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Contenido
Presentación ........................................................................................................................... 3
Introducción ........................................................................................................................... 4
Texto curatorial de Marisol Argüelles .................................................................................... 6
Marco teórico ....................................................................................................................... 12
Sobre el Museo Pedro Coronel ......................................................................................... 12
Sobre Pedro Coronel ......................................................................................................... 13
Ejes temáticos ....................................................................................................................... 14
La abstracción en la colección Pedro Coronel .................................................................. 14
Orígenes vanguardistas ................................................................................................. 14
Abstracción, arte concreto y sus derivaciones .............................................................. 15
El expresionismo abstracto ........................................................................................... 17
La experimentación plástica y el regreso a la figura ..................................................... 19
Pedro Coronel a la luz de su colección .......................................................................... 21
Anexos .................................................................................................................................. 23
Información de los artistas presentes en la exposición .................................................... 23
Presentación
Pedro Coronel Arroyo (1923-1985) es uno de los más importantes artistas mexicanos. Fue
pintor, escultor, dibujante y grabador abstracto. Nació el 25 de marzo de 1923 en
Zacatecas, estudió en la Escuela Nacional de Pintura y Escultura “La Esmeralda” en la
Ciudad de México, y convivió con los más destacados artistas e intelectuales de la escena
parisina de los años de posguerra.
Además de su producción artística, Pedro Coronel fue un entusiasta coleccionista de arte
precolombino, primitivo, oriental, grecorromano y medieval, así como de arte gráfico.
Donó su colección al pueblo de México en el museo que lleva su nombre.
La presente exposición, Artistas abstractos en la colección de Pedro Coronel, gira en torno
a la obra gráfica que este artista coleccionó. Es importante mencionar que la muestra se
limita específicamente al conjunto de gráfica del período de las vanguardias, las cuales
influyeron definitivamente en la producción de Pedro Coronel.
Nombre de la exposición: Artistas abstractos en la Colección de Pedro Coronel Organizador: MARCO y Museo Pedro Coronel Curaduría: Marisol Argüelles Museografía: MARCO Colección: “El Universo de Pedro Coronel” | Museo Pedro Coronel Duración: Del 12 de febrero al 17 de julio, 2016. Ubicación: Sala 5 | Planta baja Número de obras: 102 piezas Técnica: Gráfica
Introducción
Erigida a lo largo de cuatro décadas, la colección “El Universo de Pedro Coronel” | Museo Pedro Coronel está constituida por cerca de 1,350 piezas procedentes de países y épocas tan distantes como la antigua Grecia, las culturas originarias de Costa de Marfil y el México precolombino y novohispano, entre muchos otros. Como coleccionista, el artista mexicano Pedro Coronel (Zacatecas, 1923-1985) revela una visión universal del arte, muy característica de su tiempo.
Como muchos otros artistas mexicanos de generaciones anteriores, explica la curadora de la muestra Marisol Argüelles, Pedro Coronel tuvo una estancia en París lo suficientemente larga como para haber consolidado una visión renovada del arte. Su contacto con los artistas del momento en los años de la posguerra le permitió no solo establecer fuertes vínculos de amistad, sino sumar a su colección un conjunto de dibujo y gráfica con los más sobresalientes autores de las vanguardias y de los movimientos artísticos de mediados del siglo XX, que revolucionaron tanto la educación artística como el mercado del arte tras la ruptura con las academias.
Esta revisión, organizada en cinco núcleos temáticos, se limita específicamente al conjunto de gráfica que el artista coleccionó y cuya influencia asoma en su obra, al tiempo que ilustra una metamorfosis en la representación visual, cuando los artistas estaban dejando de lado la representación de la figura humana y orientaban su trabajo hacia la abstracción.
Coronel adquirió y conservó obra de artistas fundamentales para entender estos movimientos. Destacan nombres como Max Ernst, Jean Cocteau, Joan Miró y Pablo Picasso.
En Picasso, se comprende bien el proceso de síntesis que da nombre a la corriente abstracta, nacida de la simplificación de las formas; una “abstracción” del natural que avanza hasta el punto de perder por completo su relación con lo objetual.
Muchos de los movimientos abstractos estuvieron ligados en principio con el surrealismo; por ello no es raro encontrar un número importante de autores adheridos a esta vanguardia. Entre ellos están también presentes Víctor Brauner, Roberto Matta y Wifredo Lam.
En la colección de Pedro Coronel conviven distintas derivaciones de la abstracción, empezando por la lírica de Kandinsky, aunque también hay una marcada tendencia al geometrismo y la exploración del color —ambos elementos presentes en la obra del
zacatecano— en artistas como Serge Poliakoff, Alberto Magnelli, Eugenio Carmi y Sonia Delaunay.
A raíz de la Segunda Guerra Mundial, en Estados Unidos convergió un número importante de pintores de distintas nacionalidades y surgió la escuela de Nueva York. Este movimiento fue bautizado como expresionismo abstracto. Si bien Jackson Pollock fue uno de los más destacados representantes de esta corriente pictórica, no fueron menos importantes autores como Robert Motherwell, incluido en la colección junto a importantes representantes de este movimiento en otros países, entre ellos Antoni Tàpies y Antonio Saura.
El arte abstracto revolucionó la manera de entender la obra de arte, desde su concepción hasta su percepción; y abrió un camino completamente nuevo. Artistas como Eduardo Chillida llevaron estas tendencias hasta los límites. Son muchos los ejemplos que aparecen a lo largo de todo el siglo XX en donde la síntesis de las formas se complementa con otras formas de experimentación, como en el caso de Alexander Calder.
El arte abstracto fue en su momento un desafío al sistema artístico, no solo en términos formales por la fractura definitiva con las enseñanzas académicas y las escuelas realistas, sino por retar a un sistema de valores puesto en entredicho al finalizar la guerra. Sus protagonistas fueron tan radicales que asumieron el papel de apóstoles de la vanguardia pregonando el evangelio de la abstracción, a veces como un proceso espiritual, y otras como fruto de la razón.
Texto curatorial de Marisol Argüelles1
Toda figura es un mundo, un retrato cuyo modelo ha aparecido en una visión sublime, teñido de
luz, señalado por una voz interior, desnudado por un dedo celeste que ha descubierto, en el pasado
de toda una vida, las fuentes de la expresión.
—Honoré de Balzac en La obra maestra desconocida
Teósofos, suicidas y dinamiteros.
Artistas abstractos en la colección de Pedro Coronel
Una colección sui géneris
Tratar de entender el origen y desarrollo de una colección tan ecléctica como la de Pedro Coronel
no es tarea sencilla, mucho menos si se ponen en práctica los mecanismos de clasificación que
imponen las estructuras de asociación racional. Qué sensación más satisfactoria nos invade
cuando todo coincide, cuando las señales son claras y no se desvían nunca del camino cuyo final
podría haberse adivinado antes de dar el primer paso. Pero otras veces es necesario enfrentarse a
circunstancias menos propensas a la comodidad. Éste es justamente el caso de la colección de
Pedro Coronel (1923-1985). El artista zacatecano, de carácter difícil e impredecible, dejó esa huella
de vendaval en el acervo artístico que construyó a lo largo de su vida.
Una mirada a otras colecciones formadas por artistas mexicanos puede arrojar un poco de luz
antes de entrar de lleno al universo amplio y heterogéneo de la colección de Pedro Coronel. Dos
ejemplos que funcionan para esta reflexión son los de Rufino Tamayo (1899-1991) y Jesús
“Chucho” Reyes Ferreira (1880-1977). El primero, con un interés especial en la producción
1 Historiadora del arte que estudió en la Universidad Iberoamericana en México. Ha sido curadora de exposiciones del Museo Carrillo Gil en la Ciudad de México entre 2002 y 2007. Ha comisariado exposiciones individuales con Jeff Burton, Mark Wallinger, Irán do Spirito Santo, y Walker Kara. De 2007 a 2009, dirigió el Departamento de Investigación y Exposiciones del Instituto Nacional de Bellas Artes de México. Ha participado como curadora para ferias como la Feria de Arte de Londres, la Feria de Arte de Toronto, MACO (México) y Pulso (Estados Unidos). Actualmente es secretaria principal e investigadora del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.
internacional de la cual fue un entusiasta promotor, principalmente por haber luchado
afanosamente contra la llamada por José Luis Cuevas “cortina de nopal”, en referencia al radical
bloqueo establecido por la generación de artistas que hoy conocemos bajo el nombre de Escuela
Mexicana de Pintura. Toda la producción artística que logró inscribirse en ese programa se
convirtió, al paso de los años, en una marca registrada de carácter moral y de valor incuestionable
cuyo desafío corría el riesgo de ser visto como una “traición a la patria”, circunstancia muy
conveniente para quienes ocupaban ya los espacios públicos en el circuito del arte nacional.
Estos artistas eran lo que México exportaba, lo que resultó a la larga muy redituable para todos los
involucrados, así como para las instituciones culturales de nuestro país. Rufino Tamayo, apenas
unos años más joven que Diego Rivera, defendió, entre otras cosas, el derecho de los artistas a
integrar códigos visuales, gestos pictóricos y temas que no necesariamente encajaban en la
tradición. Afirmó que el arte mexicano no necesitaba recurrir siempre al folklor ni a la historia,
sino que podía insertarse en un lenguaje internacional. Tamayo replanteó la ruta del arte nacional,
no sin entrar en polémica y controversias con quienes, ya fuera por convicción o por conveniencia
(o por ambas), se resistían a promover la apertura e internacionalización del arte producido en
México. Con tal certeza, Tamayo tuvo a bien formar una nutrida colección de arte internacional
durante la década de 1960, y antes de morir la dejó en manos del Museo de Arte Contemporáneo
Olga y Rufino Tamayo, perteneciente al Instituto Nacional de Bellas Artes.
Si se mira con detenimiento este acervo, es posible apreciar ciertas similitudes entre las
principales corrientes artísticas de lo que fue, por ejemplo, la escuela de Nueva York, y su propia
obra: gusto por los grandes formatos, exploración del color como elemento expresivo y un
alejamiento del naturalismo en la representación de la figura humana. No obstante, conservó un
interés por incorporar componentes formales y temáticos asociados al pasado precolombino,
haciendo una exaltación del origen indígena y citando en lo formal a la escultura monumental.
El caso de “Chucho” Reyes es distinto. Este artista tapatío fue, ante todo, un coleccionista. Su
inmensa acumulación de objetos antiguos configura uno de los acervos más híbridos que se
formaron en México durante la primera mitad del siglo XX, con la particularidad de no disponer en
su interior de ninguna clasificación jerárquica. Este repertorio diverso obedecía más a un gusto
personal y a una perspectiva democrática del arte que a un programa educativo, mezclando el arte
culto con lo popular sin establecer relaciones de subordinación entre una cosa y la otra. No es
casualidad que artistas como Juan Soriano reconocieran en él a una de las figuras más influyentes
a la hora de pensar en el gusto de una sociedad que transitó hacia la modernidad desde una visión
más universal del arte. Esta nueva aproximación al objeto artístico lo despojaba de su discurso
originario —religioso, histórico, nacionalista— para acceder a una aproximación de carácter
primordialmente estético, en donde ocupan el mismo lugar un Cristo barroco de marfil que una
brújula del siglo XVIII. Jesús Reyes Ferreira fue un coleccionista poco convencional; su acervo se
asemeja más a un gabinete de curiosidades que a un catálogo razonado de la historia del arte.
Estas dos colecciones, que guardan considerables distancias en fundamento y propósito,
funcionan como marco de referencia para entender el ejercicio de coleccionar como un acto
motivado por múltiples impulsos, cuyo valor rebasa la suma de los objetos para transformarse en
la radiografía del pensamiento de quien construyó la colección.
La enorme particularidad de la colección de Pedro Coronel está en la dimensión que cobra el gusto
personal del autor. En ella es visible el rastro de una personalidad independiente, agitada y
enérgica que no se alineaba a la tradición ni a las convenciones sin haber antes de por medio una
firme convicción. Así, su colección, erigida a lo largo de cuatro décadas, está constituida por cerca
de 1,350 piezas procedentes de países y épocas tan distantes como la antigua Grecia, las culturas
originarias de Costa de Marfil y el México precolombino y novohispano, entre muchos otros. Como
coleccionista, Coronel revela una visión universal del arte, muy característica de su tiempo. Esto
implica una postura incluyente, que considera el aspecto estético de los objetos superior a su
discurso. Por ello es interesante ver cómo el juicio de valor del coleccionista parte de un ánimo
que encaja con su tiempo, en este caso, desde una postura formalista introducida en Europa a
principios de la década de 1920. Esta perspectiva consideraba irrelevante la intención del artista al
crear una obra de arte, así como cualquier aspecto de su función social, política o religiosa. Los
formalistas abogaban por una “forma significativa” como la sustancia única de la obra. Esta
colección descubre en su autor una mirada que da pie a cruces culturales y temporales hacia el
interior, desplazando al contenido y favoreciendo la forma.
En su libro El arte ensimismado, Xavier Rubert de Ventós habla de los pintores abstractos que
además construyeron acervos de otra índole. A partir de aquí se comprende el carácter de cierto
tipo de coleccionismo, el cual no se cumple cabalmente en el caso de Coronel —ya que sí acumuló
obra abstracta— pero arroja luz para comprender lo genuino de esta colección, que no se inserta
en ningún modelo: “Las obras de arte salvaje o primitivas de las que gustaban rodearse estos
pintores y escultores no acostumbraban a ser abstractas, sino que representan caras, máscaras o
figuras. El hecho es significativo y corrobora lo que venimos diciendo, a saber: que no se teme a la
figuración en las obras muy alejadas de nuestra cultura y que nos llegan, por tanto, despojadas de
todo peligro de remisión a lo representado. El espíritu y estilo de una obra arcaica nos ‘asombra’ lo
bastante como para atraer nuestra atención sobre la obra en tanto que obra”.2
Como muchos otros artistas mexicanos de generaciones anteriores, Pedro Coronel tuvo una
estancia en París lo suficientemente larga como para haber consolidado una visión renovada del
arte. Su contacto con los artistas del momento en los años de la posguerra le permitió no sólo
establecer fuertes vínculos de amistad, sino sumar a su colección un conjunto de dibujo y gráfica
con los más sobresalientes autores de las vanguardias y de los movimientos artísticos de mediados
del siglo XX, que revolucionaron tanto la educación artística como el mercado del arte tras la
ruptura con las academias.
Esta revisión se limita específicamente al conjunto de gráfica de ese periodo que influyó
definitivamente en su obra. Sin embargo, para comprender mejor el perfil del artista y de su
colección es preciso ir hacia atrás y reconstruir —o al menos intentarlo— el origen de ese
particular gusto que abarcó lo primitivo, lo popular y lo moderno. Esta colección no es sólo un
inventario de objetos, es también un pasaje al universo creativo del artista.
El primer escenario es su familia: tenía un abuelo pintor y su hermano Rafael también haría más
tarde una carrera artística y conformaría una nutrida colección. Conoció muy joven a un artesano
titiritero a quien siempre consideró como figura fundamental para su vocación. Pedro Coronel
nació en Zacatecas el 25 de marzo de 1921, el mismo año en que Álvaro Obregón se convirtió en
Presidente de México y convocó a José Vasconcelos a encabezar la Secretaría de Educación
Pública. El país apenas se recuperaba del conflicto armado que había enfrentado a muchas
facciones políticas y sociales, y que terminaría siendo asimilado simbólicamente bajo el concepto
unificador de Revolución Mexicana. Fue en la era de Vasconcelos cuando se escribieron los
mandamientos del arte nacional, echando mano de las civilizaciones antiguas a la par de una
perspectiva humanista. Todo ello replicado en los programas educativos, en la poesía y por
supuesto en la pintura mural, que si bien no llegaría a todos los rincones del país, sería objeto de
una efectiva campaña de propaganda por parte de la comunidad artística junto con el gobierno.
Carlos Monsiváis observa que la Revolución “se afirma en lo cultural gracias a la narrativa, la
2 Xavier Rubert de Ventós, El arte ensimismado. Barcelona: Anagrama, 1997.
pintura de gran calidad, el cine y la idea misma de la singularidad de la nación. Se pone de relieve
lo popular (por primera vez en la historia de México) y se proclama el culto institucional a la
epopeya, que es sinónimo del manejo convenenciero del pasado”.3 Estos sentimientos permearon
la atmósfera cultural mexicana a lo largo de una buena parte del siglo XX. A pesar de los alcances
desiguales del proyecto educativo y “civilizatorio” de Vasconcelos, hay que reconocer que la
educación, a escala nacional, fue deshaciéndose paulatinamente del yugo cientificista y
extranjerizante del porfiriato en todo el país.
Zacatecas se nutría de una larga tradición mestiza, que acumulaba la diversidad de las culturas
originarias (entre ellas la de los zacatecas) y la poderosa herencia del arte novohispano, por haber
sido una de las ciudades mineras más ricas de la Nueva España y poseer una producción artística
excepcional. Es posible, entonces, que ese gusto por lo popular en Pedro Coronel esté más
relacionado con este contexto que con una ideología impuesta desde el Estado.
Para 1921 la ciudad apenas se recuperaba del paso arrasador de la Revolución; sólo habían
transcurrido siete años desde la toma de Zacatecas, uno de los episodios más sangrientos del
conflicto armado y por el que parte de la población había migrado. Como la familia del artista vivía
del comercio, Pedro Coronel pudo recibir una educación formal que años más tarde
complementaría con un enorme bagaje cultural.
En 1939 se mudó a la Ciudad de México e ingresó a la Escuela de Pintura, Escultura y Grabado “La
Esmeralda”. Es aquí donde entró en contacto con quienes terminarían por formarlo como artista
plástico. Bajo la tutela de Rómulo Rozo, fue además alumno de Francisco Zúñiga, Manuel
Rodríguez Lozano, Carlos Orozco Romero, Luis Ortiz Monasterio, Frida Kahlo y Juan O’Gorman.
Todos ellos fueron impulsores de cambios y revolucionarias propuestas, otra clave fundamental
para comprender su espíritu poco acomodaticio. Pero fue precisamente Diego Rivera quien le
facilitó los medios para salir de México hacia Francia becado por el gobierno, aprovechando el
salario que Coronel tenía ya como maestro de La Esmeralda. Es curioso que sea Rivera quien
impulsó su salida de México hacia Europa. No hay que olvidar que para entonces el gremio de
muralistas defendía radicalmente la producción de un arte de corte nacionalista y muy allegado al
comunismo, el cual rechazaba tajantemente los planteamientos de las vanguardias artísticas.
Rivera habrá recordado que él mismo había salido del país becado también por el Estado, y que
3 Carlos Monsiváis, Historia mínima de la cultura mexicana en el siglo XX. México: El Colegio de México, 2010.
allá conocería artistas, corrientes y obras —Picasso y el cubismo fueron determinantes— que
habrían nutrido su propia obra.
Fue así que en 1948 Pedro Coronel viajó a Europa, haciendo antes una parada obligada en Nueva
York. Es posible imaginar el impacto que tuvo esta ciudad en un joven de 27 años, procedente de
un circuito artístico condicionado a ciertos parámetros y dominado principalmente por el Estado,
bajo la custodia de unos cuantos artistas que imponían las directrices de la producción estética. Ni
hablar, por supuesto, del número de galerías y museos que ya para entonces abundaban en Nueva
York. Era el año en el que Jackson Pollock pintaba su célebre lienzo Number 1A con la técnica
conocida como action painting, pieza que el MOMA adquirió un año después de haber sido
exhibida e ignorada. En ese mismo año Barnett Newman exponía en la Betty Parsons Gallery, al
tiempo que Nueva York se convertía en el centro definitivo del arte, acogiendo a una gran
cantidad de intelectuales y creadores exiliados a causa de los conflictos armados en Europa. Ése
era el instante en que se proponía a la pintura abstracta como la única posible verdad en el arte.
Ésta fue la atmósfera que Coronel vio antes de partir a París, aunque sería allá donde tendría la
oportunidad de penetrar en los círculos artísticos que dejarían una huella definitiva en su obra.
La Escuela de París y sus preceptos no le eran nada ajenos, ya fuera por el afrancesamiento
impuesto por el gobierno de Porfirio Díaz o por el vínculo de los maestros de La Esmeralda con los
surrealistas y el modernismo europeo. En Pedro Coronel convergen dos revoluciones estéticas: la
de su país, en donde empezaba ya a gestarse un cambio drástico hacia un arte más cosmopolita,
menos supeditado a la historia y la identidad nacional, y la que encuentra en Europa como parte
de un proceso que se había iniciado cerca de la primera década del siglo XX. En 1948 Coronel debe
de haber encontrado un continente sacudido, que tras el fin reciente de la guerra intentaba
reconstruir su economía y redirigir su rumbo. En diciembre de ese año se promulgó en París la
Declaración Universal de Derechos Humanos, al tiempo que los artistas dejaban de lado la
representación de la figura humana —al menos en un sentido naturalista— y orientaban su
trabajo hacia la abstracción. Es este proceso y sus derivaciones lo que se condensa en la colección
de gráfica que ilustra un periodo de metamorfosis en la representación visual.
Marco teórico
Sobre el Museo Pedro Coronel
En la Plaza Santo Domingo de Zacatecas, junto al templo del mismo nombre, se encuentra un inmueble histórico que fue antaño el Real Colegio y Seminario de San Luis Gonzaga, fundado en 1616 por la Compañía de Jesús y que ahora alberga al Museo Pedro Coronel, el cual es considerado como uno de los más ricos de América Latina. Posteriormente, pasó a manos de los frailes dominicos (1785), época en la que tomó el nombre de Colegio de la Purísima Concepción.
En 1983, se acondicionó para albergar la colección de obras de arte donadas por el artista zacatecano Pedro Coronel. Esta colección incluye piezas del México prehispánico, de Egipto, Grecia, Italia, África, China, Japón, India y Oceanía.
Se pueden apreciar también obras de artistas internacionalmente reconocidos, destacándose Dalí, Picasso, Miró, Chagall, Braque, Hogarth y Vasarely. Otras obras que lo distinguen son esculturas del período colonial y una rica colección de cerca de 20 mil volúmenes del siglo XVI al XIX, contenidos en la Biblioteca Elías Amador de la misma ciudad.
Sobre Pedro Coronel Pedro Coronel Arroyo nació el 25 de marzo de 1923 en Zacatecas y posteriormente se trasladó a la Ciudad de México, donde estudió en la Escuela Nacional de Pintura y Escultura “La Esmeralda”.
En 1946, viajó a París, Francia, donde conoció a Octavio Paz y visitó los talleres del pintor Víctor Brauner y del escultor Constantin Brancusi. En 1952, inició con la presentación de sus obras en varias exposiciones, además de crear un mural en mosaico para el Sindicato Nacional de Trabajadores del Seguro, en Tacubaya. Su cuadro La Lucha obtuvo el Primer Premio en el Salón Nacional de Pintura, organizado por el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA).
Su trabajo artístico acaparó la atención en exposiciones presentadas en Francia, Canadá, Brasil, Italia, Japón, India, Estados Unidos, así como en diversos estados del país. La obra de Coronel se distinguió por la dramatización de los colores de las antiguas culturas y la recuperación de sus formas y motivos, así como su monumentalidad. El artista creó una obra visualmente rica, enriquecida por el ojo del espectador al recomponer la imagen y reconocer en cada trazo una vivencia, en una propuesta artística que se asocia y se disocia del resto de la pintura mexicana.
Su obra se inspira en los colores del arte prehispánico y primitivo y se ubica en el expresionismo, tratado con formas simplificadas. Recibió el Premio Salón de la Plástica Mexicana (1966), así como los premios Nacional de Ciencias y Artes (1984), y “José Clemente Orozco” de la I Bienal Interamericana de México (1959), además obtuvo la Mención Honorífica Especial en Escultura, en la II Bienal Interamericana de Pintura, Escultura y Grabado. En 1976, creó la escenografía y el vestuario de la obra “La Tempestad”, de William Shakespeare, dirigida por Juan Ibáñez, por la cual obtuvo el premio “Armando Valdez Peza”, de la Asociación Mexicana de Críticos de Teatro por Mejor Vestuario. Entre sus obras destaca el mural “Don Quijote cósmico”, para el Museo Iconográfico de Don Quijote, Guanajuato, así como el mural “Murmullos de Jade”, para Seguro América en la ciudad de México, y el plafón monumental en vitral para el Nuevo Palacio de Congreso del Estado de Zacatecas.
Pedro Coronel fue un entusiasta coleccionista de arte precolombino, primitivo, oriental, grecorromano y medieval, así como de arte gráfico. Donó su colección al pueblo de México en el museo que lleva su nombre.
Pedro Coronel falleció el 23 de mayo de 1985 en la Ciudad de México y sus restos descansan en el museo homónimo en Zacatecas.
Ejes temáticos
La abstracción en la colección Pedro Coronel4
Orígenes vanguardistas
El origen del abstraccionismo puede situarse a principios del siglo XX. Hay por ejemplo dibujos
abstractos de Francis Picabia fechados en 1907; no obstante, es difícil —por no decir aventurado—
afirmar que fue el primero. La desaparición de la figura humana, es decir el camino hacia la
abstracción, está ligado también a las vanguardias históricas, empezando por el surrealismo con la
pintura automática y el cadáver exquisito, que prefiguraron cierta libertad en el dibujo; el
futurismo que, al representar la velocidad y la máquina, conformaría una estructura visual hecha
de líneas y campos de color; el cubismo, tomando en cuenta como antecedente a Cézanne y el
análisis y la representación del espacio que terminó en una síntesis de planos. Todas ellas
emprenden un camino en donde la realidad se va sintetizando y los referentes se desdibujan.
Coronel adquirió y conservó obra de artistas fundamentales para entender estos movimientos.
Destacan aquí nombres como Max Ernst, Jean Cocteau —autor de obras literarias como Orfeo, que
se representó en la ciudad México en el Teatro Ulises traducida por Antonieta Rivas Mercado—,
Joan Miró —exponente del surrealismo en España— y Pablo Picasso, con una carpeta titulada
Arenas movedizas. En Picasso se comprende bien el proceso de síntesis que da nombre a la
corriente abstracta, nacida de la simplificación de las formas; una “abstracción” del natural que
avanza hasta el punto de perder por completo su relación con lo objetual. Esto se explica en
términos estéticos como parte de un deseo de experimentación a nivel técnico, pero también
como respuesta a una condición en el ánimo de los creadores, quienes en los años posteriores a la
Primera Guerra Mundial quedaron marcados por un profundo desencanto en torno a los valores
que constituían la “civilización”.
Muchos de los movimientos abstractos estuvieron ligados en principio con el surrealismo; por ello
no es raro encontrar un número importante de autores adheridos a esta vanguardia. Entre ellos
está también presente Víctor Brauner, a quien Coronel visitó en su taller de París. El nexo
surrealista de Brauner comenzó con Yves Tanguy, quien lo introdujo en el círculo de artistas, pero 4 Texto de Marisol Argüelles
más tarde se extendió por su amistad con André Breton, Benjamin Péret y Remedios Varo. El exilio
fue el destino de muchos de sus colegas y amigos, quienes acudiendo quizás inconscientemente a
la idea del “buen salvaje” habían integrado a su obra ciertos códigos y formas de representación
de las civilizaciones antiguas de los países que los acogieron. Éste es el caso de Remedios Varo, por
ejemplo, quien tuvo un estrecho vínculo con Brauner; de ahí su interés en las culturas primitivas,
en la sabiduría ancestral y la alquimia. La litografía de 1948 firmada por Brauner que forma parte
de la colección de Coronel incorpora elementos formales característicos de la pintura primitiva:
ausencia de perspectiva, economía de formas, tendencia a la abstracción. Dos surrealistas más
destacan en el acervo de Coronel: Roberto Matta y Wifredo Lam. El primero de origen chileno,
cuya obra tiene un profundo sentido de lo humano y donde aparecen a menudo el horror y la
tortura. El segundo, un pintor cubano que frecuentemente recurre a los motivos africanos y
precolombinos, evocando el espíritu de los artistas modernos que proponían “hacerse salvajes”
para evadir a una sociedad que les resultaba intolerable.
Abstracción, arte concreto y sus derivaciones
En las memorias de Kandinsky, tituladas Mirando hacia el pasado, el artista cuenta que al entrar
en su taller de Múnich a horas en que la luz bajaba, llamó su atención una pintura extraordinaria.
Sin reconocer en ella a su propia obra, describió así su asombro: “Era una pintura de inaudita
belleza, de la que emanaba un fulgor íntimo. Permanecí unos minutos extático y luego avancé a
zancadas hacia aquella misteriosa tela sobre la que sólo alcanzaba a ver formas y colores sin
motivo ni tema. De pronto se resolvió el enigma: era uno de mis últimos trabajos, pero no estaba
derecho; había quedado apoyado contra la pared sobre uno de los lados”.5 Mientras no pudo
reconocer en esa obra ninguna forma precisa, se sintió verdaderamente conmovido: había
descubierto el arte abstracto.
Para 1914 ya podía distinguirse en la obra de muchos artistas una tendencia francamente
abstracta; sin embargo, el abstraccionismo se deja ver, ya como un movimiento, en la obra de
Vasili Kandinsky (1866-1944), en una versión que muestra todavía rastros del expresionismo
alemán y del fauvismo, particularmente orientado hacia la obra de Ernst Ludwig Kirchner (1880-
1938). El uso del color adquiere una forma más libre y menos ligada a la realidad. El arte abstracto 5 Félix de Azúa, Diccionario de las Artes. Barcelona: Anagrama, 2003.
que enuncia Kandinsky tiene un principio espiritual, propuesto como un impulso creador
consustancial a la obra; es un ejercicio místico y de carácter idealista. Como fundador del grupo
Der Blaue Reiter (El jinete azul) —que aglutinó búsquedas estéticas que tenían como denominador
común lo abstracto— y como profesor de la Bauhaus, Kandinsky impulsó el carácter lírico de la
forma y el color a partir de estructuras no inscritas en el mundo real. A pesar del contenido
espiritual tanto en sus escritos como en su obra plástica, también mostró interés por un concepto
de abstracción más racional, aplicado formalmente en un proceso de síntesis de las formas. En
1937, Hitler condenó este tipo de obras, por lo que muchas fueron confiscadas y exhibidas como
“arte degenerado”.
Para entonces había nacido ya formalmente el arte abstracto y se perfilaba en dos direcciones: por
un lado, el arraigado en el romanticismo, el de Kandinsky y su texto De lo espiritual en el arte, y
por otro, el llamado “arte concreto”, un término con el que se buscaba sustituir el de “arte
abstracto”, asegurando que lo definiría mejor. La discusión residía en que el abstraccionismo puro
no enunciaba ninguna realidad, no era el extracto de ésta sino que, por el contrario, proponía una
nueva realidad concreta y objetiva en tanto que no imitaba a la naturaleza. Sin embargo, el
término había sido ya plenamente identificado y fue —y sigue siendo— utilizado para referirse a
todas las posibilidades de abstracción, ya sea que guarden o no similitud con la realidad.
En la colección de Pedro Coronel conviven distintas derivaciones de la abstracción, empezando por
la lírica de Kandinsky, aunque también hay una marcada tendencia al geometrismo y la
exploración del color —ambos elementos presentes en la obra del zacatecano— en artistas como
Serge Poliakoff (1900-1969), Alberto Magnelli (1888-1971), Eugenio Carmi (1920) y Sonia Delaunay
(1885-1979).
De 1975 está la serigrafía de Víctor Vasarely (1908-1997), considerado precursor del Op Art y
quien a finales de la década de 1970 experimentaba a partir de los estudios astronómicos sobre las
frecuencias y órbitas de los planetas. Esta obra se inserta justamente en la búsqueda de los
efectos visuales que aparentan movimiento, partiendo de la disposición de figuras geométricas
dispuestas sobre planos que se deforman a manera de órbitas espaciales.
Julio Le Parc (Argentina, 1928) y Yaacov Agam (Israel, 1928) representan a los artistas nacidos
fuera de Europa que asimilaron los caminos de la abstracción y que se insertan también en otros
movimientos derivados de ésta, como el arte cinético y el experimental.
Una última tendencia de la abstracción aparece representada en esta colección por el alemán
Josef Albers (1888-1976) con una serie de intaglios en donde reduce la línea a su mínima
expresión. Estas obras parecen encontrar su origen en la vanguardia rusa del suprematismo. En su
manifiesto, Kazimir Malévich (1879-1935) afirmaba que “lo objetivo en sí mismo no tiene
significado para el suprematismo, y las representaciones de la consciencia no tienen valor para
él”.6 Malévich abogaba por una sensibilidad pura e independiente del ambiente en que surgía la
obra. Albers retomó esta postura en 1969 al aplicar la técnica del intaglio, imprimiendo una marca
apenas perceptible sobre la superficie del papel. El resultado es una imagen sobria, hecha con
pocos recursos pero muy bien lograda en términos formales y conceptuales, sin inscribirse en
ningún movimiento pero asimilando las ideas de orden y pureza heredadas del suprematismo.
El expresionismo abstracto
A raíz de la Segunda Guerra Mundial, muchos artistas e intelectuales abandonaron Europa y se
desplazaron principalmente al continente americano. En Estados Unidos convergió entonces un
número importante de pintores de distintas nacionalidades y surgió la escuela de Nueva York, que
echa mano del existencialismo como sustento filosófico y del surrealismo como medio de
liberación de la creatividad. Esta corriente, considerada ampliamente como la última vanguardia
histórica, otorgó un nuevo sentido al cuerpo como parte fundamental en la obra, no sólo como
vehículo de ejecución sino como transmisor de un estado de ánimo: pintar era un acto emocional
e impredecible. Bautizado como expresionismo abstracto, este movimiento contó con el célebre
teórico Clement Greenberg, quien abanderó la idea de la libertad individual donde la psique era
expresada a través de la abstracción. También defendió a la pintura como el medio por excelencia
y al derecho de enunciarse como el objeto mismo del arte: “Una pintura no es la imagen de una
cosa, es la cosa en sí misma”.7
El expresionismo abstracto —propuesto como un arte apolítico, neutral y objetivo en una época
de descontento y enfrentamientos ideológicos— encontró fuertes resistencias, particularmente
por parte de quienes poseían una visión más académica y convencional de la pintura. Frances
Stonor Saunders cuenta que Harry Truman, siendo presidente de Estados Unidos, tenía el hábito 6 Mario de Micheli, Las vanguardias artísticas del siglo XX. Madrid: Alianza Forma, 1995. 7 Terry BarreTt, Criticizing Art. Understanding the Contemporary. New York: NY: McGraw-Hill, 1999.
de levantarse muy temprano e ir a dar un paseo por la National Gallery. En su diario de 1948 dejó
memoria de lo que no sólo él sino muchos opinaban sobre este nuevo movimiento, al compararlo
con la obra de Holbein y Rembrandt: “Es un placer contemplar la perfección y luego pensar en los
vagos y chiflados modernos”.8
Si bien Jackson Pollock fue uno de los más destacados representantes del expresionismo
abstracto, no fueron menos importantes autores como Robert Motherwell, precursor junto con
Mark Rothko de la abstracción postpictórica9. Tres obras de Motherwell aparecen en la colección
de Pedro Coronel; realizadas en 1973, conservan la carga emotiva dada por los campos de color
sobre superficies planas. El mexicano tuvo además la visión de adquirir piezas de artistas que
fueron importantes representantes de este movimiento en otros países, entre ellos Antoni Tàpies,
español/catalán que experimentó con materiales ajenos a la práctica convencional de la pintura,
en un intento por integrar a la naturaleza como fuerza regeneradora del arte a través de la arena,
el polvo y otros elementos.
Otro español presente en la colección es Antonio Saura, quien había asumido los preceptos del
informalismo (la versión europea del expresionismo abstracto). Se trata de una litografía titulada
Cartas a Méjico, fechada en 1977. Saura había visitado nuestro país en 1975 para exponer en la
Galería Juan Martín. El escritor y crítico de arte Juan García Ponce escribió para el catálogo de la
muestra un texto titulado “Saura el rebelde”. Es posible que Pedro Coronel y el artista español se
hayan conocido durante la estancia del último en México y que hayan mantenido contacto
durante los años posteriores, justamente cuando esta litografía fue realizada, etapa en que
Antonio Saura participó en documenta 6.
8 Frances Stonor Saunders. La CIA y la guerra fría cultural. Madrid: DEBATE, 2013. 9 La Abstracción Postpictórica aparece en Estados Unidos a principios de los años 60 como un paso más de la corriente expresionista abstracta dominante en Estados Unidos desde la década anterior. Fue Clement Greenberg (importante crítico estadounidense. Rechazó el Pop Art de los años 1960, una tendencia claramente influida por la cultura kitsch); quien utilizó ese término por primera vez en 1964 para referirse a la exposición que él mismo organizó en Los Angeles con una treintena de artistas no figurativos. Los unía su rechazo de la gestualidad y las calidades matéricas que fueron propias del primer Expresionismo Abstracto.
La experimentación plástica y el regreso a la figura
El arte abstracto revolucionó la manera de entender la obra de arte, desde su concepción —a nivel
filosófico y teórico— hasta su percepción. Abrió un camino completamente nuevo que impulsó
acalorados debates en torno al concepto de realidad, la relación entre sujeto y objeto, y el
significado y sus referentes.
Artistas como Eduardo Chillida (1924-2002) llevaron estas tendencias hasta los límites, aplicando
los conceptos fundamentales de lo abstracto tanto a la pintura como a la gráfica y la escultura. Son
muchos los ejemplos que aparecen a lo largo de todo el siglo XX en donde la síntesis de las formas
se complementa con otras formas de experimentación, como en el caso de Alexander Calder
(1898-1976), quien hizo notables innovaciones a partir de sus móviles creados bajo los principios
básicos de la geometría. Las dos obras de Calder que Coronel coleccionó son modelos de su obra a
gran escala, que parte de formas básicas que se reproducen y distribuyen de manera
aparentemente azarosa, creando un juego de tensiones y estableciendo un nuevo orden en el
espacio.
Si bien el arte abstracto encontró un lugar definitivo en la historia del arte, no fue la única
corriente asumida por una mayoría, sobre todo en la segunda mitad del siglo XX. Otras han
acompañado este proceso, algunas derivadas del mismo, pero no siempre. En su texto sobre el
modernismo y la cultura de masas, Thomas Crow deja abierta la posibilidad de que toda nueva
propuesta pueda “llegar para quedarse”, siempre y cuando ocupe lo que denomina como zonas de
libertad permitida: “desde el punto de vista oficial, estos grupos serán definidos como
delincuentes o desviados; nosotros podemos llamarlos, con un término de la sociología
contemporánea, subculturas resistentes”.10 Queda entonces la puerta abierta para la sucesión
indefinida no sólo de nuevas tendencias, sino del regreso a otras ya conocidas por resultar
susceptibles para la apropiación en contextos nuevos y con lecturas renovadas. Este fenómeno
sucede una y otra vez, en donde las vanguardias son reinterpretadas en movimientos como la
abstracción postpictórica de la década de 1960 —que despoja al color de su carga emotiva y lo
10 Thomas Crow, “Modernism and Mass Culture in the Visual Arts”, en Francis Frascina (ed.) Pollock and After: The Critical Debate. New York: Harper and Row, 1985.
contempla únicamente desde el terreno del estímulo visual— o el neodadaísmo11, también de esa
época, así como en otras corrientes que encuentran sus orígenes en el arte moderno.
Si hacemos caso a la idea de Harold Rosenberg en donde afirma que “la única tradición verdadera
del siglo XX es la de derribar la tradición”,12 no debe extrañarnos que el arte abstracto haya tenido
también su crisis y se le haya visto como el canon a derribar. Si bien es cierto que abrió un
horizonte completamente nuevo, que dio independencia a la obra de arte liberándola de sus
objetivos tradicionales, en el natural devenir del arte asomó de nuevo el interés por la figuración,
por la imagen como un absoluto sin importar los recursos formales. Una frase de Octavio Paz
explica bien este fenómeno: “Desde hace años sus negaciones son repeticiones rituales: la
rebeldía convertida en procedimiento, la crítica en retórica, la transgresión en ceremonia. La
negación ha dejado de ser creadora. No digo que vivimos el fin del arte: vivimos el fin de la idea de
arte moderno”.13
El arte abstracto fue en su momento un desafío al sistema artístico, no sólo en términos formales
por la fractura definitiva con las enseñanzas académicas y las escuelas realistas, sino por retar a un
sistema de valores puesto en entredicho al finalizar la guerra. Sus protagonistas fueron tan
radicales que asumieron el papel de apóstoles de la vanguardia pregonando el evangelio de la
abstracción, a veces como un proceso espiritual, y otras como fruto de la razón; sin embargo,
como dice Félix de Azúa: “No hay mejor prueba de que las obras de arte, lejos de ser un producto
de quienes las firman, no son sino liquidaciones de una deuda largamente impagada por todos los
humanos. Muchos han sido, después, los discípulos de Kandinsky, Malévich, Mondrian. Cientos,
miles. Incluidas algunas mujeres. Ninguno de ellos, sin embargo, estuvo ya traspasado por el rayo
de la poesía. Sólo algunos borrachos, teósofos, suicidas y dinamiteros anduvieron cerca de
conseguirlo”.14
11 Este movimiento, también conocido como neodadá, surge a principios de los 60 como reacción al arte del expresionismo abstracto, el cual había absorbido plenamente al artista en una experiencia mística respecto a su obra de arte, y la carga emotiva de ésta y su discurso teórico, resultaban tan ininteligibles que, se había creado un distanciamiento del arte como arte-vida-social. Pues la sociedad quedaba alejada de un arte absorto en la personalidad del artista y cuya profundidad y lirismo, no eran accesibles para una sociedad común. 12 José María Parreño, Un arte descontento. Murcia: Editorial CENDEAC, 2006. 13 Octavio Paz, Los hijos del limo. Del romanticismo a la vanguardia. Barcelona: Seix Barral, 1981. 14 Félix de Azúa, Diccionario de las Artes. Barcelona: Anagrama, Colección Argumentos, 2002.
Pedro Coronel a la luz de su colección
Después de recorrer el pensamiento artístico moderno bajo los preceptos del arte abstracto y
desde los propios ojos del autor de una colección tan particular, es inevitable preguntarse: ¿qué
privilegia Pedro Coronel en la selección de lo que colecciona? ¿Una experiencia estética?, ¿una
historia determinada? Quizás la manera más apropiada de aproximarse a este acervo es
asumiendo que conviven en él dos criterios opuestos: el de la unificación, bajo el espíritu moderno
que privilegia la forma por encima del contenido, y el de la fragmentación, al entender al objeto
artístico bajo múltiples criterios de aproximación sin recurrir a ninguna herramienta conceptual
que permita aplicar un solo juicio de valor.
Es imposible no ver en la obra de Pedro Coronel el reflejo de su colección. Acaso para ello sea útil
no inscribir su trabajo en una corriente determinada ni pretender asociarlo a grupos o gremios.
Basta recordar su negativa a participar en la exposición Confrontación 66, organizada por el
Instituto Nacional de Bellas Artes para “enfrentar” a dos facciones opuestas: los defensores de la
Escuela Mexicana de Pintura y la ahora llamada generación de la ruptura.
Sobre Pedro Coronel escribieron autores esenciales para la crítica y la historia del arte en México,
como Justino Fernández, en quien Inés Amor —fundadora de la Galería de Arte Mexicano que
representaría a Coronel— identifica un ojo agudo para reconocer a un sólido artista: “lo percibió
antes que yo; a él le debo la oportunidad que he tenido de mostrar a infinidad de personas la obra
de Pedro Coronel, y a la vez también a él le debo el soponcio constante que me causa mi adorado
‘oso’ Coronel”.15
Pero son dos críticos fundamentales quienes describen mejor el trabajo de este artista. El primero,
Luis Cardoza y Aragón, quien afirma que “su pintura no se deja encerrar en fronteras, aunque sean
muy mexicanas sus obsesiones”.16 Se revela así el carácter nacional y universal de Pedro Coronel,
tanto en su colección como en su obra.
Termino con la cita de Octavio Paz que describe de manera excepcional la naturaleza de la obra de
Pedro Coronel, misma que subyace en su extraordinaria colección:
15 Jorge A. Manrique; Teresa del Conde, Una mujer en el arte mexicano. Memorias de Inés Amor. México: UNAM, 1987. 16 Luis Cardoza y Aragón, Pintura contemporánea. México: Era, 1974.
“Pintura solicitada por muchas tentaciones, sensibilidad —o mejor: sensualidad en la acepción
más libre del término— que no se rehúsa a las experiencias más contradictorias; asimismo, pintura
que poderosamente tiende a una síntesis de todo lo aprendido y todo lo soñado; sensibilidad que
no teme ser habitada por presencias ajenas porque sabe que toda influencia, si lo es de verdad y la
sufre alguien digno de ella, no es nunca un obstáculo sino un punto de partida”.17
17 Octavio Paz, Los privilegios de la vista. México: Fondo de Cultura Económica, Colección Letras Mexicanas, 1989.
Anexos
Información de los artistas presentes en la exposición
Adja Yunkers
Nació bajo el nombre de Adolfo Junkers el 15 de julio de 1900 en Riga, Russia. Su interés en el arte se manifestó desde la infancia cuando comenzó a dibujar usando como referencia su imaginación y las ilustraciones de la colección de libros de sus padres. A los 14 años dejó su hogar para estudiar arte en Petrograd (actualmente San Petersburgo), pero de 1917 a 1919 tuvo que suspender sus estudios para cumplir con el servicio militar dentro del ejército ruso. Poco después dejo Rusia para continuar con su carrera artística en Europa, donde estuvo viajando por casi dos décadas; tuvo extensos periodos de sedentarismo en Alemania, Francia y Cuba. Durante su carrera se mantuvo activo en diversos movimientos políticos y artísticos, lo que a la larga dio pauta para desarrollar su gran interés en el grabado. En 1934 emigró a Suecia donde fue bien recibido gracias a su reputación como artista político y de grabado; permaneció allí por 16 años enfocado casi en su totalidad en la producción de obras bajo esta disciplina y exponiendo en diversas galerías por todo el país. En 1947 se mudó a E.U. donde empezó a dar clases en la Nueva Escuela para la Investigación Social (New School for Social Research) en Nueva York. Poco a poco la notoriedad de su trabajo comenzó a incrementarse por todo el país, sus piezas fueron adquiridas por diversos Museos y colecciones privadas, y en 1953 se le otorgo la ciudadanía americana. Por un buen tiempo continúo exponiendo y colaborando como maestro y conferencista en diversas universidades. Murió el 24 de diciembre de 1983 en la ciudad de Nueva York. Yunkers fue un creativo incansable, absorto en experimentar las técnicas y estilos del grabado; aprendió litografía, así como dibujo al pastel y pintura. Su obra en los primeros años contaba con una fuerte influencia del expresionismo alemán, pero conforme fue evolucionado su arte pasó a ser abstracto con una fuerte semejanza a las pinturas Color Field por el énfasis en la materialidad del color y haciendo un uso extensivo del espacio negativo, el collage y lo monocromático.
Alberto Magnelli
Nació el 1 de julio de 1881 en Florencia, Italia. No recibió ningún tipo de educación formal en arte, fue totalmente autodidacta; su mayor influencia al crecer fueron algunos artistas renacentistas como Andrea del Castagno, Paolo Ucello y Piero della Francesca. Siempre estuvo muy interesado en los frescos y esto influenció notablemente sus primeras obras donde hizo uso de una composición experimental en collage, pintura y dibujo. En 1911 fue invitado por el fundador del futurismo, Filippo Tommaso Marinetti, a formar parte de su movimiento social y artístico, pero lo rechazó. Opto mejor por seguir el camino de lo abstracto tomando prestados algunos elementos del movimiento futurista. Sus primeros trabajos abstractos vieron la luz cerca del invierno de 1914-15; fueron una serie de “trabajos inventados” caracterizados por grandes áreas de color y patrones elípticos. Un año después tuvo que abandonar momentáneamente sus actividades artísticas para cumplir con su entrenamiento militar. Una vez liberado del servicio comenzó a experimentar con la figuración geométrica en una nueva serie de obras que celebraban el fin de la guerra a través de la creativa integración del color al estilo del fauvismo, el dinamismo del movimiento futurista y elementos propios del cubismo. Durante mucho tiempo viajó continuamente entre Alemania, Suiza, Francia y Austria; hasta que en 1930 decidió establecerse finalmente en Francia. Durante varios años continuó produciendo y experimentando con diversas técnicas; en 1936 creó collages geométricos totalmente texturizados usando materiales como: carbón corrugado, lijas, hojas de partituras, cable, etc. Participó activamente en el Grupo de Abstracción- Creación con Vasily Kandinsky y Piet Mondrian. Ya en sus últimos años de producción decidió enfocarse en la creación de obras de carácter geométrico más refinado como Luz difusa (Lumière diffuse ,1950). Murió el 20 de abril de 1971 en Meudon, Francia.
Alexander Calder
Nació en 1898, fue el segundo hijo de una familia de artistas: su padre era escultor, su madre pintora. En la Navidad de 1909 le dio a sus padres uno de sus primeros trabajos: un perro y un pato obtenidos por corte y conformación de una placa de bronce; el pato era una escultura cinética, con un grifo se balancea hacia atrás y adelante. A los once años ya poseía una facilidad en el manejo de materiales muy evidente. Desde 1915 a 1919 asiste a los cursos de ingeniería mecánica en el Stevens Institute of Technology de Hoboken, en New Jersey y estos estudios le servirán para reforzar su interés por las matemáticas y las ciencias exactas. La decisión de convertirse en un artista siguió poco después, y en 1923, Calder se trasladó a Nueva York para inscribirse en la Art Students League, una escuela de arte situada en una forma no convencional. Aunque antes hubo otros artistas interesados en la escultura cinética, sólo Calder mostró intensidad y sobre todo, sistematización en sus obras, y por eso se ubica como el más representativo de esta tendencia. Murió en Nueva York en 1976.
Antoni Clavé
Nació en Barcelona el 5 de abril de 1913. A partir de 1926 asistió a clases nocturnas en la Escuela de Artes y Oficios Llotja, fue instruido por Félix Mestres , Josep Mongrell y Ángel Ferrant. Mongrell encontró a Clavé un lugar como aprendiz de pintor en 1927 debido a que estaba fascinado por la práctica en el lado de la pintura y sobre todo por los materiales utilizados para este tipo de trabajo, deseaba aprender a preparar pinturas. En 1932 dejó de asistir a las clases y, por recomendación de Illescas , un arquitecto, fue empleado en la firma de Cinaes, donde diseñó los carteles de cine semanales. Clavé se estableció en París en 1939, dibujando cómics y trabajando como ilustrador. Durante la década de 1940 su pintura mostró la influencia estilística de Bonnard, Vuillard, Rouault y especialmente Picasso, a quien conoció en 1944. En 1952 fue candidato al Premio Oscar por su trabajo en los decorados y en el vestuario de la película "El Fabuloso Andersen". En los años 60 sus obras se ven influenciadas por los clásicos y los artistas barrocos. Realiza un homenaje al Greco recurriendo a la temática del caballero de la mano en el pecho. En estos años su obra se vuelve definitivamente abstracta. Luego en los años 70 introduce en sus obras técnicas como el collage o, su invención, el papierfroissé, que consiste en emplear un aerosol sobre papel arrugado. En 1978 tiene lugar su primera retrospectiva en el Centro Georges Pompidou. Murió en Saint Tropez, el 30 de agosto de 2005 .
Antoni Tápies
Nació el 13 de diciembre de 1923 en Barcelona. Su adolescencia fue interrumpida por la Guerra Civil española y una grave enfermedad que duró dos años. Comenzó a estudiar Derecho en Barcelona en 1944, pero dos años más tarde se dedicó exclusivamente al arte. Él fue esencialmente autodidacta como pintor; las pocas clases de arte a las que asistió dejaron poca impresión en él. Sus primeras obras fueron influenciadas por el arte de Max Ernst, Paul Klee y Joan Miro, y por la filosofía oriental. Pronto desarrolló un estilo personal reconocible relacionada con matiérisme, o informalismo, movimiento que se centró en los materiales de la creación artística. El enfoque dio lugar a la riqueza de textura, su objetivo más importante estaba en explorar las cualidades transformadoras de la materia. Tàpies adoptó libremente trozos de detritus, tierra y piedras medios que evocan la solidez y la masa en sus obras de gran escala. Murió el 6 de febrero de 2012 en Barcelona.
Antonio Saura
Nació el 22 de septiembre de 1930 en Huesca, España. Cuando era joven su padre lo llevó a Madrid para visitar el Museo del Prado, donde vieron las pinturas de Francisco de Goya y Diego Velázquez. Después contrajo tuberculosis a los trece años y fue confinado a su cama durante cinco años. En 1947, en su camino hacia la recuperación y sin entrenamiento formal, empezó a producir arte. Inicialmente experimentó con diversos medios, incluyendo pintura, litografía, grabado, la prosa y la poesía. En 1954, su obra de este período utiliza formas biomórficas y se inspira en pinturas de Joan Miró. Estableciéndose en Madrid en 1957, comenzó a pintar en un estilo más grave con la materia confinada a los motivos repetitivos, como el
cuerpo de la mujer y el retrato. La agitación política continua de la década de 1960 lo dejó con una relación conflictiva con su arte. En 1965 y nuevamente en 1967, destruyó cientos de sus pinturas. En 1968 abandonó la pintura al óleo por completo durante diez años y trabajó en otros medios. Más adelante en su carrera diseñó escenografías para los ballets y representaciones. Saura murió el 22 de julio de 1998 en Cuenca, España.
Claude Weisbuch
Nació en Thionville, Francia en 1927 y era un alumno de l'Ecole des Beaux-Arts. Fue un pintor, grabador, litógrafo excepcional. Por un tiempo se dedico a pintar motivos activos, tales como músicos, caballos y personajes. Después de haber sido un alumno de la Escuela de Bellas Artes de Nancy, es nombrado profesor en la Escuela de Bellas Artes de Saint Etienne. Desde 1951, su investigación gráfica en la pintura, así como en el grabado llamó la atención de los críticos de París que, en 1961, le otorgaron su premio anual. Dominando en su trabajo por el relieve y la línea aterciopelada, que caracteriza a la punta seca, sus grabados son las representaciones más fuertes de sus figuras, intensamente vivos después de 1960. En 1968, se convierte en miembro titular de los pintores franceses grabadores. Con el uso de tonos oscuros que expresan su sentido agudo, Weisbuch captura sin cesar la dinámica de la vida, como las expresiones pictóricas, musicales y literarias. Sus imágenes llenas de movimiento, dan a uno la impresión de movimiento de tiempo transcurrido, y muestran una expresión de la humanidad pasión teñida de una energía única. Murió el 13 de abril de 2014 en París.
Conrad Marca-Relli
Nació el 5 de junio de 1913 en Boston, Massachusetts. Cuando tenía 13 años su familia se instaló en Nueva York y comenzó su entrenamiento formal, este incluyó un breve período en la Cooper Union en 1930. Trabajó para la administración del progreso de trabajos (WPA) de 1935 a 1938, inicialmente como un maestro en la Escuela de Arte Leonardo da Vinci, y más tarde en las divisiones de caballete y mural del proyecto Federal de Arte. Tenía una fuerte afinidad a su herencia italiana. Sus influencias en el dibujo son Alberto Burri, Giorgio de Chirico, Giorgio Morandi, Paolo Uccello y otros, así como de la arquitectura del Renacimiento italiano. Se convirtió en activo en la escena del arte de Greenwich Village donde ayudó a fundar el Club, un grupo de artistas de vanguardia que se reunían para discutir y debatir el arte. Después de 1961 comenzó a experimentar con otros materiales en sus collages, como los plásticos sintéticos y metales. Murió el 29 de agosto del año 2000 en Parma, Italia.
Eduardo Chillida
Nació el 10 de enero de 1924 en San Sebastián, España. Comenzó su carrera en 1943 con estudios de arquitectura en la Universidad de Madrid; en 1947 se dedicó al dibujo y la escultura y para 1948 se había trasladado a París. A pesar de que abandonó sus estudios, su obra delata su formación arquitectónica, mostrando un sentido subyacente de organización estructural, así como la disciplina en los materiales, la planificación de las relaciones espaciales, y la escala de los elementos. Los primeros intentos de Chillida en piedra y yeso oscilaron entre el mundo natural utilizando figuras e imágenes de paisaje humano. Pronto abandonó el yeso que había utilizado en sus obras en París por hierro, madera y acero. Estos materiales representaban para el las tradiciones vascas en la industria, la arquitectura y la agricultura, así como un recuerdo del paisaje y "luz negra" de la región. Constantemente impulsada por la calidad del espacio, la densidad, y el ritmo, sus obras consideran formas en que la masa y el volumen contienen espacio. Murió en San Sebastián el 19 de agosto de 2002.
Eugenio Carmi
Nació en Génova, Italia el 17 de febrero 1920. Empezó a pintar a la edad de quince año. A partir de 1938 vivió en Suiza, primero en Zug, donde completó su educación secundaria en un internado italiano. Después se mudó a Zurich, donde permaneció hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, ahí se graduó en química
en el Instituto Federal Suizo de Tecnología (ETH o ETH). En esa misma ciudad entró en contacto con su estimulante entorno cultural y artístico, y fue aquí que comenzó a apreciar el trabajo de los máximos exponentes del arte abstracto del siglo XX. Cuando regresó a Italia, después del final de la guerra, reanudó sus estudios artísticos en 1946 en Génova, bajo la dirección del escultor Guido Galletti. En 1956, se trasladó con su primera hija, Francesca, a Boccadasse, un antiguo pueblo de pescadores situado en el borde de Génova. Aquí estableció su primer estudio de pintura, mientras que, al mismo tiempo, trabajó como diseñador gráfico. En 1954 se convirtió en un miembro de la Alianza Gráfica Internacional. A partir de 1960 ejecutó obras en hierro y acero soldada. En 1963 fundó la Galleria del Deposito, que tenía la intención de ofrecer el arte accesible a un público más amplio. Fue a principios de la década de 1970 que desarrolló el estilo geométrico. Su arte evolucionó gradualmente pero de forma continua con rigor y coherencia. También a través de la abstracción geométrica, sus formas arquetípicas llegaron cada vez más cerca de una relación con la espiritualidad, gracias a su uso de materiales más sensuales y naturales. Se describe a sí mismo como un " creador de imágenes '.
Fernand Léger
Joseph Fernand Léger Henri nació el 4 de febrero de 1881 en Argentan, Francia. Léger se instaló en París en 1900 y empezó como un dibujante de arquitectura. Se le negó la entrada a la Escuela de Bellas Artes, sin embargo asistió a las clases que comenzaron en 1903. De igual forma estudió en la Académie Julian. Sus obras conocidas, que datan de 1905, fueron influenciadas principalmente por el impresionismo. La experiencia de ver la retrospectiva de Paul Cézanne en el Salón de Otoño de 1907 y su contacto con el primer cubismo de Pablo Picasso y Georges Braque tuvo un impacto muy significativo en el desarrollo de su estilo personal. De 1911 a 1914 la obra de Léger hizo cada vez más abstracto, y comenzó a limitar su color a los primarios y blanco y negro. Vivió en Estados Unidos desde 1940 hasta 1945, pero volvió a Francia después de la guerra. En la década anterior a su muerte, sus proyectos de amplio alcance incluyeron ilustraciones de libros, pinturas de figuras monumentales y murales, vidrieras, mosaicos, esculturas de cerámica policromada y diseños de vestuario. En 1955 ganó el Gran Premio en la Bienal de Sao Paulo. Murió el 17 de agosto de ese año en su casa de Gif-sur-Yvette, Francia. El Museo Fernand Léger fue inaugurado en 1960 en Biot, Francia.
George Rouault
Nació el 27 de Mayo de 1871 en Paris, Francia. Desde temprana edad mantuvo contacto con el mundo de la artesanía y desarrollo creativo gracias al trabajo desempeñado por su padre al ser un modesto ebanista empleado en una fábrica de pianos, además de disfrutar en la figura de su abuelo materno del perfecto guía para el conocimiento de la pintura moderna. Formado a partir de 1885, en calidad de aprendiz junto a un maestro vidriero local y expresamente en cursos de Artes Decorativas; no será hasta cinco años después, cuando dedique su tiempo a la pintura de forma completa y profesional. De esta manera, ya matriculado en la Escuela de Bellas Artes de París y de la mano del pintor Gustave Moreau. Una relación entre pintores, que dejó constancia de su mutua admiración y tuvo como consecuencia: la influencia en el estilo de su obra inicial y la asunción del cargo (vitalicio) de conservador del Museo Gustave Moreau desde 1898 (Año de fallecimiento de su mentor). Situado al margen de rigideces y estéticas encuadradas en una corriente artística concreta, dentro del bullicio que supuso el comienzo del siglo XX. Podría decirse que es un expresionista inclasificable y, forzosamente reconocible. Realizó su primera exposición a título personal en 1910, mostrando trabajos definidos por la aparición de anchos bordes en la composición de sus figuras, hecho que denota y lo pone en total relación con la etapa que ejerció como vidriero y el uso habitual del plomo en el tapado de las juntas. Centrado en la temática social, urbana y en muchos caso marginal; sus obras destilan un cierto pesimismo y tragedia, relacionadas con contextos desolados en los que intenta acentuar la angustia y desamparo de sus contemporáneos. Suya es por tanto una pintura oscura, sombría y lejana a la luminosidad o los colores vivos, en la que se reflejan payasos, prostitutas, jueces, entre otros personajes recubiertos en cualquier caso de una sibilina crítica al vicio, la depravación o la atrocidad humana.
Destacada en su prolífica trayectoria y de importancia similar a sus trabajos mundanos, son las piezas relacionadas con la temática religiosa; inclinada al análisis moral y sujetas a la reflexión sobre la culpa y su salvación, con el tema de Pasión de Cristo como escena principal. Asimismo, esta etapa de espiritualidad artística que dio comienzo desde 1918, aumentó dentro de su producción, volviéndose desde la década de los cuarenta en su única dedicación. Murió el 13 de Febrero de 1958.
George Segal
Nació en 1924 en Nueva York, EUA. Hijo de padres judíos emigrantes de Europa oriental que se establecieron en el Bronx, donde tenían una carnicería. Posteriormente explotaron una granja avícola en Nueva Jersey, donde George trabajaba. Estudió en la Stuyvesant High School, el Pratt Instituto de Diseño, Escuela de Arte Cooper Unión y en la Universidad de Nueva York, donde se gradúa en 1949 de Licenciado en Educación Artística. En 1963 obtiene el Master en Bellas Artes en la Universidad de Rutgers (NJ). En la época de estudiante se reunía con jóvenes artistas que reaccionaban contra la abstracción, que estaba en auge, en procura de un arte realista. En la granja de New Jersey organizaba reuniones con sus amigos de la Universidad e introdujo al compositor John Cage que aspiraba a revolucionar la música contemporánea con un lenguaje caótico de ruidos y silencios. Esas reuniones de arte eran verdaderos “Happening”.
George Segal es considerado por algunos críticos como uno de los iniciadores más importantes del Pop Art. En sus obras plasmó figuras de personas en tamaño natural. Dentro de su proceso creativo innovó en la utilización de vendas y gasa de uso ortopédico a las que impregnaba de yeso para realizar esculturas. El procedimiento era envolver con los vendajes, por secciones, al modelo; luego remover las formas endurecidas y ponerle más yeso con lo que formaba cáscaras huecas. Uniendo todas las secciones armaba la escultura vacía, como si fuera una armadura, manteniendo la textura y el color blanco de la gasa enyesada. Posteriormente comenzó a pintarlas con colores brillantes. En obras grandes ubicaba las esculturas en ambientes urbanos cotidianos como esquinas de calles, plazas, lugares de comidas u ómnibus. Colocaba así su obra en situaciones en que las figuras eran el reflejo de la soledad del hombre moderno, en su alienación, muy en concordancia con la filosofía existencialista. Su obra plasmó personajes cotidianos, a menudo situados en ambientes realistas, en una denuncia de la condición del hombre moderno. En los años noventa mostró su obra en la galería Sidney Janis de Nueva York (1997 y 1998) y fue objeto de una exposición retrospectiva en el Museo Judío de Nueva York (1998). Murió en el 2000 New Jersey, EUA.
Georges Braque
Nació el 13 de Mayo de 1882 en Argenteuil, Francia. Fue discípulo de Charles Lhullier en la Escuela de Bellas Artes del Havre. En 1905, por influencia del pintor Othon Friesz, se convirtió al fauvismo, utilizando colores fuertes y brillantes; corriente que abandonó después de conocer a Pablo Picasso y se integró dentro del cubismo, que desde 1910 practicó sin interrupciones. Sin embargo, ya desde 1908, su atención se había desplazado a las obras de Paul Cézanne, debido al trato peculiar de las formas con distorsiones y perspectivas poco comunes. Desde 1910 a 1912, junto con Picasso, elaboran figuras complejas dibujadas con colores neutros, siendo partícipes del denominado cubismo analítico, predominando en las composiciones de Braque, las naturalezas muertas frente al trabajo con cuerpos humanos de su compañero. Los dos artistas comenzaron a experimentar con el collage, introduciendo a sus procesos creativos, producción y composiciones materiales como los papeles, telas, maderas o arenas, e incluso imitaciones de mármol. La prolífica unión entre estos creadores se extendió hasta la 1914, año en el que Braqué se alistó en las fuerzas francesas, para luchar en la Primera Guerra Mundial. Herido de gravedad en la cabeza durante la contienda, en 1917 reanudó su carrera artística en solitario, desarrollando un estilo más personal, con colores vivos y delicados (rosas, verdes o amarillos), junto con un trato único de las texturas. Autor también de esculturas, litografías y grabados; su repercusión sobre el movimiento artístico contemporáneo ha sido considerable, padre del cubismo junto con Juan Gris y Picasso; su obra está presente en los principales museos de arte moderno a nivel internacional. Murió el 31 de Agosto de 1963 en París, Francia.
Hans Bellmer
Nació el 13 de Marzo de 1902 en Katowice, Polonia. Su padre fue un ingeniero electricista adherido al Partido Nacional-Socialista desde 1933. En 1920 Bellmer fue enviado por su padre a estudiar ingeniería en la Technische Hochschule de Berlín, teniendo la oportunidad de iniciar su interés y pasión por temas relacionados con la política y la lectura de obras publicadas por Freud, Baudelaire, Marx y Lenin, siendo fuertemente influenciado por lo que estaría produciendo Otto Dix, Paul Klee y el movimiento Dada. Fue especialmente George Grosz, quien le enseñó dibujo y perspectiva en 1924 y quien le dio consejos para ser un crítico feroz de la sociedad, lo que lo llevó a abandonar sus estudios de ingeniería en ese año. Habiendo demostrado talento artístico a temprana edad, comenzó a diseñar anuncios como artista comercial e ilustró varias novelas dadaístas, como Das Eisenbahnglück oder der Antifreud (1925) de Mynona, en un estilo influenciado por Grosz. En 1933 comenzó su nueva carrera como artista mediante la construcción de La Muñeca, pieza clave en su proceso y producción artística ya que comienza a colocarla en bosques y jardines para realizas series fotográficas en las que los maniquíes adoptaban poses en situaciones eróticas, dramáticas y sadomasoquista, imponiéndoles toda clase de metamorfosis. La muñeca de Bellmer fue bien recibida por los surrealistas gracias a que éstos sentían una fascinación por los objetos inanimados; además el cuerpo femenino que exploraba era el adolescente, lo cual se relacionaba con la idealización surrealista de la mujer niña, que fungía como una suerte de musa. Para poder entender cómo el trabajo de Bellmer funciona, se deben descifrar e interpretar las reacciones de indignación moral ante la exposición a partes mutiladas; utilizando un formato narrativo, las imágenes que transmitió eran de muerte y decadencia, de abuso y añoranza. Muere el 23 de febrero de 1975 en París, Francia.
Henry Moore
Nació el 30 de julio de 1898 en Castleford, Yorkshire, Inglaterra. Cursó estudios en la Leeds School of Art y en el Royal College of Art de Londres. Sus primeros trabajos, realizados en la década de 1920, exponen sus influencias del arte precolombino y de Constantin Brancusi. En los años 30 la obra de los artistas abstractos ejercieron también una fuerte influencia tanto en los dibujos como en sus esculturas; su producción artística durante este periodo se podría muy próxima a la abstracción, son, algunas de ellas, piezas redondeadas talladas en madera con numerosos cortes y huecos, a menudo cubiertos por velos de fino alambre metálico. No obstante, la principal y más permanente influencia la recibió Moore del mundo de la naturaleza, pasando por temas predilectos como son madres con hijos, grupos familiares, guerreros caídos y, sobre todo, la figura humana reclinada, que continuó representando a lo largo de toda su carrera, trabajando en madera, piedra y posteriormente bronce y mármol. Además, y muy diferentes de los bocetos preparatorios para sus esculturas, Moore realizó una serie de dibujos sobre londinenses refugiándose en las estaciones del metro durante los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial. Estos dibujos, conocidos como Dibujos de refugios, expresan con gran agudeza el impacto de la guerra sobre los ciudadanos indefensos. En las décadas que siguieron a la Segunda Guerra Mundial, alcanzó fama mundial por los bronces monumentales expuestos en espacios exteriores. Entre los encargos públicos más importantes se encuentran: Viento norte (1928), para la sede de las oficinas del Metro de Londres en Saint James; Virgen con el Niño(1949), para la iglesia de Claydon, en Suffolk; Figura reclinada (1951), para el festival de Bretaña, y otra Figura reclinada (1958) en la sede de la UNESCO en París. Falleció el 31 de agosto de 1986 en Much Hadham, Hertfordshire, Inglaterra.
Jean Cocteau
Nacé como Jean Maurice Eugène Clément Cocteau el 5 de Julio de 1889 en Maisons-Laffitte, Francia. Novelista, dramaturgo, poeta, ensayista y cineasta francés, una de las figuras descollantes de la vanguardia en las primeras décadas del siglo XX. También ensayó el dibujo y algunos de sus libros están ilustrados por él. En su copiosa producción hallamos huellas de todos los movimientos de vanguardia, sin que nunca se adheriese plenamente a ninguno de ellos. Nacido en una familia de la gran burguesía, perdió a su padre a los diez años y vivió con su madre y hermanos en casa de su abuelo, quien le hizo descubrir las obras de Beethoven, Berlioz y Wagner. Comenzó a escribir en 1908 y fue consagrado como adolescente prodigio publicando durante esta época La Lampe d´Aladin (1909), Príncipe frívolo (1910) y La Danse de
Sophocle (1912). Diaghilev y Stravinski le señalaron que su camino era equivocado y decidió alejarse del éxito fácil de París retirándose al campo, donde compuso Potomak (1919), una toma de conciencia de las fuentes profundas y secretas de la poesía, expresada a través de una colección de textos y dibujos. En 1916 conoció a Picasso y frecuentó a pintores y escritores de vanguardia: G. Apollinaire, M. Jacob, P. Reverdy, B. Cendrars, Amedeo Modigliani. En 1917, los Ballets Rusos ofrecieron la primera representación de Parade, ballet realizado por Cocteau, Satie y Picasso que provocó escándalo. En 1919 conoció a R. Radiguet, encuentro que lo llevó a escribir Le secret professionnel (1922), tratado de arte poética y de estilo de una gran profundidad. A partir de 1921, comenzó un período muy fecundo en poesía y novela con obras como son Los novios de la torre Eiffel (1923), Antígona y Edipo Rey (1928) en teatro; Plain-Chant (1923), Thomas el impostor (1923) y Le Grand Écart (1923. La muerte de Radiguet lo sumió en la depresión y le hizo refugiarse en el opio y el catolicismo. En 1924, reunió y publicó Poesías (1916-1923), y al año siguiente escribió Orfeo y algunos poemas de Opéra. Muere el 11 de octubre de 1963 en Milly-la-Forêt, Francia.
Joan Miró
Nació en Barcelona el 20 de Abril de 1893. Siguiendo los deseos de su padre estudió en la Escuela de Comercio de Barcelona y asistió a las clases de la Escuela de Bellas Artes. Ejerció como contable en la droguería Dalmau y Oliveres, pero no consiguió adaptarse al trabajo y esto le provocó una crisis nerviosa. Se trasladó a descansar a la casa de campo que poseía su familia en Mont-roig, un pueblecito de Tarragona, y aquí es cuando decidió dedicarse completamente a la pintura. De regreso a Barcelona se matricula en la Academia Gali, que proponía como método de enseñanza tocar las cosas, los objetos y las personas para después pintarlas y dibujarlas. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf. Sus primeras obras, entre 1915 y 1918, estabán influidas por Cézanne, Van Gogh, el brillante colorido fauvista y las formas fragmentadas del Cubiso. En ellas, muestra ya su gusto por las figuras y personajes relacionados con el mundo rural de sus veranos en Mont-roig. En 1941 regresa a España donde continúa depurando su lenguaje y probando nuevos soportes y materiales. Desde 1956 hasta su muerte, en 1983, vivió retirado en Palma de Mallorca. Experimentó otros medios artísticos como: grabados, litografías, acuarelas, pasteles, collages, escultura y escenografías teatrales. Realizó también los grandes murales cerámicos La pared de la luna y La pared del sol para el edificio de la UNESCO y el mural del Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid. Estuvo autoexiliado en Normandía durante la guerra civil. En 1975 crea la Fundación Joan Miró cuya sede de Barcelona, realizada por Josep Luis Sert, es el edificio más emblemático del racionalismo catalán.
Josef Albers
Nació 19 de marzo de 1888 en Bottrop, Alemania. Estudió para ser maestro de primaria de 1905 a 1908, profesión que practicó 8 años. Sus primeras producciones fueron litografías, y grabados sobre madera, influidos por el Cubismo y por el Expresionismo. Cultivó durante toda su carrera artística un estilo geométrico que se convirtió en el soporte ideal para investigar acerca del espacio y el color. Realizó pinturas, esculturas, diseñó vidrieras, muebles y arquitectura y desarrolló una importante labor como profesor, tanto en la Bauhaus de su Alemania natal como en el Black Mountain College y la Yale University norteamericanos. Tras trabajar como maestro en una escuela de su ciudad, estudió en la Königliche Kunstschule de Berlín. Por un tiempo trabajó como grabador en la Kunstgewerbeschule de Essen y se trasladó a Múnich. Asistió a clases en la Königliche Bayerische Akademie der Bildenden Künste. En 1920 entró a formar parte de la Bauhaus de Weimar, primero como estudiante y posteriormente como profesor. Albers se decantó por el estudio de la abstracción y lo aplicó a muy diferentes ramas del diseño. En 1950, asumió el cargo de director del departamento de Diseño de la Yale University. Cuando abandona la docencia en 1960 ya se había convertido en uno de los profesores de arte más influyentes para la siguiente generación de artistas norteamericanos. Entre sus alumnos se encontraronEva Hesse y Robert Rauschenberg. Al final de su vida dedicó parte de sus esfuerzos a realizar grandes composiciones escultóricas que se integraban en espacios arquitectónicos y que, en su mayoría, se inspiraban en su serie Constelaciones estructurales. Murió 25 de marzo de 1976 en New Haven, Connecticut, E.U.
Julio Le Parc
Nace en Mendoza, Argentina el 23 de septiembre de 1928. Estudió en Buenos Aires y en 1958 se instaló en París, donde se interesó por las investigaciones cinéticas y donde fundó en 1960, en colaboración con otros artistas, el GRAV, grupo dedicado a la investigación del arte visual. Su obra, compuesta sobre todo por relieves que integran la luz y el movimiento, recurre a líquidos fosforescentes, a hilos de nylon y a bandas metálicas movidas de forma mecánica. A partir de 1969, tras volver a la pintura sobre tela, ha trabajado en una gama de catorce colores estrictamente definidos. Las obras cinéticas de Julio Le Parc son piezas realizadas con materiales industriales que incluyen el factor sorpresa, el movimiento y la transformación producida, en muchos casos, a partir de la manipulación por parte del espectador. Tuvo siempre una actitud crítica frente a la concepción de la obra de arte estable y definitiva. Esta perspectiva lo condujo a experimentar con la luz y el movimiento; ya sea ilusorio, como el creado por efectos ópticos, o real, como el generado por motores. Sus experiencias ópticas comenzaron con pinturas que presentaban secuencias progresivas de formas, posiciones y colores, generando inestabilidad visual.
Marc Chagall
Nació el 7 de julio de 1887 en la ciudad rusa de Vitebsk (hoy Bielorrusia). Cursó estudios de arte en la escuela de Leon Bakst en San Petesburgo. Llega a París en el verano de 1910 y queda profundamente impresionado por las galerías y salones que visita, en especial el Louvre. En los años siguientes expone en el Salón de Otoño y en el de los Independientes. En 1913 conoce a al marchante berlinés Walden; participa en el primer Salón de Otoño en Berlín, y al año siguiente, realiza su primera exposición individual en la galería berlinesa "Der Sturm". Su asimilación de las dos vanguardias señeras, fauvismo y cubismo, es patente en los cuadros que realizó en sus primeros años parisienses. Composiciones como El poeta y Homenaje a Apollinaire son plenamente cubistas, mientras otras, como El padre siguen a rajatabla las consignas fauvistas. Ejerció como director de la Academia de Arte de Vitebsk de 1918 a 1919 y como director del Teatro Judío Estatal de Moscú de 1919 a 1922. Sus obras representan escenas de la vida de la comunidad judía como en Yo y la aldea (1911, Museo de Arte Moderno de Nueva York) o La casa gris (1917, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), y episodios de su propia vida como la serie Mi vida (1922). Falleció el 28 de marzo de 1985 en Saint Paul de Vence, en el sur de Francia.
Marino Marini
Escultor y artista gráfico italiano que destacó por sus representaciones de caballos y jinetes. Nació en Pistoia, Toscana el 27 de febrero de 1901. Realizó su formación artística en la Academia de Bellas Artes de Florencia. Más tarde estudió escultura en París. Entre 1929 y 1940 se dedicó a la enseñanza en la Escuela de Arte de Villa Reale, Monza. En 1930, establecido de pleno en el mundo de la escultura, Marini realizaba figuras humanas de gran envergadura, generalmente mujeres o acróbatas en bronce; pero, a partir de 1935, descubrió los temas que dominarían sus trabajos de madurez: el caballo y el jinete y la escultura arcaica, particularmente la egipcia y etrusca. En su obra influyeron la antigua escultura italiana (etrusca) y griega. En 1936 empezó a crear una serie de esculturas de jinetes inspiradas en las figuras de las antiguas tumbas chinas. En esas obras, como la de Jinete (1952, Walker Art Center, Minneapolis), mezcló un rudo arcaísmo en las formas con una expresividad trágica y poética. Sus materiales preferidos fueron el bronce, la madera y el yeso. Marini también esculpió retratos de gran penetración psicológica, como el de Ígor Stravinski (1950, Museo de Bellas Artes de San Francisco) y figuras sensuales de mujer. Su faceta como pintor se inició hacia 1948, cuando se hallaba viviendo en Suiza. Como ocurre con sus obras escultóricas, muchas de sus pinturas se hallan próximas al arte abstracto, que con el tiempo fueron haciéndose más dramáticas y distorsionadas y con superficies más ásperas. Falleció en Milán el 6 de agosto de 1980.
Marx Ernst
Artista alemán nacionalizado francés, fue una figura fundamental tanto en el movimiento dadá como en el surrealismo. Se caracterizó por la utilización de una extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y
materiales. Nació en Brühl, Alemania en 1891. Ingresó en la Universidad de Bonn para estudiar filosofía y psiquiatría. Se alistó en el ejército alemán durante la I Guerra Mundial. Cuando Ernst dejó el ejército ya había surgido en Suiza el movimiento dadá, atraído por la revolución dadaísta contra lo convencional, se instaló en Colonia y comenzó a trabajar en el collage. En 1922 se trasladó a vivir a París, donde comenzó a pintar obras surrealistas en las que figuras humanas de gran solemnidad y criaturas fantásticas que habitaban espacios renacentistas realizados con detallada precisión, L eléphantcélèbes (1921, TateGallery, Londres). En 1925 inventó el frottage (que transfiere al papel o al lienzo la superficie de un objeto con la ayuda de un sombreado a lápiz), más tarde experimentó con el grattage (técnica por la que se raspan o graban los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla de madera). Ernst fue encarcelado tras la invasión de Francia por los alemanes durante la II Guerra Mundial, en la prisión trabajó en la decalcomanía, técnica para transferir al cristal o al metal pinturas realizadas sobre un papel especialmente preparado. En 1941 emigró a Estados Unidos con la ayuda de Peggy Guggenheim, que se convertiría en su tercera esposa en 1942. En 1953 regresó a Francia y a partir de entonces sus obras gozaron de una notable revalorización. A lo largo de su variada carrera artística se caracterizó por ser un experimentador infatigable. En todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo extradimensional de los sueños y la imaginación. Falleció el 1 de abril de 1976 en París, Francia.
Pablo Picasso
Nació bajó el nombre de Pablo Ruiz Picasso el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España. Su padre era profesor de dibujo en la Escuela Provincial de Artes y Oficios, conocida como Escuela San Telmo. Fue un niño nada discreto, bastante perezoso y muy distraído, pero con precoz facilidad para el dibujo. En 1895 se mudó a Barcelona donde su padre obtiene un puesto docente en la Escola d'Arts i Oficis de la Llotja. Motivado por su padre resolvió en un día los ejercicios de examen previstos para un mes y fue admitido en la escuela. Habiendo iniciada su formación artística instala su primer taller a la edad de 15 años. Dos años más tarde, obtiene una mención honorífica en la gran exposición de Madrid por su obra Ciencia y caridad, en ella se dejaba ver el estilo de realismo académico. La distinción lo estimula a rendir oposición y sus trabajos, influenciados por El Greco y Toulouse-Lautrec, obtienen nuevas medallas en Madrid y Málaga. En 1898 realiza su primera muestra individual en Els Quatre Gats de Barcelona. Luego en 1900 hace una visita a París para asistir a la Exposición Universal; allí vende tres dibujos al marchante Petrus Mañach, quien luego le ofrece 150 francos mensuales por toda su obra de un año. En ese momento se consolida como un artista profesional y decide firmar de ahora en adelante sólo con su apellido materno. Cuando regresa a Paris conoce a Max Jacob y tras ello comienza su “periodo azul” (1901-1904). Después durante tres años pinta y dibuja sin cesar, rendido a la influencia de Cézanne; aunado a esto elabora con Braque las líneas maestras del cubismo analítico de donde ve surgir su emblemática pieza Las señoritas de Aviñón en 1907. Pronto sobreviene el asombro y el escándalo ante un estilo deforme que rompe todos los cánones y va ganando nuevos adeptos, al tiempo que su audaz inventor expone en Munich (1909) y en Nueva York (1911). Después junto con Braque se lanza a inventar el cubismo sintético, que los acerca al borde de la abstracción (a pesar de su extensa y tan variada obra, jamás llegaría a abandonar la figuración). En 1914 tras sufrir diversas tragedias por la guerra Pablo abandona el cubismo y busca otros caminos artísticos. Los encuentra en 1917, cuando por medio de Jean Cocteau conoce a Diáguilev, que le encarga los decorados del ballet Parade de Eric Satie. Tras varios romances tormentosos y al estallar la guerra civil acepta simbólicamente la dirección del museo del Prado y en 1937 pinta el Guernica en París. En 1944, se afilia al Partido Comunista Francés y da a conocer 77 nuevas obras en el Salón de Otoño. Después se entusiasma por la litografía y por la joven y hermosa pintora Françoise Guillot, con la que convive hasta 1946. Se inicia así su etapa de Vallauris, en la que trabaja en sus magníficas cerámicas. En 1954 se fascina por una misteriosa adolescente de delicado perfil y largos cabellos rubios llamada Sylvette D., como resultado produce algunas de sus obras más conocidas y reproducidas como el famoso perfil de Sylvette en la butaca verde. Tres años después Jacqueline Roqué llega a su vida y su extraordinaria belleza lo compele a hacerla su compañera en 1957; en ese mismo tiempo pinta el gigantesco mural para la UNESCO. Al final de su carrera siguió creando, amando, trabajando y viviendo intensamente hasta morir en 1973 en Mougins, Francia.
Pedro Coronel
Nacé el 25 Marzo de 1921 en Zacatecas, Zacatecas. Fue pintor, escultor, dibujante y grabador abstracto mexicano. Su obra fue expuesta en países como: Francia, Italia, Japón, Estados Unidos y Brasil. Durante su vida la ascendencia artística de su familia determinó el desarrollo de su sensibilidad artística. Coronel rememora este hecho en sus notas autobiográficas diciendo: “Soy hijo de músicos, de pintores, de revolucionarios […] Mi madre tocaba la mandolina, mi padre el clarinete y el violín. Los domingos, después de la misa y de la comida, tocaban, música popular, de provincia…” En 1939 se desplaza a la Ciudad de México y un año más tarde comienza sus estudios en la Escuela Nacional de Pintura y Escultura La Esmeralda; donde ulteriormente sería catedrático. En 1946 viaja por primera vez a Europa y reside en París, Francia, ahí conoce a Octavio Paz y concurre a los talleres de Victor Brauner y del escultor Constantin Brancusi. A partir de entonces viaja incasablemente por el mundo. En 1952 expone por primera vez dentro del colectivo de la Galería de Arte Contemporáneo en México, D.F. Dos años después exhibe individualmente por primera vez en la Galería Proteo; en ese mismo año crea el mural en mosaico para el Sindicato Nacional de Trabajadores del Seguro en Tacubaya, México, D.F. Y en 1956 vuelve a exhibir en la Galería Proteo. Obtiene el Premio de Pintura José Clemente Orozco y la Mención Honorífica Especial en Escultura en la Segunda Bienal Interamericana de Pintura, Escultura y Grabado organizada por el INBA en el Palacio de Bellas Artes. Participa en la exposición Mexican Art from Pre-Columbian Times to The Present Day, expuesta en la Vancouver Art Gallery, Vancouver; en la National Gallery of Canadá, Ottawa y en el Montreal Museum of Fine Arts, Canadá. En 1984 ganó el “Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes”. Su obra se manifestó con una producción que brindó al arte de aquel momento una fecunda expresión: al tiempo que recuperaba las raíces más profundas del México precolombino, retomaba las enigmáticas expresiones de las últimas tendencias de la vanguardia universal como lo eran el cubismo, el expresionismo, el orfismo, el abstraccionismo y el geometrismo, y lo conjugadas con las formas sintéticas primitivas de las culturas africanas y asiáticas. En su pintura abundan los signos en que el mito precortesiano hizo encarar las potencias de la naturaleza: la serpiente, el caimán, el búho, el mapache y la calavera. Fallece el 23 de Mayo de 1985 en la Ciudad de México.
Pierre Alechinsky
Nace el 19 Octubre 1927 en Bruselas, Bélgica. Es litógrafo, pintor y teórico. Estudió ilustración y tipografía en la Escuela Nacional Superior de Arquitectura y Artes Decorativas La Cumbre. Creció con variados intereses artísticos que incluyeron técnicas gráficas, arte popular e ilustraciones de libros medievales. Comenzó su carrera como pintor en 1947 y ese mismo año tuvo su primera exposición individual en la Galerie Lou Cosyn. Dos años después pasó a formar parte del grupo Cobra (acrónimo de Copenhague, Bruselas y Amsterdam) un movimiento artístico fundado en París cuyas características consistían en una reacción contra la rigidez de la abstracción geométrica, tan en boga en esa época, y una preferencia por la espontaneidad, así como el rechazo de teorías preestablecidas. De 1949 a 1951 se dedicó intensamente a Cobra, organizando exposiciones. Después ejerció como profesor de pintura en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París entre 1983 y 1987. En 1984 fue galardonado con el Gran Premio Nacional de las Artes y las Letras de París; cuatro años más tarde viajó a China donde vivió una experiencia que catalizó la serie de dibujos Flora Danica.
Robert Motherwell
Nació el 24 de enero de 1915 en Aberdeen, Washington. Se adjudicó una beca para el Instituto de Arte Otis en Los Ángeles a los 11 años y posteriormente en 1932 estudió pintura brevemente en la Escuela de Bellas Artes de California. Después curso una licenciatura en la Universidad de Stanford en 1937 y más tarde ese año se adscribió para el trabajo de posgrado en el Departamento de Filosofía de la Universidad de Harvard en Cambridge, Massachusetts. Viajó a Europa en 1938 para un año de estudios en el extranjero. Su primera exposición individual fue presentada en la Galería Raymond Duncan en París en 1939. Un año después en septiembre se instaló en Nueva York, donde entró a la Universidad de Columbia para estudiar historia del arte con Meyer Schapiro, quien lo animó a convertirse en pintor. En 1941 viajó a México con Roberto Matta
durante seis meses. Luego al volver a Nueva York su círculo llegó a incluir William Baziotes, Willem de Kooning, Hans Hofmann, y Jackson Pollock. En 1942 se incluyó en la exposición Primeros Documentos del Surrealismo en el Whitelaw Reid Mansion, Nueva York. Años después se convirtió en redactor de los documentos de la serie de libros Modern Art y contribuyó con frecuencia a la literatura sobre el arte moderno. Tuvo una exposición conmemorativa de su obra en la galería Art of This Century de Peggy Guggenheim en 1944. Un par de años después se le dieron exposiciones individuales en el Club de Arte de Chicago y el Museo de Arte de San Francisco; aunado a esto exhibió junto a catorce estadounidenses en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El artista ulteriormente enseñó y dio conferencias en todo Estados Unidos,y continuó exhibiendo ampliamente por toda la nación y en el extranjero. Murió el 16 de julio de 1991 en Cape Cod, Massachusetts.
Roberto Matta
Fue un pintor nacido en Santiago de Chile el 11 de noviembre de 1911. Su formación artística dio inicio en Chile, asistió a los Talleres Libres de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile y fue alumno del pintor Hernán Gazmuri. En 1933 se tituló de arquitecto en la Universidad Católica de Chile. Dos años después viajó Europa para continuar su aprendizaje. Durante su estadía en París conoció al arquitecto Le Corbusier y en Madrid tuvo la oportunidad de conocer personalmente a Rafael Alberti y Federico García Lorca, dos de los autores más influyentes en la poesía contemporánea. En 1936 se instaló en Londres donde trabajó con los arquitectos Walter Gropius y Moholy-Nagy. Durante ese año Matta tuvo una breve estadía en Portugal, invitado por la poetisa chilena Gabriela Mistral; a través de ella, conoció sobre la realidad y problemática latinoamericanas planteadas por el cubano José Martí y la propuesta del mexicano José Vasconcelos en torno a la creación de brigadas culturales. Definió su vocación artística en 1937 al conocer al artista inglés Gordon Onslow-Ford, quién lo estimuló a pintar. Ese mismo año tomó contacto con los surrealistas Salvador Dalí y André Breton. Se adhirió a las ideas sobre la creación de un arte regido por el automatismo psíquico; fue incluido en el movimiento e invitado a participar en importantes exhibiciones. En los inicios de su labor artística, sus obras reflejaron sus preocupaciones metafísicas y la importancia de las creaciones religiosas. Fueron una serie de dibujos figurativos que con el tiempo fueron evolucionando hacia una abstracción con referencia hacia artistas de la época como Dalí, Picasso y la influencia de El Greco. El humor, el erotismo, la reflexión y el pensamiento fueron elementos muy presentes en su obra durante este tiempo. En 1939 ingresó a los círculos artísticos y culturales de Nueva York junto a Marcel Duchamp y Tanguy, obteniendo una excepcional aceptación entre los jóvenes artistas Pollock, Motherwell y Gorky quienes eran representantes de la vanguardia norteamericana. Tuvo una intensa actividad en ese país y esto pronto se tradujo en el reconocimiento mundial a su trayectoria, convirtiéndolo en el inspirador del movimiento expresionista abstracto norteamericano. En aquella época, Matta asombraba con sus obras de gran formato y repetía las representaciones de volcanes y terremotos bajo el tema de la creación cósmica del Universo. En 1948, el artista sufrió un rompimiento con el movimiento surrealista y decidió volver a Europa, no sin antes visitar Chile para exponer en la Galería Dédalo y publicar su texto "Reorganimación de la Afectividad". Radicado en Roma, continuó evolucionando en su carrera durante la década del cincuenta. Viajó a Sudamérica en varias ocasiones buscando rescatar la iconografía y el color de los pueblos originario dentro su imaginario creativo. Ya a fines de la década, su gravitante figura fue objeto de diversos homenajes y comenzaron a sucederse las muestras retrospectivas de su obra en las ciudades más importantes del mundo, destacándose la realizada en 1957 por el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Roberto Matta realizó un valioso aporte en las artes plásticas universales del presente siglo y por ello logro ubicarse como uno de los artistas más importantes del movimiento Surrealista. Murió en Civitavecchia, Italia el 23 de noviembre de 2002.
Serge Poliakoff
Nació en Moscú, Rusia el 8 de enero de 1906 en el seno de una familia acomodada. Su padre era criador de caballos y proveedor de equinos para los regimientos del Zar. Su madre pertenecía a una familia de terratenientes y lo educó música y religión. A los doce años dominaba la guitarra y era ferviente lector de los novelistas rusos. En 1917 se separa de su familia para marchar de gira al extranjero dentro de un cuarteto
integrado por su tía Nastia, un tío y un primo. Después de un tiempo de gira llega a París donde por fin se asienta con su familia. Decide iniciar sus estudios de dibujo y pintura dentro de la Académie de la Grande Chaumière; mientras por las noches sigue trabajando como músico en cabarets y centros de entretenimiento para solventar sus gastos. En 1935 viaja a Londres para continuar con curso en la Slade School of Art, ahí se topa con los sarcófagos egipcios cuya fuerte impresión en él influenciaron su trabajo. Después de ese encuentro comienza a desarrollar un estilo propio de pintura abstracta caracterizado con áreas de color entrelazadas. Con el paso del tiempo decidió ir modificando la paleta de color de la producción de sus obras, en los 40s se inclinó por una variedad de tonos en gris y negro, mientras que en los 50s expandió su selección al uso de tonos brillantes. Después de haber participado en diversas exposiciones, por fin se consolido como pintor de tiempo completo y abandonó su trabajo de músico. En 1962 su trabajo fue seleccionado para la Bienal de Venecia y se le dedico toda una sala de exhibición; dentro de ese mismo año se le otorga la ciudadanía francesa. Al final de su carrera su salud se deterioro por lo que sólo produjo pinturas pequeñas y litografías. Murió en París, Francia el 12 de octubre de 1969 a los 63 años de edad.
SONIA DELAUNAY
Sonia Delaunay-Terk, nacida Sonia Stern, simbolizó un papel elemental en el acrecentamiento del orfismo, corriente que supo expresar tanto en la pintura como en el campo del diseño de moda, tejido y libros. De origen ucraniano, fue confiada a los cinco años a sus tíos maternos de San Petersburgo, de quienes obtuvo una educación cosmopolita. A través de Max Liebermann, conocido de su tío, tomó contacto con el mundo artístico germano y en 1903 partió a Karlsruhe para iniciar sus estudios de pintura. Dos años más tarde proseguiría su formación en París en la Académie La Palette; durante estos años sus obras reflejaban su admiración por el postimpresionismo de Vincent van Gogh y PaulGauguin, así como del fauvismo de Henri Matisse. Para no abandonar Francia, contrajo matrimonio de conveniencia con el marchante alemán Wilhelm Uhde, a través del cual conoció a artistas de vanguardia como Pablo Picasso, Georges Braque o el propio Robert Delaunay, con el que se casaría en 1910 tras divorciarse de Uhde. A partir de entonces, el intercambio artístico entre ambos sería constante. Tiempo después se interesó por las teorías del color de Michel-Eugène Chevreul y en 1913 comenzó su serie no figurativa, Contrastes simultáneos. Ese mismo año colaboró en la ilustración y diseño de la cubierta de La Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France de Blaise Cendrars. La llegada de la Primera Guerra Mundial la tomó de sorpresa en la península Ibérica y durante los años de la contienda vivió en España y Portugal. En 1917 dejó de recibir las rentas que había percibido hasta entonces y comenzó a comercializar sus creaciones; primero en Madrid, donde abrió una tienda con sus propios diseños de moda y luego en 1920, tras su retorno a París, inauguró la Boutique Simultané. En el París de los años veinte tuvo una estrecha relación con los grupos dadaístas y surrealistas y colaboró con ellos en la producción de proyectos teatrales y cinematográficos como Le P’tit parigot de Le Somptier. Durante la década de 1930 estuvo en contacto con grupos artísticos que abogaban por la abstracción en el arte como Abstraction-Création o Cercle et Carré y fue uno de los miembros fundadores de Réalités Nouvelles. Tras la muerte de su marido en 1941 continuó trabajando y colaborando en la promoción del arte abstracto. En 1964, como consecuencia de la donación de obras suyas y de Robert, se convirtió en la primera mujer a la que se le honraba con una exposición en el Musée du Louvre. Murió el 5 de diciembre de 1979 en París, Francia.
VICTOR BRAUNER
Fue un pintor y escultor surrealista rumano, nació en Piatra Neamt, Rumania el 15 de junio de 1903. Cuando era niño se mudó con su familia a la capital vienesa y fue allí donde dio inicio a su etapa de formación. Después en 1914 regresó a su país natal y fijo su residencia en la ciudad de Braila situada en la región de Dobroja. Tiempo después se mudó a Bucarest y se incorporó en la Escuela de Bellas Artes local durante tres años (1919-1921), así como en la Academia Libre de Pintura de Horia Igirosanu. Renovador y con una extrema cabida para la experimentación, su estilo se adhería a diversas corrientes: cubista, dadaísta y abstracta. Constituido como profesional, llevó a cabo su primera exhibición a título individual a mediados de los veinte (1924) en la Galería Mozart de Bucarest. Establecido de nuevo en su Rumania natal, desde 1928 a 1930, contribuye de forma activa en las revistas vanguardistas nacionales "Unu" o "Alge". No obstante, con
el comienzo de la década posterior reanuda su experiencia parisina y entra en contacto con ilustres representantes de la vanguardias vigentes como su compatriota el escultor Constantin Brancusi, el poeta Benjamín Fondane o los artistas Alberto Giacometti e Ives Tanguy. En 1931 había pintado: "Retrato con el ojo arrancado", cuadro cuyo origen según palabras del autor fue el siguiente: "Un día en el que no tenía nada más para hacer… estaba vacío, quise hacer un retrato minúsculo de mí mismo delante un espejo, y pinté este retrato. Para animarlo un poco, para hacerlo un poco más extravagante, como todo es posible, le quité un ojo. Pues bien, es este mismo ojo el que me ha sido arrancado; la herida era idéntica 7 años más tarde. Y entonces, a raíz del accidente, descubrí que desde 1925 ó 1927, he encontrado en mi obra personas cuyos ojos estaban afuera”. El accidente, como dice el autor, de manera paradójica convirtió su rostro en una copia exacta y real a la del cuadro pintado e imaginado siete años atrás. Murió en París el 12 de marzo de 1966.
Victor Vasarely
Nació en Pécs, Hungría el 9 de abril de 1906. Fue uno de los líderes del Arte Óptico en Europa. Abandonó los estudios de medicina a los veinte años para dedicarse por completo al arte. Se trasladó a París, donde tuvo bastante éxito como diseñador gráfico en publicidad antes de entregarse a la pintura. A principios de la década de 1950 sus pinturas abstractas estaban llenas de grandes formas geométricas (inspirado en baldosas), formas naturales y elementos paisajísticos. Sin embargo, a mediados de esa década abandonó lo natural en favor de la abstracción pura, tomando como fuentes la geometría, las relaciones cromáticas, los sistemas matemáticos y la psicología de la Gestalt, escuela de psicología que sentó los cimientos del estudio moderno de la percepción. Vasarely es conocido por promover las ideas del Arte Cinético, que buscaba crear la sensación de movimiento a través de ilusiones ópticas en una superficie plana. Sus pinturas ofrecen juegos ópticos, y algunos son tan extremos que llegar a marear o incomodar al espectador. Vasarely trabajó en Lacerta entre 1955 y 1979, un período en el que su estilo y sus intereses evolucionaron. Sin embargo, las cualidades ópticas de esa obra se asemejan a las de la época que comenzó en 1968: la disposición de los elementos compositivos creaba la ilusión de que las formas sobresalían del plano pictórico y parecían volúmenes tridimensionales. Murió el 15 de marzo de 1997 en París, Francia.
Wassily Kandinsky
Pintor originario de Rusia, nació el 5 de Diciembre de 1866 en Moscú. Fue un eminente pionero y teórico del arte abstracto. Compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Se interesaba mucho por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga que era rico en ornamentos; a la par de esto se encontraba fascinado por la obra de Rembrandt y Monet. Entre 1910 y 1914 pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores, en ellos se logra notar un poco la presencia de la realidad. Su influencia en el desarrollo del arte del siglo XX se hizo aún mayor a través de sus actividades como teórico y profesor. Sus abstracciones se volvieron cada vez más geométricas, Composición VIII Nº 260 (1923, Museo Guggenheim, Nueva York, Estados Unidos), es un conjunto de líneas, círculos, arcos y otras formas geométricas. En obras muy posteriores como Círculo y cuadrado (1943, colección privada) logra un bellísimo equilibrio entre los elementos. Fue uno de los artistas más influyentes de su generación y de los primeros en explorar los principios de la abstracción no representacional o pura, por lo que podemos considerarle como un precedente del expresionismo abstracto. Falleció el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly-sur-Seine, en las afueras de París.
Wifredo Lam
Wifredo Óscar de la Concepción Lam y Castilla fue un pintor surrealista cubano, nació en Sagua la Grande, el 8 de diciembre de 1902. Estudió en La Academia de La Habana, donde adquirió los conocimientos necesarios
para adentrarse en el mundo de las artes. Expuso por primera vez en 1920 en el Salón de la Asociación de Pintores y Escultores de la ciudad cubana. Sin embargo, fue hasta su etapa como residente en Madrid cuando concluyó y perfeccionó sus conocimientos artísticos recibiendo clases a cargo del genial pintor Fernando Álvarez de Sotomayor (Anteriormente maestro de Salvador Dalí), al estudiar en la Real Academia de San Carlos (1926-1928). Su arte presenta claras reminiscencias hacia las estéticas primitivas, principalmente de las tradiciones africanas y oceánicas, indígenas en general, en la manifestación de sus formas escultóricas más emblemáticas como reflejo de sus doctrinas religiosas y artísticas. Esta influencia cultural se ve potenciada por su propio origen indígena (su madre era mulata y además tenía una genealogía de antepasados chinos, españoles y africanos) y por la cercanía de estas tierras a su experiencia vital debido a los constantes viajes que por ellas realiza (en 1946 permaneció 4 meses en Haíti a fin de mezclarse con sus raíces). Su obra ha sido exhibida en un sinfín de galerías y exposiciones retrospectivas. Ha estado presente en el museo de Bellas Artes de La Habana, en el de Bruselas, en el Museo Stedelijk de Amsterdam, en el Museo de Arte Moderno de París y en el Centro de Arte de Hong Kong. Actualmente está considerado como el artista cubano más importante del siglo XX. Murió en París el 11 de Septiembre de 1982.
Yaacov Agam
Nació bajo el nombre de Yaacov Gipstein en Rishon Le-Zion, Israel el 11 de mayo de 1928. Es un artista cinético de renombre mundial, pionero en una nueva forma de arte que hace hincapié en el cambio y el movimiento. Su carrera artística comenzó en su adolescencia, en 1940, tras descubrir la pintura de Van Gogh. Más tarde fue descubriendo a los grandes maestros como Rembrandt y a los artistas del XIX (Soutine, Daumier y Doré). Al finalizar la II Guerra Mundial, en 1946, comenzó sus estudios de arte en la Academia de Artes y Diseño de Bezabel, Jerusalén. Esta escuela estaba en ese momento influida por la escuela alemana Bauhaus y recibió allí las primeras influencias de los movimientos abstractos que triunfaban en Europa, particularmente del constructivismo. En 1953 realizó su primera exposición individual, y en 1955 participó en la primera exposición internacional de arte cinético que tuvo lugar en la galería Denise René de París. A partir de este momento y adscrito siempre a este movimiento, se sucedieron las exposiciones y los premios. Participó en la Bienal de París de 1959 y en la muestra El Movimiento en el Arte celebrada en Amsterdam. En 1963 obtuvo el primer premio en la Bienal de São Paulo, donde se produjo una anécdota significativa de su innovación artística: el tribunal hubo de crear una nueva categoría dentro de la bienal, el Premio a la investigación artística, ya que no sabían si concederle el premio de escultura o el de pintura. La obra de este artista añade irremisiblemente una cuarta dimensión, el tiempo, que se manifiesta a través del movimiento. En sus primeros trabajos, los cuadros polifónicos del 53, el espectador ve distintos cuadros a medida que se mueve. Se trata de cuadros basados en figuras geométricas elementales que cambian su fisonomía según sea la posición frontal o lateral del espectador. Desde entonces no ha abandonado las formas abstractas y el movimiento como esencia en su obra. Agam ha sabido transmitir, a través de las esculturas cinéticas, tele-arte, arte informático, arte ecológico, composiciones musicales, etc. la espiritualidad de la cultura judía, superar el límite de la segunda y tercera dimensión e introducir el factor tiempo en las obras de arte.
