INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE Hª... · 3 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE 3 manera de organizarse entre sí (sociedad), las formas de poder e instituciones políticas

1

1 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE

IINNTTRROODDUUCCCCIIÓÓNN AA LLAA HHIISSTTOORRIIAA DDEELL AARRTTEE..--

a) Concepto y objetivo de la Historia del Arte: El arte como expresión

humana en el tiempo y el espacio.

b) Características generales de la arquitectura, escultura y pintura. El

lenguaje de las artes visuales y su terminología.

c) Percepción y análisis de la obra de arte.

* * * * * * * *

a) Concepto y objetivo de la Historia del Arte: El arte como

expresión humana en el tiempo y el espacio.

1-Término arte.

El término arte deriva del latín ars- artis y se emplea con el significado

de facultad o destreza para hacer algo, en el sentido de habilidad

“técnica”. Se trata, pues, de una habilidad que pueden ser de carácter

intelectual o manual.

2-El concepto de arte. Dificultades para definir el arte. Cambios en la

conceptualización del arte.

Dos de las evidencias a la que se enfrenta el estudioso del arte son:

- La dificultad para definir lo que es el arte.

- El cambio de lo que se ha entendido por arte a lo largo del tiempo.

Sin embargo se pueden señalar una serie de características propias del

hecho artístico:

a) Arte como una manifestación típicamente humana. Arte y hombre son

inseparables. Según las palabras de René Huyghe: “No hay arte sin hombre, pero quizás tampoco hombre sin Arte”. En este sentido, el arte sería una

actividad que da forma material a aquello que concibe el espíritu humano.

b) Arte como lenguaje y forma de expresión

El hombre para transmitir ideas y sentimientos ha creado una serie de

códigos, basándose en sistemas de signos. Entre ellos están, por ejemplo, el

lenguaje articulado con el que nos comunicamos al hablar o escribir, el

matemático y el artístico. El lenguaje artístico es un medio de conocimiento

de la realidad y de comunicación del artista respecto tanto de lo que le

rodea (mundo físico y humano) como de su propia interioridad (sentimientos,

2


deseos, temores...). Se trata, por tanto, de un lenguaje de las formas o

visual, de carácter universal- ya que todo el mundo puede expresarse con él

y comprenderlo-, para conocer y comunicar lo exterior e interior al ser

humano.

c) El arte como forma significativa, con un contenido o significado,

incluyendo muchas veces valores simbólicos (Ej.”Saturno devorando a su hijo

de Goya”, símbolo de la crueldad y del paso del tiempo que lo destruye todo)

e incluso, en muchas ocasiones sin significado o deseo de transmitir mensaje

alguno - arte por el arte- (Arte abstracto).

d) Arte como creación. Un artista al concebir y llevar a efecto una obra

de arte está creando un elemento único e irrepetible y al que dota de su

propia identidad.

e) Arte y belleza.. El arte como sinónimo del ideal belleza ha sido una de

las constantes durante muchos períodos históricos (Grecia, Renacimiento,

Neoclasicismo...) y el arte de esta manera era entendido como plasmación

de la proporcionalidad o armonía o equilibrio de medidas.

3- Historia del Arte. Concepto.

La Historia del Arte es la disciplina que se ocupa del estudio y análisis de

los artistas, de las obras de arte, así como de los estilos artísticos dentro

de su contexto histórico y espacial.

4 - Concepto de estilo artístico. Los estilos artísticos.

-Definición.

El término estilo viene del latín (“stilus”, punzón para escribir sobre una

tablilla de cera) y designa la manera peculiar de ejecutar su obra por parte

de un artista. En sentido estricto la palabra estilo hace referencia a la

modalidad artística - es decir un conjunto de rasgos artísticos- que

caracteriza a una época o periodo histórico concreto (Ejemplos: por ello, se

habla de arte griego, arte romano, arte barroco, etc.)

5- Las funciones sociales del arte en la Historia. Su valoración en los

distintos momentos históricos y culturas diversas.

Desde que aparecieron las primeras manifestaciones artísticas en el

Paleolítico Superior (arte rupestre, arte mueble, figuras antropomorfas...)

el arte se ha constituido como un elemento básico de las sociedades

humanas de cualquier época o espacio. Para entender de manera completa

una civilización humana, a parte de estudiar su forma de vida (economía), su

3


manera de organizarse entre sí (sociedad), las formas de poder e

instituciones políticas (organización política) su sistema de ideas o

pensamientos (ideologías), etc., es preciso tener en cuenta las

manifestaciones artísticas que ha generado. Esas expresiones artísticas no

han tenido siempre la misma finalidad en las sociedades humanas a lo largo

de la historia, esta ha ido variando y evolucionando.

Funciones sociales del arte durante los diversos momentos históricos y

culturas

1) El sentido mágico que algunos historiadores del Arte han querido ver

en el Arte prehistórico. Según ellos las representaciones animalísticas de

las pinturas rupestres tendrían un carácter propiciatorio. El artista-cazador

del Paleolítico representaría las especies de animales que más tarde

desasearía cazar.

Aunque otros le darían un significado sexual a estas pinturas, asimilando

cada una de las representaciones de animales a signos masculinos y

femeninos respectivamente. En el mismo sentido se interpretan las

denominadas “venus” paleolíticas. Todas estas manifestaciones artísticas

habría que relacionarlas con los cultos a la fertilidad. Es de resaltar la

importancia que tendrían las funciones reproductivas para asegurar la

continuidad de los grupos humanos, en los cuales la supervivencia era un

elemento vital.

2) En muchas civilizaciones -desde las más antiguas a las más recientes-

el arte ha estado vinculado estrechamente a los distintos poderes políticos

y /o religiosos; bien como un medio más para mostrar su dominio ante al

sociedad o como método de propaganda. Ejemplo representativos son:

a) Los bastones de mando en la Prehistoria, que se han interpretado como

un signo de supremacía de un individuo dentro de un grupo humano.

b) Las pirámides en la Civilización egipcia (Ej. Pirámide de Keops), que no

son otra cosa que tumbas monumentales con la que se expresa el rango que

llegaron a ostentar los faraones, considerados como auténticos dioses en la

tierra.

c) En la Civilización romana se afianza el estrechamiento de los lazos

entre el Arte y los poderes públicos. Los gobernantes romanos,

especialmente los emperadores, fueron los que impulsaron la construcción

de edificios públicos: teatros, anfiteatros, circos, templos...o bien de

construcciones para mostrar sus hazañas al pueblo, generalmente militares,

mediante la erección de monumentos conmemorativos (arcos de triunfo -Ej.

Arco de Tito-), constituyendo todo ello un efectivo método de propaganda

política.

4


d) En relación con las monarquías europeas, durante el periodo moderno

sólo citar a modo de ilustración: el Monasterio de San Lorenzo del El

Escorial, símbolo de la fortaleza de la monarquía de los Austria, mandado

levantar por Felipe II; o más tarde, con respecto a la realeza francesa, el

Palacio de Versalles, autentico símbolo del absolutismo monárquico del s.

XVIII representado en Luis XIV.

3) Otra función que ha desempeñado el arte es la de transmitir ideas,

entre ellas:

a) Las de carácter religioso, en intima conexión con la religión cristiana

fundamentalmente. Derivado de lo anterior hay que hablar también de un

sentido didáctico y moralizante, y habría que referirse al Arte como un

recurso para hacer llegar a la gente las doctrinas o normas morales del

cristianismo

- Esta intención se aprecia desde los primeros momentos de difusión de

los ideales cristianos con el arte paleocristiano.; y durante la Edad Media

cuando se afianza un arte cristiano que tiene sus máximas expresiones en :

el arte bizantino, ; el arte románico, con un predominio de la finalidad

didáctica y moralizante. La misión de manifestaciones artísticas como la

escultura románica se inscribe en una sociedad dominada por las ideas

religiosas y con una institución tan poderosa como la Iglesia , y teniendo en

cuenta, por otro lado, que la mayor parte de la población era analfabeta,

dicha estatuaria desempeñaría la función de enseñar a las gentes una serie

de normas religiosas y morales. De ahí que la iconografía románica haya sido

interpretada por los historiadores del arte como una figuración de los

valores antagónicos del bien y del mal. Asimismo habría que citar el arte

gótico y el arte el barroco, en el cual muchas obras artísticas se hacían

para ponerlas al servicio de la Iglesia Católica, como expresión del espíritu y

las normas impuestas por la Contrarreforma (Concilio de Trento), frente a

los reformadores protestantes.

b) Ideales de carácter estético. Aquí habría que incidir en la conexión

entre Arte e ideal de belleza. La idea de belleza ha sido una manifestación

constante en toda la extensión de la Historia del Arte, que se ha

manifestado con gran intensidad durante determinados períodos o

momentos

-En culturas como la griega, alcanzar la belleza es la máxima aspiración de

muchos artistas. La belleza se concibe como armonía o equilibrio de medidas

(“cánones) en la obra de arte

Los ideales de belleza también ocuparon un eje central durante: El

Renacimiento y el Neoclasicismo. Al recuperase en ambos momentos los

valores de la Antigüedad clásica. prevalecieron los ideales de belleza, de

5


considerar las obras de arte como una conjunción perfecta de mediadas o

proporciones armonizadas, muchas veces idealizadas.

5) El arte puede ser asimismo un distintivo de importancia o rango social

de una serie de individuos. El fomento de la realización de las obras de arte

se convertiría en un instrumento para destacar dentro de la estructura

social. En este ámbito podíamos citar a los “mecenas” o protectores de los

artistas (Ej: los Médicis en la Florencia “quattrocentista”) o coleccionistas

bien remotos como las clases dirigentes romanas que copiaban o importaban

obras griegas, los papas durante el Renacimiento y el Barroco, o más

actuales como personajes del mundo de la empresa o los negocios el barón

Thyssen (ya fallecido).

6) El Arte como medio para luchar contra los valores dominantes en una

época, o como método de denuncia y oposición a la estructura de una

determinada sociedad o momento histórico. En esta línea hay que mencionar

los movimientos de vanguardia que surgieron a fines del s XIX y principios

del XX /entre los tuvo especial relieve el dadaísmo).

7) El arte, en sociedades como la nuestra de hoy en día, se ha convertido

en un elemento de consumo. Las obras de Arte son unos objetos más que se

compran y se venden en el gran mercado del capitalismo (Ej. subastas y

galerías artísticas, o fenómenos más cotidianos y populares como

reproducciones de obras de arte que se venden en: carteles, videos CD Rom,

libros, fascículos de periódicos... )

b) Características generales de la arquitectura, escultura y pintura. El

lenguaje de las artes visuales y su terminología.

a) El lenguaje artístico. Lenguaje plástico y visual. Los lenguajes artísticos se caracterizan por ser:

1-Lenguajes plásticos, es decir, utilizan elementos que se pueden moldear

o dar forma.

2-Lenguajes visuales, o, lo que es lo mismo, que se perciben con el sentido

de la vista.

*Los lenguajes artísticos se apoyan en una gama de elementos materiales,

formales y técnicos sin los cuales no existirían y no se entenderían

(Ejemplos: Una bóveda no sería posible sin la piedra con la que está hecha; o

6


el gótico no hubiera sido posible sin los adelantos técnicos del arbotante o

la bóveda de crucería.). Así pues, están constituidos por un conjunto de

materiales, procedimientos técnicas y elementos formales.

- Los lenguajes artísticos más destacados son los relacionados con los

medios de expresión artística más significativos:

a- Arquitectura.

b- Escultura.

c- Pintura.

b) : Definición. Materiales, procedimientos técnicos,

elementos formales.

* Definición. La arquitectura es el arte de la creación de espacios

interiores.

* Materiales: piedra, ladrillo, tapial (pared hecha con tierra amasada),

hierro, hormigón, etc.

* Procedimientos técnicos y elementos formales: Elementos formales:

1) Elementos sustentantes (muro, pilar, columna).

2) Elementos sostenidos (dintel, arco, bóveda, cúpula).

1-Elementos sustentantes:

# Muro (Macizo). Elemento sustentante. Es la pared u obra construida

sólida, situada entre vanos, o bien opuesta a vano. (En unos estilos como el

románico predominó el macizo sobre los vanos. Lo contrario ocurrió con el

Gótico.)

a) Aparejos (se utiliza este término para designar las diferentes formas

de tallar y de disponer los materiales constructivos en un muro). Tipos:

- Regular (isodómico, a soga, a tizón, a soga y tizón...).

-Irregular (mampostería: muro hecho con piedras irregulares unidas por

argamasa; ciclópeo: muro realizado con piedras de gran tamaño).

Vano (Hueco que interrumpe un muro o pared. En general, lo que se opone

a macizo: puertas y ventanas). Partes.

- Umbral (puerta).

- Alféizar (ventana).

- Jambas (laterales). Abocinamiento.

- Alfiz

# Pilar: Es un elemento sustentante vertical de sección poligonal. Los

pilares fueron muy utilizados en el Románico y el Gótico. Tipos: cruciforme,

cruciforme con columnas adosadas, fasciculado -Gótico-

- Pilastra: es un pilar adosado a un muro.

7


- Estípite: pilar en forma de tronco de pirámide invertida. Se empleó

mucho durante el barroco.

- También suelen tener basa y capitel como las columnas.

# Columnas: Son elementos sustentantes verticales de sección curva,

generalmente circular. Suelen constar de tres partes: basa, fuste, capitel.

En muchas culturas como la griega fue tratada como un elemento

escultórico, dando lugar a los estilos: dórico; jónico, corintio.

2-Elementos sostenidos:

# Dintel: Es un elemento sostenido de carácter horizontal construido,

generalmente en una sola pieza.

- Arquitectura adintelada o arquitrabada. Es la basada en elementos

horizontales. Ejemplo: los entablamentos de los templos clásicos. El

entablamento es lo que se encuentra sobre las columnas. Partes del

entablamento: dintel (arquitrabe), friso, cornisa, frontón.

Arquitecturas adinteladas fueron entre otras la de Egipto y la griega

#Arco: Es el elemento sostenido de configuración curva. Las piezas que

forman el arco se llaman dovelas, la que ocupa la parte central se denomina

clave y las que inician el arranque del arco se llaman salmer.

En todo arco hay que tener en cuanta: 1-Las impostas, que es la

separación entre el arco y la parte recta de un vano. Es la superficie de la

que arranca un arco. 2-La fecha, que es la altura del arco, contada desde la

clave hasta la línea de impostas. 3-La luz, es la anchura del arco.

- Tipos:

1-Arco de medio punto. Es el equivalente al de media circunferencia (Arte

romano, románico...)

2-Arco peraltado. Es el equivalente al de medio punto, más el peralte en

el que se apoya (Arte islámico-periodo nazarí-, románico...)

3-Arco apuntado u ojival. Es el formado por dos segmentos de arco que

forman un ángulo. Tiene dos centros. Es el característico del arte gótico.

4-Arco de herradura. Es un arco ultrasemicircular; propio del arte

musulmán.

5-Arco lobulado. Es el formado por lóbulos. Si tiene tres lóbulos se llama

trilobulado y si posee más de tres polilobulado. Es característico del arte

musulmán, aunque también de otros estilos por influencia de este (Ej:

Románico).

6- Arco mixtilíneo. Es el formado por líneas mixtas. Es típico del arte

musulmán- periodo reinos taifas.

7-Arco conopial. Es el que tiene forma de quilla de barco invertida.

Consta de cuatro centros, dos interiores y dos exteriores. Muy utilizado en

el gótico.

8


8-Arco carpanel. Se parece al rebajado. Se traza a partir de tres

centros: propio del gótico.

9-Arco rebajado. Es aquel cuya curva es inferior a media circunferencia.

Está descrito con un solo centro. El escarzano es un arco rebajado

formando un ángulo de 60º.

10-Otros.

# Bóveda: Es un elemento sostenido que tiene su origen en el movimiento

de un arco.

- Tipos:

1-Bóveda de medio cañón. Es la formada por el movimiento de traslación

de un arco de medio punto a lo largo de un eje longitudinal (Románico...)

2-Bóveda de arista. Compuesta por la intersección perpendicular de dos

bóvedas de medio cañón. Es típica del románico.

3-Bóveda de nervios (o de nervadura). Constituida por nervios y

plementos. Existen diversos tipos según el número y la disposición de los

nervios:

- Bóveda de crucería (simple). También llamada ojival. Originada por la

intersección de dos arcos ojivales. Es típica del gótico.

- Bóveda sexpartita.

- Bóveda de terceletes.

- Bóveda estrellada.

4-Bóveda de cuarto de esfera (de cascarón o de horno). Equivalente a un

cuarto de esfera. Cubre generalmente el espacio de un ábside.

5-Bóveda anular. Es la de medio cañón que cubre un espacio circular o

curvilíneo.

6-Bóveda de arcos entrecruzados. Típicamente musulmana. Formada por

el cruzamiento de arcos que no pasan por el centro.

7-Bóveda vaída. Se trata de una bóveda semiesférica cortada

verticalmente por cuatro planos paralelos entre sí dos a dos. Se utilizó

durante el Renacimiento.

8-Otras.

- En las bóvedas podemos distinguir:

- Arcos fajones. (Perpiaño en el estilo románico). Son los que cortan la

bóveda en sentido transversal a su eje.

- Arcos formeros. Son los paralelos al eje de al eje longitudinal de la

nave, para unir y, a la vez, separar las naves contiguas.

- Arco toral. Cada uno de los cuatro arcos que forman el crucero.

*Cúpula: Es la bóveda creada por el movimiento rotatorio de un arco. La

más común es la semiesférica o de media naranja, originada por la rotación

9


de un arco de medio punto. Se asienta bien sobre pechinas (son cada uno de

los triángulos esféricos que sirven para pasar de la superficie cuadrada de

la planta a la circular de la cúpula), trompas (Son bovedillas semicónicas que

sirven para pasar de una planta cuadrada a la octogonal de la cubierta sobre

la que va la cúpula), tambor (estructura cilíndrica poligonal que sustenta la

cúpula otorgándole mayor altura). En la parte superior suele tener una

abertura para dar luz: la linterna.

- Tipos:

1-Otras: Cúpula bulbosa.

*A la hora de estudiar un edificio debemos considerar, por otro lado:

1-El plano o planta. Es el dibujo (hecho a escala) de la sección horizontal

de un edificio. En él aparecen los muros, las columnas, pilares, vanos y la

proyección de la bóvedas.

- Tipos:

- Longitudinal. Es aquella planta en la que predomina un eje longitudinal

(el largo del edificio). Tipos: planta basilical. Es que tiene su origen en las

basílicas romanas: edificio longitudinal, normalmente con tres naves - la

central a mayor altura que las dos laterales- y ábsides en la cabecera. .

Dentro de las plantas basilicales destaca la planta balilical de cruz latina.,

que es la que consta de un eje longitudinal, el mayor -como la basilical- y

otro transversal más corto (transepto o crucero).

-Centralizada. Es la planta que se organiza en torno a un centro. Tipos: 1)

Cruz griega. Es la planta que consta de dos ejes iguales. 2) Circular. Es la

que tiene forma de circulo. 3) Poligonales, son las que siguen la forma de

polígonos (Ej. Un octógono).

2-El alzado. Es la proyección (a escala) o dibujo de la sección vertical de

un edificio.

c) . Definición. Materiales, tipología, procedimientos técnicos, elementos formales.

*Definición: Es el arte de la creación de volúmenes, es decir, la

realización de figuras en sus tres dimensiones; mediante el modelado,

tallado o el esculpido empleando diversos materiales.

* Materiales (son variados).

10


- Mármol y alabastro. Se utilizan mucho por su facilidad para esculpirse y

por su acabado brillante. Arte griego, romano, renacentista, etc.

- Granito. Se usa para obras de sentido monumental.

- Bronce. Aparece en estatuas de carácter urbano, ecuestre, fuentes,

etc.

- Madera. Es el material más empleado para estatuas destinadas a

retablos, sillerías de coros, pasos procesionales. Policromada o no. Se

muestra con profusión en el Renacimiento y Barroco español.

- Otros: Terracota (barro cocido).

- Oro y marfil (esculturas crisoelefantinas), etc.

* Tipología:

1-Bulto redondo. Es aquella escultura que se encuentra exenta (porque no

está pegada a nada, está aislada) y es independiente del marco

arquitectónico; además puede contemplarse desde todos los puntos de vista

a su alrededor.

2-Relieve. Se trata de una escultura adherida a un plano (no exenta y no

liberada físicamente del plano arquitectónico) y, por tanto, solo cabe

mirarla desde un punto de vista, el frontal. Según el relieve sobresale del

plano se distingue entre:

- Alto relieve. En este tipo las figuras parecen casi de bulto redondo,

pero adheridas al plano, pues sobresalen más de la mitad respecto a éste.

- Medio relieve. En él las figuras parecen estar como cortadas por la

mitad, ya que sobresalen casi un 50% respecto al plano.

- Bajo relieve. Es un tipo de relieve en el cual las figuras sobresalen muy

poco respecto al plano del fondo.

Según la actitud de la figura representada podemos también establecer

varios tipos:

- De pie.

- Sedente. Sentada.

- Orante. De rodillas con las manos juntas

- Yacente. Tendida.

- Ecuestre. A caballo.

- De pie.

Dependiendo de la parte del cuerpo representada se diferencia entre:

- Busto. Representa solo la cabeza y la parte superior del tórax.

- Torso. Le falta cabeza, brazos y piernas.

- Cuerpo entero.

Por otro lado se puede hablar también de grupo, cuando se representa un

tema por medio de un conjunto de figuras.

11


* Procedimientos técnicos. Existen varios métodos para efectuar una

escultura:

- Sustractivo (de quitar) Consiste en partir un bloque compacto. La

escultura ya está ahí- como decía Miguel Angel-y sólo hay que quitar lo que

sobre. Al ir desbastando la piedra o la madera, el escultor va realizando

volúmenes negativos y el resultado es lo que deja sin tocar. Para la piedra,

mármol, etc. se utiliza como técnica el esculpido (cincelado) y para la talla la

madera.

- Aditivo (de añadir) Supone ir añadiendo materia sobre una armadura

mínima. Aquí el escultor debe ir concibiendo los volúmenes positivos e irlos

creando. Por lo general, se utiliza como materiales la arcilla, el metal y la

madera; como técnicas el modelado, la soldadura y el encolado

Para las estatuas obtenidas a partir de un molde- generalmente para la

fundición de figuras en bronce- se utiliza la técnica del vaciado- Supone

obtener un molde de la obra y con él reproducir la misma obra una y varias

veces en un estado que pueda obtenerse en estado líquido y que después

termine fraguando y endureciendo (cera, escayola, cemento, metal fundido,

plásticos, etc.) Tipos:

a) Procedimiento de fundición “a cera perdida”. Se suele utilizar para

obtener pequeñas escultura de bronce (macizas). Pasos a dar: 1) Se hace un

modelo de cera que se recubre de arcilla mezclado con arena,

yeso...(materiales refractarios: materiales que resisten la acción del calor

sin modificarse o derretirse), constituyendo el molde, que reproduce en

negativo todas las formas del modelo en cera. 2) En el molde se dejan

orificios de entrada y salida. A través del orificio de entrada se vierte la

colada de bronce fundido en estado líquido que penetra en el interior y

desplaza la cera hacia el orificio de salida, ocupando su lugar. 3) Por último,

se deja enfriar el metal, se fractura y se quita el molde, quedando la

escultura lista para pulirla y acabarla.

b) Procedimiento de fundición “en hueco”. Es un método apropiado para

esculturas de gran tamaño. Modo de empleo: 1-En primer lugar se prepara un

núcleo interior en arcilla con arena, en yeso o cualquier materia refractaria.

2-Sobre este núcleo se hace un molde de cera. 3-Posteriormente la cera se

reviste de la misma materia refractaria que el núcleo interior, tras lo cual el

bronce fundido se vierte por el orificio de entrada que se ha dejado en el

molde para desplazar a la capa de cera hasta el orificio de salida. 4) Cuando

el metal ya se ha enfriado y se ha roto el molde, liberando la escultura, a

esta hay que vaciarle todavía el interior para que quede hueca por dentro.

*Elementos formales.

12


- La composición. Es la disposición o distribución de los distintos

elementos que integran una escultura.

La composición en escultura se ha debatido tradicionalmente entre dos

principios rectores:

- El reposo o carácter estático.

- La ilusión de movimiento o carácter dinámico.

1-El reposo o carácter estático.

Se aprecia en la escultura egipcia y en la estatuaria griega de la época

arcaica (ss. VII y VI a.C.)

Las composiciones escultóricas responden a la “ley de la frontalidad”,

según la cual la figura humana es sometida a un principio compositivo en la

que se presenta vista de frente, con el cuerpo dividido en dos partes

iguales, mediante un eje vertical imaginario que pasa entre las cejas, por la

nariz y el ombligo. Las esculturas que se ajuntan a este principio son rígidas,

hieráticas, etc.

2- La ilusión de movimiento.

Se obtiene mediante dos recursos compositivos:

a) El ritmo.

Tiende a convertir lo estático en dinámico, mediante la armonía en la

distribución de los elementos compositivos.

Entre los recursos para conseguirlos están:

-La duplicación o multiplicación de perfiles (de frente, perfil...) (Ej.

relieves egipcios o mesopotámicos.)

-Unidades rítmicas elementales: a) Ritmos lineales: oblicuos o en diagonal.

b) En forma de “S”, helicoidales, zig-zag...c) Otros: en pirámide, en circulo,

etc.

-Los basados esencialmente en la contraposición armónica de las partes

del cuerpo humano, como los utilizados en la escultura griega (“contraposto”:

o sea, disponer en una escultura un brazo que avanza y una pierna que

retrocede, buscando el equilibrio en una figura estática.

b) La tensión

Se consigue dando forma dinámica a la escultura mediante una fuerza

interior que pugna por exteriorizarse (Ej. Miguel Ángel).

*Otros aspectos interesantes de la escultura a la hora de hacer su

estudio son:

-Si una escultura aparece con caracteres realistas o idealizados

(pudiendo haber intención detrás de todo esto o no)

- La luz y el color.

13


1-La luz. Las diferentes partes de la escultura proyectan más o menos

luminosidad; resultan más o menos claras. Puede haber efecto de claroscuro

(unas zonas en sombra y otras iluminadas).

2-El color. En cuanto al color la obra puede ser monócroma o

policromada.

- Textura. Muchas veces el escultor para diferenciar las distintas partes

del cuerpo humano (piel, ojos, cabellos, las vestiduras, joyas, armaduras,

etc. no pulimenta o trata de la misma manera el material con el que trabaja

para así sugerir al espectador sensaciones táctiles diferentes.

d) . Definición. Materiales, procedimientos técnicos, elementos formales.

* Definición. La pintura es el arte de aplicar colores (pigmentos) y líneas

(dibujos) sobre una superficie plana (de sólo dos dimensiones).

* Materiales. En pintura hay que distinguir entre:

a) El soporte plano de dos dimensiones sobre el que se pinta (muro, papel,

tabla, lienzo, etc).

b) El pigmento. (Color). Es la materia colorante, es decir, los elementos

naturales o artificiales que proporcionan un color. (Ejemplo: el carbón

produce el color negro.)

c) El aglutinante, que es una sustancia líquida que fija y da consistencia a

un color (Ejemplo: el aceite en la técnica al óleo, huevo en el temple...)

d) Otros materiales pictóricos. A partir sobretodo de los movimientos de

vanguardia (fines XIX/principios del. XX) se incorporaron a la pintura

materiales como: papales pegados, arenas, trapos, maderas, objetos

metálicos...

*Procedimientos técnicos:

Existe una amplia gama.

Los más destacados son:

- El fresco. Técnica utilizada para la pintura mural. Para aplicarla exige

las siguientes condiciones: 1-Revocar el muro, es decir, que se haga un

enlucido a base de arena fina, cal y polvo fino de mármol. 2-Humedecer el

muro. 3- Aplicar los colores con agua de cal. Este procedimiento tiene: la

ventaja, de que al convertirse la disolución de cal en carbonato cálcico, se

convierte en una sustancia muy resistente a los agentes externos y de gran

duración (de ahí su utilización para exteriores); el inconveniente: exige

gran destreza y rapidez de ejecución al pintor, ya que el muro no se puede

dejar secar: Además tampoco admite retoques.

14


- La acuarela. Técnica pictórica que consiste en diluir los colores en agua

y aplicarlos sobre papel, por lo cual seca rápidamente y obliga a tener una

ejecución rápida. Caracteriza a la acuarela la transparencia y la luminosidad

de los colores. No utiliza el blanco como pigmento.

- La tempera. Muy parecida a la a la técnica anterior. Tiene a favor que se

pueden superponer los colores y retocarse después de estar terminada la

obra. Es menos luminosa que la acuarela -colores algo opacos y apagados-. Sí

utiliza como pigmento el blanco.

- El temple. Es una de las técnicas que más se usa en la pintura sobre

tabla, aunque también se emplea sobre lienzo y en menor medida se puede

aplicar igualmente sobre muro. Consiste en diluir los colores en agua

templada (“temperada”) a la que se han añadido aglutinantes como el huevo,

goma arábiga, etc. Al utilizar el huevo es un procedimiento más brillante y

lento de secar. Tiene la ventaja de que, a diferencia del fresco, es posible

retocarlo en frío.

- El óleo. Es el procedimiento pictórico más utilizado a partir del s. XV.

Fue pefeccionado y difundido por los pintores flamencos. Consiste en

mezclar los colores en aceites especiales (secantes) como el de nueces y el

de linaza- semilla de lino- y aplicarlos sobre un lienzo o una tabla

previamente preparados. Es el procedimiento más lento en secar de todos

los conocidos, lo que permite un trabajo sosegado, hacer interrupciones y

retoques. El mayor inconveniente que tiene es el oscurecimiento de los

aceites con el paso del tiempo.

- La encáustica. Técnica pictórica consistente en diluir los colores en cera

fundida, a la que se añade resina para darle más dureza. Hay que pintar en

caliente y para aplicar los colores se emplean paletas y espátulas metálicas

- previamente calentados en una estufa -. Las ceras de colores son una

versión actualizada de esta técnica antigua.

- El acrílico. Método pictórico en el que se usa como aglutinante el

acrílico, que es un emulgente, o sea, permite unir el agua con el aceite, por lo

que ambos elementos pueden utilizarse para extender el color.

Participa de las ventajas del temple y del óleo, es decir, es lento de

secar. Sin embargo, su capacidad de cubrir un color con otro es inferior, ya

que unos colores no ocultan a otros.

- El mosaico. Es un procedimiento que no utiliza colores. El color lo

proporcionan directamente las teselas o piezas pequeñas de piedra, vidrio o

metal, con las que realmente se “pinta”.

Se trabaja sobre un dibujo previo hecho en papel, y en posición

horizontal, en donde se van colocando las teselas que van configurando

formas. Posteriormente se encolan papeles sobre el trabajo acabado para

poder trasladarlo, así al muro que tendrá la argamasa (capa de cal, arena y

15


agua) preparada. Una vez fraguada ésta se desencolan los papeles se

sujeción y transporte, para proceder a la limpieza y acabado final.

- La vidriera. Se trata de un armazón o bastidor de madera o metálico

con vidrios utilizado en puertas y ventanas. (La vidriera emplomada es la que

tiene tiras de plomo para encajar en ella los vidrios).

Al igual que en el mosaico se trabaja sobre un plano horizontal y sobre un

dibujo previo en el que han diseñado los cortes de los vidrios que irán

configurando las figuras.

Una vez cortados los vidrios (del color que conviniere) se pintan los

grafismos de los rostros, cuerpos, pliegues de trajes, sombras... con

pigmentos, y se introducen de nuevo en el horno, para que la pintura penetre

en el vidrio, que se ha elaborado, previamente en el horno. Posteriormente

se recompone el mosaico, se unen sus bordes con plomo, se arma sobre

hierros sólidos y se lleva al ventanal.

*Elementos formales:

1-La línea. /El dibujo. Son las líneas que determinan el contorno (líneas

exteriores) y los dintornos - líneas interiores- de las cosas o figuras

representadas.

Rasgos:

- Poder limitativo, que acota y define el objeto.

- Identifica y reconoce las formas.

Tipo de trazos lineales:

- Continuos y cerrados: delimitan formas finitas y acabadas.

-Discontinuos y abiertos: producen formas indeterminadas indefinidas.

2-El color.

Es la cualidad de los objetos originada por la impresión que los rayos del

Sol producen en la retina, al reflejar unos rayos de luz y absorber otros. (La

luz al atravesar un prisma se descompone en siete colores del espectro).

El color es un elemento básico de la pintura. Sirve para crear efectos

como la luz y el volumen, por tanto de la profundidad (sobretodo en la

perspectiva aérea). Los colores pueden ser:

- Oscuros o luminosos.

- Naturales (si son semejantes a los colores de los objetos y seres

naturales) o irreales (si no tienen parecido con el natural (cielo verde, agua

amarilla, etc).

En una pintura se pueden utilizar muchos o pocos colores. Es posible que

aparezcan superficies tonales (degradaciones de un mismo color) o

superficies planas (utilización de colores sin distintos tonos).

- En cuanto a los tipos de colores, es preciso distinguir entre:

16


1-Colores primarios o fundamentales (elementales o simples. Son tres: el

rojo, el amarillo y el azul).

2-Colores binarios. Formados por la mezcla de dos primarios. Son tres: el

naranja (rojo más amarillo); verde (azul más amarillo); y violeta (rojo más

azul).

3-Colores terciarios. Son los originados por la combinación de un binario y

un primario. Esta forma de combinación se puede seguir indefinidamente

hasta dar una gama enorme de colores.

Por otro lado hay que hacer mención de:

- Los colores complementarios. Son los que al yuxtaponerse se

intensifican mutuamente y al mezclarse en parte iguales se destruyen dando

lugar a un gris neutro. Los colores complementarios son uno secundario y el

primario que no entra en su composición: el verde es el complementario del

rojo; el naranja lo es del azul y el violeta del amarillo.

Otra distinción es la que se hace en función de sensaciones térmicas o

espaciales que sugieren los colores y así hay que mencionar:

- Los colores cálidos o cercanos: rojo, amarillo y naranja. Expanden la luz

y son salientes, avanzan hacia el espectador (Tb. relación con el sol, la

alegría).

- Los colores fríos o lejanos: verde, violeta y azul; Absorben luz, son

entrantes y se alejan del espectador. (Tb. relación con el agua y la

naturaleza).

Esta distinción se hace en función de sensaciones térmicas o espaciales.

Existen asimismo teorías que asocian los colores a:

- Emociones y sensaciones (rojo: vida, sangre; azul: cielo, agua; verde:

vegetación; amarillo: fuego y luz...) -Son asociaciones naturales.

- Ideas o conceptos (blanco y azul: pureza). - Asociaciones por tradición

cultural-.

Otros términos relacionados con el color:

- Paleta. Conjunto o escala de colores preferidos por un pintor

- Gama. Serie de matices de un mismo color.

- Factura de color. Se llama así a la manera en la que el artista ha

distribuido los colores, bien con toques ligeros y difuminados, o con

pinceladas espesas y contrastantes.

Sobre la distribución de los valores tonales en la organización de la obra

de arte está el claroscuro.

(Hay que resaltar que una realización pictórica prevalece unas veces el

dibujo o el color; o bien se establece un equilibrio entre ambos elementos.).

17


3-La composición. Es la ordenación organizada de las figuras, objetos o

colores en un una obra pictórica.

Tipos:

- Sin aparente composición: Yuxtaposición de elementos (colores,

figuras...)

1) Las basadas en la línea, que han dado lugar a esquemas compositivos:

- Simétricos.

- Piramidales (triangulares).

- En diagonal

- En espiral. Línea serpentinata (Manierismo).

- Circular.

- Rectangular.

(Isocefalia. Consiste en disponer las cabezas a la misma altura).

2) Las basadas en el color (tanto en la pintura figurativa como en la

abstracta)

Ej.- Los movimientos de vanguardia -Pintura abstracta-

En otro orden de cosas las figuras pueden aparecer bien:

- Quietas o en reposo.

- En movimiento, mostrando tensión dinamismo.

4- La representación del volumen.

La Pintura en sí es bidimensional (dos dimensiones: alto y ancho),

extendiéndose sobre una superficie, sin embargo el lenguaje pictórico ha

tratado de sugerir o representar mediante ilusiones ópticas la tercera

dimensión, lo profundo, creando así apariencia de volumétrica.

- Maneras de representación del volumen:

a) El modelado

Es posible conseguirlo mediante:

- La gradación de luz y sombra; representado las zonas más próximas al

ojo con más luz, mientras las más alejadas en penumbra o en sombra, con

ello se obtiene que la figura destaque en relieve sobre la superficie del

cuadro.

(Ejemplo: claroscuro violento de Caravaggio -tenebrismo-; “sfumato” o

difuminado suave de Leonardo).

- El color. Los colores se aclaran o se transparentan en las zonas más

próximas al observador mientras se van oscureciendo en las partes más

alejadas. Con ello también se obtiene el efecto volumétrico. Además cada

color se comporta de manera diferente en relación a la luz, cada uno de ellos

tiene distintos valores respecto a la luz y puede presentar distinta

18


intensidad. (Este último es un recurso muy utilizado por impresionistas y

postimpresionistas).

b) El escorzo.

Es un recurso plástico que consiste en disponer a los objetos en posición

perpendicular u oblicua respecto al plano de la obra pictórica

La sensación de volumen ha sido un efecto que muchas veces se ha

querido obtener en pintura, pero en otras ocasiones se ha prescindido de él

dando lugar a una pintura plana, sin profundidad.

c) La perspectiva. Se denomina así al sistema o artificio que permite

representar sobre una superficie plana, de dos dimensiones, el espacio y los

objetos que hay en éste tal como son en la realidad (tamaños, disposición,

etc.), por medio de la simulación de la tercera dimensión o profundidad.

- Si no se utiliza la perspectiva, hablamos de pintura plana, sin

representar ficticiamente el espacio (Ej. arte rupestre, egipcio, bizantino,

románico, fauvismo, arte contemporáneo en general).

- Perspectiva lineal o geométrica. Se consigue mediante líneas diagonales

que confluyen en un punto, denominado punto de fuga, en el fondo del

cuadro. Mediante este sistema se consigue representar las cosas más

grandes o más pequeñas en función de la distancia en que estarían situadas

respecto al espectador (Fue muy utilizada a lo largo del Renacimiento y del

Barroco y en los movimientos posteriores).

- Perspectiva aérea. (El comienzo de su uso así como su teorización se

debe a Leonardo da Vinci)- La perspectiva aérea es la que intenta

representar la atmósfera que envuelve los objetos, pintar el aire del

cuadro; para ello partiendo de la perspectiva lineal, se van difuminado los

colores y los contornos de la figuras en relación a la distancia. La luz y el

aire interpuestos entre el ojo del espectador y los objetos difuminan los

contornos y, por tanto, no se aprecian con la misma nitidez objetos situados

en primer plano que los que ocupan el fondo. Al mismo tiempo los colores

también se van modificando con la distancia. (Tiene su máximo exponente en

el Barroco -Velázquez- y en los movimientos del s. XIX).

Según el punto de vista elegido para realizar la perspectiva se puede

hacer una diferenciación entre:

- Perspectiva de punto de vista normal o frontal. El punto de vista está

en el centro del cuadro. Es la más utilizada en pintura.

- Perspectiva caballera (o de punto de vista alto). También se le llama “a

vista de pájaro o militar”. Es la que se obtiene desde un punto de vista

semejante a un jinete, más elevado de lo normal. Con ella se contempla una

amplísima superficie de terreno. (Ha predominado en la pintura Flamenca).

19


- Perspectiva de punto de vista bajo. Se obtiene desde un punto de vista

colocado cercano al suelo. Esta perspectiva se utiliza para lograr efectos de

sensacionalismo, de grandilocuencia, etc. (Fue utilizada sobre todo en el

Renacimiento -Mantegna-).

* Forma de representación. hace referencia a si la representación de las

figuras es realista o existe una idealización.

c) Percepción y análisis de una obra de arte.

A la hora de contemplar, analizar y comprender una obra de arte hay que

tener en cuenta diversos tipos de elementos, que se pueden sintetizar en

el siguiente esquema:

1-La ubicación espacial y temporal de la obra de arte.

- El lugar en el que se efectuó la obra de arte.

- La época en la que se hizo.

- La relación de la obra de arte las características de su

momento histórico.

2-La descripción razonada de la obra (utilizando el vocabulario técnico

adecuado)

- Aspectos formales (materiales, procedimientos técnicos,

elementos formales).

- Aspectos iconográficos e iconológicos (tema, significado,

simbolismo).

3-Valoración argumentada de la obra de arte, aludiendo a:

- Estilo artístico.

- Autor - si se conoce- (características de éste).

ASPECTOS ICONOGRÁFICOS E ICONOLÓGICOS.

a) Iconografía. Es la ciencia o disciplina que tiene como objeto de estudio

las imágenes artísticas

Las dos grandes series iconográficas del arte occidental son:

-La mitológica clásica.

Es decir la representación de personajes y dioses sacados de los mitos

griegos y romanos. A parte de los períodos correspondientes a las

civilizaciones griega y romana, las referencia a la mitología clásica han

20


estado continuamente presentes en la Historia del Arte Occidental en

múltiples obras escultóricas y pictóricas, abundando con especial

fecundidad en momentos como: La época clásica (Grecia y Roma), el

Renacimiento; el Barroco; o el Neoclasicismo, o personalidades como Goya..

- Ejemplo: Venus /Afrodita: Trono Ludovisi (Grecia), Botticelli

(Renacimiento). Venus de Gnido (Praxíteles, Grecia), Venus de Milo (Época

helenística, Grecia); Venus de Ticiano, de Giorgone (Renacimiento), “Venus

del Espejo” Velázquez (Barroco)...

- La iconografía cristiana. La iconografía cristiana la constituyen toda la

serie de imágenes relacionas con personajes, símbolos o historias sagradas

de dicha religión, en concreto sobre la Biblia (Antiguo y Nuevo Testamento):

Cristo, la Virgen María, Apóstoles, Profetas, etc., así como de santos/as y

mártires u otras representaciones sagradas de la religión cristiana. Las

imágenes más comunes son:

1) La cruz, o Cristo crucificado, , 2) La Virgen con el niño. La Virgen

portando en su regazo, en su piernas o en brazos a Jesús de niño. 3) El

Pantocrator. (Cristo en Majestad). Se representa a Cristo resucitado y

triunfante, envuelto en la mandorla o almendra mística portando los

Evangelios en una mano y bendiciendo con otra. Imagen muy repetida en el

arte románico 4) La Inmaculada. Se representa a la Virgen María suspendida

en el aire sobre una nube y /o la luna y con las manos juntas. Tema

frecuente del arte barroco. 5) La Anunciación. La Virgen María recibe el

anuncio del Arcángel Gabriel de que ha sido elegida por Dios para ser la

madre del Mesías, Cristo. 6) La Piedad. La Virgen María sostiene en sus

brazos el cuerpo muerto de Jesucristo.

b) Iconología.- Término en el campo de Arte para designar el significado,

contenido o sentido propio de una obra; o dicho en otra palabras los

concepto, ideas y valores de la que es portadora la obra de arte.

Para valorar el significado de la obra de arte es preciso tener en cuenta

aspectos ideológicos, filosóficos, socioeconómicos de la época

Ejemplos en la Historia del Arte:

- Significado mágico de las pinturas rupestres paleolíticas.

- Ideas del bien y el mal que descansan en la iconografía románica.

- Idea de belleza (armonía, equilibrio de medidas). Representación de

Venus, símbolo de la belleza.

- Pintura expresionista: imágenes como expresión de la interioridad de la

persona, su modo de ver las cosas, sentimientos, deseos.

- Pintura surrealista. Imágenes extraídas del mundo de lo onírico y del

subconsciente, etc.

21


ASPECTOS FORMALES

(Materiales, procedimientos técnicos, elementos formales).

A) Arquitectura.

1-Materiales (piedra, ladrillo...). Aparejo (tipos, disposición).

2-Tipo de Planta.

*Longitudinal: basilical, cruz latina.

*Centralizada: cruz griega, circular, octogonal.

3-Partes del edificio. (Interior y exterior).

4-Elementos sustentantes y sostenidos.

*Elementos sustentantes (muros, pilares, columnas...).

*Elementos sostenidos (dintel -arquitectura adintelada o arquitrabada-,

arcos, bóvedas.)

B) Escultura.

1-Materiales (mármol, bronce, madera...).

2-Tipología.

*Bulto redondo.

*Relieve (alto, medio o bajo).

-Actitud (sedente, yacente...), parte del cuerpo representada (cuerpo

entero, busto,etc)

3-Composición (en diagonal, piramidal, en espiral, en zig-zag...)

(Otros aspectos: movimiento o estatismo; color; textura...)

C) Pintura.

1-Técnica pictórica (fresco, temple, óleo...). Soporte (muro, lienzo,

tabla...)

2-Dibujo.

3-Color/es. (Tipo de colores empleados)

4-Luz (Si se obtiene o no la captación de la luz).

5-Composición (yuxtapuesta, simétrica, horizontal, triangular, en

diagonal...)

8-Volumen (pintura plana o intento de crear la tercera dimensión).

6-Perspectiva:

- Tipo: Lineal o geométrica; aérea.

- Punto de vista: normal o frontal, caballera (alto), punto de vista bajo.

22


(Otros: movimiento o quietud...).

EL AUTOR

a) El artista y el proceso de creación.-

Hacer una obra de arte es un proceso de creación, pero éste no es algo

neutro, ni abstracto si no que a la hora de abordar su estudio es preciso

contar con el artista, analizar sus circunstancias personales en un doble

sentido, por un lado observando las conexiones de sus obras con su

trayectoria vital o evolución personal y por otra parte su personalidad da a

su obra.

*La trayectoria vital. Los hechos o acontecimientos que van moldeando la

vida personal de un artista se van a ver reflejados en su proceso creador

(Ejemplos: 1-Velázquez, pintor sin problemas económicos tras ser nombrado

pintor de cámara de Felipe IV (retratos de personajes de la familia real);

transformación artística de Goya a raíz de sus desgarros interiores

provocados por la sordera y los desmanes que se cometieron con la Guerra

de la Independencia).

*La personalidad. Desde el terreno de la psicología en general y del

psicoanálisis en particular se ha querido incidir en los vínculos entre la

creación artística y el modo de ser del artista, es decir , lo que le impulsa a

crear una obra, resaltando todo lo relacionado con el mundo del inconsciente

(sentimientos, deseos, frustraciones; así por el ejemplo la obra de arte

aparecería como un medio de sublimación de los instintos, manifestación de

narcisismo...) o ciertas comportamientos patológicos, en la cual la obra de

arte se muestra como fruto de la tensión interior del artista o como medio

para evadirse o tratar de salir de ella ( Ej.Van Gogh).

b) Consideración social. Circunstancias sociales.

La consideración social de los artistas ha experimentado cambios a lo

largo del tiempo. En períodos como La Edad Media el artista era

normalmente un ser anónimo, un artesano que hacía su obra por encargo,

ajustándose normalmente a los gustos patrones e ideas de la persona de que

quien dependía. En otras ocasiones, como durante el Renacimiento, los

artistas se convierten en un grupo social muy apreciado tanto por su genio

intelectual, por sus habilidades técnicas y su capacidad creadora, así como

por su destreza para idear y llevar a la práctica auténticas obras

inigualables que ha pasado a la posteridad - es el caso de Miguel Angel -.

Otras veces puede ocurrir que la obra de un artista sea menospreciada o

23


infravalorada en la época en la que vive y posteriormente con el paso del

tiempo se convierta en un elemento de admiración y veneración (Ej. Van

Gogh). Las circunstancias sociales. El artista no es un ser que vive separado de la

sociedad de su época sino un componente más de ésta y, en consecuencia,

estará influido por las ideas, gustos, modas o tendencias de su tiempo.

(Ejemplos: El arte románico fue un arte fundamentalmente religioso debido

a que la religión y la Iglesia -como institución- ocupaban un papel esencial en

la vida del Hombre medieval y pretendía ante todo transmitir ideas

religiosas y morales. En el Renacimiento se recupera la temática mitológica

por la afición a la Antigüedad grecolatina, el ideal de belleza como máximo

exponente del goce estético ...)

c) El papel de clientes y mecenas.

Los clientes en Arte serían todas aquellas personas que demandan,

patrocinan o impulsan la realización de obras artísticas. Los “mecenas” (la

palabra viene de Cayo Cilnio “Mecenas”, amigo de Augusto y protector de las

letras y la literatura) han sido personajes que se han dedicado a patrocinar

las letras y las artes. En el terreno artístico se convirtieron además en

auténticos protectores de los artistas. Todos ellos clientes y mecenas

ejercieron una influencia determinante en la promoción del Arte y de las

tendencias estéticas o estilísticas.

(Ejemplos: 1- No se concibe el esplendor artístico renacentista del

“Quattrocento” florentino sin la protección de la familia Médicis; o el de la

Roma renacentista y barroca sin la intervención de los Papas (Julio II-

Basílica de San Pedro, frescos de la capilla Sixtina, etc). 2-No se

comprende tampoco el predominio aplastante de la temática religiosa en la

pintura y escultura barroca española sin conocer que el cliente principal fue

la Iglesia Católica).

Otros ejemplos son: 3-Los monarcas absolutos, como los franceses,

quienes para expresar su poderío y grandeza impulsaron la realización de

obras del porte del Palacio de Versalles, mandado a construir por Luis XIV.

4-La rica y acomodada burguesía de países como Holanda en el s. XVII, que

impone sus gustos en la temática pictórica -ausencia de representaciones

religiosas, paisajes, interiores de casas burguesas, retratos, etc.

En cuanto a personalidades individuales cabe resaltar el mecenazgo que

ejerció el rey Felipe IV respecto a Velázquez. El convertirse en pintor de

cámara de dicho monarca le permitió vivir sin estrecheces económicas y no

tener que vender sus cuadros para subsistir. Lo mismo cabe decir de Goya

con respecto a personajes como Carlos IV o nobles como el duque de Osuna.

24


TEMA ELABORADO POR:

José Jerónimo Rodríguez Carrasco.

Profesor de Geografía e Historia.

I.E.S. Maestro Domingo Cáceres.

Badajoz

Documents

INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE Hª... · 3 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE 3 manera de organizarse entre sí (sociedad), las formas de poder e instituciones políticas