ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

21

TEORIA DE LA ARQUITECTURA

La arquitectura es un rompecabezas brillante, ortodoxo y original de masas combinadas con luz. Nuestros ojos fueron creados para ver las formas a la luz; la luz y la sombra revelan las formas. Cubos, conos, bolas, cilindros y pirámides son figuras primarias que la luz revela tan magníficamente. La imagen que nos dan es clara y perspicua sin indecisión. He ahí por qué son formas bellas. El objeto de las creaciones de los arquitectos, es el arte del espacio, es decir, la esencia de la Arquitectura. La arquitectura es la estudiada construcción de espacios. La continua renovación de la arquitectura proviene de la evolución de los conceptos del espacio. La ventaja de la arquitectura, su importancia es la creación de espacios, como estos pueden ser ambientados y vividos por el ser humano, son representados para su conocimiento pero solo pueden ser comprendidos por experiencia directa, por esta limitación de conocimiento surge la perspectiva en el siglo XV, esta parece expresar claramente las dimensiones arquitectónicas, a finales del XIX la fotografía suplanta a los dibujos, y a principios del XX se descubre la cuarta dimensión, consistente en representar en el mismo objeto sus diferentes puntos de vista. La teoría de la arquitectura se divide en dos grupos: Teorías temáticas: Las teorías temáticas buscan el cumplimiento de un fin principal, frecuentemente a costa de otros fines habituales de la construcción. Los edificios que resultan suelen ser obras de arte que se hacen notar y suelen poder usarse como casos ejemplares en la formación de los arquitectos. Teorías de Síntesis - Las teorías de síntesis arquitectónica son ejemplos de teorías que buscan cumplir simultáneamente varios fines, normalmente todos los fines conocidos. Estos paradigmas son comúnmente aplicados en los proyectos de construcción convencional que producen así edificios prácticos pero de aspecto común, que probablemente nunca se incluirán en los libros de historia de la arquitectura. Dentro de las teorías temáticas, existen las que se enfocan en el diseño arquitectónico, ilustrando los distintos tipos de corrientes o estilos que han influenciado la arquitectura. A continuación se hará un breve listado de los principales estilos a lo largo del tiempo. - Estilo dórico, jónico, corintio y sus variedades en la antigua Grecia y Roma. Los principales estudios acerca de este estilo fueron realizados por Vitruvio. - Estilo románico y gótico.- Estilos del renacimiento como el barroco, rococó y neoclásico. Los principales estudios fueron a cargo de Alberti: De re Aedificatoria, Serlio,Vignola, Palladio. - El Art Nouveau (modernismo), estilo representado por Gaudí, Le Corbusier, etc.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

2

HISTORIA DE LA ARQUITECTURA La Historia de la arquitectura es una subdivisión de la Historia del arte encargada del estudio de la evolución histórica de la arquitectura, sus principios, ideas y realizaciones. Esta disciplina, así como cualquier otra forma de conocimiento histórico, está sujeta a las limitaciones y fortalezas de la historia como ciencia: existen diversas perspectivas en relación a su estudio, la mayor parte de las cuales son occidentales. En la mayoría de los casos -aunque no siempre- los periodos estudiados corren paralelos a los de la Historia del arte y existen momentos en que las estéticas se sobreponen o se confunden. No es de extrañar que una estética vanguardista en las artes plásticas aún no haya encontrado su representación en la arquitectura y viceversa.

PREHISTORIA:

Durante la prehistoria surgen los primeros monumentos y el hombre comienza a dominar la técnica de trabajar la piedra. El surgimiento de la arquitectura está asociado a la idea de abrigo. El abrigo, como construcción predominante en las sociedades primitivas, será el elemento principal de la organización espacial de diversos pueblos. Este tipo de construcción puede ser observado aún en

sociedades no integradas totalmente a la civilización occidental, tal como los pueblos amerindios, africanos y aborígenes, entre otros. La presencia del concepto de abrigo en el inconsciente colectivo de estos pueblos es tan fuerte que marcará la cultura de diversas sociedades posteriores: varios teóricos de la arquitectura en momentos diversos de la historia (Vitruvio en la antigüedad, Leon Battista Alberti en el Renacimiento, y Joseph Rykwert más recientemente) evocaron el mito de la cabaña primitiva. Este mito, con variantes según la fuente, postula que el ser humano recibió de los dioses la sabiduría para la construcción de su abrigo, configurado como una construcción de madera compuesta por cuatro paredes y un tejado de dos aguas.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

3

ANTIGÜEDAD: A medida que las comunidades humanas evolucionaban y aumentaban, presionadas por las amenazas bélicas constantes, la primera modalidad arquitectónica en desarrollarse fue esencialmente la militar. En ese periodo surgieron las primeras ciudades cuya configuración estaba limitada por la existencia de murallas y por la protección de amenazas exteriores. La segunda tipología desarrollada fue la arquitectura religiosa. La humanidad se confrontaba con un mundo poblado de dioses vivos, genios y demonios: un mundo que aún no conocía ninguna objetividad científica. El modo en que los individuos lidiaban con la transformación de su ambiente inmediato estaba por entonces muy influenciado por las creencias religiosas. Muchos aspectos de la vida cotidiana estaban basados en el respeto o en la adoración a lo divino y lo sobrenatural. El poder divino, por lo tanto, era equivalente (o aún superaba) el poder secular, haciendo que los principales edificios dentro de las ciudades fueran los palacios y los templos. Esta importancia de los edificios hacía que la figura del arquitecto estuviera asociada a los sacerdotes (como en el Antiguo Egipto) o a los propios gobernantes y que la ejecución fuera acompañada por diversos rituales que simbolizaban el contacto del hombre con lo divino.

ANTIGÜEDAD CLASICA: La arquitectura y el urbanismo practicados por los griegos y romanos se distinguía claramente de la de los egipcios y babilonios en la medida en que la vida civil pasaba a tener más importancia. La ciudad se convierte en el elemento principal de la vida política y social de estos pueblos: los griegos se desarrollaron en ciudades estado y el Imperio romano surgió de una única ciudad. El arquitecto griego Hipódamo de Mileto es considerado el primer urbanista de la historia.

EDAD MEDIA: Los principales hechos que influyeron la producción arquitectónica medieval fueron el enrarecimiento de la vida en las ciudades (con la consecuente ruralización y feudalización de Europa) y la hegemonía en todos los órdenes de la Iglesia Católica. A medida que el poder secular se sometía al poder papal, pasaba a ser la Iglesia la que aportaba el capital necesario para el desarrollo de las grandes obras

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

4

arquitectónicas. La tecnología del periodo se desarrolló principalmente en la construcción de las catedrales, estando el conocimiento arquitectónico bajo el control de los gremios. La Cristiandad definió una nueva visión del mundo, que no sólo sometía los deseos humanos a los designios divinos, sino que esperaba que el individuo buscara lo divino. En un primer momento, y debido a las limitaciones técnicas, la concepción del espacio arquitectónico de los templos se vuelve hacia adentro, según un eje

que incita al recogimiento. Más tarde, con el desarrollo de la arquitectura gótica, se busca alcanzar los cielos a través de la inducción de la perspectiva hacia lo alto.

EDAD MODERNA:

El Renacimiento abrió la Edad Moderna, rechazando la estética y cultura medieval y proponiendo una nueva posición del hombre ante el Universo: el Antropocentrismo frente al Teocentrismo medieval. Antiguos tratados arquitectónicos romanos son redescubiertos por los nuevos arquitectos, influenciando profundamente la nueva arquitectura. La relativa libertad de investigación científica que se obtuvo llevó al avance de las técnicas constructivas, permitiendo nuevas experiencias y la concepción de nuevos espacios.

RENACIMIENTO:

El espíritu renacentista evoca las cualidades intrínsecas del ser humano. La idea de progreso del hombre - científico, espiritual, social - se hace un objetivo importante para el periodo. La antigüedad clásica redescubierta y el humanismo surgen como una guía para la nueva visión de mundo que se manifiesta en los artistas del periodo. La cultura renacentista se muestra multidisciplinar e interdisciplinar. Lo que importa al hombre renacentista es el culto al conocimiento y a la razón, no habiendo para él separación entre las ciencias y las artes. Tal cultura se mostró un campo fértil para el desarrollo de la arquitectura. La arquitectura renacentista se mostró clásica, pero no se pretendió ser neoclásica. Con el descubrimiento de los

antiguos tratados (incompletos) de la arquitectura clásica (de entre los cuales, el más

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

5

importante fue De Architectura de Vitruvio, base para el tratado De re aedificatoria de Alberti), se dio margen a una nueva interpretación de aquella arquitectura y su aplicación a los nuevos tiempos. Conocimientos obtenidos durante el periodo medieval (como el control de las diferentes cúpulas y arcadas) fueron aplicados de formas nuevas, incorporando los elementos del lenguaje clásico. El descubrimiento de la perspectiva es un aspecto importante para entender el periodo (especialmente la perspectiva cónica): la idea de infinito relacionada con el concepto del punto de fuga, fue profusamente utilizada como herramienta escénica en la concepción espacial de aquellos arquitectos. La perspectiva representó una nueva forma de entender el espacio como algo universal, comprensible y controlable mediante la razón. El dibujo se hizo el principal medio de diseño y es así como surge la figura del arquitecto singular (diferente de la concepción colectiva de los maestros de obra medievales). Los nuevos métodos de diseñar los proyectos influyeron en la concepción espacial de los edificios, en el sentido en que las percepciones visuales podían ser controladas y enfatizadas desde puntos de vista específicos. El poder representar fielmente la realidad mediante la perspectiva, no se limitó a sólo describir las experiencias conocidas, sino también a anticiparlas posibilitando proyectar imágenes de características realistas. Entre los principales arquitectos del Renacimiento se incluyen Vignola, Alberti, Brunelleschi y Miguel Ángel.

ARQUITECTURA BARROCA: El Barroco surge en el escenario artístico europeo en dos contextos muy claros durante el siglo XVII: de entrada había la sensación de que, con el avance científico representado por el Renacimiento, el Clasicismo, aunque hubiera ayudado en este progreso, no estaba en condiciones de ofrecer todas las respuestas necesarias a la dudas del hombre. El Universo ya no era el mismo, el mundo se había expandido y el individuo quería experimentar un nuevo tipo de contacto con lo divino y lo metafísico. Las formas lujuriantes del Barroco, su espacio elíptico, definitivamente antieuclidiano, fueron una respuesta a estas necesidades. El segundo contexto es la Contrarreforma promovida por la Iglesia Católica. Con el avance del protestantismo, el antiguo orden cristiano romano (que, en cierto sentido, había incentivado el advenimiento del mundo renacentista) estaba siendo suplantado por nuevas visiones de mundo y nuevas actitudes ante lo Sagrado. La Iglesia sintió la necesidad de renovarse para no perder los fieles y vio en la promoción de una nueva estética la oportunidad de identificarse con este nuevo mundo. Las formas del barroco fueron promovidas por la institución en todo el mundo (especialmente en las colonias recién descubiertas), haciéndolo el estilo católico, por excelencia.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

6

ARQUITECTURA NEOCLASICA:

A finales del siglo XVIII e inicios del XIX, Europa asistió a un gran avance tecnológico, resultado directo de los primeros momentos de la Revolución industrial y de la cultura de la Ilustración. Fueron descubiertas nuevas posibilidades constructivas y estructurales, de forma que los antiguos materiales (cómo la piedra y la madera) pasaron a ser sustituidos gradualmente por el hormigón (y más tarde por el hormigón armado) y por el metal.

Paralelamente, profundamente influenciados por el contexto cultural de la Ilustración europea, los arquitectos del siglo XVIII pasaron a rechazar la religiosidad intensa de la estética anterior y la exageración lujuriante del Barroco. Se buscaba una síntesis espacial y formal más racional y objetiva, pero aún no se tenía una idea clara de cómo aplicar las nuevas tecnologías en una nueva arquitectura. Insertados en el contexto del Neoclasicismo en las artes, aquellos arquitectos vuelcan en la arquitectura para los nuevos tiempos el ideal clásico. El Neoclasicismo no pretendió, de hecho, un estilo nuevo (diferente del arte clásico renacentista). Era mucho más una reinterpretación del repertorio formal clásico y menos una experimentación de esta formas, teniendo como gran diferencia la aplicación de las nuevas tecnologías.

EDAD CONTEMPORANEA: La arquitectura que surge con la Edad Contemporánea irá, en mayor o menor grado, a reflejar los avances tecnológicos y las paradojas socioculturales generadas por el advenimiento de la Revolución industrial. Las ciudades pasan a crecer de modo desconocido anteriormente y nuevas demandas sociales relativas al control del espacio urbano deben ser respondidas por el Estado, lo que acabará llevando al surgimiento del urbanismo como disciplina académica. El papel de la arquitectura (y del arquitecto) será constantemente cuestionado y nuevos paradigmas surgen: algunos críticos alegan que surge una crisis en la producción arquitectónica que permea todo el siglo XIX y solamente será resuelta con la llegada de la arquitectura moderna.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

7

SIGLO XIX:

Todo el siglo XIX asistirá a una serie de crisis estéticas que se traducen en los movimientos llamados historicistas: bien por el hecho de que las innovaciones tecnológicas no encuentren en aquella contemporaneidad una manifestación formal adecuada, bien por diversas razones culturales y contextos específicos, los arquitectos del periodo veían en la copia de la arquitectura del pasado y en

el estudio de sus cánones y tratados un lenguaje estético legítimo. El primero de estos movimientos fue el ya citado Neoclásico, pero también va a manifestarse en la arquitectura neogótica inglesa, profundamente asociada a los ideales románticos nacionalistas.

SIGLO XX arquitectura “moderna” y “contemporánea”: Tras las primeras décadas del siglo XX se hizo muy clara una distinción entre los arquitectos que estaban más próximos de las vanguardias artísticas en curso en Europa y aquellos que practicaban una arquitectura conectada a la tradición (en general de características historicistas, típica del eclecticismo). Aunque estas dos corrientes estuvieran, en un primer momento, llenas de matices y medios términos, con la actividad "revolucionaria" propuesta por determinados artistas, y principalmente con la actuación de los arquitectos conectados a la fundación de la Bauhaus en Alemania, con la Vanguardia rusa en la Unión Soviética y con el nuevo pensamiento arquitectónico propuesto por Frank Lloyd Wright en los EEUU, la diferencia entre ellas queda nítida y el debate arquitectónico se transforma, de hecho, en un escenario poblado de partidos y movimientos caracterizados. De una forma general, las nuevas teorías que se discuten acerca del Arte y del papel del artista ven en la industria (y en la sociedad industrial cómo uno todo) la manifestación máxima de todo el trabajo artístico: artificial, racional, preciso, finalmente, moderno. La idea de modernidad surge como un ideario conectado a la una nueva sociedad, compuesta por individuos formados por un nuevo tipo de educación estética, gozando de nuevas relaciones sociales, en la cual las desigualdades fueron superadas por la neutralidad de la razón. Este conjunto de ideas ve en la arquitectura la síntesis de todas las artes, visto que es ella quien define y da lugar a los acontecimientos de la vida cotidiana. Siendo así, el campo de la arquitectura abarca todo el ambiente habitable, desde los utensilios de uso doméstico hasta

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

8

toda la ciudad: para el arte moderno, no existe más la cuestión artes aplicados x artes mayores (todas ellas están integradas en un mismo ambiente de vida). La denominada arquitectura moderna o movimiento moderno será, por lo tanto, caracterizada por un fuerte discurso social y estético de renovación del ambiente de vida del hombre contemporáneo. Este ideario está formalizado con la fundación y evolución de la escuela alemana Bauhaus: de ella salen los principales nombres de esta arquitectura. EL CONTEXTO HISTORICO RENACENTISTA

Se entiende por Renacimiento el fenómeno cultural, surgido en Italia en el siglo XV, que retoma los principios de la cultura de la antigüedad clásica, actualizándola a través del Humanismo, y que, sin renunciar a la tradición cristiana, sustituirá la omnipresencia de lo religioso del mundo medieval por una afirmación de los valores del mundo terrenal y del hombre. A partir de aquí, y fundamentalmente a partir del siglo XVI, dicho movimiento se extendería por toda Europa. Su final, difícil de precisar, se produciría a mediados del siglo XVI.

CARACTERISTICAS DEL RENACIMIENTO Admiración e imitación de los clásicos greco – latina El hombre como centro de todas las cosas Temas: religiosos, mitológicos, formas clásicas, la naturaleza. La perspectiva (sentido de profundidad) Realismo, buscando la belleza

EL RENACIMIENTO

LA ERA DE LOS ARQUITECTOS: Cae Roma terminando su dominación del mundo y Europa se divide, por siglos es denominada por una saga de reyes alemanes. Se forma una serie de repúblicas italianas y se unieran para recuperar la pasada gloria romana es la época más impactante del ultimo milenio, fue la era del invento, la era de Copérnico, Gutenberg, Da Vinci y Brunelleschi, la era donde el constructor sin nombre se convertirá en ARQUITECTO. La base del renacimiento es la ciudad, como el arte, la arquitectura, las ciencias, la ingeniería, literatura, etc. Todo esto se desarrollaba dentro de la ciudad.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

9

LAS ARTES PLASTICAS DEL RENACIMIENTO

SIENA era una de las repúblicas dominantes de la Toscana incluso mejor que la Florencia, pero la peste mató al 60% de su población y marco el fin en la escena del mundo este hecho marco el principio del ascenso de Florencia consolidándola nace el humanismo cuyo pensamiento era que el hombre es el centro del mundo. Pero vuelve la peste a Europa y se lleva el 50% de la población de Florencia recuperándose en por lo menos 50 años, y es ahí donde se gesta el RENACIMIENTO. Los mecenas empiezan a financiar proyectos los Medici quieren transformar a Florencia en la nueva Atenas. En 1401 el clero realiza un concurso para la puerta

del Baptisterio de San Juan, (Florencia), Brunelleschi, se presenta y pierde ante Lorenzo Ghiberti un escultor consagrado, Brunelleschi se va humillado de Florencia. Se pone a estudiar las antiguas estructuras del imperio y un edificio en especial, el panteón de Agripa y vuelve a Florencia 20 años después. En el año 1200 Arnulfo Di Cambio diseñó la iglesia de Florencia, y en 1400 sacarán a concurso la construcción de la cúpula de dicha iglesia y el ganador fue Brunelleschi pero con la supervisión de Lorenzo Ghilberti su antiguo rival. El 7 de agosto de 1420 empieza la construcción y en el año de 1423 Brunelleschi finge estar enfermo y deja a Lorenzo Ghiberti que trabaje solo y cuando regresó hizo que desarmen todo lo que había avanzado lo humillo públicamente y lo declararon jefe del proyecto de por vida. El 30 de agosto de 1431 se terminó la cúpula más alta del mundo.

Antes de este evento Brunelleschi comenzó a experimentar con la perspectiva lineal (LEY OPTICA Y MATEMATICA) en consecuencia ve el espacio en tres dimensiones por lo que nace el plano. Antes los proyectos se realizaban en maquetas y aproximaciones. Por la invasión de Francia ya que Carlos V reclama Nápoles se inicia la Guerra y los Arquitectos se convierten en diseñadores para la guerra. Fortalecen las ciudades. Después Florencia deja de ser el centro de atención y cuna del renacimiento.

El papa Sixto V quiere convertir a Roma en la capital del cristianismo. Re urbaniza la ciudad, reconstruye los acueductos pavimenta los caminos, ensancha las calles y elimina a los maleantes y la ciudad exploto.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

10

Colocó obeliscos de Egipto por todo Roma, hoy sabemos que en Roma hay más obeliscos que Egipto. Coloco un obelisco en la basílica de San Pedro como hito urbano en 1539. Roma renace muchos afirman que la cultura moderna empieza con el renacimiento, las obras que los arquitectos y artistas de este periodo significaron para salir de la época oscura e iluminar nuestro mundo moderno. LAS ARTES PLASTICAS ETAPAS: Siglo XV: QUATTROCENTO - Florencia Siglo XVI: CINQUECENTO Roma - Venecia QUATTROCENTO: Siglo XV Florencia Arquitectura: Brunelleschi - Alberti Escultura: Ghiberti - Verroccio - Donatello Pintura: Fra Angélico - Masaccio - Botticelli ARQUITECTURA DEL QUATROCENTO: Una de las facetas más importantes en Alberti son sus tratados teóricos, por los que hoy conocemos su pensamiento artístico. Es curioso el concepto que tiene del arte y definición de la idea. La función del arquitecto es matemática, crear, dar proporciones. La labor de aparejador la hacen sus discípulos, que son los que resuelven los problemas a pie de obra. El arquitecto es el que la inventa. DE PICTURA (1436): De regreso a Florencia en 1434 Leon Battista Alberti, se acercó a la obra de los innovadores florentinos (Filippo Brunelleschi, Donatello y Masaccio). De 1436 data De Pictura, que el propio Alberti tradujo a toscano con el título "Della pittura", obra que dedica a Brunelleschi. En este tratado trata de dar reglas sistemáticas a las artes figurativas. El tratado se basa principalmente en Euclides. En su introducción marca la distinción entre la forma presente, la palpable y la forma aparente, es decir, la que aparece ante la vista, que varía según la luz y el lugar, a la que se unió la teoría de los rayos visivos. Luego trata de los colores: el rojo, el azul, el verde y el amarillo (en correspondencia con los cuatro elementos) que Alberti define como colores fundamentales. El blanco y el negro no los define como colores, sino como modificación de la luz. Sigue la descripción del método prospectivo siguiendo principios geométricos. El II libro habla de teoría artística. Alberti divide la pintura en tres partes: Circumscriptione: es decir, contorno de los cuerpos, en donde trata del llamado velo, del sistema para trazar contornos precisos. Compositione: es decir, composición de los planos, en donde trata de la teoría de las proporciones basándola en la anatomía.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

11

Receptione di lumi: que trata de tonos y tintas, se habla fundamentalmente del relieve, y en este apartado reprueba también el uso excesivo del oro puro para los fondos. El libro III trata de la formación y del modo de vida del artista, que ya no es artesano como antes, en tanto en cuanto su arte se basaba en la técnica, sino intelectual puesto que su arte se basa en las matemáticas y la geometría. En este tratado Alberti diferencia entre copia y variedad, diferencia que se expresará durante todo el Renacimiento. Mientras la copia es la abundancia de temas presentes en una composición, la variedad, en cambio, es la diversidad, tanto en la decoración como en los colores, de los temas. A este principio de variedad se adaptarán artistas diversos como Fra Filippo Lippi y Donatello. En 1437 escribe, en latín, los Apologi, una especie de breviario de su filosofía vital. De 1450 es el Momus, sive De principe, una sátira alegórica construida según el modelo de Luciano de Samosata, que trata con bastante amargura las relaciones entre literatura y política. CINQUICENTO: Arquitectura: Bramante -Miguel Ángel Escultura: Miguel Ángel Pintura: Florencia – ROMA Leonardo Da Vinci - Miguel Ángel - Rafael Sanzio Venecia - Tiziano

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

12

PADRE DE LA ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO. BRUNELLESCHI

OBRAS HOSPITAL DE LOS INOCENTES: El Ospedale degli Innocenti (en español: Hospital de los Inocentes) fue un orfanato de niños de Florencia, diseñado por Filippo Brunelleschi, quien recibió el encargo en 1419. Está considerado un notable ejemplo de la arquitectura del primer renacimiento italiano. El hospital, con una galería frente a la Plaza della Santissima Annunziata, fue construido y dirigido por el "Arte della Seta" o Gremio de la Seda de Florencia. Este gremio era uno de los más ricos de la ciudad y, como la mayor parte de las cofradías, asumía obligaciones filantrópicas. En el extremo izquierdo del pórtico está la ruota, un torno de piedra para meter al niño en el edificio sin que se viera al padre. Esto permitía a la gente abandonar a sus hijos anónimamente, para que fueran cuidados en el orfanato. Este sistema siguió funcionando hasta el cierre del hospital en 1875.Hoy el edificio aloja un pequeño museo de arte renacentista. HISTORIA DEL EDIFICIO: El edificio, elevado sobre el nivel de la plaza por una serie de escalones que recorren toda la longitud de la fachada, fue construido en varias fases de las que sólo la primera (1419-1427) tuvo la supervisión directa de Brunelleschi. Las fases posteriores añadieron el ático (1439), pero omitieron las pilastras que parecen haber ideado Brunelleschi, y expandieron el edificio un hueco más al sur (1430). El pasillo abovedado en el hueco que queda a la izquierda de la galería fue añadido también más tarde. Dado que la galería se empezó antes de que el hospital comenzase, el hospital no fue abierto formalmente hasta 1445.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

13

DETALLE DE LA DECORACION INTERIOR El diseño de Brunelleschi se basó tanto en la arquitectura de la Antigua Roma como en la arquitectura gótica tardía. La galería o logia era un tipo de construcción bien conocido, como la Loggia dei Lanzi. Pero el uso de columnas redondas con capiteles de corrección clásica, en este caso de orden compuesto era una novedad, lo mismo que los arcos circulares y las cúpulas esféricas tras ellas. Los elementos arquitectónicos estaban articulados en piedra

gris que destaca contra el blanco de las paredes. Este motivo se llegó a conocer como pietra serena (significa "piedra oscura"). También era novedad la lógica proporcional. La altura de las columnas, por ejemplo, no es arbitraria; si se traza una línea horizontal a lo largo de lo alto de las columnas, se crea un cuadrado con la altura de la columna y la distancia de una columna a la siguiente. Esta ansia de regularidad y orden geométrico se convertiría en un importante elemento en la arquitectura renacentista. LOS TONDI

Encima de cada columna hay un tondo cerámico. Se pretendió originariamente por Brunelleschi que fueran concavidades vacías, pero hacia el año 1490, encargaron a Andrea della Robbia que las rellenase. El diseño representa a niños en pañales sobre fondo azul, indicativo del torno donde podían dejarse los niños. Quedan algunos de los tondi originales, otros son copias del siglo XIX. La insignia de la Academia Americana de Pediatría se basa en uno de estos tondi. Dentro del edificio hay dos claustros. En una galería superior hay terracotas de della Robbia y pinturas de Botticelli, Piero

di Cosimo y Domenico Ghirlandaio siendo posiblemente las obras más destacadas. LA SACRISTIA VIEJA DE SAN LORENZO La Sacristía Vieja de San Lorenzo es uno de los monumentos más importantes de la primera etapa de la arquitectura Renacentista italiana. Constituye el desarrollo de un nuevo estilo de arquitectura basado en la proporción, la unidad de elementos y el uso de órdenes clásicos. Está considerada como el primer espacio de planta centralizada del Renacimiento, influyendo posteriormente en otros edificios.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

14

La sacristía fue diseñada por Brunelleschi y su construcción se realizó entre 1421 y 1440, como anexo a la Basílica de San Lorenzo y costeado por la familia Medici, situando en el interior sus tumbas. La sacristía se sitúa en el lado izquierdo del transepto de la basílica. Comenzó a llamarse Sacristía Vieja después de la construcción en 1510 de otra sacristía (Sacristía Nueva) al otro lado del transepto, obra de Miguel Ángel. La planta se compone a través de las figuras geométricas regulares del cuadrado y del círculo, traduciéndose espacialmente en un cubo cubierto con una cúpula de media esfera. Aunque la cúpula no tiene un diseño novedoso, lo realmente original fue la forma de integrarla en la proporción del espacio inferior a ésta.

El espacio interior guarda una proporción tal que el radio de la cúpula es igual a la altura de la zona intermedia de arcos no estructurales y pechinas e igual a la zona inferior. A este espacio se une otro similar más pequeño dónde se sitúa el altar. El interior del espacio principal está articulado rítmicamente por pilastras que enfatizan el espacio unitario. Estas pilastras no tienen función estructural, siendo esto una de las novedades introducidas por el arquitecto. El uso del orden corintio en los capiteles constituye un legado de los estudios de Brunelleschi de la arquitectura Romana. La cúpula mayor, nervada, está repartida en doce gajos, que simbolizan los Apóstoles, mientras la cúpula pequeña representa la bóveda celeste con los signos zodiacales. El interior de la Sacristía está policromado. La decoración con historias de San Juan Evangelista y los cuatro evangelistas de los tondos de las pechinas son obra de Donatello, que también hizo dos puertas en bronce, así como sus relieves. Estas puertas son llamadas, por las figuras que están ahí representadas, de los mártires y de los Apóstoles.

CUPULA DE LA CATEDRAL DE SANTA MARIA DEL FIORE FLORENCIA: Filippo Brunelleschi Florencia 1377 – 1446 Inicia su actividad artística como orfebre y escultor. 1401: Concurso para fundir las segundas puertas del Baptisterio de Florencia. Derrotado por Ghiberti.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

15

Marcha a Roma, junto a Donatello, con el propósito de estudiar de cerca la estatuaria clásica, pero las ruinas de la Ciudad Eterna cambian su vocación hacia la arquitectura, entregándose desde entonces a este arte. 1418 Nuevo concurso: construcción de la CUPULA DE LA CATEDRAL DE FLORENCIA. El veredicto de los jueces es ahora diferente y se alza vencedor. Aunque no desconocida por los antiguos, la construcción sin cimbras, exigida por la grandiosidad de la cúpula, significaba inventar de nuevo el sistema por el cual ésta se cerraba a medida que subía. El sistema empleado por Brunelleschi se basó en el empleo de 5 recursos fundamentales: 1.- Construyó un aparejo o andamio que permitía construir a medida que se iba levantando la obra. 2.- Ocho espigones de ladrillo en las aristas del octógono y otros dos en cada paño formaban el armazón que se iba tramando horizontalmente según ganaba en altura. 3.- Cubrió el tambor octogonal con dos cúpulas superpuestas (esférica la interior y ojival la externa), dejando una cámara de aire entre ambas estructuras. De este modo, el peso de los materiales disminuía y su altura podía crecer hasta 56 metros 4.- Dio forma de cascarón con perfil ojival o apuntado a la cúpula exterior. No se trata de una reminiscencia gótica, puesto que su elección estuvo condicionada por la imposibilidad de adosar contrafuertes al elevado tambor de la cúpula. La linterna que corona el perfil permite dar luz al interior sin dejar el cielo abierto. 5.- Ideó una serie de ingenios mecánicos que facilitaron mucho la tarea de acarrear y subir materiales.

CAPILLA PAZZI Nombre: Capilla Pazzi Arquitecto: Filippo Brunelleschi Cronología: 1430 – 1444 Localización: Francisco de Santa Croce en Florencia Materiales: Mármol Estilo: Renacimiento (Quattrocento) Tipo de Edificio: Arquitectura Religiosa

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

16

La Capilla Pazzi, (1429-1444), se encuentra adosada al primer claustro de la iglesia de Santa Croce en Florencia. Fue encargada a construir por la familia noble Pazzi a Filippo Brunelleschi, la cual no pudo finalizar porque falleció en 1446. La capilla Pazzi fue la última obra de Filippo Brunelleschi. Es un edificio de pequeñas dimensiones, con planta rectangular que se construyó como capilla funeraria de los Pazzi y considerada como el ejemplo más significativo de Brunelleschi, quien muestra aquí su interés por el empleo de módulos matemáticos y fórmulas geométricas en plantas y elevaciones con lo que consigue una elegante armonía. Su fachada es un pórtico con cinco tramos entre seis columnas de orden compuesto, los cuatros extremos adintelados y el central en forma de arco del triunfo circular muy alto y de doble anchura que se cubre por una bóveda de cañón. Sobre este pórtico se alza un ático decorado con pilastras y seccionado por el gran arco del centro que se corona en una cornisa muy ornamentada. El pórtico hace de filtro de luz y fue construido después de la muerte de Brunelleschi. En el interior se juega con una planta centralizada, las paredes simulan el mármol y las ventanas estás desposeídas de vitrales. En esta obra vuelve Brunelleschi a la cúpula, que fue una de las obsesiones de los arquitectos renacentistas; esta cúpula estás inspirada en los modelos romanos, y se asientan en una fábrica de proporciones casi cuadradas. La Capilla Pazzi es el primer templo renacentista de este tipo. El deseo de disfrutar de las ventajas del templo de cruz latina sin perder las de cuadrado de cruz griega, o de planta central, tendrá como consecuencia, más adelante la creación de la iglesia jesuítica de Vignola y la forma definitiva de San Pedro en Roma.

PALACIO PITTI:

Se encuentra ubicado a la izquierda del rio Arno. El Palazzo Pitti fue la residencia de Napoleón Bonaparte, y luego del primer rey de Italia Víctor Manuel II de Savoia, cuando Florencia fue temporalmente la capital del reino. La construcción del Palacio Pitti, un severo e imponente edificio, fue encargada en 1458 por el banquero

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

17

florentino Luca Pitti, amigo y aliado de Cosme de Médicis, apodado "el Viejo". La historia temprana de este palacio es una mezcla de mito y realidad. Se dice que Luca Pitti quería construir un gran palacio que desbancase al Palacio Medici Riccardi, dando precisas instrucciones sobre el tamaño de las ventanas las cuales debían ser mayores que el pórtico del Palacio Medici Riccardi). Ilustradas personalidades como Giorgio Vasari mantuvieron que Brunelleschi fue el verdadero arquitecto del palacio y que su aprendiz Luca Fancelli realizó simplemente la tarea de ayudante. Actualmente, se atribuye el diseño del palacio a Fancelli.

PALACIO MEDICI RICCARDI

Aparte de las obvias diferencias estilísticas entre ambos arquitectos, Brunelleschi murió doce años antes de que comenzasen las obras del palacio. El diseño y la posición de los vanos sugieren que Fancelli tenía más experiencia en arquitectura utilitaria doméstica que en las

reglas humanistas definidas por Leone Battista Alberti en su manual De Re Aedificatoria. El palacio original, aunque impresionante, no logró rivalizar en términos de tamaño y contenido con la magnificencia de las

residencias de la familia Médicis. Los trabajos del palacio se pararon tras los incidentes financieros que sufrió Luca Pitti a raíz de la muerte de Cosme de Médicis, en 1464, quedando el palacio inconcluso a la muerte de este en 1472. CARACTERISTICAS ARQUITECTONICAS El palacio Pitti del siglo XV con su fachada de 205m de ancho es el arquetipo de la residencia señorial renacentista. El aspecto externo es casi de una fortaleza. Tiene planta en cuadrilátero en que las dependencias se construyen en torno a un patio. Muestra una tendencia a la horizontalidad mediante una superposición de tres pisos o cuerpos. El muro está muy articulado mediante balaustradas. Se emplean para los muros sillares almohadillados, que va siendo más plano a mediad que se gana altura. Los vano con arco de medio punto constituidos por dovelas almohadilladas. Las ventanas llevan frontón. Con las ventanas a ras de suelo abre importantes vanos en el muro que resta carácter defensivo al edificio y lo relaciona en mayor medida con el entorno urbano. El muro está muy articulado mediante balaustradas. Se emplean para los muros sillares almohadillados, que va siendo más plano a medida que se gana altura.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

18

El arquitecto iba contracorriente a la moda de la época, pues la mampostería almohadillada de la piedra reforzada por la repetición de vanos y arcadas dan al edificio una apariencia severa y dura quitando importancia a la ornamentación y la elegancia del diseño, que recuerda a un acueducto del Imperio romano. Como en muchos otros palacios italianos, se debe entrar en el edificio para apreciar plenamente su arquitectura. Los enormes techos están cubiertos de un estuco labrado blanco y dorado. Su magnificencia está dada por el tamaño, la fuerza y el reflejo de la luz en la repetitiva estructura de piedra de la fachada. Tras el palacio se extienden los bellos Jardines de Boboli, diseñados por Tríbolo.

EL PALACIO HOY Actualmente el palacio es un edificio público, un museo que exhibe todas las muestras de arte en sus paredes. El control del palacio y los museos está en manos del estado italiano a través del "Polo Museale Fiorentino", una institución que administra numerosos museos de la ciudad, como la Galería Uffizi. A pesar su metamorfosis de residencia real a edificio público, el palacio sigue manteniendo su atmósfera de colección privada, gracias en gran parte a la asociación "Amici di Palazzo Pitti" (Amigos del Palacio Pitti), integrada por voluntarios y patronos (fundada en 1996) que recogen fondos y hacen sugerencias para el continuo mantenimiento del palacio y las colecciones. En su sexto siglo de existencia, el Palacio Pitti, está mejor mantenido y más espléndido que nunca, siendo visita turística obligada de los cinco millones de visitantes que recibe Florencia cada año. El edificio sigue impactando enormemente a todos los que la visitan, exactamente para lo que fue construido.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

19

PERSPECTIVA CÓNICA

Filippo Brunelleschi fue el primero que formula las leyes de la perspectiva cónica a través de una serie de experimentos que realizó entre 1417 y 1420, por los que descubrió los principios matemáticos y científicos que rigen la perspectiva. Uno de esos principios es que los objetos parecen más pequeños cuanto más lejos estén, mostrando en sus dibujos las construcciones en planta y alzado, indicando las líneas de fuga. Sentó las bases de la construcción de la perspectiva correcta, con la convergencia de las líneas de profundidad en un punto de

fuga unificado -dos puntos de fuga en el caso de la perspectiva bifocal- y el cálculo científico de los intervalos de profundidad. Brunelleschi se dio cuenta de que el truco era partir de un punto de vista único e inmóvil. En 1420 pintó la plaza de la Signoria, en Florencia con su nueva concepción de la pintura. Cuando la pintura estuvo acabada, hizo un agujero en el cuadro, justo a la altura de los ojos de quien se situase en la plaza, a la altura del horizonte. Mirando por el agujero por la parte posterior y con un espejo frente a la obra, el observador podía ver una representación perfectamente verosímil de la plaza, corno si se encontrara mirándola desde la entrada de la catedral, situado detrás de la puerta y mirando a través de una rendija. Así fue como demostró que la perspectiva se basa en dibujar la realidad como si interpusiéramos un cristal gigante entre la realidad y nosotros: el plano del cuadro, que sería lo mismo que el papel donde dibujamos. Varios pintores de este período artístico aplicaron las regias de Brunelleschi para conseguir el efecto de perspectiva en la pintura (Paolo Uccello, Masaccio, Alberti y Leonardo da Vinci) en la pintura. La perspectiva cónica o lineal permite representar los objetos tal y como los vemos, dependiendo el resultado de la posición que ocupan éstos en el espacio y de la nuestra respecto a ellos Los dibujos efectuados mediante este sistema resuelven la representación tridimensional de los objetos, consiguiéndose imágenes iguales a las que percibimos cuando los mirarnos, y lográndose la sensación de profundidad en lo que únicamente es una representación plana.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

20

TIPOS DE PERSPECTIVA Existen dos grupos de perspectivas: sin puntos de fuga (axonométrica) y con puntos de fuga. (Paralelas, oblicuas y aéreas) PERSPECTIVAS SIN PUNTO DE FUGA: La perspectiva axonométrica es un sistema de representación gráfica, consistente en representar elementos geométricos o volúmenes en un piano, mediante proyección paralela o cilíndrica, referida a tres ejes ortogonales, de tal forma que conserven sus proporciones en cada una de las tres direcciones del espacio: altura, anchura y longitud. PERSPECTIVAS CON PUNTOS DE FUGA: Perspectiva paralela: son aquellas que se dibujan con un punto de fuga. Perspectiva oblicua: son aquellas que se dibujan con dos puntos de fuga Perspectiva aérea: son aquellas que se dibujan con tres puntos de fuga.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

21

EL ARTE BIZANTINO ORÍGENES Y FORMACIÓN La religión cristiana no dio nacimiento a un arte más que a partir del momento en que pasó a Ser religión de Estado, entonces fue cuando hubo necesidad de vastas y hermosas iglesias donde se manifestó el gusto del esplendor. La victoria del Cristianismo tuvo, pues, por resultado una gran actividad artística. El arte cristiano es un arte oficial, protegido por los emperadores. Es también un arte oriental, La fundación de Constantinopla había trasladado a Oriente la .capital del imperio. Dos influencias contribuyeron a formar el arte nuevo: a.- Influencia del helenismo, cuyo centro se hallaba en Constantinopla b.- Influencia del Oriente primitivo (Asia menor, Siria, Egipto); y fue en Bizancio donde alcanzó u pleno crecimiento y donde encontró su unidad. El Oriente dio a Constantinopla: La cúpula y el procedimiento de bóvedas sin cimbras; El gusto de la decoración polícroma; El estilo histórico y monumental. Constantinopla supo combinar esta aportación del Oriente con la tradición clásica, dándole su originalidad al arte bizantino. Algunos monumentos de los siglos IX y XI ya dejan entrever la evolución que acabó por formar el arte bizantino: La Basílica del Stondion es de forma helenística, con un capitel propiamente bizantino (acanto espinoso; sobre el capitel, cojinete o imposta en forma de pirámide truncada); Iglesia de Santos Sergio y Baco, iglesia de Santa Irene; iglesias con cúpula. PRIMER PERÍODO DEL ARTE BIZANTINO (ÉPOCA ÍDE JUSTINIANO) Santa Sofía. - La iglesia de Santa Sofía de Constantinopla es el tipo del arte bizantino, tal como se constituyó bajo Justiniano. Es la primera obra de un estilo nuevo que, al propio tiempo, dio con ella su obra maestra. Justiniano emprendió en 532 la construcción de una basílica de extraordinario esplendor. Empleó los más preciosos materiales t mármoles de- colores variados, oro, plata, marfil,

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

22

piedras preciosas. Los arquitectos de esa obra magnífica fueron Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto. Vista desde fuera, Santa Sofía, monumento construido con ladrillos, produce una impresión bastante mediocre. Hay que penetrar en el interior para comprender su originalidad y su belleza. Ante el templo se extendía un atrio rodeado de pórticos. Del atrio se entraba a una galería cerrada, o nártex, que se abre sobre la iglesia por nueve puertas. La iglesia en sí está formada por un rectángulo cuyo centro lo ocupa una nave cubierta por una cúpula que se apoya sobre cuatro grandes arcos. Dos de esos arcos, al Norte y al Sur, envuelven un muro horadado de ventanas y sostenido por dos pisos de columnas. Al Este y al Oeste, los arcos se apoyan sobre dos semicúpulas que sostienen la cúpula central. Al Este se abre un ábside en saliente. Sobre los lados bajos, en comunicación con la nave central, hay unas tribunas. Las columnas están adornados con capiteles-impostas, de mármol blanco, con dorados, finamente tallados. El motivo es el acanto, que también se ve sobre la curva de las arcadas. Florones, rosáceas y entrelazados (origen oriental) adornan las cornisas y los encuadramientos. Asombra el esplendor de la decoración- polícroma. El suelo y los muros están cubiertos de mármoles variados, jaspes, alabastros, pórfidos y serpentinas. En las bóvedas de las tribunas, sobre los muros, se desarrollan los mosaicos: rollos de verdura y de flores sobre fondos oro, azul, plata. En la cúspide de la cúpula brillaba una cruz sembrada de estrellas. Hay que observar que casi no se representan allí figuras humanas. En el centro de la cúpula se elevó una gran tribuna, el ambón, hecha de mármol, marfil, plata y piedras preciosas. Una reja de plata cerraba el ábside. El altar fue una maravilla. Las lámparas eran de plata.

LA ARQUITECTURA.- El estilo nuevo, consagrado la construcción de Santa Sofía, iba a propagarse todo el imperio. Justiniano fue un gran edificador. La cúpula es la forma arquitectónica característica del arte bizantino. El ladrillo es la materia más empleada: permite construir bóvedas de medio punto y cúpulas. Estos principios se aplican a cuatro tipos de edificios:

1o Basílica: Edificio rectangular, precedido de un atrio y de un nártex. 2o Construcción de planta central: Basílica circular u octogonal (San Juan del Hebdomon, iglesia de los Santos Sergio y Baco) 3° Basílica de cúpula, compuesta de los dos tipos precedentes (Santa Irene)

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

23

4o Planta en cruz griega: Esta construcción, que será propiamente bizantina, aparece en el siglo VI: cruz griega inscrita en un rectángulo, con una cúpula en el crucero (iglesia de los Santos Apóstoles), Los edificios de Constantinopla sirven de modelo a todo el Oriente, en Siria (basílica de Kasr-ibn-Wartan). Occidente: La iglesia de San Vital de Ravena, es una iglesia de cúpula puesta sobre una base poligonal. «Un rasgo común a todos esos monumentos: la forma y el decorado de los capiteles: hojas de acanto, o cúbicos con. Imposta» Pintura Frescos.- Nada queda de los frescos de las iglesias

de Justiniano. Asuntos; Nuevo Testamento. Mosaico.- El mosaico, cuyo éxito fue muy grande, tenía la ventaja de ser más duradero. Los asuntos eran los mismos que para los frescos. Las pañerías y las figuras son rígidas; lo que da valor a esos mosaicos es la policromía (Santa Irene, San Demetrio de Salónica, San Vital de Rávena). A esos mosaicos murales hay que añadir los pavimentos historiados, que difieren de los mosaicos por los asuntos elegidos; escenas pintorescas o mitológicas. Iconos.- Los más antiguos iconos datan del siglo VI: retratos en madera, al encáustico, del Cristo, de la Virgen y los Santos. Miniaturas.- En la decoración de los manuscritos, el estilo histórico tiende a prevalecer sobre las escenas pintorescas. La escultura.-En el siglo VI la escultura declina puesto que se tiende a substituir los efectos de forma con los efectos de color. Pero el artista bizantino da pruebas de gran destreza en el trabajo del marfil. Todos los marfiles de esa época proceden de la tradición helenística, con ciertas formas que recuerdan el arte asirio y el arte persa. Las artes del metal.-La orfebrería pasa a ser una de las ramas importantes del arte bizantino (trono de Justiniano, hecho de oro y de piedras preciosas, servicio de mesa cincelado). Aparece el esmalte en compartimentos.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

24

DE JUSTINIANO A LOS ICONOCLASTAS

Los primeros sucesores de Justiniano fueron grandes edificadores, pero a partir de entonces el genio creador palidece y pronto sobrevendrá la decadencia (en relación con las circunstancias económicas e históricas). La querella de las imágenes tuvo grandes consecuencias en el arte bizantino. En las iglesias, en lugar de las imágenes, que eran destruidas, se representaban árboles, pájaros y otros animales. Regresión al decorado pintoresco, a

la imitación de los modelos de la antigüedad. Es el arte de la época iconoclasta. Por otra parte, el arte profano adquiere gran importancia (construcciones de Teófilo, en el palacio sagrado: sala del trono decorado de mármoles, sala del Amor). Hay que tener en cuenta todo lo que este arte debe al Oriente musulmán (el palacio imperial recuerda el palacio de los Califas abasíes). El arte religioso halló un refugio en la miniatura: los salterios fueron adornados con ilustraciones marginales (escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento, miniaturas de carácter simbólico y moral) rebosantes de realismo.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

25

ÉPOCA DE LOS MACEDONIOS Y DE LOS COMNENOS (Fines del siglo IX—principios del siglo XIII) Bajo los Macedonios, a un renacimiento político corresponde un renacimiento artístico; prosperidad interrumpida durante un período de disturbios acaecido en el siglo XII, bajo los Colímenos. Los artistas de esta época casi siempre se limitaron a copiar obras más antiguas, aunque, a pesar de todo, hicieron labor original. Las tendencias que apuntaban en la época iconoclasta se afirman: Reaparecen muchos temas de la antigüedad griega Se afirma una tendencia a la ornamentación pura El arte profano adquiere gran importancia. Este arte es más realista, y este realismo no deja de influir en el arte religioso. La arquitectura civil.- El «palacio sagrado», serie de edificios separados unos de otros-, vale por el lujo de su decoración. Habitación.- Existe una casa de esa época: el Tekfur Serai, edificio rectangular de dos pisos. El exterior está hecho de ladrillos rojos alternados con mármoles blancos o amarillos. La arquitectura religiosa.- Una iglesia construida por Basilio I es célebre, la Nueva Iglesia (cruz Griega, inscrita en un cuadrado). En esta época, la basílica, el octógono y la basílica de cúpula escasean. Lo que domina es la planta en cruz griega. La iglesia tiene la forma de una cruz cuyos cuatro brazos llevan bóvedas de medio punto; en el crucero se eleva una cúpula. La cruz está inscrita en un cuadrado, con otras cúpulas en los ángulos. La forma de la cruz aparece al exterior pues las cuatro bóvedas de medio punto sobresalen en lo alto edificio (iglesia de San Lucas, la Theotokos, Kilessé Yamí, el Pantocrator). La pintura.- a) Mosaicos.- Las iglesias se cubren de mosaicos que trazan' la vida del Cristo, de los santos, etc. No hay gran diversidad en las figuras. Lo que es característico es el empleo exclusivo de los fondos de oro. Frescos e iconos.-En la Italia del Norte se han descubierto frescos de esa época. Algunos están pintados en la roca y otros sobre una capa de yeso. Los asuntos están tomados del Nuevo Testamento. Los iconos pintados en madera estaban adornados con revestimientos metálicos y marcos enriquecidos de pedrerías. Miniaturas.- El arte de la miniatura es más natural y más vivo que el arte monumental.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

26

La escultura.-El arte de la piedra se aplicó al bajo relieve. El adorno se trató con preferencia a la figura. El trabajo del marfil y el del bronce (puertas de Amalfi) tomaron gran importancia en la escultura. Orfebrería Esmaltes.-Por lo que se refiere a la orfebrería tenemos bajo relieves de oro .y de plata, el relicario de Aquisgrán (Aix-la-Chapelle) en forma de iglesia, marcos .de iconos, etc. El esmalte en compartimentos ocupa en primer puesto en la orfebrería. Mezclado con piedras preciosas, sirve para decorar, cálices, cruces y otras piezas del mobiliario eclesiástico. Los trabajos de esta época son notables por la finura de los compartimentos y la mínima altura del esmalte (Icono de Kakhuli, Pala de oro, en San Marcos). Influencia bizantina en Occidente.-La influencia bizantina fue grande en la región que tiene por centro al Monte Cassino.

ÚLTIMA EVOLUCIÓN DEL ARTE BIZANTINO A partir de 1204 (toma de Constantinopla por los latinos) la importancia de Constantinopla cesa, pero persiste una gran actividad en ciertas provincias de la monarquía (Macedonia, Servia). Los artistas ya no tienen a su -disposición materias ricas, pero el arte es sincero, lleno de movimiento y de realismo. El período que se extiende del siglo XIII al XVI, aún es, pues, interesante. En arquitectura, las disposiciones originales son raras pero los monumentos llevan, sin embargo, la marca .de los: países donde han sido construidos. El adorno esculpido abunda más que antes. ; La pintura propiamente dicha invade toda la decoración: frescos; no más mosaicos ni revoques de mármol. Las composiciones son más variadas que antes, las escenas más familiares. Llama la atención la boga de que goza en esta época la escultura en madera. Las artes del metal y, en general, todas las artes de lujo están en decadencia. Insistamos en el hecho de que el arte bizantino fue un arte cristiano, cuya cuna y centro de expansión fue Bizancio, donde se juntaron el helenismo y el Oriente; y que, demasiado comprimido por la Iglesia para ser un arte largo tiempo creador, el arte bizantino ejerció, sin embargo, una acción considerable en todo el arte de la Edad Media.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

27

ARQUITECTURA PROFANA Arquitectura militar.- Quedan varias puertas de El Cairo. La puerta de Bab-Ez-Zoileh tiene, dos torres elípticas entre las que se abre un vano abovedado. El aspecto general es el de una construcción maciza. La ciudadela de Saladino.- tenía un triple recinto almenado. En segunda línea, unas torres redondas o cuadradas reforzaban los puntos débiles. Hospital, fuente, casa privada.- La arquitectura civil de la época de los califas ha dejado pocos vestigios; Quedan; un hospital, con planta en forma de cruz; una fuente, con la rotonda sobrealzada y horadada por anchos vanos cerrados con verjas de bronce. En el espesor de cada tramo hay un pilón alimentado por un caño. El interior está adornado con mosaicos y azulejos. Has viejas casas, muy raras, tienen mal aspecto. La puerta, estrecha y profunda, está adornada con inscripciones. En los muros hay abiertas unas troneras. EL ARTE DECORATIVO Mobiliario de la mezquita.-Han quedado obras de los siglos XIV y XV. El suelo de la mezquita estaba cubierto de tapices; del techo pendían lampadarios de bronce y lámparas de cristal esmaltado. En ciertas mezquitas había instalada una fuente de mármol para las abluciones. También había allí un pupitre de madera finamente trabajada, llamado el mucharabiek. Vidrios.-No se poseen trabajos en vidrio árabes anteriores al siglo XIII. De la segunda mitad de ese siglo hay un jarro que lleva en la panza un león entre dos series de inscripciones. Las lámparas de mezquita tienen la superficie dividida en fajas por inscripciones, rosáceas y arabescos. Telas y tapices.-Los tapices árabes son de origen copto. La decoración está formada por figuras animadas (elefantes, leones, caballos, pavos, retratos de califas) pero estilizadas (las crines de los leones forman octógonos, etc.) Damasquinado.-Les cobres damasquinados, incrustados de oro y plata no datan más que del siglo XII. Están decorados con inscripciones, arabescos y entrelazados. Hay unos

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

28

candelabros de bronce damasquinados de oro y plata, recipientes de cobre. La obra maestra de esta época es una mesa decorada con .inscripciones, rosáceas y arabescos. Bronces.-Los árabes manifestaron gran habilidad en el arte del bronce. Las lámparas de mezquita, especialmente, son muy notables. Al principio eran muy sencillas, en forma de pirámide truncada, más luego pasaron a ser verdaderos encajes de bronce. Las puertas de las mezquitas están decorados con apliques de bronce clavados en la madera. El bronce ha invadido toda la superficie, hasta el punto de que esas puertas parecen moldeadas de una sola vez. Los Coranes.- Los coranes, escritos en papel rojizo o crema, están iluminados con un lujo asombroso; el trazo del dibujo es de líneas blancas y los colores son muy variados. Decoración: flores y arabescos. Los dorados están protegidos con laca púrpura. Las miniaturas de esos coranes se parecen mucho a los arabescos de los evangeliarios' coptos. El arte árabe ha sido un arte de lujo, en el que se ve por doquiera la mano de los coptos: la arquitectura se caracteriza por el arco roto. Entre todas las otras ramas de ese arte hay una- especie de parentesco; aversión por toda representación de figuras animadas, gusto exclusivo por la ornamentación pura y, en general, gusto del esplendor. El arte árabe en España.-Está representado, ante todo, por la Mezquita de Córdoba y por la Alhambra de Granada. Esta última condensa todo el carácter de la arquitectura clásica árabe en la Península Ibérica. Pueden citarse, además, entre otros prototipos del arte hispano-árabe, la cerámica de Valencia, la Giralda, minarete que es hoy el único resto de la Mezquita de Sevilla, y los restos del Palacio real árabe de la Aljafería de Zaragoza. EL ARTE DE LA EDAD MEDIA El arte de la Edad Media es esencialmente religioso, aunque haya producido obras maestras de carácter profano. Pocos son los vestigios que nos quedan del arte carolingio o pre-románico; varios evangeliarios, salterios y manuscritos decorados con, miniaturas, así como algunos bellos trozos de escultura en Roma, Rávena y Milán; las iglesias eran de madera.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

29

ARTE ROMANICO El llamado arte románico es el que se desarrolla en la Europa occidental después de Carlomagno, y está influenciado: 1° por el arte dicho bárbaro, aparecido en las Galias en el siglo V 2o por la tradición greco-romana 3o por el arte bizantino (por intermedio de Italia). La arquitectura.-Al principio fue la planta basilical la que sirvió para la edificación de la iglesia románica. Después del año 1000 se construyeron, muchas iglesias y conventos. Para cubrir las iglesias ya se empleó la bóveda (fines del siglo XI). En esta época, la iglesia románica tiene la forma de la cruz latina (nave cortada en sus dos tercios por un crucero perpendicular) y un campanario encima. Tiene mala luz. El arte románico se constituyó en cada provincia de Francia con características determinadas; la escuela de Auvernia es notable por el empleo del deambulatorio, con absidiales irradiantes, y la iglesia está cubierta por un campanario octogonal. Toda la Borgoña imita las iglesias de la Orden de Cluny (iglesia de Vezelay). La nave está precedida por un nártex. En el Poitou, Saintonge y Perigord, las torres de los campanarios suelen estar coronados por flechas cónicas abombadas. El interior es pesado y sombrío (Nuestra Señora la Grande, de Poitiers; San Pedro, de Angulema). En el Perigord, la planta tiene forma de cruz griega y los campanarios forma de cúpula; la influencia bizan- tina es muy marcada (San Front, de Perigueux). En Normandía, las iglesias son claras y vastas. La Provenza tiene una escuela retardataria (fines del siglo XII), e inspirada en las obras romanas. Las iglesias del valle del Rin cuentan entre las más hermosas (Spire, Maguncia, Worms). En Inglaterra, el estilo románico se califica de normando (por ser la Normandía su país de origen). En Italia, la obra maestra del arte románico es la cúpula de la catedral de Pisa (1063 a 1118). En España, donde en los siglos X y XI dominaban las tradiciones visigodas y sobre todo el arte mozárabe, la arquitectura románica fue primeramente una importación francesa, debida a la acción de los monasterios benedictinos, y de ello es ejemplo la basílica de Santiago de Comvostela templo románico cuya magnitud y belleza no tiene igual en España. Esta influencia francesa persistió en el siglo XII, mezclándose a veces con formas indígenas, como en San Isidoro de León. En los comienzos del siglo XI, se levantan tribunas de origen francés sobre las naves bajas de San Vicente de Avila, de la catedral de Coimbra (Portugal). La escultura.- La decoración escultórica de las iglesias románicas es abundante y rica; decoración sobre pilares, capiteles, pórticos de las fachadas y cornisas, Ál principio, los capiteles están adornados con cintas entrelazadas de motivos geométricos que no tardan en ceder el puesto a los capiteles historiados (escenas esculpidas o figuras de animales).

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

30

El pórtico es la parte más abundantemente esculpida de la iglesia románica (parte central del tímpano y partes laterales). La escultura de los personajes tiende a servir de enseñanza y de edificación para los fieles; episodios de la vida del Cristo, de los santos. La originalidad de las escuelas regionales francesas aún se afirma más en la escultura que en la arquitectura. En el Languedoc, la escultura es violenta y dramática (pórtico de la iglesia de Moissac; representación dramática del infierno y de los limbos). Las iglesias del Borgoña son notables por la riqueza de su decorado (iglesia de Vezelay). Los paños presentan complicados pliegues y los personajes extravagantes actitudes Las iglesias de la Orden del Císter (iglesia de Frontenay) contrastan con las de Cluny por su sencillez Las iglesias del Poitou tienen las fachadas adornadas con profusión de bajos relieves La escultura de las iglesias de Provenza recuerda la técnica de los sarcófagos galo - romanos (San Trófimo de Arles) La escuela de la Isla de Francia, pobre al principio, cobra gran desarrollo a fines del siglo XII y hace obra original. Los artistas se inspiran en la naturaleza para la ornamentación de las iglesias (realismo de las estatuas de la catedral de Chartres; estilo de los paños). Esta escuela anuncia el advenimiento del arte gótico. 4o Marfiles.- Los marfiles de este período no son originales: están hechos sobre modelos bizantinos. 5o Tejidos.- Los tejidos románicos son una imitación de los tejidos bizantinos y árabes: tapiz de Bayeux, que representa la conquista de Inglaterra por los normandos. 6o Mobiliario.- Los muebles de esta época nos son conocidos principalmente por los manuscritos y las esculturas. El mueble más usual era el cofre, de madera esculpida, con adornos de metal. Los taburetes en forma de equis eran sin duda de inspiración romana El arte ornamental.- 1º Pintura y miniaturas.- Se distinguen dos escuelas dé miniaturistas: la escuela del Nordeste influencia anglosajona, «La Vida de San Omer») y la escuela del Sur (influencia española, árabe, «Apocalipsis de San Severo»). Las pinturas murales de las iglesias románicas han desaparecido casi todas. Las de San Savin (Vienne) llaman la atención por su sencillez y por la nobleza de las actitudes («Historia del Mundo, desde la Creación a Moisés») - 2º Arte de la vidriera.-Las vidrieras del siglo XII tienen hermosos colores; los fondos son azules o rojos, están cubiertos de adornos y los asuntos encerrados en medallones. 3o Orfebrería.- Todos los objetos de orfebrería de la alta Edad Media son del mismo estilo: filigranas soldadas, cabujones engarzados. El tesoro de la iglesia de Conques es muy rico: relicarios en forma de casa, o imitando cuerpos de santo; vasos litúrgicos, báculos (en forma de serpiente), incensarios, antorchas, cálices.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

31

ARTE GOTICO El arte gótico aparece a fines del siglo XII (escuela de la Isla de Francia, que introdujo la ojiva y la escultura realista). Es un arte original: utiliza formas nuevas de arquitectura, que nada toman de la antigüedad, y decorados enteramente nuevos. Pero se siguen construyendo iglesias de estilo románico. La arquitectura.- Se quiso hacer iglesias más espaciosas y más claras, con naves grandiosas y, para ello, ya servía la bóveda de medio punto. La crucería de ojivas en arco apuntado permite esta realización; el esqueleto de la bóveda está formado por nervaduras, y el rellenado está hecho con piedras ligeras. Con este sistema de construcción hubo que darle sostenes al edificio, desde fuera: el arbotante, que se destaca de i la construcción. Cada nervadura principal se apoya en un pilar que la soporta. Así pueden hacerse monumentos más altos, más vastos y con mejores luces. El arco apuntado se emplea para los vanos, las puertas, las nervaduras de las bóvedas. Las rosáceas decoran el eje de las fachadas. Los techos son de pendiente rápida. Las chimeneas pasar, a ser un elemento importante en la decoración de las casas. En el arte gótico se distinguen tres períodos: 1° El gótico de lanceta (s. XIII), así llamado por el ímpetu de las líneas y por la forma aguda del arco ojival. La armonía de las líneas constituye su principal decorado (catedral de Coutances). 2o Ei gótico irradiante (s. XIV): abandono de la ojiva en lanceta por la ojiva equilateral ensanchamiento de las ventanas: mayor abundancia en la decoración arquitectónica. 3o El gótico florido (s. XV), así llamado por su sistema de decoración complicada y cargada de adornos. El hecho importante es que las bóvedas son cada vez más altas, y mayor también el espacio dado a las ventanas; las iglesias van adquiriendo elegancia y gracilidad. Los primeros monumentos góticos fueron construidos en la Isla de Francia, iglesias de fines del siglo XII y de comienzos del siglo XIII, y que son las producciones más importantes del arte gótico. Nuestra Señora de París, Beau-vais, Amiens, Chartres, Bourses, Reims, la Santa Capilla de París. Del Norte de Francia, el estilo gótico se propagó a Alsacia y Alemania (catedral de Colonia, 1248).

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

32

Los mejores monumentos del gótico religioso son, en España, las catedrales de Burgos, Toledo, Barcelona y Mallorca, así como Nuestra Señora de León (que reproduce exactamente la misma planta que la catedral de Reims). En Portugal, un monumento muy notable es el monasterio de Batalha, El estilo gótico inglés se caracterizó por una abundancia de líneas verticales (abadía de Westminster, catedral de Salisbury). En Inglaterra, el estilo gótico se prolongó hasta el siglo XVII, bajo nombre de estilo Tudor (capilla de Enrique VIII, Westminster). Las obras maestras del arte son las iglesias, pero existen otros monumentos muy hermosos del mismo estilo, como la abadía del Mont-St-Michel y el Palacio de Justicia de Rúan. Los primeros edificios comunales importantes datan del siglo XV; ayuntamientos, mercados, palacios de justicia, hospitales (ayuntamiento de Compiègne, hospicio de Beaune, palado de justida de Ruán). Las residencias señoriales son lujosas (palado de Cluny, en París, casa de Jacques Cœur, en Bourges). Los castillos fuertes de los siglos XIII, XIV y XV se inspiran en el arte gótico para la disposición interior, para el decorado de puertas y ventanas (castillos de Pierrefonds y de la Ferié Mitón, «cité» de Carcasona, murallas de Aigues Mortes...). La Escultura.- La escultura gótica es, como la arquitectura, profundamente original; a la inversa del arte románico, es realista; se inspira en la vida (flora del país). Los pórticos, las galerías, las ventanas, los arbotantes, están esculpidos. Así adornada, la catedral es una enseñanza para los fieles: enseñanza de moral, de historia, de ciencias (la catedral de Chartres es una verdadera enciclopedia). Las obras más importantes son las fachadas de las catedrales de Laón y de París (representación de la Virgen, como en Chartres), la fachada de Amiens, la catedral de Reims. En el siglo XIII empieza a representarse en las fachadas la Pasión del Cristo. En el siglo XIV la escultura se vuelve más realista (escenas familiares, gusto de lo pintoresco, representación de escenas populares). Este realismo se acentúa en el siglo XV. Los adornos geométricos son raros; la decoración se inspira en la flora (la viña en Reims, el berro en París, etc.), para adornar los capiteles, las cornisas. Los animales aún escasean más que en el arte románico. La decoración es más complicada en el siglo XV que en el XIII (empleo de algas, de coliflores). Los ganchos constituyen una de las características del estilo gótico. Ornamentación.- 1° Pintura.-Vidrieras: las aberturas son cada vez mayores y más numerosas y hay poca decoración pintada en los muros. La verdadera pintura es la vidriera. En el siglo XIII, el dibujo de las vidrieras es más realista que en el siglo XII; los tonos violetas y azules dominan: los temas están tomados de las vidas de Santos (vidrieras de Bourges y de Lyon); la vidriera es un espléndido tapiz de vidrio. En el siglo XIV,- se emplea la vidriera blanca; los colores dominantes son el gris blanco y el amarillo; en el siglo XV la vidriera se decolora; los artistas, al revés de los del siglo XIII, se cuidan más del dibujo que del color gran importancia en la poca de San Luis Las miniaturas imitan las vidrieras. Las letras iniciales están adornadas con ramificaciones vegetales. Los bordes se componer,

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

33

de flores, de insectos, de pájaros y de pequeños personajes En el siglo XV el iluminado se acerca realidad. Las obras principales. 2o Orfebrería y esmaltes.- No quedan más que objetos de orfebrería religiosa. Los relicarios son iglesias en reducción-; están adornados con personajes, hojarasca y frutos. En el siglo XIII, el principal centro del esmalte es Limoges. 3o Trabajo del hierro.-En el siglo XIII, como en la época románica, las rejas están formadas de hierros arrollados en forma de volutas. Las mejores obras de hierro artístico son las rejas de la abadía de Ourscamp, el pozo del patio del Hospital de Beaune y el pozo del castillo de Nantes. 4o Tapicería.-En las residencias lujosas, los muros están guarnecidos-de tapices. Estos representan asuntos tomados de los libros de caballerías. Las iglesias poseen tapices de asuntos religiosos (tapiz del Apocalipsis, de la catedral de Angers), Los fondos están formados de árboles y de hojarasca. A fines dei siglo XV, los trajes están reproducidos con gran lujo de detalles. 5o Mobiliario.- En el siglo XIII, los muebles son bastante toscos, espesos, rectangulares, de robie; en el siglo XV, son ligeros, de nogal; están más finamente trabajados y ya tienen líneas curvas; en cada una de esas épocas, el decorado del mobiliario sigue la evolución del adorno arquitectónico. En los comienzos del período gótico el adorno es muy simple; en el siglo XV, el decorado imita las más complicadas formas de la época. Los cofres siguen siendo muy numerosos. El mobiliario religioso tiene interesantes motivos escultóricos

EL ARTE GOTICO EN ESPAÑA Y PORTUGAL La península hispánica, situada en la extremidad occidental del mundo mediterráneo, no por ello dejó de ser en la Edad Media el país de Europa que sintió más hondamente la influencia del Oriente musulmán. La guerra Santa duró allí mucho más que en Palestina, hasta el final del siglo XV; aunque, de este lado, la cristiandad realizó un avance constante llegando, finalmente, a una reconquista total y definitiva, en lugar de retroceder y capitular, al fin, ante el Islam, como ocurrió en Siria.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

34

En esta tierra, durante mucho tiempo medio musulmana, el arte cristiano hubo de combinarse con el arte árabe, en el curso de su evolución recíproca, en varias síntesis

sucesivas cuyo estudio es inseparable, en España del arte propiamente gótico; y éste dejó allí durante el curso de esta larga historia, a medida que las etapas de la reconquista se sucedían, infinitamente más obras y de mayor variedad que en el Oriente de las Cruzadas. España y Portugal merecen ocupar un puesto considerable en la historia del arte gótico. La arquitectura cisterciense alcanzó allí gran expansión e inspiró, a parte de la Orden del Císter, numerosos monumentos que forman una verdadera escuela en todo el Nordeste de la península. El arte del Norte de Francia, importado a Castilla, y después a Navarra y Portugal,

dejó en estas tierras grandes obras que cuentan entre las más bellas de todos los países. En el siglo XIV y en el XV, los Estados de la Corona de Aragón vieron desarrollarse una

arquitectura pujante y original, a la vez que servían de cuna a notables escultores y que varias escuelas de pintura daban su acento particular a una inspiración de origen italiano o flamenco. El arte mudejar o hispano morisco, después de haber sido bajo sus diversas formas, las más andaluzas, el arte nacional de los Estados de la Corona de Castilla en el siglo XIV, se combinó estrechamente en el XV con la arquitectura y la decoración góticas, mientras que los escultores y los pintores iban igualmente a trabajar en la Andalucía reconquistada. Finalmente, en la última parte del siglo XV y principios del XVI, España y Portugal crearon

con el arte de los Reyes Católicos y el arte manuclino, una última forma de arte gótico, de fuerte acento nacional y en la que vinieron a fundirse, antes España y Portugal de desaparecer para siempre, los elementos múltiples y casi contradictorios que se habían conciliado sobre su suelo durante toda la Edad Media. Los primitivos españoles.—La pintura románica está representada en los frescos del Panteón de los Reyes, de la Colegiata de León; en la decoración mural de San Baudelio de Cárdenas (Soria) y en las tablas catalanas de los Muscos de Vich y de Barcelona. En el núcleo de los primitivos catalanes destacan Ferrer Bassa (principios del siglo XIV) miniaturista y pintor de frescos; Pedro Serra (final del siglo XIV); Luis Borrassá (s.XV); Jaume Huguet y, sobre todo, Luis Dalmau, en quien es decisiva la influencia del Van Eyck (Virgen de tos Cancelleres, museo de Barcelona). La escultura románica presenta obras como la Virgen del Claustro, de Solsona (siglo XIII), la virgen de la Vega, en plata esmaltada (Salamanca) y los capiteles del convento de San Pedro de Barcelona. Al siglo XV pertenecen los escultores y tallistas _ Pere Oller (Altar Mayor de la catedral de Vich; Guillem Sagrera y Pere Morey (Decoración de la Puerta del Mar, de la catedral de Palma de Mallorca); Pedro Millán, autor de un San Miguel en talla policromada de tierra cocida.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

35

EL RENACIMIENTO

El arte gótico, esencialmente septentrional y religioso, no había penetrado profundamente en Italia. Y en este país es donde nació el Renacimiento, consecuencia del movimiento humanista, movimiento de arte laico y de inspiración greco-romana. De Italia, el Renacimiento se propagó al Occidente.

EL RENACIMIENTO EN ITALIA

La arquitectura.-La arquitectura gótica era, ante todo, una arquitectura religiosa. En la época del Renacimiento, pasa a primer plano la arquitectura civil. Florencia.-En el siglo XV, se intenta conciliar las formas de la Edad Media con las de la Antigüedad. La novedad consiste en- la decoración de los edificios y no en la forma de éstos. El tipo de monumento es el palacio florentino: castillo fuerte de la Edad Media en el exterior, adornado en el interior con columnas y arcadas, a imitación de la antigüedad. Para una parte del decorado los artífices se inspiran en el de las cuevas romanas (llamadas grutas); tal fue el decorado grotesco (de grotta = gruta). El Palacio Pitii, de Florencia, es obra de Brunellesco (1445). .El Palacio Riccardi, de Michelozzo (1440) y el Palacio Strozzi, de Benedetto da Majano y el Cronaca (14S9), están netamente imitados de la antigüedad. Las iglesias fueron coronadas por una cúpula sobre planta cuadrada; la bóveda ojival es substituida por una bóveda de medio punto; el exterior está adornado con frontones y columnas (cúpula de la catedral de Florencia, por Brunelleschi). Los monumentos de Florencia, de aspecto severo, fueron imitados en Venecia, donde tomaron un aspecto más alegre (Palacio Vendramin). Bramante de Urbino (1444-1514) el que empezó los primeros trabajos de San Pedro de Roma. Andrés Palladio es el constructor de la Iglesia del Redentor, en Venecia. La influencia de Miguel Ángel (a partir de 1550) domina el tercer período. Miguel Ángel dio gran importancia al elemento grotesco, a la fantasía. Continuó las obras de la iglesia de San Pedro (admirable concepción de la cúpula, la mayor que se ha construido jamás; obra desfigurada en el siglo XVII). Los discípulos de Miguel Ángel produjeron obras llenas de fantasía. El gusto por esta fantasía dio nacimiento al estilo barroco (de la vos portuguesa barroco: perlas irregulares).

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

36

LAS GRANDES ESCUELAS ITALIANAS Siena y Florencia.- La pintura.- Bajo Federico II, hacia 1340, una escuela de escultores, la escuela de Apulia, trató de inspirarse en los monumentos romanos, La obra de Nicolás de Pisa da testimonio de ello. Esta tentativa quedó aislada. Y sólo en el siglo XVI es cuando y no se encuentran trazas del estilo gótico, dominando la tradición greco-romana. El primer gran pintor que anuncia el renacimiento de la pintura en Italia es Cimabue, nacido en Florencia, en 1240, y que todavía traduce en sus mosaicos y en sus cuadros la influencia bizantina, pero que fue el maestro y el educador de Giotto. Otro gran pintor netamente influenciado por la tradición bizantina fue Duccio (1260-1339); para componer sus cuadros se inspiró en las crónicas pintadas de la Edad Media. Duccio tuvo varios discípulos: Simone Martini, llamado Memmi, los Lorenzetti, Taddeo Gaddi, cuyas obras rebosan gracia y poesía.

Giotto (1277-1336), que debía aventajar a su maestro Cimabue, rompió con la escuela bizantina para inspirarse en la realidad y en el arte gótico. Sus obras más hermosas son frescos (Vida de San Francisco de Asís, en Padua, iglesia de la Santa Croce, en Florencia). Giotto tuvo numerosos discípulos, uno de ellos genial; Era Angélico (1387-1455), pintor del cristianismo franciscano. El mejor discípulo de Fra Angélico fue Benozzo Gozzoli (1420-1498):

frescos del palacio Riccardi, en Florencia. La obra de Masaccio, llena de fuerza, contrasta con la obra de Giotto y de sus discípulos, algo insabora no obstante su belleza. Las obras de los contemporáneos de Masaccio presentan los mismos caracteres de vigor. Estos pintores: Fra Filipipo Lippi (1406-1469), Verrocchio (1435-1488), que dio gran importancia al paisaje, están influenciados por Donatello. Botticelli (1444-1510) fue un discípulo de Fra Filippo y experimentó la influencia de un gran pintor realista. Antonio Pollaiuolo. Botticelli fue un pintor de genio, verdaderamente original, de obras fuertes y apasionadas. Una de sus obras maestras es la Alegoría de la Primavera. Hay un pintor de particular encanto: Domenico Ghirlandajo (1449-1494; la Visitación). Piero deliaFrancesca (1416-1492) y Signorelli (El fin del Mundo, La Educación de Pan) crearon obras severas y enérgicas. La pintura sienesa y florentina tomó de la Antigüedad el arte del dibujo, conservando el espíritu de la Edad Media. .

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

37

El segundo período del Renacimiento está dominado por Leonardo da Vinci (1452-1519), Leonardo fue sabio inventor y a la vez pintor y escultor. Quedan pocas esculturas de Leonardo En pintura, dejó cuatro obras maestras: La Cena (1497), La Virgen de las Rocas (hacia 1483), La Virgen con Santa Ana (hacia 1502) y La Gioconda (de 1502 a 1506). Muchas otras que se le atribuyen se deben a sus discípulos. La Gioconda está considerada como la obra maestra del arte del retrato. Las Vírgenes de Leonardo están embellecidas, idealizadas y sonríen con una indefinible expresión de dulzura. La Cena muestra todo el talento de composición de Leonardo. Sus dibujos (como La Adoración de los Magos) son obras maestras. Todos los discípulos de Leonardo de Vinci fueron milaneses. La escuela florentina continuó, independientemente de él, con tres artistas: Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto y Miguel Ángel. Leonardo había sabido ejecutar el claroscuro; Fra Bartolommeo (1475-1517) supo emplear tonos brillantes y cálidos y tuvo el arte de la composición (Aparición de la Virgen a San Bernardo). Andrea del Sarto fue más colorista (Nacimiento de la Virgen, La Cena, La Caridad), Florencia ya no produjo grandes artistas hasta fines del siglo XVI. La escultura.-El primer gran escultor florentino es Lorenzo "Ghiberti (1388-1465), autor de bajos relieves tratados a la manera de cuadros y con personajes poco salientes. Donatello (1386-1466), es un gran escultor realista (estatuas de santos, retratos, bajos relieves; San Juan niño, David). Sus personajes son expresivos y armoniosos. Él es, con Ghiberti, el creador de la escultura moderna. En el retrato es realista y en el resto sigue siendo un clásico. Verrocchio (1435-1488) creó la hermosa estatua ecuestre de Colleone. Desiderio da Setignano fue el jefe de una escuela de marmolistas, de obras finas y tristes. Jacopo della Quercia fue el modelo de Miguel Ángel, mientras que Lúea della Robbia lo fue de Rafael, jacopo Tatti (1486-1570) también fue un gran escultor. La escultura florentina es notable por la firmeza de las líneas, y en cuanto al espíritu, está enteramente penetrada de la mística de San Francisco. Miguel Ángel (1475-1564) es a la vez poeta, arquitecto, escultor y pintor, siendo sobre todo escultor, incluso en sus pinturas. Se interesa por el hombre y no por los paisajes, por un gigante musculoso, por las actitudes atormentadas. Su genio guarda cierta relación con el arte de la antigüedad, aunque Miguel Ángel no obedece a ninguna tradición; sus primeras obras maestras lo prueban: La Virgen llevando al Cristo muerto, La Virgen y el Niño, David. Luego, Julio II encargó a Miguel Ángel el decorado de la Capilla Sixtina.

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

38

Allí hizo obras maestras de pintura escultórica (mismo tipo de hombre que en sus esculturas); más tarde, esculpió la tumba de Julio II y de los Médicis. El Juicio Final, de la Capilla Sixtina, ya no contiene nada del sentimiento cristiano. Los discípulos de Miguel Ángel no produjeron nada extraordinario. Adoptaron el gigantismo del maestro, pero sus obras son frías. Benvenuto Cellini (1500-1572) se inspiró en Miguel Ángel para su hermosa estatua de Perseo, Juan de Bolonia (1524- 1608) también-se inspiró en el mismo para su Mercurio. Correggio (1494-1534) sufrió la influencia de Leonardo y de Miguel Ángel; pero fue más sentimental que este último; gustaba del claroscuro, de las figuras sonrientes (Madona con San Jorge, El Matrimonio místico de Santa Catalina, Antíope). Su misticismo nada tiene de austero, Su famoso cuadro, El sueño de Antíope (Louvre), expresa toda la voluptuosidad del Renacimiento. Escuela veneciana.-El arte veneciano es Célebre principalmente por su pintura. En Venecia ejercieron su influencia dos escuelas: la escuela de Múranos y la escuela de Jacopo Bellini (el cual debía mucho a la escuela de Padua, cuyo más grande artista es Mantegna). Antonello de Mesina enseñó a los venecianos la técnica de los pintores flamencos. La pintura veneciana es luminosa y alegre; no tiene nada de ascética ni de triste; se caracteriza por la calidad de su color y, sobre todo, por su luminosidad. Giovanni Bellini (1430-1516), el último de una dinastía de grandes pintores, describe en el curso de su larga vida una curiosa evolución que le lleva del arte primitivo a un arte más moderno. Tuvo numerosos discípulos, entre ellos Giorgione y Tiziano. Crivelli (1430-1494) permaneció con los primitivos; Carpaccio, Conegliano y Giorgione fueron unos pintores delicados y encantadores. El Tiziano, muerto a los 97 años, fue un continuador de Giorgione, gran colorista, con mayor espíritu de inventiva, y con más ímpetu y movimiento. Hizo admirables retratos, entre los que deben citarse: El Hombre del guante, Francisco I y Carlos Quinto. Palma el Viejo es menos original. Las obras de Lorenzo Lotto: (1480-1556) recuerdan un poco las de Correggio. Sebastiano del Piombo (1485-1547) también fue un pintor de talento (Resurrección de Lázaro). El gran pintor veneciano fue Tintoretto (1518-1594), cuyo temperamento recuerda el de Miguel Ángel. Descolló en los contrastes de sombra y de luz (Presentación de la Virgen en el Templo; Origen de la Vía Láctea).

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

39

Pablo Veronés fue el gran pintor veneciano de fines del siglo XVI; dio gran importancia a los colores pálidos. En el siglo XVIII, Tiépolo (1696-1770) continuó en Venecia la tradición del Renacimiento. La escuela veneciana ejerció una influencia profunda y duradera: creación de las escuelas de Verona, Vicenza y Brescia. El Greco, Velázauez, Rubens, Reynolds, Goya, deben a esa escuela buena parte, de sus modelos o de sus técnicas. La escuela de Umbría y Rafael.-La escuela de Umbría deriva de la escuela sienesa. Del siglo XlV, es La Adoración de los Magos, de Gentile da Fabriano (1360-1428). Gentile y Pisanello, grabador de medallas, estuvieron influidos, sin duda, por la escuela flamenca. A fines del siglo XV, Umbría cuenta con dos grandes pintores: Perugino y Betti. Perugino fue, ante todo, un gran colorista, que no supo, expresar bien el moviménto. El Pinturicchio, fue un discípulo de Perugino. Y fue éste quien creó el tipo de Virgen que Rafael hizo famoso. El arte de Rafael se caracteriza por-la suavidad y la ternura. Fue discípulo de Perugino, abierto a todas las influencias (el Matrimonio de la Virgen está pintado con el estilo de Perugino). En Florencia, Rafael, con su maravillosa facultad de adaptación, se inspiró en Leonardo y en Fra Bartolommeo (en esta época fue cuando pintó las vírgenes: La Bella Jardinera, La Virgen del Prado. En Roma, Rafael decoró las Estancias del Vaticano con escenas históricas y religiosas;" mientras decoraba las logias con escenas de la Historia Sagrada (La Biblia de Rafael). En la misma época, secundado por sus discípulos, y principalmente por Julio Romano, componía grandes cuadros y hacía retratos. Decadencia italiana.- Desde la muerte de Miguel Ángel, ya no hubo regresión sino siempre evolución, pero evolución hacia un arte menos puro, un arte en decadencia. El arte está impregnado de sentimentalidad y tiende al efectismo; está influenciado por el estilo jesuítico. Además, los artistas sólo piensan en imitar a los hombres del Renacimiento. También imitan la Antigüedad. A la muerte de Miguel Ángel, Bolonia pasó a ser el centro artístico de Italia, floreciendo allí la escuela de los «manieristas» (imitación de Miguel Ángel). Luego, Luis Carracci fundó la' Academia de los Encaminados, cuyo propósito consistía en tomar de cada pintor lo mejor que tuviese (Álbano, Guido Reni, Dominiquino). Caravaggio (1569-1609) reaccionó contra los eclécticos y proclamó la vuelta a la Naturaleza. Tuvo el mérito dé renunciar al idealismo (La Muerte de la Virgen).

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

40

EL RENACIMIENTO FRANCO-FLAMENCO

Arquitectura.- El arte italiano ejerció considerable influencia en Francia; después de las guerras de Italia, la civilización italiana fue allí conocida y admirada. Varios artistas italianos se establecieron en tierra francesa; Francisco I fundó la escuela de Fontainebleau. Estilo Renacimiento corresponde en Francia al siglo En los comienzos del Renacimiento, como en Edad Media, en los monumentos se ven torres e inclinados; el nuevo estilo aparece en el decorado, y no en la construcción. Hacia mediados del siglo XVI, el estilo se depura, acercándose al estilo italiano. En el Renacimiento francés distínguense tres estilos: 1° Estilo de transición, entre el gótico flamígero y el estilo Renacimiento, El decorado se inspira en la Antigüedad, la construcción es gótica o inversamente. Los elementos franceses y los elementos italianos, subsisten unos junto a los otros y sin penetrarse (un ala del castillode Blois, castillo de Amboise, castillo de Chateaudun). 2o Estilo Francisco I, La ornamentación antigua invade todo el monumento. Las ventanas son numerosas y están encuadradas de pilastras. Entre- esas pilastras los muros están unidos. Todos los castillos del Loire son de esa época. 3o Estilo Enrique II, La construcción en sí se vuelve clásica. Hay una regularidad y una armonía perfectas en las construcciones, las cuales acusan en cambio cierta frialdad.

Filiberto Delorme inventa el orden francés: la columna con sortija (castillo de las Tullérías). En la construcción de un mismo monumento se emplean los tres órdenes, dórico, jónico y corintio. La obra importante de este período es-la refección del palacio del Louvre. Escultura y pintura.-Escuela flamenca.- En la época del Renacimiento, existen estrechas relaciones entre Flandes, la Borgoña, Francia e Italia (causas políticas). Después de 1420, es en la Borgoña donde hay que estudiar la escultura y la pintura francesas, la escuela burguiñona, que no es sino una rama de la escuela flamenca. El arte gótico se había desarrollado en

Flandes con extraordinaria riqueza. A fines del siglo XIV, un flamenco, Claus Sluter, dejó en

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

41

la Borgoña obras admirables, expresivas y realistas (pórtico de la Cartuja de Champmol, el poso de Moisés, en Dijón). Más av anzada que Italia en escultura, la Borgoña también estaba más adelantada en pintura y en el arte de la miniatura, de la misma época datan el Libro de Horas de los hermanos de Limburgo, y la Trinidad del pintor Manuel. Durante todo el siglo XV, se establecieron relaciones entre Flandes e Italia. Italia influenció a Flandes, en tanto que éste no dejaba de ejercer cierto ascendiente sobre Italia, Las grandes obras de escultura fueron las tumbas de los duques de Borgoña, en Dijón y en Brujas, y la tumba de Felipe Pot (Louvre). Flandes destacó principalmente por su pintura. Los italianos reconocían, la superioridad de los flamencos en pintura (para la expresión de la vida). La primera obra maestra del Renacimiento flamenco fue La Adoración del Cordero, de Huberto y Juan Van Eyck. Juan Van Eyck (1385-1441) fué uno de los más grandes retratistas de todos los tiempos. Representa la vida con un genio sin igual (Arnolfini y su Esposa, la Madona del Canónigo Van de Paele). Obras maestras como la Virgen de los Cartujos, San Francisco recibiendo los estigmas, son de uno u otro de los dos Van Eyck. Con los Van Eyck se relacionan Alberto Van Ouwater (autor de La Resurrección de Lázaro) y Thierry Bouts (1410-1475). Las obras de Thierry Bouts son de una notable intensidad de tonos. Van der Weyden recuerda a los Van Eyck por su técnica, pero contrariamente a ellos trata de representar lo patético (Descendimiento de la Cruz). A fines del siglo XV, la escuela flamenca produce varias obras maestras: obras de Jacobo Daret, Simón Marmión, Hugo van der Goes, Memling, autores de notables retratos. Ya se encuentra una influencia italiana en las obras de Gerardo David y de Quintín Metsys (1466-1530). Luego, los flamencos (en estrechas relaciones con Italia) producen obras sin originalidad (realismo flamenco mezclado con el idealismo italiano; fines del siglo XVI). Jerónimo Bosch y Breughel el Viejo todavía son pintores realistas originales. Del primero, hay un impresionante Ecce Homo en El Escorial; del segundo, la curiosa Parábola del ciego, en el Louvre. Escuela francesa.- La escuela francesa propiamente dicha presenta caracteres análogos a los de la escuela flamenca. Aviñón fue un centro de arte italiano (La. Pietá, de Villeneuve). Froment, de Aviñón, es el autor de El Zarzal ardiente. Juan Fouquet (1415-1485) fue un gran miniaturista; dio celebridad a la escuela de la Turena, La escuela del Corbonesado tiene cierta originalidad, aunque imita a los flamencos y a los italianos (Natividad, en el obispado, de Autún). Juan y Francisco Gloüet, de origen holandés; fueron unos retratistas, qué se distinguen por su finura y su distinción. Ambos eran pintores oficiales del rey Francisco I. La escultura francesa, a ejemplo de la escuela de Italia, fue interesante y original: obras de Miguel Colombe (tumba de Francisco II de Bretaña). Germán Pilón (Las Tres Gracias),

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

42

Bartolomé Prior, Juan Goujón, el más dotado de todos ellos (Diana, Ninfas de la Fuente de los Inocentes, en París).

EL RENACIMIENTO ALEMAN

Hacia 1360 se desarrolla en Praga la primera escuela de pintura alemana que conocemos, y cuyos pintores más célebres fueron Wilhelm y Stephan Lochner. Durante la segunda mitad del siglo XV, los cuadros de Colonia revelan una tendencia al realismo. La escuela renana, no Obstante guardar cierta originalidad, depende de la escuela flamenca; las obras de esta escuela son numerosas; su arte es realista. La escultura en madera adquiere gran desarrollo; trabajo de estilo gótico (obras de Veit Stoss y Adam Kraft). La pintura se inspiró frecuentemente en esta técnica. Nuremberg tuvo escultores en bronce (los Vischer). El maestro de la escuela de Sonata fue Martín Schongauer. (1450-1491), pintor y grabador en madera y en cobre. Los grandes pintores de Augsburgo son Burgk mair y Holbein el Viejo. Nuremberg es la gran ciudad artística de la Alemania del siglo

XVI. El gran maestro es Miguel Wohlgemuth. En el siglo XVI, Alemania tuvo tres grandes artistas: Alberto Durero, Hans Holbein y Lucas Cranach. Alberto Durero (1481-1528) fue discípulo de Miguel Wohlgemuth. Desarrollaba una actividad literaria, además de la artística. Visitó Venecia y los Países Bajos. Al principio de su carrera pintó admirables retratos (retrato de Qnvald Krell). Sus obras maestras son el retrato de Holzschuher y Los Cuatro Apóstoles, de la Pinacoteca de Munich (San Juan, San Pedro, San Marcos y San Pablo), obra notable por su sencillez. Fue genial en tanto que alemán pero no logró imitar lo antiguo. Es muy superior a los italianos en el grabado (El Descanso en Egipto, San Jerónimo en su celda, etc.), donde alcanza una extraordinaria firmeza de dibujo. Dos de sus discípulos: Hans de Kulmbach y Albrecht Altdorfer, tuvieron positivo talento. Holbein (1498-1543) es el más elegante, el más italiano de los grandes pintores alemanes. Su obra maestra es la Virgen de Darmstadt. Es célebre por sus retratos y por sus grabados (retrato de Erasrno). La influencia de Holbein fué considerable en Holanda y en Francia. La pintura de Lucas Cranach es más ruda y más seca. Contrariamente a los otros maestros alemanes, pintó el desnudo. Era amigo de Martín Lutero y fue el pintor oficial de la Reforma. Mathias Grunewald y Hans Baldung Grien, el mejor colorista de la escuela alemana, pintaron para la abadía de Issenheim, cerca de Colmar, un retablo admirable. El segundo fué un gran artista, de la misma familia que Grünewald, pero de menor importancia. Vivió en Estrasburgo. Joes van Cleve, llamado el maestro de la Muerte de

ESCUELA DE ARQUITECTURA

CURSO: HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQUITECTURA II

LIC: HUMBERTO BONIFACIO RANDICH

43

María, es un pintor de Amberes, que fue a Colonia en 1515 y dio brillo a esa escuela; tuvo por discípulo al gran retratista Bartolomé Bruyn (autor del Hombre del Clavel). A fines del siglo XVI, el arte alemán cae en decadencia (imitación de Italia; guerras religiosas).

La escuela holandesa

Una escuela de pintura holandesa se formó a principios del siglo XVI en tomo a la ciudad de Leyde. El más grande artista de esa escuela fue Lucas de Leyde (1494- 1533), autor de un Juicio Final. Jacob Cornelisz y Juan van Scorel son unos artistas de talento. Lo que se desarrolla en Holanda es el arte familiar, y ese país conserva su originalidad, gracias en parte a su ruptura con Roma (movimiento de la Reforma).