BLOQUE 3. LAS VANGUARDIAS

1-Impresionismo

La palabra “Impresionismo”, en tanto que utilizada para referirse a un movimiento artistico, tiene un origen muy concreto, que se remonta al ano 1874. En efecto, en abril de ese ano un grupo de artistas funda una «Sociedad anonima cooperativa de artistas pintores, escultores, grabadores, etcetera»

Lo que estos artistas tenian en comun era su desprecio por el arte tradicional oficial en favor de nuevas formas de expresion artistica mucho mas innovadoras. Tenian en comun que sus obras habian sido reiterada y casi sistematicamente rechazadas por los distintos jurados de tendencia conservadora de las muestras oficiales del Salon.

Ese grupo de artistas, encabezados por Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley y MorisotEl 15 de abril de 1874, en un local cedido por el fotografo Nadar abrio sus puertas al publico la primera exposicion de este grupo de artistas. Monet expuso, entre otras obras, una vista del puerto de El Havre, con el sol entre las brumas del amanecer, y algunos mastiles de barcos. La respuesta del publico y de la critica ante la muestra fue implacable: insultos, mofas, una autentica humillacion publica para los artistas. El 25 de abril un critico llamado Louis Leroy publico un articulo en la revista Charivari que tuvo mucha repercusion y que se titulaba: «Exposicion de los Impresionistas». El articulo era demoledor con los artistas y sus obras, y de ahi en adelante el termino “Impresionismo” se extenderia para referirse a la concepcion del arte de este grupo de artistas, que pasaron a ser los impresionistas.

Otra caracteristica (por influencia de la fotografia y del grabado japones) es que el Impresionismo busca captar en las obras la temporalidad, la apariencia fugaz del fenomeno que quieren representar. Ya se trate de un paseante, de un campo de amapolas o de la atmosfera cambiante frente a la fachada de una catedral, lo fundamental es lo que el artista percibe y como se siente frente a lo que percibe. En palabras de Pissarro, se trata de «no proceder segun reglas o principios, sino pintar lo que se observa y lo que se siente». En consecuencia, el Impresionismo deja de lado el enfoque tradicional que exigia al artista contar una historia o transmitir un mensaje de tipo moral.

La descripcion de la forma, relegada a segundo plano y dejada a manos del dibujante y no del pintor queda subordinada a la definicion de las condiciones particulares de iluminacion. Por eso los artistas impresionistas buscaran condiciones pintorescas de iluminacion como retos a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial —como Edgar Degas y sus bailarinas—, la iluminacion natural filtrada —como Auguste Renoir y la luz pasando entre hojas de arboles— o la iluminacion al aire libre con reflejos en el agua o multitudes de gente como Claude Monet. La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es intrinseco: la luz y el color y en ningun caso a la descripcion formal del volumen heredada del clasicismo; Asi las formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la que estan sometidas, dando lugar a esa «impresion» que le da nombre al movimiento.

Precedentes Impresionismo:

Edouard Manet Un autor clave entre los precursores del movimiento impresionista es Edouard Manet. Dos de sus obras son esenciales en la comprension de su influencia sobre el grupo.

En su Almuerzo sobre la hierba Manet presenta un bodegon. Pese a que las figuras representadas son humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza muerta. Esto se evidencia por la ausencia de conexion de unos personajes con otros, tres personajes van vestidos mientras que el cuarto esta desnudo; las miradas nunca se encuentran aunque haya un personaje hablando y la disposicion en primer (cesta y comida), segundo (grupo) y tercer termino (mujer en el agua) es meramente compositiva. Este trabajo influenciara a los impresionistas en la desatencion del modelo y de la narracion.Por otra parte El bar del Folies-Bergere evidenciara el deseo de tratar los fenomenos luminicos al introducir un espejo al fondo que refleja toda la profundidad de la sala y las grandes lamparas de arana, iluminacion artificial que crea una luz difusa y menos directa y, por tanto, mas dificil de pintar, recordandonos a las escenas festivas de Renoir

Pintores Impresionistas:Oscar-Claude Monet fue un pintor frances, uno de los creadores del impresionismo. El termino impresionismo deriva del titulo de su obra Impresion, sol naciente (1872) Sus primeras obras, hasta la mitad de la decada de 1860, son de estilo realista. Monet logro exponer algunas en el Salon de Paris. A partir del final de la decada de 1860 comenzo a pintar obras impresionistas. Esta desviacion del gusto de la epoca, que era marcado por las academias de arte, empeoro su situacion economica a la vez que afianzo su decision de continuar en ese azaroso camino.En la decada de 1870 formo parte de las exposiciones impresionistas en las cuales tambien participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Su obra Impresion, sol naciente formo parte del Salon des Refuses de 1874. Su carrera fue impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situacion financiera permanecio siendo dificil hasta mediados de la decada de 1890. En esta epoca, Monet desarrollo el concepto de las «series», en las que un motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminacion. Al mismo tiempo comenzo a trabajar en el famoso jardin de su casa en Giverny con estanques de nenufares

posimpresionismo

CEZANNE pinto reiteradamente banistas, renovando el tema de la mujer en el bano, haciendo de el una construccion moderna. Asi lo hizo a partir de la decada de 1870, en cuadros en los que los personajes se funden con la naturaleza que los rodea.El tratamiento que da a los desnudos en un paisaje es completamente distinto al de los maestros de siglos precedentes como Tiziano o Poussin. No se trata aqui de figuras mitologicas o literarias. Tampoco las representa segun los canones de la anatomia tradicional. Pinta a las banistas en diversas posturas: unas de pie, otras sentadas, otras tumbadas. Los cuerpos y sus poses estan reducidos a elementos vivos que estan ya cercanos a la abstraccion, y lo mismo cabe decir del paisaje. Las banistas se integran en la naturaleza que las rodea. Utiliza la tecnica del «passage» o transicion de color. Del verde oscuro se pasa al verde claro y de este al amarillo.

Los jugadores de cartas: es una serie de cinco cuadros sobre el tema de la partida de cartas, que realizo el pintor frances Paul Cezanne entre 1890 y 1895. Especialmente en las tres ultimas versiones, todos los volumenes estan definidos de manera geometrica, lo que confiere a los dos personajes una dignidad clasica. En las versiones iniciales son tres jugadores contemplados por otros personajes, composicion que va simplificando hasta reducirla a dos campesinos que juegan a las cartas, con una botella de vino en medio, en la que se refleja la luz distorsionando la vision perspectiva, Cezanne logra obtener el maximo grado de centralidad, que resulta increible en una escena de vida. Toda la tela esta construida con tonos de los colores azul, amarillo y rojo.

Esta restriccion cromatica «intensifica la sensacion de austeridad formal». Las pinceladas se presentan solitarias y sinteticas, como el reflejo sobre la botella o el simple trazo que describe el ojo del jugador de la derecha. Pinta con la tecnica del facetado, lo que es evidente en la cara del jugador de la izquierda. Este lleva un sombrero de forma cilindrica, lo que recuerda la afirmacion de Cezanne de que “Todo en la naturaleza esta modelado segun la esfera, el cilindro y el cono

En sus paisajes: Cezanne intento conseguir una sintesis ideal de la representacion naturalista, la expresion personal y el orden pictorico. Lucho por desarrollar una observacion autentica del mundo visible a traves del metodo mas exacto de representarlo en pintura que podia encontrar. Con este fin, ordenaba estructuralmente todo lo que veia en formas simples y planos de color.

Su afirmacion «Quiero hacer del impresionismo algo solido y perdurable como el arte de los museos», subraya su deseo de unir la observacion de la naturaleza con la permanencia de la composicion clasica. Ello queda en evidencia igualmente con su pretension de «revivir a Poussin del natural»

En sus bodegones: Cezanne se esforzo por comprender y reflejar la complejidad de la percepcion visual humana. Queria ofrecer una vision autentica de la realidad, y para ello observa los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a representarlos desde perspectivas diferentes simultaneamente. La intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de la estructura compositiva, indican que, a pesar de la frecuente desesperacion del propio artista, habia sintetizado los elementos basicos de representacion y expresividad de la pintura de un modo muy personal.

Estaba interesado en la simplificacion de las formas que ocurrian naturalmente a su esencia geometrica. Todo en la naturaleza se modela segun la esfera, el cono, el cilindro. Hay que aprender a pintar sobre la base de estas figuras simples; despues se podra hacer todo lo que se quiera. Cezanne, 1904.

Impacto en el arte posterior: Puede decirse que Cezanne crea el puente entre el impresionismo del siglo XIX y el nuevo estilo de principios del siglo XX, el cubismo.Durante muchos anos la obra de Cezanne solo fue conocida por sus antiguos colegas impresionistas y por unos cuantos artistas jovenes radicales de la linea del postimpresionismo.La retrospectiva de Cezanne de 1907 en el Salon de Otono impacto grandemente la direccion que tomo la vanguardia parisina, dando credito a su posicion como uno de los artistas mas influyentes del siglo XIX y al advenimiento del Cubismo. Fueron las exploraciones de Cezanne de simplificacion geometrica y fenomenos opticos las que inspiraron a Picasso, Braque, Gris, y otros para experimentar con multiples visiones aun mas complejas del mismo tema, y, con el tiempo, a la fractura de la forma. Hay una frase, atribuida tanto Matisse como a Picasso, segun la cual «Cezanne es el padre de todos nosotros». Matisse admiraba su utilizacion del color y Picasso desarrollo la estructura de la composicion plana de Cezanne para crear el estilo cubista.

2- BERTHE MORISOT. MARY STEVENSON CASSATT

En Paris, mientras el Impresionismo estaba en su apogeo, cuatro pintoras alcanzaron la excelencia artistica. Se trata de Berthe Morisot, Mary Cassatt, Eva Gonzalez y Marie Bracquemond. Teniendo en cuenta los prejuicios a que estaban sometidas las mujeres en el siglo XIX, se puede entender la fuerza de conviccion que habia que desplegar para poder ocupar un lugar dentro del grupo impresionista y ser aceptadas por la critica.Como mujeres, no podian ser admitidas en la Escuela

de Bellas Artes, que las aceptaron solo a partir de 1897. Ellas tambien son victimas de los prejuicios de aquellos que encuentran deshonroso que pinten al aire libre o en las calles, como sus colegas masculinos. Lo que las obligaba a situar casi todos sus cuadros en el ambito domestico. Ademas en el caso de Berthe Morisot, de las muchas obras que dedica a su familia, en casi todas sus composiciones figuran como personajes mujeres elegantes de clase media y de la alta burguesia, representadas en casa o en su jardin en distintos momentos del dia.

BERTHE MORISOT. (1841-1895) fue una pintora impresionista francesa. Morisot demostro las posibilidades de las mujeres en las artes a fines del siglo XIX.A la edad de 20 anos, Berthe Morisot conocio a Camille Corot, quien la admitio como su discipula y la introdujo en los circulos artisti- cos. Morisot decidio ser una artista adoptando una postura muy radical que la vincularia al grupo de artistas impresionistas, adquirio la tecnica impresionista de pintar al aire libre, donde creaba pequenos cuadros y esbozos para grandes obras que terminaba en el estudio. Su primera par- ticipacion en el Salon de Paris fue en 1864 con dos paisajes y continuo exhibiendo continuamente en el Salon hasta 1874. En 1868, conocio a Edouard Manet y en 1874 se caso con Eugene Manet. Ella fue la que con- vencio al maestro de pintar al aire libre y lo atrajo al grupo de pintores que seria posteriormente los impresionistas. Manet sin embargo, nunca se considero como impresionista, ni estuvo de acuerdo con exhibir junto al grupo. Asimismo, Berthe fue la modelo de Manet tanto en diversos e importantes retratos como en su obra de gran formato El Balcon, donde el pintor frances da cuenta de su admiracion por la obra de Goya

Al igual que Mary Cassatt, Berthe Morisot fue relegada a la categoria de “artistas femeninas” por su tematica de la vida cotidiana (mujeres, ninos y escenas domesticas). Sin embargo, como mandaba la doctrina impresionista ella pintaba el mundo que la rodeaba.

MARY STEVENSON CASSATT 1844 - 1926) Mary Cassatt se sintio fascinada por el dibujo y la pintura, pero debio luchar contra el escepticismo y el sarcasmo de sus padres, y especialmente contra los prejuicios sociales de aquellos que no aceptaban que una mujer pudiese emprender una carrera artistica fue una pintora y grabadora estadounidense. Aunque nacida en Pensilvania, paso gran parte de su vida adulta en Francia, donde forjo amistad con Edgar Degas y se incorporo al movimiento impresionista. Cassatt pinto, principalmente, imagenes representando la vida social y privada de las mujeres, con especial enfasis en los lazos entre ellas y sus hijos.

Cassatt y Degas colaboraron durante mucho tiempo. Sus estudios estaban bastante cercanos.Degas adquirio el habito de visitar el estudio de Cassatt, ofreciendole sus consejos y ayudandole a conseguir modelos. Tenian mucho en comun: gustos similares en cuestiones de arte y literatura, ambos provenian de familias ricas, habian hecho estudios de pintura en Italia, y eran independientes y solteros. El grado de intimidad entre ellos no se puede evaluar. Degas enseno a Cassatt la pintura al pastel y el grabado, tecnicas que Cassatt domino rapidamente; por su parte, Cassatt ayudo a Degas a vender sus pinturas y a promocionar su figura en Estados Unidos. Ambos se consideraban a si mismos como pintores de la figura humana.

Su estilo se basa en un dibujo claro y seguro, revelando su interes por los grabados japoneses. En sus obras, Cassat siempre presta especial atencion a las emociones, con una psicologia sutil, tipicamente femenina.

3-SIMBOLISMO. ODILON REDON

El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plasticas que se origino en Francia en la decada de 1880, paralelo al post-impresio- nismo, y que surgio como reaccion al enfoque realista implicito en el Impresionismo. Tanto el Impresionismo, como el idealismo y el natu- ralismo academico se habian identificado con los problemas contem- poraneos, politicos, morales e intelectuales.

Los artistas de 1885 disgustados por la incapacidad de la sociedad para resolver estos problemas buscaron nuevos valores basados en lo es- piritual. Desean crear una pintura no supeditada a la realidad de su momento, rechazan lo que trae consigo la vida diaria, la aglomeracion, la actividad industrial y la degradacion.

Los simbolistas consideran que la obra de arte equivale a una emocion provocada por la experiencia. Tratan de exteriorizar una idea, de analizar el yo. Les interesa la capacidad de sugerir, de establecer correspondencias entre los objetos y las sensaciones, el misterio, el ocultismo.

Sienten la necesidad de expresar una realidad distinta a lo tangible y tienden hacia la espiritualidad. El simbolo se convierte en su instrumento de comunicacion decantandose por figuras que trascienden lo material y son signos de mundos ideales y raros. Hay una inclinacion hacia lo sobrenatural, lo que no se ve, hacia el mundo de las sombras.

La revelacion de Freud acerca de la vida de los suenos y la existencia de una parte irracional en lo humano es aplicada al programa simbolista reivindicando la busqueda interior.

Cultivaran el subjetivismo, el antirracionalismo y aflorara el interes por el cristianismo y las tradiciones diversas. Estudian la ambiguedad, la belleza hermafrodita, lo androgino, la mujer fatal que destroza cuando ama, lo femenino devorador. La mujer brota del mundo del inconsciente y para huir de la realidad adopta forma de esfinge, de sirena, de arana o de genio alado. Los seres que aparecen en ese mundo de sueno seran incorpo- reos.

Prestan especial atencion a la forma, pero la ponen al servicio de unos ideales que van mas alla de la pura apariencia. Plasman sus suenos y fantasias por medio de la alusion al simbolo y a una rica ornamentacion. A veces utilizan colores fuertes para resaltar el sentido onirico de lo sobrenatural. Puede decirse que es una pintura de ideas, sintetica, subjetiva y decorativa. Los precursores de esta nueva pintura son Gustave Moreau, Puvis de Chavannes y Odilon Redon.

Odilon Redon.

El interes por el inconsciente, lo onirico y lo fantastico se hace patente en su tematica. Su obra se puede dividir en dos partes, una en blanco y negro y otra en color. Para el, el negro era el principe de los colores. La arana sonriente, El sueno acaba con la muerte o El ojo como un globo extrano se dirige hacia el infinito son algunos ejemplos. Esta ultima es un precedente claro del surrealismo. El tema del ojo permite la conexion con los surrealistas, aunque tambien es una actitud simbolista. En sus litografias aparecen metaforas a obras de escritores como Edgar Alan Poe, Baudelaire o Flauvert.

Redon formara parte de una curiosa corriente que se enfrentara al impresionismo, rechazando el empleo del color hasta 1890 por lo que los dibujos y las litografias seran sus soportes preferidos.

Desde esa fecha utilizara la acuarela, el pastel y el oleo.

Sus artistas favoritos seran Goya, Poe y Baudelaire, siendo un gran admirador de Moreau. Se vinculara con los simbolistas al tomar contacto con Gauguin, Valery y los nabis. Sus temas estan vinculados con mitos clasicos y orientales, introduciendo tambien elementos literarios lo que le llevo a ser ilustrador. Su estrecha relacion relacion con Darwin y el botanico Cavaud le permitio trabajar en una iconografia muy personal inspirada en lo singular y extravagante que tendra vinculaciones con el romanticismo y servira de referencia a los surrealistas.

Influencia del simbolismo en el arte posterior:

El simbolismo no puede definirse como un estilo unitario, sino como un conglomerado de encuentros pictoricos individuales que supera nacionalidades y limites cronologicos. En esta linea podemos encontrar figuras tan dispares como Van Gogh, Gauguin, Klimt o Munch. El simbolismo derivara en una aplicacion bella y co- tidiana de profunda raigambre en el arte europeo de finales del S. XIX y principios del S. XX, el Art Nouveau

4-VAN GOGH.

Nacio el 30 de marzo de 1853 en Groot-Zunder, hijo de un pastor protestante holandes.Con veintisiete anos ya habia trabajado en una galeria de arte, dado clases de frances y estudiante de teologia y evangelizador entre los mineros de Wasmes, en Belgica.Sus experiencias como predicador se pueden observar en sus primeras composiciones sobre campesinos, de las cuales la mas conocida es la tosca y directa Los comedores de papas (1885, Museo Vincent van Gogh, Amsterdam, Holanda), uno de los diez unicos grabados que el pintor hizo a lo largo de su carrera.Oscuras y sombrias, a veces descarnadas, sus primeras composiciones ponen en evidencia el intenso deseo de expresar la miseria y los sufrimientos de la humanidad tal y como el los vivio entre los mineros de Belgica. En 1886 viaja a Paris para vivir con su hermano Theo van Gogh, que era marchante de arte, y alli se familiarizo con los nuevos movimientos artisticos que estaban en pleno desarrollo. Recibio gran influencia de la obra de los impresionistas y por la de los grabadores japoneses como Ando Hiroshige y Hokusai, comenzo a experi- mentar con las tecnicas de la epoca. Mas adelante adopto los brillantes matices pictoricos de artistas franceses como Camille Pissarro y Georges Seurat.

En 1888 abandono la capital francesa para trasladarse al sur de Francia con la esperanza de atraer alli a algunos de sus amigos y fundar con ellos un Taller del Mediodia. Bajo el sol ardiente de la Provenza, pinto escenas rurales, cipreses, campesinos y otras caracteristicas de la vida de la region. Durante ese periodo en el que vivio en Arles, empezo a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos relacionados con obras tan conocidas como Dormitorio en Arles (1888, Museo Vincent van Gogh) y Noche estrellada (1889, Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos). Son tambien de esta epoca Descargadores en Arles (1888) y Les Vessenots en Auvers (1890), ambas en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (Espana). Para el todos los fenomenos visibles, los pintara o los dibujara, parecian estar dotados de una vitalidad fisica y espiritual. Logro contagiar su entusiasmo al pintor Paul Gauguin, al que habia conocido en Paris, para que fuera a verle a Arles. Tan solo les duro dos meses la paz y la armonia ya que despues empezaron a tener vio- lentos enfrentamientos que culminaron en una pelea en la que Van Gogh, fuera de si, amenazo a Gauguin con una navaja; esa misma noche, sumido en un profundo remordimiento, Van Gogh se corto parte de la oreja.

Paso algun tiempo internado en un hospital de Arles y un ano en el manicomio de Saint-Remy, situado en esa misma region. Durante ese periodo siguio trabajando entre los varios ataques de locura que sufrio. Mas tarde paso tres meses en Auvers atendido por un medico cordial cuyo retrato pinto (El doctor Paul Gachet, 1890, Museo de Orsay, Paris). Vincent van Gogh padecio de muchos problemas fisicos debido, en parte, a la pobreza y a la desnutricion. Fue adicto a la cana de ajenjo, peligrosa bebida narcotica popular a finales del siglo XIX. Parece ser que padecio sifilis, tinnitus, envenenamiento por plomo, sindrome de Meniere y de epilepsia. Sus dos hermanos murieron jovenes y su hermana, Wilhelmina, paso la mayor parte de su vida en un asilo mental.

Inmediatamente despues de acabar su inquietante Cuervos sobre el trigal (1890, Museo Vincent van Gogh), se disparo un tiro en el estomago el 27 de julio de 1890. A pesar de su herida se arrastro de vuelta a la casa en Auvers-sur-Oise, donde murio dos dias despues en brazos de su hermano Theo.

“Yo arriesgue mi vida por mi trabajo, y mi razon siempre fue menoscabada”: estas son las palabras de Vincent en su ultima carta encontrada en su bolsillo en Julio 29, 1890. Realizo cerca de 750 cuadros y 1600 dibujos.

Vincent van Gogh produjo toda su obra (unas 900 pinturas y 1600 dibujos) durante un periodo de solamente 10 anos (etapa de 1880-90) hasta que sucumbio a la enfermedad mental (posiblemente un trastorno bipolar o una epilepsia). Decidio ser pintor cuando tenia 27 anos y siempre quiso reflejar la vida en sus obras. Su carrera pictorica esta marcada por los lugares donde vivio y trabajo. Asi se aprecia en la primera etapa de los Paises Bajos (1880-1886), donde la pintura tradicional y popular de este pais, exclusivamente en colores terrosos, fueron lo que mas influyo en obras como Los comedores de patatas y las pinturas sobre los tejedores. Realizo numerosos dibujos de mineros, de personajes populares y copio obras de su pintor favorito Millet.

Etapa impresionista

La siguiente etapa, en Paris (1886-1887), es la que le pone en contacto con los impresionistas que pretendian romper con el academicismo de la epoca, con el traslado a la pintura de las impresiones de sus sentidos mediante la observacion de la naturaleza. En Paris, conocio pintores como Henri de Toulouse-Lautrec y Paul Signac, descubrio una nueva percepcion de la luz y el color, aprendio la division de las gamas claras y los tonos y mostro una simplificacion a la vez que una mayor intensidad en el tratamiento de los colores. En esta epoca empezo a copiar laminas japonesas, siendo uno de los pintores europeos a los que mas influyo este tipo de pintura.

Etapa posimpresionista

Quiza Van Gogh represento mejor el posimpresionismo, estilo que sucedio aproximadamente en un periodo entre 1885 y 1915. Represento una via divergente del impresionismo, donde los pintores hacen de la vida cotidiana su tema principal. Este termino fue utilizado por primera vez en 1910 por Roger Eliot Fry; surge del titulo que dio a la exposicion de la Grafton Gallery en Londres: «Manet y los postimpresionistas». Fue utilizado por artistas como Cezanne, Van Gogh y Seurat pero a veces tambien por otros artistas de la gran decada impre- sionista (1870-1880) como Matisse y Pierre Bonnard.

Etapa precursora expresionismo y fauvismo

Su obra destaca por el uso del color y una tecnica frenetica que contiene algunos trazos del expresionismo. Van Gogh y Gauguin tenian tecnicas diferentes; Gauguin acostumbraba a pintar normalmente en el taller de memoria y Van Gogh necesitaba siempre copiar in situ, fuesen paisajes o un modelo. Su temperamento exaltado quiso demostrarlo por la via del color.

Los inicios del expresionismo aparecen durante las dos ultimas decadas del siglo XIX, en la obra de Van Gogh, La italiana de finales de 1887, y en la de Edvard Munch (autor de El Grito) y, en otro nivel, en la del belga James Ensor (autor de La entrada de Cristo a Bruselas). Una tendencia a la que contribuiria Van Gogh, despues de su llegada en 1888 a Arles, donde el choque con la luz del sur, le empuja a la conquista del color, con obras como La noche estrellada y Los Olivos de Saint-Remy (1889). Las pinturas del periodo de Sant Remy de Provenza, se caracterizan en general por remolinos y espirales. Desde la dramatizacion de las escenas de sus primeros trabajos, a la simplificacion que caracterizo sus ultimas obras, en las que Van Gogh ya anuncia el comienzo del expresionismo. Se tuvo que esperar al agosto de 1911, cuando el critico de arte Wilhelm Worringer fue el primero en hablar del expresionismo.

5-CARTEL PUBLICITARIO. HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC

Un cartel es un soporte de la publicidad. Consiste en una lamina de papel, carton u otro material que se imprime con algun tipo de mensaje visual (texto, imagenes y todo tipo de recursos graficos) que sirve de anuncio para difundir una informacion o promocionar un (bien o servicio) producto (economia) un evento, una reivindicacion o cualquier tipo de causa. Suelen formar parte de una campana publicitaria mas amplia. Si son de gran tamano, se denominan valla publicitaria.

La gran revolucion del cartelismo llego con la aplicacion de la litografia y la utiliza- cion del color, que permitieron ilustrar de un modo vibrante y con mayor impacto. Se desarrollo primero en Francia, y en la ultima decada del siglo XIX estaba extendido por toda Europa. Entre los cartelistas mas notables estuvieron Alfons Mucha, Jules Cheret y Henri de Toulouse-Lautrec, cuyas creaciones se consideraban ya en la epoca como carteles artisticos.

En torno a 1800 se produjeron dos acontecimientos que dieron lugar a la era moderna del cartel.

Uno de ellos fue el inicio de la industrializacion a gran escala, que genero la necesidad de una publicidad extensiva.

El otro fue el invento, en 1798, de un nuevo metodo de impresion, la litografia, que hacia mucho mas facil la ilustracion de carteles en color. El auge de la produccion de posteres tuvo lugar durante la primera mitad del siglo XIX, pues se utilizaron para anunciar una amplia gama de productos y de servicios. Tambien por esa epoca aparecieron los primeros carteles teatrales, generalmente con ilustraciones realistas

HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC (1864-1901) colecciono objetos de arte japones y utilizo tinta y pinceles japoneses para anticipar un expresionismo gestual muy influyente en el mundo del cartelismo y el diseno grafico. Vincent Van Gogh (1853- 1890), cuya correspondencia desde Arles es un continuo ale- gato en pro del arte japones, que tambien fue coleccionista de estampas japonesas, hizo copias al oleo entre 1886 y 1888 de algunos ukiyoe de Hiroshige (1797-1858) y Eisen (1790- 1848). En ocasiones, como explicito homenaje, colocaba en sus retratos estampas japonesas como fondo. Las inquietudes espirituales orientalistas de Van Gogh se concretaron en su conocido autorretrato como un monje budista de 1888.

La obra de Toulouse-Lautrec se caracteriza por su estilo fotografico, al que corresponden la espontaneidad y la capacidad de captar el movimiento en sus escenas y sus personajes, siendo el suyo un estilo muy caracteristico. A esto hay que anadir la originalidad de sus encuadres, influencia del arte japones, que se manifiesta en las lineas compositivas diagonales y el corte repentino de las figuras por los bordes. Poseia una memoria fotografica y pintaba de forma muy rapida. Sin embargo, su primera influencia fue la pintura impresionista y, sobre todo, la figura de Degas, de quien siguio la tematica urbana alejandose de los paisajes que interpretaban Monet o Renoir. Fue la vanguardia del modernismo y del art nouveau.

Lautrec fue fundamentalmente un dibujante e ilustrador, tareas que le permitieron subsistir. Sus pinturas al oleo son comparativa- mente escasas y apenas las expuso en vida. Al contrario que Van Gogh, su «malditismo» o fama de persona marginal no implica- ron que fuese un artista fracasado; y de hecho fue muy popular por sus ilustraciones y carteles publicitarios. Aporto quince disenos al semanario Le Rire y tambien ilustro el programa de mano del estreno teatral de Salome de Oscar Wilde.

Toulouse-Lautrec, uno de los cartelistas mas destacados del siglo XIX, introdujo importantes cambios en su contenido y en su estilo artistico. Abandono el impresionismo lirico de los estilos precedentes para utilizar grandes zonas de colores lisos, tecnica tomada de los grabados japoneses. Las figuras femeninas idealizadas de las epocas anteriores fueron sustituidas por personas reales, aunque sutilmente estilizadas, formando vinetas, como una mujer bebiendo en un bar, o un caballero y una dama sentados a una mesa besandose. El artista redujo la importancia del texto, obligando al espectador a concentrar su atencion en el aspecto pictorico del cartel. Una de las ultimas obras de Toulouse-Lautrec es su cartel Jane Avril (1899) en el que, con excepcion del nombre de la artista, el texto ha sido completamente eliminado, y constituye el prototipo de todos los carteles modernos, puramente pictoricos

MOULIN ROUGE. LA GOULUE, DE TOULOUSE-LAUTREC 1891, litografia a cuatro colores sobre papel, 191x115 cm, Biblioteque Nationale, ParisEl cartel se completa con una serie de leyendas en rojo y negro: Moulin Rouge, Moulin Rouge, Moulin Rouge, Concert Bal tous les soirs, La Goulue, Tous Les Soirs Moulin Rouge, Les mercredis el samedis bal masque. (Moulin Rouge.Concierto y baile todas las noches. La Goulue. Todas las noches.Moulin Rouge, Los miercoles y los sabados baile de disfraces.)

En este cartel aparecen las tecnicas japonesas y cloissionistas que se perciben mediante la simplificacion compositiva a base de grandes areas, un encuadre fotografico que lleva a cortar objetos y personajes fuertemente contrastados sobre el fondo claro, la linea que dibuja los perfiles. Esta obra demuestra el perfecto conocimiento del ambiente del local por parte de Lautrec, que ha realizado un trabajo de sintesis, con colores vivos y una cuidada seleccion de los motivos que intervienen. El cartel fue impreso por Ch. Levy a cuatro tintas (azul, amarillo, rojo y negro) en dos hojas, mas una banda en la parte superior.

6-FAUVISMO.(1904-1908) fue un movimiento pictorico frances caracterizado por un empleo provocativo del color. El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilizacion de color en su estado puro, color libre.

El termino surge del Salon de Otono de 1905 donde se presentaron numerosas obras al concurso y aparecieron problemas a la hora de clasififificar y encajar algunas de ellas, y sus autores excluidos del salon por expresarse de un modo intenso y diferente. El critico Louis Vauxcelles afirmo sobre

ese conjunto de obras Mais c’est Donatello parmi les fauves (Pero, es Donatello entre las fieras), por lo que de la palabra fauve se derivo en fauvis- me (fauvismo o fovismo). La mencion a Donatello se debe a que en la misma sala habia una escultura de corte renacentista. Los autores de las obras no dieron importancia a lo peyorativo del nombre «fauvisme», sino que, en cambio, lo adoptaron como distintivo de sus obras.

Entre los artistas fauvistas mas reconocidos debemos mencionar a Henri Matisse, quien ademas fue el fun- dador del movimiento, a Raoul Dufy, Georges Braque, Andre Derain y Maurice De Vlaminck. Los mismos llevaron a cabo solo tres exposiciones oficiales entre los anos que duro su movimiento, aunque la presencia y la relevancia de sus obras para futuras escuelas pictoricas se mantendria por largo tiempo

El fundamento de este movimiento es la liberacion del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromaticos. Los artistas fauves van a trabajar con la teoria del color interpretando que colores son primarios, cuales son secundarios y cuales son complementarios. Mediante este planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producia un mayor contraste visual y una mayor fuerza cromatica.

Complementarios: se entiende por color complementario de otro, el color primario que queda frente a la mezcla de los otros dos: para el verde es el rojo, para el azul es el naranja y para el amarillo es el violeta.La tecnica pictorica fovista emplea toques rapidos y vigorosos, trazos toscos y discontinuos, aunque se cree distorsion en las figuras: se persigue dar una sensacion de espontaneidad.

Expresar sentimiento, algo que anteriormente intentaron los pintores Nabis. Esto hace que percibieran la naturaleza y lo que les rodea en funcion de sus sentimientos.

El dibujo sera un aspecto secundario para estos artistas, sin embargo Matissse no se olvido de su importancia. Tambien se destacaba la funcion decorativa y se empleaban las lineas onduladas.Defendian una actitud rebelde, un intento de transgresion de las normas con respecto a la pintura. Buscaban en definitiva, algo diferente, que les hiciese avanzar en el ambito artistico.

Con respecto a los temas que pintaban existia gran variedad: algunos pinta- ron el mundo rural y otros el ambito urbano. Algunos realizaron desnudos e interiores, mientras otros preferian la pintura al aire libre influidos por las costumbres del impresionismo, otros mostraban la importancia de sentir la alegria de vivir.

MATISSE

Pintor frances lider del fauvismo

Nacio el 31 de diciembre de 1869 en Le Cateau-Cambrésis, norte de Francia, en el seno de una familia de clase media.

Fue el mayor de los hijos de un prospero comerciante de granos. Se crio en Bohain-en-Vermandois, Picardie, Francia.En 1887 se traslado a Paris para estudiar derecho, trabajando como administrador del tribunal en Le Cateau-Cambresis despues de obtener su titulo.Comenzo a pintar en 1889, despues de que su madre le entregara materiales para el dibujo y la pintura durante un periodo de convalecencia tras sufrir un ataque de apendicitis. Descubrio entonces su vocacion y

decidio convertirse en artista decepcionando profundamente a su padre. Su formacion es lenta y la alterna con viajes a Londres e Italia. En 1892 abandono su carrera de abogado y entro en la Escuela de Bellas Artes de París.

Su primer estilo consistia en un convencional naturalismo. Realizo muchas copias de cuadros de los maestros clasicos. Estudio el arte contemporaneo, sobre todo el de los impresionistas, iniciando su propia experimentacion. Recibio influencias de Paul Gauguin, Paul Cézanne y Vincent van Gogh, cuya obra estudio con detenimiento desde 1899 aproximadamente.

Hasta 1904, periodo conocido como oscuro, realiza bodegones y paisajes de gran solidez estructural y planos de color, como puede apreciarse en Platos y fruta (1901) y Bosque de Boulogne (1902). En 1904 pinta Lujo, calma y voluptuosidad, en el que sigue el neoimpresionismo, pero ya se anuncia el fauvismo, que estallara en el verano de 1905 en Colliure donde pinta cuadros que todavia siguen de cerca los metodos puntillistas, como Mujer con sombrilla, para alcanzar una libertad y espontaneidad absolutas en otras obras, como Vista de Colliure. Hacia 1905 habia producido unas imagenes cuya audacia cromatica rompia con todo lo anterior. Entre estas obras destaca Raya verde (Madame Matisse; 1905, Museo Estatal de Arte, Copenhague), un retrato con notas expresionistas de su mujer. Ese mismo ano Matisse expuso junto a pintores de la misma tendencia como André Derain y Maurice de Vlaminck. Como consecuencia de esta exposicion, el grupo es bautizado como les fauves (literalmente 'las bestias salvajes') por su uso estridente del color, distorsion de las formas y su sentido expresionista en la captacion de emociones.

Considerado como lider del radicalismo artístico, se gano la aprobacion de la critica y de los coleccionistas, como la de la escritora estadounidense Gertrude Stein y su familia. Entre los encargos mas importantes que recibio se encuentra el del coleccionista ruso que le pidio unos paneles murales ilustrando temas de danza y musica: La Musica y La Danza (acabados ambos en 1911; hoy en el Ermitage, San Petersburgo)

Desde 1920 hasta su muerte, paso mucho tiempo en el sur de Francia, sobre todo en Niza, pintando. Se le encargo la decoracion de la capilla de Santa María del Rosario en Vence (cerca de Cannes), que termino entre 1947 y 1951. Durante sus ultimos anos, se dedico aldécoupage (tecnica de papeles gouacheados y recortados), creando obras de un brillante colorido.

Henri Matisse fallecio en Niza el 3 de noviembre de 1954, de un ataque al corazon a la edad de 84 anos. Fue enterrado en el cementerio de la Monastere Notre Dame de Cimiez, cerca de Niza.

7-EL CUBISMO

Fue un movimiento artistico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay y Juan Gris. Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo mas, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

El termino cubismo fue acunado por el critico frances Louis Vauxcelles, el mismo que habia bautizado a los fauvistas motejandolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L’Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequenos cubos». Se origino asi el concepto de «cubismo».

A pesar de ser pintura de vanguardia los generos que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.Se eliminan los colores sugerentes que tan tipicos eran del impresionismo o el fovismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictoricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predomino en la primera epoca del cubismo, posteriormente se abrio mas la paleta.

Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condicion de arte, y permite que esta condicion se vea en la obra, es decir es parte intrinseca de la misma. El cuadro cobra autonomia como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.

La obra resultante es de dificil comprension al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artisticos que necesito una exegesis por parte de la "critica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma practica artistica. De ahi en adelante, todos los movimientos artisticos de vanguardia vinieron acompanados de textos criticos que los explicaban

PICASSO: Las senoritas de Las senoritas de Avinon supuso un nuevo punto de partida para Picasso, que elimino las referencias a la tradicion rompiendo con el realismo, abandonando los canones de profundidad espacial y perspectiva, asi como el ideal hasta entonces existente del cuerpo femenino, al reducir la obra a un conjunto de planos angulares, sin fondo delimitado ni perspectiva espacial, en el que las formas estan marcadas por lineas claro-oscuras. Los tonos ocre-rojizos son caracteristicos de su mas amable epoca rosa, pero la crudeza del cuadro los convierte en agresivos. El cuadro pudo estar tambien influenciado por las figuras alargadas del Greco, en particular por su Vision del Apocalipsis, que Picasso posiblemente vio ese verano en Paris; su estructura y composicion deriva de Las grandes banistas de Cezanne; la pintura de Cezanne hace de los objetos una presencia real, con especial enfasis en los volumenes y el peso de los mismos, sin la palpitacion atmosferica propia del im- presionismo. su retrospectiva en el Salon de Otono de 1907 determino la evolucion ulterior de Picasso.

George Braque tuvo unos primeros momentos fauvistas. En el verano de 1907 pinta en L’Estaque, lugar donde pinto Cezanne, una serie de paisajes “lineales” que son ya precubistas. Existen tres fases en su cubismo.

En una primera epoca pinta cuadros de superficies superpues- tas y planos angulares, componiendo a base de cubos; usaba po- cos tonos cromaticos.Despues paso por una fase de “cubismo analitico” (1909-1912), en el que los objetos quedaban descompuestos en facetas hasta el punto de ser irreconocibles.

En un tercer momento cultiva el “cubismo sintetico”, es decir, con unidad compositiva. Impulsa mas que Picasso en esta tendencia del cubismo sintetico.A la vuelta de la Primera Guerra Mundial desarrollo un estilo propio, con forma unida al color. Representa figuras de gran tamano. Pinta algun paisaje. Y realiza, sobre todo, multitud de bodegones de estructura similar.

Pablo Picasso y Georges Braque trabajaron a partir de 1909 y hasta 1914, en que se movilizo como soldado a Braque para la Primera Guerra Mundial, en un dialogo creativo, que rompia y reformulaba la representacion de los objetos y sus estructuras. Estaban creando y evolucionando a la vez en el cubismo.

A partir de 1909 podemos comprobar que los pintores pasan de los grandes planos geometricos, con los que configuran sus objetos, a descomponerlos en pequenas facetas o planos cortados vistos desde distintos puntos: por delante, por detras, por encima, por debajo... Esto es lo que se denomina Cubismo hermetico o analitico, una evolucion hacia la abstraccion sin llegar definitivamente a ella.

El cubismo sintético y el papier collé, 1912-1914.

Dentro de la corriente cubista es Braque el autor que muestra mayor interes en enlazar sus pinturas con la realidad y, por eso, dara un siguiente paso que supe- rara el abismo hacia la abstraccion en la que habia derivado la aventura analitica y vuelva a realizar cuadros legibles.

En septiembre de 1912, despues de haber pasado el verano pintando con Picasso en la localidad francesa meridional de Sorgues, Braque estaba trabajando en un bodegon con frutero y vaso sobre una mesa, cuando en un paseo por Avinon descubrio casualmente en el escaparate de un comercio de papeles pintados una muestra que imitaba la madera de roble. En seguida penso como incorporarlo a su proceso creativo y con ello crear el primer papier colle, literalmente papel pegado. Al que siguieron otros.

Juan Gris: José Victoriano Gonzalez-Pérez nace en Madrid en 1887,. En su ado- lescencia es ilustrador de publicaciones.En 1906, para evitar la milicia y conocer vida artistica, se muda a Paris, donde conoce a Pablo Picasso, Fernand Leger y Georges Braque. Sus primeros intentos como pintor en el cubismo son en el ano de 1910, cuando fue dejando gradualmente las labores de ilustracion En 1912 Juan Gris da claramente el salto al cubismo con varias pinturas presentadas en el Salon des In- dependents de Paris. El verano de 1913 lo paso en Ceret, donde empezo a trabajar la tecnica del papier colle: recortes de carton y papel, en ocasiones obtenidos de periodicos, que se pegan sobre el lienzo para combinarse con el oleo. Fue su principal aportacion al cubismo.

Tras unos pocos anos de estrecha conexion, Juan Gris y Picasso se distanciaron tanto en lo artistico como en lo personal. Picasso fue evolucionando hacia un arte figurativo de gusto clasicista, en sintonia con la vuelta al orden que emprendieron muchos otros artistas. Mientras, Juan Gris se mantuvo fiel al cubismo en una clave mas colorista. En sus ultimos anos Juan Gris diseno escenografias para dos montajes de ballet de Diaghilev.

8-COMPARA LAS ETAPAS CREATIVAS DE PICASSO: EPOCAS ROSA, AZUL, CUBISTA, SURREALISTA.

El pintor y escultor espanol Pablo Picasso (Malaga, 1881-1973) destaca por su im- portante aporte para la creacion y desarrollo del Cubismo. Ademas, esta conside- rado como uno de los artistas mas influyentes del siglo XX, siendo actualmente un modelo de inspiracion para muchos pintores.

Picasso pinto mas de dos mil obras que hoy en dia se pueden apreciar en distintos museos de Europa y de todo el mundo. No solo se dedico a la pintura, sino tambien al grabado, al dibujo, a la ilustracion de libros, la escultura, a la ceramica, al vestuario de teatro, etc.

Su evolucion artistica se divide en varios periodos con caracteristicas diferentes. En primer lugar, la epoca azul, que abarca entre 1901 y 1903 y en la que predominan los colores azules. Destaca ‘Dama en Eden Concert’. Posteriormente se encuentra la epoca rosa (1905-1906), con pinturas que muestran tonos mas rosados o rojizos. Aqui se enmarcan, entre otras obras, ‘Familia de Arlequin’ o ‘Gran Holandesa

A la siguiente fase se conoce como el Protocubismo (1906-1907), esencial para el posterior desarrollo del Cubismo. En este periodo comienzan a aparecer influencias africanas, ademas de una desvinculacion por parte de Picasso de lo establecido en el arte. De esta forma, hay una ruptura con el Realismo y se utilizan planos angulares sin fondo ni perspectiva. En esta etapa encontramos, por ejemplo, ‘El retrato de Gertrude’ o ‘Las senoritas de Avignon’.

‘Las senoritas de Avignon’ fue una obra clave para que Picasso continuara investigando nuevas tecnicas y modos de hacer pintura, entrando finalmente en los inicios del Cubismo.El Cubismo fue la etapa siguiente y la mas representativa de Pablo Picasso. Abarca desde 1908 hasta 1916. El Cubismo se caracteriza por una ruptura definitiva con la pintura tradicional. Trata formas de la naturaleza a traves de diversas formas geometricas. Picasso buscaba una pintura pura, inspirandose en los objetos de su taller des- de una perspectiva intelectual. Destacan ‘El retrato de Vollard’, ‘El aficionado’ o ‘Le guitariste’.

Periodo Clasico o Grecorromano (1917-1927)

Durante este periodo, Picasso vuelve a sorprender a todos: critica y publico. En vez de acomodarse en el movimiento del que era fundador, es decir el cubismo, decide volver a la figuracion realista. Asi vuelve a pintar desnudos clasicos, retratos, que poco o nada tenian que ver con los de la etapa cubista. Son pinturas mas precisas y plasmando diversos desnudos (destacan los retratos de Ingres)

En 1928 llega el periodo surrealista (hasta 1932) y, en este caso, presenta formas distorsionadas que hacen referencia a monstruos o seres mitologicos. Entre sus obras encontramos ‘Banista en pie’, ‘Banista al borde del mar’, y su obra cuspide, ‘El sueno’.

Con el comienzo de la Guerra Civil Espanola Picasso inicia un periodo con tintes mas expresionistas, aunque siempre bajo el dominio del Cubismo. Asi pues, en 1937 pinta uno de sus cuadros mas prestigiosos, ‘El Guernica’, obra que alude a la guerra y al terror vivido por la poblacion civil durante el bombardeo aleman sobre Guernica. Expresa a la perfeccion miedo y angustia de una manera abstracta y distintiva.

Periodo de Vallauris, ultima etapa en la que se dedica por completo a la ceramica y a la escultura. Una de las obras mas representativas de esta etapa es ‘El hombre del cordero’ Y homenajes a las Meninas de Velazquez y a Manet.

EXPRESIONISMO 1905/1913. • Estilo surgido en Alemania que trata de dar al espectador una vision de los sentimientos del artista.

Forma, color y textura estan al servicio de esa transmision de los estados de animo del autor.• Supone el inicio de la pintura abstracta en sentido estricto ya que se desvincula por fin del

referente. Es una pintura subjetiva que deforma y exagera. Sus grandes influencias fueron autores consagrados como Goya, el Greco, y otros mas recientes como el belga James Ensor y el noruego Edvard Munch.

• Los dos grandes grupos de artistas del movimiento fueron los llamados “Die Brucke” (el puente) en Dresde formado principalmente por Ernst Kirchner y Emil Nolde y “Der blazer Reiter” (el jinete azul) compuesto por Vasily Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee en Munich, ambos con objetivos y rasgos comunes aunque con alguna diferencia estilistica que les dividia.

• Las obras de estos artistas fueron ridiculizadas por Hitler en la exposicion de Arte Degenerado Múnich en 1937.

• Una parte de la obra fué destruida y otra vendida

Expresionismo

La primacía de lo subjetivo, fantastico, deforme o irracional caracteriza a la estetica expresionista que, aunque se desarrollo principalmente en la Alemania del primer tercio del siglo XX, recorrio en distintas epocas la historia del arte, como lo atestiguan, por ejemplo, algunas obras de Goya.

El expresionismo contemporaneo se desarrollo, en distintas fases, desde 1905 hasta finales de la decada de 1920 y sufrio el tremendo impacto de la primera guerra mundial. Posteriormente, sus representantes

fueron perseguidos por los nazis, que calificaron las obras expresionistas como “arte degenerado”.

La estética expresionista

El deseo de subjetividad constituia la basede la estetica expresionista, materializada tanto en las artes plasticas como en la literatura y la musica.

En pintura, el expresionismo surgio como reaccion al impresionismo y la vision objetiva de la naturaleza. Los pintores expresionistas propugnaban una vision mas subjetiva, una interpretacion personal y apasionada de lo que la naturaleza les sugeria. “Expresion” se oponia, pues, a “impresion”.

Por otro lado, esta estética suponía también un rechazo de los valores de la sociedad burguesa de la epoca del kaiser aleman Guillermo II y, mas tarde, de la de entreguerras, y planteaba el arte como un instrumento de crítica político-social.

Las culturas primitivas proporcionaron a los expresionistas un modelo para la renovacion artistica, basada en el poder de la intuicion y la creatividad sin trabas. Aquellos recibieron ademas la influencia de algunos pintores postimpresionistas, como Vincent van Gogh, y de sus contemporaneos fauvistas. Los dibujos infantiles y el arte de los enfermos mentales pasaron, asimismo, a formar parte de las investigaciones de estos artistas, por ser manifestaciones espontaneas, no sujetas a aprendizajes academicos.

El concepto tradicional de belleza quedó negado por la creación expresionista, que deformó las figuras para extraer de ellas una visión cruda y personal de la realidad en la que se resaltaban la soledad, el dolor y el horror de la guerra.

Existieron notables diferencias entre las distintas fases del expresionismo. Sus precursores fueron artistas sin relacion alguna entre ellos, pero coincidentes en reflejar la realidad de forma subjetiva y patetica. Dichos precursores fueron el noruego Edvard Munch, el belga James Ensor y el francés Georges Rouault.

La primera generación expresionista, propiamente germana, estuvo compuesta por los grupos Die Brücke (El Puente), creado en Dresde en 1905, y Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), constituido en Munich en 1911.

Despues de la primera guerra mundial, un nuevo movimiento, Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad), fue el herederoaleman de la estetica expresionista, en un tono agresivo y critico. Por otro lado, aparecieron tambien en diversos paises europeos artistas expresionistas como el checoslovaco Oskar Kokoschka y el lituano Chaim Soutine.

Die Brücke y Der Blaue Reiter

Fueron Die Brucke y DerBlaue Reiter los dos gruposartisticos alemanes quesentaron las bases de lasprincipales inquietudes de la estética expresionista.

Die Brücke. Estaba compuesto por Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt- Rottluff, todos ellos estudiantes de arquitectura que decidieron organizar un taller colectivo. Estos artistas revivieron la técnica alemana del grabado en madera, que influyo en el trazo de las lineas de sus dibujos y

en las pinceladas incisivas y quebradas.

El termino Brucke (puente), con que se designo el grupo, hacia referencia a la idea de puente o union entre diversos sectores revolucionarios.

En 1906 se unieron al nucleo principal Emil Nolde y Max Pechstein y, ese mismo ano, se organizo la primera exposicion colectiva. Sus cuadros, generalmente paisajes y figuras, poseian una tecnica de gruesos empastes y evidenciaron contactos con el fauvismo y el cubismo. El grupo se disolvio hacia 1913.

Der Blaue Reiter. Se formo por la asociacion de los rusos Wassily Kandinsky y Alexei van Javlenski; los alemanes Gabriele Munter y Franz Marc; y el suizo Paul Klee. Munich, escenario de una intensa actividad artistica desde fines del XIX, se convirtio entonces en capital europea del arte. Los miembros de Der Blaue Reiter editaron un almanaque, celebraron exposiciones de artistas alemanes extranjeros, y rechazaron la estetica impresionista; pero, sobre todo, indagaron en la subjetividad humana, en un intento mas introspectivo que Die Brucke y, tambien, de claves mas puramente artisticas, menos comprometidas socialmente.

La especulacion en busca de los contenidos espirituales constituia la base del trabajo de Kandinsky, cuyo principal merito fue iniciar el camino de la abstraccion pictorica, estetica que tuvo gran exito en los anos posteriores. En cambio, para Franz Marc, autor, por ejemplo, de “Los grandes caballos azules”, la pureza de las formas estaba condensada en la imagen del animal, cuya energia y esencia se proponia captar a traves del simbolismo del color.

El expresionismo en otros campos artísticos

El expresionismo no fue una tendencia unicamente plastica, sino que abarco otros campos como el literario, gracias a la revista berlinesa Der Sturm (La Tormenta); el cinematografico, con directores como Robert Wiene, F. W. Murnau y Fritz Lang; el musical, con el compositor Arnold Schoenberg; y el teatral, impulsado por los escritores Friti. Von Uruh, Carl Sternheim o Reinhard Sorge.

El expresionismo fue, de este modo, una intensa busqueda de la expresion de los propios conflictos y pasiones que, aunque practicamente desaparecio por la persecucion nazi, dejo sentir sus influencias en las posteriores manifestaciones artisticas y, sobre todo, se convirtio en el reflejo perfecto de una epoca dificil y apasionada.

Obra y biografía de Wassily KandinskyIntroducción a la figura y obra de Wassily KandinskyKandinsky es una de las figuras mas importantes en el desarrollo del arte abstracto.Nacio en Moscu en 1866 y fallecio en Neully-sur-Seine, Francia, en 1944. Compagino sus estudios de derecho y economia con el dibujo y la pintura. Al cumplir los treinta anos abandono su carrera como docente para ir a estudiar pintura a Munich. Asistio a las clases de F. Stuck y alli conocio a Paul Klee, con quien mantuvo una gran amistad. Tambien realizo diferentes viajes por Francia, Paises Bajos, Tunez, Italia y Rusia, entrando en contacto con el postimpresionismo, el Jugendstil (modernismo) aleman, el fauvismo y el cubismo.La influencia del color fauve se percibe en una serie de paisajes alpinos que pinta en Murnau entre 1908 y 1909. Es aqui cuando se da cuenta que la representacion del objeto en sus pinturas era secundaria y que la belleza de sus obras reside en la riqueza cromatica y en la simplificacion formal.Casas de Murnau, Calle de Murnau y La montaña azul son pinturas realizadas a base de grandes manchas de color intenso, en las que los elementos naturalistas van desapareciendo progresivamente. Este descubrimiento le conduce a una experimentacion continuada que culmina con la conquista de la abstraccion en una acuarela de 1910.En Composición IV de 1910, las figuras estan tan simplificadas, el color es tan arbitrario y el espacio tan

confuso, que es imposible distinguir el tema sin la referencia de los cuadros anteriores de la serie.Kandinsky habia fundado la Asociacion de Artistas de Munich (NKVM), al mismo tiempo que empezaba a maquinar el entramado ideologico que desembocara en la abstraccion. El despojamiento progresivo de la representacion no sera bien aceptado en la NKVM, por lo que Kandinsky y Franz Marc se retiran de la asociacion y sientan las bases del grupo Der Blaue Reiter. Organizan diversas exposiciones en Berlin y Munich y Kandinsky escribe De lo espiritual en el arte y el Almanaque de Der Blaue Reiter. En De lo espiritual en el arte habla de una nueva epoca de gran espiritualidad y de la contribucion de la pintura a ella. Dice que el arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y establece las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color.Pinta numerosas obras que el mismo agrupara en tres categorias diferentes: impresiones, improvisaciones y composiciones. Estos cuadros se caracterizan por la articulacion de gruesas lineas negras con colores vivos, aunque todavia se advierte en ellos un poco la presencia de la realidad. Los ultimos restos del mundo real no desapareceran de su obra hasta despues de 1920.ImpresionesSus impresiones, inspiradas en la naturaleza, son una mirada atras, hacia la realidad exterior. Los subtitulos que llevan (Fuente, Parque, Concierto, etc.) son la clave para interpretarlas.En Impresión VI (Domingo) las formas y los colores tienden a desvincularse de la realidad visual, aunque todavia no se han separado totalmente del objeto.ImprovisacionesLas improvisaciones suponen la expresion de emociones interiores. Son expresiones espontaneas de caracter espiritual, que exigen que no reproduzcan nada material. Anuncian la ruptura definitiva con las formas. Son el antecedente directo del expresionismo abstracto o pintura informal que se desarrollo en todo el mundo a partir de 1945.En Improvisación soñada (1913), sin un orden aparente ni un soporte estructural, Kandinsky concibe la realidad con imagenes parciales y debiles y no con forma de objetos definidos.

ComposicionesFinalmente, sus composiciones, aunan lo intuitivo con el rigor compositivo. Son construcciones enormemente calculadas, sobre la base de apuntes previos, cuyas lineas y colores habian sido trazados instintivamente.Composición VII, la tela mas famosa y mas grande pintada por Kandinsky es un armonico conjunto de lineas, circulos, arcos y otras formas geometricas simples.Sus cuadros geometricos tienen la finalidad de establecer un idioma simbolico entre formas y colores que proyecten su interes en lo trascendental.Si contemplamos el conjunto de su obra, podemos darnos cuenta de que al primer grupo pertenecen sus realizaciones datadas hasta 1910, al segundo, las abstracciones expresionistas de 1910-1921 y al tercero, las abstracciones constructivas posteriores a1921.Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky vuelve a Moscu y ocupa importantes cargos en la administracion artistica y cultural. Su labor se tradujo en la creacion de museos por toda Rusia y en programas de ensenanza artistica. En 1917 se caso con Nina Andreievsky, su segunda y definitiva esposa, y cuatro anos mas tarde se traslado con ella a Alemania.A los pocos meses acepto la invitacion de Walter Gropius para incorporarse a la Bauhaus o escuela de diseno de Weimar. Dirigio el taller de Pintura Decorativa y el curso de iniciacion. De sus experiencias como profesor surgio su segundo tratado importante "Punto y línea en el plano" (1925).Durante estos anos su obra se disciplina, al color se anade la geometria y la interaccion de la forma, y su pintura se aprovechara de las multiples tendencias que coinciden en distintos momentos en la Bauhaus. Su obra experimenta una transicion hacia una mayor estructuracion, tanto compositiva como formal, que se ha denominado el periodo arquitectual de su pintura, al que le siguio otro en que indaga con los trazos circulares y concentricos. Circulos (1926).En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, Kandinsky se instala en Neully, cerca de Paris. Es la ultima etapa de su vida, en la que continua con la busqueda de formas inventadas, que plasma por medio de colores combinados de manera compleja e inspirandose en signos geometricos y en motivos eslavos. Se aleja de la geometria de la Bauhaus y opta por formas organicas y biomorficas.

En Círculo y cuadrado (1943) vemos un estilo mas elegante y complejo.Kandinsky es uno de los artistas mas influyentes de su generacion. Fue uno de los primeros en explorar los principios de la abstraccion no representacional o pura, por lo que podemos considerarle como un precedente del expresionismo abstracto.

Casas de Murnau 1909 Montana azul Composicion VI

Composicion IV 1910 Composicion VIII On White 1923

Circulos y cuadrados 1913 Composicion X 1939