Arquitectura, escultura y pintura

Vanguardias europeas y norteamericanas de posguerra

Prof. José CardosoInstituto superior de Arte – D162

Instituto Superior de Perfeccionamiento y Especialización DocenteGualeguaychú – Entre Ríos

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InformalismoFrancia/España, luego internacional, década de 1940

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El informalismo es un movimiento artístico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en Francia y el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial, en paralelo con el expresionismo abstracto estadounidense. Dentro de él se distinguen diferentes corrientes, como la abstracción lírica, la pintura matérica, la Nueva escuela de París, el tachismo, el espacialismo o el art brut. El crítico de arte francés Michel Tapié acuñó el término arte otro (art autre) en el libro homónimo, de 1952, sobre el arte abstracto no geométrico.

Características:Se otorga primacía al color y a las materias con las cuales se plasma la obra.Rechazo de la abstracción geométrica.Exploración de nuevos caminos expresivos siguiendo la intuición y lo aleatorio.Ausencia de voluntad formal en la estructuración compositiva de la obra y su tratamiento plástico.Creación de ritmos espontáneos a base de marañas envolventes de líneas y manchas de color.Búsqueda de lo gestual y de lo matérico.Creación de morfologías textuales mediante técnicas como el collage, el grattage y el frottage.Predominio del contenido lírico y la cualidad pictórica.Combinación de materiales diversos y de desecho (arena, yeso, grava, brea...).

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Antoni Tàpies (España), Cruz de papel periódico, 1946

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Jean Dubuffet (Francia), El árbol de los fluídos, 1950

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Wols (Alemania), El fantasma azul, 1951 - Tachismo

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Willi Baumeister (Alemania) Zwei Laternen, 1955

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Lucio Muñoz (España), Personaje yaciente (óleo y madera tallada, 81 x 100 cm), 1964

9Alberto Greco (Argentina), 1964

Manifiesto Dito del Arte Vivo (Alberto Grecco)

El arte vivo es la aventura de lo real. El artista enseñara a ver no con el cuadro sino con el dedo. Enseñara a ver nuevamente aquello que sucede en la calle. El arte vivo busca el objeto pero al objeto encontrado lo deja en su lugar, no lo transforma, no lo mejora, no lo lleva a la galería de arte. El arte vivo es contemplación y comunicación directa. Quiere terminar con la premeditación, que significa galería y muestra. Debemos meternos en contacto con los elementos vivos de nuestra realidad. Movimiento, tiempo, gente, conversaciones, olores, rumora, lugares y situaciones. Arte Vivo, Movimiento Dito. Alberto Greco. 24 de julio de 1962. Hora 11:30.

10Enrico Accatino, Italia

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Hans Hartung (Alemania), Litografía, 1973

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Expresionismo abstractoEEUU luego internacional, década de 1940

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El expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra Fría.Su expresión no designa a una escuela unificada por un estilo, sino a una comunidad de convicciones y técnicas compartidas por algunos pintores estadounidenses.Como su propio nombre indica, el expresionismo abstracto es un arte no figurativo y, por lo general, no se ajusta a los límites de la representación convencional.Las raíces del expresionismo abstracto se hallan en la obra no figurativa del pintor ruso Wassily Kandinsky, y en la de los surrealistas, que a comienzos de la segunda guerra mundial se exiliaron a Nueva York. compartidas por algunos pintores estadounidenses.Esta presencia de artistas europeos de vanguardia ejerció gran influencia entre los pintores norteamericanos, especialmente entre los jóvenes artistas neoyorquinos, liberándolos de los moralismos y dogmatismos artísticos imperantes en Norteamérica, y haciéndoles descubrir la estimulante libertad de la creación espontánea.El expresionismo abstracto, generalmente considerado como una fusión de dos grandes tendencias europeas de preguerra que fueron el Cubismo y el Surrealismo, se inspira en ellos modificando sus principios: para que el arte abstracto pueda ser expresión de un contenido y escape con ello de la “decoración”, los pintores toman del surrealismo el automatismo, así como otras técnicas experimentales.

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CaracterísticasAusencia de toda relación con lo objetivo.Rechazo de todo convencionalismo estético.Expresión libre y subjetiva del inconsciente.Ejecución totalmente espontánea.Valoración de lo accidental y explotación del azar como recurso operativo.Intensidad de propósito: lo que importa es el proceso o acto de pintar más que el contenido.Predominio del trazo gestual en expresiones de gran virulencia y dinamismo.Empleo de manchas y líneas con ritmo.

Dentro del Expresionismo Abstracto se distinguen dos fases claramente diferenciadas:Fase mítica o de formación del movimiento, desde principios de los cuarenta hasta después de la segunda guerra mundial.Se caracteriza por su imaginería extraída del subconsciente, composiciones con formas que semejan estructuras de plantas y animales, formas protozoicas o amiboideas creadas espontáneamente, así como garabatos y símbolos primitivos o cósmicos: círculos, discos, por su contenido surrealista, simbólico y sexual, la ausencia de profundidad y el predominio de la armonía tonal.Fase gestual, a partir de 1947, año en el que Pollock realiza sus primeras pinturas de goteo, quedando así plenamente configurado el movimiento.

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Esta fase gestual se caracteriza por el abandono del lenguaje figurativo, utilización de nuevos métodos de ejecución (pintura de goteo: dripping), expresión del estado psíquico del artista en el momento de realizar la pintura, utilización de telas de grandes dimensiones, gran libertad en el color, variedad de configuraciones estructurales entre las que destacan:Composiciones de campo extendido (all-over field):Toda la superficie del lienzo cubierta uniformemente mediante una maraña de líneas y cordones de pintura chorreada o goteada que transmiten la sensación de extenderse indefinidamente más allá de los bordes del cuadro (Pollock).Composiciones de campo de color (colour field):Grandes superficies planas combinadas de color sin elementos sígnicos ni gestuales, creando atmósferas y gran sensación de espacio (Rothko, Newman, Reinhardt, Still).Composiciones gestuales: Marañas ondulantes y rítmicas de trazos, empastes, manchas y chorreos sobre fondos dominantes (Tobey, Mitchel).Composiciones sígnicas: A base de grandes pinceladas o brochazos superpuestos monócromos sobre fondo blanco, que recuerdan caligrafías orientales (Kline, Tobey).Los artistas del movimiento son Pollock, De Kooning, Kline, Motherwell, Gorky y Hofmann.

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Jackson Pollock, Alquimia, 1947

17Willem De Kooning, abstracción, 1949

18Franz Josef Kline, Jefe, 1950

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Rufino Tamayo, Anochecer, 1953

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Willem De Kooning, Un árbol en Nápoles, 1960

21Elmer Bischoff, #1, 1974

22Elmer Bischoff, #104, 1987

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Abstracción geométricaEuropa/EEUU, década de 1940

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Movimiento que se desarrolla en Europa, paralelamente al informalismo. Se puede considerar que es el precedente del Op-Art.Se caracteriza porque ni la obra en sí, ni ninguna de sus partes, representa objetos del mundo visible.Tiene su origen en el suprematismo de Malevitch y en construcciones abstractas de Tatlin, Popova, etc., así como en el neoplasticismo de Mondrian.El uso de elementos neutrales, normalmente geométricos, confieren claridad, precisión y objetividad a la obra, eliminando a su vez, la capacidad sensitiva y expresiva de los materiales y logrando así una composición lógicamente estructurada.

Características:-Abstracción geométrica del tipo hard edge.-Exaltación de la simplicidad y la armonía.-Rechazo de lo orgánico.-Búsqueda de un arte puro basado en la racionalidad y el orden.-Máxima economía de medios.-Expresión formal de carácter lineal basada en el color. -Estructuración de la obra a base de esquemas matemáticos de ordenación compositiva formando series, grupos y variaciones lógicas de color.

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Theo van Doesburg, Composición XV

26Josef Albers, Constelación estructural Alfa, 1954

27Frank Stella, Morro Castle, 1958

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Iago Pericot, 1.024 vivències d'un personatge vermell, 1968

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Bridget Riley, Arcano, 1972

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EspacialismoItalia/Argentina, fines de la década de 1940

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Estilo que aparece en Italia, hacia los años 50, de la mano de Lucio Fontana, este artista postulaba por un "arte libre de todo artificio estético" lo que le llevó a investigar las posibilidades espaciales de la pintura mediante la discontinuidad física del lienzo.Para ello realizó una serie de obras a las que tituló "Concetto Spaziale" (concepto espacial).En 1946 Fontana publicó en Buenos Aires su célebre "Manifesto bianco" (manifiesto blanco), y en 1947 fundó en Italia el grupo "Spazialismo" (espacialismo).Los planteamientos teóricos del grupo se dieron a conocer en 1947 en su primer "Manifiesto del Espacialismo" firmado por Kaisserlian, Joppolo, Milani y Fontana.Características:-Empleo de colores áticos.-Creación de efectos espaciales mediante la discontinuidad material del lienzo: el espacio queda definido mediante una serie de acuchillados, tajos o agujeros espaciados en la superficie de la obra. De esta manera el lienzo se conecta con el espacio real circundante que irrumpe en el contexto del cuadro.En algunas obras, acentuación o resalte del concepto espacial creado por los tajos o perforaciones, mediante su combinación con acumulaciones de pintura y de otras materias sobre la superficie del lienzo.Búsqueda de un arte libre de todo contenido formal, objetivo o ilusionístico ("artificios estéticos").

32Lucio Fontana, Concetto spaziale, 1951

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Barnett Newman, Aquiles, 1952

34Gerardo Rueda, Almudena, 1960

35Lucio Fontana, Concetto sapziale, Attese, 1969

36Robert Motherwell, Abierto Nº 67, 1969

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Pop ArtEEUU/Gran Bretaña, luego internacional, mediados de la década de 1950

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Movimiento artístico que surge con creaciones que se inspiran en imágenes de objetos cotidianos con técnicas del cine, la publicidad, las revistas y los cómics.Los artistas pop pretenden reflejar la vida urbana, mantenerse al día y convertir el arte en la vida misma.Término consagrado, cubre dos tendencias que se concretan hacia la misma época, una en Gran Bretaña, y otra en Estados Unidos, más o menos independientes entre sí y casi sin influencias mutuas de la una en la otra durante un largo periodo.El Pop inglés nace hacia mediados de los cincuentas en el seno del Independent Group, pequeña asociación muy limitada que se reúne de tiempo en tiempo en el Institute of Contemporary Arts (ICA) de Londres. Entre sus miembros destacan Paolozzi y Richard Hamilton.El grupo estudia la cultura popular, la tecnología, el consumo y la publicidad. La exposición organizada por el grupo en 1956, “This is tomorrow” en la Whitechappel Art Gallery, puede considerarse como el acta de nacimiento del Pop Inglés.En los Estados Unidos, a mediados de los cincuenta, era esencial para la nueva generación encontrar una alternativa al predominio absoluto del Expresionismo Abstracto.El Pop Art intenta sustituir el lirismo del gesto, las significaciones metafísicas, la lucha y la inquietud, por la representación de objetos de consumo corriente del “American way of life”.El impacto visual del Pop Art americano es el mismo de los paneles publicitarios, los cómics, las revistas ilustradas y la televisión.

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El término Pop Art no debe entenderse en primer grado. Estos artistas no fabrican imágenes populares, sino que hacen un comentario artístico sofisticado sobre algunos hechos y efectos de la cultura de los medios de masas.El hecho de que opten por el campo de la figuración no debe hacer olvidar que en sus trabajos se encuentran rasgos formales comunes a los artistas abstractos de su generación: la tela plana y rectangular, el All Over, la tensión, el gran formato, la serie…. De este modo el Pop Art, al apropiarse de las técnicas del marketing y aceptar el nuevo papel destinado al artista, es el primer movimiento que toma en cuenta claramente las relaciones entre el arte y el comercio.Colores puros, brillantes, fluorescentes, provocación, combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición (combine paiting), la utilización de materiales como la goma espuma y una constante provocación llena de humor son algunas de las características más relevantes de este movimiento.Los principales exponentes del pop art en EE,UU en la época de apogeo (década de los sesenta) podemos nombrar a Roy Lichtenstein y sus viñetas de cómic ampliadas hasta mostrar los puntos de impresión. Otro pilar sería Andy Warhol, este eliminó la manualidad de sus obras ya que muyas de ellas eran fotografías proyectadas sobre el lienzo. Mediante la técnica de la serigrafía fue capaz de imprimir estampas idénticas de botellas de coca cola o latas de sopa campbell.

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Richard Hamilton, ¿Que es lo que hace el hogar de hoy tan diferente, tan atractivo?, 1956

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Andy Warhol, 100 cams, 1962

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Andy Warhol, 80 billetes de dos dólares (1962) y Accidente automovilístico blanco 19 veces (1964)

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Roy Lichtenstein, Arte, 1962

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Roy Lichtenstein, Muchacha ahogándose, 1963

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Roy Lichtenstein, Whaam!, 1963

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Andy Warhol, Brillo – Caja, 1964

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Andy Warhol, Bote de sopa en conserva Campbell's I, 1968

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Andy Warhol, Marilyn, 1964

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HappeningEEUU, década de 1960

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Happening (de la palabra inglesa que significa acontecimiento, ocurrencia, suceso) es toda experiencia que parte de la ecuación provocación-participación-improvisación. Tiene su origen en la década de 1950 y se considera una manifestación artística multidisciplinaria. Aunque se han relacionado con el pop-art y el movimiento hippie, los happenings se integran dentro del conjunto del llamado performance art.En un principio, el happening artístico fue una tentativa de producir una obra de arte que naciese del acto a organizar y con la participación de los "espectadores" (que abandonasen así su posición de sujetos pasivos y se liberasen a través de la expresión emotiva y la representación colectiva). Aunque es común confundir el happening con la llamada acción artística el primero difiere de la segunda en la improvisación.El happening, como manifestación artística múltiple que pretende la participación espontánea del público, suele ser efímero. Por este motivo los happenings suelen presentarse en lugares públicos, irrumpiendo en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son las instalaciones del fotógrafo Spencer Tunik, con sus multitudes desnudas.

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Marta Minujín, La destrucción, 1963

52Spencer Tunick

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Colectivo búlgaro Alma Alter

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Marta Minujín, Rayuelarte, 2014

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Op-art/Arte CinéticoEn torno a fines de la década de 1950

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Movimiento que surge a finales de la década de los cincuenta, se trata de un arte popular inspirado ante todo en la cultura de masas, su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro.Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real. Fue rápidamente aceptado por el público por su estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.Uno de sus representantes más relevantes es el artista francés Víctor Vasarely, quien se interesa por el arte cinético con sus efectos ópticos sugeridos por la superposición de tramas, la ordenada organización de las formas y los contrastes de blanco, negro y color.Muchos de los diseños de las obras "op" fueron explotados con fines comerciales por la industria de la moda, de los tejidos y de la publicidad. Esta saturación del diseño "op" contribuyó a la banalización y rápido envejecimiento de este estilo artístico.El arte óptico o cinético es uno de los movimientos artísticos que más se relacionan con la investigación científica, al estudiar el color, la influencia de la luz y el movimiento en los cambios cromáticos y su percepción en la retina humana.Características:-Ausencia de figuración.-Creación de efectos visuales mediante tramados, líneas sinuosas paralelas, contrastes, cambios de tamaño, inversiones de figura y fondo, seriaciones, repetición y multiplicación de estructuras, combinaciones de formas y figuras ambiguas.

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-Diseños de formas geométrico-cromáticas simples, lineales o de masa en combinaciones complejas.-Composiciones estructuradas mediante espacios geométricamente ordenados de diferente tamaño o mediante módulos repetitivos y en variación.-Composiciones abigarradas y meticulosamente realizadas.-Ejecución de trazos definidos delineados con precisión.-Colores planos de contornos netos.

Destacaron entre los representantes del Op Art: Victor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz.

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Josef Albers, En el agua (esbozo para cuadro de vidrio, guache sobro lienzo), 1927

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Victor Vasarely, Arlequín, 1935

60Alexander Calder, Aula Magna, Las Nubes (Universidad Central de Venezuela, 1953

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Frank Stella, Sin título, 1964

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Alexander Calder, Rizado con disco rojo, 1973

63Josep Navarro Vives, cinético, 1974

64Victor Vasarely, Boo, 1978

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Arte conceptualEEUU, década de 1960

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El arte conceptual, conocido como idea art, information art o software art, es un movimiento artístico en el que la conceptualización de la obra es más importante que el objeto o su representación tangible. Las ideas acerca de la obra prevalecen sobre sus aspectos formales o sensibles. Varios autores hablan del arte contemporáneo como un arte post-conceptual, sugiriendo el gran impacto que el arte conceptual ha tenido en la evolución general del arte.La práctica del arte conceptual emergió en los años sesenta y se hizo popular a través de un grupo de artistas estadounidenses entre los que se encontraban Carl Andre, Robert Barry, Douglas Huebler, Joseph Kosuth y Lawrence Weiner. La oposición a la Guerra de Vietnam, el feminismo, la instauración de una nueva economía del conocimiento y la proliferación de las TIC, han sido citados por varios autores como factores decisivos en el origen del arte conceptual. También es común relacionarlo con los ready-mades que el artista francés Marcel Duchamp realizó en las décadas de 1910 y 1920, en los cuales la obra artística ya no es interpretada como un objeto de contemplación fabricado por la mano de su creador, sino como un objeto de pura especulación intelectual.

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Lawrence Weiner. Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota.

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Piero Manzoni, Mierda de artista, 1961

69Joseph Beuys, Grupo Fluxus, 1960

70El Pont Neuf envuelto en tela por Christo y Jeanne-Claude

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Yves Klein, Azul Klein Internacional, 1959

Mi trabajo con los colores me ha conducido, en contra de mí mismo, a buscar poco a poco, con ayuda (de algún observador, de algún traductor), la realización de la materia, y he tenido que luchar y decir hasta el final de la batalla. Mis pinturas ahora son invisibles y me gustaría mostrarlas de una forma clara y positiva en mi siguiente exposición parisina en la galería Iris Clert.

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Yoko Ono, Pomelo, 1964

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Yoko Ono, Un agujero, 2010

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Arte mínimo (Minimal art)A mediados de la década de 1960

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Movimiento que surge a mediados de los años sesenta como reacción contra el subjetivismo y emocionalismo del Expresionismo Abstracto, con su énfasis en la improvisación y la espontaneidad, proponiendo en su lugar un arte totalmente preconcebido, de ejecución anónima y de gran claridad, rigor conceptual y simplicidad.Para algunos autores las más tempranas fuentes del Mínímalísmo se encuentran en las obras suprematistas de Kasimir Malevich y en algunos trabajos de Vladimir Tatlin y Piet Mondrian, y también en los "ready-mades" de Marcel Duchamp en cuanto a su minimización de la maestría artística.El artista minimal sitúa sus referentes creativos en el propio objeto artístico alejándose de esta manera de toda interferencia con el mundo exterior.Características:-Máxima inmediatez subrayando la importancia del todo sobre las partes.-Superficies inmaculadas.-Colores puros.-Formas simples y geométricas realizadas con precisión mecánica.-Utilización de materiales industriales de la maneramás neutral posible de modo que no se alteren sus calidades visuales.

Artistas destacados del movimiento minimalista son: Ellsworth Kelly, Frank Stella, Donald Judd, Jules Olitski, Kenneth Nolan, Jack Youngerman, Dan Flavin, Carl André, Robert Morris, Tony Smith, Larry Bell, John McKracken, Sol Lewit, Larry Poons, Ald Held y Morris Louis.

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Ellsworth Kelly, Five Whites, 1952

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Gerardo Rueda, Amarillo con cuatro tacos, 1972

78Aurelie Nemours, Minimisé Rouge, 1970

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Richard Serra, Heir, 1973

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NeofiguraciónLatinoamérica/Inglaterra, a mediados de la década de 1960

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Es un movimiento artístico de la segunda mitad del siglo XX, caracterizado por una vuelta a la pintura figurativa frente a la abstracción, aunque los pintores tratan el tema de una manera informal y expresionista. Surge como reacción al arte abstracto tras la Segunda Guerra Mundial, en especial durante los años 1950 y 1960.El término «neo-» y «figurativo» surgió en los años sesenta en Argentina, México, Venezuela y España para representar una nueva forma de arte figurativo.La nueva figuración preconizaba un retorno al objeto y a la realidad cotidiana. Se vuelve a representar la realidad («iconicidad»), en particular la figura humana, pero con las técnicas del informalismo. Suele tener un sentido de denuncia social. Se aprecian tendencias expresionistas, y una fuerte influencia de la corriente Existencialista de literatura y filosofía (Sarte, Camus, Onetti).

Del catálogo de la muestra presentación del grupo “Otra Figuración” (Ernesto Deira, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé, Jorge de la Vega, Carolina Muchnik y el pintor y fotógrafo Sameer Makarius) en la Galería Peuser, Bs. As. Agosto de 1961.

(....) El hombre de hoy no está guardado detrás de su propia imagen. Está en permanente relación existencial con sus semejantes y las cosas. Ese elemento relación considero que es fundamental en otra figuración. Las cosas no se consumen entre sí sino que se confunden entre sí. (...) L.F. Noé

"Porque no soy realista. Porque creo en los libres. Porque creo. Porque hago la tela y ella me hace. Por mí y el interlocutor. Por el nuevo lenguaje. Porque quiero salvarme. Por los límites. Porque digo sí. Porque no sé hacer otra cosa. Porque soy figurante. Porque se me da la gana.“ E. Deira

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Luis Felipe Noé, La anarquía del año XX, 1961

83Ernesto Deira, Bloqueo, 1962

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Fernando Botero, La apoteosis de San Juan, 1962

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Rómulo Macció. Incierto. 1965

86Jorge de la Vega, intimidades de un tímido

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Francis Bacon, Cabeza rodeada por costillares

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Oswaldo Viteri, Pietá, 2006

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HiperrealismoEEUU, luego internacional, fines de la década de 1960

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Corriente aparecida entre 1965-1970, se caracteriza porque los artistas trabajan la realidad tal como nos la muestra la fotografía, a partir de unas imágenes que ellos mismos toman o sacan en su caso de revistas, y que son además totalmente banales.El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina.Consiste básicamente en traducir literal y fotográficamente la realidad con la técnica pictórica tradicional, aunque cada pintor da un toque personal a sus obras, expresando de esta forma su opinión sobre la imagen.

Características:-Afirmación de la realidad mediante su plasmación, tal como la vería una cámara fotográfica, por eso se conoce también esta tendencia como “fotorrealismo”.-Empleo de la cámara y la fotografía para obtener información y como elemento a partir del cual se construye el cuadro.-Empleo de medios mecánicos para transferir las imágenes fotográficas al lienzo.-Color realista.-Utilización de nuevos materiales: pintura acrílica, latex y resinas sintéticas.-Plasmación ampliada de detalles de objetos y personas con gran detallismo.-Aproximación nueva y radical al mundo real.-Utilización de perspectivas típicas de la fotografía con objetivos angulares.-Suelen pintar automóviles, escaparates, rótulos de comercios, desguaces, gasolineras, etc….

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Chuck Close, Mark, 1978

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Chuck Close, Brad Pitt

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Fuentes, referencias y uso

Recursos propiosImágenes Googlewikipedia.orgCommons.wikimedia.orgCiudad de la pintura: http://pintura.aut.org/www.mnba.gob.ar/

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