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DESCRIBE LAS CARACTERÍSTICAS DEL ROMANTICISMO EN LA PINTURA DE INGRES Y DE DELACROIX
El Romanticismo es un movimiento cultural global (no reducido solo al arte) y político originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo.
Se convertirá en el movimiento cultural predominante en la primera mitad del siglo XIX, coincidiendo con el ascenso al poder de la burguesía en las Revoluciones liberales y con el despertar político de los nacionalismos.
Delacroix: Grecia expirando sobre las ruinas de Missolonghi
Delacroix: La matanza de Quíos.
Géricault: La balsa de La Medusa
El Romanticismo surgió como una reacción frente al neoclasicismo, identificado con el Imperialismo Napoleónico (que además de los principios ilustrados había mostrado a Europa el horror de la guerra).
También fue el vehículo de expresión de la burguesía revolucionaria y del liberalismo político.
Finalmente, y al igual que la burguesía, una vez llegado al poder –en su caso, haberse convertido en la corriente cultural hegemónica desde mediados del siglo XIX- se hará conservador y académico.
Ya en el siglo XVIII habían surgido literatos, artistas y pensadores que –frente al mundo racional y ordenado de la Ilustración- defienden la subjetividad y la primacía del sentimiento:
• J. Jacques Rousseau publica en 1761 La nueva Eloísa, la primera obra considerada “romántica”.
• El movimiento del grupo alemán “Sturm un Drang” (Tormenta e Impulso), que defiende la sensibilidad individual sobre las ideas del Siglo de las Luces y que propugna la creación artística fuera de las normas en la que prime el sentimiento, y del que Goethe será el más reconocido.
• Los filósofos idealistas alemanes, que tratan de traspasar los límites de la razón y llegar a lo incognoscible, lo sublime, el espíritu.
• La recuperación del pasado medieval de los pueblos, como plantean literatos ingleses o los propios pensadores idealistas alemanes: el espíritu se manifiesta a través de la historia de los pueblos.
“¡Siento tantas cosas..., y mi pasión por ella lo devora todo! ¡Tantas cosas! . . . ¡Y sin ella todo se reduce a nada!”
“Toda regla asfixia los verdaderos sentimientos y destruye la verdadera expresión de la naturaleza.”
Goethe
Rompe con la tradición clasicista, basada en un conjunto de reglas académicas estereotipadas con pretensión universal y primará la subjetividad y libertad del artista; su carácter revolucionario es incuestionable.
Se exaltará la libertad individual en la creación artística y la libertad colectiva (frente a la Restauración) y de los pueblos (frente al imperialismo Napoleónico).
Se exaltará la figura el artista como Genio, capaz de expresar en su arte la manifestación del Espíritu, frente a cualquier regla preestablecidaEs el primer movimiento realmente moderno y revolucionario, pues valora la subjetividad y creatividad, la visión libre y personal del artista.
De igual modo, ante la pretendida homogeneidad que impuso Napoleón, proclaman también la identidad y libertad de los pueblos y la exaltación de su espíritu nacional, basado en su pasado.
Cada pueblo posee una idiosincrasia propia, fruto de su historia, de su cultura, de su lengua, de sus leyendas y de su pasado, frente a la pretensión universalizadora del Imperio Napoleónico, pretendido heredero de la Razón Ilustrada y que había conducido al horror y la opresión de los pueblos.
Cada pueblo debe encontrar su espíritu nacional, volviendo sus ojos hacia su pasado, especialmente a la Edad Media, frente a la valoración de la antigüedad clásica anterior.
Es un arte ligado al despertar de los sentimientos nacionales de los pueblos.
Ingres: El sueño de Ossian, (1813)
Los artistas románticos, rebeldes frente al mundo de su época, tratan de rescatar el pasado histórico o mítico de sus respectivos países y, consecuentemente, abundará la pintura histórica:
• Muchas veces de hechos vinculados al tiempo histórico que se está viviendo y de gran relevancia pública, tratados en grandes formatos.
• Otras veces, del propio pasado histórico de los pueblos.
• En ocasiones, del mundo de las leyendas, especialmente medievales, de los pueblos europeos y de obras de autores de la época.
• Otras veces como representación de los grandes héroes de las naciones.
Journées de septiembre 1830 sur la place de l'hotel de ville de Bruxelles (1835) - Gustaf Wappers
K. Friedrich Schinkel: Catedral gótica sobre el agua. 1813
Pero también existirá un enorme interés por las civilizaciones y culturas no occidentales, por lo exótico, como otras formas de manifestarse el Espíritu en otros contextos. Su atractivo residía en su carácter misterioso y anticlásico, capaz de servir de escenario a todo tipo de fantasías.
Se revalorizarán las culturas consideradas como diferentes, muy especialmente las consideradas como orientales, las asiáticas, el imperio turco, las de la India, las norteafricanas… lejanas de lo clásico y vinculadas tanto a lo misterioso, lo voluptuoso, como a lo terrible y bárbaro o a lo estéticamente pintoresco.
J.A.D. Ingres. El baño turco. 1862
Delacroix: Mujeres de Argel. 1834
En cualquier caso, este interés por lo exótico no deja de ser un modo de interpretar y caracterizar culturas radicalmente distintas a la occidental, desde una perspectiva eurocéntrica y vinculada a los primeros momentos de expansión colonial.
Es el momento en que Europa está colonizando el mundo y contacta con culturas milenarias, totalmente diferentes a la occidental y a las que someterá en el imperialismo que se desarrollará a lo largo de todo el siglo XIX.
Delacroix: Fanáticos de Tánger. 1838
Delacroix: Los Natchez, 1823-35
Consideran que la Razón no es suficiente para entender el mundo y el universo, además de haber conducido al dominio brutal del Imperio Napoleónico.
Consideran que en el hombre ejerce una mayor influencia lo irracional, los instintos; estaban convencidos de que la inspiración artística sólo se producía bajo la influencia de estas fuerzas oscuras.
Frente racionalismo ilustrado y su universalismo, se recuperan valores como la individualidad, la subjetividad, el sentimiento, la pasión, lo irracional, lo fantástico, lo misterioso, lo oculto…
Se llegará a rastrear en lo más oculto, las pulsiones, los sueños, la oscuridad, lo tenebroso…
Adolphe William Bouguereau : Dante et Virgile aux Enfers 1850
Fussli: La pesadilla. 1781
La exaltación del sentimiento podrá dirigirse en las múltiples direcciones en que este puede expresarse individual y colectivamente:
• El amor.• La melancolía.• La pasión.• El misterio, lo sobrenatural.• El horror.• Lo patético y lo grotesco.• Lo sensual.• La exaltación de los estados
religiosos.• Lo onírico.• Lo marginal, lo patológico, la
locura.• Lo incomprensible, lo oscuro
del ser humano.• La exaltación de la libertad
individual y colectiva.
Leonardo Alenza. Sátira del suicidio Romántico. 1839
Caspar Fiedrich: Abadía en el robledal. 1809
Gériccault: El loco asesino. 1822-23
Caspar Fiedrich: Mujer en ventana. 1822.
Emerge un deseo de que aparezca lo nuevo, insólito, oculto, reprimido, lo sublime, lo que está más allá del límite, lo que no puede ser comprendido por la razón, pero sí aprehendido por el sentimiento.
Muchas veces, lo sublime, lo inabarcable se identificará con la propia magnitud de la Naturaleza, con su carácter salvaje y primigenio, y ante la que el hombre no puede sino empequeñecerse.
Caspar David Friedrich : El caminante sobre el mar de nubes (1818),
De igual modo, se valora la naturaleza en su inmensidad, en su grandeza, en su enorme y a veces terrible poder.
El hombre no puede abarcar y comprender completamente esa naturaleza indómita (que la Revolución Industrial y la urbanización van progresivamente destruyendo) y ante la que surgen diferentes sentimientos, tales como la admiración, la inferioridad frente a su enormidad, la angustia ante las fuerzas incontrolables de la Naturaleza….
También se representa la naturaleza como proyección del propio sentimiento del artista, de modo subjetivo: una naturaleza empática, que despierta emociones en el espectador.
Caspar Fiedrich: La Luna saliendo a la orilla del mar. 1822
Caspar Fiedrich: El mar de hielo. 1823-24
También será un arte burgués, que reflejará no solo sus esfuerzos por conseguir el poder, como en la famosa La libertad guiando al pueblo de Delacroix, sino también:
Cuando la burguesía alcance el poder, pretenderá demostrarlo encargando a los mejores pintores numerosos retratos, como los que realizará Ingres.
Paralelamente, también habrá un interés por lo pintoresco de la vida rural, no tratado de modo realista, de reflejo de la vida de las clases populares, sino como algo curioso, flolclórico, propio de la tradición de los pueblos; casi algo exótico que se va perdiendo ante el avance del mundo burgués de las ciudades en crecimiento por la Revolución Industrial.
J. Constable: El carro de Heno. 1821
A.D. Ingres: Retrato de Louis-François Bertin. 1831
C. Spitzweg: El Paseo de domingo. 1841
La pintura será el vehículo principal del artista romántico y se caracterizará por:
• Frente al clasicismo y al academicismo, se exaltará la libertad creativa y la individualidad del artista.
• Frente al protagonismo del dibujo casi escultórico, los contornos se diluirán.
• Frente al predominio de la línea, primará el color, color expresivo, rico, vibrante.
• Frente a la pincelada uniforme, predominará una técnica rápida, pincelada suelta.
• Frente a la luz uniforme se recuperarán los contrastes lumínicos, la iluminación dramática, las atmósferas vaporosas.
• Frente al equilibrio compositivo, se recuperará la complejidad, la inestabilidad, el dinamismo, las líneas diagonales, el escorzo…
• Frente a la sobriedad y contención expresiva, se exaltará la expresión, el gesto dramático…
Delacroix: Árabe ensillando su caballo (1855)
Delacroix: Muerte de Sardanápalo. 1827
Ya desde el siglo XVIII van surgiendo artistas muy personales que –frente al clasicismo y la Razón- indagan en aspectos propiamente románticos:
• Las tenebrosas Cárceles de Invención de Piranesi.
• La visión anticipatoria de Los Caprichos de Goya, que ya anticipaban que “El sueño de la Razón produce monstruos” o La Pesadilla de Füssli.
• Las visiones terribles y oníricas de las Pinturas Negras y los Disparates de Goya.
• El horror ante la guerra y la brutalidad humana de las pinturas históricas y Los desastres de la guerra de Goya.
• El misterio ante lo sublime de Füssli y su Artista desesperado ante la grandeza de las ruinas.
• Las visiones y el mundo onírico y fantasioso de las pinturas de William Blake.
F. De Goya: Saturno devorando a un hijo. 1820-24
G.B. Piranesi: Cárceles de Invención. 1745-60
H. Füssli: El artista desesperado ante la grandeza de las ruinas 1778-80
F. de Goya: El 3 de mayo en Madrid. 1814
Füssli: La pesadilla. 1781 W. Blake: La escalera de Jacob1805
Goya: El sueño de la razón. 1799
En Francia, el neoclasicista David puede considerarse un antecedente del romanticismo, pues muchos de sus cuadros poseen un estilo heroico, grandioso, muy del gusto romántico.
Por otra parte, la mayor parte de los pintores del romanticismo francés serán discípulos de David, que van alejándose del clasicismo de su maestro y redescubriendo, a su manera personal, un nuevo estilo.
• Algunos de ellos, como Ingres, seguirán cultivando el valor de la línea, las luces claras, las figuras bellas y delicadas, recuperando aspectos de la pintura de Rafael y el gusto manierista.
• Otros, como Delacroix, se dirigirán hacia una pintura más libre, expresiva, del color y el sentimiento, dinámica… considerada más revolucionaria.
Ingres ha sido considerado tradicionalmente como un artista clasicista, si bien, pronto irá abandonando la rigidez escultural y los temas heroicos de David por un estilo diferente de carácter plenamente romántico, unido a una técnica heredada del clasicismo.
Algunos le han definido como un “romántico de la línea”, por su magnífico sentido del dibujo, por su virtuosismo técnico, su preciosismo y detallismo.
Él decía: “El dibujo comprende tres cuartas partes y media de lo que constituye la pintura.”
En su pintura predomina la línea y la pincelada detallada frente al color y la pincelada libre.
No obstante, su tratamiento de la luz y del color es muchísimo más matizado que el de los pintores neoclásicos (sequedad del color y aspecto escultórico de David) y sus figuras muestran un uso sensual, aunque mesurado, del color, recuperando en gran medida la herencia de Rafael y de los pintores manieristas.
David: Patroclo
Ingres: Bañista de medio cuerpo
Ingres.Gran Odalisca
Rafael: La Fornarina
La búsqueda de la belleza ideal, pero sensual, alejada de la frialdad neoclásica, y su gusto por las líneas curvas y sinuosas pueden considerarse como un aspecto romántico en su pintura.
La sensualidad y erotismo de sus desnudos, no pueden estar más lejos de la frialdad escultórica de los cuerpos desnudos del neoclasicismo, aunque tratados con una gran perfección técnica inspirada en Tiziano, Rafael y los pintores manieristas.
Tampoco sus atmósferas doradas, su intimidad, su misterio, el tratamiento de la piel y de su textura, de sus encarnaciones… tienen que ver con los desnudos neoclásicos.
Bañista de Valpinçon. 1808
Como señala explica Carlos González Navarro (conservador del Museo del Prado) en la exposición sobre Ingres de 2015:
“En su impulso romántico por la búsqueda de la belleza ideal sumó su fascinación por el pasado clásico a su fascinación por el arte de Rafael.
Engrandeció el retrato, el desnudo y la pintura de historia.
Sus extraordinarias dotes como dibujante le llevaron a la cúspide de esta disciplina y mostraron su inagotable búsqueda de la perfección"
La fuente. 1856
Se deja llevar por el sentimiento, la fantasía y el hedonismo oriental, que reinterpreta en clave idealizada, tal como también lo hizo Delacroix en sus Mujeres de Argel.
También en sus temas Ingres constituye un claro exponente del romanticismo.
En su Gran Odalisca, en Odalisca con esclava o en El baño turco muestra su interés por los típicos temas románticos de aspecto oriental, exótico, por la sensualidad de los harenes, por su ambiente y atmósfera de misterio.
Se retrata a la mujer vuelta de espaldas, pero girando la cabeza hacia el espectador.
Aparecen en la obra accesorios que le dan su toque oriental y acentúan intencionadamente la voluptuosidad: el abanico, el turbante y la pipa. Con gran precisión refleja la textura de las telas.
La gran odalisca (1814) es una imagen típica del gusto por los temas exóticos y orientales del momento.
Una mujer del harén recostada voluptuosamente en un diván, con una pose que recuerda a Madame Récamier, de Jacques-Louis David, de la que Ingres pintó los accesorios, a la Venus del espejo de Velázquez o a las de Tiziano.
En La Gran Odalisca aparece también un aspecto totalmente anticlásico que fue destacado incluso por sus contemporáneos:
Ingres, intencionadamente, alarga la espalda de la modelo, buscando –al modo manierista- acentuar la sensualidad de la curva de su cuerpo (se habla incluso de tres vértebras de más).
Es un claro ejemplo de deformación expresiva de la realidad, de acuerdo con la libertad creativa de un artista romántico que desarrolla su estilo individual.
En El baño turco, casi al final de su vida (1862), Ingres vuelve a representar la sensualidad, el erotismo y la alegría de vivir en un ambiente exótico.
Está basada en la obra “Cartas desde Estambul” de una aristócrata británica del siglo XVIII que muestra su fascinación por culturas diferentes.
Es un ejemplo plenamente romántico de fascinación sensual no sólo por lo oriental, sino por el propio cuerpo femenino, representado en todo tipo de posturas, por lo que se llegó a considerar una obra lasciva.
Es una exaltación de la sensualidad, del erotismo, de la alegría de vivir , del goce sensual que procura la contemplación de la belleza de estas mujeres.
La luz envolvente, sugerente contribuye a recrear esa atmósfera de misterio, de intimidad femenina, una mirada fascinada a un mundo vedado a los ojos masculinos.
Las actitudes y poses ensoñadoras de las mujeres, el misterio de la que está de espaldas, también convierten esta pintura en una ensoñación plenamente romántica.
Sus cuerpos sugerentes y de formas redondeadas, sus actitudes abandonadas y eróticas poco tienen que ver con la dura frialdad neoclásica.
Jacques-Louis DavidLa despedida de Telémaco y Eucaris, 1818
También son muy del gusto romántico algunos cuadros basados en poemas del pasado plenamente románticos, como El sueño de Ossian (1813), inspirado en la mítica figura romántica del poeta irlandés, hijo de un guerrero celta.
Vemos al bardo Ossian, recostado sobre su arpa y soñando con todos los héroes cuyas vidas luego cantará en sus poemas épicos.
Es un claro ejemplo de recuperación del pasado mítico medieval de los pueblos europeos, así como del mundo onírico, del arte, de lo sublime.
Los personajes del sueño parecen estatuas clasicistas, pero el dramatismo de la composición acentuado por los claroscuros, el aspecto espectral de los soldados que asoman, la misma figura de Ossian, la atmósfera misteriosa crean un una obra muy alejada de los cánones academicistas y más próxima al arte romántico
No solo el tema es claramente romántico, también la forma de abordarlo:
Su tratamiento de la luz y del color es plenamente expresivo, el contraste entre un fondo casi monocromático y la figura en primer plano de Ossian, el contraste entre la realidad ensoñadora del poeta y el mundo de sus sueños….
En varias obras, Ingres aborda la llamada pintura de “Trobadour”, un estilo pictórico romántico francés que se inspira en temas del pasado histórico, pero no del mundo clásico, sino en una visión romántica del pasado medieval o renacentista.
En muchas de ellas, prima más que la propia recuperación de ese pasado histórico o legendario, la carga emocional y de expresión del sentimiento, en escenas íntimas, como en Paolo e Francesca.
Ingres se inspiró en la historia de estos dos amantes recogida en la "Divina Comedia" de Dante Alighieri.
Recoge el instante en que Francesca deja caer el libro donde está leyendo la historia del amor adúltero entre la reina Ginebra, esposa del rey Arturo, y el caballero Lanzarote, cuando Paolo se abalanza sobre ella para besarla, todo ello contemplado desde las sombras por el esposo de Paola, Malatesta, que dará muerte a ambos.
En “Francisco I asiste al último suspiro de Leonardo da Vinci" Ingres recrea el momento de la muerte del gran genio del Renacimiento, en el Palacio de Amboise en presencia del rey francés Francisco I. Como señala el escritor Stendhal), sabemos que Francisco I lloró al conocer la muerte de Leonardo.
En este estilo Troubadour, lo esencial no es el rigor histórico sino la emoción que nos transmite, plenamente romántica.
En Ruggiero liberando a Angélica, se inspiró en un pasaje de la obra "Orlando Furioso", escrita por Ludovico Ariosto. Es una reinterpretación del tema caballeresco medieval de San Jorge, el dragón y la princesa, tratado con una sensualidad y erotismo más que evidentes.
Contrasta la retorcida figura femenina encadenada (con expresión abandonada, con los ojos totalmente en blanco), de un blanco irreal, con la rugosidad expresiva de la roca a la que está encadenada, el mar embravecido y la fiereza y monstruosidad del dragón.
El movimiento y la diagonal del gesto de su liberador, montado en un ser mitológico subrayan el carácter romántico de la obra.
La gran cantidad de retratos que Ingres tuvo que realizar para mantenerse son un ejemplo de un género típicamente burgués de la época, en los que pretende captar la psicología, el sentimiento y la expresión de los personajes.
En algunos de ellos, como en el de Madame Marcotte de Sainte Marie (1826) retrata a una mujer de carácter inestable, nervioso y enfermizo, que Ingres transmite a través de la mirada insegura de la retratada.
Está muy en la línea de expresión de sentimientos intimistas y a veces patológicos, melancólicos de tantas heroínas del romanticismo.
Ingres, pintor a caballo entre lo clásico y lo romántico, está tan lejano del neoclasicismo de Gerard o David como del romanticismo de Géricault o Delacroix.
Es un ejemplo claro de la libertad creativa, del genio individual y propio del autor romántico, que busca libremente su propio modo de expresión.
Ansiaba construir una obra innovadora, personal, plena de actitud romántica.
Ingres es uno de esos artistas que, por sus cualidades artísticas, no pueden ser incluidos fácilmente en ningún movimiento artístico, o que, por otro lado, debido a la multiplicidad de corrientes artísticas que toca un mismo artista, las sobrepasa todas.
Gerard: Eros y Psique
Ingres: Gran Odalisca
Delacroix: Odalisca
Tendrá enorme influencia en las vanguardias del siglo XX.
Man Ray, El Violín de Ingres, 1924Matisse. Odalisca con pantalón rojo. 1920
Modigliani. Odalisca. 1917
Ingrés: Baño Turco y Picasso: Las señoritas d’Avinyó (1907) y Bañistas
Picasso. Odalisca
Dalí. Gala de espaldas.
Una versión totalmente diferente del Romanticismo será desarrollada por pintores como Géricault o Delacroix, caracterizados por el color, el movimiento, la complejidad y la expresión exaltada del sentimiento.
Gros, discípulo de David, está a caballo entre el neoclasicismo y el romanticismo.
En su obra Napoleón y los apestados de Jaffa muestra su interés por un tema dramático de la época (ficticio), en un ambiente oriental y exótico, con un colorismo influido por Rubens y la escuela veneciana en una composición compleja, expresiva, donde la figura heroica de Napoleón destaca frente a cuerpos desgarrados, doloridos y retorcidos.
Théodore Géricault es un claro representante del romanticismo, caracterizado por la expresión exaltada, el dinamismo, el dramatismo y la libertad en la pintura, con composiciones complejas, llenas de contrastes y escorzos y con el empleo de una pincelada libre, pastosa, poco definida y alejada de los convencionalismos académicos.
En La balsa de la Medusa (1819) refleja un tema dramático, una situación extrema vivida por personajes corrientes, con clara intención de crítica política: la pasividad del gobierno francés de la Restauración ante el naufragio de una fragata, cuyos pocos supervivientes abandonados por el capitán y los oficiales, tuvieron que recurrir, desesperados, al canibalismo para sobrevivir.
Los rostros y las expresiones de las figuras reflejan un enorme dramatismo, esperanza, dolor, desesperación, resignación y agonía y contrastan con los cadáveres que se agolpan en la parte baja.
La composición se complica, llena de cuerpos en poderosos escorzos, diagonales contrapuestas, movimiento. Existe una graduación de diferentes sentimientos, desde los muertos, la desesperación y la resignación hasta la esperanza, en una diagonal que cruza el cuadro.
La atmósfera tormentosa, el mar embravecido, la presencia del viento, acentúan el dramatismo.
El juego de luces de influencia de Caravaggio, la composición asimétrica y la contraposición entre las dos pirámides de la escena (una dirigida hacia la luz, la posible salvación y otra, en sentido contrario, hacia el mar embravecido) acentúan el dramatismo de la escena.
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Théodore Géricault La balsa de “la Medusa”
Dos pirámides de movimientos divergentes:Una hacia la salvaciónOtra arrastrada a la perdición
Uniforme abandonado refleja metáfora de la decadencia de Francia
Realismo en anatomías (estudió cadáveres) pero sin perder su concepción clásica
Presencia en la lejanía del barco que los salvará
Dramatismo de situación se traduce en paisaje tormentoso.Los brillos en la distancia simbolizan la esperanza
La inmensa olaoscura acentúa la tensión dramática
Gradación de movimientosDesde la base (muertos o moribundos) hasta la cúspide donde los náufragos agotan sus últimas fuerzas enhacer señales
Composición en zig-zag, escorzos profundos, diagonal recesiva
El empleo de betún para obtener tonos más oscuro estropeózonas del cuadro
Figuras recortadaspor luz violenta
Representa un tema contemporáneo de forma épica para resaltar la desesperación de la humanidad por su abandono
Claseshistoria
Eugène Delacroix, discípulo y admirador de Géricault, es el representante más claro de ese romanticismo enormemente exaltado, pleno de expresión y sentimiento en sus personajes, de gran libertad creativa, con un colorido rico, vibrante, expresivo, influido por Rubens y los pintores venecianos, y que emplea una pincelada libre, suelta, en la que el color predomina sobre la línea. Es el máximo representante del llamado Romanticismo del color.
En sus temas es también un autor plenamente romántico, con pinturas históricas y políticas (algunas sobre su propio tiempo), como la lucha por la libertad en la Revolución de 1830 (La libertad guiando al pueblo), como la independencia de los pueblos sometidos como Grecia (La matanza de Quíos o Grecia expirando sobre las ruinas de Missolonghi).
«¿Quién se pondrá al frente de tus hijos dispersos? ¿Quién te liberará de una esclavitud a la que estás demasiado habituada?»
Lord Byron.Las peregrinaciones de Gordon Childe.
Algunas de estas obras son una clara exaltación de la libertad y de los valores del pueblo, que se convierte en protagonista colectivo. Pintura de compromiso político a favor de la libertad y en contra de la opresión, tanto del pueblo francés frente a los intentos de vuelta al absolutismo de la Restauración como de los pueblos sometidos frente a sus opresores.
«¿Quién se pondrá al frente de tus hijos dispersos? ¿Quién te liberará de una esclavitud a la que estás demasiado habituada?»
Lord Byron.Las peregrinaciones de Gordon Childe.
En La Matanza de Quíos (1824) representa un episodio de la independencia de Grecia frente a los turcos, con la matanza de 20.000 griegos y el sometimiento de sus mujeres y niños a la esclavitud.
Representa un tema de la época, dramático y desagradable, contrastando el deseo de libertad de los griegos con la opresión de los turcos y expresando y denunciando la violencia y el horror del sometimiento por parte de la tiranía.
Es un cuadro prácticamente monocromo, con unas tonalidades cobrizas que unifican el espacio y proporcionan al cuadro una luz infernal. El cuadro se compone de tres pirámides humanas.
Abundan las expresiones de miedo y desesperación.
Los cuerpos, semidesnudos y abandonados, reflejan la derrota de los griegos.
A la izquierda hay una pareja moribunda. Puede verse la sangre que recorre el cuerpo del hombre.
En primer plano, a la derecha, se encuentra la figura de una mujer vieja, que mira hacia afuera del lienzo con expresión de horror. Su presencia refuerza el patetismo de la escena. Un niño pretende amamantarse de una madre muerta o moribunda.
Detrás de ella, a la derecha, se ve a un oficial turco llevándose a una mujer desnuda, lo que enfatiza la crueldad de la masacre y contrasta la brutalidad con la sensualidad.
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Eugéne Delacroix Matanza de Quíos
Composición en diagonales,Temas en tierras exóticas(rebelión de griegos contra turcos)
Reflejo de estados de ánimo. Exaltación de la pasión
Rico juego de claroscuro
Búsqueda de encuadre oblicuo. Asimetría: el soldado turco con las dos prisioneras queda casi fuera. El centro, hueco,permite contemplar paisaje hasta una gran profundidad
Fuertes contrastes de color yuxtaponiendo complementarios o aplicandoclaras disonancias
Contraste de posturasdinámicas con actitudes de rendición
Línea de horizonte muy elevada
Atmósfera refleja estado de ánimo. Yuxtaponía varios tonos de un mismo color dando mayor intensidad
Mezcla de crueldad y sensualidad
Obras de enormes dimensiones
3´54 m.
4´17 m.
Encuadre recorta grupo de personajes como parte de un grupo mayor
Claseshistoria
En La Libertad guiando al pueblo (1830) representa los sucesos de la Revolución en París de 1830, en que el pueblo se alzó frente al intento de Carlos X de volver al absolutismo.
En una composición piramidal, sobre los cadáveres de los muertos en la revuelta (que recuerda a La balsa de la Medusa), una personificación de la Libertad y de Francia se dirige dinámica e impetuosa hacia el espectador, acompañada por miembros de las diferentes clases sociales que se levantan contra la tiranía.
La libertad, en un contraluz muy expresivo, agita la bandera tricolor de la Libertad (que sustituye a la blanca de los Borbones), que también ondea al fondo, entre el humo de la revuelta, en las torres de Notre Dame de París, muestra del triunfo de la revolución y sus ideales de Libertad, Igualdad y Fraternidad.
Es una pintura de clara intencionalidad política, en la que (como hace Goya en sus pinturas del 2 y 3 de mayo), el protagonista es el pueblo:
• Sobre los adoquines de las barricadas yacen los cadáveres, de revolucionarios y soldados.
• El burgués empuña un fusil.
• El trabajador con un sable.• El niño de las calles de
París porta dos pistolas.• Un moribundo se eleva
hacia la Libertad triunfante, símbolo de que la esperanza de alcanzarla mediante la lucha.
• Al fondo, la masa del pueblo sigue a la Libertad en su avance inexorable.
Transmite impulso hacia el espectador, dinamismo, movimiento; está llena de dramatismo, que los juegos de luces irreales, el color expresivo emotivo y el contraluz de las figuras acentúan. El cuadro es un auténtico símbolo de la libertad.
Junto a los personajes propios de su tiempo, la figura alegórica de la Libertad (y de Francia), que lleva un fusil con bayoneta, símbolo de la lucha, está representada al modo de las figuras clásicas, al estilo de las divinidades femeninas griegas (Venus de Milo) o de las Victorias aladas (si bien Delacroix no pudo conocer la Victoria de Samotracia, pues llegó al Louvre en 1867).
Lleva un gorro frigio, al estilo de los antiguos libertos romanos y que se usó en la Revolución Francesa como símbolo de la libertad y la revolución.
Esta iconografía dará lugar a la imagen de Marianne, símbolo de la Francia Republicana, y luego de la República española.
Eugène Delacroix Libertad guiando al pueblo
Muertos y barricada en primer término crean una pirámide inestable
Movimiento ascensional hacia el espectador que incluso rebasa encuadre (bandera)
Carácter simbólico del pueblo: trabajador con espada,burgués con fusil (posible autorretrato) y un joven con pistolas(todos con expresión de gran determinación)
Alegoría:Moribundo mira a la libertad (en un predominio de tonos apagados – ocres y grises - destacan los colores rojos y azul de su ropa y el blanco del difunto que está delante (bandera francesa)
Composición más equilibrada pero dotada de gran dinamismo
Pinceladas muy sueltas y onduladas
Representación alegórica de la libertad o Francia(reminiscencia a las victorias aladas griegas)
En el paisaje se ven las torres de la catedral de París
Sobre fondo azul y rojizo se recortan a contraluz las figuras
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Claseshistoria
También se inspira en obras literarias medievales (La barca de Dante) o de autores románticos de la época (como El Rapto de Rebeca, inspirada en Ivanhoe, de Walter Scott, uno de los autores favoritos para la inspiración de la pintura romántica), de Lord Byron (Giaour, Sardanápalo…).
Como tantos pintores románticos, Delacroix también se sintió fascinado por el encanto de las civilizaciones extraeuropeas, por el exotismo oriental y del norte de África, por su color, su luz y su sensualidad, por sus costumbres misteriosas, como muestran sus Mujeres de Argel (1834), en las que retoma el tema de la sensualidad del harén, o las escenas que pinta en Marruecos sobre personajes y costumbres tan alejadas del mundo occidental.
También son destacables sus pinturas sobre algunas tribus americanas, como Los Natchez (1835), en los que parece representar un mundo lleno de encanto, ingenuidad, puro, casi primigenio, un paraíso natural libre de los problemas de la civilización de la industrializada Europa.
El Mulay Abderramán, Sultán de Marruecos, saliendo de su palacio de Meknés rodeado de su guardia, 1845.
El combate de Giaour y Hassan, 1826. Basado en un relato de Lord Byron
La caza del león, 1861
Gusto por lo tenebroso, lo dramático, lo terrible, el horror, incluso la violencia desatada, como podemos observar en Dante y Virgilio en los infiernos, La muerte de Sardanápalo o La Matanza de Quíos, o en las escenas violentas entre animales o de cacerías.
En La muerte de Sardanápalo (1827) retoma un tema narrado por Lord Byron y reflejado en el pasado oriental y exótico de Asiria.
Sardanápalo se ha rebelado contra el rey Assurbanipal y ha sido derrotado. Antes de ser ejecutado decide suicidarse y para evitar que sus posesiones caigan en manos de su enemigo, decide matar a sus mujeres, sus caballos, sus sirvientes e incendiar su palacio.
La violencia de la escena es subrayada por la complicada y abigarrada composición, por el uso dramático y expresivo del color y de la luz (todo ello influido por Rubens), por el trazado vigoroso, por las líneas ondulantes (como las llamas que incendiarán todo), por la contraposición de colores, de líneas diagonales, por el brutal escorzo del lecho del rey….
Contrasta la brutalidad de la escena, que incluso representa un asesinato, con el gesto del tirano oriental, contemplando sereno y complacido la orgía de sangre, destrucción y violencia de la matanza que ha ordenado. La diagonal que se extiende desde su rostro hasta el otro extremo de la escena y el contraste de los cuerpos sensuales y marfileños que van a ser inmolados con el rojo de su lecho, acentúan el dramatismo de la composición.
Eugéne Delacroix Muerte de Sardanápalo
Fuerte dinamismo(figuras en máxima tensión en contraste con actitud relajada del rey)
Manchas de color con pequeñas y libres pinceladas o esfumatos logra difuminar los contornos, dotando a la composición de mayor dinamismo.
Diagonal dominante desde el fondo hasta el espectador que se ve confundido porejes transversales al principal
Punto de vista elevado
Sensualidad y fiereza
Contrastes cromáticos intensos(cuerpos nacarados mujeres, tela roja, etc.)
Violento claroscuro
Apelmazamiento de objetos y personajes
Preferencia por tonos cálidos
Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Claseshistoria
Su pintura no se dirige a la razón, sino a la emoción: trata de transmitir al espectador el sentimiento desbordado, el dramatismo, la pasión, la exaltación, la expresión desatada, el dolor, la rabia, la fascinación… «Cuando pinto un cuadro, no escribo un pensamiento».
Incluso en sus escasas pinturas de temática religiosa, puede apreciarse el romanticismo exaltado de Delacroix: el propio paisaje, la naturaleza se vuelve emotiva, expresiva, salvaje, terrible, como el terror que sienten los discípulos, contrastando con la serenidad de Cristo en el mar de Tiberiades.
Dinamismo, agitación, movimiento, diagonales, composiciones complejas, incluso abigarradas, asimetría, empleo frecuente de escorzos… muy en la línea de pintores como Rubens o Tintoretto.
Todo ello para acentuar el carácter emocional de las escenas representadas.
La caza del león, 1854
Ejercicios militares de jinetes marroquíes, 1832
Uso emotivo del color, empleando colores vibrantes, a veces con contrastes tremendamente expresivos, yuxtaponiendo colores (de modo que influirá en los impresionistas).
Se aprecia enormemente la influencia de Rubens en su rico y variado cromatismo (que también influirá en sus complicadas composiciones), así como los colores y la luz que admira en sus viajes al norte de África.
También su tratamiento de la luz es expresivo, para acentuar el sentimiento.
«El enemigo de toda pintura es
el gris.»
« Tintes verdes y violetas, puestos crudamente aquí
y allá, en lo claro, sin
mezclarlos.»
Pincelada suelta y expresiva, con un trazo vigoroso, que se va acentuando con el tiempo.
La pincelada es en ocasiones tan libre y tan violenta como los propios temas que representa.
Predominio del color sobre la línea, con contornos cada vez más desdibujados.
Delacroix es un claro ejemplo del artista romántico, que valora por encima de todo su subjetividad y libertad creativa y que –en uso de esa libertad-emplea todos los medios expresivos a su alcance.
Delacroix: El mar visto desde los altos de Dieppe, 1852
Más allá de las propias escenas representadas, lo que provoca la emoción en sus lienzos son sus valores plásticos: materia, luz, color, pincelada, composición.
Su libertad en la pincelada, en la luz y el color tendrán influencia posterior en los pintores impresionistas, postimpresionistas y expresionistas.
Monet: El mar en Pourville, 1882
El buen samaritano. Delacroix (1849) y Van Gogh (1890)
En Alemania (cuna del romanticismo junto al Reino Unido), los pintores románticos buscarán de modo especial lo espiritual, lo sublime, de acuerdo con el Idealismo alemán de la época y la influencia del movimiento literario «Sturm und Drang» (Tormenta e ímpetu), que defiende la sensibilidad individual sobre las ideas de la Ilustración, y lo encontrarán sobre todo:
• En el pasado histórico medieval germánico y en el arte gótico, en ocasiones mediante ruinas misteriosas, tenebrosas.
• En la naturaleza, ante la que el hombre es sólo un espectador limitado que se siente abrumado por su poder y su grandeza. Será una naturaleza subjetiva, de carácter místico, religioso, que evoca sensaciones en el espectador.
Caspar Fiedrich: El Soñador (1840 ) y La tumba de Hutten (1823-1824)
Caspar Fiedrich: Monje a la orilla del mar (1808-10)
Caspar Fiedrich: Abadía en el robledal. 1810Caspar David Fiedrich será uno de sus principales representantes.
Naturalezas subjetivas, inmensas, estremecedoras, que evocan sentimientos en el espectador.
Paisajes con evidentes representaciones de lo sagrado, aunque no aparezcan signos religiosos explícitos, en los que el hombre aparece dominado por esa naturaleza grandiosa y sobrecogedora, de enormes dimensiones.
Tratamiento de la luz buscando la mayor expresividad, con luces a veces tenebrosas, mortecinas, de amanecer, atardecer o incluso con paisajes a la luz de la luna.
Caspar Fiedrich: La luna saliendo a la orilla del mar (1822)
“Si el cuadro opera anímicamente en el espectador, si traslada su animo a una
hermosa afección, ha satisfecho esa primera exigencia de toda obra de arte.”
Caspar Fiedrich
Caspar Fiedrich: El mar de hielo (El naufragio del Esperanza), 1823–1824
Caspar Fiedrich: Acantilados en Rügen, 1818 Caspar Fiedrich: Cementerio de monasterio nevado,1817-19
Caspar Fiedrich: El Caminante sobre el mar de nubes, 1818 La típica figura de espaldas de Fiedrich se recorta a contraluz ante un inmenso paisaje alpino en una atmósfera nebulosa.
El caminante ha llegado al final de su camino y ya no puede avanzar más: ante él se abre la inmensidad y el misterio de la naturaleza, de la obra de Dios.
Ya solo le cabe (y al espectador, que se sitúa en su misma posición) la emoción, maravillarse ante lo sublime, ante el infinito, la unión mística del hombre y una naturaleza de carácter panteista ante la que el ser humano se hace consciente de su propia limitación.
La figura humana se apoya en lo terrenal y desde allí se abre al infinito, a lo sublime, al Espíritu.
En el Reino Unido el Romanticismo se ve determinado por el temprano desarrollo de la Revolución Industrial y la aparición de nuevos modelos sociales y económicos, ante los que los artistas reaccionan en muchos casos refugiándose en su propio mundo artístico interior y muy personal.
• En un primer momento hay una relación muy estrecha entre pintores y poetas, con una pintura en ocasiones visionaria.
• Frente al avance del mundo industrial, a lo largo del siglo XIX tendrá cada vez más importancia el paisaje, no de un modo místico, como en Alemania, sino pintoresco, de recuperación de una armonía natural que se está perdiendo.
W. Blake: La aparición de Beatriz a Dante, 1824-27
John Constable: El molino de Dedham, 1820
En el Reino Unido, el sentimiento romántico se inicia ya a mitad del siglo XVIII con obras literarias como los Poemas de Ossian, el bardo irlandés.
Tal vez por los tempranos cambios que sufre su sociedad, en plena transformación por la Revolución Industrial, numerosos artistas comienzan a rechazar los dictados de la Razón y a indagar en el pasado mítico, en el sentimiento, lo inconsciente, lo irracional.
Artistas como Johan Heinrich Füssli o William Blake, pintores visionarios, pueden considerarse claramente como prerrománticos.
Füssli: La pesadilla, 1790-91
Füssli es un pintor nacido en Suiza y muy influido por el romanticismo alemán, que, partiendo de modelos clasicistas y neomanieristas, en cuadros como La pesadilla (1781) se inspira en el mundo de la oscuridad, de lo inconsciente, en los sueños, en las pesadillas, con imágenes fantásticas e inquietantes, con un erotismo fantasmal, empleando frecuentes líneas sinuosas y luces expresivas que acentúan ese sentimiento: convierte a la Venus neoclásica en un objeto de oscuras pulsiones sexuales.
De igual modo, en su obra El artista desesperado ante los fragmentos de una ruina clásica (1770-1780) retrata a un artista melancólico, que se estremece ante lo sublime.
William Blake, poeta, pintor y grabador, se inspira habitualmente en obras literarias (Shakespeare, Dante, Milton, la Biblia, las leyendas y la mitología, sus propios poemas).
Tanto en sus poemas como en sus grabados critica los riesgos y los excesos de la Razón y aboga por la libertad a través de un mundo visionario subjetivo, pleno de imaginación y fantasía, con un gran simbolismo de carácter místico.
Frente a la Razón y el equilibrio del mundo clásico, el misticismo visionario de Blake encuentra su inspiración en su rico mundo interior, en su imaginación: desconfía del mundo de los sentidos y se abre a la fantasía de su mundo interior, que le conduce a la verdad.
W. Blake: La escalera de Jacob, 1805W. Blake: El anciano de los días, 1794
W. Blake: Nabucodonosor, 1795-1805
John Constable recupera el interés por el paisaje rural, que ya se desarrolló en el siglo anterior.
Suele pintar paisajes reales, no idealizados, a partir de bocetos tomados del natural, con un interés por el pintoresquismo rural y la sencillez de la vida campesina, un mundo que progresivamente está desapareciendo por la Revolución Industrial y la urbanización. Se interesa por el pintoresquismo de esa vida y esos paisajes idílicos.
En ellos aplica una pincelada libre, densa, empastada (a veces con paleta), muy interesado en los efectos de la atmósfera y de la luz en el paisaje, que refleja en sus atmósferas nebulosas, en el follaje de los árboles, en los campos de heno…
Tendrá gran influencia en los realistas e impresionistas franceses.
W. Blake: La escalera de Jacob, 1805
Constable: La catedral de Salisbury, 1823
Constable: El carro de heno, 1821
Joseph Mallord William Turner tiene una visión muy particular y subjetiva del paisaje: más que la representación exacta de lo observado le interesa la impresión que los objetos y fenómenos causan en el pintor y en el espectador.
Investiga especialmente el color (influido por las teorías de Goethe), los efectos de la luz y la atmósfera, llegando a disolver las formas, prácticamente rozando en algunas de ellas la abstracción.
Pinta al óleo y a la acuarela y con su pincelada suelta y libre, a veces pastosa, otras muy diluida, consigue captar lo sublime de la naturaleza, la fuerza de sus elementos naturales y desatados (tierra, agua, viento, niebla, lluvia, nieve…) a través del uso expresivo del color y de la luz.
Turner: El incendio de la Cámara de los Lores y los Comunes, 1835
Turner: Tormenta de nieve, 1842
Trata de despertar el sentimiento del espectador a través de la luz y del color, y de los medios a través de los que estos se propagan: la lluvia, el agua, la niebla, el vapor, la velocidad… convirtiendo sus pinturas en atmósferas nebulosas, confusas, llenas de sensaciones y matices donde las formas a veces se desmaterializan.
Considerado predecesor de los impresionistas por su interés en captar los efectos de la luz y el empleo de manchas de color y del expresionismo por su visión personal de la naturaleza.
Turner: Tormenta de nieve, Aníbal y su ejército cruzando los Alpes, 1812
Turner: Norham Castle: amanecer, 1845
En El Temerario remolcado al dique seco, que representa el último viaje de un barco de guerra antes de ser desguazado, el propio barco parece ser un héroe romántico, que se dirige a su trágico final tras su pasado heroico. Se dirige, remolcado por una pequeña embarcación moderna de vapor hacia el espectador
La atmósfera nebulosa del atardecer y la pincelada borrosa contribuyen a resaltar esa sensación y todo el cuadro transmite al espectador esa sensación de declive, que puede convertirse en una meditación romántica sobre la decadencia de la vida con el paso del tiempo.
Turner: El Temerario remolcado a dique seco, 1839
En Lluvia, vapor y velocidad, uno de los protagonistas es un elemento de la Revolución Industrial, el ferrocarril, que avanza vigorosamente en perspectiva hacia el espectador. Contrasta su ímpetu arrollador con la quietud del resto de las formas.
Los otros son la luz y el color, que desmaterializan las formas en una atmósfera densa de la que apenas se destacan las vías y el puente del fondo.
Cuadro típicamente romántico, en que los medios expresivos, la grandiosidad de la naturaleza e incluso el avance de la técnica moderna, hacen al hombre consciente de su pequeñez.
Turner: Lluvia, vapor y velocidad, 1844
La velocidad, el vapor de la locomotora y la lluvia que azota el paisaje forman una atmósfera nebulosa, que desmaterializa todos los contornos y que el pintor romántico es capaz de captar con total maestría.
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