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PABLO PICASSO (1881-1973)
“Me llevó cuatro años pintar como Rafael…”
Escena taurina y de palomas, 1890
PABLO PICASSO (1881-1973)
“…pero me llevó toda una vida aprender a dibujar como un niño.”
PABLO PICASSO (1881-1973)
Autorretrato, 1972
La trayectoria de Picasso no puede encasillarse en una evolución lineal o tan solo como un miembro más de alguna de las tendencias artísticas de su tiempo.
Experimentó todo tipo de estilos:
No obstante, fue protagonista de algunas vanguardias, como el Cubismo, que fue creada por él.
Tampoco cabe limitarlo a a la pintura, aunque sea esta su actividad principal, pues sus dibujos, grabados, cerámicas y esculturas ocupan un lugar destacado en el arte del siglo XX.
Periodo de formación (hasta 1900): Talento especial desde niño:
"Yo no he hecho nunca dibujos de niño. Jamás, Ni siquiera cuando era pequeño. Recuerdo uno de mis primeros dibujos. Tendría quizás seis años o menos. En casa de mi padre había en el pasillo un Hércules con su clava. Pues bien, me metí en el pasillo y dibujé a Hércules. Pero aquello no fue un dibujo de un niño. Fue un verdadero dibujo que representaba a Hércules con su clava."
El último toro y palomas, 1890
Talento especial desde niño:
El picador amarillo, 1890
Además de estudiar bachillerato, asistirá a la Escuela de Bellas Artes en La Coruña y en Barcelona.
Para ingresar en la Escuela de Bellas Artes de la Lonja había que tener veinte años y pasar unos exámenes, pero Picasso no tuvo dificultad en matricularse y continuar su aprendizaje.
Primera Comunión, primavera de 1896
Torso, 1893-4
Estilo realista, academicista, con composiciones muy cuidadas y con gran interés por el retrato. Llegó a recibir una mención de honor en la Exposición General de Bellas Artes de 1897 celebrada en Madrid
Ciencia y Caridad, 1897 En sus primeras
obras, como La primera Comunión y Ciencia y Caridad, que realiza con quince y dieciséis años, Picasso se muestra como un pintor precoz que domina los resortes académicos de un naturalismo cargado de connotaciones literarias.
En octubre de 1897 ingresa en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid.
Pierde pronto el interés por las clases y visita el Museo del Prado, donde copia y aprende a conocer a los pintores clásicos más importantes:
Velázquez, El Greco, Goya y Tiziano. Copia del Retrato de Felipe IV de Velázquez,
1897-8
Regresa a Barcelona y frecuenta los cafés y salas de Barcelona , con los pintores modernistas de la época, conectados con París (pintores como Sunyer, Rusiñol, Casas, Nonell, Mir, Utrillo)
Se reúne con ellos en la taberna de Els QuatreGats y adquiere un aspecto basado en el Modernismo y el postimpresionismo.
Hoja del Menú de Els Quatre Gats dibujada por Picasso en 1899
En algunos de sus cuadros sigue las tendencias postimpresionistas, exaltando el color de un modo protofauvista.
Entrada de la plaza. Barcelona. 1900
1900 viaja a París junto con sus amigos Carles Casagemas y Manuel Pallarés.
Frecuenta los ambientes de los cafés-concierto y cabarets como Le Moulinde la Galette, Le Chat Noir o el Moulin Rouge, visita el Louvre y conoce la pintura de Cezanne, Toulouse-Lautrec, Degas, Signac, oVan Gogh.
En junio de 1901 hace su primera exposición en la galería del marchante André Vollard, con pinturas de aspecto postimpresionista.
El Moulin de la Galette, Noviembre de 1900
Se percibe la influencia de maestros como Renoir, Signac, Toulouse-Lautrec, Cézanne, Van Gogh…
Naturaleza muerta, 1901
Margot, 1901
Periodo azul (1901 – 1904)
En 1901 desarrolla su primer estilo propio, con la llamada etapa azul, por el uso mayoritario de este color y por los temas escogidos, de carácter triste y melancólico: personajes alegóricos famélicos y desolados, mendigos, prostitutas y retratos de amigos y autorretratos.
Gran influencia de la pintura de El Greco: alargamiento desproporcionado, estilización de rostros…
Evocación. El entierro de Casagemes, 1901
Sentimiento trágico y pesimista, en sus duros primeros años en París, la muerte de su amigo Casagemas…
La frialdad del color azul le sirve como simbolismo para expresar una visión de la vida desgarrada.
Retrata a personajes solitarios, marginales, melancólicos, que sufren…
Importancia del dibujo, pintura de carácter simbolista y muy expresiva.
Evocación. El guitarrista ciego, 1903
Desamparados. Madre e hijo, 1903
La vida, 1903
Periodo Rosa (1905-6)
En otoño de 1904 inicia una etapa más optimista. Conoce a Fernande Olivier y acaba con la melancolía e inicia una vida más estable.
Su paleta cambia a tonos rosados y ocres, más alegre.
Los temas también: frente a los desamparados de la época anterior, se centra en el mundo del circo (arlequines, acróbatas y saltimbanquis) y sus personajes, aunque con cierta melancolía.
Importancia del dibujo y el color rosa, que le sirve para exaltar esos nuevos temas.
Acróbata con balón, 1905
Pintará numerosos arlequines, personaje que será muy repetitivo en la obra de Picasso, muchas veces como una personificación del propio pintor.
Arlequín con copa. Autorretrato, 1905
Arlequín sentado, 1905
Familia de saltimbanquis, 1905
En esta época, poco a poco el volumen va cobrando protagonismo y comienza a simplificar las formas, adoptando un estilo más geometrizado.
Muchacho llevando un caballo, 1906
En un pueblo leridano (Gósol) se fascina por la simplicidad de la pintura románica, que le estimulará por su sencillez y autenticidad.
Picasso, Mujer del Pan, 1906.
Virgen Románica de Gósol
También contempla las exposiciones de arte ibérico, que se exponen en 1906 en París. La simplicidad y estilización de sus formas impresionan a Picasso, que le servirán de inspiración durante esta época.
Exvotos en piedra del Cerro de los Santos y cuadro de Picasso 1907
El arte africano (en 1907 el museo etnológico de Paris expuso una colección de máscaras africanas) atrajo a Picaso tanto como a otros jóvenes artistas de la época, como Matisse. Su esquematización geométrica, simplicidad, antinaturalismo llamarán enormemente su atención, mostrándoles que era posible trasmitir muchas cosas a través de formas simples.
Máscaras africanas. Picasso, Busto. Estudio para las Señoritas de Avignon, 1907
Experimenta estas nuevas ideas en algunos retratos, como el de Gertrude Stein, protectora y amiga del pintor, que empezó en estilo rosa en 1905.
Su inexpresivo rostro se ha realizado mediante líneas esquematizadas, las líneas se han simplificado, incluso no le importa romper la simetría del rostro, como en una escultura ibérica.
Algunos emplean para este periodo el término etapa negra.
Retrato de Gertrude Stein, 1905-06
Picasso iba con frecuencia al Louvre "...donde quedó intrigado por el arte de los egipcios y de los fenicios, que en esa época era considerado generalmente como bárbaro. Las esculturas góticas del Museo de Cluny reclamaban un atento examen, y reparó de manera más distante en el encanto de las estampas japonesas que habían estado de moda algunos años, y en consecuencia le interesaban menos. Picasso experimentaba más satisfacción descubriendo cosas en las que los demás todavía no habían reparado“ (Roland Penrose).
A través de la valoración de estos tipos de arte, ajenos a la tradición occidental, Picasso se orienta hacia planteamientos novedosos, de vanguardia, que supondrán la principal ruptura del arte occidental
Autorretrato, 1906
Comienza a buscar en la naturaleza, no su apariencia, sino todo aquello imperecedero y eterno, sus formas esenciales y primitivas y Cézanne se convierte en el modelo a seguir.
El nacimiento del cubismoA partir de estos descubrimientos, Picasso inicia la creación de la obra más rompedora del arte moderno, Las Señoritas de Avignon, con la que surgirá el cubismo entre 1906 y 1907.
Esta obra es una ruptura consciente de todo el sistema de representación de perspectiva que se había instalado desde el Renacimiento.
Rompe con la representación monofocal de la perspectiva e introduce la simultaneidad de la visión, contemplando y simultaneando diferentes puntos de vista, liberando a la pintura de las limitaciones de la representación tradicional
Las señoritas de Avignon, 1907
• Renuncia al volumen y a la perspectiva y el cuadro es plano.
• Los planos del fondo y frontal se fundenpintura plana.
• Las formas se geometrizan y se deforman.
• La figuras se descomponen en planos de diferentes vistas, que se yuxtaponen y superponen.
• Conviven las vistas de frente, de perfil y de lado en una misma figura, como en el arte egipcio.
Las señoritas de Avignon, 1907
• Para la figura de la izquierda se inspiró en una escultura egipcia.
• Para las cabezas de las dos figuras centrales en modelos de la escultura ibérica.
• Las dos cabezas de las figuras de la derecha, que Picasso cambió durante la ejecución del cuadro, revelan su interés por la escultura negra.
• Picasso rompe con todas las ficciones y modelos de representación, así como con los modelos de belleza establecidos desde el Renacimiento y mantenidos por la tradición academicista. Las señoritas de Avignon, 1907
Junto con Georges Braque, prosigue en la senda iniciada y, siguiendo la obra de Cézanne, realiza diferentes obras en la que simplifica al máximo los volúmenes y los geometriza, primando la recuperación de la forma frente al color.
Frente a las visiones pictóricas del Impresionismo, llevan los postulados de las obras de Cézanne a sus últimas consecuencias.
La Dríada, 1908
En sus pinturas de esta época primará la reducción de las formas a su máxima simplificación geométrica, con una gama cromática muy reducida. Pintarán numerosas naturalezas muertas y paisajes. Son los primeros experimentos cubistas, que algunos han llamado protocubismo o cubismo cezanniano.
En el verano de 1909, ambos pintarán sus primeros paisajes cubistas, como los que pinta Picasso en Horta de Ebro.
Sus experimentos cubistas avanzan en la descomposición de las formas y los volúmenes en cada vez mayor cantidad de facetas, de planos cortados y fragmentados, que darán lugar al cubismo analítico.
Cabeza de mujer con montañas al fondo. 1909
Cubismo analítico (1909-11)
Mediante esta investigación formal, las formas -que se habían geometrizado en la etapa anterior-se descomponen en innumerables planos de tamaño desigual, discontinuos y cortados con complejos entramados de líneas.
El volumen y la profundidad de los objetos desparecen ante la infinidad de fragmentos en que se descomponen, como si se contemplase la imagen a través de un cristal esmerilado.
Se superponen y yuxtaponen innumerables planos correspondientes a diferentes visiones del objeto.
El color prácticamente desaparece, pues lo que importa es el análisis y descomposición de la realidad.
Retrato de AmbroiseVollard, 1910
Los planos van siendo cada vez más pequeños y las formas parecen disgregarse.
La pincelada es muy pequeña, de carácter puntillista, que contribuye a la descomposición formal.
Los objetos se hacen casi irreconocibles. Es el llamado cubismo hermético.
La descomposición de las formas en facetas está a punto de sobrepasar el límite de lo figurativo y desembocar en la abstracción.
Tan solo se incorporan algunas pequeñas referencia, pequeños objetos, letras o los propios títulos para hacer referencia a la realidad exterior.
El hombre del clarinete, 1911
Cubismo sintético (1912-Guerra Mundial)
Ante el riesgo de la abstracción, de la que Picasso renegaba, a partir de 1912 trata de recuperar las formas mediante el empleo de planos de mayor tamaño: sintetiza los objetos a sus planos más esenciales y reconocibles, que se superponen sobre el cuadro.
Mujer en camisa sentada en un sillón, 1913
Frente a la descomposición del objeto, trata de reducirlo a sus formas geométricas más esenciales, pero suficientes para caracterizarlo.
El color se va recuperando y ayuda a reconocer el objeto.
Incorporan letras y palabras en el cuadro.
Otra gran novedad es la introducción de nuevos materiales que se pegan sobre el lienzo, tales como papeles pintados que imitan madera, hules de plástico, cuerdas o etiquetas.
Naturaleza muerta con silla de rejilla, 1912
Surge el collage, que es un nuevo procedimiento artístico, intermedio entre la pintura, la escultura, el ensamblaje.
Introduce fragmentos de realidad exterior en la propia realidad del cuadro.
El objeto ya no es despedazado / analizado en multitud de planos, sino que empieza a ser sintetizado en sus formas esenciales y volverá a ser fácil de descifrar.
La entrada en el cuadro de materiales extrapictóricospermite dar a cada superficie una estructura más simple y una textura mucho más variada.
Volverá recuperarse progresivamente la variedad cromática.
Picasso. Guitarra, 1913
Guitarra, 1913
A partir de 1915, va introduciendo planos cada vez más grandes, que contrastan unos con otros a través del colorido. Algunos han denominado a este cubismo sintético como cubismo decorativista, al tener como base la combinación de colores contrastados en grandes planos, muy lejanos de la monocromía del cubismo analítico.
Los tres músicos, 1921Arlequín tocando la guitarra, 1918
Entre 1915 y 1935 Picasso experimentará diferentes estilos sin coherencia entre ellos:
Surrealismo: La danza, 1925Cubismo decorativo: Los Tres músicos de 1921
Clasicismo: Los enamorados, 1923
Etapa clásicaHacia 1916 deja de continuar en sus experiencias cubistas y vuelve a las formas y modelos clásicos.
Regresa al clasicismo, inspirado en Ingres, en Giotto, della Francesca…, pero de un modo actual, explotando las posibilidades formales de este lenguaje.
Sus tonalidades tienden a ser cálidas, pero lo más característico es la importancia que otorga al volumen de los cuerpos, mediante figuras simplificadas, de anatomías robustas, muy macizas, poderosas…
En muchos caso, sus ropas recuerdan las estrías de los fustes de las columnas griegas y parecen altorrelieves arcaizantes.
Recupera el volumen, el claroscuro…La flauta de Pan, 1923
Tres mujeres en la fuente, 1921
Dos mujeres corriendo en la playa, 1922
También desarrolla en este estilo numerosos escenarios y vestuario para obras de teatro y ballets, especialmente para los ballet rusos de Sergei Diaghilev.
Decorado para el ballet Parade, de Satie, 1917
El surrealismo en Picasso (1925-35)
Desde 1925 y tras el surgimiento del movimiento surrealista, Picasso comienza a experimentar con nuevos lenguajes expresivos.
Sin renunciar al cubismo, su pintura se vuelve más intranquila y violenta.
Las figuras se deforman y distorsionan y Picasso trata de hacer aflorar su inconsciente más oculto, muchas veces a través de seres monstruosos o mitológicos, que serán frecuentes en su universo creativo.
La danza, 1925
Gran desnudo en salón rojo, 1929
Las formas progresivamente se van deformando cada vez más, dando paso a un estilo cada vez más expresionista.
La crucifixión, 1930
Figuras a orillas del mar, 1931
De 1928 a 1931 realiza obras en las que abundan extrañas formas de aspecto orgánico, muy deformadas, en las que abundan los tonos marrones o anaranjados.
Es un periodo en el que la pintura de Picasso se vuelve cada vez más expresionista, probablemente en consonancia con las difíciles circunstancias de los años 30.
Las deformaciones de los personajes se extreman, se hacen cada vez más violentas y atormentadas: aparecen personajes de aspecto amenazante, como algunas de las mujeres que pinta.
Sus formas se descomponen, se basan en trazos angulosos y agudos, de "una violencia que refleja un espíritu atormentado".
Mujer sentada al borde del mar, 1929
Corrida de toros, 1934
Minotaruo y Dionisos. 1933
Paralelamente, entre 1933 y 1936 desarrolla un surrealismo cada vez más simbólico y violento.
Abundarán los temas taurinos y los minotauros, en obras cargadas de erotismo y alusiones sexuales bastante explícitas, junto con otros universos oníricos difíciles de interpretar.
Empleará en ocasiones un dibujo clasicista que expresa turbulentos mundos interiores.
Minotauro y yegua muerta delante de una gruta y niña, 1936
En algunas de estas obras van apareciendo algunas de las claves y de los personajes que luego formarán parte del Guernika.
Son obras muy personales, de mundos surrealistas y de carácter expresionista.
Picasso simpatiza con la República y llega a ser nombrado a finales de 1936 director honorífico del Museo del Prado.
Con el inicio de la guerra civil, toma partido en favor de la República.
Sus obras son cada vez más desgarradas y expresionistas, de formas angulosas y expresan la tragedia que vive España, aunque él sigue viviendo en París.
La suplicante, 1937 Mujer llorando, 1937
Este expresionismo picassiano culmina en su obra más famosa, Gernika (1937), en la que expresa de modo dramático los horrores de la guerra y sus consecuencias, en una visión de auténtica pesadilla.
Lo pintó por encargo del gobierno de la República, para el pabellón de España en la Exposición Universal del París y denuncia el bombardeo de la ciudad vasca de Guernica, por la Legión Cóndor.
Es un manifiesto artístico y social, una metáfora del horror, en el que –manteniendo los presupuestos del cubismo- emplea un lenguaje profundamente expresionista orientado a conmover la sensibilidad del espectador.
Previamente había realizado los aguafuertes titulados Sueño y Mentira de Franco, a modo de historieta, en las que satiriza cruelmente los efectos devastadores de la "cruzada" franquista contra el pueblo español.
Estos dibujos satíricos se convirtieron en la base de partida para comenzar el gran mural que el gobierno republicano le había encargado para la Exposición Internacional de París
Sueño y mentira de Franco1. 1937. Primera plancha
Tras conocer los estragos del bombardeo de Guernika el 1 de mayo de 1937, que estremecieron al mundo entero, Picasso ya tenía un tema concreto para el encargo del gobierno de la República: el bombardeo de Guernica por la aviación alemana le sugirió a Picasso el tema del cuadro, para convertirlo en una metáfora del horror de la Guerra.
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“Mi trabajo es un grito de denuncia de la guerra y de los ataques de los enemigos de la República establecida legalmente tras las elecciones del 31 (...) La pintura no está para decorar apartamentos, el arte es un instrumento de guerra ofensivo y defensivo contra el enemigo. La guerra de España es la batalla de la reacción contra el pueblo, contra la libertad. En la pintura mural en la que estoy trabajando, y que titularé Guernica, y en todas mis últimas obras expreso claramente mi repulsión hacia la casta militar, que ha sumido a España en un océano de dolor y muerte.”Pablo Picasso, 1937.
Es un óleo sobre lienzo de grandes dimensiones que se caracteriza por la ausencia de color, tan solo reducido a blancos, negros y grises.
Las líneas angulosas y violentas dominan la composición.
Los cuerpos son planos, no hay volumen (tan solo el caballo posee una ligera sensación volumétrica). Fondo y figuras se funden en el horror en una pintura plana.
Las figuras están distorsionadas, y en sus rostros y cuerpos se aprecian los planteamientos cubistas de descomposición de la forma.
La composición está muy estudiada, en forma de pirámide, como si fuera un frontón clásico, pero también como si fuera un tríptico.
En ella se disponen los personajes desde diversos puntos de vista a la manera de los grandes planos geométricos utilizados en su etapa del cubismo decorativo, pero renunciando al color, empleando tan solo el blanco, negro y gris, como las fotografías que mostraban en la prensa los horrores de la guerra: es una pintura, una obra de arte, pero también un documento que quiere mostrar al mundo los horrores de la guerra y del fascismo.
Hay quienes sugieren una posible influencia de Rubens en la composición:
Rubens: Los horrores de la guerra, 1638
Durante la ejecución del cuadro introdujo numerosos cambios.
Lo que realizó Picasso fue una crítica de la muerte del inocente. De ahí, la perdurabilidad y vigencia de su mensaje, no un acontecimiento concreto y panfletario, sino un símbolo universal sobre los horrores de la guerra.
Expresa artísticamente lo que siente ante la barbarie de los sublevados y los horrores de la guerra, dando a su denuncia un valor universal.
Bocetos para el Guernika
https://es.slideshare.net/piluchi/guernica-ampliado
El cuadro y sus nueve personajes han tratado de ser interpretados simbólicamente de muy diferentes formas.
En cualquier caso, lo más relevante es que se han convertido en símbolos universales de la humanidad y de la tragedia que supone para ella la guerra.
Una moderna visión de la Piedad, que clama por la muerte
de su hijo
Una mujer que clama al cielo envuelta en llamas
El grito terrible del caballo desgarrado, con su cuerpo retorcido y atravesado por una lanza, ¿como los que –víctimas inocentes- quedan desgarrados en las corridas de toros?
Un ave que grazna al cielo ¿hasta la paloma de la paz grita?
El guerrero/escultura desmembrado, con una espada rota y una flor, símbolo de la matanza y la destrucción
Solamente una figura, el toro de la izquierda, que parece cobijar a la mujer con el niño muerto, aparece representado como un personaje ajeno al drama y mirando al espectador:
¿Una referencia al pintor narrador que refleja la tragedia española?.
Picasso emplea en el cuadro toda su sabiduría, todos los recursos plásticos que ha ido experimentando, para reflejar el horror por la guerra:
• Geometrismo, visiones múltiples, figuras a la vez de frente y de perfil, desaparición de la perspectiva, eliminación del color, bidimensionalidad… típicamente cubistas.
• Deformación y exageración de formas y líneas de carácter expresionista, gestos desgarrados, lenguas como cuchillos…
• Pureza y depuración de líneas, aspecto estatuario del guerrero caído, reminiscencia de su experiencia clasicista.
• Escena de pesadilla, en la que la horrible realidad ha superado al peor de los sueños que pudiera imaginar una mente surrealista. Ojos que se han metamorfoseado en lágrimas, lenguas que se han convertido en cuchillos…
Durante La Segunda Guerra Mundial Picasso permanece en París sin ser molestado por los nazis y se recluye voluntariamente en su estudio solo a pintar.
Sus obras de este periodo siguen mostrando la tragedia, el dolor, se deforman… siguen apareciendo los personajes fantasmagóricos de los años 30….
Naturaleza muerta con cráneo de toro, 1942 Mujer con
pescado por sombrero, 1942
Cráneo de toro, 1942. Elementos originales: sillín y manillar de bicicleta
También realiza durante esta época alguna de sus esculturas más singulares, como –al unir el sillín y el manillar de una bicicleta- dando origen a una cabeza de toro, animal con el que siempre se identificó Picasso.
Tras la liberación de París, se afilia al Partido Comunista, muestra de su compromiso antifascista.Al conocerse los horrores de las matanzas y de los campos de concentración, trata de rendir homenaje a las víctimas y denunciar la barbarie con su obra inacabada El osario.
El osario (1944-1945).
Óleo y carboncillo sobre lienzo
Durante los 28 años siguientes hasta su muerte, continuará pintando, esculpiendo y creando cerámicas, reinterpretando en muchas ocasiones tanto su propio lenguaje, como también a los grandes clásicos de la pintura.
Tras el fin dela guerra, el expresionismo de su pintura se hace más lírico, en lo que influyó también la felicidad de su vida personal.
Numerosas de sus pinturas recuperan el optimismo y vuelve a crear símbolos tan emblemáticos como La Paloma o Paloma de la Paz con flores, con los que se involucra con la causa de la paz.
La alegría de vivir, 1946
Quedó tan afectado por las tragedias de la Guerra Civil Española y de la Segunda Guerra Mundial que dedicó parte de su tiempo y de sus viajes a participar activamente en Congresos de intelectuales y artistas por la paz
La guerra y La paz, 1952.
Denuncia de nuevo el horror de la guerra en obras como Masacre en Corea (1951), donde revive el espíritu de Los fusilamientos del 3 de mayo de Goya.
Se apasionará por la cerámica en su taller, realizando numerosas creaciones que decora con figuras simplificadas y muy imaginativas, muchas de ellas pintadas con temas mitológicos, de animales, bodegones o de tauromaquia.
También durante estos años creó algunas de sus esculturas más conocidas, como La cabra (1950), modelada a base de objetos de desecho: una hoja de palmera, una cesta de mimbre, madera y hierros viejos, latas… Todos ellos cubiertos por el yeso y luego fundida en bronce.
Tras Masacre en Corea (1951), realiza numerosas obras que son un homenaje y una reactualización de los grandes clásicos que le han inspirado, tales como Las mujeres de Argel, de Delacroix (1955), Las Meninas de Velázquez (1957) de Manet (1959), Almuerzo en la hierba, de Manet(1959) o El rapto de las sabinas, de David (1962).
Las Meninas versión en gris, 1957
Versiones de Desayuno en la Hierba, de Manet, 1959
El pintor y la modelo, 1963
Serán también frecuentes la obras sobre la propia creación artística, como las obras sobre El pintor y la modelo o las que realizará sobre Rafael y La Fornarina.
Parece ser que la modelo es su nueva esposa, Jacqueline, a la que retratará frecuentemente.
El beso. 1969
En sus últimos años, gran parte de su producción parece reflejar como temáticas fundamentales: el deseo de vivir, el erotismo y la cercanía de la muerte.
Realiza numerosas pinturas, dibujos y grabados, en las que tendrá gran importancia el dibujo, muchas de ellas con un erotismo salvaje, con figuras muy distorsionadas, de aspecto nervioso, alucinado.
Rafael y la Fornarina, Suite 347, 1968
Burdel. Charlatanas, con loro, Celestina y retrato de Degas, 1971 La Celestina, Suite 347, 1968
Rafael y la Fornarina, Suite 347, 1968
Autorretrato, 1972.
Sus últimos autorretratos son como un grito del artista ante la decadencia de la edad y la proximidad de la muerte.
Su rostro casi se metamorfosea en una calavera.
Picasso fallece 8 de abril de 1973 en Mougins.
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