Medios de expresión gráfico-plástica

LOS MEDIOS DE EXPRESIÓN GRÁFICO-PLÁSTICADIBUJO

El dibujo es un arte visual en el que se representa algo en un medio bidimensional con el uso de la mano. En su mayoría, el papel es el soporte y el lápiz el instrumento, aunque, en la actualidad, el ordenador es también un medio muy usado para realizar este tipo de arte. Es entonces cuando hablamos de dibujo digital.

El dibujo, además de constituir un tipo de arte por si mismo, es el fundamento de cualquier trabajo artístico. Cualquier pintura, escultura o grabado acostumbra a partir de un esbozo hecho en lápiz.

Dibujar y pintar

Dibujar y pintar no es lo mismo. El dibujo es el arte de representar gráficamente objetos sobre una superficie plana. Es la base de toda creación plástica y es un medio convencional para expresar la forma de un objeto mediante líneas o trazos. En la pintura, la estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas.

Las técnicas de "pintar" y "dibujar" pueden ser confundidas, porque las herramientas son las mismas para ambas tareas, pero las operaciones son distintas, "pintar" incorpora la aplicación de pigmentos, generalmente aplicados mediante un pincel, que son esparcidos sobre un lienzo; mientras que el dibujo es la delineación en una superficie que generalmente es el papel.

El término dibujar también sugiere un proceso distinto al de pintura. El dibujo es generalmente exploratorio, con énfasis principal en la observación, solución de problemas y composición. En contraste, la pintura tradicional es generalmente la ejecución o acabamiento del dibujo mediante la inserción de pigmentos.

Un poco de historia

Nos valemos del dibujo para representar objetos reales o ideas que, a veces, no podemos expresar fielmente con palabras. Los primeros dibujos se encuentran en la etapa prehistórica, cuando los homo erectus, los humanos de esa época, representaban en las paredes lo que ellos consideraban importante transmitir: cazas, animales, comida… Por ese entonces el dibujo era muy importante ya que adquiría la función de lenguaje, usado para transmitir ideas sin necesidad de mediar palabras. Aún ahora, se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura.

De las primeras civilizaciones perduran escasos testimonios de dibujos, normalmente, por la fragilidad de sus soportes (se han hallado en ostraca y pinturas murales inacabadas), o porque eran un medio para elaborar posteriores pinturas, recubriéndolos con capas de color. Las culturas de la Antigua China, Mesopotamia, el valle del Indo, o el Antiguo Egipto nos han dejado muestras evidentes de ello, ideándose los primeros cánones de proporciones, como sucedió también en la Antigua Grecia y Roma.

En la Edad Media se utilizó profusamente el dibujo, generalmente coloreado, para representar sobre pergaminos los temas religiosos tratados, a modo de explicación o alegoría de las historias escritas, primando lo simbólico sobre lo realista,

Medios de expresión gráfico-plástica Montserrat Llamas

Autorretrato, Leonardo da Vinci

incluso en sus proporciones y cánones. También la cultura islámica contribuyó con preciosos dibujos que acompañaban textos de anatomía, astronomía o astrología.

Es en el Renacimiento cuando el dibujo eclosiona alcanzando sublimes cotas. Por primera vez se estudia el método de reflejar la realidad lo más fielmente posible, con arreglo a unas normas matemáticas y geométricas impecables: con Filippo Brunelleschi surge la perspectiva cónica. El dibujo, de la mano de los grandes artistas renacentistas cobra autonomía, adquiriendo valor propio en autorretratos, planos arquitectónicos y variados temas realistas –como los de Leonardo da Vinci–, además de seguir sirviendo como estudio previo imprescindible de otras artes, como la pintura, escultura, o arquitectura.

Materiales de dibujo

Los materiales de dibujo suelen ser muy sencillos, algunos tan populares como el lápiz o el carboncillo. Cretas, papeles, pasteles, portaminas, afilalápices, fijadores y gomas de borrar son otros de los utensilios necesarios para realizar un buen dibujo

El soporte físico puede ser cualquiera, desde la antigüedad se ha ido pasando de un formato a otro, y se han ido utilizando diversos atendiendo a los fines del dibujo. Los más utilizados en la actualidad son aquellos basados en papel y/o cartón, aunque la variedad llega a ser tan ingente que es difícil concretar. Según a que se destine el dibujo, encontramos desde el lienzo para una obra representativa con fines decorativos, o el polipropileno para plasmar dibujos en carteles con fines publicitarios.

Técnicas de dibujo

La vitalidad del dibujo se debe a los cambios de grosor de las líneas y a los movimientos. Las líneas verticales comunican efectos de fuerza; las horizontales, quietud o reposo; las diagonales, movimiento; y las curvas, gracia.

Una de las técnicas esenciales del dibujo es el sombreado, es decir, la transición progresiva de los tonos claros a los oscuros y viceversa. Este el método más directo para representar el volumen de los objetos reales, el espacio, la sensación de profundidad y la atmósfera. El volumen es lo que confiere cuerpo a los objetos y las figuras y aquello que nos las hace cercanas y presentes.

La representación de la perspectiva es otra de las técnicas básicas que constituyen la esencia de este arte.

Clasificación del dibujo

De acuerdo con su objetivo se clasifican en :

- Dibujo artístico

Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una abstracción de nuestra mente que permite fijar la apariencia de la forma, puesto que el ojo sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad. Los dibujos artísticos suelen ser representaciones de objetos o escenas donde el artista ve, recuerda o imagina. Estos pueden ser realistas: un ejemplo son los


Dibujo artístico: Autorretrato de Durero a los 13 años, 1484.

retratos, o los dibujos arquitectónicos. El dibujo también puede llegar al grado de perder cierta aproximación con la realidad (como las caricaturas), relativamente alejados de la realidad (o los dibujos animados y los cómics), hasta llegar a lo surrealista y lo abstracto.

Proceso en el dibujo artístico:

Apunte: Dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo que se va a dibujar después. Es especialmente útil cuando se dibujan exteriores o figuras en movimiento.

Boceto: Prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el encuadre, la composición, qué elementos se incluyen…

Encajado: Líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o borran después) que sirven como base del dibujo.

Línea: Dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo mas general y después el detalle.

Sombreado: Para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más oscuras. Las zonas de luz se pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o similar.

Color: Un dibujo puede llevar color, especialmente si está destinado a ser una ilustración (dibujo que acompaña a un texto en libros, carteles, etc.). El color se puede aplicar con varias técnicas: acuarela, tinta, lápiz de color, ordenador... El color puede ser plano (homogéneo) o con textura (apariencia irregular que se puede conseguir con el material, el papel, la técnica...).

- Dibujo técnico

Se dice que el Dibujo Técnico es el lenguaje gráfico universal técnico normalizado por medio del cual se manifiesta una expresión precisa y exacta. Las actitudes para esta clase de dibujo por lo general son adquiridas, es decir, que se llega a él a través de un proceso de conocimiento y aprendizaje. El dibujo técnico se subdivide a su vez en otros dibujos más especializados, según su aplicación: dibujo arquitectónico, de ingeniería... Cada uno se caracteriza porque utiliza una simbología propia y específica generalmente normalizada legalmente.

Los planos que representan un mecanismo simple o una máquina formada por un conjunto de piezas, son llamados planos de conjunto; y los que representa un sólo elemento, plano de pieza. Los que representan un conjunto de piezas con las indicaciones gráficas para su colocación, y armar un todo, son llamados planos de montaje.

- Dibujo geodésico

Un mapa del mundo en dos dimensiones, como si la tierra fuera plana


Dibujo arquitectónico: Planta y sección de la Basílica de San Pedro. Roma.

Dibujo geodésico: Mapa físico-político de la Tierra.

PINTURA

La pintura artística es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean conocimientos de teoría del color, de composición pictórica, y de dibujo. La práctica de el arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada —una hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera, un recorte de tejido, etc.— una técnica determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujo, etc. dando lugar a una obra de arte según unos principios estéticos.

La pintura es una de las expresiones artísticas humanas más antiguas y una de las seis Bellas Artes. En la estética o teoría del arte modernas la pintura está considerada como una categoría universal que comprende todas las creaciones artísticas hechas sobre superficies. Una categoría aplicable a cualquier técnica o tipo de soporte físico o material, incluyendo los soportes o las técnicas efímeras así como los soportes o las técnicas digitales.

La clasificación de la pintura puede atender a criterios temáticos, como la “pintura histórica" o la "pintura de género». O a criterios históricos basados en los periodos del Historia del Arte; como la “pintura prehistórica”, la “pintura gótica” y en general de cualquier período de la historia de la pintura.

Historia de la pintura

La historia de la pintura consta desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea.

Las pinturas rupestres más antiguas conocidas se encuentran en la Cueva de Chauvet en Francia, fechada por algunos historiadores de unos 32.000 años, de los períodos entre el Auriñaciense y el Gravetiense, fueron realizadas con ocre de arcilla, rojo de óxido de hierro y negro de dióxido de manganeso. También cabe destacar las cuevas de Lascaux y Altamira. Se encuentran dibujados rinocerontes, leones, búfalos, mamuts, caballos o seres humanos a menudo en actitud de caza.

Las imágenes que se observan en las paredes de las tumbas egipcias de hace unos 5.000 años son escenas de la vida cotidiana y mitológicas con los rasgos característicos de esquemas de perfil y utilizando el tamaño de las figuras como rango social.

En la Antigua Roma era normal decorar los muros de las casas y palacios principales. Entre las mejores


La creación de Adán, por Miguel Ángel. Detalle de uno de los frescos de la Capilla Sixtina en El Vaticano.

Pinturas de la Cueva de Chauvet, Francia

conservadas se encuentran las de Pompeya y Herculano.

En la época paleocristiana se decoraron las catacumbas con escenas del Nuevo Testamento y con la representación de Jesús como el «Buen Pastor», eran figuras estáticas con grandes ojos que parecían mirar al espectador, este estilo continuó en la escuela bizantina de Constantinopla.

La pintura románica se desarrolla entre los siglos XII y XIII, siendo las zonas más interesantes las del Sur de Francia y las de Cataluña, la mayoría de las veces eran temas religiosos realizados para los ábsides y muros de las iglesias con representaciones del Pantocrátor, la Virgen María y la vida de santos. En pintura gótica además de los temas religiosos se representan temas laicos principalmente en Francia y Italia, donde destacó la figura el pintor Giotto.

En el renacimiento la pintura tuvo una gran influencia clásica. Se desarrolló la perspectiva lineal y el conocimiento de la anatomía humana para su aplicación en la pintura. También en esta época apareció la técnica del óleo. Fue una época de grandes pintores entre los que se destacaron Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael Sanzio y Tiziano. En la obra de La Gioconda destaca las nuevas técnicas empleadas por Leonardo, el sfumato y el claroscuro. Miguel Ángel realizó una de las más grandes obras pictóricas los frescos de la Capilla Sixtina. Los artistas que más emplearon temas simbólicos fueron los del Norte de Europa encabezados por los hermanos Jan van Eyck y Hubert van Eyck. En Alemania destacó el pintor y humanista Durero.

Durante el barroco, destacan el rechazo por las normas establecidas y la libertad en la composición, en los colores y en las formas. También es representativo de esta época el teatral uso de la luz y la sombra. En esta época destacan Velázquez, Rembrandt, Rubens y Caravaggio.

El romanticismo de principios del siglo XIX expresaba estados de ánimos y sentimientos intensos. En Francia el pintor más importante fue Delacroix, en el Reino Unido,

Constable y Turner y en España Francisco de Goya.

Con la invención de la fotografía a mediados del siglo XIX, la pintura empezó a perder su objetivo histórico de proporcionar una imagen realista, el impresionismo con Manet a la cabeza, es el estilo de las pinceladas sueltas y la yuxtaposición de colores, sin interesarse por los detalles concretos.

A partir de inicios del siglo XX se caracteriza por la diversidad de corrientes pictóricas, el fauvismo, que rechaza los colores tradicionales y se acerca a colores violentos, el expresionismo, que mostraba más los sentimientos que la reproducción fiel de la realidad, el cubismo, con Georges Braque y Picasso con la descomposición de las imágenes tridimensionales a puntos de vista bidimensionales, y la pintura abstracta, que es heredera del cubismo. El expresionismo abstracto se desarrolló en Nueva York entre los años 1940-1950, el Pop art llega un poco después con su máximo exponente Andy Warhol. El minimalismo se caracteriza por la reducción de la pintura a formas geométricas. El siglo XXI demuestra una idea de pluralismo y las obras se siguen realizando en una amplia variedad de estilos.


El arte de la pintura per Johannes Vermeer (1665) Kunsthistorisches Museum de Viena.

Hipnotizador (1912), de Bohumil Kubišta, Ostrava Pintura del expresionismo con mezcla del cubismo.

Géneros pictóricos

Los géneros artísticos, además de clasificar las obras por temas, han sido la presentación artística a través de la historia de la pintura, que ha afectado también la técnica, las dimensiones, al estilo y a la

expresión de las obras de arte.

No es hasta el renacImiento cuando los pintores dejan de ser considerados “artesanos” para empezar a ser “artistas”. La aparición de la pintura al óleo en el siglo XVI y el coleccionismo, hizo que, aunque no se perdiera la monumentalidad de los murales narrativos de temática histórica, surgieran las pinturas más comerciales y en otros formatos más manejables. Así comenzaron a clasificarse los géneros pictóricos y su especialización por parte de los artistas.

Los considerados géneros clásicos de la pintura son: la pintura histórica (temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios...), la pintura de género (temas cotidianos), el retrato, el paisaje y la naturaleza muerta o bodegón.

EL GRABADO Y LA ESTAMPACIÓNConsiste en la reproducción seriada de la imagen, o de la obra de arte.

La imagen se obtiene mediante la presión a mano o a maquina de una hoja de papel contra una matriz entintada.

Este medio comprende tres procedimientos fundamentales:

•Grabado en relieve: la matriz se talla en relieve. Es el caso de la xilografía.•Grabado en hueco: la matriz de metal se talla en hueco ya sea mediante procedimientos mecánicos o químicos.•Grabado en plano: la matriz que se utiliza es la piedra en el caso de la litografía o el tejido en el caso de la serigrafía.

Este medio se diferencia de otros por su carácter más industrial. El momento creativo del artista


Peter Bruegel

Retrato del Dr. Gadget, Van Gogh

acaba con la preparación de la matriz. El grabador, prepara la matriz, ya sea metal, madera o piedra, haciendo sucesivas pruebas para comprobar el estado de la imagen, pero una vez terminada la matriz, el trabajo de estampación, es mecánico, por lo que incluso en determinados casos, no interviene ni siquiera el propio artista, y es una tarea del estampador.

Esto permite producir grandes tiradas de buena calidad y todas iguales y, debido al abaratamiento de los costes de producción, acerca el gran arte a la mayor parte de la sociedad, ya que se reproducen grandes obras maestras con técnicas semiindustriales.

ESCULTURASe llama escultura al arte de crear obras artísticas tridimensionales. Es una de las Bellas Artes, en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de modelado, de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado. Desde tiempos remotos el hombre ha tenido la necesidad de esculpir. Al principio lo hizo con los materiales más simples y que tenía más a mano: piedra, arcilla y madera. Después empleó hierro, bronce, plomo, cera, yeso, plastilina, resina de poliéster y plásticos con refuerzo de fibra de vidrio, hormigón, la cinética y la reflexión de la luz, entre otros. La escultura tuvo en su principio una única función, su uso inmediato; posteriormente se añadió una función ritual, mágica, funeraria y religiosa. Esta funcionalidad fue cambiando con la evolución histórica, adquiriendo una principalmente estética o simplemente ornamental y llegó a ser un elemento duradero o efímero.

Funciones de la escultura

Los pueblos de la prehistoria hiceron las primeras

esculturas en arcilla representando figuras humanas o de animales, las secaban al sol y se utilizaban, probablemente, con finalidades religiosas o mágicas. A veces eran simples amuletos o figuras votivas, que han sido encontradas en algunas civilizaciones y culturas, en las sepulturas o en templos como exvotos, para rendir culto a los muertos. Los egipcios, creían que para que el faraón viviera después de su muerte, necesitaba una imagen con su representación para favorecer la pervivencia del alma. Las representaciones romanas de los emperadores, más que retratos personales, tenían la función de presentarlos al pueblo con el símbolo de imagen de poder supremo.

Posteriormente durante la Edad Media, en la época del arte románico, la escultura románica tuvo una estrecha relación con la arquitectura y cumplió,


Moisés, de Miguel Ángel, Roma

Estatua de Augusto, arte romano

además de la función estética, una función didáctica o pedagógica, para explicar al pueblo determinados pasajes o conceptos. Así, era frecuente referirse a los relieves de los tímpanos de las pórticos como «catecismos pétreos» o «biblias en piedra», ejecutados para ilustrar y explicar historias a la población analfabeta. La función ornamental puede estar ligada a alguna de las otras funciones, aunque a veces puede ser el objetivo principal, como ocurre con la decoración vegetal o la geométrica. En los estilos no icónicos, como el islámico o el hebreo, cumple un papel fundamental. Otra función de la escultura es el coleccionismo, que empezó a ser importante a partir del renacimiento, cuando los nobles adquirían obras de escultura para el adorno de sus palacios

o jardines. Más adelante, a partir del siglo XVIII, los monarcas, los hombres de negocio, burgueses y coleccionistas lo emplearon como medio de inversión económica, satisfacción propia y forma de prestigio.

Tipos de escultura

La escultura se divide en dos grandes ramas, la estatuaria y la escultura ornamental, según represente la forma humana y exprese las concepciones suprasensibles del hombre o se ocupe en reproducir artísticamente los demás seres de la naturaleza, animales o vegetales. La primera lleva con propiedad el nombre de escultura y tiene un ideal propio, desempeñando la segunda un papel secundario al servir de auxiliar a la primera y a la arquitectura.

Las estatuas son las esculturas aisladas que representan una entidad específica tridimensional. Según su presentación hay diversas formas de llamarlas: bulto redondo; sedente o sentada; yacente estirada generalmente representando la figura de un difunto; orante o arrodillada; oferente u ofreciendo presentes y ecuestre o a caballo.

Los relieves son las esculturas talladas a partir de un fondo o unidas a él. Los tipos de relieve se dividen en la forma en la que se reduce la profundidad de las figuras u ornamentación representadas: bajorrelieve cuando se talla recortando la imagen en el fondo del material que le sirve de soporte y altorrelieve en la que las formas escultóricas resaltan y salen del plano donde se tallan.

Busto, son esculturas de la cabeza y la parte superior del tórax que normalmente representa retratos.

Torso, que representa el tronco humano sin cabeza, ni brazos ni piernas.

La escultura arquitectónica es un término que se refiere a la utilización de la escultura por arquitectos y/o escultores en el diseño y la construcción de un edificio, un puente, un mausoleo o cualquier otro monumento. La escultura está en general relacionada con la estructura de la construcción. También se llama «escultura embutida» a cualquier estatua colocada en una obra arquitectónica.

La escultura cinética implica aspectos de la física de movimiento, como las fuentes o móviles.


Pórtico de Sta. María de Ripoll

Materiales

Los materiales empleados en escultura determinan el resultado del aspecto, la textura y el acabado de la obra. Con el uso de una piedra blanda es más difícil un resultado minucioso, por su desmoronamiento. Con un material más duro como el granito, se requiere un mayor esfuerzo físico. Los detalles de formas delicadas y con calados se consiguen mejor con el uso de la madera, como lo demuestra, por ejemplo, los retablos góticos. El trabajo en arcilla permite diversos acabados desde el más fino y pulido a dejarlo con las señales propias de los dedos del artista. Finalmente es el escultor y su propósito el que consigue sacar del material la forma y la textura deseada.

Destaca, por su uso, los siguientes materiales: arcilla, piedra, estuco, todo tipo de metales, sobre todo bronce

y hierro, madera, marfil, hormigón, etc.

LA FOTOGRAFÍA

La fotografía es la ciencia y el arte de obtener imágenes duraderas por la acción de la luz. Es el proceso de capturar imágenes y fijarlas en un medio material sensible a la luz. Basándose en el principio de la cámara oscura, se proyecta una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido y aumentada su nitidez. Para almacenar esta imagen, las cámaras fotográficas utilizaban hasta hace pocos años una película sensible, mientras que en la actualidad, en la fotografía digital, se emplean, generalmente, sensores CCD y CMOS y memorias digitales.


Man Ray

Historia

La historia de la fotografía comienza en el año 1839, con la difusión mundial del procedimiento del daguerrotipo, desarrollado y perfeccionado por Daguerre, a partir de experiencias previas inéditas de Niépce.

El "año cero" es 1839. Pero sus antecedentes arrancan con el descubrimiento de la cámara oscura, y las investigaciones sobre el ennegrecimiento de las sales de plata.

La fotografía nace en Francia, en un momento de tránsito de la sociedad pre-industrial a la sociedad industrial, favorecida por las innovaciones técnicas de la época. También influye en su nacimiento la filosofía positivista, que establece que cada elemento de la Naturaleza debe ser probado empíricamente. La burguesía es la clase social dominante del momento, que utiliza el retrato como instrumento de verificación y afirmación del ascenso social.

En 1816 Niépce obtiene una primera imagen negativa, imperfecta e inestable, con una cámara oscura.

Entre finales de siglo XIX y el XX se suceden distintos descubrimientos técnicos, que hacen que la fotografía evolucione hacia una mejor calidad en las imágenes y una generalización de su uso: además del daguerrotipo; el calotipo, la cianotipia, la albúmina y el nitrato de plata, el colodión húmedo, el gelatino-bromuro...

En 1888, George Eastman lanza la cámara Kódak. Su gran éxito comercial fue la introducción en el mercado del carrete de película fotográfica, lo que provocó la progresiva sustitución de las placas de vidrio.

En 1907 la fábrica Lumière comercializa la fotografía en color. Son diapositivas o transparencias en vidrio, conocidas como placas autocromas oAutochrome.

En 1931 se inventa el flash electrónico, que se utiliza sobre todo cuando la luz existente no es suficiente para tomar la fotografía con una exposición determinada. El flash es una fuente de luz intensa y dura, que generalmente abarca poco espacio y es transportable.

En 1948 nace la fotografía instantánea de Polaroid: una cámara que revelaba y positivaba la imagen en tan solo 60 segundos.

Finalmente, en 1990, comienza la digitalización del ámbito fotográfico: las imágenes son capturadas por un sensor electrónico que dispone de múltiples unidades fotosensibles y desde allí se archivan en otro elemento electrónico que constituye la memoria.

Funcionamiento de la cámara

La cámara o la cámara oscura es el dispositivo formador de la imagen, mientras que la película fotográfica o el sensor electrónico capta la imagen. Ésta se guarda en la misma película, o bien en algún tipo de memoria.


Primeira fotografía, tomada por Niepce

El fotógrafo configura la cámara y la lente para exponer a la luz el material grabador de ésta (como la película fotográfica, por ejemplo), a algún tipo de forma de "imagen latente" con lo que, tras un procesado adecuado, se convierte en en una imagen utilizable. Las cámaras digitales utilizan un sensor de la imagen basado en electrónicos sensibles a la luz, que pueden estar basados en tecnología CCD (Charge-Coupled Device) o bien en CMOS(Complementary Metal-Oxide-Semiconductor). La imagen digital resultante se almacena electrónicamente, pero puede ser reproducida en papel o en película.

La cámara de vídeo es un tipo especial de cámara fotográfica que toma una secuencia rápida de fotografía en tiras de película. Cuando se reproducen a una determinada velocidad los ojos y el cerebro de una persona unen la secuencia separada de imágenes y se crea la sensación de movimiento.

En todas las cámaras, excepto en algunas especializadas, el proceso de obtención de una exposición correcta se produce a través del control de una serie de controles con los que se trata que la fotografía sea clara, nítida y esté bien iluminada. Habitualmente los controles que se incluyen son los siguientes:

• Enfoque

• Apertura

• Velocidad de disparo

• Balance de blancos

• Sensibilidad

Fotografía como arte

La fotografía no fue siempre considerada un arte. Su integración al arte fue un proceso muy discutido que comenzó con los fotógrafos retratistas. El retrato fotográfico tuvo gran acogida como reemplazo del retrato pintado ya que aquel era mucho más barato, así que cantidad de pintores decidieron convertirse en fotógrafos retratistas para sobrevivir.

La fotografía como arte, ciencia y experiencia humana fueron evolucionado en paralelo durante este tiempo. En cuanto fue posible hacer de la cámara un dispositivo móvil fácil de manejar apareció la posibilidad de influir en el espectador mediante la posición de la cámara y su enfoque, lo que permitían trasladar la subjetividad del fotógrafo a la fotografía, además de ir construyendo un lenguaje artístico.

En la actualidad, la fotografía artística en sí, tiene un carácter muy subjetivo. El impresionismo en la pintura y su consiguiente marcha hacia loabstracto tuvo un gran efecto en la fotografía. Ya en la actualidad, la fotografía artística pura es casi completamente subjetiva y la manipulación de las imágenes se ha convertido en una herramienta fundamental en su expresión artística,la fotografía de Annie Leibovitz,Tina Nibbana,Helmut Newton yDavid LaChapelle entre otros, siguen siendo parte de la nueva revolución fotográfica.

El lenguaje artístico fotográfico partió de la herencia de la pintura. Sin embargo, rápidamente amplió su léxico gracias a la facilidad de hacer enfoques extremos (picados, contrapicados, etc.), la captura del movimiento con largos tiempos de obturador y la decisión del momento. La presión sobre el fotógrafo para marcar su subjetividad en la fotografía forjó un lenguaje lleno de

sutilezas pero perfectamente comprensible, muy directo para cualquier observador.


Hoy la fotografía es practicada por millones de personas en todo el mundo armados con buenas cámaras fotográficas. Prefiriéndose actualmente las cámaras con una buena óptica y muchas opciones que añadan flexibilidad, frente a las cámaras orientadas al consumidor, donde la óptica y el obturador es dirigida por la electrónica restando al hecho de hacer una foto gran parte de su imprevisibilidad. La aparición de las cámaras digitales, cámaras mixtas con vídeo y la fotografía en entornos de realidad virtual complican, enriqueciendo, el futuro de este arte.

EL CINEEl cine es un medio de comunicación de ideas que, a diferencia de otros lenguajes, presenta unas características específicas. Por ejemplo:

1. Es audiovisual: existen imágenes, combinadas con diálogos, con música, con ruidos y efectos sonoros.

2. Necesita de una técnica: la fotografía, como base, más una grabación de sonidos.

3. Es un arte comercial: necesita de un equipo de producción, distribución y ventas (publicidad).

4. Por su alto coste, tiene que intervenir la industria y, aunque existe un director, hacer una película es un trabajo de equipo.

5. El lenguaje se articula en función de dos pasos fundamentales:

a. Una selección de la realidad

b. Una sintaxis: la combinatoria del montaje.

LA CERÁMICALa cerámica quizás sea el arte decorativa más antiguo y con mayor presencia en todas las culturas a lo largo de la historia. Desde la Prehistoria hasta nuestros días y en culturas tan distantes y distintas como las culturas precolombinas o las culturas orientales.

La cerámica abarca una amplia gama de técnicas; desde la más sencilla que sería la terracota, con o sin decoración incisa, hasta las más elaboradas y cotizadas como las porcelanas orientales.

La base principal de la cerámica es la arcilla. La arcilla necesita de un elemento fundamental para convertirla en algo duradero y darle el aspecto definitivo que todos conocéis. Este elemento es el


fuego.

Existen múltiples tipos de arcilla dependiendo de su composición, dando como resultado diferentes acabados cerámicos.

ARTE TEXTILLos tejidos artísticos, aunque menos conocidos por poco usuales, han sido muy importantes en la historia de las artes decorativas, especialmente por ser el medio de reproducción de grandes pinturas.

El tapiz es un tipo de tejido decorado con escenas policromas cuyo dibujo se integra en él mismo, de

manera que se va formando al tiempo que el propio tejido.

La base del telar la constituye la urdimbre. Son una serie de hilos paralelos, sobre los que se va entrelazando otro hilo que constituye la trama. Esto se hace según el modelo, al que se denomina cartón, realizado por el pintor.

COMICSe llama historieta o cómic a una serie de dibujos que constituye un relato, con texto o sin él, de una forma secuencial.

El interés por el cómic puede tener muy variadas motivaciones, desde el interés estético al sociológico, de la nostalgia al oportunismo. Durante buena parte de su historia fue considerado incluso un subproducto cultural, apenas digno de otro análisis que no fuera el sociológico, hasta que en los años 60 del pasado siglo se asiste a su reivindicación artística, de tal forma que algunos han propuesto considerarlo como el noveno arte, aunque en realidad sea anterior a aquellas disciplinas a las que habitualmente se les atribuyen las condiciones de octavo (fotografía, de 1825) y séptimo (cine, de 1886). Seguramente, sean este último medio y la literatura los que más le hayan influido, pero no hay que olvidar tampoco que su particular estética ha salido de las viñetas para alcanzar a la publicidad, el diseño, la moda y, no digamos, el cine.

Las historietas suelen realizarse sobre papel, o en forma digital (e-comic, webcómics y similares), pudiendo constituir una simple tira en la prensa, una página completa, una revista o un libro (álbum, novela gráfica o tankōbon). Han sido cultivadas en casi todos los países y abordan multitud de géneros. Al profesional o aficionado que las guioniza, dibuja, rotula o colorea se le conoce como historietista.


Industria

Tradicionalmente, la industria del cómic ha requerido un trabajo colectivo, en el que, además de los propios historietistas, han participado editores, coloristas, grabadores, impresores, transportistas y vendedores. Siempre han existido autoediciones, como las del cómic underground, pero últimamente han aumentado por la crisis de determinados mercados y la facilidades logradas con el auge de la informática e Internet. Pueden distinguirse los siguientes formatos de publicación:

▪ Tira de prensa, compuesta por una franja horizontal de tres o más viñetas.

▪ La página, que puede compilar varias tiras o presentar una sola, pero desplegada a toda página y color (lo que se denomina sunday, por ser publicada en domingo).

▪ La revista de historietas (comic book en Estados Unidos, pepines en México y tebeo en España), normalmente con grapa y a veces forma de cuaderno, que presenta una o varias historietas.

▪ El libro, que se concreta en Álbum de historietas, Novela gráfica y Tankōbon en las tradiciones franco-belga, estadounidense y japonesa, respectivamente.

▪ Digitales: E-comic, webcomics, etc.

El canal de comercialización más habitual de la mayoría de estos cómics ha sido el quiosco hasta que, con el desarrollo del mercado de venta directa a principios de los años 70, se empezó a imponer la librería especializada. Tanto los propios cómics como sus originales son objeto de un activo coleccionismo.

Con un objetivo comercial, pero también lúdico y didáctico, abundan los eventos de historieta (convenciones, festivales, jornadas, etc.) como un punto de encuentro entre profesionales y aficionados.

Iconografía

Históricamente, los personajes tipo han sido muy importantes para el medio, ya que el lector "desea, quiere y espera que el "bueno" ponga cara de bueno, y el "malo" tenga cara de malo".42

En la historieta se figura, "con medios estáticos, el movimiento real", usando técnicas que ya practicaron los futuristas.

Texto

El texto no es necesario, pero suele estar presente, ya sea en forma de globos o bocadillos, cartelas, textos sueltos y onomatopeyas. Las palabras dichas por los personajes suelen recogerse en los globos, salvo que se presenten fuera para indicar que han subido el tono de voz.


Todos los textos suelen estar escritos en mayúsculas y las diferencias tipográficas, de tamaño y grosor sirven para destacar una palabra o frase, y matizar intensidades de voz. Masotta establece a este respecto un esquema con 7 oposiciones:

▪Diálogo - "Off" ▪Lenguaje interior - lenguaje proferido. ▪Lenguaje normal - lenguaje excepcional. ▪Cerca - lejos ▪Globo - Extra-globo. ▪Línea recta - línea sinuosa (o en zig-zag, o estrellada, etc.) ▪Tipografía normal - tipografía excepcional.

Articulación narrativa

Toda historieta es una narración gráfica, es decir, desarrollada mediante una concatenación de dibujos, y no una serie de ilustraciones cuyo mérito radique en ellas mismas, de tal forma que «cada cuadro o viñeta debe estar relacionado de algún modo con el siguiente y con el anterior». En afortunada expresión de Román Gubern, la «viñeta es la representación gráfica del mínimo espacio y/o tiempo significativo. Al espacio que separa las viñetas se le conoce como calle» y al proceso por el que el lector suple ese vacío se le denomina clausura. Cuanto mayor sea el formato y el número de signos icónicos y verbales, más tiempo y atención deberemos prestar a una determinada viñeta. La historieta usa variaciones del ángulo visual,encuadre y planos, términos éstos que ha tomado del cine, para dinamizar la narración.

INSTALACIÓN ARTÍSTICAUna instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970. Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de las galerías de arte.

Muchos encuentran los orígenes de este movimiento en artistas como Marcel Duchamp y el uso de objetos cotidianos resignificados como obra artística, más que la apreciación de la escultura tradicional que se basa en el trabajo artístico. La intención del artista es primordial en cada instalación, debido a su conexión con el arte conceptual de la década de 1960, lo que nuevamente es una separación de la escultura tradicional que tiene su principal interés en la forma.

Puede incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los más nuevos medios de comunicación, tales como video, sonido, computadoras e internet, o inclusive energía pura como el plasma.

Algunas instalaciones son sitios específicos de arte; ellas sólo pueden existir en el espacio para el cual son creadas.


Fuentes:

http://recursostic.educacion.es/artes/plastic/web/cms/index.php?id=4801


http://es.wikipedia.org/wiki/Dibujo

http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura

http://es.wikipedia.org/wiki/Fotograf%C3%ADa

http://es.wikipedia.org/wiki/Instalaci%C3%B3n_art%C3%ADstica














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Medios de expresión gráfico-plástica