APOYANDO EL PRIMER COMPLEJO DE CINE-ARTEY ARTES ESCÉNICAS DEL ECUADOR

Locate Performance Group de Seattle, Estados Unidos, es el invitado del capítulo 14 del Alas dela Danza. El grupo está dirigido por el ecuatoriano Pablo Cornejo y la norteamericana PaigeBarnes. Ellos presentarán un espectáculo recopilatorio de su trayectoria de once años. Cornejoes uno de los más rigurosos coreógrafos y bailarines del Ecuador. (Foto de Marc Carter)

Alas de la Danza presenta a Locate Performance Group

"Hi-ro-shi-ma es tu nombre"

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N. 76QUITO • GUAYAQUIL • MANTA • VENTURA MALL TUMBACO DICIEMBRE 2007

Su adolescencia,su inestabilidad

Hiroshima Mon Amour, la primera cinta del francés Alain Resnais, filmada en 1959, es unade las glorias del cine de todos los tiempos. Su estilo forzó a la conciencia colectiva y elespectador tuvo que cambiar tanto como el propio cine. Esta cinta fundadora de la NouvelleVague llega a nuestras salas en 35mm, en el marco de la semana de cine francés organizadajunto con la Alianza Francesa. (Foto: Pathé Entertainment)

más allá del cine

La tercera película de Sofia Coppola en temporada.

MARÍA ANTONIETAMARÍA ANTONIETA

APOYANDO EL PRIMER COMPLEJO DE CINE-ARTEY ARTES ESCÉNICAS DEL ECUADOR

Cintas que cambiaron la dinámica"Hi-ro-shi-ma es tu nombre"

más allá del cine

LOCATE PERFORMANCE

GROUP

Hiroshima Mon Amour, la primera cinta del francés Alain Resnais, filmada en 1959, es unade las glorias del cine de todos los tiempos. Su estilo forzó a la conciencia colectiva y elespectador tuvo que cambiar tanto como el propio cine. Esta cinta fundadora de la NouvelleVague llega a nuestras salas en 35mm, en el marco de la semana de cine francés organizadajunto con la Alianza Francesa. (Foto: Pathé Entertainment)

Presentamos una serie especial de varias semanas de duración, en las que exhibiremospelículas que cambiaron el cine y marcaron una época. El "cine de influencia" arranca estemes con 20 películas, entre las que están It’s a Wonderful Life (Que bello es vivir) de FrankCapra de 1946 (en la foto) y cintas de Welles, Buñuel, Hitchcock, Kubrick, Truffaut, entremuchos otros. (Foto cortesía AFI).

GUAYAQUIL • MANTA • QUITO • VENTURA MALL TUMBACO DICIEMBRE 2007N. 48

Alas de la Danza presenta a:LOCATE PERFORMANCE GROUPcon Pablo Cornejo y Paige Barnes

ENTREVISTA"Yo soy gente de campo" 3El director de la multipremiada cinta mexicana El violín habla de su cine y susmotivaciones.

SEMANA DE CINE FRANCÉSCuando el sol cayó sobre Hiroshima 5Galo Alfredo Torres escribe sobre la memoria y sobre Hiroshima Mon Amour. Además,el detalle de otros eventos de la semana francesa: los cortos Les Luthins y una pequeñaserie de "comedias sentimentales".

ESTRENOUna reina cool 5Christian León analiza a María Antonieta de Sofia Coppola.

LAS MEJORES DEL 2007Crónica del debate que pudo ser y no fue 6Las repercusiones del documental ¡Alfaro Vive Carajo! Del sueño al caos de IsabelDávalos, vistas por Rafael Barriga.

Maldad sin banda sonora ni perversidad 6Ganadora de Cannes, la cinta El niño de los hermanos Dardenne es analizada por PaulinaSimon.

La culpa no reconocida 7Alexis Moreano reflexiona sobre lo que él llama un filme de fantasmas: Caché, de Michael Haneke.

Espiar en nombre del socialismo 7Sobre La vida de los otros, de Florian Henckel von Donnesmarck.

CARTELERASinopsis y fichas técnicas de las películas de diciembre. 8

LA FOTOGráfica popular, Ecuador 10Una corta compilación de fotografías incluidas en el libro de Juan Lorenzo Barragán, dereciente aparición.

MUESTRACine de influencia 1120 películas que cambiaron la idea del cine.

TESTIMONIOSEl aprendiz de cineasta y "Pata de Cabra" 11El director guayaquileño Andrés Crespo medita sobre su tercer cortometraje.

Acercarnos a ellas 13Un largometraje documental retrata a las internas de una cárcel. Su director, ÁlvaroMuriel narra el proceso.

APERTURA¡OCHOYMEDIO abrió en el VENTURA MALL! 12Tumbaco está contento. Unas pocas fotos que cuentan la inauguración.

CERO LATITUDEl destino de un festival desafortunado 13Rafael Barriga hace un balance del festival Cero Latitud.

ALAS DE LA DANZA CAP. 14Alas con Locate Performance Group 14Datos sobre la compañía, referencia de las obras a ser ejecutadas y una visiónintrospectiva de su líder, Pablo Cornejo.

FUERA DE CAMPOEl cine ecuatoriano y sus desafíos 15Christian León medita sobre el presente y el futuro del cine en el país.

ARTES ESCÉNICASLennon vive en la memoria 15A propósito del espectáculo musical que Carlos Arboleda y sus amigos presentarán enrecordación a los veintisiete años de un Lennon desaparecido.

PROGRAMACIÓN DE DICIEMBRE 2007 Días y horarios de todas las películas y eventos programados 16

COORDINACIÓN MAAC CINE-MANTA:Leonela Alcívar.WEB MASTER: Gonzalo Vargas.Foto portada MAAC CINE:Por Marc Carter. Cortesía de P. Cornejo.Foto portada OCHOYMEDIO: Cortesía de ColumbiaPictures Corporation.

Las opiniones de los columnistas de este periódicono siempre coinciden con las de OCHOYMEDIO.

OCHOYMEDIODIRECCIÓN EJECUTIVA: Mariana AndradeCOMITÉ EDITORIAL Y DE PROGRAMACIÓN: EtienneMoine, Mariana Andrade, Patricio Andrade, RafaelBarriga, Miguel Alvear, Analía Beler, María FernandaRon, Billy Navarrete, Juan Lorenzo Barragán.EDITOR: Rafael Barriga.COORDINACIÓN: Analía Beler.DIAGRAMACIÓN: Azuca.IMPRESIÓN: Abilit.COORDINACIÓN MAAC CINE-GUAYAQUIL:Billy Navarrete.

EDITORIAL SUMARIO

En el 2003, Guayaquil contó finalmente conuna flamante sala de cine arte dentro de unproceso de cambios complejos que puso ala Sucursal Mayor del Banco Central delEcuador en una posición nueva, con pro-yectos culturales de aparente avanzadaque contenían altas dosis de riesgo por lonovedoso y difícil de su ejecución y puestaen marcha. MAAC CINE necesitaba, paraentonces, no solo el apoyo y entendimientode sus principales autoridades, sino ade-más que los funcionarios administrativosdel BCE (los que finalmente apoyan o detie-nen los procesos internos de un proyectocultural con sus mediciones económicas)entendieran la dinámica de un cine: cumplircon todas las normativas existentes en elmercado en cuanto a pago de derechos, in-clusión del proyecto en circuitos de distri-bución nacional e internacional, incorpora-ción de la sala a los principales festivales,campañas de promoción y una alta dosisde autogestión que permitiera que el pro-yecto se vuelva en mediano plazo auto sus-tentable. Debía alejarse lo más posible delos viejos modelos de funcionamiento deespacios públicos similares que nunca hanpodido salir del anonimato porque se vol-vieron esclavos y víctimas de sus propiasprácticas burocráticas.

MAAC CINE lanzó entonces una alternativa ala oferta estandarizada del circuito tradicionalde exhibición y su éxito fue inmediato. Gua-yaquil era una plaza supuestamente incon-quistable para el cine-arte, porque albergabala mayor cantidad de salas de cine dedica-das exclusivamente a la exhibición comer-cial. Su referencia y modelo, para entonces,fue OCHOYMEDIO, su sala hermana de Qui-to, que había cumplido tres años y en la quese aplicaban criterios de un manejo culturalgerencial creativo, que el público, los mediosy la prensa aceptaron de inmediato. MAACCINE fue aceptado como propio y necesario,porque llenó el vacío existente en cuanto a laexhibición de cine arte se refiere y preparó elespacio para la creación de una cultura cine-matográfica propia y auténtica. Posterior-mente incorporó artes escénicas a su pro-gramación regular y su sostenimiento ha sidoa pulso diario.

La evolución y evaluación de este proyectocultural de parte del Banco Central delEcuador se vio alejada, hasta este año, delas vicisitudes políticas que en nuestro paísse dan todos los días. A pesar de cualquierpronóstico negativo dado por los mismosfuncionarios administrativos cada fin de

año, se dio continuidad y apoyo al proyectodurante cuatro años, los mismos que secumplen este 31 de diciembre.

En estas fechas, la situación ha ido cam-biando. Hoy el futuro del MAAC CINE es in-cierto. Estamos en una etapa de rápidoscambios, de definición de políticas cultura-les nuevas y la gestión de los organismosdel sector se enfrenta a nuevos problemas alos que se debe dar respuestas simultá-neas, en un escenario de complejidad cre-ciente. En la ciudad de Guayaquil, el regio-nalismo ha subido, en todos los niveles, co-mo espuma de cerveza. Intereses particula-res, válidos o no, han aflorado incontenible-mente. De pronto MAAC CINE se convirtióen el objetivo de unos cuantos, bajo el pre-texto de que en democracia “hay que darespacio a todos” y para exigir además quea Guayaquil se “le devuelvan sus espacios”.La pregunta es: ¿cuándo y quién se los haquitado? ¿Qué pasará con los procesos yainstaurados con constancia, permanencia ydedicación de estos cuatro años para em-pezar de nuevo, por dar cabida a “todos”?

En este contexto, el papel de cada uno denosotros adquiere una importancia insosla-yable. Hay que tener voluntad política paraprofundizar las estrategias existentes, paraasumir los cambios, o para desestimar es-tos proyectos enteramente. Pero una deci-sión tiene que tomarse.

MAAC CINE, al estar adscrito al BancoCentral del Ecuador, es un ente estatal cu-ya misión, por un lado, es la de mantener elpatrimonio artístico del Ecuador, y por otro,la difusión del arte y la cultura –ecuatorianay universal–, desde una órbita que no estádominada ni por el mercado ni por intere-ses particulares. Un proyecto cultural deeste tipo implica la definición de posturasconceptuales y de programas de trabajo,pensando siempre que nuestra tarea comoprogramadores y operadores, constituyeuna inversión a largo plazo y no una empre-sa de éxito económico inmediato.

Guayaquil ha sido la gran ganadora desdeel 2003 porque se rompieron desde un prin-cipio los antiguos parámetros del centralis-mo y una era de hermandad comenzó de-bido a la naturaleza misma del cine, es de-cir, a su vocación irrenunciable de arte co-lectivo. Ojalá este sea el espíritu que semantenga en las futuras decisiones delBanco Central, o de quien finalmente las to-me, sobre el manejo de este espacio.

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MAAC CINEMuseo Antropólogico y de ArteContemporáneoMalecón 2000 - Malecón y LojaTeléfonos: 2309400, ext 302,306,307Guayaquil

OCHOYMEDIOValladolid N24 353 yVizcayaLa FlorestaTelefonos: 2904720/21Quito

MAAC CINE MANTAFrente al MalecónJaime Chávez GutiérrezTeléfono: 2627562 ext.103Manta

Este periódico llega a sus manos de manera gratuita por cortesía de Pacificard. Si quiere recibirlo en su domicilio,tanto en Quito como en Guayaquil, suscríbase a suscripciones@ochoymedio.net.

Christian León (Quito, 1974) es crítico de cine yespecialista en cultura visual. Es autor del libro Elcine de la marginalidad: realismo sucio y violenciaurbana.

Alexis Moreano Banda (Quito, 1971) es master enestética y ciencias del arte por la Universidad deParís. Ha sido artista visual y gestor cultural.

Paulina Simon Torres (Latacunga, 1981) eslicenciada en comunicación y literatura por la U.Católica del Ecuador y periodista de cine y televisióndel Diario Hoy de Quito.

Galo Alfredo Torres (Cuenca, 1962) es comentaristacinematográfico y escritor. Ha publicado lospoemarios Cuadernos de sonajería (1999) y Sierrags (2003).

Guayaquil de mis amores…¿y el MAAC CINE de quién?

SOBRE LOS COLABORADORES DE ESTE NÚMERO

QUITO • GUAYAQUIL • MANTA • VENTURA MALL TUMBACO

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OCHOYMEDIO Y MAAC CINE son las primeras salas de cine y artes escénicas del Ecuador dedicadas a la exhibiciónde las cinematografías y el arte contemporáneo. MAAC CINE es un producto cultural de la Sucursal Mayor delBanco Central del Ecuador a través de la Dirección Cultural Regional, y es programado por OCHOYMEDIO.

Después de Las vírgenes suicidas yPerdidos en Tokio, Sofia Coppola, la hija delgran director de El padrino, ha hecho unatercera, interesante película: MaríaAntonieta. Es el momento central de nuestracartelera de este mes, acompañado del

decimocuarto capítulo de Alas de la Danza,que trae a la compañía de danza Locate,directamente desde Seattle, Estados Unidos.Además, la presentación en copia 35mm deHiroshima Mon Amour es todo un privilegio.

Por Paulina Simon Torres

Paulina Simon (PS): ¿Cómo te decidiste porel cine?Francisco Vargas (FV): En mi pueblo no tenía-mos cine. Si esperas que te cuente la historiade que yo desde los siete años ya sabía, puesno. Yo ví una película de niño, unas partes, nisiquiera la ví completa por que había que estarparados, entonces mi papá me subía a mí unratito y luego a mi hermana y ya está. Y tampo-co importaba tanto, ví otra en la adolescencia ydespués más grande fue que vi películas y su-pe que eso quería hacer. Sin embargo, noso-tros teníamos el cine en casa, mi bisabuela mu-rió de 115 años y era una narradora excelentede historias y ella era nuestro cine. Es toda es-ta tradición oral de la que están cargadosnuestros pueblos.

PS: ¿Cómo te planteaste la postura de de-nuncia social en El violín?FV: Es una película política. Tengo una posi-ción muy clara y hago lo que me interesa hacersin ningún temor. A mí no me da miedo decirque la película es abiertamente de denunciasocial, lo que no quería era que se convirtieraen una visión fácil. Los directores de cine, sonante todo contadores de historias, y a mí me in-teresa contar una historia poderosa, bien es-tructurada, emotiva. Por otro lado, me pareceque el cine en México se había alejado de sucontexto inmediato. Me parece que es una ne-cesidad que también haya de estas películas,un cine que nos permita acercarnos a esasrealidades y reflexionar sobre esas problemáti-cas que viven millones de personas en México.También tiene que ver con una convicción per-sonal. Para mí el cine es una responsabilidadsocial. Yo no podría salir a la calle y, despuésde saber que en México hay 60 millones de po-bres, no hacer una película y no hablar en ellade las cosas que me apasionan y me llenan co-mo la música, la tradición, los conocimientosde los pueblos indígenas, y por otro lado lascosas que me preocupan, que me duelen, loque quiero cambiar y no puedo. Es como to-mar el cine como una pequeña trinchera des-de la que haré lo que pueda por hablar, hacerlo que me gusta y a la vez con lo que no estoyde acuerdo. Alguien tiene que hacer el trabajosucio, hay muchas otras películas y está muybien, el asunto es que en nuestras cartelerassolo hay de un tipo y estamos inundados por elcine de Hollywood. Necesitamos diversidad.

PS: ¿Por qué la película es en blanco y ne-gro?FV: Es en blanco y negro porque yo buscaba

que tuviera una apariencia documental y unade las maneras de conseguirla era filmandoen blanco y negro, cámara en mano, con unamezcla de actores profesionales y con noprofesionales. Filmando en comunidades quepermitían retratar esos ambientes, esas at-mósferas. Filmar en blanco y negro era con-secuente porque el sentido de realidad, lasensación de verdad que a uno le queda dever un documental es diferente que la quecasi siempre le queda a uno de ver una fic-ción. Y casi siempre cuando en una películase habla de problemas sociales, de injusticia,de violación de los derechos humanos, de lamiseria en los pueblos, si es documental tequeda la sensación que cuando abres lapuerta del cine y sales a la calle eso existe oha existido, o está sucediendo. Cuando vesuna ficción es más fácil olvidarlo es solo unapelícula y ya está. Por eso, justamente lo quequería era buscar esa sensación de verdadque te deja el documental, pero con una pe-lícula de ficción.

Luego, el blanco y negro tiene que ver tam-bién con que este es un tema que nunca sehabía tocado en México y es un asunto quefácilmente se presta para visiones maniqueís-tas, estructurales, muy simples, simplonas.Es decir, enfrentar a los buenos y los malos:pobres indígenas oprimidos, ejército repre-sor. Y la situación real es mucho más comple-ja que una historia de buenos y malos, lo esen la realidad y yo quería que en la ficcióntambién lo fuera. Que no cayera en una visiónpanfletaria y sencilla. Y el blanco y negro deuna manera estética y simbólica, nos permi-tía hablar de blanco y negro como opuestostotales, pero que en medio hay una gama degrises que son los que hacen que se separeny se unan. Son los que permiten comprenderla complejidad de todo ese espectro.

PS: ¿De dónde nace el personaje de DonPlutarco, el violinista?FV: Don Ángel es un músico de la Tierra Ca-liente, del sur de México, del Estado de Gue-rrero y viene de una familia de músicos conuna tradición de más de 50 años.

PS: ¿Dónde lo descubriste?FV: Yo hice radio durante mucho tiempo y te-nía un programa sobre la música popular me-xicana de todas las regiones y llevaba gru-pos a la estación para abrirles un espaciodentro de la radio comercial y ahí fue que loconocí. Sin embargo, la forma en la que final-mente llega a la película es muy curiosa. Yoantes de hacer El violín hice un documental

que se llama Tierra caliente... Se muerenlos que la mueven, que habla de la fertilidadde la tierra para dar a luz a músicos. Sin em-bargo, en esa región está desapareciendo lamúsica. Quedaban entonces apenas siete uocho viejos que guardan la memoria musicalde este pueblo y yo hice el documental de laproblemática de esa música a partir de la vi-da de este hombre. Ya tenía el guión de Elviolín y cuando decidí que era momento deempezar, hicimos casting durante seis mesespara buscar al actor. Yo requería un actor,porque básicamente las condiciones en lasque filmaríamos El violín eran muy particula-res: estaba planteada con un presupuestomuy limitado, apenas en cuatro semanas, enla montaña, con condiciones climáticas difíci-les, con poco material para filmarla. Muchascosas que me hacían pensar que necesitabaun actor para que vaya a mi lado ayudándo-me en lugar de que yo lo vaya jalando.

PS: ¿Qué pedías en el casting?FV: A las chicas que hacían el casting les de-cía que necesitaba un viejo, que sea frágil,pequeño, delgado, que tenga rasgos indíge-nas marcados, que tenga buena dicción,buen oído musical, idealmente que toque uninstrumento, que tenga una mirada profunday carismática y fue cuando me dijeron que nohabía modo de encontrar alguien así que lohaga en animación. Ahí me dijeron las perso-nas de casting que si no era mejor hacer elcasting entre los músicos que yo conocía demis estudios y del documental. Cuando plan-tearon eso se prendió el foco, no había quehacer casting si Don Ángel estaba dispuestoestaba elegido para el personaje. El únicoasunto es que Don Ángel no tiene una manoentonces eso implicaba otro planteamiento ala hora de filmar y yo tenía que reestructuraralgunas cosas que él no puede hacer en lapelícula como lo que pedíamos: va corriendoen la burra, se baja, se tira, pecho a tierra 20metros, cruza el río corriendo.

PS: Entonces, ¿que Don Ángel fueramanco fue un añadido para el dramatis-mo del personaje?

FV: Sí, ahí tuve que repensar el asunto y verde qué manera usar ese elemento comouna ventaja y no lo contrario. Corríamos elriesgo de que sea un elemento morboso, fa-cilón. Era una gran dificultad, ¿cómo mane-jar un elemento tan particular y tan caracte-rístico, pero que a la vez podía ser tan sim-bólico? En realidad ya lo había manejado enel documental. Cuando conocí a Don Ángely a otros músicos de la región, todos me de-cían “porqué te decidiste por Ángel, si noes el mejor, hay algunos que son virtuosos”.Sin embargo, Ángel me permitía hacer lametáfora de las costumbres, de las tradicio-nes, de la sabiduría popular, de la resisten-cia de los pueblos. Él a pesar de no teneruna mano había resistido y conservado latradición entonces era: Aunque nos cortenlas manos. Visto de ese modo, su personatan carismática, fuerte y con principios tanarraigados y el hecho de que sea manco leañadía fuerza a la historia.

PS: ¿Tomaste en cuenta a Juan Rulfo pa-ra la historia de El violín?FV: No, pero han hecho esta comparaciónmuchas veces. La han hecho con Rulfo, conBuñuel, lo cual es un privilegio y una honra.Pero si soy sincero diré que no, porque pri-mero a mí no me interesa mucho este asun-to de andar homenajeando, parafraseando,no porque no quiera, sino porque no se meda. Yo creo que más bien puede haber simi-litudes en el sentido de que yo soy gentedel campo, yo me críe con la misma tradi-ción oral campesina, las mismas costum-bres de mirar la naturaleza, el pueblo, lagente, el paisaje. Es algo que está ahí, quesin tratar de conceptuar demasiado es co-mo una estética que está impregnada en miforma de vivir y que después se puede verahí, en la historia. Por otro lado, todo aque-llo que uno ha leído, ha visto está ahí en elinconsciente. A lo mejor no lo traes de unamanera racional, no buscándolo, pero unose alimenta de todo eso.

PS: ¿Cómo tomaron la película en México?FV: La llamaron “el fenómeno El violín”. Laestrenamos primero en Cannes, despuésen San Sebastián y un puño más de festiva-les. Un año después no se podía ver en Mé-xico porque no había un distribuidor quequiera comprarla, argumentando que esuna película que no le gustaría a la gente.La película ganó y sigue ganando entre dosy tres premios por mes durante un año y to-do el mundo decía cómo es posible que enMéxico no se la pueda ver. Ya tiene 42 pre-mios y había mucha prensa y mucha expec-tativa. Nadie había visto la película y ningúndistribuidor quería comprarla. Lo que termi-namos por hacer fue convertir nuestra pro-ductora en distribuidora, nos asociamoscon otra productora, hicimos una salidamuy chiquita con 20 copias cuando en Mé-xico las películas salen con 300 o 250 co-pias mínimo. Cien era una salida pequeña,nosotros con 20 pensamos que si crecía laspodíamos aumentar. Hicimos una campañapromocional alterna y empezamos a crecer,crecimos con más copias, luego en provin-cias, se agotaban las entradas, había cola,la gente pasaba la voz. En lugar de durar lasemana o dos que dura un estreno mexica-nos El violín duró 14 semanas, después sesiguió viendo, salió en DVD y colegios,agrupaciones sociales, casas de la culturaabrieron sus propias funciones y debates.Esto tuvo una repercusión, primero en elámbito cultural, nicho natural de este tipode películas, pero después sobrepasó esteambiente por que la gente acudió masiva-mente a las salas y luego la piratería la pu-so en el top ten, desde abril y sigue ahí.

PS: ¿Qué significa para ti que El violínsiendo tan arriesgada y ópera prima ten-ga tanto éxito?FV: Es gratificante ver el éxito de la pelícu-la, siempre que uno hace algo que tieneque ver con el cine no sabe cuáles van aser los resultados, pero uno nunca esperaque a la película le vaya mal. Nadie quierehacer una mala película, pero no se puedetener la certeza de cómo va a quedar por-que es un proceso subjetivo y muy largo,porque hay muchos factores involucrados.Entonces que a esta película le siga yendotan bien es gratificante para mí y para cadauno de los que participaron en el proyectoporque de alguna manera es el reconoci-miento al trabajo de equipo, es estimulante,nos da confianza y seguridad, a mí y a todoel equipo.

Francisco Vargas:“Yo soy gente de campo”

QUITO • GUAYAQUIL • MANTA • VENTURA MALL TUMBACO

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ENTREVISTA

Han comparado a El violín conRulfo, con Buñuel, lo cual es unprivilegio y una honra. Pero sisoy sincero diré que no, porqueprimero a mí no me interesamucho este asunto de andarhomenajeando, parafraseando,no porque no quiera, sinoporque no se me da.

NATURAL DE IXTAPALUCA, ESTADO DE MÉXICO, FRANCISCO VARGAS, DE39 AÑOS DE EDAD ES UN DIRECTOR DE CINE INTELIGENTE Y AGUDO. SUPELÍCULA EL VIOLÍN HA GANADO 42 PREMIOS INTERNACIONALES. A SUPASO POR QUITO, EN EL MARCO DEL FESTIVAL CERO LATITUD, VARGASHABLÓ DE SU OFICIO Y DE SU PELÍCULA.

Por Galo Alfredo Torres

¿Qué sentido tiene hoy volver sobre una pelí-cula de 1959? Puesta así la pregunta, noexenta de cierto dramatismo, uno se consue-la pensando que al fin y al cabo es más mo-desta comparada con aquella otra enormeplanteada por Heidegger sobre el “sentidodel ser”. Hiroshima mon amour, la película;Alain Resnais su realizador; y Marguerite Du-ras, la guionista y dialoguista, significan tantoen la historia del cine y la literatura, que sí, lapregunta por el sentido de volver sobre ellosy homenajearlos solo ha sido un pretexto pa-ra vencer el vértigo inicial antes de entrar a laFrancia de los sesenta.

La Nouvelle vague francesa, el nicho cinema-tográfico en el que se gesta esta obra, per-manece como una de las cotas más signifi-cativas que han jalonado la historia del cine,solo comparable y equiparable en relevanciaal Neorrealismo italiano y el primer indepen-dentismo norteamericano, sus pares y coetá-neos, que en conjunto determinaron la co-rriente mayor de lo que hoy se conoce, no sinpudores frente a la relatividad de toda perio-dización, como el Cine Moderno y sus con-signas de distanciamiento de los modelos re-tóricos y representacionales del clasicismo,anunciadas ya en 1941 por Ciudadano Kanede Orson Wells; deslinde que en la cinemato-grafía francesa de los sesenta asumiría unaparticular configuración e intensidad, cuyasmarcas comienzan a perfilarse durante todala década de los cincuenta y eclosiona cuan-do el Festival de Cannes de 1959 premia aLos 400 golpes de François Truffaut e Hiros-hima mon amour.

La Nueva Ola como movimiento no fue unabanda monolítica. Más bien un grupo con va-rias alas. Están los cinéfilos que pasaron dela crítica a la realización: Truffaut, Chabrol,Godard, Rivette y Rohmer, formados en la Ci-nemateca Francesa, tutelada por Henri Lon-glois, escribieron para los Cahiérs du cinè-ma, revista dirigida por André Bazin y que yadefendía nuevos principios de la puesta enescena y la política de autor. Y estaba la míti-ca y sediciosa escuela de La Rivière Gauche,que aportaron al movimiento una buena dosisde literatura y experimentación, formada porintelectuales de izquierda: Vardà, Demy, Mar-ker, Malle y la Santísima Trinidad: Resnais,Robbe-Grillet y Duras; escritores estos dosúltimos miembros también de ese otro movi-miento referencial y rupturista que fue el Nou-veau roman.

De lo dicho se deduce que Hiroshima vienea ser uno de los frutos supremos del marida-je entre cine y literatura, en un contexto en elque tanto la Nueva Novela como la NuevaOla francesas reclamaban y proponían pro-fundas renovaciones a sus respectivas tradi-ciones. Si Robbe-Grillet, Sarruate, Butor y Du-ras cuestionaban las formas de base aristoté-lica-balzaquiana de la novela de pre-guerra ysu apego a la trama, la caracterización fuertey la coherencia tiempo-espacio, oponiendo labúsqueda de “nuevas formas novelescas”sobre la base de la desaparición del héroe, laausencia de intriga, la destrucción témporo-espacial, la negación de rasgos psicológi-cos, y consecuentemente, una mayor partici-pación y exigencia al lector; la Nueva Ola porsu lado cuestionaba al cine comercial fran-cés heredero del clasicismo y el academis-mo, al que oponía un modo de narración librede lazos causales y de cohesión espacio-temporal, el filme como medio de expresiónque posibilita un estilo y la responsabilidadartística del creador; amén de los pequeñospresupuestos, equipo reducido, el recurso aldirecto y el empleo de actores no profesiona-les como opciones de producción; ademásde la puesta en discusión de la forma en que“representa” la realidad el cine y la naturale-

za de sus propios medios y lenguaje; estrate-gias discursivas que necesariamente recla-maban un espectador comprometido y cóm-plice con aquello que se pone en pantalla.

Por supuesto, de entre los varios ítems de ladoctrina nuevaolera, cada uno de sus culto-res seleccionó, mezcló y practicó un estilo ola convicción de tener un estilo, fiel a las pre-misas de la “política de autor”. Entre susmiembros hay puntos de coincidencia, perotambién distancias. Y Resnais, que venía deldocumental, al filmar su primer largometraje,precisamente Hiroshima, prueba que el bos-que de la Nueva Ola no ocultó a sus árboles.Comunidad y diferencia constituyeron la ma-triz conceptual que Resnais la resumía en es-tos términos: “Una película clásica no puedereflejar el ritmo real de la vida moderna… Lavida moderna es fragmentaria…” Si la vidamoderna era desarticulada o desordenada,entonces una narración lineal de base aristo-télica ya no tenía sentido.

Y eso es lo que primero se percibe en Hiros-hima, su construcción no lineal, fruto de unmontaje que no se supedita a la narración si-no a sí mismo en cuanto estructurador de unobjeto estético, y por tanto, los saltos atrás ylos bruscos retornos al presente, que recla-man la parte del espectador, quien deberárearmar los fragmentos que están repartidosen cinco universos de imágenes: la aventuraamorosa de la actriz francesa con el arquitec-to japonés; el fondo de una Hiroshima resuci-tada que se mueve otra vez y sobre cuyo fon-do se recorta dicho romance y en el que ade-más se filma una película sobre la paz, bri-llante giro de mise en abyme o cine dentrodel cine; el recuerdo del castigado romancede la actriz vivido catorce años antes con unsoldado alemán de la Ocupación, en Nevers;y el último, el más terrible: el museo, las fotos,los documentos, los filmes de “los doscientosmil muertos y ochenta mil heridos en los nue-ve segundos” de la explosión nuclear del 6de agosto de 1945. Si las historias que secuentan son comprensibles por lineales, es lamanera en las que son relatadas y están teji-das entre ellas lo que constituye el gesto in-novador: los cruces entre las historias, losdiálogos y sonidos que a veces no corres-ponden a las imágenes, son elementos quepatentizan al narrador y reposicionan el lugardel espectador.

Toda ruptura es relativa. Nunca se corta deraíz con el pasado; se parte dialécticamen-te de aquel. Así, la tradición “dialoguista”del cine francés clásico, film d’art y de laqualité, se cuela en este filme moderno porvía de las líneas y diálogos del poético textode Marguerite Duras. Un guión y unos diálo-gos que han elegido el contrapunto para irtejiendo la trama de acontecimientos y laacción de los personajes. A ese mecanismode pregunta-respuesta del plano estético,que lleva a la cámara de la habitación en laque platican los amantes a las imágenes delmuseo y allí alternan con imágenes fílmicasde archivo, le corresponde el debate delplano ético, que se juega en los diálogos,deliciosamente vocalizados por Eiji Okada yEmmanuelle Riva: “No has visto nada en Hi-roshima”, y la respuesta; “Lo he visto todoen Hiroshima”. Aquí está otra de las tesis, eneste intercambio de afirmaciones y negacio-nes de la mirada; tesis que empata con laspreocupaciones que discutía la Nueva Ola:¿qué vemos del mundo? ¿cómo vemos elmundo? ¿cómo reconstruimos lo mirado?Pero Duras y Resnais le dan una vuelta detuerca a las preguntas y al problema cuan-do las llevan al plano de la dicotomía memo-ria-olvido: ¿Por qué olvidamos? ¿Por qué re-cordamos? ¿Y cómo funcionan tales opera-ciones?

Mas la requisitoria sobre la mirada y la me-

moria no se quedan en el sujeto individual.No. Porque esas preguntas se amplían e in-terrogan al cine y su representación, y a lahistoria y sus responsabilidades. No es ca-sual que el filme comience con planos dedetalle de la piel de los amantes, y luegopase a mostrarnos las imágenes del horrorpost atómico, del día en que toda la tempe-ratura del sol quemó Hiroshima. ¿Qué nosqueda de aquél absurdo de la historia? So-lo reconstrucciones “a falta de otra cosa”;ilusiones, lo más “seriamente hechas”; in-venciones “a falta de otra cosa”. Porque laimaginación, incluso la cinematográfica, noobstante su fertilidad, poco alcanza paraaprehender el estupor y tanta estupidez hu-mana. Solo la reconstrucción, “a falta de

otra cosa”, para luchar contra el olvido ypostular la necesidad de la memoria comoun alivio, como una advertencia, como unsoporte de arrepentimiento salvífico

Esta es la tesitura de un filme, un realizadory su guionista, que valen todo lo que se hadicho y se seguirá diciendo sobre ellos, so-bre su herencia ética y estética: el haberapuntalado al cine como un lenguaje dota-do de todas las posibilidades para pensar,no solo el cine sino la historia y el mundo.Esto ha colocado a Resnais y Duras entrelos referentes de esa vertiente conocida co-mo cine-ensayo, aquella que se propone,no se sabe si fallida o exitosamente, pensarcon imágenes y adorno.

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SEMANA DEL CINE FRANCÉS

¿POR QUÉ OLVIDAMOS? ¿POR QUÉ RECORDAMOS? ¿CÓMO FUNCIONANTALES OPERACIONES? UNA DE LAS CINTAS MÁS IMPORTANTES DEL CINE,HIROSHIMA MON AMOUR, DE ALAIN RESNAIS, SE HACE ESTASPREGUNTAS. SE PROYECTA EN 35MM GRACIAS A LA ALIANZA FRANCESA.

GYEUIO TUM

Cuando el sol cayósobre Hiroshima

Como todos los meses de diciembre,OCHOYMEDIO y la Alianza Francesa pre-sentan una semana dedicada al cine deFrancia. En este 2007 además de la extraor-dinaria presentación en 35mm de HiroshimaMon Amour, vendrán al Ecuador tres filmesrecientes que forman una pequeña serie decomedias sentimentales. Changement D’A-dresse (foto) de Emmanuel Moiret, Tú y yode Julie Lopes Curval y Si me amas sígue-me de Benoît Cohen son las cintas seleccio-nadas para esta programación, que estaráen las salas de Quito, Tumbaco y Guayaquil

durante la primera quincena de diciembre.Como si esto fuera poco, se presentará (so-lo en OCHOYMEDIO Quito) el Festival LesLuthins du Court-Métrage (Los duendes delcortometraje). Este evento es una réplica delque se realiza en Francia, cada año, y querecompensa a técnicos, autores e intérpre-tes del cortometraje francés, así como a losmejores cortometrajes europeos. La progra-mación completa de los cortos y las progra-maciones de Les Luthins se puede ver enwww.ochoymedio.net.

Comedias sentimentales y cortometrajes “Les Luthins”

Emmanuelle Riva en Hiroshima Mon Amour, obra fundadora de la Nueva Ola. Foto cortesía Pathé Entertainment.

Changement D’Adresse. Foto cortesía Unifrance

EN MARIA ANTONIETA, SOFIACOPPOLA TOMA A UN PERSONAJEHISTÓRICO Y CUENTA SU VIDA CO-MO SI SE TRATASE DE LA SUYAPROPIA.

Por Christian León

El linaje de SofiaComo Maria Antonieta, Sofia es una reina.Pertenece a la nobleza nuevayorkina. Es hijade Francis Ford Coppola, sobrina de TaliaShire. Sus primos son Nicolas Cage y JasonSchwartzman, duques del espectáculo. Des-de que era bebé ha figurado en películas desu padre quien produjo los tres largometrajesque ella ha escrito y dirigido.

Es quizá por esta razón que Sofia causa ani-madversiones. Y sí. Mientras miles de direc-tores se parten el alma para realizar una pe-lícula, la reina nuevayorkina tiene la vida re-galada. Es común encontrar notas que des-califican el cine de la Coppola por su frivoli-dad, propia de una niña mimada. Digamoslas cosas por su nombre. La joven directorade 36 años es una hija de papi que sabe ha-cer cine. Sus tres largometrajes Las vírge-nes suicidas (2000), Perdidos en Tokio(2003) y María Antonieta (2006) son filmesestilizados, atmosféricos, seductores. Nopienso que ninguno sea una obra magna, co-mo lo ha planteado el poeta ecuatoriano Cris-tóbal Zapata y el crítico español Carlos Here-dero. Sin embargo, todos descubren una mi-rada personal, sosegada y melancólica des-de una subjetividad femenina.

Sería un error comparar a la ex de Spike Jon-ze, con realizadoras como Naomi Kawase,Claire Denis o Lynne Ramsay. O peor aúncontraponer su estética cool al filme contem-plativo estilo Hou Hsiao-hsien como lo haceinjustamente Quintín, pontífice de la críticaargentina. El cine de Sofia Coppola no buscala profundidad, es pura atracción de superfi-cies, es fashion y cosmético. Es caprichosocomo ella, académico como el de su padre.A pesar de ello, o quizá por ello, mantieneuna coherencia estética y conceptual. Susconcepciones visuales combinan bastantebien el encuadre clásico con una estética vi-deoclipera, casi publicitaria. Sus guiones evi-tan todo psicologismo y trabajan con histo-rias soterradas de feminidad y adolescencia.Perfectamente podría caracterizarse como lavertiente soft del posmodernismo rocambo-lesco a lo Tarantino. La sutileza visual, el gus-to exquisito por la música pop, la escasez dediálogos, la mezcla de géneros narrativosson una constante para la directora. Su cineestá dirigido a los sentidos, más que a la in-teligencia o al corazón. Razón suficiente pa-ra que muchos lo consideren superficial yfrío, cuando simplemente es cool.

Postales de VesallesMaría Antonieta es el filme más ambicioso ylogrado de Sofia Coppola. No es casual querevistas tan prestigiosas como Film Commenty Cahiérs du cinèma la hayan puesto en suportada. Sí. María Antonieta es una películaarriesgada en muchos sentidos.

En primer lugar es una producción históricade alto presupuesto (40 millones de dólares)que no deja de lado la experimentación narra-tiva y visual. Por un lado, la película ostentauna fastuosa ambientación, por el otro unanarrativa antidramática, multirítmica y elíptica.Rodada en el propio palacio Versalles, la obraalcanza niveles sorprendentes de veracidaden arte, vestuario y maquillaje. Al mismo tiem-po, desconstituye el efecto de verdad a travésde la inclusión de códigos narrativos pocousuales en el filme de época tal como sucedeen la Miss Julie (1999) de Mike Figgis y en Lainglesa y el duque (2001) de Eric Rohmer.Junto a planos fijos y panorámicos de Vesa-lles, conviven tomas cámara al hombro, sec-ciones video clip. En contra de la continuidadde la narración clásica, avanza un relato enespiral por saltos y discontinuidades.

En segundo lugar, Coppola toma a un perso-naje histórico y cuenta su vida como si se tra-

tase de la suya propia, instalada en la actua-lidad. La historia, basada en una biografía deAntonia Fraser, reconstruye la vida íntima deesa muchacha de 14 años que tuvo que de-jar su Austria natal para convertirse en la es-posa de Luis XVI. La Reina pasa perfecta-mente por cualquier joven contemporáneaagobiada por la fama mediática y el star sys-tem. Más aún la película parece decir queVersalles puede ser el sueño de cualquieradolescente fashion. No es casual que entrelos zapatos de la reina adolescente la cáma-ra ponche unas Converse. En efecto, la di-rectora –posmoderna confesa y convicta– sedespoja del peso de la historia y la política. Elmundo histórico está transformado en puraescenografía, la política casi está ausente,aparece solamente en conversaciones oca-sionales o en los planos fijos y finales del pa-lacio destruido por la Revolución. María An-tonieta es un delicioso pastiche posthistóri-co, hecho de bellísimas estampas en colorespastel, escenas nocturnas de bohemia y jue-go, recreaciones de bailes alucinantes, todoa ritmo de bandas como New Order, The Cu-re, The Strokes, entre otros. Aun así, críticostan exigentes como Andrew Sarris sostienenque este es el mejor tratamiento que se hahecho hasta la fecha sobre la Delfina deFrancia.

La discontinuidad de la narración y la deshis-torización del relato, dejan a la película en uncurioso limbo. Es un filme sobre la Reina de-capitada por la Revolución Francesa pero noexactamente, es un filme histórico pero noexactamente. ¿Cómo calificar entonces a lapelícula? La respuesta es sencilla: como unamás de Sofía Coppola.

Adolescencia, seda y pastelitosSi algo caracteriza a los filmes de Sofía Cop-pola es una sensibilidad juvenil, refinada ydecididamente femenina. Frente a la narra-ción machista del cine clásico y al deseo fá-lico de la narración de autor, la directora cul-tiva una narrativa sosegada que no se afirmaen la potencia y la prepotencia sino en la se-ducción. En todos sus filmes, incluso en Lasvírgenes suicidas (narrada desde el puntode vista de un chico), se libera el deseo fe-menino, una onda expansiva que transformatodo. Sus tres películas configuran una espe-cie de “trilogía de soledad femenina”, una sa-ga donde no hay grandes heroínas, ni con-quistas, ni aventuras sexuales desaforadas,

solo bellos y sutiles estremecimientos del de-seo. Quizás por eso, una divina tribu de actri-ces alternativas y excéntricas habite sus pe-lículas, Kirsten Dunst a la cabeza.

María Antonieta es una colección de peque-ñas alteraciones que suceden entre el dormiry el ritual cortesano. En la película, Versalleses un espacio delicadamente iluminado, detonalidad celeste y rosa, llenas de terciopelo,sedas y apetitosos pastelitos. La paradojaestá en que ese lugar tan chic pueda ser unadespiadada máquina de producir soledad yfrustración. La película es la perfecta versiónteenager de Larga vida a la señora (1987)de Ermanno Olmi. Por reiteradas ocasionesmonta el plano de un cortinaje abriéndose al-rededor del lecho nupcial. A través de estaimagen, la película nos invita a pasar delmundo nocturno, apacible y solitario, al mun-do luminoso, social y vociferante de la corte.

Entre el ensimismamiento del mundo noctur-no y la alienación del ritual se produce unapequeña variación, una ligera desviación. Esentonces cuando María Antonieta deja de la-mentarse por su matrimonio no consumado,por las presiones familiares y sociales. Es en-tonces cuando la joven ansía ver el amane-cer, llevar un vestido suelto, acariciar a uncorderito, refugiarse en su casa de campo yen su pequeña hija o simplemente entregar-se a los brazos de su amante. Para Coppola,la soledad parecería tener algún nivel de dig-nidad, es un espacio no alienado junto al cualsurge el deseo. A pesar de que las concep-ciones de la directora sobre el ritual y su tras-gresión son bastante precarias y modernas,no deja de ser interesante su apuesta poruna mujer adolescente en busca de sí mis-ma. Una adolescente iluminada por un deseoque la transforma a cada instante.

ESTRENO

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La discontinuidad de lanarración y la deshistorizacióndel relato, dejan a la película enun curioso limbo. Es un filmesobre la Reina decapitada por laRevolución Francesa pero noexactamente, es un filmehistórico pero no exactamente.

La reina adolescente llega a Versalles. Kristen Dunst en la tercera película de Sofia Coppola. Foto cortesía de Columbia Pictures Corporation.

UIO TUM

Una reina cool

La Reina pasa perfectamente porcualquier joven contemporáneaagobiada por la fama mediática yel star system. Más aún lapelícula parece decir queVersalles puede ser el sueño decualquier adolescente fashion.

Como si fuera su propia vida. Coppola se identifica con María Antonieta. Foto cortesía Columbia Pictures.

Por Paulina Simon Torres

Silencio, miseria, instinto de supervivencia,Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne pare-cen ser sinónimo de todo aquello que Can-nes aprecia en una película merecedora dela Palma de Oro. En 1999 los hermanos bel-gas conquistaron ese premio con su pelícu-la Rosetta. En 2002 estuvieron en selecciónoficial por Le fils y en 2005 alcanzaron unavez más la Palma dorada con El niño.

Con un estilo limpio, sobrio y austero los her-manos Dardenne llevan al cine historiascomplicadas en relación a la sociedad, perobásicas en cuanto al ser humano y su natu-raleza. El niño parte de la problemática dela paternidad o la usa como la justificaciónpara demostrar que en una sociedad fría ymoderna, la ternura estereotípica de los in-fantes no tiene lugar sobre la libertad y elplacer.

Esta película retrata una realidad social, sinconvertirse en una denuncia; solo en la repre-sentación de las carencias y las inclinacionesmás viscerales de dos jóvenes inocentes has-

ta el punto de la irracionalidad. Bruno y Soniaacaban de tener un hijo, el pequeño Jimmy.Ella acaba de salir del hospital con el bebé enbrazos y no encuentra al padre por ningún la-do, el departamento donde viven juntos, estáarrendado a una pareja por el fin de semana.Finalmente, sin demasiada impaciencia y sinconflicto Sonia encuentra a Bruno debajo deun puente donde se oculta y esconde la evi-dencia de sus atracos diarios.

La pareja de adolescentes tiene un modo decomunicarse casi primitivo, tan elemental y es-cueto como el modo en el que son observa-dos por la cámara. Deambulan por una ciudadgris, con aspecto industrial sin casi nada quedecirse, ningún plan por delante, alguno queotro bolso o compra que robar y un recién na-cido a cuestas.

Frente a la incertidumbre, el ambiente invernaly la simpleza de los padres, el público no pue-de hacer más que continuar paciente, como lohacen los directores, expectantes de nuevasfrases dichas al aire, de pequeñas decisionesque son apenas una manera disimulada deseguir con la rutina.

Si bien toda la trama gira en torno al infante,él es apenas un elemento, una mercadería,un producto de las caricias torpes de suspadres que puede negociarse con gran faci-lidad en el mercado negro de la adopción.La naturalidad con la que se expone cadapequeño crimen, cada error y duda, no dejasitio para la reflexión, para el giro de tuercaque uno esperaría en las personalidades delos protagonistas y menos aún para una de-corosa redención en beneficio de la moral.No existe juicio posible: los progenitores sonseres sin pasado, están solos en un mundoque les ofrece el bienestar de la seguridadsocial que provee el Estado y ninguna alter-nativa clara frente a la marginalidad.

Tanto la película como la anécdota son ape-nas circunstancias de la supervivencia y no

existe un panfleto de ética que arroje luz so-bre el destino.

Con una cámara que hace las veces de na-rrador testigo y la ausencia total de música,la historia transcurre sin quiebres sino hastael final que puede ser la única reacción sor-presiva del protagonista.

El estilo de los hermanos Dardenne, tanto enEl niño como en Rosetta deja la impresión deque las historias han sido elegidas al azar enuna abundante franja de vidas marginales. Laambientación de cada una realza la posibili-dad de encontrar decadencia en cada rincónde estas ciudades anónimas. En El niño, serpadre o no, no es la cuestión como uno cree-ría. Sobrevivir a uno mismo y la inocencia casiinverosímil es en verdad la cuestión.

Dos niños motorizados. Fotograma de El niño cortesía de Les Films du Flueuve.

Por Rafael Barriga

Al hacer la lista personal de las cuatro mejorespelículas que se estrenaron en los cines delEcuador durante el 2007 –y que son las queaparecen reseñadas en estas dos páginas deeste periódico– decidí incluir al documental¡Alfaro Vive Carajo!: del sueño al caos, porser una cinta cuya historia, como escribió Ro-berto Aguilar en estas mismas páginas, que“no solo la habita sino que la trasciende”.

En efecto, la historia del grupo otrora armado¡Alfaro Vive Carajo!, aunque a veces contadacon atropello, fotografiada –en sus imágenesoriginales– con poca destreza, y dirigida conexcesiva candidez, resulta imprescindible paraentender un importante momento de la historiareciente del Ecuador. La naturaleza de la histo-ria, y las voces de quienes la cuentan, son tansubstanciales, que sin duda esta película de-bió despertar, en el momento de su estreno, unnuevo y verdadero debate sobre los horroresdel febrescorderato, y debió sacudir la con-ciencia nacional en su integridad.

Juan Cuvi, el más articulado de los lideres deAVC –el hombre más torturado del Ecuador,según su compañero Santiago Kingman–, re-vela dos puntos que me parece que merecen,por lo menos, un proceso de investigación queseñale la veracidad de sus aseveraciones, yque de ser ciertas, deberían tener duras con-secuencias para los imputados.

Cuvi señala, por un lado, que el entonces pre-sidente de la República León Febres Cordero,y el entonces gobernador del Guayas, y hoy al-calde de Guayaquil, Jaime Nebot Saadi, estu-vieron físicamente presentes durante las per-severantes torturas que le propinaban en laciudad de Guayaquil, los gendarmes encarga-dos de ese propósito. En la misma película elIngeniero Febres Cordero se encarga de de-sestimar los cargos, como es lógico. Pero,¿qué ganaría Cuvi mintiendo en este caso? Sila víctima de un proceso de violación tan gra-ve a los derechos humanos, denuncia ante lascámaras de este documental un caso comoeste, ¿no debería actuarse de oficio, e investi-garse las acusaciones? ¿No debería este seruno de esos casos que los periodistas estánesperando para hacer noticia y si pudieran, es-cándalo? Nada de esto ha ocurrido.

Otro punto que quedó en claro, tras las pala-bras de Cuvi, pero también del periodista Die-go Oquendo, es aquel de la relación entre lamuerte de Nahim Isaías Barquet en el trágicoepílogo del secuestro del que fue objeto porparte de AVC. Se señala a sus sucesores, Ro-berto y William Isaías, como sujetos interesa-dos en la muerte de su famoso tío para retenerpara sí el Banco La Filantrópica, al cual, enaños posteriores, el Estado ecuatoriano, en laadministración de Jamil Mahuad Witt, entrega-rá 800 millones de dólares para su frustradosalvataje. Los hermanos Isaías viven hoy exi-lios dorados y aún poseen, a pesar de la quie-bra del banco y el perjuicio para el Estado

ecuatoriano, varias empresas entre ellas el Ca-nal 10. Tengo la impresión de que nunca, na-die, ha señalado esta parte de la historia. Ex-cepto en esta película de Isabel Dávalos.

La polvareda alrededor de ¡Alfaro Vive Cara-jo!: del sueño al caos no se levantó nunca.Excepto por un par de artículos editoriales enlos diarios nacionales, y de un poco clarifica-dor conversatorio en la sala Alfredo Pareja al

momento de su estreno, el silencio ha hechoque la cinta pase casi desapercibida. Esto, apesar de que fue exhibida en televisión na-cional y en salas comerciales de cine.

Es el desgraciado destino del cine ecuato-riano, replica exacta del Ecuador amazóni-co: la ausencia de una cultura de reflexiónnos condena a la impunidad y, en definitiva,a la ignorancia.

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LAS MEJORES DEL 2007

Maldad sin bandasonora niperversidadLOS HERMANOS DARDENNE VUELVEN A REFLEXIONAR SOBRE LAMARGINALIDAD EN EL NIÑO.

Juan Cuvi declara. Nadie parece escucharlo. Foto cortesía Cabeza Hueca Producciones.

Crónica del debateque pudo ser y no fue

UIO TUM

EL DOCUMENTAL DE ISABEL DAVALOS ¡ALFARO VIVE CARAJO!: DEL

SUEÑO AL CAOS ES SUBSTANCIAL, PERO NO SACUDIÓ A LA CONCIENCIANACIONAL.

Por Alexis Moreano Banda

1. Detrás de su atmósfera de drama psicoló-gico, Caché es fundamentalmente un filmede terror –y más precisamente un filme defantasmas–. En Caché, el fantasma no tienerostro ni forma reconocible, pero tiene cierta-mente un nombre propio y una raíz históricaprecisa: es el espectro del colonialismo, trau-ma nunca resuelto, siempre negado o repri-mido, que acecha constantemente y en silen-cio las buenas conciencias de una Europademasiado dada a confundir amnesia conamnistía.

2. En la noche del 17 de octubre de 1961, lapolicía parisina reprimió con una violenciadesmesurada una manifestación pro-inde-pendentista organizada por el Frente de Li-beración Nacional Argelino. Nadie sabe concerteza cuántos manifestantes fueron asesi-nados esa noche (se habla de docenas), pe-ro los historiadores concuerdan en que setrató de la mayor masacre de civiles acaeci-da en la capital francesa desde los tiemposde la Comuna. Escondida tras el relato deldesmoronamiento de la vida de Georges, elpersonaje principal del filme, es la memoriade este episodio oscuro y apenas conocidode la historia reciente de Francia que Cachéreactiva y proyecta como una sombra sobrenuestro presente.

3. Con Caché, Michael Haneke vuelve a visitarlas temáticas y obsesiones que había explora-do casi obsesivamente en sus primeros filmesaustriacos, y que apenas fueron tratados ensus recientes La profesora de piano y La ho-ra del lobo: la culpa y la mala conciencia, elfardo insoportable de la filiación, la deshuma-nización creciente de la sociedad bajo el capi-talismo. Tal como sucedía en Funny Games,Benny’s Video o El séptimo continente, Ha-neke propone con Caché una meditación so-bre la barbarie que anida en el corazón denuestra cultura, sirviéndose para ello del mis-mo artilugio que en sus filmes precedentes: in-filtrar un elemento desestabilizador en el senode una normalidad aparente con el fin de ex-poner la flaqueza de los pilares sobre los quereposa la sociedad burguesa (familia, éxitoeconómico, cultura…). Esta vez, sin embargo,Haneke ha optado además por invocar a unespectro, para inquirir con él sobre la respon-sabilidad del que no se siente culpable y laculpabilidad de quien no se siente responsa-ble.

4. De Google Earth a la biometría, pasando porYouTube y los teléfonos celulares de tercerageneración, jamás el ser humano ha estadomás observado que ahora. En Funny Games,el Mal hallaba su representación en unos jóve-nes bien educados y elegantes que martiriza-ban para luego asesinar, sin la menor piedadni razón aparente, a toda una familia que repo-saba en una cómoda villa de vacaciones. EnCaché el Mal es una mirada, es decir, no sóloun ojo que ve, sino un ojo que sabe.

5. Georges trabaja como presentador deuna emisión cultural en una importante tele-visora francesa. Todos los días, a un hora-rio preciso, se invita al hogar de sus teles-pectadores –esos miles de desconocidosque a él, en cambio, lo conocen–. Conocensu rostro, su nombre, su lugar de trabajo,quizás alguno sepa incluso en donde vive.Desde hace algún tiempo, una mano anóni-ma hace llegar regularmente a Georges so-bres que contienen imágenes que le hacensaber que está siendo observado. No ha-

llando explicación, Georges empezará a in-dagar en lo más profundo de sus recuerdosen busca de algún indicio que pudiera re-velar la identidad del misterioso remitente.De esta confrontación con la memoria repri-mida nacerán el pánico y la paranoia. Y sal-tará entonces a plena luz el fantasma de laculpa no reconocida, de la responsabilidadnunca asumida, de la ausencia de un traba-jo de memoria. Y como todo fantasma, nocesará de acechar mientras no halle repa-ración y justicia.

CACHÉ DE MICHAEL HANEKE ESUN FILME DE TERROR. MÁSPRECISAMENTE DE FANTASMAS.

Por Luciano Monteagudo

En la extinta República Democrática Alema-na, el Ministerio de Seguridad del Estado,vulgarmente conocido por su abreviatura“Stasi”, llegó a tener 100.000 empleados deplanta y más de 200.000 informantes activos,convirtiendo de hecho al país en un Estadopoliciaco, una suerte de “1984” donde la ma-

yoría de los habitantes vivían bajo vigilancia yen situación de miedo y sospecha perma-nentes. Sobre este tema, el documentalistafranco-israelí Eyal Sivan realizó un filme deensayo excepcional, Por amor a un pue-

blo (2003), basado en el diario personal deun ex agente de la Stasi que creía sincera-mente servir a la causa del socialismo bajo ellema “La confianza es buena, el control es

mejor”. Ese parece también el caso de GerdWiesler, el protagonista de La vida de losotros, una de las películas más exitosas delcine alemán después de La caída.

Tal como lo presenta la ópera prima de Flo-rian Henckel von Donnersmarck en las prime-ras escenas, Wiesler (Ulrich Mühe, que hizode Joseph Mengele en Amen, de Costa-Gav-ras) es un interrogador eficiente y comprome-tido con la causa, en la que cree ciegamentesin hacerse demasiadas preguntas como sile hubieran lavado el cerebro. Con técnicasmuy estudiadas, que después le sirven paradictar una clase magistral sobre su oficio ajóvenes alumnos de la Stasi, Wiesler consi-gue extraer no sólo una confesión, por insig-nificante que sea, sino también quebrar la vo-luntad de su víctima hasta convertirla en uninformante a su servicio. Un nuevo caso, sinembargo, irá dinamitando esa confianza deWiesler en sí mismo y en la pureza de ese so-cialismo al cual él cree defender.

La tesis un poco romántica, por no decir in-genua, de La vida de los otros es que el Ar-te, así, con mayúsculas, puede cambiar la vi-sión de un personaje como Wiesler, un policíagris pero con un alma sensible. Una noche,su superior en el ministerio –un compañerode graduación de Wiesler cuyo arribismo leha ganado un lugar más alto en el escalafónburocrático– lo invita al teatro, no tanto paraque comparta una función con él, sino másbien para presentarle su próximo blanco. Setrata de Georg Dreyman (Sebastián Koch),

renombrado autor teatral, favorito del régi-men, pero no por ello libre de sospechas. Yse ofrece para espiarlo, una tarea que el mis-mísimo ministro estimula, porque tiene intere-ses muy personales: la pareja de Dreyman esFrau Sieland (Martina Gedenek), gran actriz ymujer bella, a quien el ministro aspira a llevara su cama, en la medida en que pueda de-sembarazarse del dramaturgo.

No sería prudente adelantar más detalles deuna trama que poco a poco irá ganando encomplejidad y aspira a provocar un módicosuspenso. Conviene sí, en cambio, señalarque en términos narrativos La vida de losotros es un filme que más que clásico se di-ría convencional, muy construido desde elguión, con una puesta en escena correctapero poco imaginativa y una música macha-cona y antigua de Gabriel Yared que se em-peña en subrayar inútilmente cada uno deaquellos momentos donde los personajes seenfrentan a decisiones cruciales para sus vi-das. El desarrollo de los personajes tambiénes bastante estereotipado: Wiesler es neuró-tico, solitario y lleva una vida privada patéti-ca, pero basta que haga la experiencia deuna función teatral, que lea extasiado un poe-ma de Brecht (que le roba a Dreyman en unasigilosa incursión en su departamento) o quedurante sus sesiones de escucha clandesti-na descubra la belleza de una sonata parapiano que ejecuta su presa para que cambiede parecer y resuelva jugarse la carrera poresa pareja de artistas.

Se diría, en todo caso, que a pesar de seruna ópera prima La vida de los otros se ubi-ca del lado de películas como Sophie Schöllo La caída: un cine académico, esquemáti-co, tan profesional como conservador, contrael que cineastas como Christian Petzold, Va-leska Grisebach o tantos otros directores dela nueva generación alemana intentan opo-nerle filmes más vivos, más auténticos, másimaginativos. (De Página 12, Argentina).

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LA VIDA DE LOS OTROS ES UN CINE ACADÉMICO, ESQUEMÁTICO, TANPROFESIONAL COMO CONSERVADOR.

Ulrich Mühe en el papel de su vida. Poco después el excelente actor falleció. Foto cortesía Cinemark.

Dibujos anónimos. Una familia que se descalabra. Fotograma de Caché cortesía de Les Films du Losange.

Espiar en nombre del socialismo

La culpa noreconocida

Se diría, en todo caso, que a pesar de ser una ópera prima Lavida de los otros se ubica del lado de películas como SophieSchöll o La caída: un cine académico, esquemático,

GUAYAQUIL TE MUESTRA

MARÍA ANTONIETA(Marie-Antoinette)(EEUU – Francia, 2006, 118 minutos) Dirigida porSofia Coppola. Protagonizada por Kirsten Dunst,Jason Schwartzman, Judy Davis, Asia Argento,Marianne Faithfull, Aurora Climent. Distribuidapor Columbia Pictures (Emprocinema). Formato:35mm. Recomendada para mayores de 12 años.

ELLAS(Ecuador, 2007, 96 minutos) Dirigida por ÁlvaroMuriel. Formato video digital. Recomendada paramayores de 12 años.

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CARTELERA

ESTRENOS

ALATRISTE(España, 2006, 147 minutos) Dirigida por AgustínDíaz Yanes. Protagonizada por Viggo Mortensen,Juan Echanove, Javier Cámara. Presentadagracias a Multicines S.A. Formato: 35mm.Recomendada para mayores de 12 años.

LOS BORGIA(España, 2006, 120 minutos) Dirigida por AntonioHernández. Protagonizada por Paz Vega, EusebioPoncela, Sergio Peris-Mencheta. Presentadagracias a Multicines S.A. Formato: 35mm.Recomendada para mayores de 12 años.

COPYING BEETHOVEN(EE.UU., 2006, 104 minutos) Dirigida porAgnieszka Holland. Protagonizada por Ed Harris,Diane Kruger, Matthew Goode. Presentadagracias a Multicines S.A. Formato: 35mm.Recomendada para mayores de 12 años.

AL OTRO LADO DEL MUNDO(The Painted Veil) (EE.UU., 2006, 125 minutos) Dirigida por JohnCurran. Protagonizada por Edward Norton, NaomiWatts, Toby Jones. Presentada gracias aMulticines S.A. Formato: 35mm. Recomendadapara mayores de 12 años.

TODOS LOS HOMBRES DEL REY(All the King´s Men)(EE.UU., 2006, 140 minutos) Dirigida por StevenZaillian. Protagonizada por Sean Penn, KateWinslet, Patricia Clarkson, Anthony Hopkins,Mark Ruffalo. Presentada gracias a MulticinesS.A. Formato: 35mm. Recomendada paramayores de 12 años.

España Imperial, siglo XVII. Diego Alatriste,valeroso soldado combate en una guerraen Flandes. En una emboscada de losholandeses, Balboa, amigo de armas, caeherido de muerte. Alatriste escucha de loslabios de su amigo una última petición ypromete cumplirla: cuidará de su hijo Iñigoy le alejará del oficio de soldado.

1492. Rodrigo Borgia, en presencia de sustres hijos, Juan, César y Jofré, es elegidoPapa con el nombre de Alejandro VI. Elnuevo Papa sueña con aumentar territoriospara el Vaticano. Nombra capitán de susejércitos a Juan y lo casa con una nobleespañola.

En el año 2032, la frontera entre sereshumanos y máquinas se ha reducido aniveles casi imperceptibles.

Años veinte. Kitty es una joven inglesa de laalta sociedad que, para escapar de suentorno, se casa con Walter, un prometedormédico. Ambos se trasladan a Shangai,donde Kitty se enamorará de unnorteamericano con el que iniciará unaaventura.

Louisiana, 1950: un populista llamadoWillie Stara es electo gobernador delestado, con el apoyo de las clasespopulares. Cuando es cuestionado por lasoligarquías, Stara se ve en la necesidad dedesignar un equipo que lo absuelva detodo cargo.

CHANGEMENT D’ADRESSE(Cambio de domicilio)(Francia, 2006, 85 minutos) Dirigida porEmmanuel Mouret. Protagonizada porEmmanuel Mouret, Frédérique Bel, FannyValette, Dany Brillant, Ariane Ascaride.Presentada gracias a la Alianza Francesa.Formato: 35 mm. Recomendada para mayoresde 12 años.

TOI ET MOI(Tú y yo) (Francia, 2005, 90 minutos) Dirigida por JulieLopes Curval. Protagonizada por MarionCotillard, Julie Depardieu, Jonathan Zaccaï, EricBerger. Presentada gracias a la AlianzaFrancesa. Formato: 35 mm. Recomendada paramayores de 12 años.

QUI M’AIME ME SUIVE(Si me amas sígueme)(Francia, 2006, 100 minutos) Dirigida por BenoîtCohen. Protagonizada por Mathieu Demy,Éléonore Pourriat, Julie Depardieu, RomaneBohringer. Presentada gracias a la AlianzaFrancesa. Formato: 35 mm. Recomendada paramayores de 12 años.

HIROSHIMA MON AMOUR(Francia, 1959, 88 minutos) Dirigida por AlainResnais. Protagonizada por Emmanuelle Riva,Eiji Okada. Presentada gracias a la AlianzaFrancesa. Formato: 35 mm. Recomendada paramayores de 12 años.

SEMANA DEL CINE FRANCÉS David, un joven y tímido profesor demúsica recién llegado a París, se enamoraperdidamente de su alumna Julia. El quiereintentar seducirla, pero no se atreve aconfesarle su amor. Cuando David al finestá decidido a intentar la conquista, lascosas se complican con la aparición deJulien, un galán seductor.

Redactora de fotonovelas para la revista"Toi et Moi" Ariane suele reflejar en ellas,embellecidas, su vida amorosa y la de suhermana Lena. Pero su vida no es denovela : Ariane está colgada de Farid queno le hace ningún caso y Lena se aburrecon François, su compañero.

La historia de Max, un brillante doctor, viveuna vida entre su esposa abogada y ungrupo de admiradores de su trabajo. Undía, sin embargo, encuentra a Chine, unacantante que le va a provocar unelectroshock al corazón.

Una joven actriz francesa vive su últimanoche en Hiroshima acompañada por suamante japonés. La fugaz relaciónamorosa se convierte en un procesointrospectivo por el cual la mujer revela sussentimientos íntimos y hace partícipe a sucompañero de su reconstrucción delpasado, hasta ese instante oculto.

ALEMANIA EN DOS FILMESLA TARDE(Nachmittag)(Alemania, 2007, 97 minutos) Dirigida por AngelaSchanelec. Protagonizada por Jirka Zett, MiriamHorwitz,Angela Schanelec, Fritz Schediwy.Presentada gracias a la Embajada de Alemania enEcuador. Formato: 35 mm. Recomendada paramayores de 12 años.

FANTASMAS(Gespenster)(Alemania, 2005, 85 minutos) Dirigida por ChristianPetzold. Protagonizada por Julia Hummer, SabineTimoteo, Marianne Basler. Presentada gracias a laEmbajada de Alemania en Ecuador. Formato: 35mm. Recomendada para mayores de 12 años.

Una muchacha regresa a la casa dondepasó los veranos de su infancia paraencontrarse con que el chico al queamaba se ha convertido en un escritorneurótico. Allí están también su madre, unaactriz en decadencia, y su tío, unescéptico incurable.

Un hombre viaja de París a Berlín. Estábuscando a su mujer. La encuentra en unsanatorio y se la lleva de nuevo a París. Suesposa va a Berlín cada año. Ella estábuscando desesperadamente a su hijaque fue secuestrada cuando tenía tresaños. Frecuentan las zonas crepusculares,el mundo entre la vida y la muerte. Esperanque el amor pueda devolverlos a la vida.

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Prometida al rey Luis XVI, la ingenuaMaría Antonieta es arrojada a la edad de14 años a la opulenta corte francesa,plagada de conspiraciones yescándalos. Sola, sin guía y desorientadaen un mundo peligroso, la joven MaríaAntonieta se rebela contra la aisladaatmósfera de Versalles y, en el proceso,se convierte en la reina másincomprendida de Francia.

El pensamiento, las vivencias y lossueños de las mujeres del Centro deRehabilitación Social Femenino salen a laluz a través de sus relatos de vida en unescenario lleno de contrastes en dondese funden la añoranza, y la esperanza, eldolor y la fiesta.

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CLÁSICOS DEL CINE EL EXTRAÑO(The Stranger)(Estados Unidos, 1946, 95 minutos) Dirigida porOrson Welles. Protagonizada por Orson Welles,Edgard G. Robinson, Loretta Young. Presentadagracias al AFI. Formato video digital.Recomendada para mayores de 12 años.

THE SEARCHERS(Estados Unidos, 1956, 119 minutos) Dirigida porJohn Ford. Protagonizada por John Wayne,Natalie Wood, Vera Miles. Presentada gracias alAFI. Formato video digital. Recomendada paramayores de 12 años.

DAVID COPPERFIELD(Estados Unidos, 1935, 132 minutos) Dirigida porGeorge Cuckor. Protagonizada por FreddieBartholomew, Frank Lawton, W,C, Fields.Presentada gracias al AFI. Formato video digital.Recomendada para mayores de 12 años.

Wilson es un miembro de la comisión decrímenes de guerra que está buscando aFranz Kindler, uno de los cerebros delholocausto, que ha borrado el rastro de suidentidad. Para encontrarlo, Wilson sigue aun antiguo camarada de Kindler llamadoMeinike solo para ser asesinado antes depoder identificarlo. La única pista que lequeda es la fascinación del criminal nazipor los relojes antiguos.

Tres años después de la finalización de laguerra de Secesión, Ethan Edwards vuelvea su querido hogar formado por suhermano Aaron, su cuñada Martha, susdos sobrinas Lucy y Debbie y unmuchacho mestizo llamado Martin. Lucyestá prometida a un joven Brad, cuyafamilia vive cerca, mientras que Laurie, lahermana de Brad, está enamorada deMartin.

Inglaterra, siglo XIX. Cuando el padre deljoven David muere, su madre se vuelve acasar. Su nuevo padrastro es un hombremalo y cruel en su educación, y cuando lamadre de David muere, le envía a Londresa trabajar para vivir

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CARTELERA

LAS MEJORES DEL 2007LA VIDA DE LOS OTROS

(Das Leben der Anderen)(Alemania, 2996, 137 minutos)Dirigida por Florian Henckel-Donnersmarck.Protagonizada por Ulrich Müne, Martina Gedeck,Sebastián Koch, Ulrich Tukur. Distribuida porCinemark del Ecuador. Formato 35mm.

¡ALFARO VIVE CARAJO! DELSUEÑO AL CAOS((Ecuador, 2007, 90 minutos) Dirigida y escrita porIsabel Dávalos. Distribuida por Cabeza Hueca.Formato video digital.

CACHÉ (Francia – Austria, 2005, 117 minutos) Dirigida yescrita por Michael Haneke. Protagonizada porDaniel Auteuil, Juliette Binoche, Annie Girardot,Daniel Duval, Maurice Bénichou, Salid Fakir.Distribuida por Multicines S.A. Formato 35 mm.

EL NIÑO L’enfant)(Bélgica, 2005, 95 minutos) Dirigida y escrita porJean-Pierre y Luc Dardenne. Protagonizada porJérémie Reñiré, Olivier Gourmet, DéborahFrancois. Distribuida por Multicines S.A. Formato35 mm. Recomendada para mayores de 12 años.

El capitán Gerd Wiesler es un oficialextremadamente competente de la Stasi,la todopoderosa policía secreta delrégimen comunista de la antiguaRepública Democrática Alemana. Pero,cuando en 1984 le encomiendan queespíe a la pareja formada por elprestigioso escritor Georg Dreyman y lapopular actriz Christa-Maria Sieland, nosabe hasta qué punto esa misión va ainfluir en su propia vida.

La realizadora nos da su visión de losaños ochenta en Ecuador, y plasma susencuentros de los sobrevivientes delgrupo guerrillero ¡Alfaro vive carajo!

Georges presenta un programa literarioen televisión, vive una vida acomodadajunto a su mujer y su hijo adolescente. Undía recibe unos paquetes que contienenvideos, grabados desde la calle, y unosdibujos alarmantes cuyo significado esun misterio. No sabe quién los envía.Poco a poco las secuencias queaparecen en las cintas se vuelven máspersonales.

Bruno tiene veinte años. Sonia,dieciocho. Sonia acaba de dar a luz aJimmy, el hijo de ambos. Entonces surgela duda sobre si Bruno será capaz decomportarse como un buen padre, oseguirá siendo tan despreocupado yviviendo como hasta entonces, con laúnica preocupación de seguir con suspequeños robos.

ESAS NO SON PENAS (Ecuador, 2006, 87 minutos) Dirigida por AnahíHoeneisen y Daniel Andrade. Escrita por AnahíHoeneisen. Protagonizada por Anahí Hoeneisen,Amaia Merino, Francisca Romeo, Paquita Troya,Carolina Valencia. Distribuida por La Maquinita.Formato 35mm.

QUÉ TAN LEJOS (Ecuador, 2006, 92 minutos) Dirigida y escritapor Tania Hermida. Protagonizada por CeciliaVallejo, Tania Martínez y Pancho Aguirre.Distribuida por Ecuador para largo. Formato 35mm.

CINEMA PARADISO(Italia, 1989, 123 minutos) Dirigida y escrita porGiuseppe Tornatore. Protagonizada por PhillipeNoiret, Jacques Perrin, Salvatore Cascio.Presentada gracias a BAC Films. Formato videodigital.

LOS EDUKADORES (Die fetten jahre sind vorbei) (Alemania, 2005, 127 minutos) Dirigida por HansWeingartner. Escrita por Katharina Held y HansWeingartner. Protagonizada por Julia Jentsch,Daniel Brühl, Stipe Erceg, Burghart Klaussner.Distribuida por Escalon Films. Formato 35mm.Recomendada para mayores de 12 años.

ASTOR PIAZZOLA: EL PRÓXIMOTANGO(Alemania – Argentina, 2006, 88 minutos)Dirigida por José Montes-Barquer. Protagonizadapor Astor Piazzola y su quinteto. Presentadagracias a Deutsche Grammophon. Formato videodigital. Recomendada para mayores de 12 años.

NOSOTROS LOS POBRES(México, 1947, 125 minutos) Dirigida y escritapor Ismael Rodríguez. Protagonizada por PedroInfante, Evita Muñoz "Chachita". Presentadagracias a IMCINE. Formato video digital.Recomendada para mayores de 12 años.

LA DOLCE VITA (Italia, 1960, 175 minutos) Dirigida por FedericoFellini. Protagonizada por Marcello Mastroianni,Anita Ekberg, Anouk Aimée, Ivonne Furneaux.Presentada gracias a RAI Cinema. Formato videodigital.

EL COCINERO, EL LADRÓN, SUMUJER Y SU AMANTE(The Cook, the Thief, His Wife and Her Lover)(Reino Unido, 1989, 123 minutos) Dirigida yescrita por Peter Greenaway. Protagonizada porMichael Gambon, Helen Mirren, RichardBohringen, Tim Roth. Presentada gracias al BFI.Formato video digital. Recomendada paramayores de 16 años.

ESPERANDO AL MESÍAS(Argentina, 2000, 98 minutos) Dirigida por DanielBurman. Protagonizada por Daniel Hendler,Enrique Piñeyro, Héctor Alterio. Presentadagracias al Astrolabio Producciones. Formatovideo digital. Recomendada para mayores de 12años.

Cinco mujeres quiteñas, amigas de laadolescencia, deciden volverse a ver alcabo de 14 años. En ese encuentro, tejeránun tapiz de emotividades que estallan en lamitad de la rutina.

Un viaje de Quito a Cuenca con un desvíopor la costa. Dos mujeres se encuentrancasualmente, y recorren deslumbrantespaisajes ecuatorianos mientras el país estáparalizado. El viaje modifica las actitudes yel mundo interior de los protagonistas.

Frente a la demolición de un viejo cine, unmaduro y afamado realizador rememora suinfancia y los momentos allí vividos, laspelículas allí vistas y los amores en ciernes,en compañía del entrañable encargado dellocal.

Tres jóvenes en pleno disfrute de la rebeldíajuvenil se unen por su pasión por cambiar lasituación del mundo. Se convierten en "losedukadores", realizando acciones noviolentas para tratar de avisar a los ricos quesus días de abundancia están contados. Losconflictos aparecen cuando la única chicase enamora de los dos jóvenes.

Astor Piazzola en conversación y enconcierto. Su vida, y su interpretación propiadel tango.

El humilde carpintero Pepe "El Toro" vive lasalegrías y sinsabores de la pobreza junto asu hija, su madre paralítica y su novia.Ayudados por un pintoresco grupo devecinos y amigos, Pepe y su familia libraránuna ardua batalla contra la injusticia cuandoél es acusado de un asesinato que nocometió.

Marcello Rubini es un papparazzi en buscade celebridades, que se mueve coninsatisfacción entre las fiestas nocturnas quecelebra la burguesía de la época. Un día esinformado de que Sylvia, una célebre divadel mundo del cine, llega a Roma. Marcellodecide que ésta es su oportunidad deconseguir una gran noticia, y perseguirá aesta bella dama por las fiestas nocturnas dela ciudad.

Richard es el sádico dueño de unrestaurante. Su fuerte carácter y las tiránicasformas que aplica en el trabajo hacen quetodos los empleados estén sometidos a uncontinuo régimen de esclavitud, incluida suesposa, a quien ridiculiza.

Ariel Goldstein es un joven de clase mediaque se siente involucrado, interesado, y pormomentos obsesionado, con el judaísmo. Lamayor parte del tiempo se siente parte deeso que llama "la burbuja": vive en el bºarrioOnce con su padre, filma casamientos yeventos para gente de la colectividad. Undía sale de su isla.

LAS MÁS TAQUILLERAS DEL AÑO UIO TUM UIO TUM

HOMENAJE A JOHN LENNON A HARD DAY´S NIGHT(Reino Unido, 1964, 85 minutos) Dirigida por DickLester. Protagonizada por John Lennon, PaulMcCartney, George Harrison y Ringo Starr.Presentada gracias a BFI. Formato video digital.

LET IT BE(Reino Unido, 1970, 81 minutos) Dirigida y escritapor Michael Lindsay-Hogg. Protagonizada por TheBeatles. Presentada gracias a Apple Ltd. Formatovideo digital. Recomendada para mayores de 12años.

LOS EE.UU. VERSUS JOHNLENNON(The U.S. vs. John Lennon) (EE.UU., 2006, 96 minutos) Dirigida y escrita porDavid Leaf y John Scheinfeld. Protagonizada porJohn Lennon, Yoko Ono, Gerardo Rivera, NoamChomsky. Presentada gracias Lions Gate Films.Recomendada para mayores de 12 años.

IMAGINE: JOHN LENNON(Estados Unidos, 1988, 100 minutos) Dirigida porAndrew Solt. Presentada gracias al AFI. Formatovideo digital. Recomendada para mayores de 12años.

Durante 24 horas, los Beatles planeansaltarse el programa impuesto por sufama, ignorar las obligaciones ysimplemente saborear la libertad. Tendránque dar esquinazo a sus admiradores,esquivar a los periodistas y desobedecera sus managers.

Documental sobre la legendaria banda deLiverpool. Abarca las dos semanas de lagrabación del que supuso el penúltimodisco del cuarteto, "Let It Be", con lafamosa actuación en la azotea de unedificio de Londres.

Documental sobre el momento en el queJohn Lennon, ya afincado en Nueva York,se transformó en un influyente activistaantiguerra, junto con su esposa Yoko Ono.

Descubra a John Lennon: el músico, elpadre, el esposo, el idealista, a través deun documental sobre su vida y su legado.

ANIME PARA NIÑOSMI VECINO TOTORO(Japón, 1988, 86 minutos) Dirigida por HayaoMiyazaki. Presentada gracias a Unijapan. Formatovideo digital. Recomendada para todo público.

CUENTOS DE TERRAMAR(Japón, 2006, 115 minutos) Dirigida por GoroMiyazaki. Presentada gracias a Unijapan. Formatovideo digital. Recomendada para todo público.

KIKI, APRENDIZ DE BRUJAS(Japón, 1989, 101 minutos) Dirigida por HayaoMiyazaki. Presentada gracias a Unijapan. Formatovideo digital. Recomendada para todo público.

PANDA KOPANDA(Japón, 1972 y 1973, 70 minutos) Dirigida por HisaoTakahata. Presentada gracias a Unijapan. Formatovideo digital. Recomendada para todo público.

La historia de una familia japonesa que setraslada al campo, en los años 50. Las doshijas, Satsuki y Mei, tropiezan con unespíritu del bosque: Totoro, con el queentablan amistad.

En el archipiélago de Terramar, donde haydragones, magos y espectros, talismanes ypoderes, el mundo está gobernado por lamagia y, ante todo, por las palabras, puescada cosa posee su nombre verdadero.

Kiki es una joven bruja de 13 años, enperiodo de entrenamiento, que se diviertevolando en su escoba junto a Jiji, un sabiogato negro. Según la tradición, todas lasbrujas de esa edad deben abandonar suhogar durante un año para saber valersepor sí mismas.

Los dos mediometrajes de la serie PandaKopanda presentados aquí. Una niña,llamada Mimiko, a quien dejaron solamientras su abuela no estaba, descubre ensu muñeco Panda, un personaje muyespecial.

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ALEJANDRO JODOROWSKYFANDO Y LIS(México, 1967, 93 minutos) Dirigida y escrita porAlejandro Jodorowsky y Fernando Arrabal.Protagonizada por Sergio Kleiner, Diana Mariscal,María Teresa Rivas. Presentada gracias a ABKCO.Formato video digital.

LA MONTAÑA SAGRADA(México, 1973, 114 minutos) Dirigida y escrita porAlejandro Jodorowsky. Protagonizada por AlejandroJodorowsky, Horacio Salinas, Zamira Sauders.Presentada gracias a ABKCO. Formato video digital.

EL TOPO(México, 1970, 125 minutos) Dirigida y escrita porAlejandro Jodorowsky. Protagonizada por AlejandroJodorowsky, Frontis Jodorowsky, José Legarreta,Alfonso Arau. Presentada gracias a ABKCO. Formatovideo digital.

Dos jóvenes que transitan por los senderosdel amor-odio en parajes desolados ydesérticos. Todo con miras de llegar a laciudad prometida de Tar, donde suspesares e incomunicación, quedarán atrás,dándoles una nueva oportunidad.

Un ladrón sufre una extraña corporizacióncristiana al desmayarse y ser utilizado comomolde para la fabricación de imágenes deJesús en la cruz. Al despertar, demuestra suira contra los maniquíes y es seguidofielmente por elementos abyectos delpueblo mexicano donde transcurre lahistoria.

En un oeste simbólico, el pistolero Topo seenfrenta a una banda de fetichistas,comandada por un coronel lascivo, quemantiene asolada a una congregaciónfranciscana.

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LA FOTO

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Imágenes del libro "Gráfica Popular, Ecuador", por Juan Lorenzo Barragán. Arriba izquierda: ¡Regia!, Playas, por Don Pili, foto X. Andrade. Arriba derecha: Vidrios, Machachi, por Araujo, foto JLB. Abajo izquierda: Divino Niño enautobús manaba, anónimo, foto JLB. Abajo derecha: Prócer, Otavalo, anónimo, foto JLB. Dinediciones, 2007.

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Das Kabinett des Doktor Caligari (El gabi-nete del doctor Caligari, Alemania, 1919) Di-rigida por Robert Wiene. Si existe algún títu-lo que concentre las características del ex-presionismo alemán es este. Fría y oscuratrama, decorados distorsionados en durasimbología, el rodaje en interiores exacerba-do, y un largo etcétera. Dejó una marca po-derosa en el cine americano de los treinta yen el film noir.

Metrópolis (Alemania, 1927) Dirigida por FritzLang. La ciudad de los rascacielos, los ferro-carriles cuyas vías, enmarañadas, definen elpaisaje urbano. Líneas góticas junto con im-posibles ideas de arquitectura. Es el año 2000y la sociedad está dividida en dos clases, losque viven en los lujosos rascacielos y los queviven en condiciones infrahumanas.

The Great Dictator (El gran dictador, Esta-dos Unidos, 1940) Dirigida por Charles Cha-plin. Una sátira al fascismo, en particular aAdolfo Hitler, filmada en el arranque de la Se-gunda Guerra Mundial. Es la primera cintasonora de Chaplin, y es una contundente crí-tica al totalitarismo y sus vicios.

Citizen Kane (El ciudadano Kane, EstadosUnidos, 1941) Dirigida por Orson Welles. Nú-mero uno en las listas históricas de todo críti-co y cineasta, esta película fue tibiamente re-cibida en su estreno. Usó todos los recursosexistentes de una manera magistral: la pro-fundidad de campo, el claroscuro y los jue-gos de iluminación, y los dollys y grúas.

It’s a Wonderful Life (Que bello es vivir, Esta-dos Unidos, 1946) Dirigida por Frank Capra.El prodigioso ritmo de Capra se basa en unagudo guión, en articular unos personajesbien descritos, y sobretodo, en extraer tras-cendencia de los más mínimos detalles de sutrama, interpretada por Jimmy Stewart y Don-na Reed.

The Lady From Shangai (La dama de Shan-gai, Estados Unidos, 1948) Dirigida por OrsonWelles. Cine negro de quilates. Welles vuelvea demostrar su compleja mente narrativa y su

brillante capacidad visual, que crea un mundode lujoso barroquismo y turbia atmósfera.

Rashomon (Japón, 1950) Dirigida por AkiraKurosawa. El flashback, nadie lo usó comoKurosaka en esta cinta. Hay también una ideapesimista sobre la condición humana, muy cri-ticada en aquel tiempo, pero que hoy le da larazón al maestro japonés.

All About Eve (Eva al desnudo, Estados Uni-dos, 1950) Dirigida por Joseph L. Mankiewicz.Introducción al mundo del teatro y la ferozcompetencia por el éxito. Crónica de la Nor-teamérica individualista, de ambiciones des-medidas y enemigos fáciles. Vehículo potentepara la inolvidable Bette Davis.

A Streetcar Named Desire (Un tranvía llama-do deseo, Estados Unidos, 1951) Dirigida porElia Kazan. En esta película, basada en unaobra de Tennesee Williams, Kazan elimina losdiálogos originales y muestra, en su lugar,imágenes. Cine puro y duro. Y está MarlonBrando. Él se lleva la película y con ella, un lu-gar en la historia del cine.

Some Like it Hot (Una Eva y dos Adanes, Es-tados Unidos, 1959) Dirigida por Billy Wilder.La comedia como modo de vida. Wilder no sa-crificó ni un solo momento de profundidad ysustancia para crear condiciones jocosas. Eltono de esta comedia sentó los estándares delo que vendría a ser, en lo sucesivo todo ungénero cinematográfico.

Psycho (Psicosis, Estados Unidos, 1960) Diri-gida por Alfred Hitchcock. Cinta de impactoque confirmó el status de Hitchcock comomaestro del cine. Allí usó las técnicas que lehicieron famoso, pero agregó una adicional: eltono sexual.

Viridiana (España – México, 1961) Dirigidapor Luis Buñuel. Golpe efectivo contra ladictadura de Franco, a quien puso una co-la de burro de varias decenas de miles demetros de película.

Blow-up (Reino Unido – Italia, 1966) Dirigi-da por Michelangelo Antonioni. El swingingLondon de los sesentas. Cómo ver y no so-lo mirar. Lo artificial como modo de vida.Culminación de una trayectoria fílmica im-presionante.

Belle de Jour (Francia, 1967) Dirigida porLuis Buñuel. La idea surrealista de Buñuel ysu crítica a la burguesía llega al éxtasis con

esta suntuosa crónica de una mujer acorra-lada por el deseo. La blonda Catherine De-neuve brilla como nunca.

2001: A Space Odyssey (2001, Odisea es-pacial, 1969) Dirigida por Stanley Kubrick.Efectos especiales muy avanzados para sutiempo, y una visionaria idea del cine porparte de Kubrick es lo que hace a esta pe-lícula inmortal.

El Satiricón de Fellini (Italia, 1969) Dirigi-da por Federico Fellini. En este sofisticadoespectáculo cinematográfico, Fellini entraen el mundo erótico, estimulante y subidode tono de la Roma bajo el dominio del em-perador Nerón, donde dos maestros compi-ten por el afecto de la misma persona.

L’enfant sauvage (El niño salvaje, Francia,1969) Dirigida por François Truffaut. Siem-

pre interesado por la salvación y protecciónde niños en entornos hostiles, Truffaut poneen pie la historia real de un niño criado enun ambiente primitivo y natural al que pos-teriormente tratan de civilizar. Brillante ale-gato a favor de la educación.

Easy Rider (Estados Unidos, 1969) Dirigi-da por Dennis Hopper. Las fumantes aven-turas de dos motociclistas definieron un es-tilo a fines de los sesenta. Un road moviecomo pocos, donde el hippismo y los pla-ceres de la droga son los protagonistas.

El topo (México, 1969) Dirigida por Alejan-dro Jodorowsky. El cine de culto tiene nom-bre y apellido: Alejandro Jodorowsky. Y lamidnight movie, con sus extraños aconteci-mientos, actores mutilados y enanos ygrandes dosis de simbolismo, tienen en Eltopo, su máxima expresión.

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Alfred Hitchock da indicaciones en el set de Psycho. Foto cortesía del British Film Institute Stills Dep.

MUESTRAGYE

PRESENTAMOS 20 PELÍCULASCLÁSICAS, QUE DE UNA U OTRAMANERA INFLUENCIARON EL CINEY SU DINÁMICA, Y LA VIDACONTEMPORÁNEA TAL COMO LACONOCEMOS.

CINE DE INFLUENCIA

Por Andrés Crespo Arosemena

Como pocas cosas en mi camino, este cortonace del odio y de varios complejos no tansubyacentes. El odio no más que una especiede alergia a una noción de la actuación en lacual el personaje es un dispensador de líneas,un lamentable declamador de verdades aje-nas bajo una estética que siempre resulta sercomo la canción: triste y vacía. O al menos asíveía al mundo cuando comencé a rodar Patade cabra hace dos años. Aunque pensé habersuperado ese fulgor que intuí adolescente,mientras escribo estas palabras lo siento y veoexactamente igual, con una sana repulsión alconcepto del actor que nace bajo esa línea depensamiento que se presupone real, que pre-tende que todo se puede enseñar, y que care-ce de la clarividencia de entenderse como unadescripción pasajera de un modelo decaden-te: la academia occidental.

Por eso busqué a Jimmy Mendoza, porquegrabar bajo el resplandor del caos me parecíalo más apropiado en ese momento. Quería ro-dar un corto con gente que conozco y admiro,trabajar con personas que acecho día a día,

en quien siempre pienso sin necesidad de ver-los, queriendo saber cómo se mueven, qué di-cen, por qué piensan como piensan. Con elmentor existencial conocido en mi pueblo co-mo Mescalito, que a los 14 años me ahorró mi-les en ayuda siquiátrica diciéndome “no le ten-gas miedo a la vida, que no tiene remedio”. Ycon Kirk, un hermano de los 80 que hasta hoyen día me manda citas de Nietzsche por men-sajito tanto a las 10 como a las 3 de la maña-na, cuando las encuentra mientras lee acosta-do en su hamaca.

¿Cómo no trabajar con gente que lo únicoque quieren para uno en la vida es que seacada vez más uno mismo?

La historia de infidelidad y sicariato es tan so-lo una excusa para llegar al final del ejercicio.Trabajar con no-actores no es nada nuevo ninadie pretende que lo sea, la jugada es apro-vechar lo que tiene adentro alguien que cono-ces de sobra, le das un guión, lo convencesde que no actúe, le quitas el guión y lo ponesfrente a tu cámara casera.

Esto de ser aprendiz de cineasta se pone ca-da vez mejor. Creo que al final del día lo úni-co que existe es el proceso. Solo esa pala-bra me es sagrada y merece veneración. Loque me queda, después de hacer los 3 pri-meros cortos, es sentir que tengo algo en elbolsillo, que me gustaría enseñarle a un ami-

go, como si quisiera ir a una fiesta donde vana estar todas las personas que tienen la bo-ca llena de verdad, que comparten ese atis-bo de otredad que te lleva al diccionario abuscar el significado de la palabra icono-clasta y te hace virar la cabeza en mediaconversación y callar a todo el resto dicién-doles “¿qué fue lo que dijiste? Repite por fa-vor eso que acabas de decir”. Por ser certe-ro tuve la suerte de, después de rodar el cor-to con el ojo de Alejo Fajardo a cada paso,conocer a Billy Navarrete y Pepe Yépez.Desde el primer momento estuvieron dis-puestos a encontrar dentro de las 15 horas

de improvisación su propio camino, su visióndel orden pertinente a lo grabado. Lo deja-ron claro sin decirlo y me alegré en silencio,tan feliz que preferí callar para no cagarla.Yépez manejó ese barco hasta el final, fue unviaje de plenitud y el inicio de una amistadque valoro como lo mejor que me ha pasadoen los últimos tiempos.

Por todo lo dicho ha de ser que no puedo de-jar de leer a Kerouac. No por su talento, si nopor su vocación de disfrutarlo en los demás.Ese vicio lo tengo desde niño y pretendomantenerlo conmigo para siempre.

El aprendiz de cineasta y “Pata de cabra”TESTIMONIOGYE

Fotograma de Pata de cabra, cortometraje de Andrés Crespo Arosemena.

EL DIRECTOR GUAYAQUILEÑO ANDRÉS CRESPO MEDITA SOBRELO QUE FUE HACER SU TERCERCORTOMETRAJE

OCHOYMEDIO abrió finalmente sus salasen el Ventura Mall de Tumbaco el pasado6 de noviembre. La incorporación de unproyecto cultural a un centro comercial esuna idea innovadora y acertada que tuvie-ron los directivos del mall para incentivarel consumo de la cultura. Finalmente el

valle de Tumbaco se incorpora, por estadecisión, al circuito cultural de la ciudad.

OCHOYMEDIO del Ventura Mall de Tum-baco, funcionará igual que su similar enLa Floresta: todos los días del año, de lu-nes a domingo. Sus entradas tendrán el

mismo valor. Será la sede de todos losfestivales que presenta el OCHOYMEDIO,e incorporará programación para niños yjóvenes permanentemente. Aquí lespresentamos una selección de fotos delos eventos de apertura. Fotos de PaulaParrini y Alex Schlenker.

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APERTURA

¡OCHOYMEDIO ABRIÓ EN EL VENTURA MALL!

Por Álvaro Muriel

¿Dónde radica en esencia el valor de un do-cumental como Ellas (si lo tuviera)? A lo lar-go de todo el proceso de producción, des-de el esbozo de la idea original hasta el úl-timo corte en la edición, incluso hoy, me losigo cuestionando. ¿Por qué hacer un docu-mental en el que un grupo de mujeres anó-nimas y encarceladas se convierten en pro-tagonistas? Y, sobre todo, ¿cuánto podrían,

con la mera proyección de sus rostros, sustestimonios, aportar a cambiar en algo su si-tuación? Es evidente que en un primer mo-mento el objetivo estuvo enfocado en sensi-bilizarnos –a “los de afuera”– frente a la si-tuación que viven las internas del Centro deRehabilitación Social Femenino de El Inca,en Quito. Habrá que ver si lo logramos. Co-mo productores teníamos apenas la intui-ción de que detrás de esos muros reciénpintados coexistían decenas de historias

que seguramente merecían la pena ser con-tadas. Surgía entonces la primera dificultad:¿cómo escoger entre tantas historias a las“mejores”, de tal modo que la selección re-sultase “interesante y variada”? Y otra: ¿có-mo hacer calzar tanta riqueza argumentalen apenas una hora y media de película?;eso sí, conservando su fuerza testimonial yrespetando a ultranza esa intimidad, a laque tan generosamente nos daban acceso.Y una más: ¿cómo poner todo eso en soni-

do e imagen de una forma inteligente?, arti-culando sus relatos a los acontecimientosque en ese momento sucedían, tanto dentrocomo fuera del centro de detención. En elproceso de acercarnos cada vez más aellas e irlas conociendo, iban brotando lasrespuestas. Como el pronombre que final-mente dio título al documental, el desafíomayor consistió en relatar estas historias enfemenino, en tercera persona y en plural; esdecir, sin narrador en off, sin individualida-des y, en lo posible también, sin presenciasmasculinas.

Por todo ello, posiblemente el valor del docu-mental radique en ellas mismas: las internas.En su aceptación de contar frente a una cá-mara –acaso el único canal abierto de comu-nicación hacia el exterior en esos momentos–su propia verdad, su propia historia. Espe-ranzadas como estaban en que podamosentender que más allá de lo justo o injusto desus condenas, quienes están “adentro” noson otra cosa que el reflejo fiel de las mise-rias y perversiones de quienes estamos“afuera”; el chivo expiatorio de nuestras cul-pas. Entender, de una vez por todas, que nohan sido ellas el sujeto de la violencia, encualquiera de sus formas, sino su objeto.Que a pesar de la convivencia forzada y pormomentos dolorosa que soportan sus cuer-pos, día tras día afloran en ellas los miedos ylos afectos, la complicidad y la solidaridad.Basta con escucharlas añorar su vida ante-rior y anhelar con ansias la futura, para en-tender la fortaleza de sus vínculos maternos,filiales y sociales. Basta con verlas maquillar-se o desfilar arriba de una tarima, para des-cubrir ante nosotros su vanidad intacta; bas-ta en suma, con verlas vivir, para sentir la dig-nidad con que hacen frente a cada instantede su espera.

Entre los pocos espectadores que hasta elmomento han visto el documental, me sigoquedando con sus protagonistas, viéndolasreír y llorar frente a la pantalla donde se pro-yectaba su película. Ocultas acaso detrásde la emoción que les produjo, al ver suimagen aparecer, reconocerse. Al final re-sulta imposible no involucrarse con ellas, noaceptarlas, no hallar un símil entre su expe-riencia de vida y la de uno mismo. Resultaimposible no quererlas, así,… sin una solagota de objetividad.

TESTIMONIO

Por Rafael Barriga

En la anterior edición de este periódico, a lahora de escribir acerca del festival Cero Lati-tud, destacábamos la necesidad de la refle-xión y la evaluación. El festival ha pasadocon varios e importantes tropiezos y caren-cias, con algunas películas importantes y va-

rias sorpresas gratas. Los diez días del festi-val fueron testigos de la exhibición de unacincuentena de largometrajes y algo más desetenta cortometrajes.

Al festival Cero Latitud le cuesta, aun cuan-do ha cumplido ya cinco ediciones, encon-trar un espacio crucial en el público de Qui-to. El cambio de imagen del festival –nuevologo y slogan, enormes marquesinas en ca-da sede y hasta cuñas en televisión nacio-

nal–, que con evidencia trataba de convocara un público masivo y joven, no parece ha-ber cuajado del todo (¿problemas de estra-tegia?). Si bien el núcleo de los espectado-res es uno de juventudes, las masas no lle-garon. Los espacios adecuados para ello,salas como Multicines y Benalcázar tuvieronuna media de boletas vendidas bastantemediocre. Las salas tradicionales del Festi-val, OCHOYMEDIO y Casa de la Cultura,mantuvieron su habitual flujo de espectado-res para este evento. Los primeros días delfestival, el clima jugó una muy mala pasada.La interminable lluvia hacía difícil salir de lascasas. El frío del ambiente contagió al am-biente del festival donde “hasta las fiestasson frías” según confesó un invitado interna-cional. Efectivamente: cero glamour encon-traron en Quito algunos invitados proceden-tes del circuito festivalero. Pero este festivalno es sobre el glamour, sino sobre el cine,sobre las películas.

Muchas de ellas gustaron al público del fes-tival. Otras no. Muchas de ellas no llegaronen el formato anunciado de 35mm, sino en vi-deo digital (por ejemplo aquellas de la espe-radísima muestra de Nelson Pereira Dos San-tos). En algunos casos hubo que exhibir co-pias en DVD solo aptas para el visionamien-to preliminar de selección (¿problemas deproducción? ¿el aeropuerto que se cerró pordos días?). En OCHOYMEDIO de VenturaMall Tumbaco, tres películas no pudieron serexhibidas en su formato anunciado por pro-blemas con el sistema de ventilación en lacabina de proyección, que fueron superadosal cuarto día del festival. Pero el público pu-do descubrir pequeñas joyas del arte cine-matográfico como Otavio y las letras, La ni-ña santa, El baño del Papa, Glue, La vía

láctea, entre otras. Pudo escuchar la excelen-te lección de cine que ofrecieron, para unassesenta personas, Tata Amaral y Roberto Mo-reira, conducida por Camilo Luzuriaga. Pudover películas, ya lo sabíamos, que de ningunaotra manera hubieran podido ser vistas. Pudover a Francisco Vargas, gran director y granhombre. Y el punto más alto del festival: la ex-traordinaria proyección digital de alta defini-ción de ocho películas que la empresa brasile-ña Rain operó desde el teatro Benalcázar.

La mayor decepción radicó en la ausenciade cuatro de las anunciadas visitas importan-tes al festival. Ni Lita Stantic, ni Alex Cox, niJaime Rosales, ni Paulo Lins llegaron al festi-val, en lo que parecía un desafortunado con-juro de deserciones de último minuto, y quetuvieron deprimidos a los organizadores poralgunas horas (¿un caso de mala fortuna?).La selección de cortometrajes fue cuestiona-da por un número importante de espectado-res, que señalaban la desproporción de cali-dad entre los cortos y los largos. Hubo esca-sa cobertura del festival de los medios de co-municación: solo el Diario El Comercio man-tuvo disciplinadamente una columna diaria.El organo oficial del festival, “Nuestrosrollos”, luego de un prometedor inicio,terminó con ediciones muy pobrementepresentadas y diseñadas. El catálogo delfestival apenas circuló, penosamente, solo elúltimo día de proyecciones.

Así transcurrieron los diez días del festival.Altos y bajos. Un saldo que quisiéramosfuese diferente. La palabra y la evaluacióndesde adentro, que se hace urgente, la tie-nen los muy trabajadores y muy honestosdirectivos del festival, amigos queridos deesta sala y de este servidor.

SE ESTRENA EL LARGOMETRAJE DOCUMENTAL ELLAS. SU DIRECTOR CUENTA EL PROCESO DE RETRATAR A LASINTERNAS DEL CENTRO DE REHABILITACIÓN SOCIAL FEMENINO DE EL INCA, EN QUITO.

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Glamour y vigilancia. Foto de la película Ellas por Cecilia Puebla.

UIO TUM

Acercarnos a ellas

CERO LATITUD

El destino de un festival desafortunadoEL CERO LATITUD TUVO ALTOS YBAJOS EN SU QUINTA EDICIÓN.

Gente joven en OCHOYMEDIO del Ventura Mall Tumbaco. Foto de Paula Parrini

ALAS DE LA DANZA CAP. 14GYE MAN

Locate Performance Group fue creada enSeattle, Estados Unidos, en 1996, aunquesu director Pablo Cornejo es uno de losmás destacados bailarines y coreógrafosde la danza contemporánea ecuatoriana.Él venía trabajando en lo suyo desde mu-cho antes. “El amor desenterrado”, talvezsu mejor trabajo coreográfico, inspiradoen el poema del mismo nombre del escri-tor Jorge Enrique Adoum, generó una in-teracción entre la danza y el teatro, entrelo erótico y la muerte, entre el amor y latragedia.

Desde sus inicios, Pablo Cornejo indagóen el movimiento generado por un impul-so, ese que es capaz de trascender la ac-ción física, para adentrarse en el interiordel intérprete y del espectador. Los si-guientes montajes continuaron con estabúsqueda de las razones que motivan laquietud o movilidad de un individuo. Hatrabajado de la mano de grandes poetas:Adoum, Neruda, Cortázar o Paz, los mis-mos que mediante sus versos apoyaronsu trabajo creativo.

Cornejo junto con Paige Barnes, crean supropio estudio de danza contemporánea:Open Flight Studio en 1996, e inician jun-tos un proceso de creación colectiva queen el 2002, presenta la obra “Piedra delsol”, con la que ganó el premio a la mejorcoreografía del Festival North West NewWorks. Siguieron luego las obras “InsideRed”, “Islas de cielo (Sky Islands)”, “Li-ving in a Safety Zone” (Viviendo en unazona de seguridad), “Bowie Inside”, “Tra-ce Elements”, “The Mouse Project” (Elproyecto del ratón), “Retorno”, “Represa-do”, entre otros muchos trabajos creadospor Cornejo o por encargo de compañíasde danza locales. En su gira ecuatoriana,las obras serán danzadas por Paige Bar-nes, Pablo Cornejo, Mónica Mata William,Nicole Marie Sasala, Aleta Greenway, yLauren Ehnebuske.

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El coreógrafo y bailarín Pablo Cornejo. Foto de Marc Carter.

UIOLa compañía de danza de Pablo Cor-nejo y Paige Barnes presenta lasobras “Keeping Quiet”, “Nothing Bet-ter”, “Returning” y “Piedra del sol”.Las funciones se desarrollarán enOCHOYMEDIO Quito – MAAC CINEde Guayaquil y Manta, en el centrohistórico de Quito, en el Centro de ar-te y cultura de Riobamba y en el Au-ditorio del Banco Central en Cuenca.La gira nacional de este capítulo deAlas de la Danza es auspiciada por laEmbajada de Estados Unidos.

Por Pablo Cornejo

La ciudadEs natural que antes de emprender una gira,las palpitaciones y sensaciones sean dife-rentes a lo habitual. Pero estoy llegando tran-quilo porque el trabajo que llevo me gusta, yeso es lo que cuenta. Lo último que presen-té en Quito fue “El amor desenterrado” deJorge Enrique Adoum que me ayudó a re-buscar en mi pasado y comprender que loslímites que ponen los otros, no bastan paracallar.

Desde esta soledad desde donde escribo,quiero acercarme, quiero estar en mi ciudadpara que me despierte, para ver que ama-nezca y decirle que todo el tiempo que no latuve, porque me alejé, la guardé en mi cora-zón y la llevé conmigo a otros viajes en otrosidiomas. Hoy llego a mi ciudad, para mirarley que me mire, y que sepa que diez años yel pelo corto no fueron suficientes para de-jar de bailarla.

El silencioA veces en mis coreografías no hay música y

solo los ruidos de la vida diaria parecen ob-nubilar mis sueños y los distanciados afectosde todos los que me rodean… los silencios,las relaciones furtivas... siento silencio al lle-gar a mi casa… ese silencio que no terminanunca en esos solos pasillos de mi casa, enesos pequeños objetos que pongo sin senti-do, en la cortina que abro todos los días.

Capturar el silencio se convirtió en un retopara mí ahora. Quise intervenir en la densi-dad del tiempo, en el tiempo de los bailari-nes, darles y darme un tiempo en silencio, untiempo austero, y pensar en las falsas priori-dades de nuestra vida. Me invité entonces adetenerme, a coparme de una pequeña sa-biduría para transmitir lo que sentía sobre elquedarse callado. Sé que tengo necesidadde calma y silencio, en contraste con la vidaque llevo. Me gustaría ya no tener miedo ycreo que en el silencio lo encuentro. Despo-jarme de lo innecesario y quedarme solo conlo que necesito. Quiero descubrir el mundodel silencio, ese que está por encima de no-sotros y darme en este momento una historiade lentitud. En él he reflexionado sobre lamuerte. Un proverbio hindú advierte que al

hablar, el ser humano debe asegurarse deque sus palabras sean mejores que el silen-cio. Sólo en el silencio absoluto se empiezaa oír, sólo cuando se prescinde del lenguajese empieza a ver.

El cuerpoBusco hacer estallar el cuerpo en sus límitescarnales. Separarlo a través del espacio,aturdirlo y de repente suspenderlo peligrosa-mente en un silencio inquieto, dejarlo vibrar,simplemente ahí, presente en el mundo.

La técnicaTengo la convicción y la razón del porqué es-toy en un escenario, el porqué de un paso,de un salto, el ir hacia alguien, el mirar esealguien y de repente dar rienda suelta es-pontáneamente y sin explicación a la dan-za… sin este planteamiento, para mí la dan-za carece de interés. La técnica es impres-cindible en mi trabajo, pero trato de reflejar elcotidiano de cada día a través de la purezadel movimiento. Esos gestos, esos movi-mientos que rutinariamente hacemos, trans-miten una emoción que la reflejo en mi traba-jo. Atrapar por unos instantes, la belleza y laestética que se “escapa” de una sucesión desituaciones que son igual que metáforas dela esencia misma de la danza. Dejar que elcuerpo, el cual detiene un lenguaje que sebasta a sí mismo se exprese libremente a tra-vés de un movimiento.

Respeto en mis bailarines su individuali-dad. Guío al grupo hacia escenas de inter-pretación, permitiendo la vivencia de unaexperiencia común a partir de un hilo con-ductor.

Las obras coreográficasMis obras están hechas de sensaciones,intenciones, nostalgias, sueños, hilos rotos,imágenes rescatadas de mi memoria, quegiran como atmósferas diferentes de unmismo tema común. Porque en cada unade mis creaciones hay referentes, puntosde partida, que cada espectador puedeleer en lo que tiene de común y desde supropia sensibilidad frente a la poética delos cuadros coreográficos propuestos.

En “El amor desenterrado” había adrenali-na que movía mi cuerpo en un estado cer-cano al erotismo. No sólo de erotismo, sinode muerte. Me interesaba profundizar enesa frontera entre el erotismo y la muerteasí como en otras ocasiones muchos artis-tas lo han hecho en la existente entre elplacer y el dolor. No tengo un lenguaje co-reográfico específico, me interesa el serhumano que está en el escenario. Intentosacar de cada uno de ellos lo mejor de sí eindagar en el individuo para que sea capazde dar lo mejor. Mis fuentes de inspiraciónpara crear se encuentran en artes como laliteratura, la pintura o la escultura, pero essin embargo y ante todo el vivir de cadadía, la más fuerte guía de inspiración en mitrabajo.

Las motivaciones personales de un coreógrafoPABLO CORNEJO HABLA SOBRE SUS MOTIVACIONES PERSONALES SOBRE LA DANZA Y EXPONE AQUELLAS REFLEXIONES QUE IMPULSAN SUTRABAJO CREATIVO AL MOMENTO DE MONTAR SUS COREOGRAFÍAS.

Alas con LocatePerformanceGroup

Fue el 8 de diciembre de 1980 cuando MarkD. Chapman terminó con la vida de uno delos más grandes personajes del siglo veinte,John Lennon. Veintisiete años después su in-fluencia artística continúa vigente. Así lopiensa Carlos Arboleda, tecladista y compo-sitor ecuatoriano con una vida musical muyrica. “Hay miles de músicos que podrían can-tar y tocar mejor que Lennon –agrega Arbo-leda–, pero muy pocos podrían tener su in-fluencia. Desde el primer disco de los Bea-tles, él cambió la armonía vigente, armonizólas voces de manera inédita.

Arboleda ha reunido a Xavier Carrera, en el

bajo, la guitarra y la voz, Pépe German, enla batería, y Elena Vargas en la voz y la gui-tarra acústica, para ofrecer un recital de ho-menaje a Lennon. Con esta banda tocará te-mas como “Real Love”, “Hey Bulldog”, “Runfor Your Life”, “Isolation”, “Whatever GetsYour Thru the Night”, entre otras. Pero en laprimera parte del espectáculo, Arboleda seunirá al guitarrista Jorge Quevedo para ha-cer una versión de la magnífica pieza deLeo Brouwer “From Yesterday to Penny La-ne”, a interpretarse con guitarra y teclados.Adicionalmente OCHOYMEDIO estará exhi-biendo varias películas sobre los Beatles yJohn Lennon.

EVENTOUIO

Por Christian León

El cine ecuatoriano vive hoy un momento his-tórico. Nunca ha tenido tanta producción, vi-sibilidad e institucionalidad. En lo que va dela década se han producido más de 20 largo-metrajes, cifra superior a la alcanzada duran-te todo el siglo XX. Ratas, ratones y rateros(1999) de Sebastián Cordero puso al Ecua-dor en la cresta de esa ola llamada cine lati-noamericano y constituyó un paradigma paralos cineastas emergentes. Qué tan lejos(2006) de Tania Hermida generó un potenteproceso de comunicación con las audienciaslocales por su reflexión sobre nuestro imagi-nario de país. Nuevas plataformas de exhibi-ción abrieron espacio para una pléyade dejóvenes cineastas. Abre la salaOCHOYMEDIO, se crean el Festival Interna-cional de Cine de Cuenca, el Festival de do-cumental Encuentros del Otro Cine (EDOC) yel Festival de cine “Cero Latitud”. Finalmenteel año pasado, se aprueba la “Ley de fomen-to del cine nacional” y se crea el Consejo Na-cional de Cine que dará a conocer en pocosdías los ganadores de sus primeros concur-sos. En este contexto de crecimiento e insti-tucionalización, creo que el cine nacional tie-ne tres desafíos pendientes a futuro.

1. Diversidad estética y conceptual. En unaentrevista reciente para “Cinémas d’Améri-que Latine”, Víctor Arregui dice que el cineecuatoriano está preocupado por necesida-des concretas de la vida. El realizador quite-ño sostiene que “no tenemos tiempo para de-sarrollar una capacidad de abstracción”.Ideas como está no solo subvaloran al cineecuatoriano, si no que afirman concepciones

esencialistas y colonialistas. Sí. Al PrimerMundo supuestamente le está destinado elfilme universal, conceptual y experimental, alTercero, el testimonio, la descripción social yla crónica nacional. Nuestro joven cine siem-pre ha estado caracterizado por una diversi-dad de propuestas narrativas y estéticas. Allado del realismo social, siempre existieronotras expresiones como el melodrama, el mu-sical, la comedia. Los jóvenes realizadoreshan introducido una saludable pluralidad degéneros, estilos y temáticas. Tenemos ya unapequeña tradición de filmes experimentalesde lenguaje conceptual y resonancia poética.Opus Nigrum (1992) de Fernando Mieles,Metro cúbico (1995) de Sebastián Cordero,L’objetiv (2002) de Pancho Viñachi, Silencionuclear (2002) de Iván Mora, El correo delas horas (2003) de Sandino Burbano, A lacaza del rey (2007) de Patricio Burbano, en-tre otros. No existe ningún rasgo esencial quedefina al cine ecuatoriano. Nuestro cine esplural y es mejor lo siga siendo.

2. Amplitud temática. Uno de los muchos as-pectos polémicos que tiene la actual Ley deFomento al Cine Nacional es el literal c de suartículo 3. Aquí se establece que una películapara ser calificada como nacional, y por tantobeneficiaria de los incentivos estatales, debetener una “temática y objetivos que tengan re-lación con expresiones culturales o históricasdel Ecuador”. Al margen de las múltiples in-terpretaciones que pueda hacer de la ley, elartículo deja espacio para la censura temáti-ca y la segregación de muchos de los filmesecuatorianos. Dos ejemplos, por sus temáti-cas Cincompasión (2000) de Eduardo Villa-cís y Cuba, el valor de una utopía (2005) de

Yanara Guayasamín no calificaría como ecua-torianas. Para un país que tiene 2 millones depersonas viviendo en el exterior y múltiplesnacionalidades, calificar expresiones cultura-les ecuatorianas es en sí ya un problema.Mientras la sociedad es cada vez más inter-cultural y posnacional, las políticas culturalessiguen siendo nacionales. Por otra parte,siempre que los estados han entrado a dictarla agenda temática del cine, este se ha vistolimitado. Personalmente, me gustaría ver en elfuturo no solo realismo nacionalista sino tam-bién ciencia ficción, thrillers, documentales,géneros híbridos postnacionales. Un cine queno solo nos diga lo que somos, sino lo que nosomos, el otro inconfesado que vive dentro denosotros, el deseo confeso de ser otros.

3. Integración de procesos. El gran desafíopara muchos de los cines de América Latina

no es la producción. El problema hoy está endistribución, exhibición y consumo. El cineha dejado de ser la producción de películaspara convertirse en un proceso complejo eintegral de intervención estética, política ycultural. A tono con estos cambios, son ne-cesarias estrategias tendientes a posicionarel cine ecuatoriano en el mercado local e in-ternacional y formar audiencias capaces deconsumirlo. Frente al innegable desarrolloque ha tenido la producción cinematográficanacional, se hace evidente el subdesarrolloque existe en el campo de la educación ci-nematográfica y la formación de públicos.En Ecuador, las instancias mediadoras entreel filme y el público son nulas. Los espaciosde educación, discusión y debate públicoson escasos, apenas hay publicaciones so-bre el cine nacional, la investigación y la crí-tica no existen.

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Corto de Christian Hidalgo en cartelera

Un lugar común, fruto de un esfuerzo coo-perativo de un grupo de ecuatorianos estu-diantes de cine en Buenos Aires y dirigidopor Christian Hidalgo podrá ser visto estemes en OCHOYMEDIO de Quito y VenturaMall de Tumbaco antes del largometraje Ma-ría Antonieta. Localizado en un ambiente ru-ral de la sierra, Un lugar común cuenta lasencilla historia de un niño que intenta salvarla vida de uno de los cuyes que crían sus pa-dres para el consumo del hogar. El corto hasido inflado a 35mm. Hidalgo se graduó en laUniversidad del Cine de Argentina.

Festival de solos y dúos en el MAAC CINE

El festival “De mis amores en danza” es unaactividad multidisciplinaria comprendida envarias etapas y desarrolladas del 3 al 9 de di-ciembre del 2007 con actividades y presen-taciones que van desde una exposición defotografías de danza realizadas en París yQuito, hasta proyecciones de videos de com-pañías francesas durante el festival. En elMAAC CINE se llevarán a cabo las activida-des: presentaciones de Terry Araujo, CeciliaAndrade y Paul Rey (el viernes 7), y de loscoreógrafos Omar Aguirre y Pedro Hurnado(el sábado 8).

Anime para chicos

Gracias a Unijapan, la exportadora japonesade cine, presentamos en OCHOYMEDIOcuatro películas clásicas de anime infantil,producidas por el Studio Ghibli. Las cintasnos ofrecen entretenimiento familiar de exce-lente calidad. Los niños podrán ver, al fin,películas fuera del cerrado circuito Disney.Mi vecino Totoro y Kiki, aprendiz de bru-jas, ambas del genial Hayao Miyazaki, Pan-da Kopanda de Hisao Takahata y Cuentosde Terramar de Goro Miyazaki son películasaclamadas por públicos y crítica.

Guayaquil te muestra

MAAC CINE presenta gracias a la empresaexhibidora con base en Quito, MulticinesS.A., una muestra con seis películas delnunca bien ponderado “cine-arte”. Alatristede Agustín Díaz Yanes, Los Borgia de Anto-nio Hernández, Copying Beethoven de lagran Agnieska Holland, Painted Veil deJohn Curran y Todos los hombres del reyde Steven Zaillan, y la ya comentada MaríaAntonieta de Sofia Coppola, son las cintasseleccionadas para este evento, que ya sehace costumbre durante el mes de diciem-bre en Guayaquil.

FUERA DE CAMPO

Anahi Hoeneisen, actriz, guionista y directora de Esas no son penas. Foto cortesía La Maquinita.

Foto promocional del single “Whatever Gets You Thru the Night” (1974).

El cine ecuatoriano y sus desafíosEL CINE YA NO ES SOLO PRODUCCIÓN DE PELÍCULAS. HOY ES UNPROCESO COMPLEJO E INTEGRAL DE INTERVENCIÓN ESTÉTICA, POLÍTICAY CULTURAL. AHÍ ARRANCAN LOS RETOS PARA EL CINE ECUATORIANO.

FICHERO

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POR EL ANIVERSARIO NÚMERO VEINTISIETE DE SU MUERTE, CARLOSARBOLEDA JUNTO CON VARIOS AMIGOS HAN ORGANIZADO UNCONCIERTO CON LA MÚSICA DEL FAMOSO BEATLE.

Lennon vive en la memoria

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PROGRAMACIÓN DE DICIEMBRE OCHOYMEDIOEsta programación podría sufrir cambios de última hora

QUITO35mm y Video DigitalQUITOVideo Digital

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De Lunes a Miércoles: General $3.00;Estudiantes y Discapacitados: $2.00; Tercera edad: $1.50

De Jueves a Domingo: General $4.00;Estudiantes y Discapacitados: $3.00; Tercera edad: $2.00

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SALA 1

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SALA 1 TUMBACO 35mm y Video Digital

María Antonieta

Ellas

Changement D’Adresse

Hiroshima Mon Amour

Cortometrajes Les Luthins

Tú y yo

Si me amas sígueme

La tarde

Fantasmas

Panda Kopanda

Mi vecino Totoro

Kiki, aprendiz de brujas

Cuentos de Terramar

A Hard Day’s Night

Let it Be

Imagine: John Lennon

The U.S. vs. John Lennon

Yellow Submarine

Esas no son penas

Los Edukadores

Qué tan lejos

Cinema Paradiso

Astor Piazzola: elpróximo tango

Nosotros los pobres

La dolce vita

El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante

Esperando al Mesías

El topo

La montaña sagrada

Fando y Lis

El extraño

The Searchers

David Copperfield

Carlos Arboleda y amigos: Lennon Show

Alas de la Danza 14:Locate Performance Group

AVC: del sueño al caos

Caché

El niño

La vida de los otros

: 35 mm.: Formatos digitales

= SALA 1 / Ventura Mall de Tumbaco

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TUM

PROGRAMACIÓN DE DICIEMBRE MAAC CINEEsta programación podría sufrir cambios de última hora

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De Lunes a Jueves General $2.80;Estudiantes con carné: $1.90

De Viernes a Domingo: General $3.80;Estudiantes: $1.90

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Alatriste

Maria Antonieta

Copying Beethoven

Al otro lado del mundo

Los Borgia

Todos los hombres del rey

Alas de la Danza:Locate Performance Group

De mis amores en danza

Changement D'Adresse

Hiroshima Mon Amour

Si me amas sigueme

Tú y yo

Cine Chiro

Pata de cabra

El gabinete del Dr Caligari

Metrópolis

El gran dictador

Ciudadano Kane

Que bello es vivir

La dama de Shangai

Rashomon

Eva al desnudo

Un tranvía llamado deseo

Una Eva y dos adanes

Sicósis

Viridiana

Blow Up

2001 Odisea del espacio

El Satiricón de Fellini

Easy Rider

El niño salvaje

El topo

Belle de Jour

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Club Ramona y Cine de Otoño en funciones gratuitas

durante todo el mes de diciembre.

* Varios horarios

Estudiantes con carné $1.90 todos los días

: 35 mm.: Formatos digitales

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