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TERCERO MEDIO 2018
SISTEMA EDUCACIONAL LIAHONA
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DEPARTAMENTO DE MUSICA
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Practica 1 / lectoescritura musical
Música de raíz folclórica latinoamericana, trova y nueva canción chilena,
Práctica vocal e instrumental, evaluación: interpretación instrumental
unidad 1⇒ Música de raíz folclórica
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FOLK= PUEBLO, GENTE
LORE= CONOCIMIENTO, SABER
Es el conocimiento o saber de un pueblo
determinado; gastronomía, juegos, terminologías,
historias, mitos, leyendas, poesías, declamaciones,
costumbres y tradiciones. Posee como característica
principal su conocimiento y dominio que proviene
del comentario informal traspasado de generación
en generación.
En el caso de la música, podríamos decir que, la
música folclórica son todas aquellas canciones y melodías
que
forman parte de la cultura de un país, cuando hablamos de folclor nos dirigimos al origen, a lo
antiguo, a la tradición. Cuando el folclore es sacado de su contexto y de su tradición ya no es
folclore puro, por ejemplo; una tonada en la ciudad no está en su contexto, menos si es tocada por
un profesional o un estudiante, ahí empezamos a hablar de fusión y de raíz folclórica.
Contenido: Música de raíz folclórica latinoamericana
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El origen de la palabra trovar tiene por significado inventar o crear.
Los trovadores fueron músicos y poetas medievales que componían sus obras y las interpretaban
en las cortes señoriales de Europa, en especial al sur de Francia entre los siglos XII y XIV. En sus
canciones plasmaron su visión del mundo, fueron los portadores de noticias y opiniones respecto a
los temas contingentes de la época.
La nueva trova es un fenómeno desarrollado posterior a la revolución cubana
de la década de los ’50, en donde la ideología política es complementada con
la canción de la trova, y se basa principalmente en un compositor y cantante
acompañado de una guitarra acústica. La temática lírica se basa en el amor y
la reivindicación social. Sus más grandes representantes son Silvio Rodríguez
y Pablo Milanés, cuya importante obra sigue influenciando a músicos
actuales como Chinoy, Manuel García y Nano Stern. La nueva trova toma el nombre debido a la
similitud de este personaje portavoz que no canta por cantar, sino con un fin de comunicar y
expresarse en diversos planos.
Por otra parte la temática, la contingencia y la efervescencia social
de la época, dio paso a uno de los fenómenos culturales más
importantesde nuestro país: La Nueva Canción Chilena, movimiento
musical surgido y desarrollado en Chile entre los años 1960 y 1973, el
cual tuvo una gran relevancia en el ámbito de la música de raíz
folclórica chilena y latinoamericana, tanto así que en el año 1969 dio
origen al Primer festival de la nueva canción chilena, que pretendía
recopilar las expresiones musicales de un grupo de artistas, y
siempre contrastándose a la composicion musical folclórica de la
epoca (Nicanor Molinare, Clara Solovera, Luis Bahamonde,etc) y de los intérpretes (Duo Rey Silva,
Los cuatro cuartos, Los Huasos quincheros, etc). Esta música se caracterizaba
por su sencilla textura armónica apoyados en la tonada y la cueca. La
organologia se limita a la guitarra, acordeón, arpas y en algunos casos un
tratamiento vocal homofónico. La lírica se limita a las situaciones rurales,
donde la naturaleza y el sentido patriotico gravitaban fuertemente
mezclandose a veces con la simpatia y el humor. (Mi banderita chilena, Chile
lindo, Si vas para Chile, etc).
En contraste a esto, la Nueva Canción Chilena se presenta en la escena artística
evidenciando: mayor textura armónica, utilización de disonancias y amplitud
timbrística; en el aspecto lírico, las tematicas implican un mayor compromiso
ideológico y social, la tematica amorosa integra aspectos poetico filosoficos
profundos, los arreglos vocales pasan de la homofonía a la polifonía e instala a
grandes referentes solistas (Violeta Parra, Víctor Jara, Patricio Manns), vocales
(Quilapayún) e instrumentales (Inti-Illimani). La efervescencia por éste
fenomeno llevo a que nuestro folclore fuese investigado, recopilado y puesto
en valor, reivindicando tanto los ritmos folcloricos latinoamericanos como la
poesia popular campesina de nuestro pais. La Nueva Canción Chilena fue un
motor que llego a aliarse con el resto de latinoamerica en pos del “sueño
latinoamericano” en el aspecto artístico y cultural hasta que en 1973, producto
del golpe militar y las restricciones que implicó, terminó por debilitar el
movimiento producto del exilio de los artistas y del temor de la ciudadania al
verse ligada a la musica y al movimiento de la Nueva Cancion Chilena.
Contenido: Música de la nueva trova y la Nueva canción
chilena
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Practica 1
1
/ lectoescritura musical
Géneros y movimientos destacados del siglo XX, el espiritual, blues y el jazz.
Unidad 2⇒ El Blues y Jazz
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La música en el siglo XX se vió altamente influenciado por los golpes sociales y cambios
que vivió el mundo. Muchos de los generos y estilos musicales de hoy, deben su génesis a que
otros movimientos musicales de principios de siglo, cambiaran los parametros estéticos y se
atrevieran a innovar musicalmente. El rock, el hip-hop, el funk y muchos otros, deben su origen a
la influencia africana en norteamérica y el mundo.
Los fenómenos musicales mencionados anteriormente y que siguen
vigentes con fuerza en nuestros dias, son producto de propuestas
contraculturales altamente influenciados por su contexto histórico social,
cuyos mas grandes estandartes son el punk y el hip-hop, en donde se
evidencia el descontento ante la desigualdad social y la necesidad de
expresión por parte de las “clases” sociales más afectadas.
Ésta gran influencia, significó el quiebre de los parámetros estéticos y
sociales, llevando a una apertura en la multiculturalidad de la sociedad, igualdad de género y
puesta en valor de varios aspectos relacionados a la cultura popular.
A pesar de que, en muchas áreas del Sur de Estados Unidos, el batir de tambores estaba
específicamente prohibido por la ley y, en zonas como Georgia, se prohibió el uso de cualquier
instrumento musical por parte de los esclavos; los festivales con música de tambores y danzas
africanas se organizaban con frecuencia a comienzos del siglo XIX tanto en la Plaza del Congo en
Nueva Orleans, Memphis, Kansas, Dallas o San Luis, usando instrumentos de percusión y
de cuerda similares a los utilizados en la música africana indígena. Los esclavos solían tener el domingo libre y
organizaban fiestas en la Plaza del Congo, que se prolongaron
aproximadamente hasta 1885, coincidiendo con el surgimiento
de las primeras bandas de jazz. Las canciones y danzas
interpretadas eran en gran medida funcionales, ya fuese para el
trabajo o rituales. La característica principal es su gran riqueza
rítmica. La tradición africana hacía uso de melodías simples y de
técnicas de música de llamada y respuesta, pero estos elementos no tardaron en combinarse con
conceptos armónicos procedentes de la música europea. Los ritmos reflejaban patrones africanos
y de las escalas pentatónicas surgieron las notas del blues, utilizadas posteriormente para sentar
las bases del blues y el jazz.
Los estamentos eclesiásticos también intentaron controlar la música de los esclavos, obligándolos
a cantar salmos e himnos para "convertirlos" a estilos musicales más europeos. En muchos casos,
el efecto fue contrario. Ala Lomax, erudito de la música afroamericana, comentó: "Los negros
habían africanizado los salmos a tal nivel que muchos observadores describieron los himnos de los
negros como misteriosa música africana. En vez de actuar de forma individual, fusionaban las
distintas voces. El resultado: el jazz.
El espiritual deriva de la expresión canto espiritual. El término "canción espiritual" ya era de uso
frecuente en la comunidad cristiana, tanto blanca como negra. A lo largo del siglo XVIII, el
"espiritual" era utilizado como un sustantivo que significaba, "persona espiritual" o "cosa
espiritual". A través de la religion y la fé, los esclavos negros tuvieron la posibilidad de estar un
paso mas cerca de la libertad y alabar a Dios libremente,
llevando a evidenciar las enormes capacidades musicales, e
influyendo en el hecho de que los negros dejaran de ser
considerados animales. Poco a poco, el fantasma de la
esclavitud comienza a apaciguarse y logran expresarse
musicalmente, fuera de la iglesia.
Contenido: Géneros y movimientos destacados del siglo XX/El espiritual
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El blues se reconoce como la primera expresión musical negra fuera de la iglesia. La frase the blues hace referencia a los blue devils (diablos azules o espíritus caídos), la depresión y
la tristeza. Una de las primeras referencias a the blues puede encontrarse en la farsa Blue Devils, a
farce in one act(1798) de George Colman.
A pesar de que la frase, en la música afroamericana, pueda tener un significado más antiguo se
atestiguó que en 1912, en Memphis (Tennessee) el músico W.C. Handy ya utilizaba (en su tema Memphis Blues) el término the blues para referirse a un estado de ánimo depresivo, con
melancolia representada de una manera muy expresiva.
El blues ha evolucionado de una música vocal sin acompañamiento, interpretada por trabajadores
negros pobres, a una gran variedad de subgéneros y estilos, con variedades regionales a lo largo
de todo Estados Unidos y, posteriormente de Europa y África. Las estructuras musicales y los
estilos que están considerados hoy día como el blues, así como en la música country moderna,
nacieron en las mismas regiones del sur de Estados Unidos durante el siglo XIX. Pueden
encontrarse grabaciones de blues y de country que se remontan a los años veinte, periodo en el
que la industria discográfica creó categorías de marketing
denominadas «música racial» y «música hillbilly» para
vender canciones a los negros y a los blancos,
respectivamente. En aquel periodo, no existía una distinción
musical clara entre los géneros blues y country, excepto por
la raza del intérprete.
Mientras que el blues emergía de la cultura afroamericana,
algunos músicos de blues ya eran conocidos a nivel mundial.
Algunos estudios sitúan el origen del espiritual negro en la
exposición que tuvieron los esclavos al gospel, (originario de las Hébridas) de sus amos.
La mas grande herencia del blues a la musica popular contemporánea es la necesidad de la época
por amplificar la guitarra. Así nace la guitarra eléctrica, de manera artesanal al inicio y mas
elaborada posteriormente, con fabricantes como Gibson y Leo Fender, creadores de los mas
icónicos modelos de guitarras.
Ademas, de la mano del Blues y el desarrollo de habilidades musicales mas elaboradas, llevó a que
se gestara un nuevo estilo que junto al Blues, han influenciado fuertemente a la música popular
actual: El Jazz.
El Jazz es una forma de arte musical que se originó en los
Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con
la música europea. La instrumentación, melodía y armonía
del jazz se derivan principalmente de la tradición musical de
Occidente. El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y
los elementos de armonía de blues se derivan de la música
africana y del concepto musical de los
Afroamericanos.
Contenido: Géneros y movimientos destacados del siglo XX/El Blues
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Práctica
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Como características principales, diferenciaremos tres elementos básicos que distinguen el jazz de la música clásica europea:
----Un ritmo especial conocido como swing.
---El papel de la improvisación.
Un sonido y un fraseo que reflejan la personalidad de los músicos ejecutantes.
Por otra parte, un gran rasgo identitario y que se le debe reconocer al jazz, es el uso de
instrumentos que antes eran exclusivos de la orquesta clasica; El clarinete, la familia de los
saxofones y los bronces. Además el contrabajo utilizando la tecnica del pizzicato (sin arco), el que
dará paso al bajo eléctrico, y la consolidación del uso de la guitarra eléctrica.
A lo largo de su historia, el jazz ha pasado de ser una simple música de baile popular a una
compleja forma de arte reconocida y celebrada en todo el mundo. Paralelamente a dicho
progreso, han cambiado también las actitudes hacia esta música: en 1924 un periodista del New
York Times se refería a ella como «el retorno de la
música de los salvajes», mientras que en 1987 el
Congreso de los Estados Unidos de América declaraba al
jazz como un «destacado modelo de expresión
individual» y como un "excepcional tesoro nacional". Se
ha señalado que el motor de dicho progreso ha sido la
innovación, una particularidad que siempre ha estado
presente en la historia de esta música, dirigiendo su
evolución y caracterizando la obra de sus artistas más
destacados al lado de una rama más tradicionalista.
La identidad musical del jazz es una familia de géneros musicales cuyos miembros comparten
características comunes, pero no representan individualmente la complejidad de género como un
todo. Cumple además diversas "funciones sociales" (el jazz puede servir como música de fondo
para reuniones o como música de baile, pero ciertos tipos de jazz exigen una escucha atenta y una
concentración profunda). Si bien es cierto que el jazz es un producto de la cultura afroamericana,
siempre ha estado abierto a influencias de otras tradiciones musicales, y ya desde la década de
1920 ha sido ejecutado por músicos de diversas partes del mundo. En ocasiones se ha mostrado
como paradigma del jazz la obra de músicos
comerciales, que los aficionados y la crítica han
considerado subproductos alejados de la
tradición, entendiendo por el contrario, que el
jazz es una forma de música negra, en la que los
afroamericanos han sido sus mayores
innovadores y sus más notables representantes
Contenido: Géneros y movimientos destacados del siglo XX/El Jazz
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Hoy es algo muy cotidiano y normal conocer opiniones iguales, similares o distintas a las nuestras.
También lo es saber que éstas vienen de distintos tipos de personas. Sin embargo, no siempre ha
sido así. La libertad de expresión ha sido algo que NO recibimos gratis. Es un Derecho Humano, que
en algunas regiones costó mucho alcanzar. Esto tiene mucho que ver con el nacimiento y vida del
rock. ¿Por qué? Porque el rock es expresión. Es expresión de rechazo al sistema pre establecido…
al establishment. Es una expresión que costó mucho hacer valer porque representaba a estratos
sociales considerados de poca monta… de poco valor.
El rock se atrevió a nacer usando elementos de un género musical que eran muy propio de los
artistas postergados: el blues y el Jazz.
El Blues… de quien obtuvo la secuencia armónica y el espíritu melancólico y expresivo de letras
y melodías.
El scat… de quien obtuvo la posibilidad de experimentar formas de expresión vocal jamás usadas
en la música tradicional.
La improvisación instrumental… de quien obtuvo la posibilidad de crear nuevos sonidos y técnicas
frente a los nuevos recursos electrónicos disponibles.
La síncopa… de quien obtuvo la riqueza rítmica que necesitaba una “música conflictiva” para ser
agradable de escuchar.
El riff… de quien obtuvo una técnica sencilla y efectista para ser utilizada como acompañamiento
en el instrumento propio del nuevo estilo: la guitarra.
UNIDAD 3 : El Rock
¿Qué cosas desaparecerían de
mi vida cotidiana si no tuviese
libertad de expresión?
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Práctica 1 / lectoescritura musical
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-----------------------------------El RIFF---------------------------------
Es una frase musical que se repite y que actúa como acompañamiento para una línea melódica en
el rock. Para muchas obras, es la característica principal, o bien podríamos decir, “la personalidad”
de la canción, por lo que su nivel de creatividad y técnica de composición ha adquirido mucha
importancia. Su diferencia con el “solo” es en cuanto a que éste último si bien destaca el sonido y
la presencia de un instrumento, no se repite. Pudiendo, incluso, no existir en una canción.
Video 1 y 2 “Roll over Beethoven” Versión Schuck Berry 1955 (autor de la canción). Nótese
la actitud fría y desconcertada del público ante esta aparente “falta de respeto” de la RACE MUSIC
(rock primitivo) para con el músico clásico. El riff acompaña durante casi toda la canción y se
convierte en parte del solo. Luego “Roll over Beethoven” Versión Beatles 1964 . Uso del mismo Riff
de hace 9 años.
Tipos de Riff:
El riff basado en acordes. Este tipo de riff se base en un acorde base, con el cual únicamente
se crea el riff. El truco consiste en el ritmo y el ambiente lo que logra un efecto único. En realidad
podría decirse que el riff esta basado en el ritmo. Se pueden lograr muchísimos efectos jugando
con el ritmo del rasgado, los silencios y el palm mute (silenciando las cuerdas).
Riff basados en progresiones de acordes. Una de las formas más clásicas de armar riff,
consiste en utilizar como base una progresión de acordes. Aquí el truco consiste en la distancia, la
armonía, el ritmo y la acentuación y duración de los acordes. La gran mayoría de las bandas de
rock utilizan esta clase de riff. El truco consiste en dar con una progresión que sumada a un ritmo
propio crean su propio riff.
Video 3 y 4: Un buen ejemplo del primero es el clásico "Faith" , y del segundo, "Smoke on
the water" de Deep Purple. .
Riff basado en melodías. Quizás es el tipo de riff más difícil de lograr debido a su riqueza y
atractivo debe estar perfectamente equilibrado con el del resto de la canción.
Video 5 y 6 “Satisfaction” de los Rolling Stone y 6 “Come together” de John Lennon
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Cada ser humano, actualmente, tiene a su disposición un medio de expresividad que comunica
ideas y valores que lo representa en gran medida; religión, social, científico, novelístico, medio
ambientalista, medicinal, etc.
El Rock significó un canal abierto para comunicar las ideas y manifestarse de manera diferente.
Con el paso del tiempo adquirió caracteristicas propias, expresando nuevas y más profundas
problemáticas, naciendo un tipo de rock diferente cada vez.
El elemento más importante de toda esta “revolución” es que la nueva expresión ya había nacido y
llegaba a este mundo para quedarse. La forma aparentemente liviana de cada una de estas formas
de rock esconde todo un mundo de nuevas propuestas, puntos de vista y fórmulas para crear.
Como obra humana que es, decae periódicamente, pero renace nuevamente en otro ciclo distinto,
con distintas características, con distinta vida… con distinta muerte.
Algunos de los primeros géneros:
BLUES ROCK: Es uno de los géneros más antiguos y sus principales gestores eran músicos de raza
negra. En él está muy destacada la forma BLUES y las variaciones instrumentales son a muy
pequeña escala. Las letras, la coreografía, los sonidos y las frases rítmicas eran mucho más
agresivas que las de las creaciones de sus colegas blancos. Su mensaje anti stablishment estaba
dirigido específicamente a la disciplina de los padres de la post guerra y a las duras represiones
racistas.
Video 7: Recordemos como es un
BLUES Video 8 : El blues rock
BEAT ROCK: La industria de equipos de amplificación de voz y de guitarras aun no fabricaban
productos de gran potencia y calidad , ya que muy pocos creían en el futuro del nuevo tipo de
música. Eso significó que las formas de cantar y de tocar los instrumentos se tornaran más
“golpeadas” (Beat). Además, no era el caso de una revolución que involucrase solo a la música, ya
que también abarcó a nuevas propuestas literarias, cinematográficas, vestuario, incluso políticas, a
quienes se les consideró como parte del nuevo movimiento “BEAT” por lo atrevidas, sofisticadas y
“golpeadoras”.
Video 9: La generación Beat Rock
HEAVY METAL: Este período nace después que todos los etéreos ideales del Flower Power y de las
revoluciones políticas cayeran intoxicadas por las drogas duras y por las balas. La realidad se
gestaba con dureza en la juventud y ya las cosas no estaban para banderas
y manifestaciones pacifistas. Las tiranías militares en América y África y la
guerra del Viet-Nam estaba ahí y pocos podían contra ellas. Entonces la
industria puso lo suyo: enormes y poderosos equipos amplificadores,
robustos parlantes, sofisticados efectos para guitarras y bajos, modernos y
versátiles estudios de grabaciones, enormes baterías. Todo tenía que ser
“pesado”… todo tenía que ser “poderoso”… ya que así era la única forma
de ser escuchado.
Video 10: Led Zeppelin (1969)
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THE DOORS / Light my Fire
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BLACK SABATH / IRON MAN
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IRON MAIDEN /EMPIRES OF THE CLOUD
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Música para percusión, Edgar Varese.dúos, rítmica compleja.
Un instrumento de percusión es un tipo de instrumento musical cuyo sonido se origina al ser golpeado o agitado. Es, quizá, la forma más antigua de instrumento musical.
La percusión se distingue por la variedad de timbres que es capaz de producir y por su facilidad de adaptación con otros instrumentos musicales. Cabe destacar que puede obtenerse una gran variedad de sonidos según las baquetas o mazos que se usan para golpear algunos de los instrumentos de percusión.
Un instrumento de percusión puede ser usado para crear patrones de ritmos (batería, tam-tam entre otros) o bien para emitir notas musicales (xilófono). Suele acompañar a otros con el fin de crear y mantener el ritmo. Unos de los instrumentos de percusión más famosos son el tambor y la batería.
Un instrumento de percusión es un tipo de instrumento musical cuyo sonido se origina al ser golpeado o agitado. Es, quizá, la forma más antigua de instrumento musical.
La percusión se distingue por la variedad de timbres que es capaz de producir y por su facilidad de adaptación con otros instrumentos musicales. Cabe destacar que puede obtenerse una gran variedad de sonidos según las baquetas o mazos que se usan para golpear algunos de los instrumentos de percusión.
Un instrumento de percusión puede ser usado para crear patrones de ritmos (batería, tam-tam entre otros) o bien para emitir notas musicales (xilófono). Suele acompañar a otros con el fin de crear y mantener el ritmo. Unos de los instrumentos de percusión más famosos son el tambor y la batería.
Edgar Varese / IONIZACION. Ionización cuenta la expansión y la variación de las células rítmicas musicales, y el título se refiere a la ionización de las moléculas. "yo no estaba influenciado por los compositores tanto como por los objetos naturales y los fenómenos físicos." Varese también reconoció la influencia de los artistas futuristas italianos Luigi Russolo y Filippo Tommaso Marinetti en la composición de esta obra. [3]
Tanto Chou Wen-Chung [4] y Jean-Charles François [5] han analizado la estructura y timbre características de ionización en detalle. András Wilheim ha señalado que sólo los últimos 17 compases de ionización incluyen tonos musicales del "sistema tonal tradicional", donde los cinco acordes sucesivos contienen los 12 tonos de la escala cromática . [6]
Frank Zappa a menudo afirma que ionización lo inspiró a seguir una carrera en la música. Era, por cierto, el primer álbum que Frank Zappa compro. Jack Skurnick , director de EMS
Grabaciones , produjo las primeras grabaciones de la posguerra de Varese; esta pieza aparece en el primer LP Varese, el EMS 401: Obras completas de Edgar Varèse, Volumen 1. La ionización también había sido el primer trabajo por Varèse para ser registrada en la década de 1930, realizado por Nicolas Slonimsky y emitidos en 78rpm Columbia 4095m. [7] [8] Octandre también fue grabado y emitido en discos de 78 rpm en la década de 1930, posteriores completa (Nueva Música Grabaciones Trimestral 1411) y como un extracto (3er movimiento, Columbia DB1791 en el Volumen V de su Historia de la Música). [8]
UNIDAD 4⇒ PERCUSION
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Crea tu obra de percusión para dúo
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El tango orígenes, Piazzolla, Carlos Gardel. Repertorio.
Práctica 1 / lectoescritura musical
UNIDAD 5 ⇒ Música que traspasa las fronteras.
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El TANGO El tango es un género musical de Argentina y Uruguay, nacido de la fusión cultural entre
inmigrantes europeos (españoles e italianos, principalmente), descendientes de esclavos
africanos, y nativos de la región del Río de la Plata.
En esencia, es una expresión artística de fusión, de naturaleza netamente urbana y raíz suburbana
(«arrabalero»), que responde al proceso histórico concreto del mestizaje biológico y cultural de la
población rioplatense pre‐inmigración y a la inmigración masiva, mayoritariamente europea, que
reconstituyó completamente las sociedades a partir de las últimas décadas del siglo XIX.
Su interpretación puede llevarse a
cabo mediante una amplia variedad de
formaciones instrumentales, siendo las más
características el cuarteto de guitarras, el
dúo de guitarra y bandoneón, el trío de
bandoneón, piano y contrabajo, así como la
orquesta típica o el sexteto.
El TANGO EN CHILE
Desde las primeras décadas del siglo XX se bailó el tango tanto en la capital chilena, Santiago,
como ―especialmente― en el puerto de Valparaíso, donde aún se desarrolla la afición por el baile
arrabalero. Subsisten algunas academias, programas radiales y festivales donde se reúnen los
tangueros. Entre los cantantes y compositores chilenos de tango se destaca la figura de Chito Faró,
autor de la famosísima «Si vas para Chile» y de más de 50 tangos.
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PIAZZOLLA Astor Pantaleón Piazzolla (Mar del Plata, 11 de marzo de 1921 - Buenos Aires, 4 de julio de 1992)
fue un bandoneonista y compositor argentino. Fue uno de los músicos de tango más importantes
del siglo XX. Estudió armonía y música clásica y contemporánea con la compositora y directora de
orquesta francesa Nadia Boulanger (1887-1979). En su juventud tocó y realizó arreglos
orquestales para el bandoneonista, compositor y director Aníbal Troilo. Cuando comenzó a hacer
innovaciones en el tango en lo que respecta a ritmo, timbre y armonía, fue muy criticado por los
tangueros de la «Guardia Vieja», ortodoxos en cuanto a ritmo, melodía y orquestación. En los años
posteriores sería reivindicado por intelectuales y músicos de rock.
Libertango es tanto un disco como una canción del compositor y músico de tango ítalo-argentino
Astor Piazzolla, publicado por primera vez en 1974 en Milán, y re versionado por muchos artistas
diferentes. Su título es una palabra compuesta por los términos "libertad"
y "tango", presumiblemente como bandera de la libertad creativa que
buscaba Piazzola al crear el llamado tango nuevo, a diferencia del tango
clásico.
El tango ha sido utilizado como banda sonora de múltiples películas (12
monos) y ha evocado escenas en la gran pantalla (Baile de Al Pacino
“Perfume de mujer”).
El famoso cantante de tango Carlos Gardel trabajó en diversas películas
haciendo alarde de su prestigiosa voz. Es conocido como la voz del tango
clásico. Su nacionalidad aún se encuentra en disputa.
Investiga acerca de Carlos Gardel y presenta tus conclusiones y fundamentos para defender su
nacionalidad. Además trae audio mp3 de sus canciones más conocidas y contrástalas con las de
Piazzolla para que puedas crear tu propia definición de tango clásico y moderno. (Gardel v/s
Piazzolla).
LIBERTANGO melodía parte A
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Esta obra es una de las más conocidas y versionadas del compositor argentino A. Piazzolla. Existen versiones para conjunto tradicional de tango, es decir, Piano, contrabajo y Bandoneón, así como
otras más modernas ejecutadas por el mismísimo compositor en las que incluye instrumentos
tales como el bajo eléctrico, guitarra eléctrica, sintetizadores, batería y flauta traversa. En YouTube
también podrás encontrar otras adaptaciones como por ejemplo para cuarteto de guitarras,
versión electrónica, metal e incluso reggae.
Libertango es una pieza formalmente simple compuesta por un “verso” A y un “coro” modulante
B. Armónicamente se mantiene en lam en A y en el coro hace unos guiños a rem con la aparición
del sib y uno que otro acorde de paso.
Disfruta de esta pieza y juega creando tu propia versión inventando zonas de improvisación y
tuttis orquestales donde “todos” toquen el unísono el motivo o “riff” principal. Pásenla ¡bien!
4/4 Am -%- B7/A -%- Bdism(add4)/A -%- Am-%-
Am/G - %- F#dism7-%- Fdism-%-E-%-
Libertango.
LIBERTANGO armonía parte A
LIBERTANGO melodía y armonía parte B
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(motivo o riff principal)
LIBERTANGO OSTINATO A
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POR UNA CABEZA
Por una cabeza de un noble potrillo
que justo en la raya afloja al llegar y
que al regresar parece decir:
No olvides, hermano, vos sabés, no hay que jugar...
Por una cabeza, metejón de un día,
de aquella coqueta y risueña mujer
que al jurar sonriendo, el amor que está mintiendo
quema en una hoguera todo mi querer.
Por una cabeza
todas las locuras su
boca que besa borra
la tristeza, calma la
amargura.
Por una cabeza si
ella me olvida
qué importa perderme,
mil veces la vida para
que vivir...
Cuantos desengaños, por una cabeza,
yo juré mil veces no vuelvo a insistir
pero si un mirar me hiere al pasar,
su boca de fuego, otra vez, quiero besar.
Basta de carreras, se acabó la timba,
un final reñido yo no vuelvo a ver,
pero si algún pingo llega a ser fija el domingo,
yo me juego entero, qué le voy a hacer.
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UNIDAD 5⇒ Música que traspasa las fronteras
/ EVALUACION /
Nota:
-HOJA DE APUNTES-
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CANCION Y HAYNO, VUELVO Y SAMBALANDO
a) Ejercicios rítmicos:
1
2
b) lectura musical: Escala de Do mayor.
1.-
Práctica 1 / lectoescritura musical
c)
UNIDAD 6 ⇒ Una canción para septiembre
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ZONA CENTRO:
Es la zona más poblada del país y en la cual se conservan con mayor fuerza, las costumbres y
tradiciones de la Madre Patria. Las favorables condiciones climáticas y geográficas que ofrece
esta región para el desarrollo de la agricultura y la ganadería, decidieron a los españoles tomarla
como el principal lugar de colonización del país. De este modo, la fusión que se produjo entre
la música proveniente del viejo mundo con los elementos autóctonos, dio como resultado
el surgimiento de la música criolla, expresión musical que tiene sus más típicos exponentes en
el huaso y en el campesino. Las características más sobresalientes de esta música son:
1. La marcada influencia española en los cantos y bailes.
2. Empleo de los modos y escalas mayores y menores. (explicar a los alumnos los modos)
3. Ritmos ágiles con predominio del compás de 6/8.
4. Uso preferente, en el acompañamiento musical, de instrumentos cordófonos, notándose
la ausencia de los aerófonos.
PRINCIPALES DANZAS Y CANCIONES:
Cueca, tonada, villancico, parabién, esquinazo, pregón
Cueca y tonadas: ritmo característico de la zona central, a primera vista muy parecidas, pero
difieren en estructura siendo la cueca formalmente más estricta por su necesidad de respetar las
partes del baile. La gran diferencia entre la cueca y la tonada es que la segunda no se baila.
Villancicos o Tonadas al Niño: Son cantos navideños que se cantan delante del pesebre y en que
los personajes bíblicos son nombrados según el lenguaje del pueblo: "Doña Mariquita", "Señora
María", "Ño José", "Niño Manuelito", etc.
Parabienes: Son cantos de saludo a los novios o recién casados.
Esquinazos: Cantos destinados a saludar a personas o acontecimientos importantes. Toma su
nombre de la antigua costumbre de ser cantados desde las esquinas.
Pregones: Cantos de los vendedores populares para llamar Y SA la atención del público acerca de
las "bondades" de sus mercancías.
Existe una enorme cantidad de especies danzables, muchas de ellas ya desaparecidas o en vías de
extinción. Entre las que gozaron de gran popularidad en el pasado figuran: el Cuando, el Aire, el
Cielito, la Sajuriana, la Perdiz, el Pericón y la Resfalosa, algunas de las cuales llegaron a nuestro
país con el Ejército Libertador en 1817.
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47
Introducción a la música y sonidos publicitarios
1
b)lectura musical :Escala de Do mayor.
c)dictado rítmico.
d) Dictado Melódico (re-mi-sol-la-do).
7 unidad ⇒ Música y Publicidad
Práctica 1 / lectoescritura musical
a)Ejercicios rítmicos:
1.-
2.-
48
"jingle" es una pieza de música o canción que se usa para acompañar los anuncios de publicidad,
tanto en radio como en televisión, aunque sobre todo en este último. Sus principales
características son:
- corta duración: de modo que quede grabado en la memoria de
aquellos que lo escuchan, el cual es su objetivo.
- fáciles de recordar: es mucho más sencillo recordar un texto o
mensaje con una melodía incorporada.
- ser persuasivos: deben ser pegajosos y con una melodía de
acuerdo al mensaje que se quiere entregar (alegre, triste, sensual,
etc.)
- la brevedad: La brevedad hace que los escuchemos enteros.
Ayudan a crear un "clima" especial con las marcas. Es decir, si el "jingle" gusta genera una
relación especial entre quienes lo escuchan y la marca. Lo comentan y lo cantan, permitiendo
reforzar los aspectos positivos de la misma y ayudando a reforzar su imagen de marca.
Para crear un buen "jingle" es necesario desarrollar una adecuada estrategia publicitaria donde el
mensaje de la campaña vaya acorde con la letra de la canción, permitiendo a los auditores
relacionarla con la marca o producto y hacerse una imagen de la misma sin la necesidad de
visualizarla. Una buena combinación de música y estribillo pegadizos y un adecuado slogan
ayudarán a alcanzar el éxito deseado.
Como ejemplo, recordemos algunos de los jingles publicitarios más famosos de todos los tiempos
¿Quién no se acuerda de estos pequeños motivos musicales? :
Contenido: El Jingle
49
Tipos de jingle
Jingle Publicitario.- Pieza musical cantada, de 20, 30, o 40 segundos de duración. Puede ir
acompañado de un remate locutado y el cierre de un coro vocal que acentúe la melodía propuesta
inicialmente.
Jingle para Radio.- Es puntual, Generalmente tiene espacios para entradas o inserts de locución.
Puede tener una duración de entre 10 y 60 segundos. Puede tener reducciones en tiempo.
Utilizado para identificar Emisoras radiales, Canales de TV., programas, o separadores para
secciones dentro de programas
Jingle para Televisión.- Similar al anterior pero para Televisión. Generalmente sincronizan
imágenes con la letra contenidas en el jingle. Generalmente tiene espacios para entradas o inserts
en locucion.
Jingle Identificador o Audio símbolo.- Pieza musical de muy corta duración y arreglos vocales
corales armónicos y definidos. Generalmente no excede los 5 a 10 segundos, y dada su corta
duración es utilizado en repetidas oportunidades para identificar marcas, servicios, patrocinios,
programas o emisoras. También lo conocemos como “Jingle ID” o “Logo”.
¿Qué tan importantes son los denominados “jingles”?
Los jingles son muy importantes porque ya que forman parte esencial de la construcción del
formato radiofónico: también sintetizan el estilo y el alma de la emisora. Por todas estas razones,
la creación de los jingles es confiada a profesionales y es fruto de estrategias de mercado y
creatividades distintas.
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a)Ejerciciosrítmicos
1
2
b)lectura musical :Escala de Do mayor.
c)dictado rítmico.
1.-
Práctica 2 / Futuras fuentes laborales y de estudio.
Contenido: Aplicación de la música en la publicidad
Práctica 3 / lectoescritura musical
:
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Aplicación de la música en la publicidad El trabajo de la música en la publicidad no es otro que el de
conducir al potencial consumidor a través de las etapas del modelo
AIDA, es decir, crear una música que sea capaz de captar la
Atención, despertar el Interés, generar el Deseo y conducir a la
Acción.
Existen diferentes formas musicales en la publicidad:
La música original, compuesta especialmente para la campaña. La
música preexistente, escogida y adaptada para la campaña, previa
negociación y pago de derechos.
Puede además estar en diferentes planos:
Como base para acompañar el mensaje. Como protagonista, que es el caso de los Jingles que
escuchamos mayormente en las radios donde la música y el texto se unen y la música queda
grabada en nuestra mente con asociación a la marca.
La música y la persuasión:
Cuando lanzamos un mensaje publicitario a la comunidad; uno de los
factores que miden su éxito es el recuerdo, ya que con él, viene el
posicionamiento tan deseado por las marcas. Es por eso, que a la hora de
construir ese mensaje y su estrategia para llegar al consumidor, tenga en
cuenta que en la música encontrará a uno de sus más fuertes aliados. Y
por último, tenga en cuenta que si "una imagen vale más que mil palabras,
agréguele música, y valdrá más de un millón".
La función principal de la música en un anuncio es fijar el
recuerdo, mediante repetición inconsciente de melodías
pegadizas.
Desarrollo técnico
En la ambientación musical nos vemos abocados a tener que extraer, a captar de un
fragmento musical su sentido expresivo. Podemos reconocer el sentido anímico y el
sentido imitativo de cualquier música que escuchemos.
El sentido anímico es aquel que nos afecta emocionalmente al escuchar un
fragmento musical. La tristeza, la melancolía, el humor,... son sentimientos humanos
que la música puede expresar por medio de la melodía, ritmo, timbre, armonía y
forma.
El sentido imitativo proporciona relevancia a acción, humorismo, calma, energía,
grandiosidad, naturaleza, belleza, nobleza, colorido...
Según lo que predomine en cada fragmento musical, se
produce una sensación del oyente:
La tesitura aguda y la tonalidad mayor nos producen la
sensación de claridad lo que relacionamos con expresiones agradables.
La menor la relacionamos con expresiones de aflicción. Los sonidos de
tesitura grave, en modo mayor, producen sensacion de tranquilidad,
paciencia, deseo, honor, orgullo... y en modo menor turbación, temor,
desaliento, sospecha, cansancio... Los sonidos extremos (subgrave y
sobreagudo) con armonía atonal producen sensación de terror,
pesadumbre, maldad.
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OPENING
El opening es un método usado en películas o programas de televisión para
presentar su título, reparto principal o los miembros de producción, usando
recursos visuales y auditivos. No debe ser confundida con los créditos de
apertura que generalmente no son más que una serie de texto superpuesto.
Desde la invención del cinematógrafo se usaban simples tarjetas con títulos
para dar paso a las presentaciones de películas mudas con el objeto de
identificar tanto el título de la película como la productora involucrada en
ella, así como para señalar el comienzo y final de la película. En el cine mudo
esas tarjetas eran usadas para comunicar diálogos y narración y es en esos
momentos cuando podemos ver las primeras secuencias de apertura propiamente dichas, siendo
bastante literalmente una serie de tarjetas mostradas al comienzo de la película. La llegada del
sonido no alteró apenas esta convención excepto por el hecho de que ahora las tarjetas estaban
acompañadas de música.
Televisión En general las secuencias de apertura de televisión marcan
en algún momento el programa con algún logo tipográfico.
Alrededor de este elemento principal se puedan incorporar
fragmentos de momentos destacados de anteriores
episodios o mostrar al presentador o reparto principal.
El acompañamiento musical puede ser instrumental o una
canción que ayude a situar el tono del programa. En las
series, como la secuencia de apertura se prepara al
comienzo de las mismas, normalmente suele incluir escenas
de episodios anteriores ya filmados cuando se prepara la
secuencia.
Aunque la secuencia de apertura puede ser modificada
durante el transcurso de la serie para incorporar nuevos
fragmentos de "momentos estelares" de otros episodios, tiende a permanecer igual en cada
temporada.
Tanta es la fuerza de una secuencia de apertura a la hora de expresar el concepto de un programa
que a veces puede ser el primer elemento que un productor tome como blanco para lograr
renovar un programa entre temporadas.
Algunos programas han mostrado diferentes secuencias y bandas sonoras durante su emisión,
mientras que en contraste, los programas que mantienen su popularidad por largo tiempo han
mantenido sus secuencias de apertura durante décadas con sólo pequeñas variaciones. Por el
contrario, mantener la secuencia de apertura original puede permitir la posibilidad de cambiar
varios elementos en el programa sin perder la identidad del mismo en pantalla.
Otras variaciones incluyen cambiar sólo la banda sonora pero manteniendo las mismas imágenes
o viceversa.
Contenido: el opening y ending musical
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54
“ROCKY LA PELICULA”
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EL ENDINGEl tema de cierre de una serie de televisión es una canción que se emite a la
conclusión de cada episodio de la serie, junto con imágenes que hacen referencia a la misma o a
sus personajes.
Características de un ending El ending como el opening es un tema acortado adaptado a los tiempos de la televisión. No suele
durar más de un minuto y medio, a pesar de que el tema original suele durar entre tres o cuatro
minutos. La emisión del ending normalmente, aunque no necesariamente, incluye imágenes que
hacen referencia al anime a la que pertenece. Su abreviación es conocida por las letras ED.
Los ending es que generalmente son de corte melancólico, canciones románticas o lentas; quizá
con la intención de que los oyentes melancolicen con el capítulo finalizado, aunque algunos son
también muy movidos. Esta misma mayoría, trata sobre temas que tienen que ver con el amor.
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El negocio del ending El ending al igual que el opening ha tomado
gran importancia para una serie tanto a nivel
comercial, como económico.
Una serie de éxito puede sacar provecho de
su conocida música para sacar al mercado el
ending como single, por ejemplo, que de hecho ya lo hacen así, convirtiéndose en un negocio
redondo. Dicho CD suele venir con una versión remix de la dicha canción. Por otra parte, al poder
escucharla en la radio o ver los vídeos de sus autores, se logra la relación que se pretende:
recordar la serie de anime. Hay que mencionar también que estos dos mercados en Japón mueven
millones de yenes al año.
Además, el ending junto con el opening, puede ser el punto de partida para muchos cantantes o
grupos noveles que prestan sus temas para ser expuestos en las series, las cuales se emiten a nivel
nacional, por lo tanto, es en sí una plataforma ideal para los nuevos músicos y una forma
camuflada de que los grupos conocidos mantengan su fama.
¡Cuál es tu ending
favorito y por qué?
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UNIDAD 8 Villancicos
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Principios Básicos de la teoría musical,
La música es el arte de ordenar los sonidos con cierta intencionalidad artística fundante.
Estos (sonidos) pueden ser representados mediante el uso de símbolos.
El pentagrama es el soporte esencial de los símbolos musicales y está formado por cinco líneas
horizontales y cuatro espacios en los que se escriben las notas que son “regidas” por una llave o
clave.
La llave o clave de Sol se utiliza generalmente para los sonidos agudos y comienza en la segunda
línea.
Nombre de las Líneas en Clave
de Sol
Memorización de notas
Para poder leer la música es
imprescindible saber de
forma rápida la nota que
corresponde a cada espacio y
línea del pentagrama.
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La escala de Do es la más fácil; posee 7 notas o “grados” a los que se les pueden anteponer las
alteraciones sostenidos (#) o bemoles (b).
He aquí la escala de Do, sus grados y relación con las notas del piano.
`
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La flauta
En el siguiente diagrama se representa cada una de las digitaciones necesarias para el uso
en clase. El gráfico muestra la misma ubicación y orden de las notas del piano comenzando en el
Do central que equivale a la primera posición de la flauta (con todos los hoyos tapados) hasta el la`
(agudo) pasando por todas las alteraciones (# y b). Además se relaciona con el piano y el
pentagrama.
Do# re# fa# sol# la# do#´ re#´ fa#´ sol#´
Reb mib solb lab sib reb´ mib´ solb´ lab´
Do Re Mi Fa Sol La Si Do´ Re´ Mi´ Fa´ Sol´ La´
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La Guitarra.
La guitarra es uno de los instrumentos más queridos y difundidos a través del mundo. Por
la propia experiencia, esto se debe a la gran versatilidad de interpretación que posee ya sea como
instrumento solista o acompañante y, porque no decirlo, a su valor y comodidad de tamaño.
Desde un punto de vista funcional pedagógico comenzaremos entendiendo la guitarra como
instrumento esencialmente acompañante de la voz, es por ello que es necesario conocer el
método más difundido de lectura armónica o de acordes: la clave americana.
Clave americana
DO RE MI FA SOL LA SI DO
C D E F G A B C
Para designar un acorde mayor basta colocar la letra que lo designa en mayúscula. En
el caso de los menores se debe agregar una “m” minúscula:
Ejemplo: C = Do Mayor
Cm = Do menor
En algunos casos también se puede indicar la nota que debe sonar en el bajo:
Ejemplo: C/G = Do Mayor con bajo en Sol
Am/G # = La menor con bajo en Sol #
También las notas agregadas:
Ejemplo: E7 = Mi con séptima.
D9 = Re con novena
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En este gráfico podrás encontrar todas las notas de la guitarra.
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Mis Acordes de Guitarra.
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EL PIANO Y EL METALÓFONO.
Ahora que comprendemos lo que respecta a la lectura, tanto en llave de sol como de fa, daremos
paso a los primeros ejercicios de digitación esenciales para iniciar un buen camino en el estudio
del piano. En el caso del Metalófono, la lectura se hace de la misma manera que en el piano y
posee igual distribución de las notas. Se recomienda uso intercalado de baquetas.
Piano Digitación (Dedaje)
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EL BAJO
En una Banda de cualquier tipo, existen dos instrumentos esenciales cuya función es la de
mantener el pulso firme y claro. La batería y el bajo. Normalmente el bajo va de la mano del
bombo, y además de marcar los pulsos da el sustento armónico.
Escala Diatónica de Do M
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BATERÍA O PERCUSIONES
La Escritura de la batería puede cambiar, pero generalmente funciona de la siguiente manera.
Leeremos “como si fuera” una partitura en clave de sol. Donde la “x”, ubicada en el espacio del sol
agudo, representa al hit –hat cerrado, la figura en el espacio de do agudo, la caja; y el fa, el
bombo. Esta es la base 1, es la más sencilla en 4/4 y sirve para acompañar casi cualquier tema.
Base
1
La
base
2 es
un claro ejemplo de acompañamiento básico en ritmo ternario, en este caso 12/8. Esta base sirve
especialmente para cierto tipo de baladas bluseras.
Base 2
68
Anexo:
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