido al dióxido de carbono de la atmósfera, la cal se transforma en

carbonato calcio, de manera que el pigmento cristaliza en el seno de la pared. Los

procedimientos para pintar al fresco son sencillos pero laboriosos y consumen

muchísimo tiempo. En la preparación de la cal se tardan dos años.

Tinta: La presentación de la tinta, también llamada tinta china, es generalmente

líquida aunque también puede ser una barra muy sólida que se debe moler y diluir

para su uso. Se usa sobre papel y los colores de tinta más empleados son el negro y el

sepia, aunque actualmente se usen muchos otros más. La tinta se aplica de diversas

maneras, por ejemplo con plumas o plumillas que son más adecuados para dibujo o

caligrafía y no para pinturas, las diferentes puntas de plumillas se utilizan cargadas de

tinta para hacer líneas y con ellas dibujar o escribir. Otro recurso para aplicar la tinta es

el pincel, que se maneja básicamente como la acuarela y que se llama aguada, no

obstante la técnica milenaria llamada caligrafía o escritura japonesa también es hecha

con tinta y pincel sobre papel. Otras formas más utilitarias de usar la tinta es en

tiralíneas (cargador de tinta) o rapidograph. La tinta junto al grafito son más bien

técnicas de dibujo.

Técnicas mixtas: Cuando se emplean diversas técnicas en un mismo soporte. El collage

por ejemplo que es una técnica artística (no pictórica por no ser pintada), se convierte

en una técnica mixta cuando tiene

intervenciones con gouache, óleo o

tinta. Como muestra de sus

posibilidades artísticas, se cita la

Técnica introducida por el pintor

Carlos Benítez Campos desde

principios de siglo. La cual consiste en

pintar al óleo un acontecimiento

cualquiera de la época, sobre el papel

pegado de las noticias en prensa que lo

publican.

Sería conveniente distinguir entre "Procedimiento pictórico" y "Técnica pictórica". Se entiende

por procedimiento pictórico como la unión de los elementos que constituyen el aglutinante o

adhesivo, y los pigmentos. La forma de aplicar ese procedimiento pictórico se denomina

"técnica pictórica". Si el artista piensa en la perdurabilidad de su obra debe cuidar,

investigando bien, la (o las) técnicas a emplear.

48

La composición

Definición: organización estructural voluntaria de unidades visuales en un campo dado de

acuerdo con leyes preceptúales, con vista a un resultado integrado y armónico.

Los elementos o sus equivalentes –las unidades ópticas- reciben en la composición una

distribución que tiene en cuenta su valor individual como parte, pero subordinada al total.

La composición nos involucra directamente en el gran ritmo de

la materia de que formamos parte no como meros

espectadores cerebrales sino como fragmentos de esa misma

materia, con cualidades diferenciadas pero participando por

nuestro ser de su esencia más secreta.

Todas las maneras conocidas de captar y modificar el mundo y

también aquellas que todavía se ignoran, son formas de

consustanciación que operan en el artista durante la

composición de la obra de arte.

Los grandes maestros de la antigüedad empleaban este sistema

para conseguir armonía en sus obras, tal es el caso de Giotto

cuya pinturas presentan una composición bien estudiada, por

ejemplo en “El cristo muerto”, la composición adquiere un

nuevo carácter ya que la figura humana principal no esta en el

centro, su obra nos ofrece una relación reciproca puesto que

todo responde a unos ejes que denotan fehacientemente un

ritmo, colinas cuya inclinación transmiten la sensación de

perspectiva hasta los propios ángeles si se los agrupa en pares

nos permiten ver un ritmo que origina tensión pues estos están

dirigiéndose al cristo muerto.

Rafael Sanzio es otro de los grandes maestros, en este caso su composición se basa en un triangulo y otro triangulo invertido.

En “La escuela de Atenas” organiza su composición basada en la cruza de dos diagonales, Aristóteles es el centro de la composición y de la temática.

Un aspecto importante en cuanto a la composición es tener en cuenta que es un sistema de

ordenamiento compuesto en el cual se encuentra presente otros elementos tales como el:

La “Virgen del jilguero”

(1505) es una de las

primeras obras de las

muchas que Rafael habría

de pintar durante su vida

sobre el tema mariano. El

trabajo de los rostros y el

manejo del claroscuro

denotan la influencia de

Leonardo da Vinci.

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49

Espacio: Dimensión, extensión, relación entre los objetos, continente de los mismo.

Dirección en todos los sentidos volumen plástico. Puede considerarse como la experiencia

perceptual a través de las posiciones, direcciones, distancias, tamaños, y formas de los

cuerpos en relación. Estos factores se definen siempre respecto a ; ejes o puntos de

referencia, en lo que hace a la distancia;

Posición, movimiento y dirección. Forma,

Tamaño y relación de las partes en cuanto a

unidades visuales. La percepción del espacio

implica para el ser vivo, acción en el espacio, a

cuya valoración concurren la determinación de

los ejes y coordenadas potenciales. La

percepción del espacio no depende sólo de las

condiciones fisiológicas sino también da las

psicológicas. Así una serie de fenómenos

visuales sobre el plano de la imagen (figura,

fondo, superposición, peso, avances de color,

gradientes de tamaño y luminosidad, tensión,

contraste.) son considerados entre otros

factores como determinantes de la percepción

espacial.

El mapa estructural: Es la estructura

inducida del campo donde se desarrollan las

diversas fuerzas del espacio, en el se

establece la energía que intrínsecamente

existe en una superficie homogénea. Así inductivamente se demarcan las diagonales y

los ejes del campo, el punto cruce de tales ejes y diagonales resulta ser la zona de

mayor atracción o fuerza; toda forma colocada sobre él permanecerá en relativa

estática y colocada cerca de él, resulta ser atraída por una fuerza magnética. Fuerzas

semejantes aunque de menor cuantía se encuentran en los ángulos, bordes, ejes y

diagonales. El centro es la zona de equilibrio de todas las fuerzas, en consecuencia la

posición central de una forma o un agrupamiento tiende a una cierta estática. Las

zonas de mayor grado de inestabilidad son las que corresponden a la ubicación que se

halla entre dos o más puntos o zonas de atracción. Por tanto se deduce que una

superficie en "blanco" no es una superficie muerta sino por el contrario plena de

acción potencial.

Campo: Se refiere al ámbito donde se desarrolla una composición, el Medio en el que

se desenvuelven las fuerzas ópticas externas entre sí y con los limites del mismo. que

pueden ser; cerrados, abiertos escultóricos escenográficos arquitectónicos, etc. y cuyas

leyes se infieren de esta relación.

Equilibrio: Según la física el equilibrio es el estado en el cual las fuerzas que operan en

él se compensan mutuamente. Es la distribución de las partes por la cual el todo ha llegado

“ La Escuela de Atenas” (1510-1511)

es uno de los frescos que Rafael

pintó para decorar las estancias del

Vaticano y que marca la madurez

artística alcanzada durante sus años

en Roma (1508-1520). En él

aparecen Platón y Aristóteles

(centro) así como otros filósofos y

eruditos griegos. Está considerado

como una obra maestra de la

perspectiva y de la expresión de los

ideales artísticos del renacimiento.

50

a una situación de reposo. No obstante, la idea de equilibrio implica fuerza y dirección, por

lo tanto también movimiento. Esta noción recibe cabida también en el arte mediante la

percepción sin embargo, ello no implica que rijan las mismas leyes. En el arte, el equilibrio

está referido a los bordes o marco del campo donde de acuerdo a éste se crea un campo

visual limitado. (en teatro, espacio escénico) El equilibrio se relaciona principalmente con

el peso compositivo, la dirección y la anisotropía (en todas las direcciones).

Peso: Dos factores determinan el equilibrio, peso y dirección. El peso depende de la

ubicación. Cualquier elemento colocado en el centro del campo, cerca de él o en el eje

vertical central, pesa menos que uno que se encuentre alejado de estas zonas y que en

consecuencia sufra tensiones de atracción o repulsión. El peso aumenta gradualmente a

medida que éste se aleja del centro de la composición. El peso también depende del

tamaño y el color, cuanto mas fuerzas de atracción lo determinan, siempre dependiendo

de su ubicación. El interés intrínseco de una zona es también un factor de peso.

Tensión: Es una sugerencia de fuerza que se evidencia en las direcciones de las formas,

las que tienden a dirigirse hacia aquellos lugares en que se acentúa su dirección; tanto

como las fuerzas de un cuadrado de encierro, las que se ponen de manifiesto por la

estructura inducida del mismo. Lo que hace que las formas sean atraídas o repulsadas por,

las distintas zonas de la superficie. La tensión en un campo plástico tiene magnitud y

dirección, dependiendo éstas de la fuerza de atracción que exista entre dos formas y la

dirección hacia la que se dirigen. Esta fuerza se hace evidente no solo allí donde la forma

existe en su configuración visible, sino en direcciones virtuales, una mirada por ejemplo. El

fenómeno tensional al actuar sobre las formas, tanto como actúan los factores de tamaño,

posición, contraste etc. tiende a relacionar distintos elementos en una sola configuración.

Movimiento: Es el foco de atención más fuerte en una composición. Es una sugerencia

que se logra en un orden plástico debido a la aplicación de determinados fundamentos

visuales: Destino común, Secuencia, Alternancia, Progresión, Ritmo, Agrupamiento, etc. Se

considera también movimiento a la tensión existente entre varios elementos formales o

lineales y el campo que los contiene, a través del cual las figuras son atraídas, o repulsadas

provocando la sugerencia de movimiento o desplazamiento. El movimiento es un

acontecer en relación con las cosas fijas. La experiencia del movimiento presupone dos

sistemas, uno de los cuales se desplaza en relación al otro. En el fenómeno perceptivo de

la experiencia del desplazamiento el marco o límite del campo, tiende a permanecer fijo,

mientras que el objeto dependiente de ese marco, ejecuta el movimiento. Movimiento

centrípeto, centrífugo y diagonal.

Forma: Apariencia, configuración, estructura que reciben las impresiones sensoriales

en la percepción. Sentido que reciben estas sensaciones. Relación de las partes con el

total.

Forma Abierta: Se designa así a aquellas formas cuyas características principales son:

integración al fondo o medio. Evolución alrededor de un núcleo central explícito o implícito

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a partir del cual, se desarrolla en movimientos centrífugos o centrípetos; ínter - relación de

las partes con el todo.

Forma Cerrada: Reciben esta denominación las formas que muestran continuidad de

contornos en todo su perímetro, lo que las contrasta con el fondo o medio con el cual

manifiestan independencia, muestran densidad, cerramiento, solidez y carácter envolvente.

Armonía: Principio estético íntimamente relacionado con la unidad orgánica de la

"obra" en las artes espaciales. En lo relativo a sus valores formales incluye a su vez los

principios de Simetría, Equilibrio y Proporción. Es la justa relación de estos principios o

fuerzas, presentes en el arreglo de los valores formales, énfasis en la articulación de las

fuerzas orientadas en actitud dinámica, jugando aquellos principios como parte de un

organismo " vivo " en función de un contenido y no como una simple asociación de las

relaciones formales.

Proporción: Es la relación de las medidas armónicas entre las partes componentes de

un todo. Estas relaciones de medida son encontradas en el mundo orgánico e inorgánico.

Pero tales relaciones matemáticas no se expresan de manera mecánica; la relación existe

pero las formas exhiben una serie de pequeñas variaciones dentro de la relación general, lo

cual contribuye a la "belleza y vitalidad". Razones numéricas o geométricas de distinta

índole que emergieron de las investigaciones sobre el funcionamiento de la naturaleza

fueron aplicadas al arte, siempre en la persecución de una unidad armónica. (Rectángulo

Áureo - Rectángulo Raíz - Numero de Oro)

Simetría: El termino simetría en el sentido corriente tiene dos acepciones lo simétrico,

que significa bien proporcionado o Equilibrado, y simetría, que significa concordancia entre

las partes que concurren a integrar un todo. La imagen de la balanza representa una

vinculación natural con el segundo sentido del termino, lo que se conoce como simetría

bilateral; formas "iguales" (semejantes) a, igual distancia a ambos lados de un eje, simetría

o relación evidente en los animales superiores y el ser humano leyes matemáticas que rigen

la naturaleza son la causa de la simetría en ellas y la realización intuitiva de dicha relación

en la mente del artista que tiene origen en el arte, tal refiere Platón respecto a la simetría.

La bilateralidad constituye una. Reflexión formal. Otros tipos de relaciones en el mundo de

la naturaleza orgánica e inorgánica fueron ampliando las posibilidades; de relaciones

simétricas, alcanzando estas un número considerable de variables, las que se organizaron

acorde a una relación con permanente ley de regularidad. La simetría o el orden regular

entre las formas se pone en evidencia a través de operaciones de superposición, sobre la

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base de órganos de simetría, o lo, que es todas las posibles operaciones de superposición y

sus combinaciones. De acuerdo con esto se llega una sistemática de la simetría.

Dinámica: Perteneciente o relativo a

la fuerza cuando produce movimiento.

Energía activa y propulsora. Líneas de

fuerza generadoras de movimiento

percibido en los esquemas, objetos,

diagramas, etc., en general toda tensión.

Es el movimiento percibido en el sentido

de las direcciones principales del objeto y

son estas tensiones dinámicas dirigidas,

las que acentúan la locomoción, traslado

o desplazamiento perceptual. Así como

hay direcciones " privilegiadas, " para el

movimiento percibido o dinámica de las formas u objetos, hay formas, texturas, posiciones,

actitudes, etc. que resultan altamente dinámicas: formas de cuñas o flecha, direcciones o

posiciones, etc. sin que ninguna de ellas tenga otra obligada relación con un hecho

dinámico real de experiencia cotidiana.

"Danae" Rembrandt.

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Bibliografía

1) http://es.wikipedia.org/wiki/Wikipedia:Portada

2) El lenguaje Grafico Plástico. Amalia Polleri / Maria C. Rovira.

3) Léxico Técnico de las Artes Plásticas. Irene Crespi / Jorge Ferrario.

4) Educación Plástica. Anahi Villarruel.