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Revista Digital de Teatro
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Revista digital de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes Año 1. Número 10. Noviembre de 2012
el teatro y sus intersticiosmediointe
MISCELÁNEA Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, un espacio para el reencuentro con la memoria / Talleres de la MNT, abanico abierto de posibilidades escénicas / Una mirada al Premio Internacional de Ensayo Teatral 2012 ❚ ENTREVISTA Réquiem, un descanso que Enrique Singer pone al descubierto ❚ ARTÍCULOS In memoriam / Muerte y teatro o de la muerte en el teatro ❚ EL TEATRO TAMBIÉN SE LEE Las buenas y las malas palabras de Perla Szuchmacher / Títeres Rosete Aranda TEATRÓSCOPOS ❚ TEATTER
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En busca del Snark cuenta entre su elenco a Jorge Luna, Rodolfo Nevárez, Daniel Haddad, Meztli Gutiérrez, Dettmar Yáñez y Carolina Contrerasse presenta en el Teatro El Granero, Xavier Rojas hasta el 2 de diciembre
sábados y domingos a las 12:30 horas.
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COORDINACIÓNNACIONALDE TEATRO
EDITORIAL
Una de las máximas celebraciones de las artes escénicas nacionales se celebra este mes: la Muestra Nacional de Teatro. Cada año es recibida por un anfitrión de latitud diferente que pone todo el entusiasmo, profesionalismo y experiencia de por medio. Para esta 33 edición, San Luis Potosí es la sede de la MNT.
35 puestas en escena, 11 talleres, 3 exposiciones, 3 mesas de reflexión, un encuentro de asociaciones, un encuentro de programadores y un encuentro de salas independientes, se realizarán en nueve días de expresión artística.
Es para nosotros de gran orgullo compartir con ustedes, lectores y asiduos al teatro, esta fiesta teatral, que se realizará del 9 al 17 de noviembre.
Por otro lado, mostramos un acercamiento con Enrique Singer y su Réquiem, en una entrevista en la que ahonda sobre su nuevo montaje. También deseamos mucha mierda a los nuevos estrenos como Paisaje marino con tiburones y bailarina, y Aves y cenizas, un montaje basado en un hecho real. ¡No te los puedes perder!
No queríamos dejar de lado este mes en el que honramos a quienes ya no están físicamente con nosotros, pero siempre en nuestros recuerdos, en textos, en líneas y, por supuesto, en el teatro, por lo que tenemos un recuento de quienes este año lamentablemente fallecieron y sobre la muerte en este arte que nos compete.
Además, agradecemos a todos ustedes quienes con su entusiasmo y participación, hacen posible diferentes dinámicas y comentarios con los que nos retroalimentamos, por lo que les compartimos algunas calaveritas que el público de redes sociales nos hizo llegar.
Así que, querido lector, esperamos que este número sea una invitación al teatro, a compartir y reflexionar sobre esta disciplina escénica.
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Consejo Editorial Juan Meliá y Alicia Martínez Editora General Angélica Moyfa García Reporteros Nora Castrejón, Irving Rivas y Raúl Medina Diseño Editorial Gustavo Hernández Fotografía Acervo fotográfico del INBA. Colaboración de Marisa Giménez Cacho.
Contacto: [email protected]
CONTENIDO
EDITORIAL 1
MISCELÁNEA
• FestivalIberoamericano deTeatrodeCádiz 3
• LosTalleresdelaMNT 4
• Unamiradaalensayoganador delPremioInternacionalde EnsayoTeatral2012 5
ENTREVISTA
• Réquiem,undescansoque EnriqueSingerponealdescubierto 7
ARTÍCULO
• Queenpazdescansen,Inmemoriam 11
REPORTAJE
• MuestraNacionaldeTeatro, lafiestadelasArtesEscénicas 17
BAJO EL REFLECTOR 24
MUCHA MIERDA 26
ARTÍCULO
• Muerteyteatroo delamuerteenelteatro 27
EL TEATRO TAMBIÉN SE LEE
• Lasbuenasymalaspalabras dePerlaSzuchmacher 31
•TiteresRoseteAranda/Espinal 32
TEATRÓSCOPOS 34
TEATTER 36
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MISCELÁNEA
El pasado mes de octubre se celebró la XXVII edición del Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz (FIT). Este Festival se realiza
anualmente desde 1985 y mantiene el objetivo primordial de seguir incidiendo en el devenir y desarrollo del teatro iberoamericano.
Hoy en día el FIT se consolida como un referente de intercambio cultural entre los creadores escénicos más importantes de América Latina e Iberoamérica. Del 16 al 27 de octubre el público de la ciudad de Cádiz y de algunos otros estados españoles, tuvo la oportunidad de apreciar algunos de los trabajos más importantes que se producen en países como Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Costa Rica, Colombia, Cuba, Ecuador, México, Nicaragua, Portugal, Uruguay, Venezuela y España.
Un programa completo que mostró principalmente las manifestaciones teatrales que promueven el discurso contemporáneo de las artes escénicas iberoamericanas y la dramaturgia actual.
En esta edición el Festival contó con tres estrenos absolutos: Atentamente, para Doña Josefa, espectáculo homenaje a la celebración del bicentenario de la promulgación de la Constitución de 1812, de la mano de la mano de Leonor Benedetto, de Argentina; el espectáculo Todo cerca, del autor y director Fernando Rubio, también de Argentina, y el performance: Acciones sobre la fuerza de la debilidad, del grupo Entrepiernas Producciones, de México.
En total participaron 31 compañías (20 latinoamericanos y 12 españoles), ofreciendo 32 espectáculos, de los cuales 20 fueron de teatro de sala con una diversidad en el lenguaje y propuesta y por otro lado, también se presentó el proyecto Teatro en Libertad, que desde 2004 se desarrolla como complemento en el cual se presentaron 9 grupos de 5 países ofreciendo espectáculos de teatro de calle.
En la actualidad se habla mucho de la diversidad cultural y el Festival Iberoamericano de Cádiz es un claro ejemplo de riqueza artística con un excelente nivel de los espectáculos que ahí se presentan. Y como resultado el Festival es considerado uno de los más importantes a nivel mundial con ese encantamiento que producen las manifestaciones artísticas de toda Iberoamérica.
Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz
un espacio para el reencuentro con la memoria
Por: Raúl Medina
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Los talleres de la MNTAbanico abierto
de posibilidades escénicas
Por: Irving Rivas
La formación académica dentro de una Muestra Nacional de Teatro (MNT) ha sido siempre de gran prioridad. Basta decir que los talleres se encuentran a su máximo en cada emisión y tanto nativos del estado sede como invitados de la MNT participan en ellos creando reflexiones académicas incluso filosóficas de altísima calidad. Durante los días de la existencia de este evento reflexionan en torno al pensamiento, el estudio y la creación del arte que las reúne: El teatro.
En esta emisión 33 de la MNT contará con la participación de destacadas personalidades nacionales e internacionales del teatro, quienes abordarán distintos caminos, pensamientos y concepciones del quehacer escénico. Quedando claro que en estos talleres se gestarán para los participantes, ideas y concepciones artísticas que, sin dudar en la posibilidad, mañana podrían ser las tendencias de un teatro del sur, centro o norte del país, o quizá los rasgos que unifiquen una identidad mexicana. Podría ser.
En esta emisión se contará con la participación de la Compañía Seña y Verbo, Teatro de Sordos. Una de las compañías mexicanas más importantes a nivel internacional. Integrantes de esta compañía darán el taller La lengua de señas como herramienta del actor y la comunicación no verbal como herramienta en el proceso de enseñanza-aprendizaje.
Richard Viqueira, uno de los creadores escénicos más renombrados del país dará el taller Técnicas de teatro contemporáneo. Mientras que Cecilia Sortes, dará el Taller Intensivo de teatro Cabaret. Cecilia es integrante de una de las agrupaciones más destacadas de cabaret mexicano, Las Reinas Chulas.
La española Natalia Menéndez impartirá el taller Barroco hoy, interpretación del verso del Siglo de Oro, trabajando en un acercamiento y reflexión sobre este teatro y su actualidad.
Jorge Ballina uno de las escenógrafos mexicanos más destacados a nivel internacional impartirá el Taller de Escenografía Teatral. Mientras que la dramaturga mexicana, premiada internacionalmente Bárbara Colio, dará el Taller de Dramaturgia.
Enrique Olmos de Ita, uno de las académicos y críticos de teatro con mayor prestigio en el país realizará el taller Neurodrama: Las bases biológicas del rito teatral.
El Foro Shakespeare representado por la directora general Itari Marta, el director artístico Luis Sierra y su director de proyectos de impacto social José C. Balaguer, impartirán el Taller de Impacto Social: vinculación de diferentes actores sociales con las Artes Escénicas.
Raquel Araujo, directora de la prestigiosa compañía Teatro de la Rendija, de Mérida, Yucatán impartirá el Taller Formatos, estilos y gestión, desde la compañía. Y para concluir Ileana Diéguez impartirá el Taller Escenarios Expandidos.
Como su nombre lo dice la Muestra Nacional de Teatro es la oportunidad perfecta de gestar el enorme cúmulo de posibilidades dentro del mundo del teatro. Los once talleres que integran la 33 MNT, sentarán bases para consolidar el teatro venidero.
MISCELÁNEA
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MISCELÁNEAMISCELÁNEAMISCELÁNEA
Jorge Luis Yangali y el teatro de la Sierra Central
Peruana
Una mirada al ensayo ganador del Premio
Internacional de Ensayo Teatral 2012
Por: Nora Castrejón.
Al cierre de la Feria del Libro Teatral, el pasado mes de octubre, se dio a conocer el ganador del Premio Internacional de Ensayo Teatral 2012, convocado por el CONACULTA, el Instituto Nacional de Bellas Artes (México) a través del Centro de Investigación Teatral “Rodolfo Usigli” y la Coordinación Nacional de Teatro, en colaboración con ARTEZBLAI Editorial de las Artes Escénicas (España) y Paso de Gato: Revista Mexicana de Teatro. El premio se adjudicó al trabajo “El Teatro de la sierra central peruana o resucitar para re-territorializar” de Jorge Luis Yangali Vargas.
El jurado dictaminador estuvo compuesto por José Antonio Sánchez, Edgar Chías y Heriberto Yépez, los cuales analizaron treinta ensayos provenientes de diez países. Los resultados se dieron a conocer el 6 de octubre pasado en el marco de la clausura de la V Feria del Libro Teatral, FeLiT 2012.
También obtuvieron una mención los ensayos Los límites del yo: representar la familia, de Julie Ann Ward (Estados Unidos de Norteamérica) y Hacia una
poesía performativa. El colectivo acciones de arte, de María José Pasos (México).
Jorge Luis Yangali (Huancayo, 1974), fue influenciado en su adolescencia por la teología de la liberación. Obtuvo el grado de Pedagogo y humanista en la Universidad Nacional del Centro del Perú (UNCP). Realizó la maestría en Literatura Hispanoamericana en la Pontificia Universidad Católica del Perú, obteniendo el grado con una tesis que aborda el trabajo poético de José Gamarra Ramos, integrante del grupo Para Cantar o Morir, poeta que hasta la fecha tiene el estatus de desaparecido. Actualmente, cursa el doctorado en Letras Modernas en la Universidad Iberoamericana Ciudad de México gracias a una beca otorgada por la Secretaría de Relaciones Exteriores.
Hablando de las motivaciones que tuvo para abordar el teatro de la sierra central peruana, el autor señala varias razones: la primera está relacionada con su integración a una tradición cultural, que lo lleva a estudiar los diversos modos de cómo dicha tradición se hace presente continuo, siendo el teatro uno de aquellos canales de expresión. El segundo, que tiene que ver más con su experiencia, es haber visto apasionada y comprometidamente, hasta la conclusión de sus estudios de licenciatura, el teatro de dicha región, actividad que desarrolla en él una pasión que lo lleva a traducir aquello en lo cual reparó tanto como espectador, como lector de las ulteriores publicaciones que se hicieron de dichos montajes. Otro de sus motivos para hablar del teatro de esta parte del Perú, y sobre todo de aquellas obras que se representaron en las últimas décadas del siglo XX, fue que escribir sobre este teatro implica hablar de un conjunto de imágenes que forman parte del acto exorcista de una sociedad violentada.
“El ensayo partió de mis aproximaciones reflexivas a los textos de dos obras, las que sometí a los criterios teóricos contemporáneos, estas obras son Voz de tierra que llama de Eduardo Valentín Muñoz y Corazón de fuego de María Teresa Zuñiga Norero. Con lo cual creo que comprenderé mejor la relevancia de un compromiso con la práctica escritural y cultural de un sector socio cultural y geográfico del Perú”, precisa Yangali.
Al preguntarle sobre los temas de reflexión urgente en torno al quehacer teatral en nuestro contexto actual, Jorge Luis expone: “Creo que la relación globalidad/ colonialidad puede ser un buen motivo de reflexión. Analizar las posibilidades cada vez más cognoscibles que tenemos los pueblos que estuvimos –y, con mayor razón, los que aún lo están– bajo sistemas de coloniaje de despojarnos de las máscaras de humanidad con las que fuimos travestidos. Imponernos, por ejemplo, la tarea de actuar en y con lenguas en agonía, porque las muertas, muertas están, no por puro interés económico o egotista; sino, más bien, por motivos radicalmente humanos. Es decir, autoimponernos la piedra del zapato del otro, con una clara comprensión –que en nuestra sociedad hipermanipulformada no puede ser de otro modo– de los riesgos que ello implica”.
“En el ensayo analizo el modo cómo Zúñiga Norero y Valentín Muñoz, como herederos de tradiciones teatrales, tal el callejero, el colectivo, el comprometido y el campesino, reinscriben en los años finales del siglo XX la tesis mariateguista que el problema del indio es el problema de la tierra, de la desposesión del territorio. Problema completamente irresoluble en lo factual e histórico; mas, no tanto, en lo simbólico, sino en el acto de la resurrección”, explica el también docente.
Y agrega: “La pertinencia del ensayo radicaría en la necesidad actual que tenemos algunos de creer en la potencia del mito de la resurrección y sus consecuencias colaterales como la del despertar de los muertos”.
Finalmente, Yangali concluye en torno a la práctica escénica actual: “Creo que el teatro –junto a otros medios comunicativos y artísticos– de los últimos años y principalmente el contemporáneo, ha forjado una generación de espectadores acostumbrados a ser parte del corifeo y el rito y a quienes el teatro ya no teatra. Por lo que sería interesante cercar, por un tiempo, el carácter dionisiaco del teatro ante aquel sector socio-espectacularizado que se precia de ser teatralmente apolíneo, y ver qué surge de ello. Pero, no como un mecanismo represivo externo, sino totalmente interno y renovador”.
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ENTREVISTA
Réquiem:
Un descanso que Enrique Singerpone al descubierto
Por: Raúl Medina.
La muerte es el fin de la vida, es un suceso latente alrededor de nosotros y algo que a la mayoría de personas nos causa temor y desconcierto. El concepto de muerte ha variado a lo largo de la historia, en la antigüedad se consideraba a la muerte, como un evento que tenía lugar cuando el corazón dejaba de latir y el ser vivo ya no respiraba. Con el avance de la ciencia, la muerte pasó a entenderse como un proceso que, a partir de cierto momento, se vuelve irreversible. Más allá de la biología, existe una concepción social y religiosa sobre ésta. Se suele considerar como la separación del cuerpo y el alma. Por lo tanto, la muerte implica el final de la vida física pero no de la existencia…R
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mOración que se reza en la memoria de un difunto.
Textos para las nuevas generaciones
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ENTREVISTA
Es una obra escrita por Hanoch Levin, uno de los autores israelíes contemporáneos más importantes. Levin basó este drama poético en cuentos de Anton Chéjov, un texto emocionante y contundente que habla de la muerte, la tristeza y el luto, y plantea el sentido o el sin sentido de la vida.
El reconocido actor y director Enrique Singer, dirige esta controversial obra y él mismo nos habla sobre este montaje: “Es una obra que gira en torno a la forma en que abordamos la muerte, el tema es eso, la muerte, en cómo la enfrentan los seres humanos. Los personajes son extraídos de historias de Chéjov, de distintos cuentos. Hanoch Levin extrae los personajes y las situaciones generales, los mezcla en un mundo que está en algún lugar perdido o en medio de cualquier otro lugar, en el campo, en cualquier campo del mundo, entre dos pueblos desconocidos que están a la mitad del camino, entre París y Shangay, es decir, en cualquier lado. Son personajes que viven en la pobreza total, en la miseria y que tienen que enfrentarse a la muerte”.
El gran poder expresivo de Réquiem ciertamente deriva de la experiencia personal de Hanoch Levin, quien montó la obra desde la cama de un hospital debido a un cáncer que lo aquejaba. La obra fue representada más de 400 veces por Teatro Cameri, una de las compañías más importantes del teatro israelí. La escritura de Levin se caracteriza por su estilo único, con giros satíricos y metáforas poéticas.
¿Por qué escenificar Réquiem? “Lo que sucede en realidad, supongo que sucede en el arte en general, pero en el teatro es clarísimo, los proyectos llegan, los proyectos lo escogen a uno, los proyectos bajan y se apoderan de un grupo de gente para que los haga, entonces la respuesta es un poco abstracta, así como lo es la pregunta. En realidad uno nunca se hace esa pregunta, ¿por qué voy a montar esto? Más bien lo montas sabiendo que es un texto que por alguna razón a uno le llama la atención y al montarlo uno lo va entendiendo. Así que uno descubre la razón en el camino. Ahora, por qué y qué es lo que hemos descubierto en el camino, que en todo caso podríamos llevarlo hacia allá, tiene que ver con la forma en la que afrontamos la muerte, es lo mismo que la forma en que afrontamos la vida, por qué y cómo afrontamos la vida. Lo que plantea este montaje a través de los personajes, es el anclaje que tenemos las personas en el pasado y en la suposición de qué hubiera pasado si las cosas hubieran sido distintas a como ocurrieron. No tiene que ver exactamente con el arrepentimiento, tiene que ver con un imaginario que los seres humanos tenemos y la tentación de caer en él frecuentemente”. Y agrega: “¿Cómo hubieran sido las cosas si las hubiéramos enfrentado de otra manera? podríamos perder nuestra vida pensando en ese pasado ilusorio. Eso es lo que le sucede a los personajes en la obra; el dolor de la pérdida de alguien o bien la pérdida de sí mismos en este mundo, en el que todo el tiempo a
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eso nos esta enfrentando, siempre se pierde algo. El problema de estos personajes es que la pérdida no nada más es que alguien haya muerto, sino aquellas cosas que no gané en la vida son una pérdida. No nada más lo que tuve y perdí, incluso lo que no tuve por que no aproveché la oportunidad, se refleja en una pérdida. Entonces vivimos siempre al borde de la amargura y un poco lo que la obra plantea es ese peligro. La obra plantea una realidad, un peligro, más no una salida, no hay salidas”.
El elenco de esta obra es estupendo, la calidad de los actores y todo el equipo creativo es indiscutible. Para Enrique Singer trabajar con un gran elenco y un excelente equipo creativo significa: “Un placer, es un placer por que todos los que están aquí son gente absolutamente profesional, lo profesional se traduce en un amor absoluto a la profesión, es gente que ama el teatro, y amar el teatro significa amar el buen teatro”.
Además, “ellos y cada uno de los que participan en esta obra, y no me refiero sólo a los actores, sino también a las escenógrafas, a la iluminadora, el músico, el vestuarista, todo el equipo está dando todo de sí para que podamos construir una obra bella, una obra que diga algo y una obra que también divierta mucho a la gente. Entonces para mi como director es un placer trabajar con gente tan profesional, tan entregada. Me permite conducir mejor el esfuerzo de todos con mayor facilidad, es un placer absoluto”.
ENTREVISTA
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ENTREVISTA
la muerte esta ahí todo el tiempo. Claro que en nosotros depende mucho las condiciones en las que estamos, el problema es cómo la afrontamos, cómo los seres humanos tenemos una relación con la idea de la finitud de la vida muy distinta a la que la tiene la naturaleza o por lo menos, a la que nosotros vemos que ella tiene. La obra presenta esa contradicción, entre una naturaleza pródiga que se enfrenta a la muerte pero que pareciera que no le preocupa mayormente y el ser humano que está todo el tiempo y todo el día pensando en eso”.
Con un elenco integrado por Emoé de la Parra, Miguel Flores, Haydeé Boetto, Harif Ovalle, Arturo Reyes, Georgina Tábora, Rodolfo Nevárez, Paola Izquierdo, Alejandra Maldonado, Américo del Río y Carlos Orozco, Réquiem se presentará en el Teatro Julio Castillo del 22 de noviembre al 16 de diciembre, todos los jueves y viernes a las 20:00 horas, los sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas. Una puesta en escena que en verdad no puedes dejar de verla.
La situación actual del país lamentablemente ser relaciona en muchos aspectos con la violencia y la muerte, ¿qué impacto tendrá para el público? “No es una obra que esté preocupada por aspectos políticos o sociales, es una obra que esta preocupada por aspectos individuales, más que colectivos. La colectividad se expresa en la medida que esta hecha de individuos y el individuo, a su vez tiene una problemática consigo mismo y con la vida que se reproduce en la colectividad, entonces no hay una reflexión social, no hay justicia ni injusticia, así es la vida tal cual. Nos estamos enfrentando cotidianamente a la muerte sea por la razón que sea”.
El director agrega: “En México hay una situación de inseguridad que no a todos nos toca de la misma manera. La muerte no se nos presenta de la misma manera, de igual forma hay enfermedades y accidentes. Siempre estamos al borde de la muerte, por vejez, por lo que sea. En esta obra hay un bebé que muere, pero también hay dos viejos que fallecen,
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REPORTAJEARTÍCULO
Que en paz descansenIn memoriam
Este año, los escenarios extrañarán la presencia de algunos queridos
miembros de la comunidad artística, Intermedio hace un recuento de estos
personajes y sus trayectorias.
Por: Nora Castrejón
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Pedro Armendariz Jr.26 de diciembre de 2011
(1940-2011)
Nació en la Ciudad de México, hijo del también actor Pedro Armendáriz. Estudió arquitectura en la Universidad Iberoamericana, profesión que ejerció durante algún tiempo pero que después dejó para seguir los pasos de su padre.
Fue dirigido por reconocidos cineastas como Jaime Humberto Hermosillo (La pasión según Berenice), Felipe Cazals (El tres de copas) y Arturo Ripstein (Cadena perpetua). Más recientemente se le pudo ver en Dos crímenes (1995), La ley de Herodes (1999), El crimen del padre Amaro (2002), y en Un mundo maravilloso (2006).
También incursionó en el cine norteamericano, donde formó parte de la saga de James Bond al interpretar al presidente Héctor López en 007: Con licencia para matar (1989); además de actuar en películas como Antes que anochezca al lado de Javier Bardem y Johnny Depp, o La mexicana, protagonizada por Julia Roberts y Brad Pitt.
Su trayectoria incluye más de 140 películas nacionales y extranjeras, además de haber participado en varias telenovelas y series de televisión. También incursionó en la producción de programas educativos y largometrajes.
Entre los reconocimientos que recibió destacan dos premios Ariel, el Mayahuel de Plata, el premio Luis Buñuel del Festival Internacional de Cine de Huesca, y el Premio Incombustible en el Festival de San Sebastián.
Dora García28 de febrero 2012
(1969-2012)
Actriz, productora, diseñadora y directora de teatro, fue fundadora de la compañía de intervención La Biznaga teatro.
Dora García fue una creadora escénica interesada en las acciones políticas y públicas a través de la dramaturgia en el espacio público y fue una de las pioneras en reflexionar el metro como un espacio público para el arte.
Con La Biznaga participó en múltiples festivales, entre ellos el Cervantino, FMX, el Festival Internacional de Teatro Santiago a Mil, el cual se realiza todos los veranos australes, también al VIII Festival Internacional de Buenos Aires y en el XXVI Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, donde fueron invitados por el espectáculo Las Cajas Voyeuristas, una intervención de teatro callejero que sucede dentro de una caja de madera de 3 metros por dos, llena de agujeros, por donde el público podía ver lo que sucedía adentro.
“Me interesa el teatro de proximidad como un acto amoroso debido a que el metro es un espacio frío”, señaló en una entrevista cuando estrenó dicha pieza al interior del Sistema de Transporte Colectivo.
Dora García desarrolló el concepto de teatro de proximidad mediante una serie de intervenciones como Los mensajeros del alma, Las Cajas Voyeuristas, Los cilindreros poéticos, Campaña de Vacunación Cultural, Los Barrenderos poéticos, La Noche de las Estrellas, en los que fundía el teatro callejero, con el performance y la instalación, generando así proyectos multidisciplinarios para sitios específicos.
ARTÍCULO
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Adam guevara3 de marzo 2012
(1941-2012)
Adam Guevara nació en el Distrito Federal en 1941. Estudió en la Escuela de Artes Teatrales, institución adscrita al Instituto Nacional de Bellas Artes, donde también dio clases.
Con una trayectoria orgullosamente independiente, dirigió casi medio centenar de montajes escénicos, como El camino rojo a Sabaiba, de Óscar Liera; Los títeres de cachiporra, de Federico García Lorca; Silencio, pollos pelones ya les van a echar su maiz,de Emilio Carballido, y La mudanza, de Elena Garro, entre otros. En la vocación de Adam se destaca un profundo compromiso social y la convicción de que el teatro es una herramienta de integración social, de cuestionamiento, a partir de un juego con los elementos de la creación dramática; es decir, a partir de la reflexión sobre qué es teatro y qué es realidad.
La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) le otorgó el reconocimiento Una vida en el teatro. La Asociación Mexicana de Críticos de Teatro lo distinguió por su obra ¿Quién mató a Seki Sano?, por mejor dramaturgia actual.
También ejerció la docencia en otras instituciones, como el Centro Universitario de Teatro (CUT) en la Universidad Nacional Autónoma de México, y en la Universidad Autónoma del Estado de México (UAEM), en esta última publicó el libro Siete obras de teatro.
Julio Alemán11 de abril de 2012
(1933-2012)
Julio Alemán, nació en Morelia, Michoacán, actúo en más de 30 obras de teatro, comenzó su carrera artística en 1952 con la puesta en escena Espaldas mojadas, sin embargo su debut profesional lo realizó en la obra de teatro Corazón arrebatado en 1957.
Fue también en 1957 cuando filmó la película El Zarco, para dar paso a un fructífera trayectoria en el cine mexicano donde sumó más de 200 películas, entre las que destacan El derecho de nacer (1966), Corazón salvaje (1968) y El Tunco Maclovio (1970), entre otras. El último filme en el que actuó fue Tango das mortes en 2007.
Su talento lo llevó a la televisión, participando en la primera telenovela hecha en México, Senda prohibida en 1958, formato en el que se mantuvo activo hasta 2010. Su último trabajo en los escenarios fue en el exitoso montaje Perfume de gardenia donde compartió créditos con María Victoria y Yolanda Montes Tongolele.
A la par de su carrera como actor y cantante, se interesó por la política, siendo diputado local en el Distrito Federal y secretario general de la Asociación Nacional de Actores (ANDA).
No pierdan su tiempo, porque el tiempo es vida. Nadie sabe cuánta vida tiene ni cuánto tiempo.
Disfruta de tu vida y sonríele al tiempo porque al final de cuentas
Tu vida y tu tiempo terminan al mismo tiempo. J.A.
ARTÍCULO
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Raquel Seoane17 de marzo de 2012
(1932-2012)
Destacada creadora y promotora de las artes escénicas en México. Fue integrante junto con Blas Braidot de El Galpón, institución ligada íntimamente a la historia del teatro independiente de Uruguay, Raquel Seoane llegó a México en 1976 con la propuesta de este colectivo, que luego derivó hacia 1981 en la fundación de Contigo América, proyecto que inició con el propio Blas Braidot, con Mario Ficachi, Luisa Huertas y Pablo Jaime.
Para Raquel Seoane, el teatro siempre fue y seguirá siendo una expresión artística, estética y humanista, que enriquece la sensibilidad y la conciencia de lo que el ser humano es y quiere ser, debido a lo cual durante el desarrollo de su proyecto abarcó la producción de obras, pero también la investigación y la docencia.
Destacan montajes como el estreno en México de la obra Los que no usan esmokin, de Gian Francesco Guarnieri, a lo que siguió el montaje de otras puestas en escena, como Costumbres de Víctor Manuel Leites; Y sigue la bolota de Mario Ficachi; Donceles 19 de Blas Braidot; Los motivos del lobo de Sergio Magaña y Santa Juana de los mataderos, de Bertolt Brecht, entre otras.
La entrega y compromiso con el teatro siempre fue para Raquel Seoane una forma de propiciar un encuentro sensible y amoroso con el otro, exponer la condición humana e intentar la construcción de una sociedad más justa, más libre y más creativa.
Alicia Cañedo17 de abril de 2012
(1935-2012)
La actriz tapatía, nació en el barrio del Santuario el 17 de febrero de 1935. Estudió teatro en el Seguro Social y en la Casa de la Cultura Jalisciense. Fue integrante de la Compañía de Teatro de Bellas Artes del Estado de Jalisco y de la Compañía de Teatro Infantil El Volantín. Actuó en afamadas obras de teatro tales como Las Troyanas, Bodas de Sangre, La Hora soñada, La tercera palabra, Rosalba y los llaveros, Te espero ayer, Tres obras cortas de Tennesse Williams, Un rufián en la escalera, La enemiga, El drama de la familia invisible, Olímpica, Amor sin pasaporte, Te juro Juana que tengo ganas, Pic Nic, Pobre chica millonaria, La zapatera prodigiosa, Jesús, maría y José, entre otras.
Realizó giras teatrales en distintos municipios del estado de Jalisco y en varios estados de la República Mexicana como Veracruz, Durango, Colima, San Luis Potosí y Monterrey. También tuvo la oportunidad de actuar en la ciudad de Los Ángeles, California.
En cine participó en Estudio científico N. 1, pieza que participó en el Concurso Nacional de Cortometrajes de 1975 así como en Justicia Salvaje con Charles Bronson en 1983, La vida conyugal dirigida por el cineasta Carlos Carrera y El fastidio con Arturo Villaseñor.
ARTÍCULO
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Joaquín Rodríguez8 de junio 2012
Actor, comunicólogo, crítico y reseñista de cine.
Participó en las cápsulas 24xSegundo, además de coordinar, elaborar guiones y conducir el programa Abrelatas en Canal Once. Trabajó en la revista especializada Primer Plano, así como también en Cinemanía, Cine Premiere y El Financiero, desempeñándose como crítico, columnista y editor. Participó también en la Cineteca Nacional en el área de supervisión
Rodríguez fue también miembro fundador, colaborador y asesor de programación en el Festival Internacional de Cine de Morelia, celebrado anualmente en el mes de octubre. Además, impartió cursos de apreciación cinematográfica en el Centro Cultural del Bosque, donde colaboró en la realización de tres de los cinco ciclos organizados: Las Artes en el Cine, Cine e Independencia y Cine y Revolución, entre muchos otros.
Destacan también sus actividades como jurado y periodista en diversos festivales cinematográficos nacionales e internacionales. Su incursión en la actuación se plasmó en más de veinte obras de teatro universitario, infantil, Bar-Cabaret y Ópera en el Palacio de Bellas Artes.
Carlos Cobos13 de junio 2012
(1960-2012)
Considerado uno de los actores más polifacéticos del medio, Carlos Cobos incursionó con éxito en el teatro, cine y televisión. Fue galardonado con el Ariel a Mejor Coactuación Masculina por la película Pastorela, murió a causa de un derrame cerebral que lo mantuvo hospitalizado por más de un mes.
Cobos comenzó su carrera a finales de los años setenta en diversas puestas en escena independientes, a lo que siguió su incursión en el cine en 1986 con los cortometrajes Su completa satisfacción o la devolución de su alma y Un hijo para Eva.
De su trabajo en cine destacan películas como Pachito Rex, La leyenda del Zorro, Conejo en la luna de Jorge Ramírez Suárez, película por el que recibió su primer Ariel, en el rubro de Mejor Coactuación Masculina, Las vueltas del Citrillo de Felipe Cazals y Carnaval de Sodoma, bajo la dirección de Arturo Ripstein, trabajo por el que también fue nominado al Ariel.
En teatro dejó memorables actuaciones en las obras Constante, basada en el texto de Pedro Calderón de la Barca, La secreta obscenidad de cada día y Un día cualquiera de Dario Fo, además de la aclamada obra Divino pastor Góngora.
Para Cobos, la naturalidad en la actuación surgía de factores tan misteriosos que convertían al actor en un eterno estudiante de la naturaleza humana.
Estoy de acuerdo con Staninslavzky parcialmente, porque la concentración, la imaginación y la relajación-- son muy importantes. Sin embargo, hay algo más que sale de toda medición y es en ese pequeño terrenodonde surge lo que llamamos verdad al momento de interpretar un personaje. C.C.
ARTÍCULO
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La MNT es el espacio idóneo de re-presentación y presencia del Teatro Mexicano actual, es punto de con-vergencia de creadores, críticos y programadores, en donde confluyen las diferentes líneas estéticas y dis-cursos artísticos de la vida nacional en la materia y en su edición 33 se consolida como el encuentro de arte escénico más importante del país y como la plataforma idónea para ex-poner la oferta teatral nacional, con la finalidad de propiciar la participa-ción de dichas producciones en fes-tivales nacionales e internacionales, circulación y generación de circuitos, así como impulsar y difundir el teatro mexicano en más espacios.
A través de los años la MNT se consolida y crece, el impacto que tiene para las entidades federativas participantes es relevante y su apoyo para la organización es de vital importancia.
“La Muestra Nacional de Teatro es, en primer lugar, un momento ya marcado en el calendario de la vida del teatro mexicano, ganado con el paso de los años, con las ediciones anteriores y con las diferentes intenciones y concepciones que ha tenido la muestra en más de tres décadas de existencia y que hoy día es una acción que tiene múltiples ramificaciones. La programación de 35 obras seleccionadas a través de una convocatoria nacional decidida por representantes de la comunidad teatral nacional, que ponen en la mesa a discusión, las diferentes tendencias del quehacer teatral mexicano, ya sea desde el desde el ámbito independiente prioritariamente, o desde las compañías o proyectos de ámbito institucional que se están desarrollando actualmente”, comenta Juan Meliá, coordinador Nacional de Teatro.
La sedeSan Luis Potosí, ciudad de amplia tradición cultural cuenta con una infraestructura que resulta idónea para desarrollar la MNT y también, por su gran nivel artístico en todo lo que se refiere a la práctica de las artes.
“Para nosotros, ser estado sede significa una distinción y un reconocimiento a la notable e intensa vida cultural de SLP, así como a la variedad de las propuestas de creadores relacionados con el teatro, tanto como a un público participativo. Al mismo tiempo creemos que es una oportunidad para mostrar una renovada infraestructura cultural existente. Además de los foros que servirán de marco a los montajes, los visitantes tendrán oportunidad de disfrutar recorridos turísticos
33 Muestra Nacional de
TeatroLa Fiesta de las Artes Escénicas
Por: Raúl Medina e Irving Rivas.
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que incluyen una diversa propuesta museística, gozar de nuestra refinada oferta gastronómica, pasear por los jardínes y plazas de nuestra ciudad. En fin, tendremos oportunidad de demostrar que San Luis es un anfitrión inolvidable”, comenta en entrevista Laura Elena González, directora del Instituto Potosino de Bellas Artes.
La MNT por su historia y relevancia, resulta imprescindible en el panorama artístico del país, sobre todo como una referencia cultural de los estados participantes y sobre todo del estado sede.
“Es importante para el Instituto Potosino de Bellas Artes servir como un marco óptimo que favorezca el sentido de solidaridad entre las diferentes instituciones colaboradoras, tales como la Secretaría de Cultura, Centro de las Artes, Secretaría de Turismo, H. Ayuntamiento de San Luis Potosí, y la Universidad Autónoma, tanto por los foros y su equipamiento, así como por los recursos humanos y materiales al servicio de participantes, visitantes y público en general”, señala la funcionaria.
La Muestra Nacional de Teatro no sólo es una experiencia
de espectadores. No ocurre únicamente sobre escenarios. Se trata de una gran fiesta y un viaje que explora las entrañas de la nación.
Juan Meliá agrega: “Lo que acompaña esta muestra es un encuentro de la misma comunidad del quehacer teatral mexicano, que desde diferentes dimensiones operativas, desarrollan procesos de formación en los once talleres que tendrá la Muestra este año, procesos de discusión a través de mesas específicas o presentaciones de las últimas ediciones especializadas de ámbito nacional que hay recientemente. Este año además, creo importante, se han promovido de manera clara tres proyectos, tres encuentros de ámbito muy específico. En primer lugar, un encuentro de programadores nacionales e internacionales, quienes laborarán y desarrollarán sus actividades prioritariamente para posibilitar una mayor circulación de la obra teatral mexicana, tanto en el ámbito nacional como internacional.
El segundo encuentro es una reunión de los diferentes representantes de las diversas y muy diferentes entre sí, asociaciones de especialistas que
conviven en el teatro mexicano, desde críticos hasta escenógrafos. Dichas asociaciones reflexionarán sobre el estado de las mismas, sobre su fortaleza o debilidad en el contacto con sus agremiados y con la vida y necesidades actuales de los mismos. Y por último, estamos impulsando también, un encuentro entre representantes de salas independientes en el país, nos parece muy importante a los organizadores y a la dirección artística desarrollarlo. Sentimos que es una realidad innegable que el modelo mexicano está muy apoyado en las salas públicas, en los teatros públicos. Necesitamos entrar en una nueva época donde convivan de manera clara la vida teatral, tanto en las salas y teatros públicos, como en las salas independientes. Para ello, estamos invitando a un buen número de salas independientes del país, para que reflexionen sobre el estado de las mismas y cómo pueden potenciar el trabajo entre ellas con la comunidad y con las instituciones públicas de los tres niveles de gobierno”, asegura Juan Meliá.
Distintas posibilidades, distintos tipos de acercamiento entre unos y otros. Algunos más preocupados
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35 puestas en escena11 talleres3 exposiciones2 mesas de reflexión1 encuentro de programadores1 encuentro de salas independientes
por el quehacer artístico u otros disfrutando las peculiaridades climáticas que posiblemente en su estado sean completamente contrarias. En esta microsociedad, el desayuno, la comida o la cena son el momento de crear todas las relaciones posibles; como en un enorme juego de sillas donde nadie come solo.
Los protagonistas Las figuras centrales de la MNT, sin duda, son los actores, directores y dramaturgos, ellos son quienes mediante su trabajo, hacen posible que este importante evento se mantenga vivo. Sobre la experiencia que ha significado para cada uno de los participantes de distintas partes del país y de distintas disciplinas dentro del teatro, sobre sus opiniones, concepciones y experiencias, nos comparten algunos participantes.
“Hay diferentes formas de apreciar el teatro de acuerdo a la formación y por consecuencia al criterio de cada individuo y/o grupo; pienso que hoy no importa donde gestes tu trabajo, la residencia no te limita, si no que te identifica; creo también que aún queda cierto hermetismo en cuanto a recibir propuestas de otros, pero en general, incluso en la misma región. Aunque, a la vez hay más gente interesada en abrirse para compartir y recibir; sólo así podemos crecer también individualmente y como grupo, como población. Dentro de las cosas más gratificantes para mi en la MNT son el convivio con mi grupo en otro contexto y hacia afuera con otros participantes y colaboradores, ver el trabajo de otros para ganar claridad en mi desarrollo”, comparte Mónicca Gómez, actriz de Reynosa, Tamaulipas.
“La Muestra Nacional es un es-caparate para que los teatristas de diferentes partes de esta Re-pública conozcan mi trabajo, sin lugar a dudas es un evento al que como actor es bueno participar, en lo personal es un título que ayuda en mi curriculum. Existe una comu-nicación de camaradería y com-pañeros de profesión con gente de otros estados, por lo menos en comunicación y contacto.”
“En la medida en que la comunidad teatral de determinado lugar cuenta con el crecimiento y apoyo necesario, su visión hacia el mismo será otra y ese crecimiento habla de un crecimiento a nivel social general de dicho lugar. Por mencionar un ejemplo, el crecimiento que ha tenido la ciudad de Tijuana en los últimos años y el nivel cultural que existe en el DF respecto al arte y el teatro es diferente al que se tiene en Saltillo, Colima, Chiapas, por mencionar algunos. Somos seres sensibles y nos es inevitable que lo que vivimos en el exterior, afecte nuestro trabajo. Todo esto converge estos días”, destaca Benjamín Cruz Grande, actor de Monterrey, NL.
“La Muestra es una oportunidad de convivencia. Como actor o director, se tiene el contacto directo con la gente, con el espectador, con otros creadores. Pero uno como dramaturgo el contacto se reduce considerablemente. La presencia de uno no es indispensable para el montaje o las funciones. La Muestra representa una oportunidad de salir un rato de las
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sombras de la literatura y estar en contacto con el hecho vivo del teatro”, dice Mario Cantú Toscano, dramaturgo de Monterrey, NL.
Y ahonda sobre las diferentes perspectivas según las regiones:“Cada región destina distintos presupuestos a las actividades artísticas y culturales. Y eso tiene que ver también, además de su historia, con el valor subjetivo que se les da a los bienes de consumo cultural... y la definición que se hace de esos bienes. Es claro, por ejemplo, que en el centro del país se le da un mayor valor a los bienes de consumo cultural (traducido en capital económico) que en el norte o en el sur. Y los bienes de consumo cultural tienen diferentes acepciones en el norte y en el sur. Por ejemplo, en el sur están más ligados a lo que remita a una identidad regional (más que nacional, y ligado a las tradiciones), mientras que en el norte estos bienes remiten más a accesorios de legitimación y prestigio de ciertas clases (sociales, políticas). Todo esto afectará forzosamente a las formas de pensar el arte, y por ende a sus formas de apreciarlo. Tendemos a catalogarlo en clasificaciones morales de bien y mal. Aquí la cuestión artística está muy mal.”
“Creo que la clave para salvar esto es pensarlo en cuestiones de diferencia. Y aprender a apreciar las manifestaciones artísticas no con valores absolutos de estética (cánones dictados desde una postura de autoridad) sino tratando de entender el valor de
la diferencia tanto en los procesos como en los resultados. Que se haga conciencia sobre esta república del teatro y nos dejen de llamar de provincia, finaliza el dramaturgo.
Para Susana López, actriz y dramaturga del estado de puebla, ha sido muy importante poder compartir el trabajo que se hace en Teatro AcercARTE y Susy López-Títeres en el del marco de la Muestra, poder mostrar a sus colegas del D.F. y de otros estados lo que realiza desde un punto de vista estético e intelectual respecto a los títeres en la escena, sobre todo títeres para adultos.
“Aprendí mucho en el taller de dirección; como actriz disfruté de mi trabajo y me nutrí del de los demás grupos; como productora pude también apreciar tendencias, calidades, cualidades, permitiendo que ecos de la experiencia influyan el planteamiento de nuevos proyectos”.
Y complementa: “De lo gratifi-cante sin duda la calidez de los anfitriones, y la sencillez de los creadores. También la posibilidad de en poco tiempo ver muchos espectáculos y hacer amistades mientras haces fila para entrar al teatro. Fue maravilloso reci-bir tantos comentarios positivos, y la sorpresa de quien te dice “¿tú eras la de los títeres? ¡Me encantaron!” Las encuestas que decían que éramos la sorpresa de la muestra, porque no sabían de nosotros… Ahora sí que eso no tiene precio, (risas)”.
“Para nosotros como compañía es importante participar de la Muestra Nacional de Teatro porque es una manera de compartir nuestra propuesta al resto de la comunidad teatral y al público en general, además de poder intercambiar experiencias. La muestra es una plataforma donde lanzar el trabajo que hacemos”, asegura José Agüero, actor y miembro de la compañía Teatro Al vacío, Distrito Federal.
“En la muestra que participamos hubo bastantes propuestas de teatro para niñas y niños, de todos modos no es equitativo con el resto de las propuestas. Y el teatro que se hace para niñas y niños en México es muy propositivo y comprometido”, comenta el actor.
“Además la experiencia más im-portante es el intercambio con los compañeros, poder convivir y compartir con creadores de todo el país. Esto produce acercamientos y vínculos para futuros proyectos”, finaliza José Agüero.
“Una Muestra ideal sería donde la diversidad sea lo mas significativo, donde se presenten además de los creadores ya consagrados las nuevas propuestas y posturas en cuanto al quehacer teatral; donde el teatro para niñas y niños tenga un espacio importante. Un encuentro que posibilite cuestionarnos y reflexionar sobre la situación del teatro en México, desde el diálogo entre los creadores. Que en las mesas de discusión además
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de rescatar lo positivo, se haga un cuestionamiento profundo de qué necesitamos cambiar como creadores para aportar al quehacer teatral”.
Las medallasy los premios
En el marco de esta gran fiesta teatral, el sábado 10 de noviembre se entregará la Medalla Xavier Villaurrutia, reconocimiento que galardona a las personalidades más destacadas y por su valiosa trayectoria dentro del teatro mexicano. En esta ocasión recibirán la medalla Ángel Norzagaray por su labor como director; Edgar Ceballos, investigador y editor teatral; y también a Roberto Villarreal por su trabajo como gestor cultural.
Dentro del festejo, se hará entrega también del Premio Internacional de Ensayo Teatral y será para el trabajo El teatro de la sierra central peruana o resucitar para re-territorializar del peruano Jorge Luis Yangali.
Sin duda, la MNT es uno de los eventos más importantes y esperados del año en lo que respecta al teatro mexicano, es el reflejo de lo que actualmente sucede en muchos de los estados y teatros del país, desde la concepción del proyecto hasta el resultado, sin dejar de mencionar lo importante que resultan nuestros dramaturgos y el desarrollo y crecimiento de los actores mexicanos.
“El teatro mexicano es el teatro que sucede todos los días en las salas de este país, el que se ensaya, el que se estrena y el que fallece, eso es el verdadero teatro mexicano. La Muestra posibilita, como si cortáramos con exactitud esa realidad en ciertos puntos y presentáramos tendencias escénicas, temáticas, de formas de producción y todas las pusiéramos en una mesa al mismo tiempo, entonces nos permite el acercamiento a diferentes realidades. No es lo mismo cómo se produce el teatro en Jalisco que en Chiapas o en Veracruz o Nuevo León, para bien o
para mal todos tienen condiciones diferentes, hábitos de públicos diferentes, hábitos de producción diferente, montos a repartir desde los ámbitos estatales diferentes y todo eso va generando realidades muy diversas y es importante que las conozcamos”.
“Nos permite conocerlas, discu-tirlas, criticarlas y al mismo tiem-po generar discursos un poco más unificados de hacia dónde debe-ríamos ir, en ese sentido desde la Coordinación estamos intentando abrir esa mesa para que tenga muchas voces, para que puedan golpear sobre ella, aplaudir, en-contrarse, caminar juntos y al mismo tiempo abrir ventanas o seguir abriéndolas hacia la pro-fesionalización en formación y, por otro lado, hacia la circulación hacia ámbitos internacionales, donde México hoy día está cir-culando muy bien pero debemos todavía potenciarlo en una mayor medida”, finaliza Juan Meliá.
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Feria del libro Teatral
FeLiT 2012
Del 25 de al 30de septiembre
Feria del Libro Teatral
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BAJO EL REFLECTOR
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BAJO EL REFLECTOR
Estreno de la obra
Lady Hamlet
Otras Latitudes2012
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¡MUCHA MIERDA!
Paisajemarinocontiburonesy
bailarina
Llega al Teatro El Granero Xavier Rojas una obra del dramaturgo estadounidense Don Nigro, que nos habla sobre las relaciones humanas. Es una obra sobre la vida, explora las formas en las que una pareja se relaciona, cómo dos personas, hombre-mujer, se conocen, se aprenden.
Bajo la dirección de Bruno Bichir y con un pequeño pero gran reparto integrado por Tato Alexander y el propio Bichir, nos cuenta la historia de Ben y Tracy, quienes se conocen en circunstancias poco convencionales: durante un paseo nocturno en la playa, Ben
encuentra a Tracy ahogándose en el mar; la rescata y lleva a casa para que se recupere, pero al despertar ella está todo menos agradecida…
Paisaje marino con tiburones y bailarina se estrena el 8 de no-viembre en el Teatro El Grane-ro, Xavier Rojas y se presentará hasta el 16 de diciembre todos los jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 18:00 y 20:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
Avesycenizas
Basada en el caso de Marisela Escobedo, activista social de la ciudad de Chihuahua, quien tras el asesinato de su hija de dieciséis años inicia una lucha única logrando así la atención de México y el mundo. Posterior a la detención del asesino y una sentencia mal dada, el responsable de la muerte queda libre y ella emprende una lucha en pro de la justicia. Es asesinada el 16 de diciembre de 2010.
La obra escrita y dirigida por la también actriz y comunicadora social Verónica Olmedo, tendrá temporada en el Teatro Julio Jiménez Rueda, del 15 de noviembre al 2 de diciembre, los jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados 19:00 horas y domingos 18:00 horas.
Con las actuaciones de Carmen Zavaleta, Yanet Miranda, Luis Ernesto Verdín, María Huenuñir, Luciano Cerda e Isaac Velasco y música en vivo del grupo El Grito.
Réquiem
Enrique Singer nos trae a escena esta obra de Hanoch Levin, con las actuaciones de Emoé de la Parra, Miguel Flores, Haydeé Boetto, Harif Ovalle, Arturo Reyes, Georgina Tábora, Rodolfo Nevárez, Paola Izquierdo, Alejandra Maldona, Américo del Río y Carlos Orozco.
Réquiem es una obra escrita por uno de los autores israelíes contemporáneos más importantes. Levin basó este drama poético en cuentos de Anton Chéjov, un texto que habla de la muerte, la tristeza y el luto, y plantea el sentido o el sin sentido de la vida.
Seres acompañados sólo por su soledad, manchados por la pobreza y con la fatiga de quien sólo espera la muerte. Acompáñalos a partir del 22 de noviembre y hasta el 16 de diciembre en el Teatro Julio Castillo, jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas.
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Muertey teatro o
de la muer e en la escena.tPor: Nora Castrejón.
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Comenzaré por decir que el fenómeno de la representación tiene su origen en el ritual religioso, y es a través de la religión como el hombre intenta darle trascendencia a su mortalidad. Por tanto, así como el teatro es la representación de la vida, también lo es la muerte. La cuna del teatro occidental es Grecia, civilización politeísta que concibe a sus dioses a imagen y semejanza, con vicios y virtudes humanos, los cuales para fortuna o desgracia, rigen el destino del hombre. La muerte es para los griegos otra posibilidad de existencia del alma humana, la cual siempre está ceñida a la voluntad y caprichos del Olimpo, no existe un ritual específico o representación dramática que la coloque como tema central. Será más tarde, con la consolidación del monoteísmo en Europa cuando muerte y teatro aparecen íntimamente ligados en una cosmovisión que aún subyace en nuestros días.
Toda la Edad Media, el teatro estuvo al servicio de la doctrina cristiana y la convivencia con lo macabro era algo habitual, recordemos que esta época estuvo marcada por epidemias fatales que mermaron la vida de miles de personas en el continente. En este contexto aparecen las Danzas de la Muerte, un género característico del fin de este periodo histórico, que consistían en una representación donde la muerte era la figura central, caracterizada como un esqueleto, o bien, como un cadáver en descomposición; la obra estaba acompañada de música y danza, a la par que la protagonista dialoga y arrastra uno por uno a una serie de personajes que representan las distintas clases sociales: el rey, el cura, el mendigo, la tabernera, el panadero, el niño, etc., los cuales simbolizan la mortalidad del hombre, la posibilidad de arrepentimiento y la esperanza de poder acceder a otra vida después de la muerte. Estas danzas están cargadas de ironía y a muestran los vicios de las clases privilegiadas, poniendo en evidencia lo superfluo de las posesiones materiales o de los títulos que se tienen en vida, pues a la hora del juicio final, de nada valen. La Danza de la Muerte, aparece por primera vez como texto en Francia, y se conoció como “danza macabra”, su autoría se le atribuye a Jean Le Févre hacia 1376. Como dato curioso, el origen de la palabra “macabra”, atribuye su origen al vocablo árabe maqabir que significa cementerio, y se relaciona con la creencia en danzas nocturnas que realizarían los muertos al salir de sus tumbas en los cementerios; incluso el término almacabra que refiere al “cementerio moro”, aparece posteriormente en la obra de Miguel de Cervantes Saavedra.
Con el Renacimiento comienza a sobresalir la figura del autor dramático y se separa el espacio de representación del espectador; el humanismo vuelca el teatro hacia el drama del individuo y surgen los primeros caracteres, en este sentido la muerte cobra otra dimensión en el teatro.
Sin duda, la referencia obligada en este periodo es William Shakespeare, en su obra puede encontrarse el concepto de muerte correspondiente al periodo conocido como isabelino en Inglaterra. En sus tragedias, tales
Ya con un pie en el 2013, noviembre
llega con la celebración del día de muertos, una
de las tradiciones con más arraigo
en nuestra cultura y tema constante
en el drama. Como el teatro
es justamente lo que nos atañe en Intermedio, hablemos de
la muerte en el teatro.
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como Hamlet, Macbeth, Otelo y Julio César se percibe la conciencia de la brevedad de la vida y la muerte puede ser un desenlace propiciado por los mismos personajes. Shakespeare nos muestra una época en la que se concibe al hombre como arquitecto de su popio destino, el cual se encuentra lleno de obstáculos contra los que hay que luchar para conseguir la autorrealización. En estas circunstancias, la muerte es como un bálsamo que alivia las heridas de la existencia. En Hamlet, por ejemplo, la escena final nos ofrece una visión de cadáveres una vez que “el mal” ha sido cortado de raíz; la muerte del padre ha sido vengada no le perdona la vida al protagonista.
Durante la segunda mitad del siglo XIX el romanticismo se adueña de la escena, y con él la muerte vuelve a ocupar un lugar privilegiado. Autores como Víctor Hugo, (Hernani) y Friedrich Schiller (María Estuardo, La Vírgen de Orleans) o José Zorrilla en España (Don Juan Tenorio, Traidor, inconfeso y Mártir), son algunos de los dramaturgos europeos representativos de este periodo, en cuyas obras la muerte es una figura omnipresente.
Hay a menudo un desprecio por la vida, la existencia implica una profunda decepción que lleva a la muerte como destino inexorable. Los protagonistas de los dramas románticos representan antihéroes con una personalidad apasionada que proclaman el retorno de la sensibilidad en un mundo regido por una visión científica y pragmática de la vida. En algunos casos, como el de Heinrich Von Kleist autor de obras como El príncipe de Homburgo, y Pentesilea, los ideales románticos traspasan el plano de la realidad, pues el poeta y dramaturgo, tras meses de minuciosa preparación, acaba por dispararle en el pecho a su amada enferma de cáncer terminal, suicidándose tras consumar el homicidio.
Ya en la última década del siglo XIX, el simbolismo viene a darle otro matiz a la muerte en una época donde el realismo predominaba en la dramaturgia, el cual se centra en conflictos de la recién formada burguesía, tomando al teatro como un espejo, una “rebanada de vida”. En autores como Maurice Maeterlinck, podemos hallar obras como Los Ciegos, La Intrusa y El pájaro azul, en donde la muerte es una expresión de fuerzas misteriosas y omnipresentes que están más allá del entendimiento humano, y son reveladas a través de expresiones del inconsciente.
El siglo XX trajo consigo dos guerras mundiales, y una revolución en el pensamiento como fruto del sinsentido de la devastación que implica la aniquilación del hombre por el hombre. Es difícil hallar a la muerte como tema aislado en el teatro contemporáneo, el conflicto dramático es el de la existencia humana: el hombre frente a sí mismo desprovisto de la promesa de otra posibilidad de vida que ofrece la religión. La muerte aquí es la nada, la no existencia, deja de ser una representación humana con posibilidad de aspirar a la felicidad del cielo o condenarse a los tormentos del infierno.
La noción de muerte también está presente en otros niveles del quehacer escénico. La contemporaneidad cuestiona las formas de representación
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Otro de los artistas escénicos contemporáneos que también tienen a la muerte como metáfora constante de su noción de teatro es el polaco Tadeusz Kantor. Su concepción de la escena es conocida como “Teatro de la Muerte”, y lo llama así porque justo remite a una confrontación con la muerte como una forma de experimentar intensamente la vida. Existe un montaje emblemático que originó esta tesis, y se llama Los profesores de la clase muerta, donde unos viejos se aferran a la memoria en un intento desesperado por volver a ser los que una vez fueron, como alegoría de aquellos actores que pretenden ser los personajes que interpretan. Kantor apela a la espontaneidad y a la eliminación de la barrera que separa al actor del espectador, sólo así el teatro es auténticamente una experiencia viva, el actor, anota, “debe causar la atracción y el rechazo del muerto”, no representar personajes, ni emociones, sino llegar al grado cero en la representación, donde se muestre desnudo de artificios ante el espectador, dejando abierta la pregunta ¿es entonces necesaria matar la idea tradicional de representación para que el teatro siga vivo?.
Renovarse o morir dicta el dicho popular; muchos han vaticinado los próximos funerales del teatro, independientemente de que su temática gire o no en torno a la muerte, pero hasta ahora parece que continuará con vida por tiempo indefinido; eso se debe a que en el teatro suceden las cosas en vivo, por lo que siempre tiende a transformarse junto con la sociedad que lo engendra. Y en tanto que la muerte es la transformación última, entonces, como dijera en entrevista Heiner Müller* cuando le preguntaron si el teatro agonizaba, es evidente que “el teatro siempre tiene que ver con la muerte y es un exorcismo... si es que es bueno. Eso es lo que la gente no obtiene de la televisión ni del cine”.
Así, que teatro y muerte seguirán dialogando en tanto que este arte no renuncie a su naturaleza suicida: el de asumir el riesgo mortal como máxima para continuar existiendo. Así que... ¡larga vida a la muerte en el teatro!
*Heiner Müller Dramaturgo Alemán (1929-1995) es considerado uno de los mayores autores de su generación y el dramaturgo alemán más importante desde Bertolt Brecht.
que tradicionalmente predominaron en los escenarios de occidente por más de 500 años, autores teatrales como Antonin Artaud reflexionan en torno a la naturaleza del teatro, e incluso plantean su muerte como arte a un nivel simbólico y de estructura:
“Todas nuestras ideas sobre la vida deben retomarse en una época en la que ya nada adhiere a la vida. Y esta penosa escisión es la causa de que las cosas se venguen, y de que la poesía ya no esté en nosotros y de que ya no encontremos apoyo más que en el costado malo de las cosas; y jamás hemos visto tantos crímenes, cuya singularidad sólo se explica mediante nuestra impotencia para poseer nuestra vida. Si el teatro está hecho para permitir que nuestros deseos reprimidos cobren vida, una suerte de poesía atroz se expresa por medio de los actos singulares en los que las alteraciones del hecho de vivir demuestran que la intensidad de la vida está intacta, y que bastaría dirigirla mejor”. (Fragmento de El teatro y su doble)
Artaud define su propuesta como “Teatro de la Crueldad”, la cual minimiza la palabra en favor del gesto. Sin el escenario habitual, el espectador se enfrenta a su ser íntimo, despojado del artificio cultural y social que lo oculta. Perturbado y conmocionado por la violencia escénica, el espectador advierte el “hundimiento central del alma”, y mediante la “crueldad”, comprende el “espíritu de anarquía profunda, base de toda la poesía”. Aplica al teatro la analogía del cuerpo vivo quemado en la hoguera, que no “representa la muerte” sino que ES la muerte.
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EL TEATRO TAMBIÉN DE LEE
Las buenas y las malas palabras
ObrascompletasdePerlaSzuchmacher
Este año, el Conaculta y el Instituto Nacional de Bellas Artes, a través de la Coordinación Nacional de Teatro, rinden, con esta coedición, homenaje a Perla Szuchmacher de la mejor manera que puede honrarse a un autor de teatro: poniendo al alcance del público sus obras.
La de Perla Szuchmacher fue una trayectoria excepcional tanto por su entrega al teatro para niños y jóvenes en México, como por el reconocimiento y aprecio que le ganó su trabajo con todos aquellos con quienes colaboró y asesoró en tantos y tantos proyectos, particularmente en el Consejo Académico del Programa Nacional de Teatro Escolar y el Programa de Teatro para Niños y Jóvenes del INBA.
Quienes la conocieron y trabajaron con ella saben de su vocación por contar historias en escena y de su gran compromiso con un teatro para joven público de calidad, emocionante y sin prejuicios, y en esta selección de la maestra Olga Harmony se han reunido 17 textos de esta autora –muchos de ellos inéditos- con el propósito de ofrecer en un solo libro tanto algunas de sus obras que más éxito han tenido -¡Vieja el último!, Malas palabras y El rey que no oía, pero escuchaba-, como otras no tan conocidas pero que constituyen una excelente muestra de un teatro para niños y jóvenes inteligentes y sin convencionalismos, así como un par de obras de su poco conocida producción para adultos.
Con la publicación de estas obras selectas de Perla Szuchmacher, PasoDeGato se suma a este homenaje póstumo a quien tantos momentos gratos regaló a nuestro teatro.
Argentina de nacimiento y nacionalizada mexicana, Perla Szuchmacher realizó en México una parte importante de su labor como dramaturga, directora de escena y promotora teatral. Estudió actuación en la Universidad Teatral de Buenos Aires, e hizo estudios de expresión corporal y música en dicha ciudad, donde inició su carrera como actriz, coreógrafa y autora.
En México fue miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte, formó parte del Consejo Académico del Programa Nacional de Teatro Escolar y durante varios años fue parte de la dirección artística de la Muestra Nacional de Teatro del INBA. Es autora de una treintena de obras, entre las que destaca Malas palabras, con la que ganó el Premio de Dramaturgia al Mejor Teatro para Niños en 2001.
Como un reconocimiento a su trayectoria dedicada al teatro infantil, en 2010 Perla Szuchmacher fue condecorada con la Medalla Xavier Villaurrutia.
Las buenasy las malas palabras:Obras selectasde Perla SzuchmacherPrólogo, seleccióny compilación de Olga HarmonyPrimera edición, México 2012Toma, Ediciones y ProduccionesEscénicas y Cinematográficas,INBA, Conaculta,PasoDeGato Edicionesy Producciones escénicas, 2012.Serie Dramaturgia. 288 pp.
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EL TEATRO TAMBIÉN DE LEE
TíteresRosete Aranda / EspinalColección del Instituto Nacional de Bellas Artes
La Empresa Nacional Mexicana de Autómatas Hermanos Rosete Aranda tiene sus orígenes en el año de 1835 y comienza su declinación en 1909, año de la muerte de Leandro Rosete. Se sabe que en ese tiempo una que otra compañía de teatro de títeres recurrió al reconocido nombre Rosete Aranda con el afán de asociar su trabajo a la famosísima empresa. Tal es el caso de Carlos V. Espinal, que bautizó a su compañía como Teatro Carpa Rosete Aranda, Empresa Carlos V. Espinal e Hijos, décadas antes de adquirir legalmente la razón social. La utilización del célebre nombre, a la postre, terminó por desdibujar su propia trayectoria y generó confusión sobre los verdaderos títeres Rosete Aranda.
Ambas empresas comparten el carácter familiar, un espíritu tenaz frente a la adversidad y huelga decir, devoción a toda prueba por el arte de los títeres. Sin embargo, se trata de dos compañías bien distintas que desarrollaron su actividad en diferente época. La factura de las marionetas, el contenido de los libretos y la estructura de los espectáculos difieren sustancialmente. De esto dan cuenta los dos cuerpos de la investigación original. Tenemos por un lado, la compañía originaria, Empresa Nacional Mexicana de Autómatas Hermanos Rosete Aranda1, que se revela como forjadora de la tradición de los títeres en México, y por otro, la compañía que mantiene viva esa tradición hasta mediados del siglo XX, Teatro Carpa Rosete Aranda, Empresa Carlos V. Espinal e Hijos2. La primera establece la identidad del títere mexicano, la segunda lucha por sobrevivir en un país distinto y enfrenta la diversificación y modernización de las formas de entretenimiento.
La colección del INBA fue comprada a herederos de Carlos V. Espinal en 1978 y corresponde
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EL TEATRO TAMBIÉN DE LEE
1 Miranda, Francisca, El mundo en miniatura de los títeres Rosete Aranda: tres generaciones en “Empresa Nacional Mexicana de Autómatas Hermanos Rosete Aranda (1835-1942)”. Coordinación general de Marisa Giménez Cacho, investigación de Francisca Miranda. México: INBA, CITRU, CNT, Programa de Teatro para Niños y Jóvenes. Primera edición, oct. 2009. (Colec. Estudios Documentales y Obras de Consulta).
2 Berlanga, Griselda, “Larga vida a los Rosete Aranda: Carlos V. Espinal toma la estafeta” en Teatro Carpa Rosete Aranda, Empresa Carlos V. Espinal e Hijos (1900-1961). Coordinación general de Marisa Giménez Cacho, investigación de Francisca Miranda. México: INBA, CITRU, CNT, Programa de Teatro para Niños y Jóvenes, Primera edición, oct. 2009. (Colec. Estudios Documentales y Obras de Consulta).
3 Empresa Nacional Mexicana de Autómatas Hermanos Rosete Aranda 1835-1942, cd. Teatro Carpa Rosete Aranda, Empresa Carlos V. Espinal e Hijos 1900-1961,cd.. Érase una vez una historia de Títeres 2009, dvd. Coordinación general de Marisa Giménez Cacho, investigación de Francisca Miranda. México: INBA, CITRU, CNT, Programa de Teatro para Niños y Jóvenes. Primera edición, oct. 2009. Colección. Estudios Documentales y Obras de Consulta
al acervo de esa empresa. Con los primeros avances de la investigación iniciada en el año de 2006 y publicada en 2009 3, quedó claro que había que darle a Carlos V. Espinal un lugar justo en el devenir de esa compañía.
La historia de estas compañías es rica y fascinante, abarca muchos años y en ella intervienen una gran cantidad de personas; todo se ve reflejado en los títeres —protagonistas de este libro— que hablan por sí mismos. La selección busca mostrar, por un lado; su fascinante belleza, producto del trabajo de maestros de la escultura en madera que supieron imprimirles una sensible expresión; y por otro, los espectáculos más significativos de los que formaron parte. La mayoría están agrupados por repartos en obras en las que se distinguen dos grupos: las que dan continuidad al repertorio de los hermanos Rosete Aranda y las originales de Carlos V. Espinal que culminan con la Ópera en Miniatura. En ciertos casos tuvimos información precisa que nos dio certeza sobre los personajes que intervienen en el reparto, en otros, nos tomamos la libertad de agruparlos buscando un conjunto coherente.
Hay claras diferencias entre los títeres de la Colección del INBA y los Rosete Aranda que se exhiben en los museos Nacional del Títere de Huamantla, Tlaxcala, y el Rafael Coronel de Zacatecas. Los títeres de Espinal miden más de 55 cm, algunos llegan a 70 cm; la mayoría tienen la boca articulada y ojos de vidrio, su elaboración es más
sofisticada y moderna. En muchos podemos encontrar retoques y vestuarios renovados. Los más antiguos de la colección del INBA son de distinta confección, más pequeños y su vestuario es original. Se les conoce como “proyecturas”, títeres que se movían en grupos: charros, soldados y caballos que se utilizaban en cuadros espectaculares como El Centenario en México o El 16 de Septiembre. Sin embargo, algunos sí se mueven en forma individual y tienen características muy similares a los Rosete Aranda originales No podemos soslayar los trabajos de investigación, restauración y conservación que hay detrás de estas marionetas, tampoco la riqueza de otros materiales relacionados, como los libretos que reflejan aspectos muy importantes de nuestra identidad y nuestro teatro, así como una variedad de documentos que ayudan a reconstruir la historia.
A finales de la década de los sesenta, en el Paseo de la Reforma paseaban los turistas y a las puertas de muchos hoteles, vendedores de artesanías ofrecían flores de papel de todos tamaños y colores, y la clásica parejita de marionetas: charro y china poblana que manipulaban haciéndolos bailar el jarabe tapatío. Entonces, nunca me pregunté si las marionetas eran algo típicamente mexicano o simplemente formaban parte de las artesanías de los mercados. Hoy, ya no se ven más, o muy poco; fueron sustituidas por alcatraces, máscaras de El Santo y muñequitos de trapo con pasamontañas. Me pregunto si
esos títeres que se ofrecían a los turistas como souvenir del país, fueron una consecuencia del prestigio alcanzado por las dos más emblemáticas compañías de teatro de títeres de México.
Probablemente sí. Tenemos noti-cias de más de 130 años de acti-vidad ininterrumpida y durante la mayor parte de ese periodo, los títeres fueron el espectáculo popu-lar y familiar por excelencia en el país; el repertorio de obras enfati-zaba distintos aspectos de la iden-tidad mexicana. De tal suerte que llegó un punto en que para muchas personas alrededor del mundo, los títeres remitían a México y evoca-ban su recuerdo.
Marisa Giménez Cacho
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TEATRÓSCOPOS EGIPCIOS
Por: Raúl Medina
BASTET (16 de enero al 15 de febrero)
Las personas nacidas bajo la protección de Bastet, son libres de pensamiento. Siempre cuestionan la autoridad y no les gusta que les organicen la vida o decida alguien más por ellos. Su mente ágil los convierte en seres sumamente creativos y les encanta lo novedoso y lo actual. Aunque a veces sus ideas son locuras impensables, sobre todo cuando no se tiene el conocimiento adecuado, por ejemplo, ¿qué pensaría la gente si a alguien se le ocurre remodelar un teatro que funciona a la perfección? o ¿remodelar un estacionamiento que no lo necesita?, y pa´acabarla de amolar, cada mejoría tiene errores y hay que volver empezar, eso indigna a cualquiera, así que ten más cuidado con tus propuestas, mi querido Bastet.
SELKET (16 de febrero al 15 de marzo)
Selket es la diosa que protege la magia, es símbolo de la unión conyugal, por ello, los nacidos en este periodo son sumamente hogareños, amorosos y les encanta la convivencia familiar. Son del tipo “controleitor”, no les gusta tener el mandil puesto, al contrario, les encanta verlo bien ajustado en su pareja y si se les lleva la contraria o se enteran que su novi@ asistirá al reencuentro de ex compañeros de la prepa, cuidado, armará un buen chantaje ahogándose en un kleenex. Bien dicen que si Cristobal Colón hubiera sido casado no descubre América.
APEP (16 de marzo al 15 de abril)
Es el dios que representa la dualidad en el universo, símbolo de las fuerzas malignas habitantes en el Duat (inframundo de la mitología egipcia). Los Apep suelen ser personas inteligentes y seguras de sí mismas. Son muy pasionales y si se les lastima suelen ser rencorosos y vengativos. Si el lado oscuro se apodera de su mente pueden ser peligrosos, su materia gris es capaz de planear las peores venganzas hacia el ser despreciado. Lo mejor, aunque se escuche feo, es darles el avión, simplemente quererlos y aceptarlos tal y como son.
PTAH (16 de abril al 15 de mayo)
Ptah es el dios más grande de Menfis (capital del Antiguo Imperio Egipcio), simboliza la fertilidad y se conoce como padre de la magia. Las personas regidas bajo este signo son de carácter agradable, alivianados y les gusta gozar de la vida. Son como hippies modernos, les encanta la naturaleza y adoran a los animales, sueles ser aficionados a los estupefacientes y van en contra de todo lo que se pone de moda, quieren ser tan originales que hay cientos y cientos de ellos en las calles de Coyoacán, en las islas de la Unam, en el tianguis del chopo y no pueden faltar al tianguis de la lagunilla todos los domingos a echarse una michelada de litro.
ATUM (16 de mayo al 15 de junio)
Atum representa la comprensión y la sabiduría. Son personas curiosas y les gusta estar enterados de todo lo que acontece a su alrededor. Les encanta leer y ver los programas de History o Discovery Channel. En ocasiones, los Atum se muestran volubles, pueden estar muy contentos y de un momento a otro se muestran serios, y no por que algo les haya causado molestia, sino por que analizan todo y aprenden de cada situación. Son buenos maestros, son como una biblioteca andante, saben datos irrelevantes e inútiles, por ejemplo, tratan de impresionar haciendo el comentario-pregunta: “¿sabías que las rayas de las cebras espantan a las moscas?” La verdad no lo sabíamos, pero ¿para qué?.
ISIS (16 de junio al 15 de julio)
Isis representa a la reproducción femenina y la naturaleza, las personas regidas por este signo son excelentes médicos o el tipo de profesiones que tiene que ver con el cuidado de otras personas o animales. Son seres sagaces y de mente astuta, no les gusta sentirse dependientes de alguna otra persona. Cuando se enamoran son muy pasionales y romántic@s, pero si se sienten presionados o celados, deciden mejor abandonar esa relación. No es casualidad que Isis sea una referencia para las organizaciones en pro de los derechos de la mujer. Y como bien dice aquella frase celebre: “Una mujer feminista comete el mismo error que le critica a un hombre machista”.
El horóscopo egipcio está dividido en periodos, los cuales, tienen un dios protector en cada uno de ellos. Los Dioses se encargan de regir a todos y cada uno de los nacidos bajo su periodo.
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TEATRÓSCOPOS EGIPCIOS
RA (16 de julio al 15 de agosto)
Es el símbolo de la luz del sol, simboliza el ciclo de la muerte y la resurrección. Las personas regidas bajo este signo son líderes natos, muy organizadas, metódicas y con un fuerte sentido de justicia. Son excelentes trabajadores, muy disciplinados y obsesivos, se debe tener cuidado si se tiene a un Ra como jefe, seguramente te explotará laboralmente, es muy probable que te haga ir a resolver problemas hasta en fin de semana y si te equivocas te dará un fuerte regaño y lo peor es que será frente a tus compañeros, por que también le encanta lucirse. Pero si un Ra es tratado bien y se le lambisconea un poco, asunto arreglado, será el más buena onda y comprensivo jefe que jamás hayas tenido.
HORUS (16 de agosto al 15 de septiembre)
Los Horus poseen un gran equilibrio mental, son perfeccionistas, sinceros y les gusta disfrutar de la vida. Son muy amigueros y confían en la gente, aunque a veces las personas se aprovechan de su buena ondez. Son humildes por naturaleza pero en el fondo les encanta que los elogien y los admiren. En el amor les gusta la estabilidad y sobre todo ser tratados tiernamente y siendo así, los tendrás comiendo de tu mano. Se rigen por el karma, los Horus saben que si hacen bien las cosas los resultados serán favorables; pero si por el contrario, se equivocan, en su conciencia tendrán muy presente la frase celebre: “Hay un Dios que todo lo ve y todo lo juzga”.
MAAT (16 de septiembre al 15 de octubre)
Dios que representa la justicia y la verdad, los nacidos bajo este signo son personas persuasivas, conciliadoras y con un gran sentido de justicia. De mente ágil capaz de analizar y dar la mejor solución en cada situación. Son muy buenos consejeros, siempre tendrán un comentario asertivo y congruente para sus amigos o familiares. Si un Maat decidiera seguir el camino de Dios sería un excelente discípulo y podrías hasta confesarte con él, seguramente te mandará a rezar 25 padres nuestros y 10 aves María, pero eso sí, será una garantía que te absuelva de tus pecados.
OSIRIS (16 de octubre al 15 de noviembre)
Osiris simboliza autoridad y liderazgo. Son personas leales, inteligentes y con gran carisma. Son perseverantes, consiguen siempre lo que quieren sin importar el sacrificio. En ocasiones no se sabe si lo logran por su constancia o en su defecto, por necedad, y es que cuando se meten algo en la cabeza no hay poder humano que los haga cambiar, si ellos dicen que así es, pues así es y punto. Lo mejor es no llevarles la contraria, hacer como si uno les hiciera caso y al final todo estará resuelto y en su lugar. Después de todo, son tantas cosas las que Osiris tiene en la cabeza que de un momento a otro, cambiará de parecer y ahora algo nuevo será más importante.
HATOR (16 de noviembre al 15 de diciembre)
Hator es protectora de las mujeres y el amor, son personas vitales y optimistas, su actitud positiva hace que consigan todo lo que se proponen. La rutina y la monotonía son sus peores enemigos, buscan siempre hacer cosas nuevas. Ser fashion es su misión en esta vida, sueñan con estar en las pasarelas más importantes del mundo, ya sea como modelos o como invitad@s especiales. Se saben de pe a pa la vida de sus artistas favoritos, cada quincena corren al puesto de revistas por la Tv Notas. Habitualmente pronuncian la celebre frase: “que oso” y juran que uno de los integrantes del equipo de súper Pau ganará La Voz México. Con un Hator como amig@ no se sabe si reír o llorar.
ANUBIS (16 de diciembre al 15 de enero)
Símbolo de la sabiduría y lo servicial. Los Anubis son personas pacientes, comprensivas y les gusta mucho hacer ejercicio. Su personalidad los hace seres enigmáticos, únicos y muy fuertes anímicamente. Son cuidadosos y prudentes en sus acciones, tienen alma de bombero o socorrista; cuando van a algún lugar, observan muy bien a su alrededor, checan las rutas de evacuación y se previenen de cualquier detalle que pueda poner en riesgo su vida, pero eso no es todo, son como una mamá sobreprotectora, siempre te harán una recomendación de qué es lo mejor para ti, los amigos que te convienen, lo que esta bien, lo que esta mal y sobre todo lo mejor para tu salud y bienestar.
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Especial de calaveritas literarias
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ConacultaConsuelo Sáizar / Presidenta
Instituto Nacional de Bellas ArtesTeresa Vicencio Álvarez / Directora GeneralSergio Ramírez Cárdenas / Subdirector General de Bellas ArtesJuan Meliá Huerta / Coordinador Nacional de TeatroJosé Luis Gutiérrez Ramírez / Director de Difusión y Relaciones Públicas
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