Edson Granados Chuco

Institución Educativa

“Nuestra Señora del Rosario”

II . Bimestre

Dibujo

Pintura

Area

Arte

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Las estudiantes necesitan en el hogar el complemento de la comprensión de los objetivos de las artes plásticas. los padres deben estar enterados que cuando las estudiantes rea l izan tareas de ar tes plásticas lo hacen como un medio para la formación de su personalidad pero que no se pretende hacer de él a una artista.Aunque algunas estudiantes tenga habilidades innatas para el arte, no es proposito de la educación hacer de ella una artista, pero si ayudarlo en el desarrollo de dicha habilidad.

Los padres de familia tienen que saber que cuando las estudiantes dibujan, pintan, recortan, pegan, etc., lo hacen como un ejercicio para promover su creatividad, para buscar su originalidad, para ayudarlo a solucionar un problema por mas pequeño que sea. es por estas razones que el padre de familia no debe esperar de estos trabajos un resultado artístico cada vez mejor estéticamente.El hecho que las estudiantes realicen algunas de las actividades de artes plásticas, en forma

libre y espontanea, es un gran logro hacia la formación de una personalidad autónoma y original.Cuando las es tud ian tes e m p i e z a n a a c t u a r e n act iv idades de las artes p lás t i cas s in temor, de síntomas de su personalidad se esta formando en un sentido libre e independiente que no requiere la ayuda de otros para desenvolverse.

Es deber de los padres de familia proporcionar a las e s t u d i a n t e s t o d o s l o s materiales, las oportunidades y el ambiente necesario para la realización de sus trabajos c r e a t i v o s e n l a s a r t e s

plásticas.Recordemos que cuanto mas trabajos creativos realizan cada una de las estudiantes , tendrá mayor posibilidades de desarrollar su pensamiento libre y creativo.Es muy importante que los padres de familia comprendan que las artes plásticas constituye solo un medio para la formación de la personalidad de sus hijas.

Los padres de familia frente al arte

Aspectos y consideraciones a tenerse en cuenta para cada claseEl dibujo - I

Lee cuidadosamente el texto referente al dibujo y realiza un organizar en forma creativa.

Practica en el aula cada uno de los trazos en el dibujo.

Dibuja una imagen de tu preferencia utilizando la técnica lineal.

El arte precolombino - II Lee muy atentamente en tus horarios libres sobre

las diferentes culturas desarrolladas en nuestro país.

Organizate con tus compañeras en el aula y realiza un organizador creativo y libre (1 por grupo - Exposición).

Ensaya en tu casa con el lápiz 2b, formas geométricas, lineales en el papel milimetrado (dibujo previo).

Plasma una imagen teniendo en cuenta la propuesta de los diferentes diseños precolombinos en su composición (en el papel milimetrado) en el aula.

El bodegón - III Lee muy atentamente el texto y realiza un resumen. Realiza una composición de un bodegón con los

utensilios y objetos que encuentres en tu casa conjuntamente con tus padres, tomalas una foto e imprimelas para luego dibujarla y pintarla en tu sketch book en el aula.

Estudio del color - IV Realiza un organizador en tu cuaderno referente al

estudio del color. Practica en forma individual en el aula con los

colores complementarios (realiza una imagen). Practica en forma individual en el aula con los

colores análogos (realiza una imagen). Practica en forma individual en el aula con los

colores fríos y calidos (realiza una imagen).La pintura en el lienzo - V

Elabora un lienzo de 30 x 40 cm., con el apoyo de tus padres.

Realiza un boceto referente a las diferentes actividades cotidianas que realiza tu familia en la sociedad.

Pinta la imagen del boceto y realiza el proceso del manchado.

Empasta y da volumen a la imagen a través de la técnica de la tempera en su lienzo.

El arte es el uso de la habilidad y la imaginación, para crear objetos, experiencias, melodías o entornos con el fin de lograr el placer estético en el observador. Se dice tradicionalmente que el arte alimenta el alma, y quienes realizan esta afirmación no se equivocan. Al ver una obra de arte, uno se siente conmovido por ella, y puede llegar a sentir que se está transportando a otros lugares y tiempos, reales o imaginarios; el arte provoca sobrecogimiento. Se dice que la capacidad de distinguir lo hermoso de lo feo es una habilidad humana innata, pero la verdad es que los valores estéticos cambian de cultura en cultura, y algunos pensadores se han referido a la definición del arte como uno de los problemas más grandes de la filosofía; por lo mismo el arte y su percepción siempre serán subjetivos.

Qué es el Arte

Qué es las artes plásticasLas artes plásticas son el trabajo con materiales moldeables o que tienen "plasticidad" y al manejarse con diferentes técnicas ayudan a expresar la idea que se quiere comunicar.

Las artes plásticas es formar y conformar ideas con distintos materiales mediante acciones como la pintura y el dibujo (gráficas), y la arquitectura y escultura (plásticas); es decir, las artes plásticas representan un conjunto de acciones y actividades de tipo gráfico-plástico, en donde intervienen la vista y el tacto para apreciarlas y estimularl nuestra imaginación y pensamiento.

Figura - fondoLey de la psicología de la forma, establece la tendencia a subdividir la totalidad de un campo de percepción en zonas más articuladas (figuras) y otras fluidas y desorganizadas que constituyen el fondo. Según esta ley, toda superficie rodeada tiende a convertirse en figura en tanto que la restante actuará como fondo.

ImagenSuele l lamarse imagen al conjunto de las representaciones que tenemos de las cosas. En alguna medida imagen y representación son sinónimos y se refieren a los diversos tipos de aprehensión de un objeto presente, la representación de percepciones pasadas, estar ligado a la imaginación en la libre combinación de percepciones pasadas o a la alucinación. Las imágenes o representaciones pueden ser acústicas, ópticas, eidéticas, no eidéticas, afectivas, volitivas, etc.

ProporciónLa proporción o canon es una relación de medidas armónicas entre las partes componentes de un todo, tanto como la distancia armoniosa entre parte y parte. Estas r e l a c i o n e s d e m e d i d a s o n encontradas en el mundo orgánico e inorgánico pero tales relaciones matemáticas no se expresan de manera mecánica, la relación existe pero las formas exhiben una serie de pequeñas variaciones dentro de la relación general lo que contribuye a la belleza y la vitalidad.

PlanoDesde el punto de vista geométrico, el [Plano (geometría)|plano]] puede ser representado sobre una superficie pero en el espacio no es posible representarlo sin espesor, tiene que existir como material. En este caso, si el alto y el ancho predominan con respecto al espesor percibimos la forma como un plano. Hay dos tipos de plano: el plano regular y el plano irregular; el plano regular se refiere a que tiene una forma definida como, por ejemplo, las figuras geométricas; y el plano irregular es aquella figura que no tiene su forma bien definida, como puede ser una manchas o un garabato.

MovimientoEs el foco de atención más fuerte en una comprensión.Sugerencia que logra en un orden plástico debido a la aplicación, en la organización, de determinados fundamentos visuales: destino común, buena dirección, agrupamiento, secuencia l ineal , transponibilidad, progresión, alternancia, etc.Tensión existente entre varios elementos formales o lineales y el campo que los contiene, a través de la cual las figuras son atraídas, repulsadas o aquietadas

provocando la sugerencia del movimiento o desplazamiento.

CroquisDiseño rápido y ligero que se hace de un terreno, de un paisaje, de una posición militar, etc., sin valerse de instrumentos ni aparatos geométricos en forma de dibujo y como tanteo o preliminar de algo que puede completarse.A pesar de ello un croquis no carece de mérito. Incluso algunos, realizados por grandes artistas, se consideran actualmente como obras de gran valor, debidamente apreciadas y con categoría de producciones artísticas. Son famosos, por ejemplo, algunos croquis de Rafael, Rubens, Leonardo Da Vinci, etc.

BocetoEn pintura, es la plasmación de la primera idea del artista, realizado en un borrador, es decir, en una

superficie apta simplemente para trazar unas líneas y dar unos colores, todo de forma rápida, y con el único objetivo de conocer el objeto que ha de producir la obra definitiva.

TonoColor in tegrado en todas sus dimensiones.Se denomina también tono a la escala resultante de un color mezclado sea con blanco, negro o gris, es decir, al matiz o bien con su color complementario.

Escala de valoresEs el orden de los gradientes que se encuentran entre los extremos máximos. En este caso se refiere sólo a variaciones crecientes o decrecientes de claridad, ubicadas entre polos de claridad u

oscuridad.

TonalidadEs la resultante de diversas relaciones del tono, conceptuado en todas sus dimensiones, que por su organización tienden a provocar un tipo tal de orden de color que se manifiesta moviéndose hacia la armonía, el contraste o la relación de temperatura.Frente a un cuadro siempre se hace referencia a la tonalidad dominante, sea armónica, por predominio de un solo color (monocromático), por predominio de un color al cual los otros tienden a asemejarse por mezcla (tonalidad rojiza, azulada, etc.), tanto como por su oposición (contraste), o por su temperatura (tonalidad cálida o fría). Puede darse también en valores de grises.

ValorGrado de claridad u oscuridad de un color (blanco y negro), debido a la presencia de blanco o negro en el mismo. El valor no depende del color en sí, sino de los tonos cercanos: por ejemplo el amarillo, es un color muy claro, tiene un valor inferior a un verde o violeta.

Conceptos en las artes plásticas

El dibujo es la representación, sobre una superficie, de la forma de los objetos; o sea, el conjunto de las líneas y contornos de una figura. La forma puede representarse de dos maneras principales: por la proyección y por la perspectiva.

Si de un punto situado en el espacio se baja sobre un plano fijo una perpendicular, el pie de ésta es la proyección del punto sobre el plano en cuestión: si bajamos perpendiculares de todos los puntos del

sól ido u otra figura, la ser ie de puntos determinados sobre el plano constituirán la proyección de dicha figura.

La perspectiva consiste en representar en una superficie, por vía geométrica o simplemente intuitiva y práctica, los objetos en la forma y disposición con que aparecen a la vista, habiendo experimentado las alteraciones de apariencia y proporción relativa que la ubicación y la distancia les hacen sufrir.

Qué es el Dibujo

Tip

os

de

dib

ujo

De acuerdo con lo que se desea representar o hacia donde se debe enfocar, el dibujo se clasifica en:

Dibujo Artístico: El "Dibujo Artístico" se define como el tipo de dibujo que sirve para expresar ideas filosóficas o estéticas así como sentimientos y emociones. El artista cuando dibuja cosas, las dibuja tal como las ve emocionalmente de acuerdo con su propia y peculiar manera de percibir la realidad de su entorno. Este tipo de dibujo requiere aptitudes especiales como las personales y naturales.

Dibujo Técnico: Se dice que el "Dibujo Técnico" es el lenguaje gráfico universal técnico normalizado por medio del cual se manifiesta una expresión precisa y exacta y, su objetivo principal es la exactitud precisamente. Las aptitudes para esta clase de dibujo por lo general son adquiridas, es decir, que se llega a él a través de un proceso de conocimiento y aprendizaje. Que se subdivide en "Dibujo Técnico Especializado", según la necesidad o aplicación los más utilizadas o difundidos en el entorno técnico y profesional. Cada uno se caracteriza porque utiliza una simbología p rop ia y espec ífica genera lmen te normalizada legalmente.

Dibujo Mecánico: El dibujo mecánico se emplea en la representación de piezas o par tes de máquinas, maquinar ias, vehículos como grúas y motos, aviones, helicópteros y máquinas industriales. Los planos que representan un mecanismo simple o una máquina formada por un conjunto de piezas, son llamados planos de conjunto; y los que representa un sólo

elemento, plano de pieza. Los que representan un conjunto de piezas con las indicaciones gráficas para su colocación, y armar un todo, son llamados planos de montaje.

Dibujo Geométrico: Es aquel que se representa por medio de gráficas planas. Dibujo geométrico constituye un verdadero y novedoso sistema de enseñanza estructurado para garantizar, tanto al alumno de los primeros años de las Escuelas Técnicas como a los de las Facultades de Arquitectura e Ingeniería -bachilleres o peritos mercantiles- un rápido manejo y posterior dominio de la mano sobre el plano.

Dibujo Arquitectónico: Al introducirnos en el dibujo arquitectónico nos ubicamos en la concepción visual que altera el paisaje urbano, los espacios físicos de una obra o infraestructura civil y que es elaborada a escala de reducción para luego ser representada a una escala real o natural, tiene como finalidad ayudar al hombre en su contexto social, cultural e interdisciplinario con su ambiente, forma parte de lo que en fenomenología explica el porque, según las experiencias humanas, se logra una mejora en la calidad de vida. La arquitectura ayuda a moldear la forma de vida de una sociedad y del individuo colectivamente.El dibujo arquitectónico, abarca una gama de representaciones gráficas con las cuales realizamos los planos para la elaboración de edificios, casas, quintas, autopistas etc...Se dibuja el proyecto con instrumentos precisos, con sus respectivos detalles, ajuste y correcciones.

I

Para realizar un buen dibujo no es suficiente con coger el lápiz correctamente y mover la mano de la forma adecuada; también hay que conocer las técnicas que se utilizan habitualmente para realizar trazos. Los ejercicios que le proponemos a continuación, le serán de gran utilidad para practicar las principales formas de trazado.

Trazado paralelo. Coja un lápiz de grafito 2b, colóquelo de lado para dibujar con la cuña ladeada y pruebe a realizar una sucesión de líneas como las que se pueden ver en la figura 1.

Sucesión de trazos con líneas gruesas. Para conseguir trazos más gruesos, coja el lápiz SG de forma horizontal y dibuje con la parte de la mina que tenga la cuña más ancha. Como puede verse en la figura 2 se trata de que realice una serie de franjas de trazos verticales y continuos, procurando que el ancho de las franjas sea el mismo.

D i b u j a n d o h o r i z o n t a l e s , v e r t i c a l e s y diagonales . Coja ahora un lápiz SG y d i b u j e d e f o r m a sucesiva grupos de líneas horizontales,

diagonales y verticales, tal como podemos ver en la figura 3 este es un ejercicio de gran importancia para poder lograr luego el cálculo ajustado de la línea, así como el dominio del trazo al dibujar las formas.Dibujo de bucles. Coja el lápiz inclínelo, y dibuje una ser ie de bucles como puede ver en la figura 4. Se trata de que con esta sucesión de bucles, rellene e l cuad ro i n ten tando c o n s e g u i r u n t r a z o continuo.

Realizando un degradado con bucles. Se trata de que realice mediante un constante garabateo circular, un degradado en sentido horizontal. Para conseguirlo es importante que la combinación de

garabateos de lugar a un perfecto degradado, mediante la continua superposición de unos bucles sobre los otros. Fig. 5.

Dibujando un grisado. Es la forma más sencilla p a r a c r e a r s o m b r a s . Actuando el codo como eje y moviendo la mano de un lado a otro, conseguirá presionando con el lápiz, u n a m a y o r o m e n o r intensidad y lograra una gradac ión v igorosa o suave para lograr un sombreado un i fo rme, s implemente se debe mantener una presión constante con el lápiz SG para realizar sombreados uniformes en zonas amplias, se debe utilizar la zona plana de los

lados del lápiz figura 6.

Grisados con trazo cruzado. Tal como su nombre indica, el trazado cruzado consiste en la superposición de líneas en direcciones distintas. Figura 7.

L í n e a s en forma

de voluta. Se trata de dibujar una serie de volutas, casi levantar el lápiz del papel, mediante un volteo del lápiz a modo de latigazo fig. 8.

D i b u j a n d o circunferencias. El ejercicio consiste en realizar el mayor número de circunferencias sin prácticamente levantar el lápiz del papel, intentando que todas ellas sean lo más parecidas posible fig. 9.

R e a l i z a c i ó n d e u n grisado degradado . Con el lápiz SG realice un grisado horizontal presionando con el lápiz de más a menos. Como podemos ver el resultado de la fig. 10 es el típico grisado degradado.

Primeros trazos en dibujo

1

2

3

7

4

8

5

9

6

10

A continuación podrás realizar imágenes como (paisajes, flores, frutas, utensilios, etc)

El arte precolombino es la manera como se designa al conjunto de realizaciones artísticas e intelectuales como escultura, arquitectura, arte rupestre, cerámica, textil, metalistería y pintura realizadas en el continente americano durante el periodo precolombino en América. Este es el elemento principal que permite el conocimiento y r e c o n o c i m i e n t o d e l a s c i v i l i z a c i o n e s precolombinas, la prueba de su nivel de desarrollo y la capacidad de transformación de su medio ambiente. Para literatura y poesía consultar poesía precolombina.A diferencia de los de Mesoamérica, las primeras grandes ruinas en el Área Andina Central antes de la fecha de descubrimiento de la cerámica. Período pre-cerámico en el valle de Chicama de la costa norte del Perú en Huaca Prieta, monumental ceremoniales fueron construidas sobre montículos de 2500AC. Altamente

cualificados de tejido de algodón se ha encontrado en este sitio, así como las calabazas talladas con motivos geométricos estilizados. Otro sitio de pre-cerámica en la costa norte es Las Haldas, donde quizá la primera verdadera plataforma de pirámides y templos en las Américas de la tierra se construyeron sobre 1800AC. El Paraido, o Chuquintanta, en la costa central peruana, es la región más grande del pre-cerámico excavado sitio. Diversos complejos residenciales de barro y piedra fueron construidos apilando las habitaciones y terrazas en un otro, como en el Pueblo ciudades del suroeste de los Estados Unidos. Otro importante sitio pre-cerámico es Kotosh en el norte del Perú. En Kotosh, terrazas templos eran de Fieldstone fijado en la tierra de arcilla y decorados con relieves de manos cruzado.

CHAVÍN Entre 1200AC y sobre 200DC, en la sierra norte del Perú, centro ceremonial de Chavín de Huántar, una civilización que floreció en paralelo en muchos aspectos la civilización contemporánea Olmeca de Mesoamérica. Ambos fueron los principales principios de las civilizaciones en sus zonas arqueológicas, y ambas utilizan imágenes de felinos en su iconografía sagrada. Parece que la influencia artística de Chavín no se extendió por militares sino por los esfuerzos intelectuales y religiosas. Desde Ecuador hasta el sur de la costa del Perú, la prueba sigue siendo de Chavín influencia artística e iconográfica. Chavín de Huántar se compone de una serie de plataformas y templos con bóvedas Corbel en algunos de los corredores. La escultura de piedra más finos en la zona andina central se encuentra en Chavín de Huántar Chavín o relacionados con sitios como Cerro Blanco y Cerro Sechín. A diferencia de los olmecas y otros mesoamericanos, sin embargo, la peruana Chavín y posteriormente creó civilizaciones muy poco independiente de escultura de piedra o incluso figuritas de arcilla. Chavín someras de alivio de la talla alcanzó su apogeo en los expresivos estilizado diseño rectilíneo de la estela de piedra llamado Raimondi. Probablemente originarios en el norte del Perú, el estribo buque-pico-a puerta cerrada con un hueco de la olla en forma de U coronada por un asa tubular de caño-fue la más característica forma de cerámica Chavín. Olmecas se asemeja a la cerámica, la cerámica fina de Chavín fue producida en lugar de avanzada en el principal centro ceremonial. En la costa norte del Perú, en los valles Cupisnique, Chongoyape y Tembladera, muy logrado ollas efigie se hicieron con diseños abstractos y realistas. Desarrollados y la metalurgia Chavín sobresalido a hacer de oro martilladas, o repoussé, objetos de adorno corporal. Las características propias de la metalurgia de la cultura Chavín se corte placas decorativas que se adjunta a las prendas de vestir, y de alta coronas cilíndricas con relieves mitológicos, que fueron usados por la nobleza de Chavín.

El arte Precolombino II

Aguila harpíaChavin

Dios Chavin

PARACAS Otra civilización desarrollados de alrededor de 1100 a 200DC en Paracas de la costa sur del Perú. Debido a la extrema aridez del área, los textiles de Paracas se han conservado perfectamente. Enterrados en tumbas del desierto, las momias fueron agrupados con capas de tela que se teje o p in tadas con d iseños comple jos o elaborados bordados. Ollas efigie se encuentra también en la necrópolis de Paracas. Muchos de estos muestran la influencia de Chavín distinta, especialmente en el uso culto del felino-iconografía. La costa sur peruana de arte siempre ha sido más influenciados por diseños textiles esquematizados, en lugar de la arcilla y escultura de metal que promueven el realismo del arte del norte de Perú. La decoración de la cerámica de Paracas, por lo tanto, es muy estilizado, con frecuencia incisión, brillantes y policromada. Los barcos fueron a menudo el doble de boca y de fondo redondo, en vez de estribo y de boca plana basada en la costa norte, como las ollas.

MOCHE Entre unos 200AC y DC700 una sociedad militarista floreció en la costa norte del Perú. Anteriormente el nombre de su lengua, Mochica, esta civilización se ha mencionado con el nombre de sus principales sitios ceremoniales administrativos, de Moche. Centrada en dos grandes terrazas plataforma pirámides de ladrillo cocido al sol, Moche Perú es uno de los más monumentales. A pesar de que una sociedad guerrera, los Moche muestran ninguno de los espartano gusto o desdén por el lujo que caracteriza mesoamericana tolteca. Tumbas de Moche se llenaron con algunos de los más competentes de cerámica y en metal de la zona andina central. Cerámica Moche, el más conocido de los antiguos peruanos artefactos, se encuentran entre los mejores precolombinas logros escultóricos de realismo y la narrativa dibujo. Llamada retrato de cabeza efigie ollas son especialmente notables por realista que representan rasgos humanos y que representan la emoción. En otros la alfarería Moche curvas paredes de los vasos están decorados con escenas dibujadas con dinámica delicadas líneas estilizadas y que muestra esta gente religiosa y la vida militar.Moche metal más ornamentada y tecnológicamente avanzado que el de civilizaciones anteriores. Órgano adornos de oro, plata, cobre y aleaciones fueron frecuentemente con incrustaciones de turquesas y lapislázuli. Patrones geométricos y motivos mitológicos, especialmente los felinos deidad.

NAZCA Nazca de la costa sur del Perú alrededor de la región fueron contemporáneos con los Moche. Al igual que sus predecesores Paracas, Nazca producido poco la arquitectura y destacó que en los textiles y cerámica con diseños estilizados de colores que contrastan bruscamente con el realismo y el sujeto del color de la cerámica del norte peruano. Nazca es tan exuberante cerámica policromada con valentía, ya que es

d i s e ñ a d o y p r e p a r a d o . I n c i s i ó n d e Paracas ya no se utiliza, y el color se aplica antes (en lugar de después) de l a c o c c i ó n . Aunque tanto la de Moche y el hecho de Nazca ollas modelo que

c o m b i n a b a elementos y los dibujos, las esculturas de c e r á m i c a M o c h e preferido, y la d e N a z c a , pintado. Entre las más en igmát icas de todos los r e s t o s precolombinos son las líneas de Nazca. Estos son los dibujos en la tierra de formas geométricas, animales, aves y peces que pueden ser plenamente reconocidos sólo desde el aire. Ciertamente ceremonial en el uso, el recordar las imágenes pintadas en la cerámica Nazca. Ellos se hicieron mediante la eliminación de la superficie oscura superior piedras para revelar un sustrato ligero.

TIAHUANACUTiahuanacu es un sitio de Bolivia en el sur del altiplano andino central, cerca del Lago Titicaca. Aunque Tiahuanacu se liquidó ya en alrededor de 200DC, era de entre 600 y AC200 que este complejo urbanístico se convirtió en el centro de otro importante período de la civilización clásica. En Tiahuanacu el arte y la arquitectura se hace hincapié en la austeridad, el control y la permanencia. Motivos decorativos y las imágenes religiosas son rígidamente estilizada. Ambos edificios y la escultura se caracterizan por un efecto monumental y monolítica apariencia. La puerta del Sol en Tiahuanacu está cortado desde una sola piedra y ornamentado con decoración finamente ejecutadas de socorro, y sólo 3,7 m (12 pies) de altura, parece más monumental a causa de su diseño. Dispersos en toda la zona de Tiahuanacu se pillarlike estatuas monolíticas que alcanzan alturas de más de 6 m (más de 20 pies) y están decoradas con de ta l les de ba jo relieve. La cultura de Tiahuanacu es uno de los pocos en la zona andina central se comprometió con un amplio uso de la piedra para la arquitectura, e s c u l t u r a y o b j e t o s ceremoniales.

HUARI El Huari (Wari) comparten u n a r e l i g i ó n y l a i c o n o g r a f í a c o n e l Tiahuanacu, pero fueron separados. Entre unos 750 y 1000DC el Imperio Huari pone fin a la peruana regionalismo, con lo que la preparación de la unificación cultural de los Incas período. Al igual que el de Moche, Huari fueron el guerrero sociedad que aprecia el arte y el diseño fino. Costeras culturas Huari (anteriormente denominado costeras Tiahuanacu) producidos textiles de la más alta calidad. Muchos de los patrones, especialmente para los ponchos, eran abstracciones de los motivos pintados en

T i a h u a n a c u cerámica. Aunque menos refinada que T i a h u a n a c u cerámica, alfarería H u a r i d e s t a c ó sólida construcción, de diseño audaz, y el uso de una rica policromía.

INCA El Inca, que se l lamaban a s í mismos Tawantinsuyu, gobernado desde Cusco un imperio extendido entre Ecuador y Chile. Un pueblo guerrero del altiplano, los Incas preferido una estética que fue sencillo, decorados y escasos, y funcional. Debido a que el Inca fueron los nativos americanos que conquistó el español, su cultura es la zona andina central de la civilización que más se conoce, sin embargo, c o m o o c u r r i ó c o n l o s t e s o r o s d e s u s contemporáneos de Mesoamérica, los aztecas, incas muchos artefactos fueron destruidos por los españoles, de la codicia por el oro y la plata o de la militancia cristiana. Highland ciudades como Inca de Machu Picchu eran cuidadosamente planificada para armonizar con el paisaje, tanto a través de la utilización de materiales autóctonos y la arquitectura a través de

la repetición de las formas naturales circundantes. Estructural entre los más logrado en el período precolombino, Inca edificios fueron construidos con cuidadosamente en forma de, precisamente provistos de mampostería de piedra que se dejó undecorated. Puertas y ventanas trapezoidales se característica.El Inca producido a gran escala ni independiente ni estatuas escultura arquitectónica. Figurillas de metal y pequeños tazones ceremoniales de piedra en forma de llamas y alpacas se encuentran entre los mejores ejemplos de su escultura. Cerámica inca, como la de los Chimú, fue producido en masa, pero fue menos distinguido. La forma más característica es la de la aryballos, un recipiente para llevar policromada líquidos. En tanto los textiles y el metal, el Inca continuó la tradición andina central de alta calidad de diseño y ejecución.

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El bodegón

Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que representa objetos inanimados, generalmente extraídos de la vida cotidiana, que pueden ser naturales (animales, frutas, flores, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) en un espacio determinado. Esta rama de la pintura se sirve normalmente del diseño, el cromatismo y la iluminación para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía.

También, es una pintura que representa objetos sin vida en un espacio determinado, como animales de caza, frutas, flores, utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, etcDesde el descubrimiento de la fotografía en el siglo XX se ha convertido el BODEGÓN o NATURALEZA MUERTA también en una rama muy explotada en este género artístico.

TIPOS DE BODEGONES o NATURALEZAS MUERTAS

-BODEGÓN o NATURALEZA MUERTA, (Putrefacción de lo Natural) ”Elementos naturales que en algún momento han vivido o se convertirían en algo vivo y que ahora es solo cuest ión de t iempo para que acaben descompuestos y podridos, como es el caso de los huevos, la carne o el pescado congelado”.

-BODEGÓN o NATURALEZA MUERTA, (Naturaleza Eterna) "Seres que en algún momento tuvieron vida y que una vez muertos quedan disecados o petrificados para la eternidad, por ejemplo un fósil de caracol, los esqueletos de los erizos de mar y las perlas”.

-BODEGÓN o NATURALEZA MUERTA, (Metáfora del Recuerdo) "Elementos artificiales que recuerdan al pasado y producen nostalgia. Como es el caso de una fotografía”.

-BODEGÓN o NATURALEZA MUERTA, (En el Arte) "Cuenco con frutas y vegetales" -Pintura mural en Pompeya, Italia, siglo I d.c. Se sabe que ya los antiguos egipcios decoraban las tumbas con pinturas de frutas, vegetales y otros alimentos, que alimentarían al fallecido en el más allá.

III

Estudio del color

Estudio del color complementario

El color / Teoría del colorEmpezaremos diciendo que el color en sí no existe, no es una característica del objeto, e s más bien una apreciación subjetiva nuestra. Por tanto, podemos definirlo como, una sensación que se produce en respuesta a la estimulación del ojo y de sus mecanismos nerviosos, por la energía luminosa de ciertas longitudes de onda.El color es pues un hecho de la v is ión que resu l ta de las diferencias de percepciones del ojo a distintas longitudes de onda que componen lo que se denomina el "espectro" de luz blanca reflejada en una hoja de pape l. Estas ondas visibles son aquellas cuya longitud de onda está comprendida entre los 400 y los 700 nanómetros; más allá d e e s t o s l í m i t e s s i g u e n existiendo radiaciones, pero ya no son percibidos por nuestra vista.L o q u e o c u r r e c u a n d o percibimos un objeto de un determinado color, es que la superficie de ese objeto refleja una parte del espectro de luz blanca que recibe y absorbe las demás. La luz blanca está fo rmada por t res co lo res básicos: rojo intenso, verde y azul violeta. Por ejemplo, en el caso de objeto de color rojo, éste

absorbe el verde y el azul, y refleja el resto de la luz que es interpretado por nuestra retina como color rojo. Este fenómeno fue descubierto en 1666 por Isaac Newton, que observó que cuando un haz de luz blanca traspasaba un prisma de cristal, dicho haz se dividía en un espectro de colores idéntico al del arco iris: rojo, anaranjado, amarillo, verde, azul, añil y violeta.En las artes gráficas tenemos dos grandes categorías con respecto al color, imagen en color e imagen en blanco ynegro , en és tas ú l t imas podemos diferenciar: - Imágenes a pluma. - imágenes tramadas: mediante diferentes tipos de gris. Asimismo, las imágenes en color se pueden dividir en dos categorías: - co lo res p lanos : manchas uniformesde color. - D e g r a d a d o s , t a m b i é n t ramadas. E l co lor es un elemento básico a la hora de elaborar un mensaje visual.Muchas veces, el color no es un simple atributo que recubre la forma de las cosas en busca de la fidelidad reproducida. A pesar de que, sin el color la forma permanece, con frecuencia el Mensajes es, precisamente, el Color,o lo que sólo puede

expresarse por el Color.M á s a l l á d e l a m e r a identificación o asociación, el color también se puede emplear para crear experiencias. El publicista representa el producto en su anuncio mediante la f o r m a , p e r o a ñ a d e l a s c cualidades del color. El color puede llegar a ser la traducción visual de nuestros sentidos, o despertar éstos mediante la gama de colores utilizados.Podremos dar sensación de frío, de apetecible, de rugoso, de limpio...El color está presente en todos los aspectos de la identidad empresarial y de marca. En la identidad, las empresas pueden hacer que el color sea e l p r inc ipa l e lemento de su identidad utilizando un único color o una paleta de colorescomo parte de su identidad visual. Si el color se emplea uniformemente en una serie de elementos de la identidad, se termina convirt iendo en la rúbrica de la empresa.Aprender a ver el color y obtener una interpretación de sus propiedades inherentes ha de ser el punto de part ida si d e s e a m o s r e a l i z a r u n tratamiento eficaz de éste en las distintas aplicaciones gráficas que hagamos.

Los colores complementarios se forman mezclando un color primario con el secundario opuesto en el triángulo del color. Son colores opuestos aquellos que se equilibran e intensifican mutuamente.

Ro

jo / V

erd

e

Am

arill

o / V

iole

ta

Azu

l / A

nara

njad

o

Los colores complementarios son los aquellos colores que están enfrentados en el círculo cromático.Podemos mencionar el verde, que se complementa con el magenta o el amarillo anaranjado, que se complementa con el azul violáceo.Los colores complementarios se caracterizan por proporcionar un fuerte contraste con colores más vivos.

IV

Estudio del color análogo

Leyenda:

Los colores análogos son aquellos que se encuentran a ambos lados de cualquier color en el círculo cromático, son los colores vecinos del círculo cromático los cuales, tiene un color como común denominador, si se tomase como color dominante el rojo pudiendo formar un esquema de colores análogos con los otros tres cor re la t ivos en e l c í rcu lo c romát ico3 representados en la acuarela por el laca de garanza, el púrpura y el violeta. Los colores análogos también son parecidos a los colores

terciarios, porque se combinan entre primarios y secundarios que forman los colores análogo en el circulo cromático.Los colores análogos son base del esquema armónico en la elección de los colores de la decoración y las paredes.Otro ejemplo los análogos del naranja serían el rojo y el amarillo. En un sentido más específico, los análogos del rojo, serían rojo violáceo y rojo anaranjado. O también gama de azules, desde el verdoso al violáceo

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1.- Amarillo2.- Amarillo verdoso3.- Verde4.- Azul verdoso5.- Azul6.- Azul violáceo7.- Violeta8.- rojo violáceo9.- Rojo10.- Roja anaranjado11.- Anaranjado12.- Amarillo anaranjado

Se llaman colores cálidos aquellos que van del rojo al amarillo y los colores fríos son los que van del azul al verde. Esta división de los colores en cálidos y fríos radica simplemente en la sensación y experiencia humana. La calidez y la frialdad atienden a sensaciones térmicas subjetivas.

Los colores, de alguna manera, nos pueden llegar a transmitir estas sensaciones. Un color frío y uno cálido se complementan, tal como ocurre con un color primario y uno compuesto.

Colores Cálidos y Fríos

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Por supuesto que podrías comprar un lienzo preparado en cualquier tienda de artículos de arte que te evitarías mucho trabajo, pero si eres un poco mas exigente y estas buscando una preparación adecuada a tus necesidades estos consejos te podrian servir.

Consejo 1:Para empezar debieras de tener listones de madera de 2cm x 3cm para luego armarlo tu bastidor según sea la medida (30cm x 40cm) una vez armado el bastidor puedes proceder a tensar la tela.(se recomienda que un lado debe estar rebajado, ubicando éste al interior del bastidor)

Consejo 2:Hay muchos materiales para preparar la tela lo recomendable para estos casos es 1 vaso de pintura al agua, 1/4 de goma sintética y agua.

Consejo 3:El preparado se realiza en un recipiente grande en el que deberás verter la pintura al agua mas la goma sintética y agregar el agua según sea necesario.

Consejo 4:El temple es cuando se obtiene una mezcla

adecuada (siendo su consistencia la caída de la leche de un tarro)

Consejo 5:Recuerda lijar entre capa y capa, pasamos la primera capa con una brocha en forma horizontal y dejamos secar por un periodo de 1 a 2 horas en la sombra luego pasar la siguiente hasta un promedio de 3 capas siempre intercalando la forma de pasar.

Consejo 6:Se recomienda siempre tener el apoyo de la familia desde su inicio hasta terminar el lienzo.

Consejo 7:Cualquier lienzo sin importar que tan bien preparado esta si recibe algun golpe o se dobla fuertemente inebitablemente se va a craquelar.

Consejo 8:Si tu lienzo se dobla al estar enrrollado o al estar en el bastidor , recibe un golpe lijero, puedes solucionar el problema aplicandole un poco de agua por la parte posterior, el lienzo tiene que estar montado en un bastidor para evitar que se arruge, te sorprendera el resultado.

Pasos y procesos para el preparado del Lienzo V

a pintura sobre lienzo es algo difícil, pero a la

Lvez gratificante. Es una profesión que saca a l a r t i s t a q u e l l e v a m o s d e n t r o .

Tradicionalmente las telas eran pintadas con óleo o acrílico, utilizando diferentes formas: suelta en

un rodillo, estirada en un marco o pegadas a un tablero. El lienzo del artista es un tejido que puede ser de algodón, lino, yute o de poliéster. Saber cómo trabajar con pintura en un lienzo, le garantiza una memorable pieza de arte.

Conociendo el lienzo

Historia:

Caracteristicas:

Lienzo es una tela que sirve como soporte a las artes pictóricas hecho normalmente de lino, algodón o cáñamo. También se denomina lienzo a la obra pictórica en si una vez plasmada sobre la tela.

Sobre tela se pintó ya en la Antigüedad, como atestigua la referencia de Plinio el Viejo a un retrato de Nerón ejecutado sobre una tela de más de treinta metros. No obstante, se conservan pocas pinturas sobre lienzo anteriores al siglo XIV, tanto por ser más escasas, como por el hecho de que se pintaba sobre tela temas profanos, como banderas o decoraciones festivas, lo que determina que no se conservasen.Uno de los óleos sobre lienzo más antiguos que se ha conservado es el cuadro francés Virgen con ángeles, datado alrededor de 1410 que se conserva en la Gemäldegalerie de Berlín, lo que es también una fecha muy temprana para una pintura al óleo. Sin embargo, la pintura sobre tabla siguió siendo más habitual hasta el siglo XVI en Italia y el XVII en el Norte de Europa. Mantegna y los artistas venecianos estuvieron entre los que lideraron el cambio. Tenían a su disposición

lienzo de velas venecianas y se consideraban de la mejor calidad.A partir del Renacimiento, se generalizó el uso de este soporte, que puede considerarse el de más éxito en la historia de la pintura. En lugares como la Venecia del siglo XVI, el lienzo aventajó al fresco por ser más resistente al frío y la humedad del invierno. Pero la principal ventaja comparativa del lienzo frente a los dos soportes anteriores en el tiempo (el muro y la tabla) es su liviandad, que permite transportarlo fácilmente y lograr grandes formatos con soportes más ligeros. De esta manera, se expandió su comercialización. También permitió que el arte de la pintura se convirtiera en botín de guerra, como ocurrió con la toma del castillo de Praga por los suecos en 1648, en el curso de la Guerra de los Treinta Años o los saqueos de pintura italiana por los ejércitos napoleónicos.

La tela puede estar fijada mediante adhesivo a un sopor te só l ido , que es lo que se h izo primitivamente, tensando las telas sobre tablas. Pero lo tradicional es que se fije sobre un bastidor, marco de madera reforzado en el centro por dos montantes y al que se fijaba la tela mediante cordeles que se atan a las espigas que rodean el borde del marco. A partir del siglo XVIII la tela se dejó unida al bastidor. En el siglo XIX se empezaron a producir bastidores industriales en serie. Para tensar más la tela se pueden introducir pequeñas cuñas de madera en las esquinas. Usando el bastidor, la tela queda suficientemente tensa para poder pintar sobre ella. Dependiendo de la forma del bastidor, así será el cuadro: bien apaisado (más ancho que alto), bien vertical (más alto que ancho). Aunque generalmente tiene forma de rectángulo, ocasionalmente se trabajaron otras, como los tondi (forma redonda, por ejemplo, la Alegoría de la Industria de Goya) o los shaped canvas de algunos expresionistas abstractos como Barnett Newman.El lienzo se prepara mediante la imprimación, para evitar que la pintura al óleo entrase en contacto directo con las fibras del lienzo, lo que haría que el lienzo se deteriorase. Básicamente, se trata de aplicar sucesivas capas de productos químicos (cola, glicerina, óxido de cinc, etc.) hasta llegar a tener una superficie lisa y, generalmente, blanca

sob re l a que a p l i c a r l a p i n t u r a , generalmente, ó l e o . U n a i m p r i m a c i ó n tradicional de c r e t a s e c o m p o n e d e carbonato de plomo y aceite d e l i n a z a , aplicado sobre un fondo de cola d e p i e l d e c o n e j o ; u n a v a r i a c i ó n , u s a n d o pigmento blanco de titanio y carbonato cálcico es bastante quebradizo y tendente a cuartearse. La pintura de plomo es venenosa, así que ha de manejarse con cuidado. Actualmente están disponibles imprimaciones más flexibles y alternativas, siendo la más popular pintura de látex sintético compuesto de dióxido de titanio y carbonato cálcico, unidos con una emulsión termo-plástica.