Higinio Rodríguez Lorenzo

• El término gótico viene de la palabra “godo”, el pueblo “bárbaro” que se instaló en el Imperio Romano de Occidente, en Hispania, y de origen germánico.

• Se utilizó como término peyorativo para referirse al arte medieval ya en el mismo Renacimiento, hacia el siglo XVI. Fue, a lo que parece, G. Vasari, gran teórico del Renacimiento.

• Se tenía por arte “bárbaro” e inferior la producción artística entre el mundo romano y el “renacer” del arte clásico en Italia en el XV y XVI.

• Esta actitud negativa hacia el arte medieval se mantiene hasta comienzos del siglo XIX, cuando el Romanticismo descubre esta arquitectura. Y es en Alemania, con Herder y Goethe hacia 1770, que toman este arte como una expresión “espiritual” de las gentes del norte.

• Se sueña a partir de entonces con un renacimiento del arte medieval, dándole un nuevo contenido al termino gótico que se diferencia del románico (más “pesado” y “pobre”

• Primero se admirarán las “ruinas” (Ruskin) pero pronto habrá quien tome a cuenta el rehabilitar y reconstruir esas ruinas: Viollet-le-Duc, en Francia.

• El entusiasmo romántico y el historicismo que estimula, además de las restauraciones de edificios medievales, llevará a desarrollar el estilo neogótico, arquitectura realizada a imitación de la gótica medieval, si bien con los nuevos materiales (hormigón, hierro…)

• Actualmente como gótico entendemos un amplio período artístico, que según los países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, pero que de forma general podemos establecer desde mediados del siglo XII hasta comienzos del XVI (o más allá en el caso de Inglaterra). Eso sí, con amplias diferencias según países y regiones.

• En las artes plásticas el gótico se caracteriza por– una renovación iconográfica:

• Un Dios menos mayestático y más amable. Aunque sigue representándose el Pantocrátor, ahora es una imagen que expone sus llagas y en su rostro hay menos severidad.

• La Virgen, no como trono de Dios, sino como madre de Dios, con el niño en brazos y con el que “habla” a través de la mirada y los gestos: el niño le ofrece una flor o juega con ella.

• Los Santos, en relación con la difusión de la Leyenda Dorada, de Santiago (Jacopo) de la Voragine. Permite introducir escenas cotidianas y personajes “reales”.

• Desde el siglo XIV finales, la retratística, especialmente a través de la escultura sepulcral y las tablas de altares y retablos portátiles en los que el donante aparece en forma orante.

• En las artes plásticas el gótico se caracteriza por– nuevos formatos para la expresión plástica:

• Los retablos, que sustituyen a la pintura mural del ábside. Pueden ser sólo esculpidos o alternar escultura y pintura.

• Las tallas en madera policromada, para situar en altares y hornacinas.

• Las sillerías del coro.• Los sepulcros. • Las tablas (pintura) que suelen articularse en trípticos o en

polípticos que desarrollan una historia completa.• Las vidrieras, que filtran la luz de los ventanales amplios de las

nuevas catedrales. Es un arte nuevo y excepcional.

• En las artes plásticas el gótico se caracteriza por– una renovación estilística

• El modelado de la figura gana sobre el predominio de lo plano y la línea en el románico.

• Tendencia en la escultura al altorrelieve y al bulto redondo o casi.• Búsqueda continua del “naturalismo” en las figuras: expresiones

faciales, paisaje, escena en “diálogo” de las figuras …• detallismo en los elementos de la composición.

– Aparición ya de “artistas” a los que se les reconoce su valía porque tienen “taller”, reciben encargos y hay documentos que lo testifican. Esos talleres generan “escuelas” que difunden el estilo particular del maestro.

• La escultura gótica sigue estando vinculada a la arquitectura pero – alcanza una mayor independencia: a medida que

avanza el tiempo se logra el “bulto redondo” (en las jambas de las puertas parece ya “adosada”)

– El lugar por excelencia es la portada:• tres portadas (oeste, norte y sur);• más grandes y con un abocinamiento aún mayor que antes;• más jambas, arquivoltas y tímpanos laterales;

– El tímpano, aún con el pantocrátor, presenta ya otras figuras centrales (la Virgen, sobre todo) y el tamaño se reduce para dar protagonismo a otras figuras: se divide en frisos o bandas horizontales por lo que hay una mayor libertad compositiva.

Puerta del Sarmental (es la puerta sur), Catedral de Burgos

• en los interiores:– se reduce la figuración en los capiteles, ahora más

utilizados para decoración vegetal. Se excluyen los capiteles de los claustros. Aquí, también hay una profusión de imágenes “casi exentas” adosadas a las columnas o a las paredes o en nichos del muro del claustro.

– pero aparecen dos nuevos “escenarios”:• el retablo• la sillería del coro.

– También se desarrolla la escultura funeraria en el interior de las iglesias: son lugar de enterramiento y, quien destaca y se lo paga, tiene un “monumento funerario” excepcional.

Retablo de la catedral de OviedoSilla (renacentista) del coro de la Catedral de Burgos

• El material es, por lo general, la piedra al exterior. En los interiores abunda la piedra pero también la madera, especialmente en los retablos, en la sillería del coro y en las tallas.

• En los sepulcros se utiliza la piedra y, a menudo, el alabastro y el mármol.

• La madera (a veces también la piedra) se pinta, especialmente en las tallas y en los retablos. La policromía, en un ambiente ahora mucho más luminoso, realza el valor de la figura.

Sillería del Coro de la Catedral de Sevilla. Finales del siglo XVhttp://recursos.cnice.mec.es/bancoimagenes2/buscador/imagen.php?idimagen=47415&zona=mat&nivel1=95&nivel2=54&expresion=%22coro%22&start=20

Silería del coro de la Catedral de León. Finales del siglo XVhttp://recursos.cnice.mec.es/bancoimagenes/ArchivosImagenes/DVD13/CD01/24145__122_a_1.jpg

Sepulcro de Carlos III de Navarra y su esposa Leonor, siglo XV. (Juan de Lome. Cat. Pamplona)

Sepulcro de Carlos III de Navarra y su esposa Leonor, siglo XV.

Debajo: Sepulcro de Juan II de Castilla y de León, siglo XV. Gil de Siloé. Cartuja de Miraflores (Burgos)

• La característica más importante es el NATURALISMO que se alcanzará ahora en la representación:– menos convencionalismos en el modelado de la figura;– mayor verismo al situar la figura en un momento anecdótico

y entablando conversación con las figuras de alrededor (la sacra conversazcione);

– La narración en los conjuntos tiene un mayor realismo.– Ese realismo busca, incluso, el retrato: andando el siglo XV

se alcanzará ese aspecto, lo que lleva la individualización de la figura al máximo. También el detallismo.

– La escultura clásica está detrás de este naturalismo:• expresiones “vivas”• actitudes, posturas, composición…• el tratamiento de las vestimentas (“paño mojado”).

Virgen Blanca, parteluz de la portada principal oeste, catedral de León. Arcángel San Miguel, tímpano portada de la Lonja de Palma de Mallorca.

• Se suele distinguir, como en el gótico arquitectónico, tres momentos:– protogótico (desde mediados del XII hasta 1220

aproximadamente), • donde se mantiene la temática románica pero empieza a

cambiar la expresividad y se va hacia la individualización.

– gótico pleno o gótico clásico (todo el siglo XIII), • donde se experimenta con el naturalismo, nuevas temáticas

(la Virgen, los santos…) y se “despeja” el espacio compositivo.

– gótico flamígero, en el XIV y hasta el final del XV, • que como en lo arquitectónico, se caracteriza por un

“barroquismo” y excesivo llenado del espacio compositivo.• aparece la retratística y el detallismo en la escena, buscando

el realismo al “ponerlo todo”. La escultura se hace ya exenta.• Apogeo de la escultura sepulcral.

• Chartres se encuentra en el centro oeste de Francia.• La actual catedral de Chartres sustituyó a la anterior,

románica, devastada por un incendio en 1193. Fue construida entre 1194 y 1290, si bien el Pórtico Real se había salvado de la catedral anterior.

• Está compuesta por 5 naves y tiene 134 metros de largo por 46 m de ancho en el coro, con una altura de 36,5 m en su nave central. Tiene dos torres desiguales, una de 106 m y la otra de 115m. La cúspide de esta última representa por sí sola casi un tercio de la altura total, mientras que la parte de abajo equivale a la mitad de la fachada. Constituye un ejemplo de las relaciones precisas de la construcción (proporción “áurea”).

• Tiene además 9 portadas, 3 en la fachada principal, entre ellos la famosa portada real, y otros 3 en cada una de las dos fachadas del transepto (nave transversal).

Pórtico real (hacia 1155)

Pórtico Sur (después de 1215)Pantocrátor que muestra las llagas

Pórtico norte (después de 1220)Antiguo Testamento

• Este pórtico está fechado hacia 1155. Es, por tanto, tiempo del “románico”. De hecho se habla de “protogótico” para esta época.

• Las esculturas del pórtico Real de Chartres poseen unas proporciones y buscan la redondez plástica, el volumen al tiempo que sus rostros apuntan a una expresión “vital”: hay un naturalismo que nos aleja del mundo románico.

• Hay que tener en cuenta que las esculturas del Pórtico de la Gloria de Santiago de Compostela, románicas sin duda, son posteriores … y han recibido influencia precisamente de este pórtico.

• Lo mismo podemos decir del apostolado de la Cámara Santa de Oviedo.

• En torno a 1180 la estilización románica evolucionó hacia un periodo de transición en el que la escultura comenzó a asumir una serie de rasgos naturalistas como la gracia, elegancia, sinuosidad y libertad de movimientos.

• Esta transición culminó en la primera década del siglo XIII en las series de esculturas de las portadas de los transeptos norte y sur de la catedral de Chartres.

• La característica principal en cambio se ve en los pliegues y en el “diálogo” visual que crea escena con las diferentes figuras que aparecen.

• En esta catedral y como ya se había ensayado en Saint Denis, aparecen las esculturas-columna en las jambas, representando santos y profetas, en altorrelieve. No son independientes de la arquitectura, pero el altorrelieve las hace parecer casi exentas.

• Los tímpanos de la triple portada nos ofrecen unas historias que son “románicas”:– la Ascensión de Cristo, – la imagen de la Segunda Venida (apocalíptica) de Jesús – y escenas de la Vida de la Virgen que en su zona alta

incluyen una Maiestas Mariae o la virgen como trono de Jesús.

• En el Pórtico Real observamos una estrecha relación entre la estructura arquitectónica y las esculturas. – Encontramos las típicas estatuas-columna que reúnen

los cánones estéticos de esta etapa inicial del gótico: rigidez, piernas paralelas, pies colgantes, ropajes con pliegues rígidos y paralelos, cabezas equivalentes a un séptimo de la altura del cuerpo, boca de labios finos que esbozan una sonrisa.

– El tímpano central está dedicado a la Maiestas Domini rodeada del Tetramorfo,

– y los laterales a la Maiestas Mariae y a la Ascensión de Cristo;

– en las jambas encontramos las figuras de reyes, reinas y patriarcas del Antiguo Testamento.

• Las figuras de las jambas de la izquierda de la portada central: – independencia de cada una de las figuras con respecto

a las otras: las estatuas no están relacionadas ni entre sí ni con el que las contempla;

– la expresión parece pensativa, misteriosamente distante.

– Las cabezas miran al frente, sin desviarse lo más mínimo;

– los brazos y las manos están pegados al cuerpo, y sujetan un libro o un rollo de pergamino;

– y los cuerpos apenas se distinguen bajo los largos pliegues de las vestiduras. Son, en el más puro sentido del término, "estatuas-columna", pero no tienen función arquitectónica alguna y podrían quitarse sin alterar para nada los elementos arquitectónicos.

http://homepage.mac.com/antang/fotos/PATRIMONIO/chartres.html

• En el Pórtico Real de Chartres se aprecia en las estatuas la forma romboédrica del bloque, y que el escultor debió dibujar los perfiles de las figuras en las caras del bloque, tal y como hemos visto en clase que trabajaban los canteros: el dibujo es indispensable en la escultura.

• Si el artista eligió la forma romboédrica del bloque y su posición diagonal es porque le permitían expresar mejor las cualidades de inmovilidad y el carácter arquitectónico que deseaba para estas estatuas-columna.

• Sin embargo, recuerda: hay un paso ya hacia el naturalismo gótico.

• Los tres pórticos de la catedral de Chartres permiten hacer un recorrido desde el protogótico (Pórtico Real) al gótico clásico (portadas del transepto). – La portada principal se tiene que leer siguiendo el hilo

conductor de la "historia de la salvación" (la Virgen, escenas de la vida de Cristo y Cristo en Majestad).

– La norte del transepto juega un papel de símbolo: por su ubicación no recibía la luz del sol y ello se traducía en un símbolo, el Antiguo Testamento, que aún no había recibido la luz del evangelio.

– La del sur está dedicada a la Iglesia inserta en el mundo (apóstoles, mártires, santos, presididos por el Juicio Final).

Pórtico norte.

http://homepage.mac.com/antang/fotos/PATRIMONIO/chartres.html

Pórtico norte.Detalles

Portada Sur. Detalles

Tímpano puerta central, portada Sur

• Es en las portadas del crucero de la catedral de Chartres, donde se concretan los ideales de la escultura gótica

• Casi simultáneamente se inician las obras de las portadas de Amiens, caracterizadas por la tendencia al idealismo majestuoso y solemne, que se refleja en las imágenes de S. Fermín y en el Beau Dieu.

• Sin embargo, es en la catedral de Reims donde encontramos representadas las diversas escuelas de la escultura gótica del s. XIII a través de las obras de varios maestros que, si de una parte relacionan estas obras con los talleres de Chartres y Amiens, de otra, señalan la influencia de la antigüedad clásica y, asimismo, la evolución de la escultura hacia un arte más expresivo y estilizado, como vemos en las correspondientes al maestro de la Sonrisa. El arte de Reims influye fuertemente en el último tercio del s. XIII, persistiendo en la escultura monumental durante buena parte del s. XIV.

Foto: Yann Grossel, alojado en Wikimedia

•Se construyó en el siglo XIII, tras un devastador incendio en 1210. Se construye inmediatamente después de las catedrales de París y de Chartres, pero antes de las catedrales de Estrasburgo, Amiens y Beauvais. •La Catedral de Reims era, en el Antiguo Régimen, el lugar de la consagración de los monarcas de Francia. Por eso, junto a Saint-Denis, tiene una connotación especial para la Monarquía francesa•Con anterioridad hubo en ese sitio una basílica paleocristiana, construida por orden del obispo Nicasio hacia el año 400 y en ella fue bautizado en el año 496 el rey merovingio Clodoveo I. Hacia el 862 se consagró el edificio carolingio, que seguía el modelo de iglesia monástica de la alta edad media. •En 1211 comenzaron las obras del templo gótico y se prolongaron durante más de 80 años.

Foto: Magnus Manske, alojado en Wikimedia

•Durante la Primera Guerra Mundial fue objetivo de bombardeos y la restauración aún continúa hoy. No obstante, es un magnífico edificio y mantiene, en su portada oeste, unas esculturas en las jambas que son una joya del gótico.

• Las cuatro figuras que aparecen en la jamba derecha de la fachada occidental, realizadas entre 1230 y 1260, son la muestra de una evolución acelerada desde el protogótico al gótico pleno: la Anunciación, si bien ya se está alejando del románico (el ángel, difícilmente se puede situar en la órbita del románico), las otras dos figuras al lado, la Virgen otra vez y su prima Isabel (la “Visitación”) son plena y magníficamente góticas.– Las cuatro figuras no son ya, “estatuas-columna” y

aparecen casi exentas– Las cuatro presentan movimiento y hay expresión facial– Las cuatro siguen modelos clásicos en su diseño– Las cuatro, “dialogan” dos a dos …

• El ángel y la Virgen del grupo más cercano a la puerta, rompen con el románico, sí pero:– María carece casi de expresión;– sus vestiduras están modeladas poco y “caen” en

pliegues rectos y angulosos, lo que aún vincula esta escultura a cierto “columnismo” de bloque.

– En ambos se insinúa el movimiento, pero está “congelado”.

• El ángel tiene una “sonrisa” que será luego típica en todo el gótico.

• La ligera torsión de su cuerpo y cabeza “mirando” a María no son románicas de ninguna forma: van más allá de lo que realizó el Maestro Mateo en Compostela 50 años antes.

• La Visitación, por el contrario, ofrece un dinamismo y un “naturalismo” mucho mayor:– en la postura: el contraposto clásico; el movimiento no se

insinúa sólo con los brazos: piernas, torso y cabeza nos informan de ese movimiento, como con Praxíteles.

– en el modelado: casi exento y despegado de la jamba.– Los ropajes: el juego de las arrugas y los pliegues es

casi de técnica “paño mojado” y revela el cuerpo que hay debajo (ambas embarazadas).

– La expresión: son caras que tienen “vida” y donde los rasgos están mucho mejor tratados al detalle.

– Y ambas figuras “crean un espacio” conjunto: dialogan entre sí.

La Virgen María: izda, en la Anunciación; dcha, en la Visitación.

• Las artes pictóricas en el gótico tienen una manifestación mucho más variada que en épocas anteriores, incluido el románico.

• Además, participa también de la evolución estilística hacia el naturalismo que hemos visto en la escultura.– pintura al fresco, en las paredes;– pintura al temple, sobre tabla, para retablos, capillas,

etc.– vidriera: una novedad ahora;– la miniatura en libros “personales” (devocionarios…)– tapices y telas diversas (bordados y sedas).– Desde el siglo XV, también el grabado.

•Vidriera de la catedral de Troyes•Tapiz, Nicolás Bataille, de la serie del Apocalipsis para el duque de Anjou.•Miniatura del libro de “ricas horas del Duque de Berry.•Xilografía (grabado en madera) con la danza macabra.•Tabla: Visión de San Bernardo, Matteo di Pacino.

• Igual que hemos visto en la escultura y en la arquitectura, ahora tenemos que los pintores (y vidrieros, bordadores, miniaturistas…) a menudo firman su obra y, sobre todo, empiezan a ser laicos y no necesariamente miembros de la clerecía, sobre todo entre los miniaturistas.

• Los encargos son, sobre todo, de la Iglesia, pero cada vez más el mundo civil, tanto burgueses como nobles y, especialmente la Monarquía, son consumidores de obra pictórica.

• El tema religioso sigue siendo predominante, pero las figuras “se humanizan” y la anécdota de la vida cotidiana cobra protagonismo.

• También tenemos que observar diferencias según la época y según el lugar.

• Con haber un “gótico internacional”, desde finales del siglo XIV hay notables diferencias entre el norte y centro de Europa y el Sur:– Noreste de Francia, Borgoña y Flandes– Inglaterra (con vínculos notables con Francia)– Castilla (muy vinculada a Francia, Borgoña y Flandes)– Alemania y Bohemia (actual rep. Checa)– Italia– Países de habla catalana, muy vinculados a Italia pero

con “personalidad”.

• Y esas diferencias son tanto estilísticas como de preferencia por tipología expresiva:– Francia, Borgoña y Flandes: la miniatura y la vidriera;

También el tapiz (Flandes) y la tabla después del XIV.– Inglaterra: la miniatura y los bordados.– Castilla por sus vínculos con los países del norte,

desarrollará sus especialidades: vidriera, miniatura y tabla.

– Alemania y Bohemia (actual rep. Checa): el tapiz y la tabla. También la miniatura tendrá un cultivo preferente.

– Italia: la pintura mural (especialmente) y la tabla. Mantiene el mosaico durante el XIII.

– Países de habla catalana, muy vinculados a Italia pero con “personalidad”: la tabla.

• Finalmente hay que anotar otras tres cuestiones:– el logro de la pintura “al óleo”, en Flandes a comienzos

del siglo XV, lo que permite “veladuras” y transiciones y sombras muchos más “verídicas”.

– El detallismo y la aparición del paisaje como marco de la representación de humanos “reconocibles” e individualizados.

– La aparición del “retrato”: es la individualización máxima. Desde finales del siglo XIV empieza tímidamente, pero en el XV, en Flandes, Borgoña y, sobre todo Italia, el retrato es frecuente. El autorretrato, ya en el XV es la culminación de esto… es ya el Renacimiento.

•Van Eick, detalle de un tríptico sobre el Juicio Final•Robert Campin, retrato de un hombre rezando•Van Eick, autorretrato

• Los períodos:– el siglo XIII se le suele llamar “estilo 1200”, bastante

uniforme y que culmina en el último tercio sintetizando todos los avances del siglo notados en la escultura: modelado de la figura, individualización, naturalismo que rompe la rigidez románica, nuevas temáticas y, sobre todo, la virgen y los santos ya como protagonistas.

– el siglo XIV: ruptura ya entre una Italia que camina hacia el Renacimiento (es su “Trecentto”, inaugurado con Giotto) y el resto de los países donde un “gótico internacional” apura las posibilidades que el naturalismo ofrece.

– el siglo XV: en Italia es ya “renacimiento”: Quatrocentto. Flandes lleva al límite el detallismo y el realismo de figuras y espacio, al que ya llega la “perspectiva”, invento italiano.

• Entre los siglos XIII y XV, se colocaron 737 vitrales hasta cubrir una superficie total de unos 1.800 m2

buena parte de ellos y los de mayor calidad ya estaban colocados a mediados del siglo XIV.

• Las ventanas correspondientes al muro del Norte contienen temas del Antiguo Testamento en los que las figuras de los patriarcas, profetas y reyes, dispuestos de dos en dos, enuncian los designios de Dios en el proceso de salvación.

• En el ábside, está el Salvador y sus discípulos.• En el lado sur tenemos a la Iglesia triunfante y

santos y monarcas benefactores.

• También se puede observar una disposición ordenada “en altura”: – en los ventanales de las naves laterales, más bajos,

aparecen temas “terrenales”, incluyendo los “vicios capitales”.

– en el triforio, la abundancia de escudos nobiliarios y de lugares, suponen una distinción de clase clara: por encima del pueblo.

– en los vitrales del claristorio los temas más vinculados a la Biblia.

• Tres grandes rosetones, de ocho metros de diámetro cada uno.

• Treinta y un ventanales altos, de cuatro huecos y dos lancetas laterales, excepto los del presbiterio que se reducen a tres y a dos. Cada uno mide doce metros de altura. Suman, en total, ciento doce huecos grandes y cuarenta y ocho lancetas. Sobre ellos hay ochenta y tres rosas polilobuladas.

• En las naves laterales hay cuarenta y ocho huecos y dieciocho rosas.

• Hay treinta y siete ventanales en la franja del triforio, de tres metros y medio de altos cada uno, con una cifra de ciento treinta y seis huecos y cuarenta y ocho lancetas.

• La autoría de las vidrieras leonesas, debido a que presentan modelos iconográficos franceses y una tecnología ya desarrollada, se ha atribuido, por lo menos en las más antiguas, a la obra de un taller francés, vinculado con edificios como Amiens, en donde la vidriera también se extiende, al triforio.

• Pero también sabemos de autores hispanos que habrían trabajado en Burgos o simultaneaban la tarea. Hubo artistas extranjeros y castellano-leoneses durante los dos siglos que duró la obra.

• Se han fechado razonablemente bien a partir de características estilísticas e, incluso, de vestimentas y objetos que aparecen acompañando a las figuras.

El texto, en general, se ha extraído de esta dirección WEB:http://cvc.cervantes.es/actcult/camino_santiago/octava_etapa/leon/vidrieras.htm

• Vidrieras del lado norte:

– En las vidrieras altas del lado norte, donde nunca se posa la luz, predominan las figuras del Antiguo Testamento

– Simbólicamente sus personajes desfilan entre la penumbra de la esperanza caminando hacia Cristo, hacia Oriente, donde nace la luz;

– Hay que recordar que ese simbolismo de situar en el lado norte las figuras y escenas del A.T. se sigue escrupulosamente durante el gótico en las portadas esculpidas también.

El texto, en general, se ha extraído de esta dirección WEB:http://azaharencamino-lugares.blogspot.com/2006/05/len.html

• Vidrieras del lado sur:

– En las de la nave sur, sobre las que gira el sol, aparece la Iglesia triunfante con sus ministros, confesores y testigos de la Verdad.

– Es la luz, con todo su simbolismo y que anima estas figuras y pasajes del Nuevo Testamento. Como ha dicho algún estudioso, no sabemos si la luz es el mensaje, la palabra, o si la palabra se hace luz.

El texto, en general, se ha extraído de esta dirección WEB:http://azaharencamino-lugares.blogspot.com/2006/05/len.html

• Vidrieras del ábside:– En los dos vanos de la vidriera central del ábside

se representa el árbol de Jesé, el padre de David, de cuyo tronco habría de nacer Cristo, tema importante dentro de la catequesis bíblica del siglo XIII, con el que se intentaba resaltar la naturaleza humana del Hijo de Dios.

– En el rosetón central, aparece el Pantocrátor, en la posición central y elevada que le corresponde.

El texto, en general, se ha extraído de esta dirección WEB:http://azaharencamino-lugares.blogspot.com/2006/05/len.html

• En las capillas hallamos vidrieras con escenas de la vida de la Virgen y Cristo y santos a los que corresponden las advocaciones.

• Se sale de este esquema la denominada vidriera de la cacería, situada en la nave central.– Los temas que se distribuyen por sus registros (escudo de

Castilla y León, alusiones a la gramática, aritmética, dialéctica, una figura real cabalgando y distintos caballeros con escudos en actitud de caza), desentona en el conjunto. Parece que representa a Carlomagno y es posible que se trasladase de otro vitral cegado para crear un capilla.

– Otra hipótesis que se baraja, la sitúa en el palacio real de Alfonso X o el de Berenguela. Sería, acaso, en el siglo XIV, cuando se trasladó y se colocó en la catedral, pero su factura está bastante bien fechada: 1270.

El texto, en general, se ha extraído de esta dirección WEB:http://azaharencamino-lugares.blogspot.com/2006/05/vidrieras-de-la-catedral-de-len.html

• El rosetón de la portada oeste representa a la Virgen entronizada con Jesús sobre sus rodillas y rodeada de doce ángeles músicos.

• Los otros dos rosetones de las portadas norte y sur, representan, respectivamente, al pantocrátor rodeado de los 24 ancianos músicos, y la coronación de la virgen. Éste último es del siglo XIX, mientras que el del norte, que fue modelo para el del sur, es del siglo XIII en su mayor parte.

• Giotto (1266-1337) es el gran maestro de la escuela florentina y el iniciador reconocido de la pintura moderna por sus investigaciones sobre el espacio tridimensional, la anatomía y la luz.

• Se inspira en el natural y exalta la figura humana, lo que abunda en su “modernidad”.

• Su carrera artística está relacionada con la Curia, el Comune, la rica burguesía (Scrovegni, Bardi, Peruzzi), el rey de Nápoles y los franciscanos.

• Fama, negocios textiles y el cargo de arquitecto oficial de la ciudad hicieron de Giotto el único artista florentino del siglo XIV que llegó a ser rico.

http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc37.html

• Giotto está influido por los preceptos franciscanos, de ahí la importancia de la naturaleza, del paisaje, en su obra siempre como fondo sobre el que se desarrolla la acción humana

• Unos seres humanos “corpóreos”, vitales y “creíbles”, que respiran vida, “pathos”.

• Su obra “rompe” en buena medida con el gótico y prepara el renacimiento italiano: va más allá de los otros dos maestros del gótico italiano, Cimabue y Ducio.

• Giotto rompe, definitivamente, con la tradición ítalobizantina del colorido brillante y la acción lineal. Por ello sus figuras poseen un carácter escultórico que recuerda los mármoles de artistas como Arnolfo di Cambio y Giovanni Pisano, quienes en el XIII (Trecento) habían orientado su arte en la línea del realismo clasicista.

• Giotto redescubrió el arte de crear la ilusión de la profundidad sobre una superficie plana, lo que le permitió cambiar todo el concepto de la pintura: podía crear la ilusión de que el tema religiosa pareciera que estuviera sucediendo ante nuestros ojos.

http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc37.html

• En los frescos de la capilla Scrovegni de Padua (1304-1306), considerados como el máximo exponente de la madurez artística de Giotto, encontramos ya algunos elementos de su estilo: – un sentido racionalista, de composición clara y compacta,

heredado de Pietro Cavallini y Arnolfo di Cambio; – una tendencia secular (“humana”) que se pone en

evidencia omitiendo las escenas más líricas de la Pasión; – un intento de adaptar los puntos de vista de cada escena

a un espectador situado en el centro de la capilla.

• Consigue integrar la arquitectura en las composiciones, lo que le obliga a realizar los primeros ejercicios de perspectiva y confiere a las pinturas una mayor claridad compositiva.

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• No encontraremos, sin embargo, la severidad, concentración y naturalismo que se nota en las obras posteriores, donde: – se respira más calma y serenidad, una racionalización

temática (no pinta milagros ni curaciones), – fidelidad a la naturaleza y un intento de descubrir la

estructura del cuerpo humano. – Introduce fondos reales, profundidad y perspectiva, – construye figuras sólidas y estatuarias, que crean un

espacio real a su alrededor y que podemos adivinar sus cuerpos a través de los ropajes. Se basa, pues, en el poder del volumen.

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• Son un conjunto de 38 recuadros que llenan la pequeña capilla Scrovegni, rectangular, cubierta con bóveda semicircular y paredes desnudas de elementos arquitectónicos, mandada construir por Arrigo Scrovegni, señor de Padua, en el centro del anfiteatro romano de la ciudad, en memoria de los mártires allí sacrificados.

• Su temática (historias de la Virgen y de Cristo) está inspirada o en los Evangelios canónicos o en el evangelio apócrifo de san Jaime, donde se explica la historia de Joaquín y Ana, padres de la Virgen (eran mayores y no tenían hijos, hasta que sus plegarias fueron escuchadas y un ángel avisó a Joaquín que sería padre y otro a Ana, y ambos se encontraron en la Puerta Dorada de Jerusalén), así como detalles sobre el nacimiento, infancia y desposorios de la Virgen, y finaliza en Pentecostés.

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• La armonía colorista del conjunto la consigue con el recurso de utilizar el color azul para los fondos, sobre el que se modulan los otros colores.

• En general, los colores están muy matizados y la “luz” consigue también un efecto espacial.

• Las figuras, pequeñas y agrupadas, y con unas vestimentas que les hacen cuerpo, suelen estar animadas por una tensión patética concentrada en la mirada, la boca o las manos: recursos gestuales ampliamente utilizados; e individualmente.

• Esas figuras son el resultado de una observación del natural, de un buen estudio anatómico.

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• En el Llanto sobre Cristo muerto el "pathos" alcanza el punto culminante.

• La máxima tensión se concentra en las cabezas de la Virgen y de Cristo, situadas en el extremo izquierdo, con lo que toda la composición debe tender hacia este punto: de derecha a izquierda se da un lento declinar de las masas, subrayado por el declive de la masa rocosa del fondo, en cambio las dos figuras de la izquierda caen a plomo, produciendo de esta manera un ritmo asimétrico de caída y de ascensión.

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• Los colores también marcan un ritmo ascendente: la mujer encogida de la izquierda lleva un manto de color amarillo claro y luminoso, que la loma rocosa une con el color de los ángeles; y en el centro, san Juan, una masa cerrada de la que sólo sobresalen la cabeza y las manos, en un gesto de dolor y desesperación, se convierte en el intermediario entre el cielo y la Tierra, unificando el dolor en la Tierra y el dolor en el Cielo.

• El dolor, la resignación y la esperanza expresados en valores puramente visuales, es decir, con estructuras de volúmenes y colores.

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Bibliografía:Atlas histórico universal. Editorial Bruño. Madrid 1997.

Úrsula Hatje (dir.) Historia de los Estilos Artísticos, vol 1. Edit. Istmo Madrid 1973,

T. Llancay Pintat y otros: ARTERAMA, Historia del Arte. Vicens Vives 2003.

Joaquín Yarza, Fernando Collar y otros: Historia del Arte. COU. Editorial Noguer, 1978

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IMÁGENES. [Para ampliar. La mayoría no se han obtenido de estas fuentes]

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Reims, portada occidental: la Anunciación y la Visitación:http://www.catedu.es/Historia_Arte/index.php?option=com_content&task=view&id=449&Itemid=142

http://www.arssummum.com/search.php?show_result=1&sessionid=26951828d2e9db807beeae99ec154bea&page=3&sessionid=26951828d2e9db807beeae99ec154bea

Catedral de León y Vidrieras.http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Catedral_de_Leon http://www.catedraldeleon.org/ http://cvc.cervantes.es/actcult/camino_santiago/octava_etapa/leon/vidrieras.htm

Esta presentación se ha hecho con material del autor y también con fotografías tomadas de la WEB.

Cuando así ha sido, se hace constar expresamente, por lo que cuando no hay url que dirija al origen, las fotos son del autor.

Agradezco a sus autores que me permitan utilizarlas con fines didácticos, pues no hay ninguna otra finalidad para esta presentación, de la que, además, se puede servir cualquier persona libremente.

Los textos han sido, en general, refundición de los elaborados por otras personas. Se hace constar.

Higinio Rodríguez Lorenzo 2008