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EL POSIMPRESIONISMO
“El sentimiento es una gran cosa sin la cual no se podría ejecutar nada”
Vincent van Gogh
Javier Cisneros
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Introducción
En la década de los ochenta del siglo XIX los postulados del impresionismo comenzaron a ser objeto de crítica. Esa revisión no concluirá en la aparición de
un nuevo “estilo posimpresionista”. Exploración de nuevos espacios artísticos
con algunas características comunes: Mayor interés por el dibujo. Preocupación por la expresión. Rechazo de lo fugaz a favor de una pintura
más profunda, reflexiva, que busque las esencias que esconde la realidad aparente. Paisaje en Le Pouldu
1890; Gauguin; óleo sobre lienzo; 73´3 x 92´4 cm; National Gallery (Washington).
Casa y árboles1890; Cézanne; óleo sobre lienzo; 65 x 81 cm; The Barnes Foundation. Merion. Pensylvania (USA)
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Los maestros posimpresionistas Los principales maestros posimpresionistas son:
Gaugin que renuncia a la luz y la perspectiva y se interesa por el color y sus significados.
Van Gogh, que trata de captar la expresiones y los sentimientos; los estados del alma. Cézanne, especialmente interesado por los volúmenes y las formas. También debemos señalar a Toulouse-Lautrec, interesado en el movimiento y lo
instantáneo. Sientan las bases de las vanguardias que florecerán a principios del siglo
XX.
Paisaje con carro y tren tras la lluvia 1890; Van Gogh; óleo sobre lienzo; 72 x 90 cm.; Pushkin Museum (Moscú)
Baile en el Moulin Rouge1890; Toulouse-Lautrec; óleo sobre lienzo; 115,5 x 150 cm.; Museo
de Arte de Filadeffia
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Paul Gauguin (1848-1903)
Marino mercante y corredor de bolsa, Gauguin comenzó a pintar en 1874, siendo su primer maestro Camile Pissarro, y se integró en el grupo impresionista 1879.
En 1883 se instaló en Bretaña (Pont-Aven) abandonando el impresionismo y comienza a desarrollar sus teorías del simbolismo. La búsqueda del significado de la vida a
través de la espiritualidad. Expresa su preocupación por la muerte, el
sexo, la maldad y el espíritu, además de la unión con la naturaleza.
Tras un viaje a Panamá y a Martinica y un intento fallido de trabajar con Van Gogh en Arlés, marchó a Tahití buscando la unidad con la naturaleza y la vida primitiva.
Autorretrato con sombrero
1893; Paul Gauguin; óleo sobre lienzo; 45 cm × 38 cm; Museo de Orsay (Paris)
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Paul Gauguin (1848-1903)
La pintura de Gauguin se caracteriza por: El protagonismo del dibujo. La ausencia de modelado, El empleo del cloissoné. Interés por el arte primitivo y el arte
japonés. Influencia de las artes decorativas.
Autorretrato1889; óleo sobre madera; 79.2 x 51.3 cm; National Gallery (Washington).
El CLOISONISMO es una técnica desarrollada en la segunda mitad del siglo XIX por Émile Bernard, uno de los primeros integrantes de la Escuela de Pont Aven y por Gauguin. Se caracteriza por el uso de colores planos, silueteados en sus contornos por una línea oscura que los delimita perfectamente. El resultado, muy decorativo, elimina las sombras y la profundidad.Su nombre se deriva de la similitud con el esmalte cloisonné, donde los alambres o láminas están soldados al cuerpo de la pieza formando alvéolos o compartimentos (cloisons), en los que se deposita masa vitrificable.
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Visión después del sermón(Jacob luchando con el ángel)1888; Paul Gauguin; óleo sobre lienzo; 73 x 92 cm.; National Gallery (Edimburgo)
Esta obra la realizó tras instalarse de nuevo en la Bretaña, en Le Pouldu, pues consideraba Pont-Aven “demasiado turístico”.
Ruptura definitiva con el impresionismo.
Las mujeres bretonas y su párroco, en primer plano, asisten a la lucha de Jacob con el Ángel que aparece únicamente en su fantasía.
Sensación de aparición, que se refuerza por una escala desproporcionada.
Influencia japonesa: La escena bíblica se separa de los
espectadores por el tronco diagonal de un árbol
irreal fondo de color rojo.
Símbolos: El manzano y la vaca de Bretaña.
Jacob de enajenación y regeneración.
Ausencia de sombra.
Formas planas, llenas de color y definidas claramente.
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El Cristo amarillo1889; Paul Gauguin; óleo sobre lienzo; 92 x 73 cm; Albright-Knox Museum (New York)
El pintor se inspiró en una talla policromada del siglo XVII.
El Cristo protagoniza la escena con su potente color amarillo y el "cloisonné”.
Las tres mujeres bretonas sugiere una visión.
Al fondo, una figura salta una valla, lo que puede indicar el deseo de evasión de Gaugin.
Lo primitivo, y lo simbólico se confunden con lo real y lo imaginario.
El colorido del fondo es típico del otoño bretón (amarillos mezclados con naranjas y verdes,).
Ejercicio de síntesis formal..
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Yo te saludo, Maria (Ia orana Maria)1892; Paul Gauguin; óleo sobre lienzo; 113´7 x 87´7 cm.; Metropolitan Museum of Art
En 1891 Gauguin decide retirarse de la civilización y se traslada a Tahití.
El primitivismo y el simbolismo se acentuarán en su pintura.
De nuevo Gauguin recurre a una visión: dos mujeres tahitianas, que aparecen en actitud de oración, observan a María y al Niño Jesús, también representados como indígenas. Tras las devotas se observa a un ángel con las
alas replegadas, inspirado en Botticelli.
Los personajes están envueltos por un paisaje exuberante, colorista. La pincelada se simplifica. El intenso contraste de la coloración
conservan un modelado impresionista (efectos de luz)
El pintor acentúa el simbolismo y la ”autenticidad” primitiva de su obra titulando sus cuadros con palabras indígenas.
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Y el oro de sus cuerpos1901; Paul Gauguin; óleo sobre lienzo; 67 x 79 cm. ; Museo de Orsay (Paris)
En septiembre de 1893 Gauguin regresó a París, donde esperaba el reconocimiento de su talento y el éxito económico, pero no lo consiguió y volvió al Pacífico, a las Islas Marquesas donde, desesperado y enfermo, pintará sus obras más famosas: Never more, Los jinetes, Joven con el abanico, Cuentos bárbaros, ¿De dónde venimos?, ¿Qué somos?, ¿Adónde vamos? o Y el oro de sus cuerpos, obras en las que pone de manifiesto su intención rupturista.
Never More1897; Paul Gauguin; Oleo sobre lienzo; 68 x 116 cm.; Courtauld Gallery (Londres)
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Paul Cézanne (1839-1906)
Nacido en Provenza, fue rechazado en la prueba de ingreso de la Escuela de Bellas Artes de Paris, lo que le obligo a trabajar en el banco de su padre hasta que desde 1862 volvió a la pintura.
Conoció a los impresionistas y expuso con ellos, pero nunca formó parte del grupo ni se integró en el ambiente artístico de París.
Desde 1881 se estableció definitivamente en Aix, donde trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional.
Su pintura, analítica y geométrica, se preocupa por la estructura y la composición de las obras.
Solo pintaba del natural.
Su obra fue poco apreciada por el público. Cézanne fue más un “pintor de pintores” y sólo los impresionistas y los primeros pintores del siglo XX apreciaron su obra, que influirá mucho en las vanguardias, especialmente el cubismo.
AutorretratoHacia 1877; óleo sobre lienzo; 25,5 x 14,5 cm.; Museo d’Orsay (Paris)
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Técnica
Para Cézanne la obra de arte es un producto creado en contacto con la realidad a base de percepción visual, teoría y habilidad artesanal.
Pequeñas pinceladas exploran el resultado de la percepción visual para ofrecer una visión auténtica y sintética de la realidad, por eso observa los objetos desde distintos puntos de vista y los representa desde perspectivas diferentes y simultáneas.
No traza contornos.
Nunca satisfecho con el resultado de sus obras, realizaba múltiples versiones de las mismas, lo que hace difícil fechar sus cuadros.
Sólo firmaba sus cuadros por complacer al comprador.
La Montaña Santa VictoriaHacia 1897; óleo sobre lienzo; 65 × 81 cm.; Baltimore Museum of Art
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Características de la pintura de Cezanne
Su trabajo “a plein air” se complementaba por su pintura de interiores, especialmente los bodegones y los retratos. Especialmente las naturalezas muertas le
permitían ordenar los objetos según sus propios criterios formales y observarlos por más tiempo que cuando trabajaba con personas.
En estas obras se inclinó por una composición exuberante y dinámica, casi barroca, pero lejos de la pura reproducción naturalista.
Bodegón con CortinaHacia 1889; óleo sobre lienzo; 55 × 74,5 cm: Museo del
Hermitage (San Petersurgo)
Naturaleza muerta con frutaHacia 1880; óleo sobre lienzo; 46 x 55 cm.; Colección privada
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Las grandes bañistas1906; Cézanne; óleo sobre lienzo; 208 cm × 251 cm.; Philadelphia Museum of Art (Estados Unidos)
La tela más grande jamás pintada por Cézanne, en la que trabajó durante siete años, hasta su fallecimiento en 1906.
La composición gira en torno a dos grupos de bañistas, separados por una mancha blanca (¿un perro?) Dos grupos de árboles inclinados enmarcan a las bañistas y abren el cuadros hacia su profundidad central.
La gama de los colores está reducida a tonos sobrios: ocre, malva y verde o azul verdoso.
La pincelada es rápida, sin detalles. La pintura se hace cada vez más intelectual y deja de lado el puro goce estético.
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Los jugadores de cartasHacia 1894-1895; Cézanne; óleo sobre lienzo; 47,5 × 57 cm.; Museo de Orsay (Paris)
Comentario
Audio Viator
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Vicent Van Gogh (1853-1890)
Hijo de un pastor protestante, estudió para sacerdote y fue misionero de mineros en Bélgica, dedicándose a la pintura desde 1880.
Sus primeras obras eran naturalistas, con mensaje social. Son obras oscuras, que retratan la vida campesina, con influencias de Daumier y de Millet.
En 1886 se reúne con su hermano Theo en París y descubre a los impresionistas, el grabado japonés y sobre todo a Gauguin, con lo que empieza a iluminar su paleta.
En 1888 se instaló en Arlés, y Gauguin compartió con él un tiempo hasta que se enemistaron. Pero le influyó en el perfilado de las figuras y en los tonos vibrantes.
Vincent sufrió varias crisis emocionales que le llevaron a periódicos internamientos en el manicomio, pero eso no detuvo su producción que incluso ganó en intensidad hasta su suicidio en 1890.
Autorretrato con sombrero de pajaVerano 1887; óleo sobre cartón, 24,9 x 26,7 cm.;Detroit Institute of Arts.
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Los campesinos comiendo patatas1885; óleo sobre lienzo; 114 × 82 cm; Museo van Gogh (Amsterdam)
ANÁLISIS
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Catorce girasoles1888; óleo sobre lienzo; 93 x 73 cm.; National Gallery de Londres
En 1888 Vincent se instaló en Arles, en el sur de Francia, huyendo de los círculos pictóricos de Paris. Vincent pretendía organizar, a partir de ahí, la comunidad de artistas del sur en la que se compartieran gustos e ideas y se ofrecieran apoyo mutuo.
Su soledad llevó a su hermano Theo a animar a Gauguin para que fuera a vivir con él a la Casa Amarilla.. Desde agosto a octubre de 1888 Vincent acondicionó la casa y para decorar las paredes pensó que podría realizar bodegones con girasoles provenzales.
Vincent emplea una gruesa línea para marcar la silueta del jarrón y la supuesta mesa que delimita el espacio en el que se sitúa el bodegón.
Las flores, obtenidas con una amplia gama de amarillos y verdes, transmiten una sensación vital de alegría que representa el ánimo del artista en estos días.
La pincelada es rápida. La pared posterior produce un efecto de
sombreado, mientras que la superficie que soporta el jarrón queda lisa. El mismo efecto se ve en la parte superior e inferior del jarrón.
Las flores se hicieron con toques suaves, mientras que las hojas y tallos se realizaron con pinceladas más fuertes.
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La habitación de Van Gogh en Arles1889; óleo sobre lienzo; 57,5 x 74 cm; Musée d'Orsay (Paris)
En una carta dirigida a su hermano Théo, Vincent explica lo que le incita a pintar esa obra: quiere expresar la tranquilidad y resaltar la sencillez de su dormitorio mediante el simbolismo de los colores.
Los tonos son los más apreciados por Vincent; amarillo y azul, con pequeñas pinceladas de verde y rojo para jugar con los contrastes.
“Cloisonnisme",.
La pincelada suelta no implica que olvide el detalle de los objetos, como heredero de la tradición de la pintura flamenca y holandesa del Barroco.
La perspectiva, se marca mediante las líneas del suelo y de las paredes. Sin embargo, abandona las sombras y la textura tradicional, creando superficies planas de clara inspiración oriental.
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Lirios1889; óleo sobre lienzo; 74,3 x 94,3 cm.; Paul Getty Museum (Los Ángeles)
Esta obra, una de las más populares de Van Gogh, fue realizada durante su estancia en el hospital mental de Saint-Rémy, en el que ingreso por voluntad propia.
Las flores ocupan todo el espacio pictórico, empleando una perspectiva frontal, dando la impresión de ser una fotografía.
Las líneas onduladas se adueñan de la composición.
Vincent juega con los tonos complementarios al recurrir a verdes y malvas, acompañados de naranjas y amarillos, creando una gran riqueza cromática y de luz.
El cloisonnismo comienza a desaparecer y las pinceladas, rotundas y empastadas, se adueñan del espacio.
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Autorretrato1889; Vincent Van Gogh; óleo sobre lienzo;65 x 54,5 cm.; Museo de Orsay (Paris)
Este retrato, uno de los más significativos de Van Gogh, lo pintó Vincent inmediatamente después de su recuperación.
El pintor se presenta como un hombre con una salud aceptable pero con preocupaciones interiores, como demuestran su gesto y su mirada, y como refuerzan las turbulencias que sirven de fondo al retrato.
La técnica es muy personal; la línea ondulada se adueña de la imagen en el fondo y en la chaqueta.
El contraste de azul y naranja, colores complementarios, se refuerza por la línea marcada por los contornos (chaqueta, ojos, etc.),
La técnica aparece al servicio de los componentes expresivos del cuadro y de la personalidad del sujeto
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Noche estrellada1889; óleo sobre lienzo; 73´7 x 92´1 cm.; Modern Art Museum de Nueva York (MOMA)
La noche era un tema atractivo para Vincent planteaba una luz diferente a la que había empleado habitualmente.
Esta obra, que refleja lo que van Gogh veía desde la ventana en el manicomio se convierte en una expresión intensa de la fuerza de la naturaleza
Las estrellas aparecen como puntas de luz envueltas en un halo luminoso,.
La pincelada. ondulante, larga y pastosa es una de las más personales de la historia de la pintura: un trazo a base de espirales que dominan la composición en el cielo y los cipreses de primer plano
Los colores se presentan con cambiantes contrastes de primarios y complementarios. Los tonos son los comunes a todas sus obras de esa época: malvas, morados y amarillos.
Los remolinos de colores intensos contra la noche sombría crean un obsesionante estado de ánimo, en el que la euforia del artista no esconde su agitación general.
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La iglesia de Auvers1890; óleo sobre lienzo; 94 x 75´4 cm.; Museo de Orsay (Paris)
Durante dos meses Theo Van Gogh envió a su hermano Vincent a residir en el pueblo de Auvers-sur-Oise, al noroeste de París, y allí pintó ¡80 cuadros!.
La luz nocturna, dota a la pequeña iglesia gótica de una sensación fantasmagórica.
La pincelada se convierte en pequeños toques de color, que se aprecian a simple vista y otorgan mayor ritmo a la composición.
Las líneas de los contornos están muy marcadas (deseo de Vincent por demostrar sus logros con el dibujo).
El cielo es plano, empleando una pincelada en espiral, que destaca la intensidad del colorido.
Los tonos son muy personales: malvas, verdes, amarillos y blancos, añadiendo pequeñas superficies de color naranja.
La mujer que camina por el sendero proporciona mayor vitalidad y realismo a la escena.
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Doctor Gachet (primera versión)1890; óleo sobre lienzo; 68 x 57 cm.; colección particular
En Auvers-sur-Oise Vincent estuvo vigilado por el doctor Gachet, amigo de algunos pintores impresionistas. La relación entre doctor y pintor fue muy estrecha y fruto de ella fue este retrato.
Retrato intimista, casi familiar, que nos acerca al doctor, con gesto cansado y mirada al vacío, recortado sobre un fondo azulado.
La línea ondulada se adueña de la composición y contrasta con la mesa ha sido pintada plana, (estampa japonesa).
Los tonos empleados son oscuros, recurriendo al rojo y al azul como colores complementarios; en contraste, el rostro y las manos del médico son más claros.
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Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901)
Hijo de un aristócrata del sur de Francia, su vida estuvo marcada por un accidente en la infancia que le dejó tullido y enano.
En los años 80 se formó como pintor en Paris donde comenzó a frecuentar los locales de diversión nocturna.
También viajó por España, Inglaterra, Portugal, Bélgica y Francia.
Recibe la influencia de las propuestas decorativas del modernismo, pero su temática es el realismo testimonial del París de fin de siglo y de sus personajes a los que presenta de expresiva y deformante de la realidad, bordeando la caricatura.
Fue cartelista de los locales que frecuentaba (cabarets, editoriales, galerías de arte) diseñando reclamos a base de grandes superficies de color.
Doble retrato de Toulouse-Lautrec1890; Maurice Guibert; fotomontaje
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La toilette1889-91; óleo sobre cartón; 64 x 52 cm.; Museo de Orsay
La figura de la joven pelirroja y con la piel muy blanca aparece de espaldas al espectador, sentada sobre una alfombra.
La despreocupación por el entorno sirve de carta de presentación del naturalismo radical de Toulouse. Reforzado por la pose de la figura.
Punto de vista fotográfico.
Fuertes pinceladas que dan una impresión abocetada a la obra.
El colorido (malvas, amarillos, verdes y azules) muestra el punto de partida impresionista de Toulouse-Lautrec pero su interés se centra en el modelado y el dibujo. Homenaje a Degas.
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En el reservado (del "Rat Mort“)1899; óleo sobre cartón; 55 x 46 cm: Courtauld Gallery
Cronista de la vida social, más o menos sórdida, del País de la Belle Époque, Toulouse presenta aquí una escena del l "Rat Mort“, uno de los restaurantes más caros de París; donde Lucy Jordain, una de las cortesanas de moda, aparece sentada a la mesa junto a un caballero.
Contrario a su técnica habitual, en la que otorga una mayor importancia a la línea y al dibujo, en esta composición resalta su interés por los tonos y las luces artificiales que iluminan el espacio.
El óleo se aplica con pinceladas largas y empastadas aunque aparezcan algunas zonas con cierto detalle (platos, copas, frutero).
La camac. 1893; óleo sobre cartón; 54 x 70,5 cm.; Museo de Orsay
El naturalismo de Toulouse se muestra en esta obra en estado puro.
El pintor actúa casi como un espía de lo cotidiano, mostrando a estas dos mujeres que comparten el descanso.
El encuadre fotográfico del tema implica al espectador cuyo punto de visión se pretende que sea el mismo del autor
Más allá de la interpretación más o menos provocadora del cuadro (prostitutas, lesbianismo, etc.) lo que el artista transmite es la una veneración por la vida que trasciende a los personajes retratados y que eleva a la categoría de arte lo que es efímero y en apariencia insignificante.
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Jeanne Avril bailandoHacia 1892; Henri de Toulouse-Lautrec; óleo sobre cartón; 85,5 x 45 cm; Grand Palais (Musée d'Orsay, Paris)
Una de las grandes musas de Toulouse-Lautrec, amiga suya hasta su muerte, será Jane Avril, bailarina del Moulin Rouge desde 1891. En esta composición la vemos en un momento de su nerviosa danza, bailando sola.
A Toulouse-Lautrec le interesa la figura y el movimiento,, por lo que parte del cartón está sin pintar; sin embargo, para crear sensación de profundidad, ha esbozado dos figuras al fondo. Ejemplo de la habitual economía de
medios del pintor.
De nuevo destaca el interés otorgado a la línea frente al color.
Moulin Rouge1891; litografía en color; 170 cm × 118.7 cm; Indianapolis Museum of Art
Desde 1981 Toulouse-Lautrec realizó carteles para los locales nocturnos más conocidos de la bohemia parisina (Le Moulin Rouge, el Jardín de Paris o el Folies Bergère). En estas obras, el artista retrata a algunas de las principales figuras de este universo: bailarinas, cómicos, cantantes, divas, empresarios, etc.
Toulouse-Lautrec renovó este género recurriendo a fuentes distintas de las del Art Nouveau, como la estampa japonesa que incorpora a través de la simplificación de líneas. También se puede rastrear la influencia de pintores como Degas y Gauguin.
El impacto cromático que Toulouse-Lautrec consigue con el uso de tintas planas de vivos colores y los enfoques fotográficos hace que sus trabajos sean inconfundibles.
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Ambassadeurs 1892; Litografía en color; 150 × 100 cm.; The San Diego Museum of Art
Este cartel, con el que se llenó el centro de Paris y lanzó definitivamente a Toukouse Lautrec en su faceta de publicista de espectáculos, está dedicado a la actuación del cantante Aristide Bruant en uno de los cafés cantantes más importantes de la capital francesa.
La obra es casi una declaración de principios y de estilo: Colores planos. Fuertes contrastes. Dibujo sintético, de trazado seguro, que no
elude la percepción de la personalidad del protagonista.
Integración de la tipografía en la composición.
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