Tema 11.3 el arte barroco. tercera parte. pintura (2)

Antonio Casquet y Marta López, Ave María Casa Madre 1

TEMA 11 (3 PARTE)PINTURA


ITALIA: CARAVAGGIO Y LOS CARRACCI

1. Naturalismo.2. Persuadir al espectador a través de los sentidos y

las emociones.3. Sugerencia de movimiento, composiciones

complejas, diagonales, violentos escorzos, línea curva, profundas perspectivas.

4. Se abandonan las composiciones simétricas.5. Teatralidad y efectismo.

Rasgos generales pintura barroca italiana:

Retrato de Caravaggio, de Ottavio Leoni, carboncillo sobre papel


6. Temática religiosa, mitología, retrato, paisaje, pintura de género –escenas de la vida cotidiana- naturaleza muerta (bodegones)

7. Predominio del color sobre el dibujo (línea)8. Técnicas: predomina óleo sobre lienzo, en menor medida fresco.9. Pinceladas sueltas y el tratamiento del color más fluido (con contornos

poco definidos), con lo que el dibujo fue perdiendo importancia frente al color.

10. Importancia de la luz y las sombras


Michelangelo Merisi

El Caravaggio1573-1610


Caravaggio, Michelangelo Merisi (1571-1610).

1. El máximo exponente de la corriente pictórica del Realismo exacerbado: • Pintura naturalista: modelos gentes del pueblo,

de los grupos sociales más humildes y en ocasiones marginales, delincuentes, prostitutas..

• Representa a los personajes religiosos y mitológicos sin ningún tipo de idealización, como personas comunes

• Recibió críticas por parte de la Iglesia por la apariencia a veces demasiado vulgar de los personajes religiosos

• Transforma el arte cristiano

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3. La luz es un elemento fundamental, protagonista de sus cuadros:- TENEBRISMO:

- Técnica pictórica inventada por Caravaggio, que consiste en los fuertes contrastes de luces y sombras.

- Las figuras están colocadas en la semioscuridad, pero un poderoso foco de luz, normalmente fuera del cuadro, cae sobre ellas, las modela y las dota de un fuerte sentido tridimensional.

- SIMBOLISMO: la luz se asocia a lo divino, con figuras sagradas, la presencia de Dios o con el hecho milagroso.


4. Importancia del color: • Trabajó directamente sobre el

lienzo, sin dibujos previos.• Predominan los ocres con gran

cantidad de matices, desde el pardo sucio al amarillo tostado. Los colores más vivos quedan limitados a las figuras.

5. En muchos de sus cuadros las figuras se representan de medio cuerpo y en un inmediato primer plano, acentuando el volumen y la corporeidad de éstas, y dejando un espacio vacío sobre las figuras.


Principales obras de Caravaggio

1. Baco, (1593-1594), naturaleza muerta.2. La Cena de Emaús.Para la Iglesia de San Luis de los franceses, Roma, (1601-1602):

3. La vocación de San Mateo4. San Mateo y el ángel5. El martirio de San Mateo

6. La conversión de San Pablo, simbolismo en la luz7. La crucifixión de San Pedro, composición radial, para Santa María del Popolo, Roma, (1600-1601).8. La muerte de la Virgen (1605) considerado irreverente y retirado.


1. Baco enfermo

• Es uno de los primeros cuadros de Caravaggio. • Se conserva en la Galería Borghese de Roma. • Caravaggio era muy joven cuando realizó esta

obra• Desafía las convenciones estilísticas del tema. • Representa al dios Baco como un joven

musculoso y atractivo, pero de piel amarillenta y de labios descoloridos, mirada maliciosa.

• Transforma al dios en un mortal con claros signos de deterioro, no representa la inmortalidad sino la decadencia.


BACO JOVEN.

• 1598.• Óleo sobre lienzo.• En la Galería Uffizi

(Florencia).


Muchacho con cesto de frutas.

1593 – 1594.Óleo sobre lienzo.En la Galería Borghese (Roma).Retrato de su amigo Mario MinnitiDulzura empalagosa: mejillas sonrosadas, boca insinuante, hombro y escote desnudo, cargado de sugerente fruta.



• Cesto de frutas.

• 1597.• Óleo sobre

lienzo.• Fondo

monocromo.• Cesto

representado a nivel del espectador

• Todo se centra en la naturaleza muerta

• En la Pinacoteca Ambrosiana (Milán).


2. La cena de Emaús.

1601.National Gallery. Londres.

1. Tema religioso: • Camino de Emaús, dos

discípulos de Cristo, Cleofás y Pedro, relatan a un tercer caminante que se les ha unido, la muerte de Jesús en la cruz y su posterior desaparición del sepulcro.

• En una posada , durante la cena, el recién llegado bendice el pan, momento en que los discípulos, asombrados y asustados reconocen en él a Cristo resucitado.


2. Teatralidad en el tratamiento de la luz , su tenebrismo ya presente en esta obra.

3. Composición abierta y cargada de movimiento. Los brazos abiertos del peregrino de la derecha, el codo del de la izquierda que parece tensar el lienzo e introducirse en nuestro espacio.


4. Caravaggio contextualiza el tema en su época, (vestimenta, y posadas de su tiempo)

5. Valores táctiles de los objetos representados.

6. Intensidad emocional del momento expresada a través del dramatismo en las acciones de los peregrinos, la serenidad en el rostro de Jesús, la extrañeza en el posadero.


Esta naturaleza tiene poco de muerta.El canasto de frutas parece que va a caer delante de nosotros.


Antonio Casquet y Marta López, Ave María Casa Madre 19Capilla Contarelli. San Luis de los franceses. Roma.



3. La Vocación de San Mateo

1599-1602Óleo sobre lienzo 3,22 x 3,40 metrosCapilla Contarelli, Iglesia de San Luis de los Franceses de Roma

• Pasaje evangélico: Jesús, acompañado de Pedro, irrumpe en el despacho del recaudador Leví (Mateo) y le dice “sígueme”.

• Contraste entre el ambiente mundano de Leví, (personajes lujosamente vestidos) y la austeridad de Jesús y Pedro (pies descalzos)


Representación de un pasaje evangélico como una escena de la vida cotidiana

Espacio sórdido y tabernario, vulgaridad de los personajes,

La pintura se localiza en un despacho de impuestos , con Leví rodeado por sus ayudantes recuenta las monedas recaudadas en el día y a Jesús, acompañado de Pedro, señalándole con el dedo al pronunciar la frase "Sígueme".

El recaudador Leví responde extrañado con un gesto incrédulo


IMPORTANCIA DE LA LUZ Y LA SOMBRA: Haz de luz que entra por una ventana que no se

ve y que parece indicar a quién se dirige Cristo Técnica tenebrista: fuerte contraste entre zonas

oscuras e iluminadas Parte superior iluminada Parte inferior en penumbra.

La contraventana del fondo, colocada en escorzo, establece dos zonas diferenciadas de sombras y luz, convirtiendo (metáfora de la vida de Leví antes de ser elegido por Jesús y su nueva vida como el apóstol Mateo.

Concentrar el interés en las reacciones humanas Fuerte realismo: personajes verosímiles,

humildes Contornos imprecisos , manchas de color

Antonio Casquet y Marta López, Ave María Casa Madre 24Un foco de luz teatral fuera del cuadro

25Antonio Casquet y Marta López, Ave María Casa Madre

• Dos jóvenes muestran sorpresa • Otros dos ignoran a Jesús concentrados en el

recuento del dinero

• Con Cristo llega la luz y rescata a Mateo de su preocupación por el dinero, todo ello sugerido por el lenguaje de las manos y los gestos que definen distintas reacciones humanas.

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• 1599-1600. Capilla Contarelli. San Luis de los Franceses

• Primera versión rechazada.

• Fue destruida durante la segunda guerra mundial.

4. San Mateo y el ángel dictándole el evangelio

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• Mateo anciano vestido con sencillas túnicas se apoya con la rodilla sobre un taburete y se dispone a escribir sobre un grueso libro lo que el ángel situado en la parte superior del cuadro le está dictando para su Evangelio.

• Apenas hay elementos que ambienten la escena ( muebles de madera, fondo neutro de la composición

• San Mateo y el ángel dibujan una línea sinuosa y ascendente en la que los colores cálidos de los ropajes del evangelista ejercen de referencia visual predominante.

Antonio Casquet y Marta López, Ave María Casa Madre


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1599-1600.Óleo sobre lienzo.323 X 343 cm.Capilla Contarelli.San Luis de los Franceses.Roma

• La violenta irrupción del soldado-verdugo en el centro de la escena provoca un movimiento circular a su alrededor.

• Mateo, ya vencido, extiende su mano hacia la palma del martirio muy próxima a la cruz del altar.

• Un niño huye despavorido, otros personajes observan la escena entre la indiferencia y el horror.

• La luz, violenta, modela los cuerpos y descubre las expresiones

5. MARTIRIO DE SAN MATEO

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• El rey de Etiopía mandó matar a Mateo por haberse negado a convencer a Efigenia, virgen consagrada a Dios, a casarse con él.

• El soldado halló a Mateo orando con las manos alzadas al cielo ante el altar. Hundió la espada sobre la espalda del Apóstol y lo mató

• S. de la Vorágine, Leyenda dorada



Caravaggio se autorretrata entre los personajes del martirio de San Mateo.

Caravaggio

Antonio Casquet y Marta López, Ave María Casa Madre 32Capilla Contarelli. San Luis de los franceses. Roma.


Óleo sobre lienzo. 230 x 175. 1600/01. Capilla Cerasi. Iglesia de Santa María del Popolo, Roma

Simbolismo en la luz

6. La conversión de San Pablo

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• Saulo, perseguidor de los cristianos se convirtió al cristianismo con más de 25 años.

• Un día, en el camino de Jerusalén a Damasco, se vio cegado por un resplandor prodigioso.

• Caído al suelo es interpelado por Cristo que le dice. “Saulo, Saulo, ¿por qué me persigues?”.

• Tras su conversión, por humildad se llamará Pablo (pequeño), se convertirá en gran defensor y misionero de la nueva religión por Grecia y Roma.

• Su atributo es la espada, con la que fue decapitado como mártir cristiano.


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• Óleo sobre lienzo, 230 x 175. 1600/01. Capilla Cerasi. Iglesia de Santa María del Popolo, Roma.

• San Pedro, el discípulo predilecto de Jesús y el primero de los papas de la Iglesia, quiso morir en la cruz pero con la cabeza hacia abajo, para no imitar a Cristo, su maestro.

• ESCENA: • Tres esbirros romanos de rostro oculto, luchando con esfuerzo

por erigir la cruz del anciano san Pedro.• Tiran, levantan y hacen palanca a la cruz, uno se coloca debajo

del madero para empujar arriba. • San Pedro: anciano, de exagerada musculatura y volumen físico,

observa la palma de su mano derecha atravesada por un clavo.• Todos ellos iluminados sobre fondo oscuro• La cuerda y el madero forman un ángulo de luz intensa que baña

el cuadro. • Composición diagonal


7. La Crucifixión de San Pedro


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1606. Óleo sobre lienzo. 369 X 245 cm.Museo del Louvre. París.

• Pintada para la Iglesia de Santa María della Scala de Roma, de donde fue retirada y rechazada

• El cuadro más grande jamás pintado por Caravaggio.

• Representan la muerte de la Virgen rodeada por los apóstoles y María Magdalena que lloran desconsolados.

• La luz, fuerte, dirigida, fuera del cuadro, crea violentos contrastes con la sombra, de donde emergen las figuras de los discípulos de Jesús.


8. La muerte de la Virgen


• La Virgen aparece con los pies y el vientre hinchados, y el rostro poco idealizado, parece que el cuerpo de una prostituta ahogada en el Tiber.

• Sólo el halo dorado identifica a la Virgen muerta como una persona sagrada.

• Los apóstoles retratados como campesinos, muestran su dolor de distintas manera .

• Sólo San Juan, de pie tras María, aparece con un aspecto más noble. Los del fondo apenas están esbozados.


El vacío sobre las cabezas de las figuras. Más de 1/3 de la composición ocupado por un pesado cortinaje de color rojo.

Las figuras se concentran en la parte central del lienzo. De pies descalzos.

Un discreto halo dorado indica la santidad de María que reposa sobre un humilde catre.

María Magdalena llora desconsolada la muerte de la Virgen. A sus pies una vasija metálica para ungir el cadáver.


OTRAS OBRAS DE CARAVAGGIO

Judith y Holofernes.1599. Óleo sobre lienzo. 145 X 195 cm.Galería Nacional de Arte Antiguo. Palacio Barberini. Roma.

• La joven viuda judía Judit, tras un banquete, seduce al general Holofernes, invasor de su pueblo , lo emborracha y lo decapita.

• Su sirvienta la acompaña con un saco en el que portar la cabeza.

• Tema recurrente en la Contrarreforma: heroína religiosa en su lucha contra los herejes.


• Representa el instante justo de la decapitación, alejándose la representación tradicional del tema posterior al hecho.

• La víctima todavía vive, mirada de terror, grito de dolor.

• Fondo negro y tenebroso sobre el que destacan las figuras iluminadas por luz artificial

• Atracción por la violencia, los hechos sangrientos, propio del carácter del pintor, numerosas veces implicado en problemas llegando a cometer un asesinato que le llevó al exilio.


Contraste piel tersa y belleza de Judit y la piel arrugada y fealdad de la sirvienta anciana.El rostro de Judit expresa determinación y repugnancia, no luce trajes lujosos sino un humilde vestido de campesina.Mujer seductora y erótica pero decentemente vestida (Caravaggio no pintó mujeres desnudas)


1597.Óleo sobre lienzo. 173 X 133 cm.Museo Thyssen Bornemisza. Madrid.

• La santa, ricamente vestida, en consonancia con su rango de princesa, y arrodillada sobre un suntuoso cojín de damasco vuelve la mirada al espectador.

• Atributos: la rueda dentada y quebrada, la espada con la que fue decapitada y la palma alusiva a su martirio.

• Gran eficacia pictórica: • El juego de líneas oblicuas que se establece entre los

objetos que aluden a su tormento• Inclinación de su cuerpo• Haz de luz que la ilumina

• La modelo, Fillide Melandroni, cortesana que frecuentó el círculo de Caravaggio.

Santa Catalina de Alejandría.


• Catalina era una joven perteneciente a la nobleza de Alejandría.

• Aprovechó la visita del Emperador Maximiano para intentar convertirlo al cristianismo.

• La osadía de la joven cristiana le costaría el martirio, primero lo intentaron con una rueda de pinchos que, al contacto con el cuerpo de la santa se rompió, y finalmente fue decapitada.


Amor victorioso o Amor profano.1602 .• Muestra un niño con unas alas pardas de águila parece

levantándose de un banco cubierto con una sábana blanca desordenada.

• A sus pies los símbolos del saber y las artes (un violín, un laúd, una armadura, una corona, un conjunto de compases, una pluma, un manuscrito y unas hojas de laurel

• Figura del niño pintada con gran realismo e intensidad de colores que parece vivo.

• El chico que sirvió de modelo al pintor para esta obra (y para otras también, como la de san Juan Bautista) se llamaba Cecco, que algunos han identificado con el pintor Francesco Boneri y que se piensa que en ese tiempo no sólo vivía con el artista sino que era también su amante


Santo entierro. 1602-1604.Óleo sobre lienzo. 300 X 203 cm. Museos Vaticanos. Ciudad del Vaticano.

La Virgen con Santa Ana y el Niño.Virgen de los palafreneros.(Criado que llevaba del freno el caballo de su amo)1605.Óleo sobre lienzo. 292 x 211 cmGalería Borghese. Roma.


San Jerónimo escribiendo. 1605. Óleo sobre lienzo. 112 X 157 cm. Galería Borghese. Roma.


Caravaggio se autorretrata en numerosas obras

Baco enfermo, Muchacho mordido por un lagarto, Medusa, ejecución de San Mateo


Goliat: Se autorretrata como un ogroOjos desorbitados, boca abierta, grito de dolor


• Los Carracci: los hermanos Aníbal, Agustín y su primo Ludovico.

• Frente al manierismo defienden el clasicismo.

• Fundadores de una academia de pintura en Bolonia, donde continúan el arte de los grandes maestros del renacimiento.

• Naturalismo pero con una cierta idealización: inspiración el la belleza de la naturaleza.

• Temática: escenas religiosas o mitológicas, ubicadas en un paisaje ideal


• Destacó, sobre todo, Aníbal Carracci, con un estilo influido por el dibujo de Miguel Ángel, la composición de Rafael y el color de los venecianos.

• Belleza idealizada.• Movimiento. • Importancia de la luz y del paisaje.• Bóveda de la Galería del Palacio

Farnesio, Roma, (1597-1600). Los amores de los dioses, mitología.

• Ortodoxas representaciones religiosas.

Anibal Carraci (1560-1609)


Galería del Palacio Farnesio. Roma.

1597-1605.6 X 20 m.

• Encargo del joven duque y cardenal Odoardo Farnese para la decoración de su palacio en Roma.

• Gran galería del palacio (20 metros de largo por 6,5 metros de altura): pinturas en bóveda, muros y testero de la gran estancia rectangular, divididos en recuadros separados por figuras y medallones

Antonio Casquet y Marta López, Ave María Casa Madre 54Bóveda de la galería del palacio Farnesio. Roma. 1597-1605.

• Programa iconográfico simbólico: los amores de los dioses, triunfo del amor divino sobre el humano, expresado a través de diverso temas de la mitología

• Influencia de la Capilla Sixtina


Triunfo de Baco y Ariadna. Palacio Farnesio. Roma.1597-1605.Los amores de los dioses.

• El cuerpo central : "Triunfo de Baco", quien sentado en el trono en compañía de Ariadna y rodeado de amorcillos, traen la felicidad a la Tierra.

• Otras escenas: Polifemo y Galatea, Glauco y Scila, Céfalo y la Aurora, Diana y Endimión, Júpiter y Juno, etc.

• El tema mitológico es el pretexto para pintar la sensualidad y voluptuosidad.


El cuerpo central : "Triunfo de Baco", quien sentado en el trono en compañía de Ariadna y rodeado de amorcillos, traen la felicidad a la Tierra.


Polifemo

Antonio Casquet y Marta López, Ave María Casa Madre 58Capilla Cerasi. Santa María del Popolo. Roma. Carraci y Caravaggio.

http://www.google.es/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&docid=jg107P33pk-gWM&tbnid=asuf27mLdxA6iM:&ved=0CAUQjRw&url=http://www.kirikou.com/italia/roma/Roma_2007/S_M_del_Popolo/S_M_del_Popolo.htm&ei=uOtEU8avM6XI0AX_vIDYBQ&bvm=bv.64507335,d.d2k&psig=AFQjCNGfHAnEo1Xek0_O6YN51JtdZpPlNg&ust=1397112060218841


Asunción de la Virgen.1600-1601.Santa María del Popolo. Roma.

Asunción de la Virgen.1590.Museo del Prado.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f7/Annibale_Carracci_Assumption_of_the_Virgin.jpg


Domine quo vadis?1601-02Oil on panel, 77,4 x 56,3 cmNational Gallery, London

Jacobus de la Vorágine, escribe en su obra “La leyenda Dorada” que el apóstol Pedro fue persuadido por los cristianos de Roma a abandonar la ciudad . En su huida se encuentra con Cristo en la Vía Apia y le preguntó " ¿Quo vadis , Domine " ( ¿a dónde vas , Señor? ) , A lo que Cristo le respondió: " A Roma , para ser crucificado de nuevo. “

• Paisaje con ruinas clásicas.• Idealización en las figuras.• Tensión emocional ante el encuentro.• Cristo avanza hacia el espectador, Pedro se

paraliza y retrocede• Luz homogénea y suave.• Riqueza de colorido.


Venus y Adonis.1590Museo del Prado. Madrid.

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La huida a Egipto.1603.Galería Doria Pamphili.Roma.


Lamento de Cristo.1606.National Gallery. Londres.

Piedad


Los desposorios místicos de Santa Catalina.1585-1587.Nápoles.


HOLANDA Y BÉLGICA• En las actuales Bélgica y Holanda con las guerras de religión a

causa de la expansión de la Reforma luterana, se produjo una separación entre los territorios:• Flandes (al sur):actual Bélgica, se mantuvo fiel a la corona

española y al catolicismo• Provincias Unidas (al norte): se independizaron y adoptaron

el luteranismo.


HOLANDA

• En las Provincias Unidas (actual Países Bajos / Holanda):• Influencia de la sociedad burguesa

• Las principales características de la pintura holandesa fueron:

• Clientela burguesa y protestante• Las escenas religiosas perdieron importancia

(el luteranismo defendía la austeridad en la representación de imágenes).

• No se realizaban para decorar iglesias sino para las viviendas

• Función moralizante de los temas mitológicos.


• TEMÁTICA: • Escenas de la vida cotidiana: muy

frecuentes• Los paisajes: fueron un tema en sí mismo

(calles de ciudades, paisajes rurales,…).• Los bodegones: trataron de reflejar la

calidad de los objetos representados, destacan los floreros.

• El retrato: tema habitual, de carácter austero, realista, personajes de la calle, retrato colectivo (corporativo: miembros de alguna corporación)

• Pintura religiosa de pequeño formato.

• La técnica: óleo sobre lienzo.• DESTACAN: REMBRANDT (1606 – 1669),

Frans HALS y Johannes VERMEER.


Rembrandt van Rijn 1606-1669

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Rembrandt. (1606-1669)• Genial e independiente. Influencia de Caravaggio.• CARACTERÍSTICAS: 1. Tratamiento de la luz:

• Influencia del tenebrismo, aunque alejado de los fuertes contrastes de luz y sombra , el tránsito entre las zonas luminosas y las oscuras se hace de forma paulatina, con múltiples gradaciones de luz y sombra.

• Luces doradas, misteriosas, mágicas, con múltiples transiciones

• Intenso realismo: sus modelos gentes humildes, su entorno inmediato

• Predilección por la iluminación lateral , diagonales lumínicas


2. Pincelada, gruesa y suelta, contornos desdibujados

3. Se alejó del detallismo minucioso

4. No le interesa la Antigüedad clásica ni el Renacimiento

5. Sus clientes: burgueses, mercaderes y comerciantes de Ámsterdam, demócratas y calvinistas liberados del dominio español.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/8c/The_Anatomy_Lesson.jpg


6. Temas:• Tocó todos los géneros, pero se destaca el retrato y dentro de éste el retrato colectivo o grupal: Lección de

anatomía, Los síndicos de los pañeros, La ronda nocturna, autoretratos• Religiosos: Antiguo Testamento, vida de Jesús.• Mitología.• Paisaje.• Naturalezas muertas, el buey desollado

EL RETRATO COLECTIVO• En el siglo XVII estos tipos de retrato eran muy populares en

las Provincias Unidas o Países bajos• SÍmbolo de una clase media que ascendía social y

económicamente• Interés por aparecer en compañía de gente poderosa

(muchas personas pagaban para aparecer en estos retratos)

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La lección de anatomía del profesor Tulp.

Tulp era un estudioso, un anatomista y un cirujano. Se había hecho famoso por un tratado sobre monstruos y por haber descubierto la válvula ileocecal.

1632.Óleo sobre lienzo. 169 X 216 cm.Mauritshuis. La Haya



• Este cuadro fue un encargo del gremio de cirujanos de Amsterdam para homenajear al primer anatomista de la ciudad Nicolaes Tulp.

• Tema: el profesor Tulp impartiendo una lección de anatomía sobre el cadáver de un ajusticiado• Se trata de un retrato colectivo: dispone a los retratados en una estructura piramidal, agrupados

estrechamente en torno al maestro cirujano, consiguiendo un gran efecto de unidad entre todos ellos, cuyos nombres aparecen escritos en la hoja que lleva uno de ellos.

• Realismo en los rostros de los personajes

• Algunos de ellos comparan la disección del brazo que hace el cirujano con un libro dispuesto a los pies del cadáver, posiblemente una obra de Andrés Vesalio, un delincuente condenado a muerte en la horca que, una vez ejecutado, se entregó para ser objeto de estudio.



• Las líneas fundamentales de la composición: Dos triángulos para separar al maestro.La diagonal del cadáver.El círculo sobre el brazo diseccionado.

• La luz fría destaca y oscurece los elementos del cuadro a gusto del pintor.



Judit en el banquete de Holofernes, Óleo sobre lienzo, 143 x 154,7 x 2,5 cm. 1634, Museo Nacional del Prado . Madrid.

Destreza del artista en el uso del claroscuro, la riqueza de matices en los tejidos y la expresión del rostro de Judit .

La obra está firmada en el brazo del sillón.


LA COMPOSICIÓN.• La protagonista: iluminada y ocupa el centro de la composición, colocada en

elevada perspectiva• Enmarcada en un fondo oscuro del que emerge una anciana • En un primer plano una joven sirvienta de espaldas al espectador le acerca la

copa, sirve de elemento conductor de la mirada del espectador hacia la protagonista

EL GÉNERO.• Responde al género de alegorías

personificadas por la figura monumental de una diosa o de una heroína de la Antigüedad.

• Originalidad: busca modelo en su entorno más inmediato, y ha pretendido humanizar a las diosas.


INTERPRETACIONES DIVERSAS: • La reina Artemisa dispuesta a beber las cenizas de su marido y hermano Mausolo para

convertirse en su sepulcro viviente. • Judit, una de las heroínas bíblicas , símbolo para los holandeses de su lucha por liberarse del

domino español. Atributos: la vieja sirvienta, el saco, la criada con la lujosa copa, las ricas vestiduras de la protagonista, y el libro abierto)


La ronda de noche. 1642. 359 X 438 cm. Óleo sobre lienzo.Rijksmuseum. ÁmsterdamLA RONDA DE NOCHE, 1642

La compañía militar del capitán Frans Banning Cocq , en el centro de la composición y el teniente Willen van Ruytenburg.

Encargado a Rembrandt para decorar la sala principal de la sede de la Milicia Cívica (organismo encargado de la defensa de la ciudad) de Ámsterdam.

RETRATO COLECTIVO: todos los aquí retratados pagaron a Rembrandt para que los pintara en el cuadro, con sus rasgos individuales, y de forma realista.

Representa a la guardia cívica a la salida de un palacio con columnas, en el momento que precede a la formación y puesta en marcha del grupo

La composición dinámica


Dimensiones originales de la Ronda de noche. Fue mutilada en 1715 para instalarla en el ayuntamiento de Ámsterdam. Copia de Gerrit Lundens

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La composición desordenada : el capitán ordena el comienzo de la marcha mientras que los miembros del grupo realizan variadas acciones: redobla el tambor, ondea el estandarte, se carga el fusil, se limpia la cazoleta de la pólvora…

Ilumina y oscurece a capricho, de forma irreal, pero no es un nocturno (la obra se ha oscurecido con el paso del tiempo)

Variada paleta de color, con dominio de los cálidos, destacan el amarillo, negro y rojo de los protagonistas en un primer plano.



• La única figura femenina del cuadro.

• La joven destacada por medio de la luz dorada que la ilumina

• Posible retrato de Saskia, su esposa, muerta en el mismo año que se pinta la ronda.

• El gallo que cuelga de su cintura era el emblema de la compañía.


• Los síndicos eran los encargados de vigilar la calidad de las telas teñidas y fabricadas por el gremio.

• Rembrandt ha utilizado un punto de vista bajo situando los personajes tras una mesa ricamente vestida.

• Todos de negro, con enormes cuellos blancos

• Gran realismo en sus rostros

• Estudian un libro de cuentas en el momento en que el espectador ha entrado en la estancia y los ha interrumpido.

Los síndicos de los pañeros.1662. Óleo sobre lienzo. 191 X 279 cm. Rijksmuseum. Amsterdam.


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Autorretrato con SaskiaLienzo 161 x 131 cm. Firma y fecha: Rembrandt f. c.1636Los años felices del pintor y su esposa.

Autorretratos

Autorretrato.1628.Tabla. 23 X 19 cm.Rijksmuseum. Amsterdam

Autorretrato con gorguera.1629.Tabla 37,9 x 28,9 cmMauritshuis den Haag.

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El pintor en su estudio. 1629.

Autorretrato con gorro y cadena de oro.1634.Museo del Louvre.

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Autorretrato a los 34 años.1640.Lienzo 93 x 80 cm.National Gallery Londres


Autorretrato.• Rembrandt es el pintor del alma, en sus retratos y

autorretratos la mera apariencia física se ve superada por la profundidad psicológica del retratado.

• En sus últimas obras el pintor nos habla de la vejez y de la soledad con un gran realismo.


• Autorretrato impresionante y de gran profundidad psicológica, el mismo año de su muerte.

• En sus últimos años su obra es más profunda y espiritual.

• Su estilo parte del claroscuro , sin embargo en el límite entre la luz y las sombras no es tajante, crea unas penumbras que dan una atmósfera fantástica y misteriosa a sus obras.

• En las zonas oscuras, las formas quedan sumergidas por manchones densos y amplios de pasta cromática

Autorretrato. 1669.

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El festín de Baltasar.Aprox.1636. Óleo sobre lienzo. 167 x 209 cm. The National Gallery. Londres.

Narra el Libro de Daniel que, en un banquete, Baltasar profanó los vasos del templo de Jerusalén, ( traídos a Babilonia como botín) al mandarlos usar como servicio de mesa

Apareció una misteriosa mano que dejó escritas sobre la pared unas palabras ininteligibles, sólo el profeta hebreo Daniel supo leerlas:

“Dios ha contado los días de tu reinado, has sido pesado en la balanza y te falta peso, tu reino se ha dividido y ha sido entregado a medos y persas”. Esa misma noche Baltasar fue

asesinado y su reino ocupado por Darío.


El festín de Baltasar.Aprox.1636. Óleo sobre lienzo. 167 x 209 cm. The National Gallery. Londres.

Rembrandt pinta el momento que la mano escribe el final de su vaticinio ante la sorpresa y estupor de Baltasar que, girándose bruscamente derrama su copa

Expresión y el movimiento de los protagonistas.

La composición construida con la poderosa diagonal que lleva nuestra mirada a las palabras mágicas escritas en la pared.

Luces doradas y poderosos empastes de color nos sugieren las calidades de las telas, las joyas y los objetos.


El buey desollado. 1655


La conjurade los batavos. 1661-1662.Óleo sobre lienzo. 196 X 309 cm.National Museum Stockholm.

La obra representa un episodio real durante la dominación romana (69 d.C.). Los Bátavos, bajo la jefatura de Claudio Civilis, se reúnen en una celebración "bárbara", según Tácito, para conjurarse como liberadores del país.


Retrato de María Trip. 1639.

• Estamos ante el retrato de una de las muchachas más acaudaladas de Amsterdam. Cuando Rembrandt retrató a María en 1639 tenía 20 años y aun estaba soltera, por lo que podría ser este retrato un interesante vehículo para encontrar el candidato idóneo para contraer matrimonio.

• Para evidenciar la riqueza de María, porta una interesante colección de joyas: collar y pulseras de perlas, broche de oro, diamantes y perlas y pendientes a juego.

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El predicador menonita (doctrina religiosa) Anslo y su mujer.1641

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Jeremías prediciendo la destrucción de Jerusalén.Rijksmuseum.

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Betsabé. Óleo sobre lienzo, 142 x 142 cm 1654. París, Musée du Louvre.

• Hendrickje Stoffels, compañera y amante del pintor le sirvió de modelo.

• La representación se ha reducido a los indispensable para hacerla identificable, la joven desnuda, la sirvienta y la carta.


• David le ha enviado la carta que Betsabé sostiene en su mano, en la que la cita.

• Rembrandt ha prescindido de todo lo anecdótico para plasmar la dimensión humana de la historia: rostro ensimismado y triste de la joven que debe obedecer al rey.

El rey David de su lecho vio a una mujer que se estaba bañandoDavid envió gente que la trajese para acostarse con ella, fruto de lo cual nacerá el rey Salomón

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Pedro Pablo Rubens.

1577-1640Antonio Casquet y Marta López, Ave María

Casa Madre


Flandes (Bélgica)• Triunfo del catolicismo

contrarreformista.• Grandes lienzos de altar.• Óleo sobre lienzo (grandes

dimensiones)• Temas: religiosos, mitológicos, retrato

individual, paisaje, bodegones• Destaca: Pedro Pablo Rubens


Pedro Pablo Rubens, (1577-1640).

RASGOS: • Culto, de personalidad arrolladora, viajero y

diplomático.• Gran creatividad, dinamismo y luminosidad.• Riqueza de colorido, preferentemente colores cálidos,

vivos y de gran intensidad• Movimiento: composiciones en diagonal• Ampulosidad de las figuras (las figuras masculinas son

musculosas y de piel morena, mientras que las femeninas son gruesas y sensuales, de piel clara).

• Pincelada suelta


Obras• Temática religiosa: para la catedral de Amberes:

1. La Erección de la cruz, 2. El Descendimiento, (1611-1612)3. La Adoración de los magos.

• Cartones para tapices: 4. Triunfo de la Eucaristía, (1628).

• Retratos: 5. El Duque de Lerma6. Elena Fourment 7. María de Médicis.

• Mitología: 8. Las Tres Gracias, sensualidad9. El Juicio de Paris.

• Alegorías: 10. El jardín del amor.


1. La erección de la cruz.

• Lienzo de formato vertical• Momento en el que Cristo ya se encuentra clavado a la

cruz y los soldados se disponen a elevarlo.• La figura de Jesucristo en una marcadísima línea

diagonal es el centro de la composición• Expresión del rostro del crucificado que, eleva sus ojos

hacia el cielo en un gesto de súplica• Alrededor de la cruz un buen número de hombres

musculados completa la composición.• Los soldados presentan grandes gestos de esfuerzo

para elevar la cruz, como si la figura de Jesucristo fuese demasiado pesada

• Influencia de Miguel Ángel y Caravaggio

1610-1611.Óleo sobre lienzo. 462 X 341 cm.Catedral de Amberes.


2. El descendimiento.

1612.Óleo sobre lienzo. 420 X 310 cm.Catedral de Amberes.

Cristo desnudo es bajado lentamente y su cuerpo es sostenido por:

• San Juan que viste túnica roja y en postura forzada • María Magdalena que se encuentra arrodillada y

sostiene una pierna de Jesús• José de Arimatea con barba a nuestra izquierda • la Virgen que no se encuentra desamayada como

en otros cuadros


• Al fondo se insinúa un paisaje de luz crepuscular

• Composición: diagonales (el cuerpo de Cristo, la tela de lino blanca, el brazo del personaje con torso desnudo , San Juan) curvas y contracurvas, escorzos .

• Cuerpos robustos, voluminosos que recuerdan a Miguel Ángel.

• La luz parece proceder del cuerpo de Cristo, claroscuro

• Predomina el color sobre la línea • Dramatismo; posturas forzadas y

expresión de los rostros

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3. Adoración de los magos. 1609-1628. óleo sobre lienzo 355X493 cm. Museo del Prado.


• Los reyes, acompañados por un gran cortejo, presentan sus regalos al niño Jesús.

• Éste, en brazos de su madre, parece juguetear con el incienso que le presenta Gaspar, arrodillado ante él.

• La escena se sitúa al exterior, con una referencia al pesebre en la parte izquierda, transformado en una arquitectura clásica.

• Los ropajes de los reyes son de gran lujo y riqueza.


• La luz parece emanar de la figura Jesús.

• Compleja composición, multitud de personajes, diagonal finaliza en la figura del niño, punto central de la obra

• Movimiento y dinamismo• La obra fue realizada en dos

momentos; el primero en torno a 1608-1609 y veinte años después fue ampliada por el propio artista, incluyendo su autorretrato a caballo, con cadena de oro y espada (mostraba su elevada situación social como caballero)

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4. Triunfo de la Eucaristía. 1625. Óleo sobre tabla. 65 X 91 cm. Museo del Prado.


• Encargo de la archiduquesa Isabel Clara Eugenia

• Serie de diecisiete tapices con destino al Monasterio de las Descalzas de Madrid.

• Tema: la Eucaristía, dogma principal del catolicismo.

• Las escenas fueron concebidas como desfiles triunfales, simulando ser telas colgadas de arquitecturas barrocas

• Las seis tablas que custodia el Prado son los modelos pintados por Rubens en los que se basan los cartones, mucho mayores, que los tapiceros usaron para confeccionar los tapices.


• La luz emana del ángel portador del cáliz (sacramento de la eucaristía) iluminando el interior de un templo romano dedicado a Júpiter Capitolino

• Los participantes de un sacrificio pagano huyen ante la aparición divina:

• Un musculoso matarife • Un sacerdote anciano• Un sirviente, de rodillas,

forcejea tratando de sujetar por los cuernos al toro que iban a sacrificar.

4.1. Triunfo de la Eucaristía

1625. Óleo sobre tabla. 65 X 91 cm. Museo del Prado.


• Toda la escena es un falso tapiz que despliegan tres querubines alados en la parte superior

• En un oscuro rincón del templo se oficia un rito a la luz de las antorchas y ante la estatua del dios Júpiter.

• En el caos una vasija de oro se vuelca, derramando el vino de la libación, fuera de la escena, en una pila de mármol integrada en el marco arquitectónico y sostenida por dos cabezas de carnero esculpidas.

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4.2. Triunfo de la verdad católica. 1625- 26.


• La alegoría de la Verdad guiada por el Tiempo,

• El dragón que pisotean es el símbolo del mal.

• La victoria de la Verdad es tan inevitable como el resultado de la lucha que tiene lugar en primer término entre un zorro astuto herido y un poderoso león

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Triunfo de la verdad católica. 1625- 26.


• La alegoría de la Verdad (identificada por la inscripción situada sobre su cabeza), guiada por el Tiempo, señala las palabras: Hoc est corpus meum (éste es mi cuerpo), que se pronuncian en la misa cuando, de acuerdo con la doctrina católica, el pan es milagrosamente transformado en la carne de Cristo.

• El dragón que pisotean es el símbolo del mal.

Hoc est corpus meum (éste es mi cuerpo)

Veritas

El Tiempo


• Los enemigos del verdadero credo huyen ante el avance de la Verdad:

Juan Calvino

Musulmán

Iconosclasta

Martín Lutero

Tanchelmo de Amberes

Judío


• Los enemigos del verdadero credo huyen ante el avance de la Verdad:

• Juan Calvino con gorra y barba apuntada

• Martín Lutero en hábito de fraile• Un hombre con el torso desnudo

que aferra una custodia; probablemente sea Tanchelmo de Amberes que puso en duda la Eucaristía.

• Un personaje con turbante blanco y otro con un cuchillo posiblemente representen a los musulmanes y a los judíos.

• Un iconoclasta, un hombre con un martillo que se prepara para destruir una estatua de la Virgen con el Niño.

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4.3. El triunfo de la Iglesia sobre la furia, la discordia y el odio. 1628.


• En un carro triunfal vemos a la Iglesia (una mujer que sostiene la custodia).

• Detrás un ángel a punto de colocarle la mitra papal


Un ángel sujeta la corona papal sobre la cabeza de la joven, la Iglesia Católica, que exhibe una custodia con la Sagrada Forma sobre una cuadriga triunfal.


• Sobre el caballo blanco un ángel porta un dosel o con unas llaves de oro y plata, símbolos del pontificado.

• Un tercer ángel lleva la palma y la corona de laurel que simbolizan la victoria.


• Las ruedas del carro arrollan a figuras que representan el mal.

• Dos personajes caminan junto al carro: La Ceguera (atado con cuerdas y ojos vendados) La Ignorancia (orejas de burro)

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5. Retrato ecuestre del Duque de Lerma.


1603.Óleo sobre lienzo.207,5 X 290,5 cm.Museo del Prado. Madrid.

El todopoderoso valido del rey Felipe III retratado por Rubens a caballo, siguiendo modelos de la Antigüedad, en una imaginaria batalla.


Autorretrato con su esposa Isabel Brant. 1609.Óleo sobre lienzo.179 X 136 cm.Pinacoteca Múnich.

El artista se retrata a la edad de 32 años cuando acaba de contraer matrimonio con Isabel Brant, hija de Jan Brant, jurista y canciller de Amberes.

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Rubens y su esposa Helena Fourment paseando por el jardín de casa.

Helena Fourment y sus hijos.


6. Helena Fourment


7. CICLO ALEGÓRICO DE MARÍA DE MEDICI

• María de Medici, segunda esposa del rey Enrique IV de Francia. Fue regente de Francia de 1600 a 1610 tras el asesinato del Rey, después se vio exiliada por su propio hijo Luis XIII en 1630

• María de Medici le encargó a Rubens dos ciclos alegóricos sobre su vida y la de su esposo el Rey Enrique IV para decorar su nuevo palacio, El Palacio de Luxemburgo en Paris.

• Rubens finalizó el ciclo de la Reina se finalizo en 1624 pero no llegó a realizar el del Rey por el exilio de la reina.

• Se trata de grandes composiciones colorísticas y que reflejan una tumultuosa energía.


7.1. Enrique IV de Francia recibiendo de Júpiter y Juno el retrato de María de Medicis.

1621,-24.Óleo sobre lienzo.Museo del Louvre

• El matrimonio de Enrique IV de Francia y María de Medicis formaba parte de los habituales enlaces de Estado, en los que los contrayentes no se conocían.

.

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• Enrique IV recibe el retrato de su prometida de manos de Himeneo -dios del matrimonio- y Cupido -dios del amor-.

• Galia, la personificación de Francia, ataviada con un casco emplumado aprueba el matrimonio en nombre de la nación francesa

• En la zona superior: la pareja Júpiter (con el águila) y Juno (el pavo real) simbolizando la armonía conyugal.

• Paisaje, columna de humo (referencia a la reciente guerra de Saboya) el monarca aparece con armadura. Con su casco y escudo juegan dos amorcillos a sus pies.

• El objetivo del matrimonio será convertir a un monarca belicoso en un rey amante de la paz, lo que provocará la prosperidad y el desarrollo de las artes en el reino.



7.2 El desembarco de María de Médicis en el puerto de Marsella.

Óleo sobre tela. 394 x 295 cmMuseo del Louvre, París

• La Reina esta acompañada por su hermana y su tía.

• Personificación de Francia: con capa azul con flores de lis (emblema de la realeza Francesa).

• La Fama: tocando dos trompetas como bienvenida

• Saliendo del mar: Neptuno, un tritón, tres sirenas y nereidas,.

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Francia y Marsella dan la bienvenida a la reina.

Las nereidas y los tritones, que han acompañado a la nave, la anclan en el puerto de Marsella.


7.3 El matrimonio de Enrique IV y María de Médicis.

• El Encuentro de Maria de Medici con Enrique IV en Lyon

• María como la diosa Juno con su pavo real y carruaje.

• El rey como Júpiter, con sus rayos y el águila.

• Los reyes sostienen sus manos juntas simbolizando la unión de su matrimonio.

• Himeneo el dios del matrimonio


7.4. Proclamación de la regencia.

• El rey llevado al cielo y la regencia de la reina.

• La apoteosis del Rey Enrique IV.


• En el lado izquierdo: la elevación de Enrique IV a los cielos (asesinado en 1610), como un héroe y siendo recibido por Júpiter (rey de los cielos) y Saturno (representa el tiempo y el final de la existencia mortal del rey)

• En el centro de la composición: Bellona la diosa de la guerra, desnuda, atormentada y desarmada indica la pérdida de la batalla y la muerte del Rey.


• En el lado derecho: María de Medici, vestida como viuda, asume la corona.

• La Reina en su dolor es sostenida por la personificación de Francia que le entrega el orbe simbolizando el gobierno.


8. Las Tres Gracias

Óleo sobre tabla . Museo del Prado de Madrid.

• Las tres hijas de Zeus ( Aglaya, Talía y Eufrosine), las tres gracias de la mitología griega. Simbolizan el amor, la belleza, la sexualidad y la fertilidad.

• A la derecha hay un cupido con una cornucopia dorada de la que cae agua y arriba del cuadro una guirnalda de flores.

• Gran colorido brillante y luminosidad. • Las tres gracias están representadas con un peinado de

la época, desnudas, conectadas entre sí a través de los brazos, el velo transparente y las miradas, parecen iniciar una danza.

• Se caracterizan por la flacidez de sus carnes y la ampulosidad de sus contornos

• Se dice que Rubens pintó el retrato de sus esposas Helena Fourment (a la izquierda) Isabella Brant (a la derecha)


9. El Juicio de Paris.

1639 Museo del Prado 199 x 379 cm. Oleo sobre lienzo

• Eris, diosa de la discordia, retó a la diosa más bella a recoger una manzana de oro que había lanzado… Juno, Minerva y Venus, comenzaron una disputa y Júpiter decidió darle la manzana a Mercurio y que éste se la diera al príncipe Paris,( hijo del rey Príamo de Troya, que vivía como un humilde pastor) que finalmente escogió a Venus como la vencedora. A cambio, la diosa Venus le dio la mano de Helena de Troya, esposa de Menelao de Esparta desencadenando la Guerra de Troya


• Se centra en las tres mujeres desnudas, cuyos cuerpos se construyen mediante líneas sinuosas, creando posturas exageradas

• Muestra el momento en que Paris observa detenidamente a las diosas, tratando de juzgar a quién debía corresponder la manzana. Las tres divinidades se presentan desnudas para demostrar su espléndida belleza.

• Fue un encargo personal del rey Felipe IV a Rubens

• Realizó varias versiones de este tema


Hermes: sombrero y sus sandalias aladas, caduceo con las dos serpientes enrolladas.

Cada uno de los personajes del cuadro aparece identificado por sus atributos:

Atenea: la armadura reposa a sus pies.

Hera: el pavo real

Afrodita y su hijo Eros, armado con su arco y sus flechas

El príncipe Paris: como pastor con su perro lebrel y callado


• Composición clásica: todas las figuras distribuidas a la misma altura y en el mismo plano, como si se tratase de un friso, además de cerrar la composición enfrentando a los personajes de los extremos: Paris y Hera, que dan la espalda al espectador.

• Presenta los grandes rasgos de la obra de Rubens:• Viveza de color, de clara influencia veneciana, especialmente de Tiziano• Fuerte movimiento: figuras gesticulando, girándose.• Fuerte moldeado de los cuerpos, herencia de Miguel Ángel• Cuerpos femeninos con sus características masas blandas y voluminosas, paradigma de sensualidad en aquella época.


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El jardín del amor. 1630. 198 X 283 cm. Óleo sobre lienzo. Museo del Prado.


10. El jardín del amor.

• Representa un conjunto de personajes galantes reunidos en un jardín celebrando una pequeña fiesta, un entusiasta grupo de amigos que charlan y se divierten en las más variadas posturas.

• Podría tratarse de la casa de campo que en propio Rubens poseía a las afueras de Amberes.


• Pintado poco después de su boda: Rubens viudo, contrajo matrimonio por segunda vez con Helena Fourment (53 él y 16 años ella)

• Pintado no por encargo sino para él mismo.• Representa la alegría de vivir de un hombre

de edad avanzada que acaba de recobrar la felicidad

• Su pintura se volvió más sensual, más amable y colorista

• Retrata a Helena en las mujeres presentes en el cuadro y a él mismo en los hombres. Se pinta a sí mismo rejuvenecido, próximo en edad a la novia


• El espacio se delimita por un templete clásico, de columnas y atlantes en cuyo interior aparece, sobre una venera, una escultura que representa a las Tres Gracias

• Alegoría del amor: • Pequeños puttis, amorcillos, que portan símbolos del amor: tórtolos, símbolo del amor conyugal, la antorcha

de Himeneo, dios del matrimonio, arco y flechas• La fuente representando a las Tres Gracias, que simbolizan el amor, la belleza, la sensualidad y la fertilidad.• Juno: el pavo real a la derecha, diosa protectora del matrimonio• La fuente de la diosa Venus: de cuyo pecho mana el agua, símbolo de la fertilidad, sobre un delfín que

representa los infatigables juegos del amor.


• Templete clásico, de columnas y atlantes• La fuente de las Tres Gracias, que simbolizan el amor, la

belleza, la sensualidad y la fertilidad.

• Juno: el pavo real, diosa protectora del matrimonio

• Pequeños puttis, amorcillos, que portan símbolos del amor: tórtolos, símbolo del amor conyugal, la antorcha de Himeneo, dios del matrimonio, arco y flechas

• La fuente de Venus: de cuyo pecho mana el agua, símbolo de la fertilidad, sobre un delfín que representa los infatigables juegos del amor.


• Pequeños puttis, amorcillos, que portan símbolos del amor: tórtolos, símbolo del amor conyugal, la antorcha de Himeneo, dios del matrimonio, arco y flechas

• Venus; diosa del amor

• La fuente de las Tres Gracias, que simbolizan el amor, la belleza, la sensualidad y la fertilidad.


• Helena de novia, esposa y madre:• Novia: tímida, invitada por su novio a sentarse en la hierba, empujada por un amorcillo

(izquierda) Sentada en la hierba escuchando a su amante con mirada ensoñadora.• Esposa: desciende la escalera orgullosa del brazo de su esposo (derecha)• Madre: agarrada por la figura femenina con un niño que tira de ella, y que representa al amor

maternal (tendrían cinco hijos)

NoviaEsposa y madre


Las tres figuras femeninas del centro representan los tres tipos de amor: maternal, sereno y pasional


El Juicio Final.1617.606 X 460 cm.Óleo Pinacoteca. Munich.

OTRAS OBRAS DE RUBENS

El rapto de las hijas de Leucipo por Cástor y Pólux.


En Rubens, tanto la Iglesia como el estado encontraron un artista soberanamente dotado para satisfacer sus demandas de decoración y glorificación en gran escala. Rompió decididamente con la tradición septentrional de las obras de reducidas proporciones; las suyas mostraron a sus contemporáneos las inmensas posibilidades del arte vigorosamente naturalista.

Alegoría de la paz y la guerra.National Gallery. Londres.

Asunción de la Virgen.


Martirio de San LivinioMuseos Reales de Bruselas.

Su arte tipifica el barroco, en él se encuentran todas las características que se asocian con este estilo:

Está pleno de poder, de gestos amplios y de movimiento dinámico;

El colorido es resplandeciente y radiante;

Las pinceladas, libres y expresivas. Se funda en un intenso estudio de

la naturaleza. Recibe una exuberante vitalidad de

su percepción de la belleza sensual de la superficie y textura de la carne, de los ricos tejidos, de la hierba y del agua.

https://blu1.storage.live.com/items/56EADE422BCD77C3!1580:Scaled1024/El%20martirio%20de%20san%20Livinio-Pedro%20Pablo%20Rubens.jpg?psid=1&ck=0&ex=720


Una gran confianza en el vigor del cuerpo, una creencia en la energía que expresa una gratitud religiosa por la vida, se encuentran en el núcleo de su estilo y se ponen de manifiesto tanto en el gozoso sentimiento festivo de sus retablos como en la lustrosa y sedosa piel de sus desnudos femeninos.

El rapto de las hijas de Leucipo por Cástor y Pólux.

Las tres gracias. Det. Museo del Prado. Madrid.



• Hija del pintor Orazio Gentileschi, seguidor de Caravaggio. Perdió a su madre a los doce años y quedó al cuidado de su padre, quien la guió en el arte de la pintura, y de la técnica del tenebrismo

• Sus primeras obras son: "La Virgen”, "Susana y los Ancianos", firmada a los diecisiete años

• A los diecinueve años, dado que el acceso a las Academias de Bellas Artes le estaba prohibido por ser mujer, su padre le dio un preceptor privado, Agostino Tassi.

• Un escándalo marcó su vida. Tassi la violó en 1612. • Para salvar la reputación de Artemisia prometió

casarse con ella, cosa que no pudo llevar a cabo porque ya estaba casado.

ARTEMISIA GENTILESCHI (Roma 1593- Nápoles 1652)

Susana y los ancianos (1610) Colección Schönborn, Pommersfelden


• Tassi fue llevado a juicio ante un tribunal papal inquisitorial, durante el cual se descubrió que Tassi había planeado asesinar a su esposa, cometido incesto con su cuñada y había querido robar ciertas pinturas de Orazio Gentileschi.

• Del proceso se conserva documentación exhaustiva, que impresiona por la crudeza del relato de Artemisia y por los métodos inquisitoriales del tribunal.

• Artemisia fue sometida a un humillante examen ginecológico y torturada usando un instrumento que apretaba progresivamente cuerdas en torno a los dedos para confirmar que su versión era cierta

• Tassi fue condenado a un año de prisión y al exilio de los Estados Pontificios. Tras salir de prisión retomó su amistad con Orazio Gentileschi, lo que agravó el dolor y la humillación de Artemisia.

• Para restablecer su honra, Artemisia contrajo matrimonio con un modesto pintor, Piero Antonio Stiattesi, un mes después del juicio.

Judith decapitando a Holofernes (1612-1613), Museo de Capodimonte, Nápoles


• En 1614 Artemisia y su marido se mudaron a Florencia, donde la artista fue la primera mujer en ser admitida en la Accademia del Disegno (Academia del Dibujo), pudo relacionarse con artistas reconocidos, conseguir el patronazgo de personas importantes, como el duque Cosimo II de Médici y la duquesa Cristina, y tuvo una buena relación con Galileo Galilei.

• De esta época son “La conversión de la Magdalena”, “Judith con su doncella” y “Judith Decapitando a Holofernes” que es considerada su obra maestra

La conversión de la Magdalena (1615-1616) Palacio Pitti, Florencia


Judith decapitando a Holofernes , Galleria degli Uffizi de Florencia

• La pintura impresiona por la violencia de la escena que representa, y ha sido interpretada como un deseo de venganza respecto a la violencia que ella había sufrido.

• Episodio bíblico: la joven viuda judía Judith libera su ciudad Betulia de la invasión asiria, seduciendo, emborrachando y decapitando a su jefe, Holofernes.

• Pinta rasgos de su rostro en Judith y de Tassi en Holofernes Judit decapitando a Holofernes (1614-1620) Óleo sobre lienzo 199 x 162 cm Galleria de los Uffizi, Florencia


• JUDIT Y SU DONCELLA1625, Detroit

• Representa el momento posterior al asesinato, oyen un ruido y se alarman. Judit sostiene la cimitarra con que ha matado a Holofernes y su doncella Abra guarda la cabeza en un saco.

• Homenaje tenebrista a Caravaggio con la vela encendida y su juego de luces y sombras.


• Trabajó en Florencia, Roma, Venecia, Nápoles (donde residirá hasta el final de su vida) y una breve estancia en Londres.

• Su éxito como pintora no compensó las dificultades de la mala administración financiera, sumadas a problemas con su esposo, de quien se emancipó y separó en 1623.

Autorretrato como alegoría de la pintura. 1630

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Tema 11.3 el arte barroco. tercera parte. pintura (2)