Tema 1. teoría y función del arte

Marta López Rodríguez. Ave María Casa Madre

1Marta López Rodríguez, Ave María Casa Madre, Granada

TEMA 1 TEORÍA Y FUNCIÓN DEL ARTE


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¿QUÉ ES EL ARTE?

Pablo Picasso (1881-1973)


• “El arte es el placer de un espíritu que penetra en la Naturaleza y descubre que también ésta tiene alma”. (Auguste Rodin, escultor francés 1840-1917)

• “La finalidad del arte es dar cuerpo a la esencia secreta de las cosas, no el copiar su apariencia”. (Aristóteles, 384 a. C-332 a. C, filósofo griego)

• “Sin arte la vida sería un error”. (Friedrich Nietzsche, 1844-1900, Filósofo alemán)

• “Yo no pinto lo que veo, pinto lo que siento”. (Pablo Picasso, 1881-1973, pintor español)

• “La pintura es poesía muda”. (Leonardo da Vinci, 1452-1519 pintor italiano)

• “No se trata de pintar la vida, se trata de hacer vibrar la pintura”. (Paul Cézanne, 1839-1906, pintor francés)

• “Sueño mis pinturas y luego pinto un sueño” .(Vincent van Gogh, 1853-1890, pintor holandés)

• “Toda obra de arte es hija de su tiempo y, la mayoría de las veces, es madre de nuestros sentimientos”. (Wassily Kandisky, 1866-1944, pintor ruso)

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“El Arte es una expresión que surge de un movimiento interno del alma del artista, de una energía creadora vital, que necesita fluiry plasmarse en una obra.

El arte es una manifestación de profunda humanidad, que por su esencia expresiva debe ser compartido para completarse.

La obra es como un puente que permite al artista entrar en contacto con el mundo sensible de las personas, invitándolas al silencio de la contemplación y reflexión.

La obra es el punto de encuentro de dos miradas, la del creador y la del espectador”.

Marcela Vicuña


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1. EL ARTE Y LA CREACIÓN ARTÍSTICA

¿Qué es el arte?• Son innumerables las

definiciones que podemos encontrar sobre qué es el Arte.

• El Arte es una actividad humana con una finalidad estética o comunicativa, por medio del que el artista expresa ideas, emociones o una visión del mundo.


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EL ARTE: • Responde a la necesidad del ser humano de

expresar sentimientos e ideas, es por tanto un lenguaje (el lenguaje artístico) y una creación.

• Surge ya desde el Paleolítico. Desde ese momento el arte y el hombre son inseparables.

• El arte reúne en sí mismo las dimensiones racional, espiritual y emocional del creador.

• Tiene un componente muy importante de subjetivismo. El propio espectador al contemplar la obra lo hace influido por su propia personalidad.

• De este modo, su valoración de la obra artística será subjetiva, pudiendo diferir de la concepción del artista o de la valoración de otro espectador.

• La creación artística no lleva implícita necesariamente la idea de belleza.


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2. NATURALEZA DE LA OBRA DE ARTE• La obra de arte es el resultado de una serie de factores:

– El poder creador del artista: la personalidad (puede reflejar sus características psicológicas, Van Gogh)

– La influencia de la sociedad del momento en que se crea (las obras de arte no son simplemente la expresión de un artista individual, sino que traslucen múltiples aspectos de una época y de una sociedad)

- Técnica y material: puesto que requiere destreza manual, son determinantes las posibilidades del material y de la técnica


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• Tradicionalmente se han considerado como Bellas Artes:– La Arquitectura.– La Escultura.– La Pintura.– La Música.– La Poesía.

• Con el paso del tiempo han aparecido nuevos medios expresivos como la danza o el cine.


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• Las llamadas Artes Menores, también llamadas decorativas:– Carpintería.– Cerámica.– Orfebrería (joyas)– Arte musivario (mosaicos).– Textiles (alfombras, tapices)


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3. LA OBRA ARTÍSTICA Y EL ESTILO:

• Estilo artístico: forma de manifestarse de un artista o una colectividad mediante unas características comunes que se repiten durante una determinada época. (Gótico, Renacimiento, Barroco….).

• Todo estilo sufre una evolución en el tiempo. Podemos distinguir varias fases al estudiarlos:


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1. Fase Arcaica o preclásica: periodo de ensayos, en el que empiezan a configurarse las formas características del estilo.

2. Fase clásica: es la época de madurez, apogeo y perfección formal. En ella quedan establecidas las normas del estilo y aparecen las obras más representativas .

3. Fase manierista: El artista mantiene las formas clásicas, pero no se limita a repetirlas, las estiliza y transforma dándoles un tratamiento más expresivo y dinámico. Hay un gran virtuosismo técnico y un deseo de causar asombro en el espectador.

4. Fase barroca: Se utilizan muy libremente las formas clásicas. Sobresale lo artificioso y lo decorativo, se rompe la armonía clásica en favor del efectismo y de la exageración, el movimiento, la grandiosidad.

5. Fase Recurrente “Neo”: se vuelven a imitar formas del pasado. Se denomina con el prefijo Neo seguido del nombre del estilo imitado (Neogótico, Neoclásico..)


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• Estética, ya que desde siempre el arte ha servido como vehículo de expresión de necesidades interiores y de sensibilidades emocionales.

• Utilitaria, sobre todo la arquitectura, cuya finalidad básica viene marcada por su función de espacio creado artificialmente.

• Mágica, rituales de fertilidad o funerarios, como de cacería o de guerra.

• Didáctica, la imagen es una buena substituta de las palabras cuando se busca instruir a las personas iletradas

• Persuasiva, las imágenes tratan de convencer de algo.

• Ideológica, transmisión de un pensamiento social o político, defensa o justificación de una imagen de poder.

4. FUNCION DEL ARTE:


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5. VALORACIÓN DE LA OBRA DE ARTE• La Historiografía es la ciencia que se

dedica a estudiar y a analizar la forma en la que el ser humano ha ido escribiendo Historia a lo largo de cada época y espacio.

• Existen diferentes corrientes historiográficas: Formalismo (entiende el Arte como forma), Iconografía e Iconología (prioriza el significado de la obra de arte), Psicología del arte (profundiza en la psicología del autor y del espectador)…..


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6. TERMINOLOGÍA ARTÍSTICA:

• Es el arte y la técnica de proyectar, diseñar y construir edificios .

• Su mayor dificultad técnica es la cobertura superior, pues de él depende toda la estructura arquitectónica y llega a condicionar todo el estilo.

• Los elementos sustentantes son una consecuencia estricta de los elementos sostenidos.

6. 1. ARQUITECTURA:


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• Han variado mucho a lo largo de la historia.– El barro que puede estar mezclado con paja

y secado al sol (adobe) o cocido al horno (ladrillo y teja). Su trabajo es obra del albañil.

– La piedra (mármol)es un material más noble y requiere de un mayor cuidado en su uso, trabajándolo el cantero.

– La madera se emplea únicamente en zonas con abundantes bosques y se utiliza normalmente para el recubrimiento interior de los techos.

– Recientemente se ha dado un uso prioritario al acero, al hormigón armado y al vidrio.

6.1.1 LOS MATERIALES EMPLEADOS EN ARQUITECTURA:

Zigurat de Samarra Irak s IX


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a) Muros:– Los elementos constructivos regulares son el ladrillo o el sillar. Si el ladrillo

está cocido al sol se denomina adobe.– El aparejo : es el modo en que se disponen los materiales, puede ser regular o

irregular.• Aparejo irregular: las piezas están sin labrar

– Muros ciclópeos: piedras irregulares de gran tamaño– Muros de mampostería: piedras irregulares medianas y pequeñas.

6.1.2 Los elementos sustentantes:


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• Aparejo regular.– A soga: los sillares o ladrillos disponen su lado más

largo (canto) paralelo al muro– A tizón: el lado más corto (testa) paralelo al muro– A soga y tizón: se alternan los dos anteriores.– Almohadillado: rehundimiento de las aristas de los

bloques de piedra dando marcada sensación de relieve.


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b) Pilares:– Son elementos sustentantes verticales de forma

cuadrada o poligonal.– Si el pilar es adosado se denomina pilastra.– Si tiene forma de pirámide invertida es un

estípite.

Columna en estípite


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PILARES

ESTÍPITE PILASTRAS


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c) Columnas:– Elementos sustentantes verticales de sección curva,

generalmente circular. Constan de basa, fuste y capitel.– Decir que un templo es de estilo dórico, jónico o corintio

significa, fundamentalmente, decir que es de columna dórica, jónica o corintia.

– La gracia y la sensibilidad de la columna se completa con la leve curvatura del perfil de su fuste, el galbo o éntasis.


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d) Contrafuertes: Pilar que sobresale de un muro y que actúa como refuerzo en los laterales de un edificio. e) Arbotantes: Arco exterior de un edificio que contrarresta el empuje de otro arco o de una bóveda.


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• En el muro se abren huecos llamados vanos para facilitar el paso, la iluminación y la ventilación del edificio.

• En los vanos la parte inferior se denomina umbral, en el caso de las puertas, y alféizar, en el de las ventanas.

• Las dos partes verticales que lo flanquean constituyen las jambas.

• Y la parte superior es un dintel, si es horizontal, o un arco, si tiene trazado circular.

6.1.3 Elementos de apertura en los muros: vanos.


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a) Dintel:– Es todo elemento sostenido de carácter horizontal

y construido de una sola pieza. – Este tipo de arquitectura se denomina

arquitrabada.

6.1.4 Los elementos sostenidos o de carga:


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b) Arco:– Es un elemento sostenido de configuración curva,

constituido por varias piezas, llamadas dovelas que encajan en forma de cuña.

– Existen numerosos tipos de arco: de medio punto, apuntado, de herradura…

– Se utiliza en la arquitectura abovedada.


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c) Bóveda:– Estructura arqueada que cubre el espacio

comprendido entre muros.– Existen numeroso tipos de bóvedas: de cañón,

de arista, de crucería…


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d) Cúpula:– Cubierta semiesférica

generada por la proyección de un arco en rotación

– Toma, en general, el nombre del arco que la engendra.

– Excepto cuando el arco es de medio punto, en cuyo caso se llama de media naranja.


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6.1.5. Lectura del edificio a través de los planos:

– Planta: representa, en proyección y a escala una sección horizontal de un edificio visto desde la parte superior; es decir, la figura que forman los muros y columnas.

– Sección: también llamado plano de corte, es la representación gráfica de un plano vertical que corta al edificio.

– Alzado: representación plana de la fachada de un edificio.


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6.2. ESCULTURA

6.2.1. Materiales y técnicas:– Barro: con el que se elabora un

boceto.– Piedra: entre ellas, la más usada es el

mármol. Se golpea un cincel sobre la piedra con un martillo.

– Madera: al ser de menor dureza permite conseguir mayor minuciosidad y detalle. Se talla con una gubia. Suelen policromarse con lo que adquieren mayor realismo.

– Bronce: suelen ser huecas por medio de la técnica de la cera perdida*


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• Técnica de la cera perdida:– Se hace un molde en barro de

la escultura, se cubre con una capa de cera en la que se trabaja la forma y detalles definitivos. Se cubre con otra capa de barro dejando dos orificios. Se calienta el conjunto para que se derrita la cera que sale por los orificios, quedando su espacio hueco, se introduce en él el bronce fundido . Cuando ha fraguado, se retira el molde exterior.


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• 6.2.2.Clasificaciones de la escultura:– De bulto redondo o exenta:

puede ser rodeada– Relieve: tallada sobre una

superficie, adosada a un fondo. Puede ser medio, alto o bajorrelieve en función de si sobresale la mitad de su volumen más o menos.

– Puede estar concebida para ser observada desde un único punto de vista (relieves) o desde varios (el espectador debe moverse)

– De cuerpo entero o de busto (cabeza y parte superior del tórax)


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6.3.PINTURA

• 6.3.1.DIBUJO, LUZ Y COLOR– Dibujo: es la base de la pintura, su

parte preparatoria, con él se perfilan las formas a través de la línea que delimita los contornos. A veces llega a desaparecer (Impresionismo)

– La luz: con el juego de la luz y la sombra se consigue dar volumen, sensación de relieve. En ocasiones la pintura se aplica de manera plana, sin sombras, (Románico). Puede haber uno o varios focos de luz y pueden ser interiores, exteriores, naturales, artificiales…


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• El color: cualidad esencial en la pintura. Pueden variar según su luminosidad (lograda con el blanco y el negro) o por la saturación. Pueden ser fríos (azul y verde) o cálidos (rojo, amarillo)


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• 6.3.2.TRIDIMIENSIONALIDAD

• Para representar en una superficie bidimensional (ancho y alto) la tercera dimensión (profundo), se desarrolló la perspectiva.

• Hasta el Renacimiento se representaban las escenas sin profundidad, o con una forma de profundidad perspectiva errónea.


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– La perspectiva lineal: las líneas de fuga convergen en un punto de fuga. Los objetos reducen su tamaño a medida que se alejan del espectador.

– La perspectiva aérea: cuanto más lejos están los objetos, más borrosos los pinta . El pintor parece pintar el aire. (Leonardo da Vinci)

En el Renacimiento se logra la perspectiva a través de dos descubrimientos:


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6.3.3.La composición: es la manera en que se distribuyen las figuras y espacios en la pintura:

1. Triangular: simétrica y equilibrada

2. Diagonal: transmite inestabilidad y movimiento (Barroco)


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3- Según la altura de la línea del horizonte:• Punto de vista

alto: desde el aire, permite representar un gran escenario.

• Punto de vista bajo: desde la tierra, reduce el escenario


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4. Frontal : la figura queda hierática ante el espectador.5. Contrapposto : oposición armónica de las distintas

partes del cuerpo de la figura humana, lo que proporciona cierto movimiento.

6. Serpentinata : la figura adquiere una postura casi helicoidal debido al movimiento giratorio de caderas y hombros.


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7. Abierta: las extremidades o elementos salientes están separados del cuerpo.

8. Cerrada: si estos elementos se encuentran unidos al cuerpo.9. Escorzo: muestra desde el frente una forma alargada hacia

el fondo (un brazo estirado con la mano en primer plano y el hombro al fondo)


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1. Fresco:– Se realiza sobre el revoque del muro cuando

aún está húmedo.– Este revoque contiene cal y arena. – La pintura se aplica mezclada con agua de

cal para facilitar su integración en el muro.

2. Acuarela:– Para extender el color se utiliza

únicamente agua y por tanto se seca muy rápidamente.

– Como todos los colores dejan transparentar más o menos el papel, las acuarelas son de una gran luminosidad.

6.3.4 TÉCNICAS PICTÓRICAS Y SOPORTES


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3. Temple (témpera): – Usa como aglutinante el huevo, es

más brillante y lento de secar. – Se emplea sobre muro o tabla.– En el s.XV se le empezó a añadir

aceite, formándose así el temple graso.

4 Óleo:

– Se utiliza como aglutinante aceite, preferentemente linaza.

– Ello hace que sea el procedimiento más lento en secar.

– Permite un trabajo sosegado y que puede interrumpirse .

– El inconveniente:oscurecimiento de los aceites que incorpora.

– Sobre tabla o lienzo.– Permite detallismo y colores más

vivos.


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5. Pastel: con lapiceros o barritas de pigmentos aglutinados con cola aplicándose sobre papel rugoso. Efectos luminosos y expresivos.

6. Aguada o gouache: los colores se disuelven en agua sola o con goma arábiga o miel. Los colores son opacos y apagados.

Óscar Domínguez


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7. Acrílicos:– Se usan a partir de 1950.

Utilizan como aglutinante el ácido acrílico, ofreciendo un acabado en mate.

– Este procedimiento tiene las mismas ventajas que la pintura al temple y al óleo.

– Es además muy estable y resistente a la oxidación, permitiendo añadir más pintura a una superficie ya pintada.

– 8. Collage:

– Es una mezcla de diversos materiales como periódicos, cartón, lienzo, etc., pegados sobre un soporte plano.

– Los objetos aplicados pueden y suelen combinarse con fragmentos pintados por el artista.

Pollock/ BRAQUE


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Otros sistemas de representación pictórica

• El mosaico: emplea pequeñas pieza de piedra, cerámica o vidrio llamadas teselas. Con ellas se componen imágenes que se colocan en paredes o suelos. Muy utilizado en la antigua Roma y Bizancio.

• Vidrieras: se recortan y unen fragmentos de vidrio mediante varillas de plomo, Se coloca sobre un bastidor metálico que se fija al vano. Adquieren gran luminosidad dado que la luz las atraviesa. Muy utilizadas en el Gótico.

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Guiones para el comentario de obras de arte

Guión para el comentario de una arquitectura.

• A.- Catalogación.• Nombre de la obra.• Localización: dónde y cuándo fue realizada.• Autor o autores. Caracterizar el estilo personal del autor. También podemos

explicar brevemente la posición social del artista en ese momento de la Historia.• El cliente, comitente, mecenas, es decir, quién encarga la obra.• Finalidad, para qué fue construido, que usos ha tenido a lo largo de la Historia,

para qué se utiliza en la actualidad.• Breve análisis del contexto histórico en que se produce la obra, es decir, los

aspectos sociales, políticos, religiosos, ideológicos, económicos, culturales, técnicos, etc. Todo aquello que pueda tener una incidencia sobre la obra que analizamos.

Antonio Casquet Chacón. Ave María Casa Madre

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• B.- Análisis formal.– ¿Qué materiales se han utilizado en su construcción?: Piedra, ladrillo, hormigón,

madera, etc. – ¿Qué vemos?: Vista aérea, vista general, alzado, planta, detalle …– ¿Cómo es la planta del edificio?: Centralizada, en cruz latina o griega, cuadrada o

rectangular, ovalada, otros modelos. Como sugerencia intenta reducir el plano del edificio a una forma geométrica sencilla.

• - El exterior.– Muros y paredes. Si son delgados o gruesos, de descarga o de cierre, muro cortina. – Materiales y disposición de las piezas. Tipo de aparejo: Isódomo, almohadillado, a

soga y tizón, tapial, etc. Si existe algún revestimiento exterior indicarlo.– Tratamiento de las fachadas. Diferenciar la principal si existe.– Altura del edificio, plantas, separación entre éstas por medio de un entablamento, una

moldura, una cornisa u otro elemento diferenciador.– Distribución de vanos y encuadre de los mismos, con un arco, dintel, entablamento y

frontón, columnas, etc. Distribución rítmica o no de éstos, existencia de otros elementos decorativos como medallones, escudos, acróteras, escultura monumental.

– Articulación del muro. Órdenes arquitectónicos, contrafuertes.


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• - El interior.– Muros y paredes: materiales, revestimientos, decoración, pinturas, mosaicos…– Soportes utilizados– Columnas, órdenes clásicos u otro modelo como minoica o salomónica..– Pilares, pies derechos, estípite, etc.– Arcos, de medio punto, apuntados, herradura, carpanel … – Iluminación. Abundante o escasa, natural o artificial, blanca o coloreada (vidriera), funcional o litúrgica, cenital,

lateral.– Concepción y organización del espacio: Estático o dinámico, centralizado o dirigido, unido o compartimentado.– Correspondencia entre el interior y el exterior.– El sistema constructivo.

• Arquitrabado o adintelado indicando sus elementos.• Abovedado

• - Tipo de bóveda, de cañón, de aristas, de nervios …• - Cúpula sobre tambor, con pechinas o trompas, rematada con linterna o no, exenta o rebajada …• - Sistema de contrarresto, con contrafuertes, arcos de descarga, muros gruesos, etc.• Sistema mixto. • C.- Otros aspectos.

– Significado. Posible interpretación iconológica, el simbolismo de la obra.– La relación que mantiene con el entorno arquitectónico.– El estado de conservación en que se encuentra, restauraciones, intervenciones posteriores al momento inicial,

modificaciones.– Comentario personal sobre la obra. Lo que nos gusta o nos desagrada, lo que nos sugiere …


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Guión para el comentario de una escultura.

• A.- Catalogación.• Nombre de la obra. ¿Es el original o una copia?• Localización: dónde y cuándo fue realizada.• Autor o autores. Caracterizar el estilo personal del autor, podemos explicar brevemente la

posición social del artista durante ese periodo, también las características más destacadas del estilo histórico al que pertenece.

• El cliente, comitente, mecenas, es decir, quién encarga la obra.• Finalidad y destino original, ¿dónde se encuentra actualmente?• Breve análisis del contexto histórico en que se realiza la obra, es decir, los aspectos

sociales, políticos, religiosos, ideológicos, económicos, culturales, técnicos, etc. Todo aquello que pueda tener una incidencia sobre la obra que comentamos.


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• B.- Análisis formal.• Tipología: Si es una escultura exenta o de bulto redondo, o bien si es un

relieve, de que tipo: alto, medio, bajo, hueco; de ser lo segundo, si presenta profundidad, si hay un estudio de perspectiva o es un relieve plano. Si es una escultura monumental es decir, subordinada y adaptada al edificio, teniendo en cuenta el lugar de colocación, la distancia al espectador, pensada para un espacio público, una plaza por ejemplo o bien es una escultura mueble, independiente que podemos colocar en distintos lugares.

• La figura: Si es una figura aislada y completa o si es un fragmento de ésta, la cabeza, el busto, el torso. De ser de cuerpo completo, cómo se representa, es decir, si está de pie, yacente, sedente, orante, ecuestre … Si es un grupo escultórico cuántas figuras aparecen y cómo se relacionan entre ellas, indicando si existe algún tipo de jerarquización. Cómo están representadas, desnudas o vestidas, de ser así, qué tipo de indumentaria, cómo se tratan las telas, si hay otros objetos dignos de mención. De qué tamaño en relación al natural, si el artista ha tenido en cuenta un sistema de proporciones, canon, medida o módulo.


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• Análisis iconográfico: Identificación de las imágenes y el tema. Si es abstracto o figurativo, religioso, mitológico, histórico, alegórico, si es un retrato individual o en grupo, o un autorretrato. Responde a una interpretación esquemática, estilizada, realista, idealizada, …

• Superficie y luz: Cómo es el nivel de acabado y el tratamiento de la superficie, si transmite o no valores táctiles, si es rugosa, suave, dura, blanda. Cómo ha tenido en cuenta el autor la luz que incide sobre la obra, homogénea, suave, continua, claroscuro, contraste luz-sombra, luz dirigida.

• La composición: Abierta o cerrada, con dominio de líneas curvas, rectas o quebradas, verticales, oblicuas, horizontales, intenta adaptarla a una figura geométrica sencilla, como el triángulo, el rombo, el cuadrado, el círculo, etc.

• Puntos de vista: Uno o varios, frontal, lateral, nos movemos a su alrededor girando en busca de un punto de vista principal.

• Sugerencias: Qué nos transmite, equilibrio, desequilibrio; quietud, serenidad o movimiento, dinamismo, de ser así, si es real o sugerido; pesadez o ligereza; alegría, tristeza, sufrimiento, placer, melancolía, abatimiento …


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• C.- Aspectos técnicos.• Los materiales: piedra, mármol, granito, madera, barro, cera, bronce, marfil,

resinas, plásticos, hierro… Si se han utilizado postizos, es decir, elementos extraescultóricos.

• La ejecución: La talla, el modelado, la fundición, martilleado … y con qué herramientas, las manos, la gubia, el cincel, mazas y martillos, el trépano, abrasivos … Si presenta policromía o no, en el primero de los casos si se ha pintado o se han utilizado materiales de distinto color.

• D.- Análisis iconológico. • Interpretar el significado de la obra a través de sus claves o códigos de

lectura• E.- Otros aspectos. • El estado de conservación en que se encuentra la obra, si ha sido objeto de

restauraciones o modificaciones posteriores. • Que relación mantiene con otras obras conocidas, del mismo autor, escuela

o periodo. • Para terminar comentar lo que más y lo que menos te gusta de la escultura,

así como lo que te sugiere.


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Guión para el comentario de una pintura.

• A.- Catalogación.• Nombre de la obra.• Localización: dónde y cuándo fue realizada.• Autor o autores, escuela o taller al que pertenecen. Caracterizar el estilo

personal del autor y el de la escuela, si viene al caso; también las características más significativas del estilo histórico al que pertenece. Podemos explicar brevemente la posición social del artista durante ese periodo.

• El cliente, mecenas, comitente, es decir, quién encarga la obra, una o varias personas, también puede ser un organismo o una institución.

• Finalidad y destino original, ¿dónde se encuentra actualmente?• Breve análisis del contexto histórico en que se realiza la obra, es decir, los

aspectos sociales, políticos, religiosos, ideológicos, económicos, culturales, técnicos, etc. Todo aquello que pueda tener una incidencia de interés sobre la obra que comentamos.


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• B.- Análisis formal.• El aspecto técnico. Materiales.• Qué forma presenta la pintura, si es un rectángulo, rectángulo

áureo, círculo, cuadrado, medio punto, otras formas.• Cuál es su tamaño aproximado, qué dimensiones tiene.• En qué soporte se ha realizado, si es madera, lienzo, cartón,

metal, papel, muro preparado …• Qué materiales pictóricos se han utilizado, el óleo, el temple

de huevo o de cola, el fresco, el pastel, la acuarela, el guache, los acrílicos, el mosaico, otros.

• Con qué instrumentos se han aplicado los pigmentos, pinceles, espátulas, las mismas manos del pintor …

• Cuál es la textura resultante, si rugosa o suave, áspera o lisa, …


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• Tema.• Debemos explicar si el tema es abstracto o figurativo, de ser lo segundo lo podemos encuadrar

en temas de historia, religiosos, mitológicos, alegóricos, paisaje urbano o rural, escenas de género, bodegón, retrato, teniendo en cuenta la posición del retratado y si es un retrato individual o colectivo, también puede ser un autorretrato del artista. Cualquiera de estos temas pueden haber sido enfocados desde una visión realista, idealizada o ilusoria. Por último vemos las figuras que aparecen en la obra y los objetos que acompañan.

• Composición.• Observamos si la superficie pictórica está delimitada por un marco o es un espacio continuo. Si

el espacio pictórico es único o está dividido en partes iguales o desiguales y si existe relación entre ellas.

• A veces podemos reducir la distribución de los elementos principales de la pintura a formas geométricas sencillas: triángulo, pirámide, cuadrado, rectángulo, círculo, rombo.

• ¿Percibimos el uso de la sección áurea? • Cuál es el eje principal que organiza la composición: vertical, horizontal, diagonal, en aspa,

curvilíneo; esta línea imaginaria ¿nos invita a mirar los elementos del cuadro de una manera determinada?

• Cómo está organizado en espacio, es decir, si es plano o presenta profundidad, si se ha utilizado la perspectiva, geométrica o aérea, el punto de fuga principal, si está en el centro o desplazado o incluso fuera del espacio pictórico, ¿dónde está situada la línea de horizonte?

• Indicar si el esquema fundamental de la composición es abierto o cerrado, si nos produce sensación de movimiento, dinamismo, acción o por el contrario de quietud o serenidad, equilibrio o desequilibrio, simetría o asimetría.


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• Dibujo y color.• ¿Cuál es el elemento dominante, el color o la línea? ¿Están los contornos y los dintornos

limitados con líneas precisas? ¿cómo es la pincelada, precisa, corta, larga, ligera, espesa …? • Observamos el color e indicamos si se han utilizado preferentemente colores cálidos, amarillo,

naranja, rojo, o colores fríos, verde, azul, violeta; si son colores primarios, azul, rojo, amarillo, o secundarios complementarios, verde, naranja, violeta; si son colores planos o con gradación tonal.

• ¿Se ha utilizado el color son un sentido simbólico?• La luz.• Se han iluminado los elementos del cuadro con luz natural o artificial, débil o fuerte, dirigida o

no, uno o varios focos de iluminación, están dentro o fuera de la pintura.• ¿Se ha hecho uso del claroscuro? • ¿Tiene el uso de la luz alguna simbología?• C.- Análisis iconológico.• Interpretar el significado de la obra, si nos da a entender algo más que lo que aparentemente

vemos en la pintura.• D.- Otros aspectos.• Aquí podemos explicar el estado de conservación en que se encuentra la obra. Si ha sido objeto

de restauraciones o intervenciones posteriores, si se han añadido elementos nuevos o si por el contrario se le han quitado algunos existentes, si se ha visto modificado su tamaño original.

• La relación que mantiene con otras obras conocidas del periodo, anteriores o posteriores. • A nivel más personal destacar lo que más y lo que menos te gusta y por último si te sugiere

algo.


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Tema 1. teoría y función del arte