XV CICLO DE GRANDES CONCIERTOS - Vitoria-Gasteiz

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2020KONTZERTU HANDIEN XV. ZIKLOA

XV CICLO DE GRANDES CONCIERTOS

Otsaila | Maiatza • Febrero | Mayo

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Argitaratzaile | Edita: Udal Antzoki Sarea | Red Municipal de Teatros

Kontzertuari buruzko oharrak | Notas al concierto: Kepa Pinedo

Diseinu eta Maketazioa | Diseño y maquetación: Erakunde komunikaziorako atala | Unidad de comunicación institucional

Itzulpena | Traducción: Euskara zerbitzua | Servicio de euskera

Inprimatze lana / Imprime: Gráficas Dosbi

2020KONTZERTU HANDIEN XV. ZIKLOA

XV CICLO DE GRANDES CONCIERTOS

Otsaila | Maiatza • Febrero | Mayo

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otsailak 4 de febrero. 20:30

Tatarstango Orkestra Sinfoniko Nazionala, KazanOrquesta Sinfónica Nacional de Tatarstán, Kazán

Alexander Sladkovsky > Zuzendaria / Director

orrialdea | página 4

martxoak 17 de marzo. 20:30

Camerata Ireland

Barry Douglas > pianoa eta zuzendaritza

piano y dirección


maiatzak 8 de mayo. 20:30

Il Gardellino Baroque Orchestra Marcel Ponseele > oboea eta zuzendaritza oboe y dirección


EKAINak 3 de JUNIO. 20:30

Maria João Pires > pianoa / piano

Fumiaki Miura > biolina / violín


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otsailak 4 de febrero. 20:30

Tatarstan National Symphony Orchestra, Kazan

Alexander Sladkovsky Zuzendaria | Director

EGITARAUA | PROGRAMA

M. Glinka - Bals-fantasia M. Glinka - Fantasía de vals

M. Mussorgski - Gaua mendi soilean M. Músorgski - Una noche en el Monte Pelado

P. Txaikovski - Romeo eta Julieta - Obertura-fantasia P. Chaikovski - Romeo y Julieta - Obertura fantasía

P. Txaikovski - 1. sinfonia, sol minorrean, op. 13, “Neguko ametsak” P. Chaikovski - Sinfonía nº 1 en sol menor, op. 13, “Sueños de invierno”

42/30/25 €

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Itzal handia lortu du mundu osoan TATARSTANGO ORKESTRA SINFONIKO NAZIONALAK, bere interpretazio sofistikatuei eta programazio dinamikoari esker. Tatarstango Konpositoreen Batasuneko presidente ohi eta Kazango Kontserbatorioko dekano Nazib Zhiganoven ekimenari esker sortu zen orkestra.

1967ko apirilaren 10ean eskaini zuen lehen kontzertua, Bach, Shostakovitx eta Prokofieven obrekin, lehen zuzendari artistiko eta zuzendari nagusi Natan Rakhlinen zuzendaritzapean. Egungo zuzendari artistiko eta zuzendari nagusi Alexander Sladkovskyren eskutik, bere eragin kultural eta soziala areagotu du orkestrak, jaialdi berrien, lankidetza artistikoen eta hezkuntza- eta komunitate-dibulgazioaren bitartez. Errusiako hiri nagusietan eskaini ohi ditu kontzertuak, baita mundu osoan barrena ere, egin ohi dituen biretan.

ALEXANDER SLADKOVSKY

Moskuko Kontserbatorioan graduatu zen Alexander Sladkovsky lehenik, eta gerora San Petersburgokoan. 1997an, San Petersburgoko Operaren eta Balletaren Antzokian egin zuen debuta, Mozarten “Così fan tutte” operarekin. International Prokofiev Competition lehiaketaren hirugarren edizioa irabazi zuen 1999an.

1997tik 2003ra bitartean, San Petersburgoko Estatu Kaperako zuzendaria izan zen, eta, 2001etik 2003ra bitartean, San Petersburgoko Estatu Opera eta Antzokiko zuzendari nagusia. Gaur egun, Tatarstango Orkestra Sinfoniko Nazionaleko (Kazan, Errusia) zuzendari artistiko eta zuzendari nagusia da.

LA ORQUESTA SINFÓNICA NACIONAL DE TATARSTÁN ha logrado el reconocimiento mundial gracias a sus sofisticadas interpretaciones y su dinámica programación. La orquesta fue creada gracias a la iniciativa de Nazib Zhiganov, ex presidente de la Unión de Compositores de Tatarstán y decano del Conservatorio de Kazan.

La orquesta ofreció su primer concierto, con obras de Bach, Shostakovich y Prokofiev, bajo su primer director artístico y director principal, Natan Rakhlin, el 10 de abril de 1967. Bajo su actual director artístico y director principal, Alexander Sladkovsky, la orquesta ha desarrollado y ampliado su influencia cultural y social a través de nuevos festivales, colaboraciones artísticas y divulgación educativa y comunitaria. La orquesta ofrece regularmente conciertos en las principales ciudades de Rusia y el resto del mundo a través de sus amplias giras.

ALEXANDER SLADKOVSKY

Alexander Sladkovsky está graduado por el Conservatorio de Moscú y posteriormente por el de Sant Petersburgo. En 1997 hizo su debut en el Teatro de la Ópera y Ballet de Sant Petersburgo con “Cosi fan tutte” de Mozart. En 1999 fue el ganador de la tercera edición del International Prokofiev Competition.

Desde 1997 hasta 2003 Alexander Sladkovsky fue el director de la St. Petersburg State Capella, y desde 2001 a 2003 el principal director de la State Opera y Teatro de Sant Petersburgo. En la actualidad es el director artístico y principal director de la Tatarstan National Symphony Orchestra (Kazan, Rusia).

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Errusiako erromantizismo musikala mugarri bat da musikaren historian, eta nortasun propio ukaezina erakusten du. Errusiar kantu tradizionalaren aniztasun ia amaigabea —mendebaldeko eremu eslaviarretatik Siberiako estepa galduraino edo Japoniako mugako azken muturreraino—, tartaroak, kosakoak eta errusiar inperioko hamaika etniak nazionalismo musikalaren iturri izan ziren XIX. mendean, Europan egiten zen musikaz bestelako doinuak ekarri baitzituen.

Errusiar nazionalismo musikalaren sortzailetzat jotzen da Mikhail Glinka (1804-1857). Errusiatik kanpo benetako ospea lortu zuen lehen musikagilea izan zen. Italian, Berlinen eta Frantzian jaso zuen prestakuntza, eta bi urtez bizi izan zen Espainian. Bertan egin zuen egonaldian, era guztietako musikariekin izan zen, baita musikari herrikoiekin ere. Espainiako musika herrikoiarekiko harreman horren fruitu dira “Espainiar obertura” obra sinfonikoak, Aragoiko jota baten ingurukoa bata, “Udako gau bat Madrilen” bestea. Bietan ere, erraz ezagutzeko moduan ageri dira Espainiako gai musikal herrikoiak.

Bals-fantasia 1839an ondu zuen, pianorako, Vals-Scherzo gisa. Gerora, 1845ean, orkestrarako bertsioa egin zuen, eta 1856an berrikusi; orduan eman zion Bals-fantasia izena. Azken bertsio hori Bulgakov lagunari eskaini zion, esaldi honekin: “Maitasun-egunak, gazte garaiko egun haiek gogora ekarriko dizkizu musika honek”.

Ikaragarria da Glinkak Errusiako musikan izandako eragina. Beste lan batzuekin batera, bals honek, bere melankolia-kutsuarekin, baina, aldi berean, orkestratze argitsuarekin, eragina izan zuen bosten taldean, konposizio-lengoaia errusiar propioa garatzeko bilaketan, eta izan zuen eraginik Txaikovskiren “Beltxargen aintzira” balletean.

Modest Mussorgski (1839-1881) musikagile errusiarra itzal handikoa izan zen, bosten taldekoa —Mili

El romanticismo musical ruso es un hito en la historia de la música y aporta una personalidad diferenciada innegable. La variedad casi infinita de la canción rusa tradicional, desde las zonas más eslavas del oeste hasta la ignota estepa siberiana o el extremo asiático limítrofe con Japón, el mundo tártaro, los cosacos, las mil y una etnias pertenecientes al Imperio Ruso inspiraron en siglo XIX un nacionalismo musical con tintes bien diferenciados de lo que se hacía en Europa.

Mijail Glinka (1804-1857) es considerado como el fundador del nacionalismo musical ruso. Fue el primer compositor verdaderamente reconocido fuera de Rusia. Se formó en Italia, Berlín, Francia y, además, vivió dos años en España. Durante su estancia en España convivió con músicos de toda índole, entre ellos, músicos populares. Fruto de esta relación con la música popular española son sus obras sinfónicas “Obertura española”, donde aparece una jota aragonesa y “Una noche de verano en Madrid”. En ambas aparecen temas musicales populares españoles perfectamente reconocibles.

El Vals de fantasía, fue compuesto en 1839 para piano solo como Vals-Scherzo. Posteriormente, en 1845, Glinka realizó la versión orquestal que fue revisada en 1856 ya con el título de Valse-fantasie. Esta última versión fue dedicada por el autor a su amigo Bulgakov con la siguiente frase: “Esta música te recordará los días de amor y juventud”.

La influencia de Glinka en la música rusa es importantísima. Junto con otras de sus obras, este vals con su trasfondo melancólico, pero con una orquestación luminosa influyó en el grupo de los cinco en su búsqueda por desarrollar un lenguaje compositivo propiamente ruso, e inspiró a Chaikovski en el ballet “El lago de los cisnes”.

Modest Músorgski (1839-1881) fue un influyente compositor ruso perteneciente al ya reseñado grupo de los cinco (Mili Balákirev, César Cuí, Modest Músorgski,

Tatarstan National Symphony Orchestra, Kazan GLINKA, MUSSORGSKI, TXAIKOVSKI


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Balakirev, Zesar Kui, Modest Mussorgski, Nikolai Rimski-Korsakov eta Aleksandr Borodin—. Nazionalismo musikalen garai hartan, musika egiteko estilo errusiar bat sortzen ahalegindu zen talde hori. Bere bizitza laburrean, izugarri lagundu zuen errusiar musikaren kontzeptua garatzen, luzaroan —baita Stravinskirengan ere— eragin handia izango zuten konposizioak sortu zituelarik.

Akademizismoetatik ihes egiten duen estiloa du Mussorgskik. Melodien itxura modalari garrantzia ematen dio, eta horrek, jakina, harmonia berriak sortzen ditu. Bere hainbat obra bukatu gabe geratu ziren, eta beste konpositore batzuek egin zituzten behin betiko bertsioak, gerora.

Poema sinfoniko ikaragarria da “Gaua mendi soilean”, San Joan gauean girotutako ipuin herrikoi batek iradokia. Bertan, akelarre baten aurrean ageri da pertsonaia bat, harriturik. Zeremonia izugarri horren irudiak eskaintzen ditu musikak. Azkenean, kanpai-hotsak sakabanatzen ditu gaizkiaren indarrak, eta bakea itzultzen da, egunsentiarekin. Musika deskribatzailearen eredu da obra, Errusiako erromantizismo musikalaren erakusgarri bikaina.

Piotr Ilitx Txaikovski (1840-1893). Bosten taldea musika errusiarraren estilo propioa aurkitzen ahalegintzen zen bitartean, Europan egiten zen musika ikasten saiatu zen Txaikovski, konposizio-teknika akademikoak menperatzeko eta, hartara, bere musika Errusiatik kanpo ezagutu eta aintzat har zedin. Nolanahi ere, errusiar nazionalismo musikalaren eragin handia izan zuen Txaikovskik hasieran, nahiz eta gerora elementu oso originalak garatzen jakin zuen, zeinek, nola edo hala, XX. mendean sortuko zen musika sumatzen uzten baitute.

1870ean estreinatu zen Romeo eta Julieta, 1872 eta 1880an berrikusi, eta 1886an behin betiko bertsioa estreinatu. Inoiz gauzatuko ez zen opera baterako obertura da. Sonataren egitura du, sarrera txiki batekin. Obraren garapena ez dator bat antzezlanaren argumentu linealarekin; aitzitik, Shakespeareren drama horretako momentu gailenekin lot daitezkeen sentsazioak agertzen dira, hurrenez hurren.

Nikolái Rimski-Kórsakov y Aleksander Borodín). Este grupo se planteó la creación de un estilo ruso de componer en esta época de los nacionalismos musicales. En su breve vida contribuyó enormemente a desarrollar el concepto de música rusa, creando composiciones cuya influencia se ha dilatado en el tiempo, por lo menos hasta Stravinski.

Músorgski posee un estilo que huye de academicismos. Da importancia al aspecto modal de las melodías, lo cual obviamente genera armonías nuevas. Sus obras a veces quedan inacabadas y son otros compositores los que terminan las versiones definitivas de sus obras.

“Una noche en el monte pelado” es un impresionante poema sinfónico que se inspira en un cuento popular que se desarrolla en la noche de San Juan, donde un personaje asiste atónito al desarrollo de un aquelarre. Las distintas imágenes de esta estremecedora ceremonia quedan reflejadas en la música. Al final el tañido de una campana dispersa a las fuerzas del mal y la paz vuelve con el amanecer. Esta obra es un modelo de música descriptiva y un gran reflejo de lo que constituyó el Romanticismo Musical en Rusia.

Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893). Mientras el grupo de los cinco intentaba encontrar un estilo propio para la música rusa, Chaikovski se afanaba en estudiar la música que se hacía en Europa para dominar las técnicas compositivas académicas y lograr así que su música fuera conocida y valorada fuera de las fronteras rusas. No obstante, Chaikovski en sus comienzos se vio fuertemente influenciado por el nacionalismo musical ruso, aunque posteriormente supo desarrollar elementos muy originales que de alguna manera nos permiten vislumbrar la música que irá apareciendo en el siglo XX. La obra se estrenó en 1870 y fue revisada en 1872, 1880 y reestrenada definitivamente en 1886.

Romeo y Julieta es una obertura para una ópera que nunca se llegó a materializar. Su estructura es de Sonata con una pequeña introducción al comienzo. El desarrollo de la obra no coincide con el argumento lineal de la obra de teatro, sino que van apareciendo sensaciones que se relacionan con los momentos

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Hala, erlijio-kutsuko aurreneko gaiaren agerpenak Frai Lorentzoren pertsonaiaren presentzia iradokitzen du, zeinek eragingo baitu tragedia, borondate ona gorabehera; bigarren gaiak, berriz, Kapuletoen eta Monteskoen familia aurkarien arteko liskarra dakar gogora. Ideia hori gauzatzeko, bi taldetan banatzen du orkestra Txaikovskik, eta zura baliatzen du, flautak protagonista direla, sokaren kontrako sesioan. Ondoren tronpetak eta perkusioa agertzen direlarik —batez ere txindatak—, areagotu egiten da bortizkeria giro hori. Geroago, maitasunaren gaia agertzen da, obraren une gailenetako bat, zuraren eta metalaren arteko elkarrizketan gauzatua. Bigarren gaira itzultzen da, bortizkeria-adierazpen berriekin, gai erlijiosoa zeharka gogora ekartzen, eta, azken buruan, lasaitasuna agertzen, bukaera bikainaren iragarle. Obrari bukaera emateko oso modu originala da beste une batzuetan ere protagonista izandako tinbalaren erredoble luzea.

1. sinfonia, sol minorrean, op. 13, “Neguko ametsak”, 1868an estreinatu zen, eta, egileak zenbait berrikuspen egin ondoren, 1886an interpretatu zen behin betiko bertsioa.

Lau mugimendu ditu:

Lehen mugimendua. Allegro tranquillo: neguko bidaia bateko ametsak. Errusiar giroko lehen gaia flautak eta fagotak aurkezten dute. Bigarrena, testura zabal eta iradokitzaileko melodia, klarineteak. Mugimenduan zehar, beste hainbat melodia agertuko dira, egileak gerora beste obra batzuetan ere baliatuko dituenak.

Bigarren mugimendua. Adagio cantabile ma non troppo: Lur suntsitua, lur lanbrotsua. Sokaren saio baten ondoren, gai nagusia aurkezten du oboeak, neguko klima gordina gogorarazten duen errusiar kutsuko melodia malenkoniatsu bat. Haizeek garatzen dute, eta, bukaeran, bakea eta lasaitasuna nagusitzen.

Hirugarren mugimendua. Allegro squerzando giocoso. Aurreko obra baten moldaketa da —pianorako sonata, do minorrean—. Scherzo bat du, bals molto cantabile baten gisa. Biolontxeloak protagonismo handia hartzen du, solo goren batean.

más representativos de este drama shakesperiano.

Así, la aparición del primer tema, con reminiscencias religiosas, evoca la presencia del personaje de Fray Lorenzo, quien pese a su buena voluntad será el artífice la tragedia; el segundo tema trae a la memoria la lucha entre las dos familias rivales Capuletos y Montescos. Para materializar esta idea Chaikovski divide la orquesta en dos grupos y utiliza a la madera, con las flautas como protagonistas que “pelean” contra la cuerda. La posterior aparición de las trompetas y la percusión, sobre todo los platillos, contribuye a realzar este ambiente de violencia. Más tarde aparece el tema de amor, uno de los momentos cumbre de la obra, materializado en un dialogo entre la madera y el metal. Se vuelve al segundo tema con nuevas muestras de violencia junto con alusiones al tema religioso y la calma aparece anunciando el final que es abordado de una forma suntuosa. El largo redoble del timbal, que ya había sido protagonista en otros momentos, es una forma muy original de concluir la obra.

La Sinfonía nº 1 en sol menor, Op. 13, con el título de “Sueños de días de invierno” fue estrenada en 1868 y, tras varias revisiones del autor, en 1886 se interpretó la versión definitiva.

Consta de cuatro movimientos:

Primer movimiento. Allegro tranquillo: Sueños de un viaje de invierno. La flauta y el fagot presentan el primer tema de ambiente ruso. El segundo tema es presentado por el clarinete y es una melodía de una textura amplia y evocadora. Durante el desarrollo aparecen diversas melodías que utilizará posteriormente en otras de sus obras.

Segundo movimiento. Adagio cantábile ma no troppo: Tierra desolada, tierra de niebla. Tras una intervención de la cuerda el oboe presenta el tema principal, una melancólica melodía con sabor ruso que evoca el crudo clima invernal. Tras un desarrollo a cargo de los vientos concluye en paz y tranquilidad.

Tercer movimiento. Allegro squerzando giocoso. Es adaptación de una obra anterior: sonata para piano en do

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Laugarren mugimendua. Finale. Andante lugubre. Allegro maestoso. Baikortasuna hotzak izoztuta geratzen dela dirudi, goibeldu egiten da instrumentazioa, baina —allegro— berpiztu egiten da erritmoa, errusiar kutsuko beste gai batekin jostari. Pasarte geldo baten ondoren, koda paregabe batekin bukatzen da.

Lehen sinfonia honek, jada, Txaikovskiren alderdi estilistikoetako asko erakusten ditu, neurria handi batean, hala nola gaien aberastasuna, giroen sorkuntza edo instrumentaziorako gaitasuna. Geroko obretan sendotu egingo ziren alderdi horiek guztiak. Garaiko joera izan zen errusiar folkloreko gaiak sartzea, eta gogoko izan zuen hori bosten taldeak.

Paregabea da konpositore errusiarren egitarau honek konposizio horiekin gozatzeko eskaintzen digun aukera, musika hori sortu zen herrialdetik bertatik datorkigun orkestra honi entzunez, hain zuzen ere, hots, sortu eta transmititu duten iturrietatik zuzenean edanez.

menor. Contiene un scherzo a modo de un vals muy cantábile. El violonchelo adquiere un gran protagonismo en un solo magistral.

Cuarto movimiento. Finale. Andante lúgubre. Allegro maestoso. El optimismo parece que queda congelado por el frío y la instrumentación se vuelve oscura, aunque el ritmo se reactiva en un allegro que juega con otro tema de carácter ruso. Tras un pasaje lento finaliza con una coda espectacular.

Esta primera sinfonía, retrata ya en gran medida muchos de los aspectos estilísticos de Chaikovski, en cuanto a riqueza temática, creación de ambientes, y dominio de la instrumentación. Todos estos aspectos se verán afianzados en sus obras posteriores. La inclusión de temas del folklore ruso es algo muy propio de la época y agradó al grupo de los cinco.

La oportunidad que se nos brinda para escuchar este programa de compositores rusos con esta orquesta proveniente del país donde se creó esta música es una gran ocasión para disfrutar de estas composiciones bebiendo de las fuentes directas que la han originado y transmitido.

VALE

NTI

NO

-FUN

GHI

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martxoak 17 de marzo. 20:30

Camerata Ireland

Barry Douglas Pianoa eta zuzendaria | Piano y dirección


W. A. Mozart - 33. sinfonia, si bemol maiorrean, K. 319W. A. Mozart - Sinfonía nº 33 en si bemol mayor, K. 319

L. Beethoven - Piano eta orkestrarako 2. kontzertua, si bemol maiorrean, op. 19L. Beethoven - Concierto para piano y orquesta nº 2 en si bemol mayor, op. 19

Atsedenaldia | Descanso

E. Elgar - Harientzako serenata, mi minorrean, op. 20E. Elgar - Serenata para cuerdas en mi menor, op. 20

J. Haydn - 85. sinfonia, si bemol maiorrean, “Erregina”J. Haydn - Sinfonía nº 85 en si bemol mayor, “La reina”

38/28/21 €

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CAMERATA IRELAND

Camerata Ireland fue fundada en 1999 por el pianista internacional, director de orquesta, pedagogo y artista discográfico, Barry Douglas. Su visión fue crear una orquesta de cámara de excelencia que pudiera competir con las mejores del mundo. Camerata Ireland reúne a los mejores músicos de Irlanda para celebrar la riqueza de talento musical de la isla, para presentar una imagen de Irlanda nueva y positiva, y para crear un sonido único fruto de la herencia musical común a todos los miembros de la orquesta.

Camerata Ireland tiene en su creador y director artístico un artista que impregna a los miembros de la orquesta con una gran energía y pasión por la interpretación e involucra al público desde la primera hasta la última nota. La orquesta cuenta con músicos jóvenes que se encuentran en las primeras etapas de su carrera profesional y músicos consagrados que forman parte tanto de Camerata Ireland como de las principales orquestas y conjuntos de toda Europa.

BARRY DOUGLAS

Barry Douglas disfruta de una excepcional carrera internacional desde que en 1986 ganó la Medalla de Oro en el Tchaikovsky International Piano Competition en Moscú. Como director artístico de Camerata Ireland y del Clandeboye Festival, continúa celebrando su herencia irlandesa, a la vez que mantiene un intenso calendario de giras internacionales.

CAMERATA IRELAND

1999an sortu zuen Camerata Ireland formazioa Barry Douglas piano-jotzaile, orkestra-zuzendari, pedagogo eta artista diskografikoak. Ganbera-orkestra bikain bat sortzea izan zuen helburu, munduko onenen pare jardun ahal izango zuena. Irlandako musikaririk onenak biltzen ditu Camerata Irelandek, uharteko talentu musikalari gorazarre egin, Irlandaren irudi berri eta positibo bat erakutsi eta orkestrako kide guztien herentzia komunaren emaitza den soinu paregabea sortzeko.

Energia handia eta interpretazio-grina helarazten die Camerata Irelanden sortzaile eta zuzendari artistikoak orkestrako kideei, eta lehen notatik azkenekora arte bereganatzen ditu entzuleak. Ibilbide profesionalaren lehen etapetan dauden musikari gazteak ditu orkestrak, baita izen handiko musikaririk ere, Camerata Irelandekin ez ezik Europa osoko orkestra eta musika-talde nagusietan jo ohi dutenak.

BARRY DOUGLAS

1986an Moskuko Tchaikovsky International Piano Competition lehiaketan urrezko domina irabazi zuenez geroztik, ibilbide bikaina egina da Barry Douglas. Camerata Irelanden eta Clandeboye Festivaleko zuzendari artistiko gisa, herentzia irlandarrari gorazarre egiten jarraitzen du, eta, aldi beran, nazioarteko bira ugari egiten.

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A Haydn se le denomina el “Padre de la sinfonía clásica”. Compuso 104 sinfonías y es sabido que mantuvo una relación de amistad con Mozart de la que surgió una mutua influencia artística. En un principio Mozart, bastante más joven que Haydn, aprendió mucho del estilo de Haydn, pero a partir de 1788 cuando Mozart escribió sus tres grandes sinfonías (en mi bemol, en sol menor y la Sinfonía Jupiter), fue Haydn quien recogió las influencias de Mozart. En esta época Haydn compuso su ciclo de doce sinfonías denominadas sinfonías londinenses, con claras referencias a las sinfonías de Mozart en cuanto al estilo, pero, sobre todo, en una mayor profundidad y también en una mayor perfección en la elaboración. El dominio de la técnica de componer, tanto en la armonía, en la forma y en la orquestación hacen que resulte evidente la maestría de ambos en su oficio, llegando a crear monumentos musicales que influirán en el futuro musical europeo y universal.

La música instrumental de Mozart es un reflejo del talento innato de este compositor. Es verdad que, sin trabajo, sin estudio, no se logra dominar el complejo arte de la composición. En el caso de Mozart, su padre Leopold se encargó desde su más tierna infancia de que Mozart adquiriese esas herramientas teóricas necesarias para el dominio técnico de la música, pero, por suerte, el destino quiso que este niño prodigio estuviera naturalmente pleno de talento musical, como lo demostró a través de la madurez de las obras musicales compuestas en su corta vida. La música instrumental fue en la que más precozmente Mozart mostró esa madurez artística.

W. A. Mozart: Sinfonía nº 33 en si bemol mayor, K. 319

Esta sinfonía, fechada en 1779, consta de cuatro movimientos:

1. Allegro assai, 3/4.2. Andante moderato, 2/4.3. Menuetto, 3/4.4. Finale: Allegro assai, 2/4.

Sinfonia klasikoaren sortzailetzat jotzen da Haydn. 104 sinfonia konposatu zituen, eta gauza jakina da Mozartekin adiskidetasun-harremanak izan zituela; eragin artistikorik izan zuten elkarrengan. Hasiera batean, Mozartek —Haydn baino aski gazteago izaki— asko ikasi zuen haren estilotik, baina 1788tik aurrera, Mozartek bere hiru sinfonia handiak idatzi zituelarik —mi bemolean, sol minorrean eta Jupiter sinfonia—, Haydn izango zen Mozarten eragina jasoko zuena. Garai hartan, Londresko hamabi sinfonien zikloa konposatu zuen Haydnek, eta Mozarten sinfonien erreferentzia argiak ikus daitezke horietan, estiloari dagokionez, baina, batez ere, sakontasun handiagoa erakusten dute, baita perfekzio maila handiagoa ere. Ikusirik nola menderatzen duten konposatzeko teknika —harmoniari, formari nahiz orkestratzeari dagokionez— nabarmen ageri da bien maisutasuna; Europako eta mundu osoko musikan eragingo zuten musika-lan ikaragarriak sortu zituzten biek ere.

Jatorrizko talentua erakusten du Mozarten musika instrumentalak. Egia da lanik gabe, ikasi gabe, ez dela lortzen konposizioaren arte konplexua menderatzea. Mozarten kasuan, aita Leopold haurtzarotik bertatik ahalegindu zen musika teknikoki menderatzeko beharrezkoak ziren tresna teoriko horiek eskura zitzan semeak, baina, edonola ere, haur prodijio hark berezkoa zuen musikarako dohaina, eta hala erakutsi zuen bere bizitza laburrean konposatu zituen musika-lanen heldutasunaren bitartez. Musika instrumentalean erakutsi zuen heldutasun artistiko hori Mozartek, beste ezertan baino lehen.

W. A. Mozart: 33. sinfonia, si bemol maiorrean, K. 319

1779ko sinfonia honek lau mugimendu ditu:

1. Allegro assai, 3/4.2. Andante moderato, 2/4.3. Menuetto, 3/4.4. Finale: Allegro assai, 2/4.

Kontzertuari buruzko oharrak | Notas al concierto: Kepa Pinedo MOZART, HAYDN

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En esta sinfonía no usa los clarinetes porque la orquesta de Salzburgo todavía no contaba con el entonces nuevo instrumento, el clarinete, un instrumento predilecto de Mozart, por otra parte. Es una sinfonía tipo que busca el contraste rítmico entre las partes. En su primera versión esta sinfonía constaba de tres movimientos, aunque sabemos que años más tarde Mozart añadió el menuetto para su presentación en Viena. Es una sinfonía no muy interpretada en la actualidad, compuesta cuando Mozart tenía 23 años y da muestra de su precoz desarrollo estilístico, pues aparecen ya en ella los elementos diferenciadores de las composiciones de este auténtico genio de la música universal.

L. Beethoven: Concierto para piano y orquesta nº 2 en si bemol mayor, op. 19

Este año conmemoramos el 250 aniversario del nacimiento de Ludwing van Beethoven. Dos siglos y medio más tarde de su nacimiento, la música de este grande nos sigue interesando y se muestra capaz de remover las capas más profundas de la sensibilidad humana. Después del trabajo de afianzamiento de la sinfonía clásica por parte de Haydn y Mozart, Beethoven se erige como el mayor sinfonista de todos los tiempos, el que supo llevar a la cumbre esta forma de hacer música.

El Concierto para piano y orquesta nº 2 de Beethoven puede considerarse como una obra de juventud, si bien fue corregido por él mismo en varias ocasiones. Esta obra sirvió al joven Beethoven como carta de presentación ante las élites de Bonn y Viena, pues el mismo interpretaba la parte del piano.

El estilo es todavía mozartiano, aunque aparecen algunos rasgos de lo que será más tarde lo beethoveniano: el drama y la angustia vital. En el primer movimiento, Allegro con brío, el solista comienza con un cantábile al modo de Mozart, aunque la cadencia final ya es más propia del estilo de Beethoven. El segundo movimiento, Adagio, en forma de sonata sin desarrollo, también presenta el tema principal con las maderas al estilo de Mozart, mientras el piano ejecuta diversas figuras decorativas. El Rondó final, de ritmo alegre y carácter inocente, también es introducido por el solista.

Sinfonia honetan Mozartek ez ditu klarineteak erabiltzen, Salzburgoko orkestran ez baitzeukaten garai hartan oraindik berria zen instrumentu hura, nahiz eta berak oso gogokoa izan. Ereduzko sinfonia bat da, zeinetan aldeen arteko kontraste erritmikoa bilatzen baita. Lehen bertsioan hiru mugimendu zituen, nahiz eta jakina den urte batzuk geroago Mozartek minueta gehitu ziola, Vienan aurkezteko. Gaur egun maiz interpretatzen ez den sinfonia bat da, Mozartek 23 urte zituela konposatua, egilearen garapen estilistiko goiztiarraren erakusgarri; izan ere, musika unibertsalaren benetako jenio haren konposizioen elementu bereizgarriak ageri dira bertan jada.

L. Beethoven: Piano eta orkestrarako 2. kontzertua, si bemol maiorrean, op. 19

Ludwing van Beethovenen jaiotzaren 250. urteurrena da aurten. Jaio zenetik bi mende eta erdira, interes bizia pizten du oraindik ere haren musika paregabeak, gizakion sentsibilitatearen geruzarik sakonenak inarrosteko gai baita. Haydn eta Mozartek sinfonia klasikoa sendotzeko egin zuten lanaren ondoren, garai guztietako sinfonia-egilerik handiena suertatu zen Beethoven, gorenera eraman baitzuen musika egiteko modu hori.

Gaztetako obratzat jo daiteke Beethovenen piano eta orkestrarako 2. kontzertua, nahiz eta behin baino gehiagotan zuzenduko zuen gerora. Bere burua Bonn eta Vienako eliteen aurrean agertzeko baliatu ahal izan zuen Beethoven gazteak, berak jotzen zuelarik pianoa.

Estiloa mozartarra da artean, gerora Beethoven beraren ezaugarri izango diren zenbait bereizgarri ageri badira ere: drama eta bizi-larritasuna. Lehen mugimenduan —Allegro con brio—, Mozartenaren gisako cantabile batekin hasten da bakarlaria, nahiz eta bukaerako kadentzia jada Beethovenen beraren estilokoa den. Bigarren mugimenduan ere —Adagio, garapenik gabeko sonataren eran—, zurekin aurkezten da gai nagusia, Mozarten estiloan, pianoak zenbait irudi apaingarri jotzen dituen bitartean. Erritmo alai eta izaera bakuneko azken mugimenduan ere —Rondo— bakarlariak egiten du sarrrera.

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Edward Elgar - Harientzako serenata, mi minorrean, op. 20

Musikagile ingeles hau (1857-1934) Britainiar Inperioaren musikaritzat jo izan da zenbaitetan, eta posromantiko soiltzat, baina nortasun handiko eta barne-bizitza biziko konpositorea izan zen, eta hala erakusten du bere musikak. Musikari miretsia da Ingalaterran, izugarri maitea, eta, nahiz eta kontinentean ez den hain ezaguna, mundu osoan aitortzen zaio duen balioa eta interpretatzen da beraren musika-katalogoa. Besteak beste, hiru sinfonia idatzi zituen —hirugarrena, bukatu gabe utzi zuen—.

Harientzako serenata, mi minorrean, op. 20, 1899an estreinatu zen, 1892an bukatu bazuen ere.

Hiru alditan banatuta dago:Lehena —Allegro piacevole—, artzain-girokoa; etengabe gora egiten duen melodia bat, biola eta biolinen arteko elkarrizketa. Garai horretan ohikoa ez den protagonismoa ematen die biolei Elgarrrek pieza horretan.Bigarrena, Larghetto erromantiko sentimental bat da, tradizio germanikotik hartutako zenbait soinu-elementurekin. Ahotsen tratamendua korala da, goranzko progresioekin.Hirugarrena, Allegretto bat da; obraren espiritu orokorrari eusten dio, bertan biolontxeloek protagonismo handiagoa hartzen badute ere. Bukatu aurretik, lehen mugimendua dakarte gogora biolek.

J. Haydn - 85. sinfonia, si bemol maiorrean, “Erregina”

Haydnen Parisko sinfonien ziklokoa da sinfonia hau. Izan ere, 82. sinfoniatik 87.era artekoak hartzen ditu ziklo horrek, zeinek ospe handia eman baitzion konpositoreari. “Erregina” izenarekin ezagutzen da 85. sinfonia, antza denez Frantziako erregina ezkontide Austriako Marie Antoinetten sinfoniarik gogokoena zelako.

Lau mugimenduko forma tipikoa du, eta flauta batek, bi oboek, bi fagotek, bi tronpak eta sokek jotzeko idatzia dago.

1. Adagio-Vivace2. Romance: Allegretto3. Menuetto: Allegretto4. Finale: Presto

Edward Elgar: Serenata para cuerdas en mi menor, op. 20

Este musico inglés (1857-1934) ha sido en muchas ocasiones considerado como el músico del Imperio Británico y como un simple postromántico; sin embargo, era un compositor de gran personalidad e intensa vida interior, lo cual se refleja en su música. En Inglaterra es un músico admirado, incluso idolatrado, y, aunque hay que reconocer que en el continente no es tan conocido, su catálogo musical es valorado e interpretado en todo el mundo. Entre otras obras, escribió tres sinfonías (la tercera inacabada).

La Serenata en Mi menore, Op. 20 se estrenó en 1899 aunque estaba terminada desde 1892.

Está distribuida en tres tiempos:

El primero, Allegro piacevole, tiene un ambiente pastoral, con una melodía siempre ascendente en la que dialogan violas y violines. En esta pieza Elgar reserva un protagonismo inusual en la época para las violas.El segundo es un sentimental Larghetto romántico con ciertos elementos sonoros procedentes de la tradición germánica. El tratamiento de las voces es coral con progresiones ascendentes.El tercero es un Allegretto que conserva el espíritu general de la obra, aunque con mayor protagonismo los violonchelos. Antes de finalizar aparece una evocación del primer movimiento en las violas.

J. Haydn: Sinfonía Núm. 85 en Si bemol mayor, “La Reina”

Esta sinfonía pertenece al ciclo de las llamadas sinfonías parisinas de Haydn. Comprenden los números 82-87 y otorgaron gran fama al compositor. La número 85 recibe el sobrenombre de “La Reina”, porque al parecer era la sinfonía predilecta de María Antonieta de Austria, reina consorte de Francia.

La sinfonía presenta una forma típica en cuatro movimientos, y está escrita para flauta, dos oboes, dos fagotes, dos trompas, y cuerdas:

1. Adagio-Vivace2. Romance: Allegretto3. Menuetto: Allegretto4. Finale: Presto

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JOEL

-WYN

COTT

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maiatzak 8 de mayo. 20:30

Il Gardellino Baroque Orchestra

Marcel Ponseele oboea eta zuzendari artistikoa| oboe y director artístico

INTERPRETEAK | INTÉRPRETES

Bakarlariak | Solistas: Joanna Huczsza (biolin piccoloa - violin piccolo), Jan De Winne (zeharkako flauta - traverso), Stanislav Gres (klabezina - clave), Marcel Ponseele (oboea - oboe)

Zeharkako flauta / Traverso: Jan De Winne

Oboeak / Oboes: Marcel Ponseele, Taka Kitazato, Nele Vertommen

Fagota / Fagot: EyalStreet

Tronpak / Trompas: Bart Aerbeydt, Johan Vanneste

Biolinak / Violines: Joanna Huszcza, Michyio Kondo, Ortwin Lowyck

Biolak / Violas: Kaat De Cock, Amaryllis Bartholomeus, Ingrid Bourgeois

Biolontxeloak / Cellos: Emmanuel Balssa, Phyllis Bartholomeus, Bernard Wolteche

Biolonea / Violone: Rico Venturo

Klabezina / Clave: Stanislav Gres


J. S. Bach - Orkestrarako 2. suitea, si minorrean, BWV 1067J. S. Bach - Suite para orquesta nº 2 en si menor, BWV 1067

J. S. Bach - BWV 174 kantataren sinfonia ( = Brandenburgoko 3. kontzertuko 1. mugimendua, sol maiorrean, BWV 1048, oboe eta tronpak gehituta)J.S. Bach. Sinfonía de la Cantata BWV 174 (= primer movimiento Concierto de Brandeburgo n.º 3 en sol mayor, BWV 1048 con oboes y trompas)

J. S. Bach - Brandenburgoko 5. kontzertua, re maiorrean, BWV 1050J. S. Bach - Concierto de Brandeburgo nº 5 en re mayor, BWV 1050

Atsedenaldia | Descanso

J. S. Bach - Brandenburgoko 1. kontzertua, fa maiorrean, BWV 1046J. S. Bach - Concierto de Brandeburgo nº 1 en fa mayor, BWV 1046

J. S. Bach - Brandenburgoko 3. kontzertua, sol maiorrean, BWV 1048J. S. Bach - Concierto de Brandeburgo nº 3 en sol mayor, BWV 1048

J. S. Bach - 3. orkestra-suitea, re maiorrean, BWV 1068 (tronpa eta tinbalik gabeko bertsioa)J. S. Bach - Suite Orquestal nº 3 en re mayor, BWV 1068 (versión sin trompetas ni timbales)

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IL GARDELLINO BAROQUE ORCHESTRA

El conjunto toma su nombre de la pieza musical de Vivaldi sobre un virtuoso jil-guero, el Concerto da Camera del Garde-llino. El oboista Marcel Ponseele y el flau-tista Jan De Winne iniciaron una serie de conciertos de música de cámara en 1988 y, después de varios años realizando in-terpretaciones camerísticas, cinco músicos de cuerda se unieron al conjunto en 1998, propiciando un repertorio mucho más amplio a disposición del conjunto.

Su repertorio y filosofía se pueden com-parar con un volcán activo: se recrea y se renueva continuamente. Il Gardellino lleva a cabo una investigación exhaustiva sobre los antecedentes históricos de las obras que interpreta, de modo que cada pieza se presenta al público de acuerdo con el estilo interpretativo de la época en la que fue compuesta. Las obras de Johann Sebastian Bach centran su reper-torio.

MARCEL PONSEELE

Marcel Ponseele estudió oboe y música de cámara en los conservatorios de Bru-jas, Gante y Bruselas. Posteriormente se dedicó con entusiasmo al oboe barroco y fue galardonado en el Concurso Inter-nacional de Música Antigua de Brujas en 1981. Desde entonces ha formado parte de muchos conjuntos barrocos de renom-bre, como La Petite Bande, la Amsterdam Baroque Orchestra y La Chapelle Royale.

Marcel Ponseele goza de una excelente reputación internacional como especialis-ta en barroco y ha sido invitado por mu-chos directores a participar como solista tanto en conciertos como para grabacio-nes en varios sellos discográficos.

IL GARDELLINO BAROQUE ORCHESTRA

Vivaldiren musika-pieza batetik hartua du izena taldeak, karnaba birtuoso bati eskainitako Il Gardellino ganbera-kontzertutik. Hainbat ganbera-kontzertu jotzeari ekin zioten 1988an Marcel Ponseele oboe-jotzaileak eta Jan De Winne flauta-jotzaileak, eta, hainbat urtez ganbera-interpretazioak egiten aritu ondoren, hari-instrumentuak jotzen dituzten beste bost musikari elkartu zitzaizkien 1998an. Errepertorio askoz zabalagoa landu ahal izan dute geroztik.

Sumendi aktibo batekin aldaera daitezke berorien errepertorioa eta filosofia: etengabe berregin eta berritzen da. Sakon ikertzen ditu Il Gardellinok jotzen dituen obren aurrekari historikoak, eta, hartara, ondu ziren garaiko interpretazio-estiloan eskaintzen die pieza bakoitza entzuleei. Johann Sebastian Bachen obrak dira taldearen errepertorioaren ardatz.

MARCEL PONSEELE

Marcel Ponseelek oboea eta ganbera-musika ikasi zituen Brujas, Gante eta Bruselako kontserbatorioetan. Gerora, gogotik ekin zion oboe barrokoari, eta saria irabazi zuen, 1981ean, Brujasko Antzinako Musikaren Nazioarteko Lehiaketan. Ordudanik, izen handiko talde barroko askotako kide izan da, hala nola La Petite Bande, Amsterdam Baroque Orchestra edo La Chapelle Royale formaziokoa.

Nazioarteko ospea bereganatua du Marcel Ponseelek barrokoan aditu gisa, eta zuzendari askok gonbidatu izan dute bakarlari aritzera, bai kontzertuetan, bai hainbat diskoetxeren grabazioetan.

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La suite es una forma musical cuyos primeros ejemplos como sucesión de bailes surgieron en el siglo XVI en Italia. Durante el siglo XVII se desarrolló sobre todo en Francia desde donde influyó en el resto de Europa, incluida la actual Alemania. La suite está compuesta por varias danzas, distintas según cada época, con mayor o menor afinidad entre ellas, aunque casi siempre se mantiene la tonalidad como nexo de unión. La suite para orquesta nº 2 de J. S. Bach está compuesta por una obertura y las danzas rondó, sarabande, bourré I y bourré II, polonesa (con double), minuet y badinerie. Esta obra está escrita en varios de sus movimientos con estilo a solo para la flauta travesera, lo que hace que pueda considerarse como una innovadora mezcla de suite y concierto. La tonalidad elegida es si menor lo cual no impide que sea una obra que transmite cierto optimismo y hasta alegría contenida. La obertura adquiere gran importancia con un carácter protocolario y solemne que nos conduce a la sarabande, danza grave que contiene una sección canónica fiel reflejo del estilo más característico de Bach. Las partes más virtuosísticas de la flauta travesera culminan en la conocida badinerie con la que concluye esta pieza.

J. S. Bach: Sinfonia, BWV 174.

Esta sinfonía constituye el primer tiempo de la cantata religiosa Ich liebe den Höchsten von ganzem Gemüte, (Amo al más Alto con todo mi corazón) compuesta para el lunes de Pentecostés y estrenada en Leipzip en 1729. La obra está compuesta a partir del primer movimiento (Allegro moderato) del tercer concierto de Brandemburgo (BWV 1048). En esta versión se agregaron dos partes nuevas para trompa da caccia (trompa de caza) y un trío ripieno (para los tutti) de dos oboes, dos violines y viola. Existen dudas sobre si estas partes de instrumentos de viento las agregó el propio Bach o fue un discípulo suyo.

La posibilidad que se nos ofrece en el programa de este concierto para comparar ambas versiones aumenta excepcionalmente el interés del mismo.

J. S. Bach: Concierto de Brandenburgo nº 5. (Allegro- Affettuoso- Allegro)

Dantzaren segida modura XVI. mendean sortutako musika-forma bat da suitea. XVII. mendean, batez ere Frantzian izan zuen bilakaera handia, eta Europa osora zabaldu zen handik, baita egungo Alemaniara ere. Garai bakoitzean, modu bateko eta besteko hainbat dantzek osatzen dute suitea; beren artean afinitate handiagoa edo txikiagoa duten dantzek, nahiz eta ia beti tonalitatea mantentzen duten, lotura gisa. J. S. Bachen orkestrarako 2. suitea obertura batek eta dantza hauek osatzen du: rondo, sarabande, bourrée I eta II, polonesa / double, minuet eta badinerie. Hainbat mugimendutan, zeharkako flautaren soloen estiloan idatzita dago; hortaz, suitearen eta kontzertuaren nahasketa berritzailetzat jo daiteke neurri batean. Si minorra da aukeratutako tonalitatea, baina, hala eta guztiz ere, nolabaiteko baikortasuna —are poz isil bat ere— transmititzen duen bat obra da. Oberturak leku handia hartzen du, bere protokolo-izaera solemnearekin; sarabanda dantza dator hurrena, Bachen estilorik ezagunena islatzen duen atal kanoniko bat barne. Birtuositaterik handiena eskatzen duten zeharkako flautaren zatiak bukaerako badinerie ezagunean burutzen dira.

J. S. Bach - Sinfonia, BWV 174

Ich liebe den Höchsten von ganzem Gemüte [Bihotz-bihotzez maite dut Gorena] kantata erlijiosoaren lehen aldia da sinfonia hau, Mendekosteko astelehenerako konposatua, eta Leipzigen estreinatua, 1729an. Brandenburgoko hirugarren kontzertuaren (BWV 1048) lehen mugimendua (Allegro moderato) abiapuntutzat hartuta konposatua dago. Bertsio honetan, tromba da caccia edo ehiza-adarraz jotzeko bi zati berri gehitu ziren, eta bi oboe, bi biolin eta biola batentzako trio ripieno bat. Zalantzak daude haize-instrumentuentzako zati horiek Bachek berak gehitu ote zituen, ala dizipulu batek.

Egitarau berean bi bertsioak alderatzeko eskaintzen zaigun aukerak areagotu egiten du kontzertu honen interesa, ez baita ohikoa.

J. S. Bach - Brandenburgoko 5. kontzertua. (Allegro - Affettuoso - Allegro)

J. S. BACH - ORKESTRARAKO 2. SUITEA, SI MINORREAN, BWV 1067Kontzertuari buruzko oharrak | Notas al concierto: Kepa Pinedo

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La cronología de la composición de los Conciertos de Brandemburgo es incierta, por lo que el orden que se les adjudicó se basa principalmente en criterios estilísticos. Bach tomó el concierto grosso barroco y lo adaptó a sus preferencias, otorgando a cada sección orquestal más independencia y personalidad propias; además introdujo instrumentos de viento-metal, con lo que el timbre de sus conciertos cobró una identidad característica.

En el concierto número 5 el clave es el instrumento solista, junto a la flauta travesera y el violín, lo cual ya es una innovación en sí misma. El clave inicia los sujetos de los pasajes fugados y protagoniza la cadenza del primer movimiento. Esta cadenza fue retocada una y otra vez por J.S. Bach pasando de los 19 compases de la primera versión a los 65 de la partitura definitiva.

El primer movimiento comienza con el arpegio ascendente de re mayor proporcionando un ambiente de triunfo, jubiloso y feliz. (Según Christian Schubart, musicólogo alemán de finales del siglo XVIII que asignó a cada tonalidad cualidades subjetivas propias).

El segundo movimiento, affettuoso está escrito en torno a una fórmula rítmica que se repite una y otra vez y está reservado a los solistas: violín, flauta y clave.

El tercer movimiento gana en densidad instrumental, con asombrosos pasajes fugados que desembocan en una hermosa giga.

Descanso

J. S. Bach - Concierto de Brandeburgo nº 1 en fa mayor, BWV 1046.(Allegro- Adagio- Allegro- Menuet da capo- Trio I - Polacca - Menuet da capo-Trio II- Menuet da capo).

La instrumentación está compuesta por dos trompas, 3 oboes, violín piccolo, fagot, sección de cuerda y bajo continuo. Este concierto consta de cuatro movimientos, siendo el último una mezcla de danzas, menuet y polacca, señal de la la influencia de la suite francesa, antes aludida. La intervención del violín piccolo contribuye a resaltar la brillantez de la instrumentación.

Es uno de los conciertos de Brandemburgo más representativos del estilo de J.S. Bach.

Brandenburgoko kontzertuen konposizioaren kronologia zalantzazkoa da; horregatik, nagusiki irizpide estilistikoetan oinarrituta finkatu zen hurrenkera. Concerto grosso barrokoa hartu eta nahierara egokitu zuen Bachek, orkestra-atal bakoitzari askatasun eta nortasun handiagoa aitortuz; gainera, metalezko haize-instrumentuak sartu zituelarik, aparteko ezaugarriez hornitu zuen bere kontzertuen tinbrea.

5. kontzertuan, klabezina da instrumentu bakarlaria, zeharkako flautarekin eta biolinarekin batera, eta hori, bere horretan, berrikuntza bat da. Fuga-pasarteen gaiei ekiten die klabezinak, eta lehen mugimenduaren kadentzian nabarmentzen. Behin eta berriro moldatu zuen kadentzia hori J.S. Bachek; lehen bertsioan 19 konpas bazituen ere, 65 izango zituen behin betiko partituran.

Re maiorreko goranzko arpegioarekin hasten da lehen mugimendua, eta garaipen, bozkario eta zoriontasun giroa sortzen. (Hala diosku XVIII. mendearen bukaera aldeko Christian Schubart musikologo alemaniarrak, zeinek berezko nolakotasun subjektiboak aitortu baitzizkion tonalitate bakoitzari.)

Bigarren mugimendua —Affettuoso—, behin eta berriro errepikatzen den formula erritmiko baten inguruan idatzia dago, eta bakarlarientzat —biolina, flauta eta klabezina— erreserbatua.

Hirugarren mugimenduak instrumentu-dentsitatea irabazten du, fuga-pasarte harrigarriekin, eta guztiaren buruan giga eder bat.

Atsedenaldia

J. S. Bach - Brandenburgoko 1. kontzertua, fa maiorrean, BWV 1046(Allegro - Adagio - Allegro - Menuet da capo - Trio I - Polacca - Menuet da capo - Trio II - Menuet da capo).

Bi tronpek, hiru oboek, biolin piccolo batek, fagotak, harien atalak eta baxu jarraituak osatzen dute instrumentazioa. Lau mugimendu ditu kontzertu honek; azkena, dantza-nahastura bat —minueta eta polonesa—, suite frantsesaren eraginaren seinale. Instrumentazioaren bikaintasuna nabarmentzen laguntzen du biolin piccoloak.

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J. S. Bachen estiloa ongien islatzen duen Brandenburgoko kontzertuetako bat da. Azken mugimenduan tronpei ematen dien tratamenduak originaltasun harrigarria erakusten du.

J. S. Bach - Brandenburgoko 3. kontzertua, sol maiorrean, BWV 1048(Allegro moderato - Allegro)

Bi mugimendu ditu; tartean, bi horiek lotzen dituzten bi kadentzia-sekuentzia. Gorago adierazi bezala, kontzertu honetako allegroa beste instrumentazio batekin eskaintzen da egitarau honetan bertan (BWV 174 sinfonia).

Kasu honetan instrumentazioa harientzat bakarrik da —hiru biolin, hiru biola eta baxu jarraitua—, eta etengabe trukatzen dituzte atal horretako kideek kontrapuntu-motiboak —zenbait momentutan, bere edertasun guztiarekin ageriko da Bachen konposizio-teknika—. Giro errepikaezinik ere sortzen du estilo horren berezko tentsio dramatikoak. Kadentzia laburren ondoren, dantza moduko allegro alai batekin bukatzen da, kontrapuntu-joko miragarriekin.

J. S. Bach - 3. orkestra-suitea, re maiorrean, BWV 1068 (tronpa eta tinbalik gabeko bertsioa)

Joshua Rifkin musikologoak (New York, 1944) sakon aztertu du Bachen obra, eta, bereziki, orkestra-suiteak. Beraren ustez, J. S. Bachen 3. orkestra-suitearen jatorrizko bertsioan ez zegoen ez tronpa ez tinbalik, eta orobat dio gerora gehitu zizkiola instrumentu horiek obra horri egilearen seme Carl Philipp Emanuelek.

Nolanahi ere, J. S. Bachen suiterik ezagunenetako bat da, haren estiloa ongien erakusten dutenetako bat. Bost mugimendu ditu. Lehena, berebiziko obertura bat, lan zorrotzaren erakusgarri: tinbre-oreka handia, aparteko gai-jokoa eta fugaren artearen tratamendu bikaina, maisu paregabea izan baitzen konpositorea horretan.

Bigarrena —Air, edo ‘re suitearen aria’—, pieza hunkigarria da —hunkigarririk bada—, entzuleek, oro har, gogokoen izan ohi duten musika-zatietako bat, eta hamaika bertsio egin izan dira. Dantzak datoz ondoren: Gavotte I/II, Bourrée eta, bukatzeko, Gigue, energiaz betea.

El tratamiento de la intervención de las trompas en el último movimiento supuso un rasgo de originalidad sorprendente.

J. S. Bach - Concierto de Brandeburgo nº 3 en sol mayor, BWV 1048(Allegro moderato- Allegro)

Consta de dos movimientos, si bien en medio hay dos secuencias cadenciales que sirven para unirlos. Como ya se ha señalado, el allegro de este concierto se escucha en este mismo programa (sinfonía BWV 174) con otra instrumentación.

En este caso la instrumentación es exclusiva para cuerda (tres violines, tres violas y bajo continuo), cuyos componentes van intercambiando motivos contrapuntísticos sin cesar llegando a momentos donde la maestría de la técnica compositiva de Bach aparece en todo su esplendor. La tensión dramática propia de este estilo también crea atmósferas irrepetibles. Tras las breves cadenzas concluyen con un animado allegro a modo de danza con fantásticos juegos contrapuntísticos.

J. S. Bach: Suite Orquestal nº 3 en re mayor, BWV 1068 (versión sin trompetas ni timbales)

El musicólogo Joshua Rifkin, nacido en 1944 en Nueva York, ha estudiado a fondo la obra de Bach, y particularmente las suites orquestales. Según su opinión, la versión original de la Suite orquestal nº 3 de J.S. Bach no llevaba ni trompetas ni timbales, y también señala que estos instrumentos fueron añadidos a esta obra posteriormente por su hijo C.P.E. Bach.

Sea como fuere, esta suite es una de las más conocidas y representativas del estilo de J.S. Bach. Sus cinco movimientos contienen una grandiosa obertura, muestra de un minucioso trabajo, con un gran equilibrio tímbrico, un juego temático impecable y con un tratamiento del arte de la fuga del cual este compositor fue el maestro inigualable.

El Air, o más conocida en castellano como el Aria de la suite en re, pieza conmovedora, donde las haya, es uno de los fragmentos musicales más valorados por el gran público y ha sido versionado en innumerables ocasiones. Tras el Air aparecen las danzas: gavotas I y II, la bourré y la giga, finalizando con un derroche de energía.

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JOHA

NN

A-VO

GT

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ekainak 5 de junio. 20:30

Maria João Pires,PIANOA / PIANO


J. Brahms - Biolin eta pianorako 1. sonata, sol maiorrean, op. 78

J. Brahms - Sonata para violín y piano nº 1, en sol mayor, op. 78

C. Debussy - Biolin eta pianorako sonata, L. 148

C. Debussy - Sonata para violín y piano, L. 148

L. Beethoven - Biolin eta pianorako 10. sonata, sol maiorrean, op. 96

L. Beethoven - Sonata para violín y piano nº 10, en sol mayor, op. 96

38/28/21 €

MARIA JOÃO PIRES

Nacida el 23 de julio de 1944 en Lisboa, Maria João Pires dio su primer concierto público a la edad de 4 años; comenzó sus estudios de música y piano con Campos Coelho y Francine Benoît, continuándolos más tarde en Alemania con Rosl Schmid y Karl Engel. Además de sus conciertos, ha realizado grabaciones para la discográfica Erato durante quince años y Deutsche Grammophon durante veinte.

MARIA JOÃO PIRES

Lisboan jaio zen Maria João Pires, 1944ko uztailaren 23an. Lau urte zituela eman zuen jendaurreko lehen kontzertua. Campos Coelho eta Francine Benoîtekin egin zituen lehenengo musika- eta piano-ikasketak. Ondoren, Alemanian jarraitu zituen, Rosl Schmid eta Karl Engelekin. Kontzertuez gain, hainbat grabazio egin ditu; lehenik Erato diskoetxearekin, hamabost urtez, eta, gerora, Deutsche Grammophonekin, hogei urtez.

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Fumiaki Miura,BIOLINA / VIOLÍN

@FELIX BROEDE ©YUJI HORI

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Hirurogeita hamarreko hamarkadaz geroztik, arteak bizitzan, komunitatean eta hezkuntzan duen eragina islatzen ahalegindu izan da, gizartean pentsatzeko modu hori ezartzeko era berriak bilatzen.

1999an, arteak ikasteko zentro bat sortu zuen Belgaisen, Portugalen. Bertan, musikari profesionalentzako eta musikazaleentzako diziplinarteko lantegiak eskaintzen ditu Maria João Piresek.

FUMIAKI MIURA

Tokion jaio zen, 1993an, eta hiri horretako kontserbatorioan ikasi zuen. Gerora, Vienara joan zen, Pavel Vernikov eta Julian Rachlinekin ikasketak jarraitzera. 16 urte zituenetik, bere mentore izan den Pinchas Zukermanek gidatu du ibilbide profesionalean. 2009an, lehen saria lortu zuen Joseph Joachim Hannover International Violin Competition lehiaketa ospetsuan. Irabazlerik gazteena suertatu zen.

“Biolin-jotzaile handia da Fumiaki Miura, musikari adimentsu eta zintzoa, garai guztietako obra handiak interpretatzeko gai den musikaria. Biolinaren mailarik gorena bermatzen digu Miuraren arteak, hurrengo hamarkadetarako.” (Pinchas Zukerman).

Desde la década de los setenta Pires se ha dedicado a reflejar la influencia del arte en la vida, la comunidad y la educación, tratando de descubrir nuevas maneras de establecer esta forma de pensar en sociedad.

En 1999 creó en Portugal el Belgais Centre, dedicado al estudio de las Artes, dónde Maria João Pires ofrece regularmente talleres interdisciplinares para músicos profesionales y amantes de la música.

FUMIAKI MIURA

Nacido en Tokio en 1993, se formó en el conservatorio de su ciudad natal. Posteriormente se trasladó a Viena para ampliar sus estudios con Pavel Vernikov y Julian Rachlin. Desde los 16 años, Pinchas Zukerman, su mentor, le ha orientado y conducido en su carrera profesional. En 2009 fue galardonado con el primer premio en el prestigioso concurso Joseph Joachim Hannover International Violin Competition, donde fue el ganador más joven.

“Fumiaki Miura es un gran violinista, es un músico inteligente y sincero capaz de interpretar las grandes obras de todos los tiempos. El arte de Miura nos garantiza el máximo nivel del violín para las próximas décadas”. (Pinchas Zukerman).


Las sonatas para violín y piano incluídas en el programa constituyen varios ejemplos de la música camerística más representativa de este género y nos transportan a épocas no tan lejanas en las que la música en pequeño formato reunía alrededor de un piano a aficionados a la música en ciudades de toda Europa. Pequeñas sociedades filarmónicas, familas y amigos a los que unía su pasión por la música mantenían viva esta cultura musical. Las partituras se compraban en los almacenes de música y en muchos casos se copiaban a mano para redistribuirlas. En muchos hogares hasta bien entrado el siglo XX había un piano y se cultivaba el canto junto con el violín, la guitarra, la flauta, el clarinete…

Ganbera-musikaren adibide bikainak dira egitarau honetako biolin eta pianorako sonatak. Beste garai batzuetara aldatzen gaituzte —ez hain aspaldikoak ere—, Europa osoko hirietan formatu txikiko musikak musikazaleak piano baten inguruan biltzen ziren garaietara. Zaletasun horretan bat egiten zuten sozietate filarmoniko txikiek, familiek eta lagunek, kultura musikal hori bizirik mantentzeko. Musika-biltegietan erosten ziren partiturak, eta eskuz kopiatzen ziren maiz, han-hemenka zabaltzeko. Etxe askotan, XX. mendean aski aurrera ere, piano bat izan ohi zen, eta kantua lantzen zen, biolinak, gitarrak, flautak, klarineteak edo bestek lagunduta.

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Johannes Brahms - Biolin eta pianorako 1. sonata, sol maiorrean, op. 78

Konpositore alemaniar distiratsuenetako bat da Brahms (1833-1897), zalantzarik gabe. Opera izan ezik, genero gehienak landu zituen: sinfoniak, kontzertuak, oberturak, liedak, musika korala eta ganbera-musika.

Ganbera-musikari dagokionez, Brahmsen katalogoa aski zabala da, eta ageriko zorroztasunagatik nabarmentzen da beraren obra, begiramen handia baitie forma musikalari eta idazkuntzaren zuzentasunari.

Biolin eta pianorako 1. sonata, sol maiorrean, op. 78, 1879an estreinatu zen, Vienan. Regensonate (Euriaren sonata) deitu ohi zaio, Brahmsen beraren lied batek iradokia baita —Regenlied, op. 59—, eta haren zati tematikoak ageri baitira bertan. Lirismo handiko pieza da, Brahmsen musikaren sentipen erromantikoa eta malenkoniatsua biltzen baititu.

Honela diote Brahmsek Regenlied horretan musikatu zuen Klaus Groth olerkariaren poemaren lehen lerroak:

Walle, Regen, walle nieder,wecke mir die Träume wieder,die ich in der Kindheit träumte,wenn das Naß im Sande schäumte!(Klaus Groth)

Bota, euri, ater gabe,esna ametsak, berriz ere,amestuak haur nintzela, hondarra bitsetan zela!

Hiru mugimendutan egituratzen da sonata:

1. Lehen mugimendua, sol maiorrean dago idatzia —Vivace ma non troppo—, sonata moduan.2. Bigarren mugimendua, mi maiorrean —Adagio - Più andante - Adagio—.3. Hirugarrena, sol minorrean, koda sol maiorrean —Allegro molto moderato— rondo bat da.

Sonata osoan, lied horren elementu erritmikoak ageri dira, eta batasuna ematen diote piezari.

Johanes Brahms: Sonata para violín y piano nº 1, en sol mayor, op. 78

Brahms (1833-1897) es sin duda uno de los compositores alemanes más brillantes. A excepción de la ópera, cultivó la mayoría de los géneros, sinfonías, conciertos, oberturas, lieder, música coral y música de cámara.

En cuanto a la música de cámara, el catálogo de Brahms es relativamente abundante y destaca por el carácter exigente de su producción, con gran respeto hacia la forma musical y hacia la corrección en la escritura.

La sonata para violín n. ° 1 en sol mayor, op. 78, para violín y piano fue estrenada en 1879 en Viena. Se suele llamar Regen-Sonata (Sonata de la lluvia) porque en ella aparecen fragmentos temáticos de un lied de Brahms (Regen-lied, Op. 59) en el que se inspiró. Es una pieza de gran lirismo que encarna el sentimiento romántico y melancólico de la música de Brahms.

Los primeros versos del poema del poeta Klaus Groth en que se inspiró Brahms para su Regen-Lied dicen así:

Walle, Regen, walle nieder,wecke mir die Träume wieder,die ich in der Kindheit träumte,wenn das Naß im Sande schäumte!(Klaus Groth)

Cae, lluvia, y vuelve a caer,despierta una vez más mis sueños,esos que en mi infancia soñaba,y el agua en la arena húmeda burbujeaba. (Traducción libre)

La sonata se estructura en tres movimientos:

1. El primer movimiento, en sol mayor, Vivace ma non troppo, está escrito en forma de sonata.2. El segundo movimiento, en mi mayor, Adagio - Più andante – Adagio.3. El tercer movimiento, en sol menor con coda en sol mayor, Allegro molto moderato es un rondó.

En toda la sonata aparecen elementos rítmicos del lied en que se inspira que dotan de unidad a la pieza.

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C. Debussy - Biolin eta pianorako sonata, L. 148

Debussyk hil aurretik (1918) burutu zuen azken lana izan zen biolin eta pianorako sonata. Elementu harmoniko berritzaileak ditu, beste elementu tradizional batzuekin batera, hala nola ijitoen biolin herrikoiaren eragina. Sonata honek iragartzen duen berrikuntza-garaia eragotzi zuen konpositorearen heriotzak, musikaren abstrakzio handiagorako bidean.

Hiru mugimenduk osatzen dute sonata:1. Allegro vivo. Melodiak hartzen du protagonismo nagusia, pianoaren aldean.2. Intermède (Fantasque et léger). Inprobisatuz bezala jolasten du melodiak, izaera kromatikoko bigarren melodia bat sortzen da, berraurkezpena egiten da eta, klimax labur baten ondoren, ezerezean agortzen da.3. Finale (Très animé): Lehen mugimenduko gaia itzultzen da.

L. Beethoven - Biolin eta pianorako 10. sonata, sol maiorrean, op. 96

1812an idatzi zuen Ludwig van Beethovenek biolinerako 10. sonata, sol maiorrean, opus 96, eta 1816an argitaratu zen. Lau mugimendutan egituratua dago:

1. Allegro moderato (sol maiorrean)2. Adagio espressivo (mi bemol maiorrean)3. Scherzo: Allegro - Trio (sol minorrean; trioa, mi bemol maiorrean, sol maiorrean bukatzen da)4. Poco allegretto (sol maiorrean)

Beethovenen sonatarik hoberenetako bat dela esan ohi da, gorenetako bat. Benetako froga-harria da interpreteentzat, perfekzio arretatsua eskatzen baitu partiturak, jotzeko orduan, eta zailtasun tekniko handia baitu. Hasierako trilloa ezohikoa da, eta gai nagusiaren parte da.

Beethovenek ospea lortua zuen garaikoa da sonata hau, eta beraren konposizio-ezaugarri nagusiak ageri dira bertan. Sonata baten egitura du, mugimenduei dagokienez, baina aski modu askean gauzatua. Bukaerako bariazioak ezusteko elementu gertatzen dira, Adagio - Presto batekin bukatzen den kodaren aurretik.

C. Debussy - Sonata para violín y piano, L. 148

La Sonata para violín y piano de Debussy fue el último trabajo que el compositor completó antes de su muerte en 1918. Esta sonata incluye elementos armónicos innovadores junto con otros tradicionales, como la influencia del violín popular del pueblo gitano. La muerte del compositor impidió el desarrollo de un periodo de innovaciones que anuncia esta sonata en la que su música caminaba hacia una mayor abstracción.

La sonata se desarrolla en 3 movimientos:1. Allegro vivo. La melodía toma el protagonismo principal frente al piano.2. Intermède (Fantasque et léger). La melodía juega, como improvisando, aparece una segunda melodía de carácter cromático, se produce la reexposición y tras un breve climax se extingue en la nada. 3. Finale (Très animé): Regresa el tema del primer movimiento L. Beethoven - Sonata para violín y piano nº 10, en sol mayor, op. 96

La Sonata para violín n. ° 10 de Ludwig van Beethoven en sol mayor, su Opus 96, fue escrita en 1812 y publicada en 1816. Se estructura en cuatro movimientos:

1. Allegro moderato (en sol mayor)2. Adagio espressivo (en mi bemol mayor)3. Scherzo: Allegro - Trio (en sol menor, Trio en mi bemol mayor, termina en sol mayor)4. Poco allegretto (en sol mayor)

Esta sonata es considerada como una de las mejores y más logradas sonatas de Beethoven. Es una auténtica piedra de toque para los intérpretes, pues la partitura exige una esmerada perfección en la ejecución, con una gran dificultad técnica. El trino del comienzo es inusual y forma parte del tema principal.

Esta sonata pertenece a un período en el que Beethoven había alcanzado la fama y sus rasgos compositivos principales aparecen en ella. La estructura es de sonata en sus movimientos, aunque realizada de una manera bastante libre. Las variaciones del final constituyen un elemento de sorpresa y preceden a la coda que se resuelve con un Adagio-Presto.

Otsailak 4 de febrero Orquesta Sinfónica Nacional de Tatarstán, Kazán 42 € 30 € 25 €

Martxoak 17 de marzo Camerata Ireland 38 € 28 € 21 €

Maiatzak 8 de mayo Il Gardellino Baroque Orchestra 36 € 25 € 18 €

Ekainak 3 de junio Maria João Pires | Fumiaki Miura 38 € 28 € 21 €

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• Areto guztietan dago mugikortasuna murriztua duten pertsonentzako lekuren bat:

- Principal antzokian, 20 leku.

- Federico García Lorca antzokian, 4 leku.

- Jesús Ibáñez de Matauco antzokian, 6 leku.

- Félix Petite antzokian, 6 leku. (ikuskizuna hasi baino bi ordu lehenagora arte erreserbatu daitezke)

• Areto guztiek dute larrialdietarako plana.

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• Todas las salas disponen de localidades para personas con movilidad reducida:

- El Teatro Principal Antzokia, 20 plazas.

- El Teatro Federico García Lorca, 4 plazas.

- El Teatro Jesús Ibáñez de Matauco, 6 plazas.

- El Teatro Félix Petite, 6 plazas. (reserva hasta dos horas antes del comienzo del espectáculo)

• Todos los recintos disponen de un plan de emergencia.

• No se permite la entrada en la sala a menores de tres años en las representaciones no destinadas a su edad.

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TEATRO PRINCIPAL ANTZOKIA

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XV CICLO DE GRANDES CONCIERTOS - Vitoria-Gasteiz