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Grandes Artistas
Gonzalo IlabacaContemporáneos Chilenos
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Grandes Artistas
Gonzalo IlabacaContemporáneos Chilenos
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Sitio Artistas Plásticos Chilenos, Biblioteca Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile.
Portada
Marinos del Jeanne D´Arc en el Roland Bar165 x 193 cm / Óleo sobre tela / 1994
ContraportadaAutorretrato60 x 40 cm / Óleo sobre madera / 1991
Edición General Cecilia PalmaDirección y Producción Cecilia PalmaPrólogo Gaspar Galaz C.Textos Verónica WaissbluthDiseño y Diagramación Trinidad Correa, Macarena Reyes
Coordinación Editorial Lorena SánchezImpresión RR Donnelleywww.galeriaceciliapalma.cl
ISBN 978-956-8781-17-0
c Registro Propiedad Intelectual Nº 217.090Santiago, Chile. Derechos Reservados Prohibida su reproducción total o parcial
Número de ejemplares 4.000 Primera edición, junio 2012
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Índice
Prólogo 6Inicios 8Gráfica 16Pintura 24Biografía 60
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Prólogo
El artista visual Gonzalo Ilabaca es de aquellos que se ubican en otros territorios de la pintura en el cuadro. Esa otra mirada es aquella que se caracteriza por analizar y resolver pictóricamente lo que ya a nadie parece interesarle, que es justamente el mundo de lo cotidiano, pero ese cotidiano vivido por el artista en el día a día, en su convivir con ese mundo, con esos espacios de Valparaíso, Viña del Mar, con los bares, las calles, sus plazas, pero sobre todo con rostros, actitudes de muchas personas, que son capturadas por la memoria de este pintor fuertemente expresionista.Ilabaca es casi un pintor nómade, ese pintor que camina, que hurga, no solamente en la V Región, sino que también en sus anteriores viajes a la India, Indonesia, y, por qué no, en el mismo Santiago de Chile, pero, como digo, siempre mirando lateralmente el acontecimiento oscuro que nadie ve, los rincones que nadie vive, las circunstancias que nadie experimenta.Indudablemente que Ilabaca tuvo que inventar un procedimiento pictórico, gestual, matérico, para dar cuenta de ese particular soslayo de mirada. El artista trabaja ocasionalmente en formatos muy pequeños, sobre todo cuando estamos hablando de retratos, que no son imaginados, sino de seres reales que pasaron frente a sus ojos y que fueron retenidos en su memoria y que luego se convierten en “retratados”. Una extensa producción de obras pertenecen a temas extraídos de lugares públicos, sobre todo bares de la V Región, donde el artista se siente a sus anchas explorando las infinitas posibilidades expresivas que dan los cientos de rostros, cuerpos, espacios, luces y sombras que luego se convertirán en obras de gran formato.
Su enorme mural en el bar del Hotel Miramar da cuenta de otro bar, el Roland Bar. Es interesante constatar, cuando uno está en la barra del Miramar, disfrutar la experiencia de estar en el “otro” bar, de tan larga historia en la bohemia porteña. En ese extenso trabajo, el artista pinta a los parroquianos más conocidos por él, en distintas actitudes, poses, situaciones existenciales, rodeados de vasos, mesas; es decir, en ese mural Ilabaca pinta la otra bohemia, aquella que también está a punto de extinguirse.Otro tema fundamental son los paisajes urbanos, de casas que se van encaramando por los cerros, el retrato de la casa; la casa como personaje, donde el artista aplica todas sus metodologías colorísticas para extraer la esencia de lo que ve en esa pose inmóvil, quieta, en el límite del horizonte. En esos paisajes
Color y expresIón
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Cabro del cerro132 x 74 cm / Óleo sobre tela / 2009
trabaja fuertemente con la línea color y con grandes superficies de color, azules, amarillos ocre, distorsionando de manera muy libre, con un contorno que parece redibujar y, por qué no, reinterpretar esos íconos de Valparaíso.La investigación de las circunstancias de vida, que es justamente lo que más le interesa, están todas trabajadas con pinceladas con gran carga matérica, especulando sobre todo una paleta de colores muy llamativa, porque en sus cuadros están todos los colores: primarios y secundarios; es decir, amarillos, azules, rojos, naranjos,
violetas, verdes, que uno al lado del otro van produciendo una textura impactante en la superficie de la tela. Todo parece vibrar. Ya no sabemos, cuando miramos sus cuadros, si es de día o de noche, porque las luces en ellos se equilibran con sombras, que también contienen un dramatismo elocuente.La pintura de este artista es de fuerte contenido social, porque justamente hurga, investiga, en lo que podríamos llamar “los bajos fondos”, donde parecen darse, con mayor vehemencia y con mayor transparencia los que ahí habitan, los que ahí ríen, los que
ahí lloran. Ilabaca, mediante una pintura representacional, plantea una iconografía de fuerte audacia gestual para descifrar el mundo interior de sus “personajes”.El artista necesita entonces encontrarse con la vida real, pintar esa vida, ya que en su pintura no existe la ficción. Quiere retratar la realidad misma desde el acto de pintar, desde la estrategia de la representación del mundo, que finalmente siempre será ilusión y sueño.
Gaspar Galaz C.
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Inicios
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la travesía y los Colores
Dibujo Pequeño Buda / Yuri u K.16 x 12 cm / Lápiz sobre papel / 1986
En la casa de infancia de Gonzalo Ilabaca había muchos cuadros, libros de arte y folletos de viaje. Su madre había estudiado pintura con famosos maestros de la Escuela de Bellas Artes de Santiago y de la Universidad de Concepción, como Tole Peralta, Sergio Montecino, Carlos Pedraza y Gregorio de la Fuente, y luego se empleó en una agencia de turismo de donde traía información de vuelos, datos de itinerarios y fotografías de lugares remotos. Aquel material resume las dos fuentes de su trabajo: la pintura y la travesía, los colores y el recorrido. Pero a diferencia de los viajes que publicitaban los folletos en la oficina de su madre, los suyos tienen un destino legendario. “Un pintor puede viajar por el cuerpo de una mujer, por el patio de tu casa, por una ciudad, por países y continentes, también por mundos imaginarios. Y este viaje puede durar días, meses, años, como
a mí me ha pasado. Pero yo no viajo por viajar. Para mí lo importante es regresar con cuadros bajo el brazo, como Saint-Exupéry, que siempre se bajaba de su avión con un libro suyo en la mano”, explica.Lo que interesaba entonces era la pintura, que aprendió primero a través de los libros en su juventud. En aquella época recién aparecían en Chile los primeros volúmenes de arte a color ; enciclopedias sobre los grandes maestros europeos, desde los renacentistas a los modernos, como Modigliani y Picasso, pasando por los impresionistas y por los genios atormentados, como Vincent Van Gogh. “Esos libros eran para mí lo que un cómic es para un niño de hoy”.
Yuri u K . / 1983
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Hombre herido / Yuri u K.96 x 67 cm / Óleo sobre latón / 1983
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Sin título / Yuri u K. 207 x 97 cm / Óleo sobre latón / 1983
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Al salir del colegio, sin embargo, ingresó a la carrera de Medicina en la Universidad Católica, en la cual estudió durante cuatro años. Le gustaba la investigación, y era buen alumno, pero no se sintió capaz de lidiar con el sufrimiento de los hospitales.Decidió retirarse para pintar, influenciado por los maestros que había conocido en su infancia. Creó un personaje llamado Yuri u K. nacido en la localidad ficticia de Poolipor, “pintor de mala muerte y de la muerte mala”, fallecido “por hemiplejia en Ceylán”. Firmaba sus cuadros con el nombre de aquel alter ego, pues quería vivir en un mundo de fantasía y de literatura. Eran obras con escenas dolorosas y cuerpos distorsionados, pintadas sobre láminas de latón sobre las cuales chorreaban los pigmentos, como, por ejemplo, “Hombre herido” (Pág. 11) o la pintura “Sin título” de 1983 (Pág. 12), con un personaje que tenía el aspecto de un guerrero de la corte o del guardián de algún rey.
Niño con carro bomba / Yuri u K. 100 x 80 cm / Óleo sobre tela / 1984
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firmó con seudónimo, y emprendió lo que él llama “viajes pictóricos”: trayectos que podían ser tanto hacia tierras lejanas como hacia el interior de sí mismo, con aventuras y personajes que él descubría y que volcaba en sus pinturas. “El mundo interior da vida al exterior según tu fondo poético, que le da fuerza a las cosas para que aparezcan. Descubrimos el mundo de afuera porque la poesía que tenemos dentro le da carne, le da sustancia”, dice.
Dibujo Jinete / Yuri u K.19 x 16 cm / Lápiz sobre papel / 1986
ellos todo era pintable: la mujer que les gustaba, el bar de la esquina, la pipa que estaban fumando y la ciudad donde vivían”.Eso es lo que él también deseaba lograr, y continuó con aquellos postulados una vez de regreso en Chile. Cuando volvió de España, compartió un taller con otros pintores de su generación que, tal como él, se interesaban por crear una obra vital, colorida y espontánea. Se consolidó entonces su trabajo, ya no
Partió luego a Europa, donde conoció el arte de los expresionistas, con los cuales sintió una afinidad inmediata. “No eran académicos ni intelectuales y pintaban su vida uniéndola con el arte. Por eso me gustaron tanto. Se metían en sí mismos y sacaban de allí sus emociones que, finalmente, son parecidas a las de todo el resto. Su vida era su laboratorio; de allí extraían las imágenes de sus pinturas, sin un galerista que viniera a ordenarles qué retratar. Eran autodidactas, y para
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Dibujo 2 figuras / Yuri u K.19 x 16 cm / Lápiz sobre papel / 1986
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Gráfica
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¿QuIénes son estos personajes?
Gonzalo Ilabaca no dibuja con cuidado ni con lápiz mina, sino con brochas toscas y óleo negro. Se inventó pinceles con mallas de limones y virutilla de ollas, y la imagen que dejan sobre el papel es mitad mancha y mitad línea. Los personajes son casi iguales a los protagonistas de sus pinturas. Pero en el dibujo está nada más que su “huella digital”; sus rasgos más esenciales, porque no hay tiempo para más –“a diferencia de la pintura, que requiere de más tiempo y reflexión para poner los colores”. “No puedes ser buen pintor si no sabes de dibujo, porque a través de él es que aprendes cómo es la realidad –lo que permite después reinventarla–. El dibujo te obliga a investigar las formas y a descubrir cómo se arman, dónde brillan, dónde
Sin título111 x 77 cm / Óleo sobre papel / 2011
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Sin título77 x 55 cm / Óleo sobre papel / 2011
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se hunden. Puedes así leerlas para llevarlas a la tela”, explica. Dice que no tiene importancia si después se distorsiona, o si el objeto cambia al ser pintado; lo importante es conocer las figuras para poder luego manejarlas incluso “de memoria, aunque ya ni las mires”.Sus dibujos han cambiado según el tema. “La arquitectura de Valparaíso, por ejemplo, te obliga a ser más analítico. Para representar la perspectiva, tienes que ser más observador y menos impulsivo”.
Sin título111 x 77 cm / Óleo sobre papel / 2011
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Pero sus retratos de personajes son rápidos e imperfectos, dibujados “en estado salvaje, como una liberación espontánea de mi estado anímico. Son seres que han vivido en mi interior y que han escapado rápidamente gracias al trazo y a la hoja de papel. Reaparecen luego de veinte años, de treinta. ¿Quiénes son? ¿Qué necesitan para salir de mi interior?”–se preguntó un día, e inventó la técnica adecuada para hacerlos emerger–. “Con la brocha de virutilla, ellos chocan con la superficie y dejan su marca. Luego se van, y al irse, se llevan el blanco y negro de mi vida”.
Sin título38 x 32 cm / Óleo sobre papel / 2011
Sin título38 x 32 cm / Óleo sobre papel / 2011
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Sin título77 x 55 cm / Óleo sobre papel / 2011
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Pintura
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la ConfIanza de la Caja de Colores
El antecedente de sus viajes fue la Vega Central de Santiago, hasta donde llegó buscando el verdadero carácter de lo chileno. Se acercó a ese mundo porque el taller donde trabajaba quedaba en el barrio Bellavista, y él almorzaba en la Vega con sus amigos. “Hasta ese momento pintaba cuadros de la imaginación. Pero volví de España con otros ojos, y me encontré con la Vega, que es el corazón de Chile. Allí ves cosas que no hay en otros lugares, como un vendedor de cabezas de chancho al lado de un puesto con vestidos de primera comunión”.Se hizo amigo de un feriante joven y bohemio, hijo de un verdulero, quien le prestó un par de piezas desocupadas arriba de un puesto. “A él le encantaba tener un pintor al lado. A cada rato se desentendía de las frutas y las verduras, y subía a ver mis retratos”. Éstos formaban una enorme galería de personajes rodeados de las más diversas mercaderías, como banderas chilenas, escobas, usleros y juguetes, mezclados sin ton ni son. Descubrió que los feriantes eran expertos en color ; poseedores de una gran destreza para diferenciar matices y para distinguir el punto de la fruta.
Iván Cabezón / Yuri u K. 100 x 80 cm / Óleo sobre tela / 1985
La Vega Central, Santiago / 1989
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La espera / Yuri u K. 100 x 80 cm / Óleo sobre tela / 1984
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Funeral / Yuri u K.100 x 80 cm / Óleo sobre tela / 1984
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Allí conoció mendigos, músicos callejeros, locos y payasos de circo. Percibió la esencia del humor local, “que consiste en hacer un espectáculo con la desgracia ajena; una mezcla muy chilena de soberbia e ignorancia”. Y se dio cuenta de la rígida jerarquía social de aquel recinto, donde valía más quien poseía un carretón que quien no lo tenía, y valía menos un borracho que un mendigo.El paisaje y la arquitectura del entorno aparecieron por primera vez en aquellas obras, y su presencia se intensificó en su primer “viaje pictórico” a lo largo de Chile en una vieja camioneta de gitanos. La compró con la venta de sus primeros cuadros, y partió a recorrer de Arica a Chiloé con su mujer y su hija de pocos años.
La pieza de los amantes165 x 194 cm / Óleo sobre tela / 1988
Tiburones en Caldera200 x 164 cm / Acrílico sobre tela / 1990
Dibujo Modelo19 x 19 cm / Lápiz sobre papel / 1987
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Pintaba con acrílico, que se seca rápido y que permitía desplazarse con mayor agilidad. Fueron 50 cuadros, que lo hicieron conocer el país íntimamente a través del contacto con otros viajeros. Habitantes de la carretera tal como ellos, se los
Marinos del Jeanne D´Arc en el Roland Bar165 x 193 cm / Óleo sobre tela / 1994
topaban de tanto en tanto, con los cuales terminaban inevitablemente por hacerse amigos.“La caja de pintura genera confianza. Gracias a ella pude adentrarme a todos los lugares que me llamaban la atención”.
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Pabellones de invierno / Lota80 x 100 cm / Acrílico sobre tela / 1990
El forastero / Iquique100 x 80 cm / Acrílico sobre tela / 1990
Le atraían las personas en su entorno; “cualquier lugar donde hubiese presencia humana. No podía pintar el desierto, por ejemplo; tenía que ser una salitrera, u otros lugares habitados”. Los buscaba en su propio ambiente, descubriendo sus historias en los mercados, los circos y las fiestas populares, que le suministraban relatos y curiosidades. Así, por ejemplo, retrató al pescador de tiburones en Caldera (Pág. 31) –“yo no lo sabía, pero hay tiburones en Caldera”–, y en Chiloé retrató al pintor Germán Arestizábal, “el último de los beatniks –el único, en realidad–: un ángel perdido a quien le encantaba mi familia, pues amaba a los niños que viajan (como todo beatnik) y que poseía sólo una maleta con sus pertenencias”; y a Jairo el gitano, que lo invitaba a tomar el té a su carpa. “Íbamos con mi mujer y mi hija. Nos hicimos amigos. Él tenía alcurnia dentro de su pueblo. Sabía de magia negra, sabía pelear y bailar. Conjuraba hechizos para ayudar a la gente, pero perdió su jerarquía gitana cuando se casó con una chilena”.
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Chitra / India42 x 42 cm / Óleo sobre tela / 1996
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Bameri / India42 x 42 cm / Óleo sobre tela / 1996
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También se hizo amigo de Washington Carvajal, el payaso del circo Miami que zurcía la carpa y cuidaba al mono, y que estuvo perdidamente enamorado de una malabarista. Formaba parte de una compañía pobre que recorría el norte, cuyo número estelar era el de la Mariposa Encantada. El espectáculo consistía en adivinar el destino de los espectadores –palos blancos varios de ellos–, y estaba protagonizado por una niña pitonisa con alas de plumas de lechuza. Conoció también a antiguos mineros de Lota, pintados en los colores
tristes y mortecinos de la obra “Pabellones de invierno” (Pág. 33). Y la arquitectura iquiqueña de maderas apolilladas lo inspiró para crear “El forastero” (Pág. 33), que retrató sobre un fondo de película del Oeste. “Eran escenas literarias, semi inventadas, como a mí me hubiese gustado que fuesen aquellos lugares. Siempre me imagino los cuadros como secuencias cinematográficas. ‘El forastero’, por ejemplo, es la imagen que tengo de películas norteamericanas de los años 70; del cine de Sam Peckinpah, por ejemplo”.A la vuelta del viaje por Chile
se radicó en Valparaíso con su familia. Recorrió faenas portuarias, mansiones arruinadas y quebradas entre los cerros. Pero por sobre todo, se internó en la noche porteña, involucrándose en la vida de los últimos bares de marinos, como el Flamingo Rose o el ya desaparecido Roland Bar. Se hizo amigo de las prostitutas, de los tripulantes y de las dueñas del local; siempre mujeres, como la pelirroja Mimi (Guillermina Bezama), fiera propietaria del Roland, o como la Toya, dueña del Louisiana, que funcionaba también como burdel.
Mercado flotante / Tailandia42 x 42 cm / Óleo sobre tela / 2002
De Bali a Candy Lips / Indonesia86 x 74 cm / Óleo sobre tela / 1998
Babaram Narayen / India42 x 42 cm / Óleo sobre tela / 1996
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9 Afiches mexicanos / México130 x 130 cm / Óleo sobre tela / 2001
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“Las dos eran mujeres maravillosas y con gran sentido del humor. Pero nadie se atrevía con ellas. Cuidaban a sus parroquianos, porque allí casi no entraban chilenos. Había una especie de línea del Ecuador, más allá de la cual no se dejaba entrar ni a delincuentes ni a policías”. “Circulábamos con mi familia por estos bares, y conversábamos con estas chicas de la noche. Muchas de ellas eran lesbianas, y a otras las habían violado cuando niñas. Sus piezas estaban llenas de santitos y figuras religiosas”. Aprendió lo que era un “barco bueno”, con nórdicos, griegos, rusos, británicos, americanos. Todos ellos tenían tradición marinera; tipos rubios, altos, y buenosmozos, que les compraban un vestido a sus novias de turno, o que las invitaban a comer, sacándolas por algunas horas de su dura realidad porteña. Cuando ellos llegaban, los bares se llenaban de música griega, de canciones de fiesta.
Victoria de Panajachel / Guatemala42 x 42 cm / Óleo sobre tela / 1999
La Joya del Pacífico en el Roland Bar, Valparaíso / 1994
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“Me di cuenta de que el pintor es el guardián de lo que desaparece; porque los bares de marinos eran de una fragilidad increíble, y de hecho, están desapareciendo en todas partes del mundo”.La obra más conocida de aquella serie es el cuadro “Marinos del Jeanne D’Arc en el Roland Bar” (Pág. 32). La pintura alude al buque-escuela de la Marina francesa, que recalaba en Valparaíso una vez al año. Sus marinos eran galantes y formales, muy diferentes a los del Endurance o los de la Operación Unitas, por ejemplo –británicos y norteamericanos respectivamente–; éstos eran caóticos y desenfrenados. Bailaban arriba de la mesa y tocaban la guitarra eléctrica a altos decibeles. Pero los franceses no: con su traje blanco y su gorro con pompón rojo, su llegada anual era la más esperada.
Sr. Costillas bar / México53 x 48 cm / Óleo sobre tela / 2001
Luces de alcohol / México150 x 150 cm / Óleo sobre tela / 2001
Dibujo El cuchillero16 x 12 cm / Lápiz sobre papel / 1986
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La estadía en Valparaíso se prolongó por cuatro años, después de los cuales la familia partió nuevamente de viaje. El destino fue la India, que eligieron buscando el lugar más remoto y legendario. Al llegar se encaminaron de inmediato a Varanasi, ciudad sagrada que atraviesa el río Ganges. En aquellas riberas se desarrollan rituales de nacimiento, de muerte y de purificación. Mientras su mujer y sus hijas caminaban por la ciudad, practicaban yoga y entablaban amistad con niños locales, él llegaba muy temprano con su caja de colores y una tela pequeña, y retrataba la oración de los fieles, la prédica de los hombres santos bajo sus sombrillas rojas, la cremación de los difuntos. Luego se trasladaron a la ciudad ceremonial de Pushkar, donde estaba el único templo dedicado al dios Brahma. De aquella región provenía además “una de las razas más hermosas de la India, en la cual se hereda la belleza como nosotros heredamos el apellido”.
Mi nombre es Nostalgia y vengo de la Nostalgía113 x 86 cm / Óleo sobre tela / 2005
Dibujo Modelo19 x 19 cm / Lápiz sobre papel / 1987
Dibujo Modelo19 x 19 cm / Lápiz sobre papel / 1987
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La otra ofrenda68 x 54 cm / Óleo sobre tela / 2003
Después de pintar durante varias semanas la cotidianidad urbana, consiguió modelos que posaran para sus retratos, como Bameri (Pág. 35) o la hermosa Papou –la muchacha más bella del pueblo– y su padre Chitra (Pág. 34), miembros de una casta de músicos callejeros del Rajasthan. “No se trata de llegar y pintar un retrato; tienes que hacerte conocido en el lugar, debes entablar amistad con sus habitantes”. Pero la gente de Pushkar estaba acostumbrada a los turistas, por lo cual le fue más fácil acercarse. Pero había un personaje a quien no se atrevía a importunar. Se trataba del cuidador del templo de los monos, un santón de traje colorido y de venerable barba blanca que siempre llevaba un saco de zanahorias consigo para alimentar a los animales. No sólo era un hombre santo, sino también un erudito, que leía textos en sánscrito hasta el amanecer. Ilabaca se sentía intimidado por él, hasta que un día, el mismo santón se le aproximó.
Ambrosía42 x 42 cm / Óleo sobre tela / 2006
Pose para comenzar una vida79 x 60 cm / Óleo sobre tela / 2003
Dibujo Modelo19 x 11 cm / Tinta sobre papel / 1987
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La Flor Inexistente100 x 80 cm / Óleo sobre tela / 2004
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Te esperaré en Hiperbórea100 x 80 cm / Óleo sobre tela / 2006
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Babaram Narayen se llamaba (Pág. 36), y le pidió 100 rupias por posar. Registraba cuidadosamente el ingreso en su cuaderno de contabilidad, y luego entregaba el dinero al templo. Después de Pushkar, la familia viajó por Calcuta y Darjeeling, y luego por Tailandia, donde pintó Budas descomunales y mercados flotantes
(Pág. 36). Pasaron también por Nepal, que los sorprendió por la elegancia de sus templos. Eran de piedra tallada o de madera labrada, y él pintó uno de ellos, levantado con la madera de un solo árbol. Siguieron por Sumatra, y llegaron a una ciudad en cuyo zoológico había un gran orangután rojo. Y luego arribaron a Indonesia, donde la isla de Bali fue para ellos como un pequeño paraíso consagrado a las divinidades: la hermosura de los templos, de la música y de los bailes para atraer a los fieles, y los monstruos tallados en las murallas para ahuyentar a los malos espíritus, como aparece en su cuadro “De Bali a Candy Lips” (Pág. 37).
Iván Cabezón100 x 80 cm / Óleo sobre tela / 2003
Nacho en El regreso del nativo152 x 90 cm / Óleo sobre tela / 2006
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La mujer de cristal130 x 100 cm / Óleo sobre tela / 2005
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Per Anders100 x 80 cm / Óleo sobre tela / 2004
Dibujo Casa con palmera / Valparaíso32 x 21 cm / Lápiz sobre papel / 2003
Bar La Playa77 x 62 cm / Óleo sobre tela / 2003
La travesía duró un año, luego del cual regresaron a Valparaíso. Pero tres años más tarde volvieron a partir, esta vez a México. Buscando lo mismo –un lugar legendario–, decidieron ir a encontrar una de las civilizaciones más antiguas de América. Imaginaban escenas de postal; el campesino con traje blanco y sombrero de cono; el charro dormido en la esquina; el Gran Chaparral en todo su esplendor. Pero no hallaron nada de eso, pues venían además de la India, en comparación con la cual todo parecía menos espectacular.
De pronto, sin embargo, se topó con las cantinas. Se entraba a ellas a través de una puerta batiente igual como en el cine; en la rockola –que es como llaman al wurlitzer en México– sonaban corridos y boleros, y los parroquianos eran conversadores extraordinarios. Allí entonces decidió quedarse. Ya que no había hallado lo que imaginaba, inventaría una historia con lo que hubiese a mano. Descubrió además que, tal como se adornan a los bares porteños con las banderas de los barcos, en las cantinas mexicanas se colgaban imágenes de
calaveras en actitudes cotidianas; la novia, el deportista, el boxeador, que retrató en pinturas como “Sr. Costillas bar” y “Luces de alcohol” (Pág. 40).En México pintó también los templos mayas, y los antiguos pueblos mineros con sus templos, sus ranchos y sus plazas con abrevadero. Y después de algunos meses salieron hacia el Lago Atitlán, en Guatemala. “Allí me maravillé nuevamente. Era lo que había querido pintar : la América campesina profunda, la imagen ancestral”.
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Las niñas en las riberas del lago vendían artesanía y, tal como en Pushkar, estaban habituadas a los turistas. La diferencia radicaba en que con ellas él podía conversar en el mismo idioma. “Eran pillas y traviesas como la pequeña Victoria (Pág. 39). Yo les pagaba por pintarlas y ellas quedaban felices”. Su cuarto viaje fue diferente a los otros, porque recorrió ya no una región del planeta, sino el cuerpo
de la mujer en la figura de cuatro modelos, que pintó durante cuatro años seguidos. La serie surgió de un encuentro con una joven, o más bien del encuentro con “su” modelo, “a la que nunca busqué. Muchos pintores se han muerto sin haber encontrado nunca a su modelo, pero yo apenas la vi, la reconocí en vida, y dije: Cuando está listo el pintor/Aparece la modelo/Cuando está bello el paisaje/Vuela la mariposa”.
Valparaíso sin angustia75 x 200 cm / Óleo sobre tela / 2008
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La llamó” la Espléndida Apátrida”, porque era viajera: “una mujer sin patria, un gato salvaje”, decía él. Aparecía y desaparecía de improviso, y posó con sinnúmero de atuendos –de rusa, de china, de odalisca, de circense–. Los otros temas de su pintura dejaron de interesarle, pues sólo quería pintarla a ella, aunque la modelo se rehusó durante meses a posar desnuda. Por ese deseo contenido, y porque era ella una mujer muy delgada y angulosa, sus retratos tienen trazos severos y ángulos rectos, como se puede apreciar en “Pose para comenzar una vida” (Pág. 42).Tras la partida de “la Espléndida Apátrida”, Ilabaca buscó a una segunda modelo, que sí posó desnuda y que le permitió pintar “su cuerpo con el rostro de la antigua Apátrida que yo no podía olvidar”. La tercera modelo fue una muchacha martiniquense risueña y desinhibida. La llamó “Petite fleur de Lili”, y fue ella misma quien le presentó a la cuarta y última retratada. “Hoy he pintado a la mujer más
linda del planeta / Y no quiero volver a pisar nunca más las calles de la ciudad”, escribió tras conocerla. Hubiese querido morir para permanecer “eternamente envenenado por ella”. La nombró “la Flor Inexistente” (Pág. 44), en su calidad de “esencia de toda belleza”, pintándola con líneas curvas y colores suaves. “Pensé en antiguas narraciones sobre el origen del mundo, cuando los seres eran andróginos –tan perfectos, que llevaban al hombre y a la mujer dentro de sí–. Al conocerla, sentí que me encontraba con mi ser femenino: “ella había abierto mi flor”.
El tripulante perdido75 x 200 cm / Óleo sobre tela / 2008
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Aquellas pinturas mostraban un mundo de sensualidad y devoción que él nunca había experimentado. Lo obligaron a adelgazar la pincelada, a hacer más abstractos los fondos y a cambiar su paleta, porque “no se puede pintar la belleza con una pincelada gruesa o con colores fuertes”. Los hizo sobre un fondo
ocre, “porque el ocre es el color de la nostalgia; del paraíso perdido, del oro, de las puestas de sol”, como podemos apreciar en “Ambrosía” (Pág. 42), o “Mi nombre es Nostalgia y vengo de la Nostalgía” (Pág. 41).Pero, finalmente, la muchacha se fue y él quedó solo. Uno de sus últimos retratos fue “Te esperaré en
Hiperbórea” (Pág. 45), aludiendo a “una región ideal que queda más allá del tiempo y del relámpago. Yo te pinto, tú te vas (porque estamos desfasados en el tiempo), pero no importa, porque ya sé cómo es tu rostro, y un día nos reconoceremos cuando nos volvamos a encontrar”.
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Estaba abatido y desesperanzado, y para olvidar a “la Flor Inexistente”, salió a buscar rostros para pintar. Realizó así la serie “los Militantes de la Belleza”, sobre personajes de Valparaíso: mecánicos, marinos, obreros, poetas, músicos, viejos y niños. “Como el cantante sueco Per Anders (Pág. 48), quien vino a Valparaíso buscando un amorcito sólo porque una bruja sueca se lo dijo; o Pía, la pintora de las flores que crecen en su jardín, a quien retraté como la
Mujer de Cristal (Pág. 47); y Nacho (Pág. 46), el cesante ilustrado que se niega a trabajar en estos tiempos, o el escultor Iván Cabezón (Pág. 46), quien, despreocupado de toda ambición, crea sus obras con materiales de desecho a la velocidad de su espíritu, en la misma casa donde nació”, escribió sobre aquellos modelos. Eran individuos que tenían algo bello, aunque lo ignoraran; un gesto, un rasgo, una actitud que lo convocaba a pintarlos. “En el mundo debe haber
Atardecer en Carampangue38 x 150 cm / Óleo sobre tela / 2010
La llegada del Circo Ruso38 x 151 cm / Óleo sobre tela / 2010
miles de Militantes de la Belleza. Enormes ejércitos invisibles en contra de un mundo grosero y hostil aun más numerosos. Mas su forma de actuar es paradójica, pues ni ellos mismos saben que luchan. (…) Los Militantes de la Belleza ni siquiera se reconocerían entre sí, pues no escuchan un solo tipo de música, sino muchas, y deambulan desprovistos de todo plan; jamás tuvieron un maestro”.
El tripulante que ya no volverá42 x 42 cm / Óleo sobre tela / 2003
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El dique42 x 42 cm / Óleo sobre tela / 2006
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A pesar de ellos, sin embargo, se encontraba “enfermo de nostalgia”, definiendo aquel sentimiento como “una mezcla de tristeza y de belleza”. Entonces miró nuevamente Valparaíso, y se dio cuenta de que el puerto estaba mucho más “enfermo de nostalgia” que él: la nostalgia del pasado, la nostalgia de lo que nunca fue, y la nostalgia “de lo que pudo haber sido”. Se dio cuenta entonces de que, en rigor, Valparaíso nunca ha sido fundada como las otras ciudades: “no tiene una plaza de armas; no tiene un solo centro, sino muchos. No hay entonces un solo Valparaíso, pero sí tal vez una sola atmósfera, que es la nostalgia, la que yo decidí pintar”.
Se propuso pintar entonces esa atmósfera, con sus matices y sus personajes, atenuando los colores tal como lo había hecho en los retratos de “la Espléndida Apátrida” y de “la Flor Inexistente”. Esta vez, sin embargo, inventó su propio sistema, sumando una segunda capa aguada a la primera mano de ocre. Empezaba a pintar el cuadro sobre ese segundo pigmento aún mojado que al mezclarse con las pinceladas, les bajaba el tono. Con ello disminuía su intensidad, y se creaba una atmósfera de gran melancolía.Junto con atenuar los colores, decidió cambiar el formato de sus obras, y pintar las escenas en telas alargadas, “como escenografías en cinemascope, para que la gente se metiese dentro de la historia”. En ellas siempre estaban los cerros, las casas en ruinas, personajes solitarios y, sobre todo, el puerto, “por donde entró la nostalgia a Valparaíso; por donde entró el rock, los bomberos, por donde entró su pasado legendario”. Así, por ejemplo, retrató “La llegada del Circo Ruso” (Pág. 54) –que nunca arribó en verdad–, “Atardecer en Carampangue” (Pág. 54) y “El tripulante perdido” (Págs. 52 y 53).Pero después de aquellos cuadros tan tristes y nostálgicos, volvió el amor a su vida, y comenzó a pintar escenas de su imaginación tal como lo hacía cuando era joven. Tenían más color y más pigmento; eran menos sombrías
Los últimos burritos / tríptico74 x 180 cm / Óleo sobre tela / 2009
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y más improvisadas, y se alejaban de toda realidad. Los personajes estaban rodeados de una atmósfera subconsciente, como el protagonista del cuadro titulado “El poeta que vendía niñas huérfanas / harto flaco te diré que estaba” o “El inicio del joven artista” (Pág. 58). Por primera vez integró además elementos de la contingencia, como en “Amistad sustentable” (Pág. 59), con un hombre y un ave; o como “La maldad de los transgénicos” (Pág. 59), con un niño sembrador, o como “No le enterréis cuchillos a la chica / Valparaíso sin edificios”, en el cual comparaba el territorio de Valparaíso con una muchacha a la cual arrojaban armas blancas. Sea como fuere, la pintura de Gonzalo Ilabaca mantiene su principal obsesión, que es la figura humana “resistiendo como un bastión en la tormenta”. E independiente de su estado de ánimo, él sigue fiel al ornamento, abarrotando el espacio con formas y colores. Lo prefiere así para alejarse de la realidad. “Quiero distanciarme del confort y de la asepsia occidental. Por eso preferí pintar la India que Nueva York. Mientras más apartado de lo estándar y de lo globalizado –del mall, del edificio–, mejor para mí”, asegura. Quizás de esa forma se cumple más pródigamente su objetivo: embellecer el mundo, inventarse uno propio y traerlo a la realidad en forma de cuadros que lleva bajo el brazo.
El inicio del joven artista70 x 60 cm / Óleo sobre tela / 2011
Amistad sustentable70 x 60 cm / Óleo sobre tela / 2011
La maldad de los transgénicos70 x 60 cm / Óleo sobre tela / 2011
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Biografía
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BIoGrafía
1959Nace en Concepción, Chile, el quinto de siete hijos del matrimonio de Julio Ilabaca y Graciela Astorga. La familia se radica en Santiago.
1966Entra al Colegio del Verbo Divino, en Santiago, de donde egresa en 1977.
1978Ingresa a estudiar Medicina con la idea de convertirse en médico misionero.
1982Pinta sus primeros óleos sobre latón, firmando como Yuri u K., seudónimo que usaría hasta 1987, cambiándolo por G.I.
1984Realiza su primera exposición individual “Yuri u K-pinturas en latón” en el Instituto Cultural de Las Condes, Santiago. Luego viaja a España con su mujer, Pilar Argandoña (vitralista), desde donde regresan en 1986.
1985Nace su hija Pascuala en Gerona, España, quien se destaca actualmente en la escena musical del país, seguida por Danila, quien nace en 1991 y que hoy se forma como diseñadora.
1987Expone “Pinturas de Yuri u K.” en Galería Arte Actual, Santiago.
1989Expone “Pintura Mucha Pintura /1983-1989”, en el Instituto Cultural de Las Condes; obtiene el Premio del Círculo de Críticos de Arte por la mejor exposición del año. Se traslada a pintar a un taller en la Vega Central de Santiago, comenzando así su primer viaje pictórico.
1990Inicia su viaje de un año por Chile. Con su mujer Pilar y su hija Pascuala. Se autodenominan “los Duncan contra un mundo grosero y hostil”, en homenaje a la bailarina norteamericana Isidora Duncan.
1991Nace su hija Danila y expone la muestra “Ruta 5-Pinturas en la Carretera”, en el Museo Nacional de Bellas Artes.
1993Compra un auto Fiat Balila del 1947 abandonado en una quebrada del Puerto. Lo pinta con un cúmulo de imágenes porteñas, convirtiéndolo en “La Joya del Pacífico”. Le envía una carta a la cantante Madonna para vendérselo, pero no hay respuesta. Lo intenta nuevamente durante la visita de Madonna a Chile en 2008, aunque no logra su cometido.
1995Expone “Valparaíso Roland Bar” en la Galería Jorge Carroza, Santiago. Publica el libro “Valparaíso Roland Bar / puerto de la fama y el olvido”.
Con sus hermanos, Algarrobo / 1966
Músicos de Pushkar, India / 1996
Panajachel, Guatemala / 1999
Campamento de gitanos, Arica / 1990
Julio Ilabaca y Graciela Astorga / 1954
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1996Viaja con su familia por un año a la India, Nepal, Tailandia, Indonesia, Malasia y el Sudeste Asiático, pintando las obras que expone en 1998 en la galería Tomás Andreu de Santiago y en Galería Modigliani de Viña del Mar.
1999Viaja con su familia por un año a México y Guatemala, exponiendo por primera vez sus obras en la Galería Duo Duo de San Miguel de Allende, México. Expone “Viejo México” en la Galería Modigliani de Viña del Mar.
2001Expone “De las cantinas de Real de 14 -México- a las Flores del Lago Atitlán -Guatemala-” en la Corporación Cultural de Las Condes, Santiago.
2002Expone “Valparaíso” en la Galería Cecilia Palma, Santiago.
2003Expone “Pintando sobre el lomo del atril” en la Galería Cecilia Palma, Santiago.
2004Expone “La Espléndida Apátrida y el camino hacia la Flor Inexistente” en Casas de Lo Matta, Santiago, y en la Galería Modigliani de Viña del Mar. Y “Pintando sobre el lomo del atril” en el Castillo Wulff, Viña del Mar.
2005Gana concurso para pintar la barra del Hotel Sheraton de Viña del Mar con la pintura “Bar Nostalgia” (0,75 x 14 m).
2006Expone “Los Militantes de la Belleza” en la Galería Cecilia Palma y en el Salón Rojo-Bar la Piedra Feliz de Valparaíso y “Volver a casa con un cuadro” en el Museo La Sebastiana, Valparaíso.
2007Expone “La Flor Inexistente” en el Centro Artesanal Los Dominicos de Santiago y “Retrospectiva” en el Centro de Extensión Universidad Católica del Maule, Talca. Es declarado Ciudadano Ilustre de Valparaíso. Gana el concurso de la Asociación Chilena de Seguridad (Achs) para el Hospital del Trabajador de Concepción con la pintura “Entre tu rancho y mi rancho puros suspiros se oyen” (2 x 14 m).
2008Expone “La Flor Inexistente” en el Museo Lord Cochrane de Valparaíso, y participa con voz y textos en el CD musical de Luis Toto Álvarez “La Flor Inexistente / banda sonora de una película inexistente”. Edita “Las canciones de Álvaro Peña” del compositor porteño Álvaro Peña Rojas, radicado en Alemania.
2009Expone “Pinturas del Valparaíso nunca fundado”, y gana por segunda vez el concurso de la Asociación Chilena de Seguridad (Achs) para el Hospital del Trabajador de San Antonio con la pintura “Los Ambuloparlantes” (3 x 5 m). Además, pinta “Bar Rojo” (1 x 5 m) para la barra del Salón Rojo del Bar La Piedra Feliz en Valparaíso.
2010Es seleccionado entre los 36 personajes representativos de Chile en “El Muro de Chile” presentado en la Expo Shanghai 2010.
2011Es distinguido con la Medalla del Bicentenario del Congreso. Expone “En ningún lugar, a ninguna parte” en la Galería Bahía Utópica de Valparaíso. Expone “El rastro de tu rostro” en la Galería Ladrón de bicicletas, Santiago.
Las Bodas de la Ilusion / 1996 Las Bodas de los Amantes / 2011Las Bodas Magicas / 2004 Quillota / 2008
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“Este importante artista radicado en Valparaíso se ha destacado desde sus comienzos por resaltar las coloridas visiones del puerto, retratando principalmente sus personajes, la arquitectura de sus cerros y la vida bohemia en los últimos bares de marinos. También ha buscado en el viaje -ya sea por Chile, Asia y Centroamérica- tematicas para sus obras, privilegiando siempre un registro pictorico, poético de la figura humana y su entorno”.
Cecilia Palma
